 |
Last login: 12 июля 2017, 11:38
|
 |
| 
|
|
|
 |
|
| Die Tore der Welt…
На этой EP-шке норвежские тролли из клана Trollfest позволили себе гульнуть. Занесло их основательно в края гораздо более благодатные, нежели норвежская земля, а именно - в центр Европы и на Балканы. Путешествие началось ещё на альбоме «Villagen», откуда взят заглавный трэк «Uraltes Elemente», мелодика которого так напоминает болгарский танец. Есть в нем и партия саксофона. Однако вы вряд ли сразу узнаете этот инструмент: он звучит не академично. Мелодия «фыркает и бурлит», как в фильмах Эмира Кустурицы. Похоже, что тролли растеряли под конец своей дальней прогулки и большинство инструментов – осталась только пара бубнов, так что закрывашка «Bassen til Tor» построена на этнической перкуссии. Однако больше всего забавляет песенка-инсценировка «Ich Liebe Zug». Это аутентичная ярмарочная полька с ведущим аккордеоном звучит без каких-либо «метал-реминисценций».
Trollfest всегда отличались ярко выраженной театральностью. По сути, музыканты не просто поют, а играют роль троллей. То и дело вы слышите крики, бормотание, чавканье и другие звуки, выражающие весь спектр тролльских эмоций. Очень натурально! А на рецензируемой пластинке, с лошадиной компонентой фолка и мышиной – блэка, эта театральность особенно хорошо заметна. Эта «уральская» пластинка древностей содержит много новых идей, которые и были раскрыты в следующем альбоме группы «En Kvest For Den Heillige Gral” – явном продолжении темы «разброда и шатания троллей». Ну а «Uraltes Elemente» вполне заслужили 8. Jetzt… auf dem Weg!
|
|  |
|
|
|
|
|
| Новый альбом Soulfly порадовал меня в главном: уникальное этническое звучание, которое практически было забыто Максом на «Enslaved», снова есть! Хотя на этот раз это касается больше экспериментов со звучанием, нежели ритмических построений (хотя традиционные „этно-сбивки“ сразу же будут слышны на открывашке „Bloodshed“ - но и только на ней). Какие же изменения в звучании можно найти на этом релизе и почему мне кажется, что это всё звучит „более аутентично“?
Дело в том, что на этот раз „Макс и Со“ решили добавить немного хардкор-риффинга и спаять его с тем „мешуггово-современным“ саундом, который Soulfly опробовали на предыдущем альбоме. Кстати говоря, о том, что хардкор овладел умом Макса, можно даже судить по тому, что на этом альбоме вы почти не услышите типичных для трэша партий соло-гитары, вместо них вы обнаружите мат-металльные эмбиентные „зависания“ („Fallen“, „El Comegente“ или „Master of Savagery“). На релизе есть даже „трушный“ хардкор-вокал в трэке «K.C.S.»: в дуэте с Максом поёт Митч Харрис (гитарист и второй вокалист Napalm Death). И мне кажется, что такое направление подходит группе больше, чем то, которое явил миру „Enslaved“. Ведь хардкор - „допотопный стиль“, в том плане, что он так и не стал в полном смысле мэйнстримом (металл стал, а у хардкора это не получилось). И поэтому он слушается как раз так, как надо (то есть „более дико“).
Я не могу сказать, что на сегодняшний день этот альбом – лучший в дискографии группы, я думаю, что в истории Soulfly он скорее всего выполнит роль, которая похожа на роль релиза „Dark Age“. Тот тоже был очень экспериментальный, „сырой“, но интересный. „Dark Age“ предшествовал и заложил основу образцовому „Conquer“. Скорее всего, „Savages“ является подготовкой к некому новому этапу в биографии группы. Как дальше повернётся – никто не знает, но потенциал есть – это точно! Рецензируемый альбом я не назову „крепким“, я назову его несколько странным и весьма разнообразным. Особенно непривычно его будет слушать тем, кто всё ждёт от Soulfly прежних сепультуровских побед или классики трэша в русле Cavalera Conspiracy. Однако спешу порадовать поклонников ранней Sepultura. В альбоме вы найдёте гитарные эффекты, похожие на те, которые были в „Arise“: скрежетание ползущего монстра особенно хорошо удалось в „Spiral“ (очень оригинальная композиция с неожиданной инструментальной концовкой и очень интересным „потусторонним ниспадающим шреддингом“ от Марка Риццо). Латиноамериканский колорит вы услышите в Soulfly IX: можно фламенко cтанцевать!
В конце рецензии я предположу, что на этот раз Макс Кавалера вдохновлялся творчеством собственных детей. Дело в том, что старший сын Макса - ударник Зайон Кавалера - основал группу Lody Kong, которая недавно выпустила свою первую EP-шку „No Rules“. Группа Lody Kong играет весьма оригинальный хардкор-панк, в звучании которого присутствует множество гитарных эффектов. Так что у них выходит „психоделический“ хардкор-панк. Кстати говоря, в „Bloodshed“ своему папе подпевает младший из Кавалера, второй сын Макса - Игор, который является тёзкой знаменитого брата Макса, тоже Игора. Младший Игор является вокалистом и ритм-гитаристом в „Lody Kong“. Вот такая семейная история... Авраам родил Исаака; Исаак родил Иакова; Иаков родил Иуду и братьев его...
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1999 году, спустя целых пять лет после выпуска предыдущего альбома, группа Suicidal Tendencies записала не просто политически оппозиционный релиз, а сбросила на головы американских политиков „Freedumb“ – бомбу едкого сарказма. Проведу аналогию. Представьте себе, если бы какая-то группа из России поместила на своём альбоме карикатуру на знаменитую фотографию „Знамя Победы над Рейхстагом“. Так вот, на обложке „Freedumb“ – карикатура на известный каждому американцу исторический снимок «Поднятие флага над Иводзимой» (она изображает пятерых морских пехотинцев США и санитара ВМС США, поднимающих флаг Соединённых Штатов на вершине горы Сурибати во время битвы за Иводзиму во Второй мировой войне. Исходом этой битвы, повлекшей громадные человеческие потери с обеих сторон и значительные денежные вливания, была победа американцев). Само название альбома - это неологизм, который иронично обыгрывает слово freedom - один из идеалов американской демократии.
Напомню, что предыдущий альбом „Suicidal for Life“ был невероятно высокого уровня. Я даже не побоюсь утверждать, что „Suicidal for Life“ - это не просто хороший релиз в своём стиле, это творение, которое является образцовым вообще для рок-музыки. Да, формально это трэш-альбом с использованием ритмических построений фанка, но некоторые композиции реально „тянут“ на рок-песни с Большой Буквы - „No Bullshit“, „Love vs Loneliness“. В каком-то смысле этот альбом – результат мощной саморефлексии Мьюира, и поэтому он ассоциируется прежде всего с Майком.
„Freedumb“ не похож на „Suicidal for Life“. Он более экспериментальный и ещё более техничный (хотя, казалось бы, куда ещё больше). Новый басист группы Джош Пол, который сменил Роберта Трухильо, творит просто чудеса техники – сразу поражает басовое интро в „Scream Out“ или в „Built To Survive“. Альбом получился более фанковый, чем его предшественник, и в этом заслуга Джоша. Кроме того, в некоторых композициях есть гранжевое звучание: великолепны в этом плане „Naked“ и „Heaven“! Не менее удивляют хардкор-композиции своими „ритмическими паузами“ и практически хард-роковыми риффовыми построениями: „Hippie Killers“, „Get Sick“. С точки зрения гитарной работы этот альбом – бриллиант чистой огранки. Да и Мьюир снова удивляет своими „ораторскими способностями“: его речитативы блестяще спаяны с ритмическими структурами. Появились голосовые наложения-переклички – в „We are Family“. Хотя подчеркну, роль Майка в группе теперь уравновешена. Можно сказать, что „Freedumb“ - это альбом именно вновь обновлённой группы Suicidal Tendencies, заслуживающий максимальной оценки. Однако мировоззрение самого Майка сильно поменялось...
I'm so excited today I'm gonna die
But I'll live forever so it's not really goodbye
God has a plan for me and a plan for you
So there's no reason to cry
|
| |
|
|
|
|
|
| Поначалу альбом «Nebulae» группы Essences меня несколько озадачил. Музыка какой страны послужила отправной точкой? Звучание какого времени группа хотела воссоздать? Могу сказать, что альбом сразу вызвал ассоциации с чем-то античным. Мне представлялся греческий храм одной из богинь, в котором находится прекрасная жрица этого храма, исполняющая песни в честь своей повелительницы. Песня «Favola» (Ora di Luna) как-будто эллинского происхождения — это так естественно для итальянской группы. Однако, если обратить внимание на другую песню - маршеподобную «Durendal», то всё становится на свои места. Durendal - знаменитый меч, история которого отсылает нас в период раннего европейского средневековья (где-то на территории нынешней Франции). Соответственно, тут же воображение рисует крепостные стены, подъемные мосты, ворота средневековых замков. Всё скрежещет, с шумом захлопывается. В некоторых песнях даже можно найти имитацию звуков старинных механизмов (хотя, может быть, и не совсем старинных): есть налёт этакой стимпанковской индастриальности («Worms», «Blindfaith»). Да, музыка слушается весьма аутентично. Во-первых, используемые ударные инструменты не звучат современно, а иногда кажется, что музыкант, отвечающий в группе за перкуссию даже не успевает порой вовремя вступить. Звуки колоколов завораживают. Во-вторых, гитара акустическая — никакого электрического современного напора. Великолепны и разнообразны партии флейты, а синтезаторы избегают ритмических построений. В-третьих, ощущение аутентичности усиливают используемые звуки природы: ветер, морской прибой перенесут вас из душной комнаты на средиземноморское побережье.
