Gary Meskil в недавнем интервью вспомнил инцидент июля 2017 года, когда на него было совершено жестокое нападение и ограбление в Брюсселе, Бельгия. Сообщалось, что Meskil получил тяжелые травмы после того, как его ударили ледорубом по голове, а затем на него набросилась группа людей. Музыкант был госпитализирован и в итоге восстановился после этого ужасного нападения.

«Да, их было шестеро [напавших на меня]. И всё было записано на камеры. Так что я опознал четверых. Полиция их выследила. А потом, когда я уже пару месяцев был дома, мне позвонили из полицейского управления и сказали: "Ну, у этих людей нет постоянных адресов в Бельгии, поэтому нам пришлось отпустить их до суда". И дальше они, по сути, переложили решение на меня — что я хочу делать дальше. А я сказал: "И что я реально могу сделать, не сделав себя мишенью?" Потому что я, в каком-то смысле, публичный человек, а речь идет не о приятных людях, и к тому же они находятся в Бельгии нелегально. Так что я сказал: "Да забудьте". Я не собирался продолжать добиваться чего-то, если даже полиция особо не заинтересована этим заниматься».

Рассказывая подробнее о том, что привело к нападению, Gary сказал:

«Меня обчистили карманники, и когда я подошел к человеку, которого я спалил за этим делом, оказалось, что это была целая групповая схема. Так что меня толкнули, ударили локтем спереди. И в этот момент кто-то вытащил у меня деньги, документы и всё остальное. Когда я их прижал по этому поводу, меня ударили — я сначала подумал, что битой. Именно так это ощущалось в затылке. Но оказалось, это был ледоруб. Только не такой ледоруб, как люди обычно представляют — не огромная штука. Это маленькое оружие, переделанное под ледоруб: с одной стороны острый шип, а с другой — металлический молоток. И меня ударили именно стороной с молотком. Так что мне проломили череп. А потом они просто били и пинали меня в лицо. У меня была сломана глазница, раздроблена верхняя челюсть. Вся пазуха была полностью размозжена. И врачи не могли остановить кровотечение, так что я истекал кровью всю ночь и потерял ее большую часть. Человек может потерять примерно 1500 кубиков [кубических сантиметров крови], а я потерял около 1300. Так что мне делали множественные переливания крови. А потом я, как идиот, попытался как можно быстрее вернуться на сцену, и это создало мне кучу проблем. В первый раз, когда я начал петь какие-то песни, у меня снова открылось кровотечение. Так что восстановление заняло очень много времени».

На вопрос о том, как травмы повлияли на него психологически, Gary ответил:

«Полагаю, большая часть этого проявляется скорее подсознательно. Так что определенно присутствует PTSD [посттравматическое стрессовое расстройство]. Но сложно точно понять, потому что это вылезает в виде тревожности, которой у меня раньше никогда не было. А теперь меня может накрыть сильнейшая тревога в совершенно странные моменты, и я не могу это контролировать. Из-за этого путешествовать стало очень тяжело. И особенно сильно это проявляется именно в турах. Есть лекарства, которые можно принимать, но я плохо переношу рецептурные препараты, потому что от них меня сильно клонит в сон, а я не хочу всё время быть в полувыключенном состоянии, так что предпочитаю просто справляться с этим самостоятельно».

Говоря подробнее о физических последствиях нападения, Gary сказал:

«Думаю, это было связано с переломом верхней челюсти. Вот здесь всё было сломано. И когда верхняя челюсть больше не закреплена к черепу, она, считай, просто "плавает". А поскольку перелом был прямо по центру, то когда ты произносишь "S" или "T", боль была просто адская, так что мне пришлось заново учиться немного иначе произносить слова, чтобы вообще выступать. Но все хорошо зажило. То есть челюсть у меня не на сто процентов в порядке — она немного смещена, — но с этим можно жить. Еще были небольшие повреждения мозга, которые проявились позже. У меня начались проблемы с кратковременной памятью, буквально из ниоткуда. И это страшная штука, потому что ты можешь быть посреди какого-то дела и внезапно подумать: "Какого хрена я вообще делаю? Что я сейчас должен делать?" Но и это тоже прошло. Просто такие вещи требуют времени».