Говоря о подобных музыкальных образцах, трудно избежать сравнения с легендарной группой Dead Can Dance. Здесь тоже чувствуется пост-панковская «закваска» (например, в «His Hands, Your Tears»). Однако группа как будто избегает любых общеизвестных мелодических построений, поэтому всё звучит весьма оригинально. Кроме того, складывается впечатление, что музыканты старались создать у слушателя ощущение того, что эта запись — пробный вариант, черновик, который будет переработан, доделан. Однако вовсе не в плохом смысле... напротив, очень интересный черновик, очарование которого может быть погублено путём осовременивания.
По поводу вокальных партий. Как было написано выше, поначалу голос вокалистки отослал меня к античности. Её вокальные возможности порадовали меня вариативностью. То она берёт правильные классические интервалы меццо-сопрано, то мастерски «сползает» по полутонам, «недотягивает ноты», как в готик- или дэт-роке. Однако после нескольких прослушиваний у меня сложилось ощущение, что этот голос слишком яркий для такой музыки. Он слишком сильно выбивается из общего полотна, сразу акцентирует на себе львиную долю внимания и поэтому быстро надоедает. Мне кажется, что такой музыке больше подойдёт что-то более «андрогинное», типа Таниты Тикарам. Другой выход - поддерживающий мужской вокал, который бы немного сглаживал столь яркую женственную эмоциональность. Когда-то я недооценивала вокальные номера, исполненные Бренданом Перри из Dead Can Dance, теперь же понимаю, что божественный голос Лизы сиял ещё лучше при поддержке Брендана.
Не знаю, как оценят этот альбом любители и знатоки данного жанра, но я поставлю альбому 8 за то, что так вот легко позволил мне попутешествовать во времени и даже смог сбить с толку. Хотя, конечно, подобная музыка не может явиться моим постоянным музыкальным сопровождением по жизни — должной энергии не хватает.
|
| |
|
|
|
|
|
| На рубеже десятилетий, в ходе работы над альбомом «Light...Camera...Revolution», лидер, вокалист и идейный вдохновитель группы Майк Мьюир решил, что будет правильно перезаписать дебютный альбом Suicidal Tendencies в новом звучании, добавить туда несколько композиций с последующих альбомов и назвать всё это новым «студийником». Согласитесь, довольно рискованный шаг. Ведь это могло было быть воспринято поклонниками следующим образом: „Мьюир исписался, группа переигрывает старые песни и называет это новым альбомом, вместо того, чтобы записать новые“. Однако, на мой взгляд, Мьюир имел право дать такой высокий статус этой компиляции. Думаю, что дело даже не в том, что к этому рубежу он собрал новую группу, оставшись единственным оригинальным участником коллектива (поэтому на обложке единственный подвешен вверх ногами), и добился с новым коллективом весьма существенных успехов, а в том, что сам Мьюир, вероятно, стал несколько иначе относиться ко всему тому, что он делает. Творчество Suicidal Tendencies перестало быть для него просто выражением так называемого «подросткового максимализма», оно стало делом жизни. Этот альбом, несомненно, является психологическим рубежом, когда Мьюир больше не чувствовал себя только лишь бунтующим подростком, а ощутил, что может сделать гораздо большее. После этого релиза он основал собственный лейбл Suicidal Records, с которого и были выпущены все последующие работы: разнообразные, экспериментальные, высокотехничные альбомы, составляющие золотой запас любителей жанра. Пожалуй, только Corrosion of Conformity могут быть сравнимы с «суицидалами» по уровню экспериментальности в конце девяностых-начале двухтысячных. Да, всё последующее творчество Suicidal Tendencies - это неуклонное развитие, усовершенствование музыки, осмысление жизни на совсем другом уровне. При том, что Мьюир никогда не «звездил», подобно многим рок- и металл-знаменитостям. При всём высоченном уровне музыкального материала, уважении группы даже в кругу своих соратников по цеху, он предпочёл остаться всё тем же «скейтером», неизменно оставляя в своих альбомах тему «Cyco Style». Этим альбомом группа как бы говорит: да, мы скейтеры, и отныне наша музыка будет не менее захватывающая, чем акробатические трюки на скейте. Что можно ещё добавить? Банально, но звук здесь стал соответствовать требованиям времени: всё звучит более ярко, гитары существенно потяжелели. И с этого момента можно считать, что существует лоу-файная версия дебютника, который напоминает хардкор-звучание, и «металлическая» версия дебютника. Из дополнительных к нему песен самая удачная - "War Inside My Head" со второго релиза группы. Она как нельзя лучше отражает общий смысловой посыл коллектива. Думаю, что "Stiil Cyco After All These Years" заслуживает семёрки. Подростки выросли и сами стали взрослыми, но «внутренняя война» не утихает и не утихнет никогда...
|
| |
|
|
|
|
|
| Разница между ранним творчеством группы Orphaned Land и более поздним такая же, как между музейными экспонатами и сувенирной продукцией для туристов. Если раньше, до „Mabool“, эти израильтяне играли добротный дэт-дум с аутентичной ближневосточной мелодикой и перкуссией (мне очень нравится альбом 1996 года „El Norra Allia“), то последние три альбома исполняют „беззубый“ прог-металл на основе турецко-еврейской эстрады. Почему беззубый, спросите вы? Да потому что отсутствует в этом материале проговая „смекалка“: всё слишком просто – нет интересных ритмических решений, разноплановости, нелинейного развёртывания композиций, вкраплений других жанров, пресловутой многослойности наконец... И если „Mabool“ ещё имел налёт какой-то необъяснимой европейцу восточной загадочности, то вот уже второй альбом Orphaned Land является просто весьма качественным продуктом для европейских туристов. И идея-то альбома какая толерантная: популярный нынче мультикультурализм.
На мой личный взгляд сотрудничество со Стивеном Уилсоном в качестве продюсера сказалось на творчестве этой группы негативно. Этот прог-зануда словно выварил весь смак из композиций, сделав их безвкусными и однородными, лишь прикрытыми сверху толстым слоем приторного рахат-лукума - то есть избитыми восточными мелодическими переливами, до боли знакомыми всем, кто хоть когда-нибудь проводил отпуск в Турции или Египте и останавливался в местных туристических забегаловках. Таких обезличенных композиций на альбоме слишком – почти все! Но верх невыразительности – это инструментал „Freedom“... слушая эту композицию, всё ждёшь, а когда же начнётся-то хоть что-то? Вроде бы гитарные переборы должны куда-то разрешиться, ан нет, этого не происходит, всё возвращается на круги своя. Образцом эстрадно-курортной расслабленности можно считать „Shama'im“. Невозможно выносить, когда Коби Фархи начинает петь „базарным“ голосом, кажется, что ещё немного, и начнёт бусики из кораллов предлагать. Да ещё вдобавок у него за спиной где-то там маячит свора таких же торговцев и подпевает ему хором. Нет, я не могу это слушать...простите, но выдержки у меня не хватает.
И вот тут я поставлю многозначительный союз НО! Одна песня мне понравилась, даже очень, это „The Simple Man“ - это вот „зубастый“ прог, с выпуклой партией баса, с интригой, неожиданными разворотом композиции и аутентичным танцевальным ритмом. Под эту композицию мне захотелось станцевать – а это многого стоит! Из-за неё поставлю альбому целых 5 баллов!
|
| |
|
|
|
|
|
| Уже через год после релиза дебютника, в 2003-м, у Zeraphine выходит второй альбом, звучание которого нельзя спутать с саундом его предшественника: группа перестала использовать индастриальную электронику, гитары звучат ещё мягче („колкость“ гитар Dreadful Shadows совсем пропала), снова большинство песен исполнено на английском языке. "Traumaworld" звучит скорее альтернативно, хотя главное влияние очевидно, ведь на альбоме есть кавер на песню „In Your Room“ Depeche Mode. Некоторые представленные песни очень напоминают медляки от этих грандов мировой поп-музыки (к примеру, „Failing Breath“, „For A Moment“, или, собственно, заглавная „Trauma World“). Впрочем, нельзя сказать, что Zeraphine полностью изменили своим корням. Конечно, нет! Здесь вы найдёте прекрасные образцы осовремененного готик-рока. Таковы „No More Doubts“, „No Tears“, „Be My Rain“, „Stop Pretending“, которые порой напоминают то The Cure, то Joy Division. Поставлю этому альбому восьмёрку за некоторую вторичность: на нем группа всё ещё находилась в поиске собственного оригинального стиля. Я действительно больше ценю более позднее творчество Zeraphine.
Первый и второй релизы Zeraphine отличаются друг от друга не только в музыкальном плане. Они и повествуют о разном. Все проходят через ситуацию расставания. Однако одно дело, когда уходишь ты, а другое - когда оставляют тебя. Одна и та же тема, но чувства разнятся. На дебютнике есть весьма агрессивная песня „Lass mich gehen“ („Позволь мне уйти“), а на втором печальная и медленная „Wenn du gehst“ („Когда ты уйдёшь“). И поэтому эти два альбома сильно различаются именно в настроении, как взгляды на оду и ту же ситуацию с разных сторон. Как тут не вспомнить о том, что расставание - маленькая смерть! Вероятно, сияющий в лучах холодного солнца Серафим, спустившись вниз, не нашёл там ничего кроме травмирующего мира...
|
| |
|
|
|
|
|
| ...в абсолютной тишине передо мной лежало застывшее горное озеро, промёрзшее насквозь: даже видны были чёрные валуны на его дне. На поверхности льда было множество тёмных фигур, которые можно было принять за разбросанные по льду большие камни: подойдя к берегу стало понятно, что это не валуны, а вмёрзшие в лёд неподвижные тела людей...
В 1999 году немецкие готик-рокеры Dreadful Shadows „заморозили“ деятельность группы, отыграв прощальный тур и выпустив посмертную компиляцию. Однако вокалист коллектива Свен Фридерих и не думал покинуть своих слушателей, а спустился к ним в 2002 году образе сияющего Серафима в лучах ультрамаринового холодного солнца. Дебютный альбом новой группы Zeraphine носит название „Kalte Sonne“.
Пишут, что прекращение существования Dreadful Shadows связано с довольно жесткой критикой их последнего альбома. Кроме того, известно, что впоследствии сами участники Zeraphine удивлялись по поводу весьма неплохих показателей продаж своего дебютника, а СМИ связывали это с некой „инерцией“ поклонников предыдущего проекта. Якобы они просто по привычке покупали альбом Zeraphine, принимая его за продолжение Dreadful Shadows. Что ж, такое мнение имеет право на существование, поскольку действительно Dreadful Shadows в середине девяностых имели статус культовой группы на европейской готической сцене. Однако прослушав рецензируемый альбом, можно прийти и к другим выводам.
Предположу даже, что многие поклонники Dreadful Shadows, напротив, были разочарованы, потому что музыка стала более лёгкой для восприятия, менее авангардной, ещё более мелодичной и даже танцевальной. То есть, по правде говоря, стала более „попсовой“. Думаю, что музыка Zeraphine рассчитана на более широкий круг слушателей, по сравнению с Dreadful Shadows, даже несмотря на то, что Свен предпочёл в этот раз родной немецкий язык, и поэтому альбом стал неплохо продаваться. Некоторые отдельные трэки даже язык не поворачивается назвать „роком“ (к примеру, «Sterne Sehen»). Кроме того, звучание стало более индастриальным (особенно «Unter Eis» или «Lass mich gehen» — самые мрачные из всего материала). Да, это музыка, в которой вы с лёгкостью найдёте великолепные мелодии, разнообразные синтезаторные звуковые решения и ещё красивую и глубокую лирику. Добавлю, что Свен решил ограничиться именно электронными эффектами, и не подключать в общую картину скрипичные вариации, как раньше. Кроме того, Свен стал петь более естественно, прекратив форсированно занижать свой тембр. Хиты альбома — уже упомянутая «Sterne Sehen», неожиданно энергичная «Siamesische Einsamkeit» и «Die Wirklichkeit». В общем, можно довольно на долгое время подсесть на этот альбом. Поставлю 9 только потому, что следующие релизы тоже весьма хороши. Напоследок оставлю крик души одинокого ангела в бесконечном пространстве:
Und alles ist Licht und alles wird nichtig, unwirklich und klein
Und jede Bewegung wird erstickt - in Deinem Kopf, in meinem Kopf
Und alles ist Licht und alles wird nichtig, unwirklich und klein
Was zählt eine Welt denn ohne Dich
|
| |
|
|
|
|
|
| Группа Dominia из Санкт-Петербурга, прошедшая довольно замысловатый путь развития, в ближайшем будущем выпустит свой очередной альбом. Дебютник был записан в русле мелодик-дэт/модерн-металл жанра, а на втором альбоме музыканты не смогли устоять перед демоническим обаянием симфо-блэк металла, и довольно резко в этом направлении развернули своё творчество. Судя по всему, это не последние трансформации. Тем лучше!
Итак, в августе 2013 года группа выпустила сингл со простым и притягательным названием „Death Only“, который предваряет выход полноформатника. Скажу, что подобный формат идеально подходит к творчеству группы, в силу того, что почти каждый трэк Dominia обладает удивительной самодостаточностью. Несомненно, главная заслуга в этом принадлежит неоклассическим интро и блистательным партиям скрипки в исполнении Дмитрия „Каспера“ Ришко. При этом важно отметить, что скрипичные партии вовсе не являются „украшательством“, а занимают зачастую действительно центральное место, вокруг которого выстраивается всё остальное. Мощь и сила школы классической музыки принесла группе вполне заслуженный успех. И на рецензируемом сингле, в который входит две композиции – новая «Death Only» и концертное исполнение «Cellar Door» - вы также услышите красивые партии скрипки. Хотя на этот раз этому инструменту пришлось потесниться, потому что в записи этой композиции приняла участие немецкая вокалистка Габи Косс, известная слушателям по совместной работе с такими коллективами как Haggard и Equilibrium. Её участие придало дополнительного медивал-очарования (можно было бы написать готик-очарования, но я не люблю употреблять слово „готика“ в отношении металл-музыки). Габи Косс исполняет довольно простую, но яркую партию в дуэте с постоянным вокалистом и лидером группы Антоном Роса, который ради такого случая прорычал приглушённо, временами даже переходя на чистый, довольно „театральный“ вокал. Кстати говоря, Габи хоть и обладает классическим сопрано, однако использует его только в связующих моментах или декоративных «хоралах». Чаще всего в ходе этой композиции она поёт естественным голосом, что придаёт музыке камерности. Уютная получалась композиция. Уютно ли вы себя чувствуйте, находясь в старинном фамильном склепе? Тогда это композиция для вас. Добавлю, что похоже группа снова решила удивить нас выбором жанра. «Death Only» звучит похоже на дум-дэт-металл с характерной неторопливой риффовой структурой и традиционными маршеобразными сбивками. Посмотрим, будет ли сделан весь альбом в этом направлении. «Cellar Door» - композиция с раннего сингла группы, весьма хорошо вписывается в общее величественное настроение сингла. Вот такой получился похоронный марш от Dominia. Хотите влиться в процессию? Тогда приятного прослушивания. Сингл вполне заслужил высокого балла, прежде всего за неожиданно неторопливое новое звучание, за постепенное развёртывание композиции (поэтому она обладает динамикой, и её не надоедает слушать на всём протяжении) и, несомненно, гармоничный дуэт вокалистов. Однако справедливости ради отмечу, что порой кажется, будто голос Габи неожиданно пропадает, а потом появляется вновь. Может быть такие исчезновения были специально задуманы. Бесплотные духи вообще не отличаются постоянством. Тем не менее — 8. Only Death Is Real!
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1981 году Hawkwind выпустили альбом, который по своему настроению и смысловому содержанию радикально отличается от того, что эта группа сделала буквально год назад. Если "Levitation" - это гармония, эйфория, головокружительное сказочное парение, то "Sonic Attack" – паника, болезненная агрессивность и безнадёжный мрак.
Справедливости ради надо заметить, что заглавная песня „Sonic Attack“ за авторством фантаста Майкла Муркока появилась ещё в 1973 и вошла в последнюю часть концертного сборника „Space Ritual“. Однако тогда она выполняла роль некой „декорирующей вставки“, поскольку является так называемым spoken-word-треком и поэтому её тревожный посыл несколько терялся. В 1981 году ей отведена совсем другая роль: теперь эта композиция заглавная, и альбом встречает нас постоянно повторяющимися тревожными декламациями „Think only of yourself! Do not panic!“ и далее по тексту „Use those seconds sensibly or you will inevitably die!“ Однако лично сам Муркок читает текст вовсе не в этой композиции, а в седьмой „Coded Languages“. Интересно проведена обработка его голоса: многочисленные наложения слова „question“ формируют специфический „лингвистический шум“, на фоне которого продолжаются истерические возгласы с напрягающей настойчивостью.
Группе удалось найти более тяжёлое звучание. Настройка гитар сильно приблизилась к тому, что можно услышать в хард-роке или даже хэви-металле. Это и не удивительно: ведь наступили золотые времена NWOBHM. А Броку и его единомышленникам всегда удавалось запечатлеть ускользающее мгновение, сделать довольно точный снимок той реальности, когда происходила запись, и при этом не слиться с ней. Вероятно поэтому Hawkwind никогда не были „в тренде“, всегда оставаясь в андерграунде. Однако совершенно точно нельзя сказать, что Hawkwind заиграли хэви, Брок остался верен засилью гитарных и клавишных эффектов, добавив в них ещё больше „высокотехнологических шумов“. В результате альбом вышел дисгармоничным. Броку не всегда удаётся подружить гитары с электроникой. Мне совершенно не понравился переход между трэками „Coded Languages“ и „Disintegration“. Окончание „Coded Languages“ предполагало какое-то более интересное решение, а не резкий переход к риффингу. "Sonic Attack" не слушается как музыкальное произведение, а скорее как озвучка к какому-то фильму-катастрофе. И для меня это в большей степени минус (даже несмотря на то, что этим альбомом группа, несомненно, закрепила рамки жанра), потому что прослушивание релиза предполагает определённый настрой и обстановку полного покоя и отключения. А для меня это на данный момент практически невыполнимое условие. Лично мне больше всего понравилась песня „Living On A Knife Edge“, с непрерывным нарастанием объёма синтезаторных эффектов к концу композиции, в которой чувствуется кураж и эйфория, что роднит её с творениями с предыдущего альбома. Выделю ещё, пожалуй, самую мрачную „Angel Of Death“ (как оказалось, не только у трэшеров есть свой ангел смерти, но и у спейс-рокеров тоже). Интересно решение - использовать звук пистолетных выстрелов в „Streets Of Fear“ в качестве ритмической основы... В итоге, на мой взгляд, альбом уступает во всём своему предшественнику, и поэтому – 7. Однако это первый альбом, который открывает „золотые времена электронной эры Hawkwind“.