Менее чем через неделю после нападения Gary рассказал музыкальному журналисту Tom De Smet из Gazet Van Antwerpen о случившемся:

«В прошлый понедельник мы с Adam'ом [Phillips, тогдашним гитаристом PRO-PAIN] вышли в Брюсселе. Adam вернулся в отель на бульваре Сталинград в центре города, а я около полуночи пошел выпить пива в бар неподалеку. За соседним столиком сидели какие-то молодые парни, мы разговорились. Всё было очень дружелюбно. Просто приятная беседа. Через какое-то время я пошел к бармену оплатить счет. Когда вернулся, двое из тех парней, с которыми я разговаривал, налетели на меня. И тут я понял, что они украли мой кошелек. Я предъявил им, и они начали меня избивать. Им помогли еще четверо. Они ударили меня ледорубом по голове. И продолжали пинать даже после того, как я упал на землю.

Они украли у меня много денег — гонорары за несколько концертов. Я потерял восемьдесят процентов крови. Врачи сказали, что мне просто повезло выжить. Им даже пришлось вытаскивать стекло из моих глаз, потому что они разбили очки, которые были на мне. У меня сломана челюсть, и мне понадобится несколько операций. Я не знаю, когда снова смогу петь. Это могут быть недели, а может, и месяцы».

Вокалист DEF LEPPARD Joe Elliot в недавнем интервью поговорил о новом материале коллектива и начал с песни "Rejoice", которая была выпущена в начале года:

««Это стопроцентная открывашка. По сути, это первый трек, который мы выпустили с нашего нового альбома, который выйдет в начале следующего года. Но поскольку у нас была резиденция в Вегасе, мы решили, что это идеальная возможность представить новый материал именно на этих шоу. Все должно было выглядеть очень эффектно.

Caesars Palace — фантастическое место для такой группы, как мы. Есть что-то особенное в формате резиденции — он полностью меняет твой взгляд на сет-лист. Это совсем не то же самое, что обычный тур. Поэтому, помимо того, что мы вернули песни вроде “White Lightning”, которую не играли 33 года, переставили сет, переосмыслили его и сделали более театральным — потому что это Вегас, — нам показалось, что “Rejoice” идеально подходит для открытия шоу. Самое крутое в концертах в Caesars Palace — сцена опускается вниз, так что можно эффектно выехать наверх, как бойз-бэнд. [Смеется] Ну и сухой лед, вся эта история. А драм-луп в начале можно растянуть подольше, чтобы разогреть толпу. В этом есть что-то очень исконное, так что место было идеально для премьеры.

И вообще, это один из лучших вариантов, чтобы впервые сыграть новый трек в качестве открывающего номера, потому что публика уже и так на взводе от того, что ты сейчас выйдешь на сцену. В такой момент уже не так важно, что именно ты играешь, если только это будет какая-то акустическая баллада. “Rock! Rock! (Till You Drop)” тоже бы отлично сработала, но “Rejoice” подошла лучше, потому что это новая песня. И тут уже чисто психологический момент — показать, что мы все еще актуальная группа. Что мы не просто “наследие прошлого”, не группа, катающая банальный тур greatest hits. Нам хотелось встряхнуть всех.

И сама песня очень воодушевляющая. Когда я сказал Phil [Collen, гитарист DEF LEPPARD]: “Слушай, у меня есть текст, который начинается со строчки: ‘I’m bored with boredom. I’m sick of all this flack.’ Это про человека, который находится в плохом состоянии и хочет выбраться куда-то лучше, поэтому в припеве и звучит ‘I wanna go higher.’ Нам нужно что-то с крутым драм-лупом и средним темпом. У тебя есть что-нибудь?” И он такой: “Вообще-то да”. Прислал мне инструментал, и я сразу: “Это идеально”.

Мы собрали эту песню, наверное, за полдня, потому что все части уже были готовы. Он написал свою часть, сам того не зная для меня, а я написал текст, сам того не зная для него. И когда мы рассказали друг другу, что у нас есть идея песни — бум. Такое происходит не всегда. Обычно одна песня на альбом рождается вот так легко, а остальные — это уже тяжелая работа».

Говоря о том, чего фанатам ждать от нового альбома DEF LEPPARD, Joe сказал:

«Это очень разнообразная пластинка. Очень эклектичная. Думаю, она многих удивит. Но если я сейчас расскажу слишком много, то сюрприза уже не получится. Но скажу вот что: если посмотреть на то, куда DEF LEPPARD двигались музыкально последние лет пятнадцать — от альбома “Def Leppard” до “Diamond Star Halos” и даже переработок материала для “Drastic Symphonies”, — то люди не должны удивляться тому, как наша музыка работает в таких форматах.