P.S. Бороздя космические пространства, всегда нужно быть готовым к встрече с неизвестным. Постоянно маячит перспектива столкнуться с космическими существами, с которыми нельзя ни договориться, ни объяснить что-то, ни прийти хотя бы к какому-то компромиссу. Полчища психотронных космических зомби под предводительством беспощадной богини Исиды будут непрерывно мучить ваше сознание, подчиняя его чужой воле. Какие пути выхода из сложившейся ситуации? Единственное, что остаётся, так это задействовать иные психические модули. В 1981 году, перед выходом "Sonic Attack" Дэйв Брок разорвал контракт с Bronze Records после того, как лейбл ответил отказом на его просьбу выпустить концертный альбом Hawkwind (под предлогом, что концертники не выпускает принципиально) и почти сразу же выпустил «живой» EP Motorhead. Пишут, что Брок был взбешён этим обстоятельством. Следующие два альбома Hawkwind после "Sonic Attack" стали почти полностью электронными, гитары вышли на второй план. Группа нашла новый модуль.
|
| |
|
|
|
|
|
| Безусловно, самое важное для молодой группы - найти свою индивидуальность. Не всегда удаётся обрести собственное лицо уже на дебютном альбоме, однако шведским ребятам из Truckfighters это удалось! В 2005 году этот, тогда ещё квартет музыкантов, выпустил свой дебютник под названием «Gravity X» в жанре стоунер/дезёрт рок. Казалось бы, кого сейчас можно удивить насыщенным фуззовым звучанием, приглушённым Kyuss-образным вокалом, придающим музыке нужную долю пофигизма и расслабленности? Тем не менее, Truckfighters выгодно отличаются из сонма групп, играющих подобную музыку своим прогрессивным/спейс-подходом к созданию инструментальных партий. Возможно, вы даже не почувствуйте с первого раза эту прогрессивность (да и "спейс"), но она есть, и заключается в исключительно вольном подходе к созданию связок и интро, приверженности к квакающим гитарным эффектам, порой напоминающим то, что можно услышать у ранних Pink Floyd или Hawkwind. На альбоме можно услышать даже партию трубы на «Subfloor», что также очень необычно для этого жанра. Кроме того, уже на дебютном альбоме вы услышите то, что в дальнейшем перетечёт в уверенный интерес музыкантов к альтернативному звучанию и даже пост-року, как, к примеру, в «Altered State». А вот «Manhattan Project» удивит вас красивой акустикой. В альбоме много и от психоделии в самом лучшем её исполнении: под «Freewheelin» сдвиг по фазе гарантирован каждому быстро и наверняка. Самая же «шиза» - это «Superfunk», начинающаяся с вкрадчивых, но ритмичных риффов, которые лично мне напоминают звук какого-то огромного тикающего механизма инопланетного происхождения. Конечно, у всех возникнут разные ассоциации, и нет смысла мне перечислять те, которые возникают у меня. Сказать могу только одно – вряд ли этот альбом оставит равнодушным тех, кто любит фантастические путешествия по космическим пустыням. Рассекающий по марсианской поверхности вездеход под названием Truckfighters к вашим услугам!
|
| |
|
|
|
|
|
| Если честно, то, по моим ожиданием, очередной альбом August Burns Red не должен был превзойти „Leveler“. После первого взгляда на обложку «Rescue & Restore» меня захлестнула волна пессимизма: слишком уж всё получилось просто. Вот человек с горящим сердцем впускает голубя на волю – абсолютно в духе христианских праздничных традиций. Ни тебе загадок, ни тебе аллегорий, как в прошлые разы. Даже подумать не над чем, всё слишком ясно.
Однако мои прогнозы не сбылись, и снова перед нами достойный внимания альбом, не менее, а может быть даже более интересный, чем предшественник. Ребята, вероятно, руководствуется евангельским принципом, который можно немного переиначить как: жанр для музыки, а не музыка для жанра. Да, конечно, это металкор, но об этом вспоминаешь в последнюю очередь. Главное - это оригинальные композиторские решения, гладкость и логичность связок, необычные и захватывающие мелодии, взятые из разных музыкальных традиций.
После первых прослушиваний мне показалось, что альбом слишком перегружен разнообразными «фишками», слишком много в одной отдельно взятой композиции стилевых трансформаций. Однако такое нагромождение вовсе не напрягает, за счёт создания пресловутой многослойности музыкального полотна. На мой взгляд, это основная заслуга чудо-гитариста ДжейБи Брубакера. Ему удаются удивительные гитарные партии второго плана, которые и создают тот самый контекст, позволяющий связать все эти шатания между шквалом брейкдаунов и паузами, заполненными великолепными соляками и «проповедями» вокалиста Джейка. Конечно, проговая смекалка ударника и основателя коллектива Мэтта Грейнера делает настоящие чудеса. Общие ускорения темпа действуют захватывающе, например, в "Count it All As Lost". Однако приятней всего удивляет использование в двух композициях блэковой мелодики - это «Beauty In Tragedy» и «The First Step». Именно эти композиции несут главную смысловую нагрузку альбома. Особенно мне понравилась «The First Step» с нагнетанием мистической атмосферы при помощи блэкового тремоло, каскадом бластбитов и чтением текста в конце... Впрочем, Джейк читает благодарственные стихи и в «Beauty In Tragedy», они посвящены тому, кто «to make something out of nothing»...
В итоге поставлю 9. С запасом. Можно было бы поставить десятку и „Leveler“, и этому альбому тоже, но не буду — всё лучшее, конечно, впереди!
|
| |
|
|
|
|
|
| Глава о том, как Motörhead так и не стали хэви-металл группой...
Известно, что сам Лемми неоднократно отрицал принадлежность музыки Motörhead к хэви-металлу. Действительно, несмотря на то, что Motörhead чаще всего делит сцену с металл-группами и творчество Килмистера повлияло на многие "тяжелые" коллективы, он сам остался Доктором Роком и Бугимэном. Безусловно, в музыке Motörhead встречается и характерный для хэви ритмический рисунок и гитарный риффинг, напоминающий то, что можно встретить у Judas Priest или у Iron Maiden, но это крупицы относительно всего остального. Достаточно много от хэви-металл-жанра есть на двух предыдущих альбомах, созданных в сотрудничестве Motörhead с крупным лейблом Sony. Однако Лемми не пожелал дальше иметь дело с этой компанией: он принадлежит к такому роду людей, которые совсем не переносят хоть какое-либо ограничение их свободы, диктовку чужих воззрений, особенно в плане творчества.
Поэтому, освободившись от „ига“ знаменитого лейбла, Лемми стал самим собой и группа записала альбом, который, как мне кажется, лучше всего отражает то, чем является музыка Motörhead. Именно поэтому тем, кто до этого никогда не слушал „Мотобашку“ лучше всего начать именно с него.
Дело в том, что по своему складу Лемми гораздо ближе к музыкантам первых панк-рок групп, нежели к музыкальной рок-богеме семидесятых, вроде Black Sabbath или Led Zeppelin. А ведь именно последние и явились той базой, на которой и появился металл как жанр. Становление боевой единицы под названием Motörhead происходило параллельно. Лемми Килмистер – носитель вируса рок-н-ролла пятидесятых-шестидесятых и панк-рока в русле Ramones в равной степени. Он реликт, оставшийся верным этим двум направлениям, пронёсший свою преданность им сквозь десятилетия, сохранив их под прикрытием своей гипертрофированной агрессивности. Поэтому композиции с его альбомов можно разделить на две части: утяжелённый рок-н-ролл и композиции с панковским ритмом, сыгранные на огромной скорости. Встречаются и просто великолепные среднетемповые рок-песни, некоторые из которых принято относить к балладам. Всё это вы встретите и на "Bastards". При всей моей любви к раннему периоду творчества группы до "Orgasmatron", "Bastards" отличается разнообразием композиций и их сложностью в плане композиторских решений.
Из композиций в русле утяжелённого рок-н-ролла («On Your Feet Or On Your Knees», «Born To Raise Hell», «Bad Women», «We Bring The Shake») самая удачная - «Born To Raise Hell», начинающаяся с непреклонного отстукивания ритма. Помните, когда вы слушаете такие композиции, на самом деле вы слушаете не совсем группу Motörhead, вы слушаете поминальные молитвы Лемми по рок-н-ролл кумирам пятидесятых-шестидесятых годов, причём всем сразу, начиная от Литтл Ричарда, Джими Хендрикса и заканчивая Элвисом Пресли.
В направлении сильно ускоренного и утяжелённого панк-рока (его ещё называют прототрэшем, за невероятную напористость и прямолинейность) сделаны «Burner», «Death Or Glory», «I am The Sword». Не могу выбрать лучшую, все „крышесносящие“, с зашкаливающей агрессией. Вот они-то являются оригинальной находкой группы Motörhead. Это то, что растащено всей металл-братией по альбомам и используется по сей день всеми экстремальными направлениями металл-жанра.
Есть несколько песен, которые больше всего напоминают хард-рок. Это брутальная «Liar» и «We Bring The Shake», слегка похожая на то, что делали Hawkwind (даже с обработкой голоса Лемми через вокодер). Отдельно хочется заострить внимание на балладе «Lost in The Ozone»: такое проникновенное соло на басу (!) редко где ещё встретишь. Поневоле вспоминается, что Килмистер вначале своей карьеры играл на гитаре. Пожалуй эта песня самая красивая, сложная и самая моя любимая здесь. Она об одиночестве. Другая баллада более знаменита: акустическая «Don't Let Daddy Kiss Me», она посвящена проблеме детского насилия. Поговаривают, что Лемми её написал после того, как выслушал душещипательный рассказ одной своей любовницы о её детстве.
На альбоме есть две песни, про которые можно сказать, что это хард-энд-хэви. Обе демонически притягательны: «I'm Your Man» и «Devils». Обе с основаны на хардроковом ритме и поддержаны чётким риффингом с традиционными соло-«запилами», оканчивающимися тремоло. Совершенно противоположны по настроению. «I'm Your Man» - уверенный посыл альфа-самца, а «Devils» - бессильный бред сумасшедшего.
В качестве итога скажу, что Bastards считается самым депрессивным альбомом Motörhead. Пожалуй, соглашусь с этим. С ним по негативному посылу может соперничать, пожалуй, "Kiss Of Death". Хотя до самого дна, там где властвуют одни пороки, Лемми дойдёт на следующем альбоме «Sacrifice»...
Вот такой разннобразный наборчик будет выложен перед вами, если вы когда-нибудь решитесь раскрыть для себя "Bastards". Ну а напоследок отрывок из интервью с Лемми 1998 года, состоявшегося после Оззифеста в Нью-Джерси. О Рок-н-ролле пусть скажет лучше сам.
Grindline: Похоже на то, что вся эта ерунда есть и в музыкальном бизнесе, но вы продолжаете делать своё дело, не смотря ни на что.
Lemmy: Ну, мы делаем хороший материал, видишь ли. Я действительно не вижу никакой причины менять что-то. Мы меняемся в пределах своего жанра. Мы меняемся, мы делаем много различных вещей в пределах этого. Мы делаем нечто похожее на Джими Хендрикса или Битлз. Если у вас есть дар предвидения, хорошая проницательность, то не изменяйте этому. Почему? Потому что это стоит сохранять. В то время, как мы меняемся немного, мы никогда не изменяем общее направление, потому что мы должны хранить это. Рок-н-ролл заслуживает быть сохранённым, и мы - немногие из тех сукиных сынов, которые заботятся об этом.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2011 году Red Fang выпустили свой второй полноформатник, который мне нравится больше дебютника, поскольку ребята утяжелили стоунер за счёт ощутимого вливания хэви-металла и даже дум-металла, и хард-рока. Они стали больше похожи на британцев Orange Goblin, нежели на своих соотечественников, скажем, Black Tusk или High on Fire. Особенно показательны в этом смысле самые мрачные среднетемповые „Throw Up“ и „Into The Eye“, в которых чувствуется даже оккультизм Black Sabbath. Кроме того, в музыке много отсылок к первородной психоделии вроде ранних Hawkwind с традиционными для того времени гитарными эффектами, очень отчётливыми и как бы не связанными с основной музыкальной линией. "The Undertow" — первосортный психодел! Впрочем, ребята не забыли и о своём фирменном припанкованном динамичном звучании с первого альбома. «Wires» и «Hank Is Dead» - это продолжение линии дебютника, и очень хорошее продолжение. Обложка альбома шикарна: вывернутое нутро горы символически воспринимается как давящая обыденность. Действует гипнотически. Альбом удался. Поставлю 8 , а не больше, только за то, что в жанре в начале этого десятилетия накопилось немало прекрасных работ.
Хочу добавить, что ребята из Red Fang - мастера камуфляжа. Строят из себя этаких простачков в клетчатых рубашках, снимая прикольные клипы, развлекая многочисленную интернет-аудиторию. На деле же оказывается, что клипы не имеют с лирическим содержанием никакой связи. Их сюжеты основаны на том, как можно замечательно поразвлечься: устроить конкурс на лучшего гитарного подражателя или заняться постройкой разнообразных конструкций из всего того, что попадётся на глаза, и потом их таранить бампером на полной скорости. Однако в противоположность этим жизнерадостным прикольным сюжетам, лирика весьма глубока и порой пронизана могильным холодом:
Got all the symptoms of decay,
You see disease and look away,
Begin the swarming from the caves,
Burning the fields of amber waves,
Raising the dead up from the grave,
Amass an army of rotting slaves...
|
| |
|
|
|
|
|
| Arena - первая сольная группа клавишника знаменитых Pendragon Клайва Нолана. А ещё есть фолково-симфонический оперный проект Caamora с бесподобной Агнэшкой Свита в главной роли и последнее детище – Alchemy, также оперный проект, для которого Клайв собрал многих довольно известных на рок-сцене вокалистов и спел сам. Поэтому совершенно неудивительно, что лишь спустя шесть лет после „Pepper's Ghost“ 2005 года, у Arena выходит „The Seventh Degree Of Separation“. Добавлю, что Arena, конечно, рок-проект по своей сути, однако в силу того, что зачастую ведущую роль в музыке играют клавишные, порой задающие ритм, можно сказать, что музыка Arena – это поп-рок высочайшей пробы, наподобие Queen. Это неслучайно, ведь именно Queen - любимая группа Клайва. Однако маэстро никогда не заигрывал с хард-роком, поэтому музыка Arena абсолютно лишена приземлённости, агрессии, она „не от мира сего“, в ней слишком много призрачности, театральности. Её невозможно спутать ни с какой другой, она обладает ярчайшей индивидуальностью. Этого так не хватает некоторым современным, да и не очень современным прогрессивным рок-группам. Даже сравнения с Pink Floyd выглядят натянуто, потому что флойдовский саунд - принципиально иной, основанный на шумовых гитарных и электронных эффектах. Саунд же Arena - это кристальная чистота великолепных клавишных партий, красивый „правильный вокал“, без каких-либо намёков на психоделичность. И никакой импровизационности арт-рока и свободы в выборе инструментов! Только классика и порядок! Лишь гитарные соляки Джона Митчелла могут быть сопоставимы с гитарой Дэвида Гилмора – вот лишь только это роднит по музыке данные коллективы.
Что касается „The Seventh Degree Of Separation“, то можно сказать, что альбом получился не менее интересным, чем предыдущий „Pepper's Ghost“. Однако „Pepper's Ghost“ - это был совершенно уж „сказочно – театральный“ релиз, на котором Нолан начал воплощать своё желание создавать крупные музыкальные формы с действиями и увертюрами. В дальнейшем это желание он перенёс в создание уже упомянутых Caamora и Alchemy, оставив "Арену" всё же под знамёнами рок-музыки. И поэтому „The Seventh Degree Of Separation“ - это в каком-то плане „возвращение к корням“, то есть ближе к року. Безусловно, шедевры прошлых лет, такие как „Solomon“ или „The Butterfly Man“, слепят глаза своим совершенством, , дух захватывает от „Serenity“... но всё же новые песни не хуже! Маэстро Нолан напридумывал множество интересных решений клавишных партий. Особенно удачными и оригинальными мне показались таковые в „Echoes of The Fall“, которые даже слегка напоминают колдвэйвовое звучание. Великолепны „радужные картины“ в „Bed of Nails“. Конечно, красивейшие клавишные мотивы, напоминающие игру „призрака“ на покрытом пылью инструменте где-нибудь на чердаке в „Thief of Souls“. Самые мрачные рок-песни – это „Burning Dawn“ и „What If?“. Именно они великолепно спеты новым вокалистом Arena Полом Манци: его тембр более мощный и низкий, чем у предыдущего вокалиста. Остаётся порадоваться за его успех в рамках этой группы!
В итоге альбом удался. Его хочется слушать, и переслушивать, и даже перечитывать, потому что лирика альбома стала ещё более содержательной и философской, с вопросами вроде «а что ты будешь делать послезавтра, если завтра умрёшь?». Браво, Клайв — 10!
|
| |
|
|
|
|
|
| Новый альбом 2013 года группы Кайлеса из Саванны получил название „Ultraviolet“. И, как оказалось, в самом названии есть намёк на то, какие именно изменения звучания произошли с момента выпуска последнего релиза 2010 года „Spiral Shadow“.
Приставка ультра- подразумевает некую крайнюю степень выраженности того или иного качества, которое чаще всего достигается в каких-то экстремальных условиях. Думаю, не сильно ошибусь, если скажу, что создание этого альбома стало для группы в определённом смысле сверхзадачей: превзойти „Spiral Shadow“, который явился квинтэссенцией всего прошлого творческого периода коллектива, по сбалансированности звучания и интересности композиторских решений в каждой песне, действительно очень непросто. Поэтому звучание «Ultraviolet» - это сложный эксперимент, который удался. Новый рецепт ведьминского отвара от Лоры Плизантc и Филиппа Коупа хотя и содержит в себе проверенные компоненты, такие как sludge hardcore\ stoner rock, psychodelic-rock, однако помимо них имеет индустриальный саунд в русле Stabbing Westward, а также пост-панковский налёт и нойз-рок -звучание наподобие Swans.