Когда слушаешь “Drastic Symphonies”, вещи вроде “Switch 625” начинают звучать как погоня из фильма про Джеймса Бонда — а именно так мы, наверное, всегда и должны были звучать. Или фортепиано-версия “Pour Some Sugar On Me”. Если песню можно сыграть совершенно иначе, чем обычно, и она все равно работает — значит, песня хорошая. Мы всегда говорим: если песню можно сыграть у костра под акустику, значит, она хороша вне зависимости от аранжировки.

И сейчас мы пишем материал именно с таким подходом. Там будут большие, помпезные — не хочу говорить “баллады”, но более медленные вещи в духе QUEEN или Elton John, потому что есть фортепиано. А есть и другой материал… Мне кажется, мы записали самую быструю песню в истории группы. И еще куча всего между этими крайностями. Что-то будет звучать так, как вы и ожидаете от нас, потому что это то, что мы делаем. А где-то мы ушли вообще в сторону и решили: “Ладно, давайте попробуем. Будет интересно посмотреть, как люди на это отреагируют, потому что ничего подобного мы раньше не делали”.

И в этом весь кайф. Мы не хотим записывать “Pyromania 2”. Мы не хотим делать “Hysteria 2”. Мы уже это сделали. Нам хочется сделать что-то другое, но не менее интересное».

В рамках недавнего интервью с гитаристом TOOL у него спросили, правда ли группа думает о концертах в Сфере:

«Мы должны были открывать это заведение. Нам предложили, но из-за «игры престолов» в группе у нас просто не получилось это организовать. В итоге они пригласили U2, и я думаю, что нас всё равно бы оттеснили в сторону. Но они были очень заинтересованы в том, чтобы мы там выступили, поэтому с момента открытия мы обсуждаем с ними возможность проведения там какой серии концертов. Здесь много технических деталей, вопросов бюджета, денег и сроков. Так что все это очень сложно. Но я полагаю, что в какой-то момент мы это все таки сделаем!»

DEVIN TOWNSEND в недавнем интервью поговорил о том, как смог сохранить голос на протяжении долгой карьеры:

«Не знаю. Правда, не знаю, потому что, по идее, этого не должно было случиться. Ну, может, если смотреть с практической стороны, то дело в том, что я не так уж много пою, так что просто берегу голос. [Смеется] Я не пою в душе, не хожу по дому напевая. Я не пою ради удовольствия. Я пою, когда мне нужно петь. Так что это почти как если бы у меня был определенный запас голоса на всю жизнь, и я просто растянул его на более долгий срок.

В первый год, когда я пел со Steve [Vai], помню, я пошел к вокальному преподавателю, и он, увидев мою технику, всерьез переживал, что я не смогу петь дольше года. Но прошло уже почти 40 лет, ха-ха. Так что не знаю. [Смеется]»

После того как интервьюер отметил, что в вокале Devin есть «агрессия», но при этом он полностью контролирует свой голос, Townsend сказал:

«Ну, мой голос — это просто я сам. Думаю, самое сложное в том, чтобы быть певцом, — это то, что тебе негде спрятаться. И если ты неуверенный в себе человек или, скажем так, немного отстраненный, как я вижу себя, то становится огромным психологическим испытанием говорить свою правду и одновременно принимать тот факт, что будут люди, которые тебя не поймут, неправильно истолкуют или еще что-то в этом духе. И та работа, которую я проделал над собственной жизнью, чтобы оставаться уравновешенным и держать себя в балансе, — это те же самые приемы, которые, в каком-то смысле, дали мне контроль над голосом.

Чем больше я учился заботиться о себе и относиться к себе нормально, тем лучше становился мой голос. Думаю, много лет мой голос был для меня воплощением той части меня самого, которую я пытался подавить или скрыть. Типа, я не хотел, чтобы меня видели таким, какой я есть. И все это изменилось [смеется], особенно за последние пару лет. Хотя даже до этого мне казалось, что проблемы уже нет, но иногда жизнь ставит тебя в такие ситуации, когда у тебя просто нет выбора, кроме как увидеть правду. И вот тогда я стал куда лучше контролировать свой голос — просто потому, что перестал убегать от самого себя. Так что, насколько бы непрактичным это ни было как совет другим вокалистам, мой единственный вокальный “экзерсис” — это попытаться разобраться у себя в голове. И тогда голос тоже станет лучше».