Если, к примеру, переслушать подряд «Exhale», «Grounded», «We're Taking This», «Long Gone», «Steady Breakdown», «Quicksand», то может показаться, что Кайлеса не так уж сильно и проэкспериментировали. Пожалуй, самым удачным номером из этих композиций является «Long Gone» с шикарной игрой на теремине и яркой работой барабанщиков, в середине песни исполняющих почти что сольно свой номер. Остальные композиции звучат, мягко говоря, необычно... особенно удивляют «Unspoken», «Vulture's Landing» и «Low Tide». Мощной термоядерной смесью представляется «Unspoken», начинающаяся с завораживающего насыщенного нойзом интро, которое залпом переходит в какой-то невероятный отстранённый индустриальный сладж. Ближе к концу композиции звучание резко меняется, мгновенно "убирается" тяжёлый саунд и на смену ему выходит довольно скоростное инди-звучание. Впрочем, заканчивается композиция всё же на сладжевой ноте. В «Vulture's Landing» чувствуется панковая ритмическая основа, невероятные гитарные «вихри» накрывают слушателя. Пожалуй, эти две композиции понравились мне на альбоме больше всего. А вот «Low Tide», хотя и звучит необычно, но совершенно не «зацепила»: слишком уж она статичная, а мне нравится динамика (хотя думаю, что композиция обретёт много сторонников — любителей спокойной медитации).
Меня порадовало, что Кайлеса не слишком увлеклись звучанием семидесятых, не стали использовать на всю катушку прогрессивный рок того времени, подобно Baroness на последнем "жёлто-зелёном" альбоме. Пусть ультрафиолетовый свет несколько вытравил из звучания группы некую «заплесневелось», лесную-грибную сырость «Static Tensions», фирменный почерк Кайлеса по-прежнему узнаваем: с одной стороны, агрессивный, а с другой - гипнотический, колдовской... а как иначе-то: Vulture's Landing! Только теперь стервятники летают не над влажным массивом леса, а кружат над мегаполисом, периодически отдыхая на крышах небоскрёбов... И в итоге они взяли довольно хорошую высоту: девятка!
|
| |
|
|
|
|
|
| В марте 1984 года у Black Flag, первопроходцев жанра хардкор, выходит альбом, который стал своеобразной „заготовкой“ к последующим двум, выпущенным в том же году, только в сентябре и в декабре („Family Man“ и „Slip It In“). Вероятно, после успеха дебютника, основатель коллектива и его идейный вдохновитель Грег Джинн решил поэкспериментировать и дать волю своей фантазии. Таким образом? „My War“ - это альбом, который весьма сильно раздвигает рамки хардкор-жанра, причём в совершенно разных направлениях. Первое, которое он разовьёт в „Family Man“ – это процесс смешивания хардкора с фьюжн-джазом. На данном альбоме есть лишь одна такая песня - „The Swinging Man“, однако она получилось почти самой удачной: синкопированные сложные ритмические рисунки просто великолепны!
Второе направление - это попытка совместить то, что на первый взгляд кажется несовместимым: хардкор с психоделией. Сейчас, с позиции 2013 года, это кажется вполне нормальным, поскольку возникшее позднее сладж-звучание позволило хардкору быть менее динамичным, но тогда это было действительно сложной задачей. Тем не менее, Джинн справился и с ней. Хотя, на самом деле, альбом слушать сложно: настолько сильно изменена суть хард-кора, что порой кажется, что здесь все – полнейший бред, утомительный и тяжелый сон. В разных источниках саунд этого релиза чаще всего сравнивают со звучанием ранних Black Sabbath. Однако лично у меня таких ассоциаций не возникло, несмотря на обилие тягучих, медленных риффов во многих композициях. Слишком уж много хаоса в кпеснях и, традиционно, главнейшую роль играет басовая партия. Большинство мелодических решений основано на диссонантах, отчего не проходит ощущение болезненности и усталости при прослушивании. Самые психоделичные номера альбома – это последние три. Именно они самые медленные и самые хаотичные, основанные на fuzz-звучании и наполненные „потусторонними“ голосами, криками, вроде бы мало связанными с инструментальной частью. Нельзя не поразиться подвигам тогдашнего вокалиста группы Генри Роллинза. В закрывашке «Scream» присутствует сверлящее мозг соло, которое, несомненно, мастерски выполнено, однако его язык не поворачивается назвать «украшением», скорее, можно поразиться уродливости этого мелодического нагромождения, как химере на фасаде собора. Сложно ставить оценку в таком случае. Альбом очень тяжело слушать, в нём чувствуется дисгармония, граничащая с неестественностью. Однако я высоко ценю в музыке экспериментальность, поэтому — восьмёрка.
Напоследок скажу, что такие альбомы подобны крайне важной детали в общей картине творческой судьбы той или иной группы: они позволяют перейти на новый уровень, не угождая вроде бы уже сколоченной верной и восторженной аудитории. Они находятся как бы вне времени. Почему же произошёл такой «сдвиг по фазе»? Вероятно Грег Джинн перестал видеть врага внешнего, но нашёл более сильного, внутреннего врага и развязал с ним свою войну.
|
| |
|
|
|
|
|
| Начну с того, что творчество группы Callejon до 2012 года напоминает мне сувенирную поделку, слепленную второпях из того, что было под рукой. Претензия на оригинальность, которая граничит с безвкусицей. Вероятно, у меня не возникло бы желания даже ознакомиться с альбомом «Blitzkreuz», который вышел в июне 2012, если бы мне не пришлось чуть более подробно ознакомиться с деятельностью идейного вдохновителя и фронтмена группы Бастиана «BastiBasti» Зобцика. Как оказалось, Бастиан довольно востребованный дизайнер. Он сделал обложку «Iconoclast» для Heaven Shall Burn, «Say Hello to Tragedy» для Caliban. Ещё создавал дизайн мерчендайза для Rammstein 2009 года, а в 2010 году - для Kreator, Apocalyptica, Sonic Syndicate, Die Toten Hosen. Ничего не могу сказать плохого про эти работы: довольно экспрессивные «индустриальные» зомби и монстры. Во всяком случае, не возникает впечатление, что имеешь дело с любительским криворуким творчеством. И есть ощущение, что случай с Бастианом - это случай «сапожника без сапог». Дизайн обложек первых дух альбомов Callejon действительно на порядок уступает всему перечисленному и вызывает лишь недоумение и даже отвращение. Хотя, возможно, этого и добивался Бастиан: вроде как хотел вызвать шок и ничего больше, никаких больше претензий на что-то более серьёзное.
Абсолютно то же самое можно сказать и о музыке первых двух альбомов. Некая сборная солянка последних веяний современного звучания, от всего понемногу: в основном от модерн-металла, меньше металкора, электронные интро, немножко хип-хоп культуры и настройка гитар, чем-то напоминающая «раммов». Вокал Бастиана, заполнявший дыры между всеми этими составляющими, слушался невыигрышно: казалось, он сильно переигрывал, и его надрывные вопли вызвали немедленное желание «успокоить детку, у которого отобрали любимую игрушку». О вторичности идей, явившихся основой обоих первых альбомов, и говорить не буду (разве кого-то можно ещё удивить зомби-тематикой?).
Однако в 2012 году выходит «Blitzkreuz» - альбом, которому Бастиан вначале хотел дать название, как у группы, но потом просто вынес в название символ группы (молнию-крест). И можно сказать точно, что для группы он стал переломным. Конечно время покажет, во что это всё выльется, но «Blitzkreuz» - вполне серьёзная работа. Он звучит слажено, напористо, концентрированно и, конечно же, мелодично. Радует, что присутствует мелодика не только вокальных партий, но риффовых структур. Безусловно, Callejon вовсе не стали напоминать более значимые фигуры современного немецкого металла вроде Heaven Shall Burn или Caliban. «Blitzkreuz» — это смесь металла с поп-музыкой, где не обошлось без влияния Rammstein. Черты индастриала заменты в открывашке, «Kojote U.G.L.Y»., «Vergissmeinnicht». Самые «попсовые» - «Meine Liebe», претендующая на танцевальность, и «Kind im Nebel», зашкаливающая эмоциями в русле Tokio Hotel. Не могу не упомянуть хип-хоп композицию с первого альбома "Porn from Spain", теперь уже под номером два. Трэш-риффы в этой композиции принадлежат перу самого Милле из Kreator. Как говорится, у песни сразу «выросли яйца» и она «раздулась бицепсами». Электронные интро почти в каждой композиции стали более замысловатыми.
В итоге можно сказать, что перед нам всё то же самое, только вышедшее уже на более профессиональный, более высокий уровень. По крайней мере вокальные партии теперь великолепно спаяны с инструменталом, а не слушаются инородно. Мои фавориты: мрачная «Vergissmeinnicht», притрешованная «Atlantis», и самая цепляющая по мелодике «Was bleibt seid ihr».
Лирика альбома проста, но красива и разнообразна, однако заглавная песня все о том же: наша жизнь — сплошная борьба! Альбом меня поразвлёк и поднял настроение. Поэтому ставлю восьмёрку.
Willkommen in deinem Leben – und der Freiheit „Nein“ zu sagen
Willkommen in deinem Leben – denn ohne Kampf will kein Herz schlagen
Keine Zukunft ohne Kampf – Lethargie ist Untergang
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2013 году Heaven Shall Burn выпустили очень неоднородный альбом. Композиции словно собраны с альбомов разных групп периода девяностых годов (и я даже не беру в расчёт кавер группы на «Valhalla» от соотечественников, мастеров пауэр-металла Blind Guardian с их альбома 1989 года). Многое от пауэра вы услышите сразу же, в открывашке «Godiva» - альбом встречает балладными акустическим переборами, которые далее переходят в «бравые» цепляющие мелодии. Однако на этом эксперименты с ним заканчиваются, и уже вторая, очень техничная композиция «Land of The Upright Ones», обрушивается на слушателя мелодичным дэтом в русле Ege of Sanity с прогрессивными вставками. «Hunters Will Be Hunted» и «53 Nation» словно взяты с альбомов In Flames бурных девяностых. Самые дэтовые композиции - «Like Gods Among Mortals» и «You Will Be Godness» - явно написаны под впечатлением «эпично-брутального» дэта от британцев Bolt Thrower, тоже знаковой группы девяностых. Поэтому, скорее всего, альбом понравится тем, кто ценит все эти группы и ностальгирует по уже оставшемуся в прошлом последнему десятилетию двадцатого века. Вот вам его наследие!
Однако лично мне больше всего понравилась «Die Stürme rufen Dich», начинающаяся с замечательного EBM-интро (этим же мотивом она и кончается). О да, немцы всегда знали толк в электронике! Однако не только «интро» прекрасно в этой композиции. Эта песня необычна, поскольку действительно представляет собой композицию, где гитарная работа похожа на электронные биты, особенно в начале. Поэтому первая часть композиции слушается как мощная dark electro-поступь. Как мне кажется - это та перспектива, которую нужно группе подхватить и пронести её в будущее. На мой вкус эта композиция — лучшая в альбоме! А ещё мне очень понравилась финальная песня — торжественно-спокойная баллада «Beyond Redemption», в которой музыканты словно прощаются с прошлым, откуда родом их творчество. Не стану сравнивать эту работу Heaven Schall Burn с предыдущими альбомами, потому что он действительно слишком разнородный (потому у каждого наверняка будут свои собственные фавориты). Кроме того, альбом не является каким-то «прорывом» или образцом жанра, как «Deaf Our Prayers» или «Iconoclast». Собственно, за некую компиляцию наследия девяностых, которую группа мастерски подала в своей кор-обработке, можно поставить семёрку, однако я добавлю ещё балл отдельно за «Die Stürme rufen Dich».
Несколько слов о названии альбома. Дело в том, что изначально альбом должен был называться "Nakt unter Wölfen" («Голый среди волков»)— это название известного романа, написанного Бруно Апитцем в 1958 году, который стал культовым в ГДР. Роман освещает события в концлагере «Бухенвальд». Однако лейбл запретил группе выпускать альбом с таким названием, то есть «наложил вето». Ребята из группы подумали и решили, что лучшего названия, чем «Veto» им и не придумать. Средневековая обнажённая красавица на лошади с картины Джона Кольера - Леди Годива - своей пронзительной фигурой воплощает основную смысловую идею альбома: самоотверженность ради благой цели (как гласит легенда, она проехалась голой по улицам родного города ради того, чтобы её муж-граф снизил непомерные налоги его жителям). Да уж, почти что жертвенность ведьмы на костре... Heaven Shall Burn!
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2000 году группа, названная Heaven Shall Burn, выпустила свой первый полноформатный альбом. В это время в Европе In Flames - лидеры шведской школы мелодик-дэт жанра, стали стремительно меняться, а в Америке появились Killswitch Engage, которые заиграли хэви по-новому, по лекалам хардкора. Ну а музыканты из Heaven Shall Burn умели играть скоростной мелодик-дэт-металл, в русле лучших образцов шведской школы этого жанра прогрессивного направления типа Edge Of Sanity. Тем не менее немцы оказались в числе первых европейских команд, которым удалось раздвинуть рамки этого жанра и привнести в него элементы хардкора. Собственно, "Asunder" и есть по риффовой структуре мелодик-дэт, в который группа привнесла те самые брейкдауны, использовав их лишь точечно, и, скорее всего, неосознанно, не сделав их регулярным элементом композиций. Вокал пока что местами напоминает гроул, хотя с постоянными переходами на скрим. Слушая дебютник, порой ловишь себя на мысли, что есть в композициях что-то от притрэшованного дэта наподобие Vader. Однако затянутые сбивки с красивыми соло-проигрышами дают понять, что мы имеем дело с более современной формацией. Самая олдскульная композиция, вопрошающая «Where is The Light», вообще очень похожа на классику дэта в русле Malevolent Creation: типичное цепляющее «ползанье» риффов вокруг бласт-битов, которое начитается с трэш-ритма. Одноимённую альбому композицию «Asunder» можно считать хитом альбома, поскольку в ней риффовая мелодия наиболее ярка. В тоже время она весьма необычна — слишком уж много правильных мажорных гармоний, которые так странно слушаются на фоне неутомимого бластинга. Пожалуй самыми современными композициями для того времени были открывашка «To Inherit The Guilt» и следующая за ней «Cold», а также «Defication»: как раз с брейкдауном и почерком сбивок, похожим на хардкор. В качестве итога можно сказать, что этот альбом больше подходит тем, кто предпочитает слушать мелодик-дэт шведской школы, нежели приверженцам металкора. За этот добротный образец этого жанра я группе поставлю восьмёрку, в первую очередь за некий баланс следования традициям и привнесения новизны. Хотя творческий прорыв группы, конечно, состоялся позже.
P.S. До самых последних секунд своей жизни можно жить в окружении иллюзий, которые нужны нам для того, чтобы скрывать ту реальность, которая нас окружает. Однако продолжаться вечно это не может. Однажды настоящая реальность откроется нам во всей своей полноте. И окажется, что мы так и не научились иметь с ней дело. Не лучше ли сжечь все свои мечты и иллюзии и попытаться разобраться в том, что есть на самом деле, хотя это будет не так-то просто? Heaven Shall Burn!
|
| |
|
|
|
|
|
| Вокруг меня происходила странная суета. Могилы то и дело разворачивались и трупы людей, вставая из своих гробов, начинали очень шустро, словно второпях, подхватывать остатки одежды и саванов. Спотыкаясь, они перешагивали свои пристанища, и двигались кто как мог к восточному краю кладбища. А я сидел на краю отодвинутой плиты и без малейшего страха взирал на эту спешку, и с каким-то упоением вчитывался в давно забытые имена... Вдруг ко мне подошёл человек... то есть наполовину уже скелет. На нём был надет истлевший костюм, сшитый по моде шестидесятых, остаток тонкого галстука болтался на шейных позвонках. Он присел рядом и по привычке сделал жест: как будто стёр пот со лба. Он откашлялся и спросил: «Что, брат, непривычно? Скоро всё будет в порядке вещей. А пока я тебе хочу кое-что рассказать...»
Словно вернувшись из небытия, спустя пять лет после выхода предшественника, ирландские мастера дума выпустили в 2013 году альбом, который можно назвать на удивление современным, что для меня было полной неожиданностью, поскольку группа родом из начала девяностых, одна из немногих „хранителей“ жанра почти в неизменном виде вплоть до 2008 года.
В то же время группа является уникальной. Помните ли вы споры, которые велись на просторах сети года этак четыре-пять назад относительно дум-металл-жанра? Особенно много ломалось копий относительно определения жанра ранних работ Amorphis. Проблема тогда состояла в том, что существует так называемый классический дум-металл, который ведёт истоки от ранних работ Black Sabbath, который напоминает сильно замедленный хэви-металл, как у Candlemass, а есть дум-дэт, который появился независимо от класcики, путём замедления дэтовых риффов, как у ранних Paradise Lost. Короче говоря, основа разная, общее – медленный темп, растянутые во времени риффы. К чему был этот занудный, стиледрочевый пассаж? А к тому, что группа Mourning Beloveth умудрилась сплести эти два направления дума воедино настолько гармонично, что диву даёшься. В этом плане альбом 2008 года был идеальной пропорцией, лучше которой создать что-либо, пожалуй, невозможно.
Вероятно также подумали и участники Mourning Beloveth, и создали „Formless“. Само название намекает на довольно существенные перемены. Да, именно это и произошло. Группа почти отказалась от классического дума и заменила его на современный пост-металл! Возможно, в этом заслуга нового гитариста группы Паурика Геллэгера. Любители олдскула, вероятно, будут ругать Mourning Beloveth за предательство жанра, однако я чувствую солидарность с выбором музыкантов, которые создали прекрасный современный альбом, при этом сохранив в моих глазах статус одних из лучших риффмейкеров! Ребята знают толк в шикарных, красивейших мелодик-дэтовых риффах старой школы. Но, тем не менее, альбом начинается вовсе не с них, а с пост-металл-звучания, и вы это поймёте сразу же, как только включите „Theories Of Old Bones“, которая начинается c „зависающих" звенящих гитарных переборов, к которым подключается протяжное гитарное соло и чёткая линия баса. Шикарные низкочастотные риффы появляются только в середине композиции, тогда, когда чистый вокал напоминает нам о прежних Mourning Beloveth. Этот голос гитариста группы Фрэнка Бреннэна теперь является лишь тенью того «пафосного» вокала, который царствовал на нескольких предыдущих альбомах, и который роднил группу с Candlemass. Кроме того, Mourning Beloveth - мастера гипнотизирующих персеверативных гитарных мелодий. Именно они появляются в конце «теорий древних костей» и вы уже не сможете оторваться от этого альбома, вам придётся побыть в этом уютном и, без сомнения, интересном склепе ещё целую вечность... ибо длительность каждой композиции традиционно приближается к этому. Вы не сможете выйти из него, не переслушав продолжительные, но весьма увлекательные повествования тех, кто вечность уже обрёл. Вам будет поведана тайна того, какая же бывает этика на краю пропасти, какие ощущения даёт многократно скрученная петля в области шеи и что можно почувствовать, проходя по коридору смерти. Собственно говоря, несмотря на очевидное смещение жанровых рамок, по смыслу эта музыка так и осталась идеальным саундтреком торжественному шествию к месту казни. Кроме того, Mourning Beloveth многому научились у своих соотечественников и друзей из Esoteric, использовав на полную катушку шумовые эффекты, которые дополнительно осовременили звучание. Пожалуй, самая олдскульная и жёсткая композиция — «Old Rope», начинающаяся с прямолинейного ритмического рисунка. На фоне неё даже композиция со зловещим названием «Dead Channel» звучит весьма дружелюбно и невероятно торжественно.