На вопрос о том, как изменились его отношения с музыкальной индустрией с приходом соцсетей и стриминговых сервисов, Devin ответил:

«Ну, я нанял команду людей, которые младше меня… Думаю, это единственное решение, потому что иначе тебе приходится всем этим жить, а если тебе это неинтересно… Единственное, что меня действительно волнует в индустрии и в моей роли, — это аудитория. Я хочу передавать те образы, которые мне посчастливилось услышать внутри себя, максимально точно к их изначальному творческому импульсу. Это самое главное — уважать само видение, каким бы оно ни было. И если у меня есть идея и она меня захватывает, то самое важное — реализовать ее правильно, вне зависимости от того, что об этом подумают другие.

А уже второе — это желание хорошо делать свою работу для слушателей. Если ты выступаешь, пишешь музыку или занимаешься сведением, круто уметь по максимуму отдавать что-то аудитории. Но индустрия изменилась, соцсети все изменили, и теперь, если тебе по-настоящему неинтересна вся эта часть, тебе нужны люди, которые будут помогать. Сейчас мне повезло: у меня есть команда, которая говорит: “Так, сегодня снимаем playthrough-видео. Сегодня делаем вот это”. И благодаря такому подходу ты можешь оставаться активным и продолжать общаться со своей аудиторией, а это прекрасно. Но мне не приходится жертвовать всеми моментами творческого потенциала из-за ощущения, что я обязан… Моя работа не может сводиться только к соцсетям. Моя работа — это музыка. И этот переходный период, который продолжается уже, наверное, лет десять, был довольно непростым и многослойным.

Нужно очень-очень четко понимать, в чем твое главное намерение. И мне потребовалось очень много времени, чтобы снова прийти к мысли, что я должен концентрироваться именно на музыке. На создании. На идеях — бесконечных идеях. И хотя это риск, я просто сказал себе: “Хорошо, если я найму людей и построю систему, которая позволит мне воплощать все это, значит, будет переход из одной жизни в другую”.

И именно такими были последние полтора года — наймом людей и строительством студии. Потому что я лучше всего работаю тогда, когда могу просто творить. Когда могу проснуться, писать музыку, генерировать идеи, а потом делегировать задачи: “Ты делаешь это, ты — вот это, а я займусь этим”, и так далее, и тому подобное. А последние несколько лет все было совсем иначе. Я постоянно думал: “Надо запостить что-то, надо снять видео, надо…” Понимаешь, о чем я? И мне кажется, это в какой-то степени убило мою мотивацию.

Так что сейчас, после всего строительства и найма людей, я просто жду, когда начнет уходить выгорание, когда спадет усталость. И это уже происходит. Определенно происходит. Но когда все окончательно устаканится, я смогу создавать просто огромное количество творческого контента. Сейчас я могу делать очень много. Мне просто сначала надо немного поспать, но я уже почти у цели!»

GENE HOGLAN в недавнем интервью ответил на вопрос, ощущал ли он в те далёкие времена трэша, четыре десятилетия назад, что является участником движения, навсегда изменившего музыку:

«Совершенно не ощущал. Мы понятия не имели, что всё это значит. Мы просто плыли против течения, потому что в то время трэш, глэм-металл, кок-рок, как бы люди это ни называли, просто хард-рок, радио-рок — всё это было на подъёме. А мы, выпуская тогда просто брутальную музыку, были совершенно неприемлемы для масс. Вероятно, это были фанаты, которые тоже устали от глэм-металла и лака для волос. Вся эта музыка казалась какой-то пластиковой. Всё это казалось фальшивкой. Эти парни на выходных брызгали волосы лаком и делали причёски, а в будни шли на свою обычную работу. Так что, по крайней мере, трэш-металл был настоящим. Мы выходили на сцену в том, же, что носили в повседневной жизни. А музыка, которую мы играли, была по-настоящему агрессивной в противовес тому, что происходило в то время на глазах у публики. Так что мы не предполагали, что из этого что-то выйдет. Это была просто музыка, которую мы любили играть. Это была музыка, которую мы любили создавать. Нам очень нравилось помогать создавать эту сцену. Но до какой степени это дошло, мы и понятия не имели. Мы играли музыку, которую любили. И, как я уже сказал, я думаю, что многие люди немного устали от всех глэм-металлических групп, которые звучали одинаково, выглядели одинаково, пели тексты с одинаковыми темами — вечеринки, девушки, езда на машине и тому подобное. Мы просто пытались вырваться из того шаблона, который создали другие, и вот к чему это привело. И это удивительно — спустя 43 года обсуждать те ранние дни.