Альбом является двойным, поскольку самая длинная композиция «Transmissions» была выпущена отдельным диском. И это неудивительно, поскольку она уже совсем не похожа на на всё предыдущее творчество группы, и представляет собой более чем четырнадцатиминутный психодел-трип. Основу музыки теперь составляют «акустические» переборы, на фоне которых читается весьма занятный текст, повествующий о состоянии вечного разложения не только тела, но и сознания... Весьма познавательно! Мне так понравилось, что поставлю очень высокий балл. Вряд ли в этом жанре в этом году выйдет что-то ещё более занимательное.
|
| |
|
|
|
|
|
| Случаются ли с вами приступы мизантропии, когда бывает сложно заставить себя делать привычные дела, поддерживающие обычный порядок вещей? Вообще не хочется ни с чем иметь дело... ни с чем, что имеет отношение к окружающему миру. Особенно не хочется общаться с людьми. В подобные моменты кажется, что лучше тишины, окружающей тебя, ничего и придумать невозможно. Однако это не так, ибо тишина не вовсе не помогает отключить внутренний диалог. Внутренний диалог прекрасно отключается под музыку Alcest, Lantlôs, Les Discrets, Agalloch...пост-блэк/шугейз разной степени яркости, разных оттенков. Всё это представители либо французской, либо американской школы этих жанров.
Как оказалось, и в Германии есть подобные группы. Так, в 2006 году человек по имени Дэвид «Эклатанц» создал проект под названием «Heretoir». Однако лишь в 2011 году вышел единственный на сегодняшний день полноформатник этой группы. Слушая данный релиз, иногда ловишь себя на мысли, что в звучащей музыке нет ничего особенного, настолько она неяркая, даже на фоне ближайших соратников по жанру. А тем не менее, слушать её хочется. Словно Эклатанц собрал вместе все оттенки серого и нарисовал ими картину мира. Музыка не требует к себе пристального внимания и лучше всего слушается фоном. В ней присутствует динамика, заставляющая всё же чисто автоматически выполнять какие-то действия. Особенно этому способствуют инструментальные композиции, скажем, «Retreat To Hibernate» с шикарной акустической концовкой. А вот композиция «0» начинается с того, что можно назвать «шумами цивилизации». Словно среди бескрайней свалки вдруг замкнулся контакт в давно сломанном «видаке» и мы становимся свидетелями старой записи каких-то разговоров... женский, потом мужской голос что-то вещает. Но этот разговор уже не имеет никакого значения, потому что этих людей давно нет - всё покрыла тишина свалки. Этот инструментал прерывает типичный блэковый бластинг трэка «Weltschmerz», который в пост-блэке приобретает больше свободы и может формировать даже собственную своеобразную мелодию. Пожалуй, эта композиция — самая осмысленная в альбоме, повествующая о непреодолимом одиночестве, о личности-воспоминании, личности-мечте. Никакой реальности, потому что любое соприкосновение с реальностью неразрывно связано с болью. В альбоме представлены сразу две композиции под названием «исход, побег»: "The Escape Part I" и "The Escape Part II". Вторая часть «побега» звучит более позитивно, в ней отсутствует то ощущение страха, которым начинается альбом. Вероятно, это уже не побег от самого себя, а следование за ослепительным солнцем к ощущению свободы, которая казалась настолько невозможной прежде. Собственно, об этом последняя композиция «Heretoir», которая наполнена не только традиционным для этого жанра шрайковым вокалом, но и чистоголосым пением и еле слышимыми диалогов. Каждый человек представляет собой осколки других личностей, когда-либо отразившихся в ней. И каждый раз эти осколки напоминают о себе... Хорошая штука этот альбом, поставлю 8 только лишь потому, что всё-же более яркие краски лично мне ближе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Выпустив в 2010 году свой дебютный одноимённый альбом, ребята из норвежской группы Kvelertak показали, что rock‘n’roll может звучать свежо и весьма актуально. Стремительный взлёт карьеры музыкантов, на мой взгляд, совершенно заслужен. Конечно, и до этого некоторые их соотечественники переплавляли в единое целое мрачную мелодику блэк-металла и зажигательные ритмы rock‘n’roll, однако Kvelertak создали, пожалуй, один из самых удачных миксов. Надо сразу отметить, что группа не стала топтаться на месте и, уже на втором альбоме сделала свою музыку ещё более цепляющей, за счёт AC/DC-подобных риффов (великолепна в этом плане яркая, запоминающаяся «Undertro») , а также ещё более отвязной, взяв на вооружение d-beat-панк в духе Discharge. Кроме того, релиз в целом более мелодичен, временами он напоминает классику рока в русле Aerosmith (например, как в «Spring Frau Livet»).
Да, группа слегка подрастеряла норвежскую специфику, которая так ярко была задействована ранее. Новый материал звучит более интернационально. Хотя нельзя сказать, что вы не почувствуйте поступь танцующих троллей. Вы услышите это в композиции "Nekrokosmos". Нечто подобное начинали делать когда-то другие известные и заслуженные скандинавы Amorphis, поэтому материал альбома и вызвал ассоциации с этой любимой мной группой. Однако Amorphis отказались от этого направления... Следует отметить, что тут все песни исполнены на норвежском языке; кроме того, вокалисту подпевают практически все остальные музыканты - это характерная черта фолковых коллективов. Мощный природный дух, как огромная сова, будет витать над вами, когда вы будете слушать этот альбом. Однако дух рок-н-ролльной свободы, восседающий на мотоцикле в кожаной куртке, на мой взгляд, оказался на этот раз всё же сильнее! И поэтому альбом заслужил такую же высокую оценку.
|
| |
|
|
|
|
|
| В России очень любят группу "Лакримоза". Позволю себе даже предположить, что её любят в России так, как нигде больше. Это понятно хотя бы из гастрольного графика коллектива: ни в одной европейской стране Lacrimosa больше не даёт такого количества концертов. Для группы стало уже традицией выступать по два раза в столице в ходе одного турне. Почему так? Думаю, потому, что в России очень многие хорошо воспринимают классику, а Тило Вольф, несомненно, талантливый композитор именно классической школы. Кроме того, имидж группы настолько выразителен, утончён и индивидуален, что его сложно перепутать с чем-либо ещё. Вероятно, пронзительный образ одинокого арлекино-игрушки в жестоком реальном мире очень близок российским слушателям. Конечно, Лакримозу любят и за умение создавать настроение, которое можно описать как „грусть-тоска меня снедает“, причём эта грусть-тоска светлая и бесконечно прекрасная.
Надо сказать, что Тило Вольф отвечает России взаимностью. Это стало очевидным уже после выпуска прошлого альбома (чего стоит сингл «I Lost My Star In Krasnodar“), а уж "Revolution", выпущенный в 2012 году, просто пронизан отсылками именно к русской музыке. Давайте обо всем по порядку. Альбом начинается с фортепианного проигрыша в духе Рахманинова. Именно поэтому слушатель погружается в атмосферу декаданса начала двадцатого века с кризисом царской власти в России и всеми вытекающими из этого последствиями... революция, культура эмигрантов первой волны, бессильная тоска и жизнь с постоянными думами об утраченной родине. Ещё одна ярчайшая реминисценция — песня «This is the Night»: после проникновенного стихотворного отрывка вас встречает мотив кабацкого хита начала века «Шар голубой» - это там, где «кавалер барышню хочет украсть...». В «Feurzeug (Part 2)» и вовсе присутствует партия гармошки «привокзального музыканта». Ну а «Rote Sinfonie» («Красная симфония»), с великолепной партией скрипки, подошла бы в качестве саундтрека к фильму «Белая гвардия». Однако для заглавной песни «Revolution» Тило использовал колдвейвовый бас и подчёркнуто отверг мелодичность - тут уж не до русской душевности. Однако мой вейв-фаворит - необычная «Verloren». Кстати говоря, единственная песня, которую исполняет Анне - «If the world stood still a day» - приятно удивляет своей яркой кельтской мелодикой, как бы оттеняя весь остальной материал.
Подводя итог, можно сказать, что альбому в гораздо меньшей степени можно приписать тэг «металл», в отличие от "Lichtgestalt". Кроме того, новинка от "Лакримозы" не столь сдержанна и аскетична, как предшествующий ей "Sehnsucht". "Revоlution" отличается от шедевров прошлого «Echos», «Elodia», «Stille» изменениями в мелодических идеях, сохранив при этом их трагический эмоциональный накал (особенно надрыв заметен в «Refugium»). Раньше Тило, несомненно, использовал наработки западных мастеров классической школы, а теперь обратился к русской классике. И мне кажется, что именно это ставит в тупик большинство российских поклонников. Однако лично для меня новый материал показался интереснейшим путешествием и лишний раз заставил подивиться композиторскому таланту Герра Вольфа. Браво!
|
| |
|
|
|
![[]](/img/user-center-pan1.jpg){kind=small}
usal bolgar