Я всегда ощущал нечто подобное. Когда металл словно исчез в начале 1990-х, он просто вернулся в андеграунд, как это было для всех нас. Он никогда не умирал, но единственное, что осталось верным всему этому, — это все трэш-группы или группы, основанные на трэше и подверженные его влиянию. Именно эти ребята смогли удержаться на гребне волны. Все мы, кто был в более тяжёлой части сцены, гордились тем, где мы были. Мы все гордились тем, что сделали, так что нам нечего было стыдиться. Когда появился гранж и люди думали, что гранж убил металл, это было не так. На гранж очень сильно повлиял трэш. Это слышно. Поговорите с парнями из всех известных гранж-групп, и они скажут: "Мы любили трэш. Мы были увлечены трэшем". Так что трэш был широко распространённым и влиятельным музыкальным стилем. По моему мнению, он оказал влияние на всё, что появилось после него. Дэт-металл, грайндкор, всё, что было действительно тяжёлым, я думаю, произошло от эпохи трэша. Так что когда есть такие крепкие корни, деревья вырастают высокими».

В рамках недавнего интервью у Chris "Motionless" Cerulli спросили, почему группа решила записать для нового альбома кавер-версию хита канадского исполнителя COREY HART "Sunglasses At Night":

«Что касается каверов, я знаю, что мнения по поводу того, стоит ли придерживаться оригинала или создавать что-то совершенно новое, сильно разделились и вызывают ожесточенные споры, но для меня это совершенно очевидно. На самом деле я впервые говорю об этом. Уже лет 12–13 я рассказываю о кавере, который хочу исполнить больше всего на свете. Я говорил об этом, но никогда не называл, какая именно песня, так что вот она, урра! Я всегда хотел это сделать. Я думал: «Эта песня такая… Мне кажется, MOTIONLESS должны сыграть «Sunglasses At Night».» И сначала это было просто забавным экспериментом, а потом в итоге попало на альбом. И для меня это очень важно. И если вам это не нравится, мне плевать».

Рассказывая о том, чем кавер-версия MOTIONLESS IN WHITE на «Sunglasses At Night» отличается от оригинала, Chris сказал:

«Мы добавили гитары и прочее. То есть, она тяжелее оригинала, но там нет брейкдауна или чего-то подобного».

На вопрос, откуда взялась любовь к «Sunglasses At Night», Chris ответил:

«Я считаю, что это культовая песня 80-х. В ней есть много синтезаторов. В ней есть мощный припев, вся такая изящная бравада 80-х!»

В рамках недавнего интервью у RACHEL'a BOLAN'a спросили, может ли он назвать пару идеально сделанных композиций:

«Есть несколько. «Lido Shuffle» Boz Scaggs. В этой песне как цельной работе просто нет ничего, что не было бы офигенным. Каждый раз, когда я ее слушаю, я такой: «Вау. Откуда вообще это взялось?» Не знаю, смог бы я сам создать что-то подобное. И еще — «Breakdown» TOM PETTY AND THE HEARTBREAKERS. Это одна из тех песен, где даже фальстарт делает ее еще более потрясающей и красивой — структура у этой песни настолько странная. Она кажется как будто недоделанной, но при этом она настолько невероятна, потому что с самой первой секунды ты думаешь: «Ага, breakdown. Круто». И не успеваешь опомниться — а она уже закончилась. Но это одна из тех песен, про которые я думаю: «Черт, хотел бы я сам ее написать». Простота.

После того как интервьюер заметила, что самые сложные песни — обычно самые простые, Rachel согласился.

«Согласен. Я пишу просто. И, наверное, это потому, что я сам такое слушаю. Большая часть того, что я слушал, — это трехаккордный рок: KISS, AC/DC, RAMONES, SEX PISTOLS. И, полагаю, это просто у меня вшито — писать именно так. Я по-другому и не умею. Но когда я пытаюсь… Например, сажусь с сонграйтерами, особенно когда был в Нэшвилле, и они начинают давать тебе установки… Я писал — ну, или попадал на несколько country-сессий. И там: «Окей, вот это сейчас популярно». «Вот эти аккорды мы не используем». «Вот так мы не говорим». «Вот эта фразочка сейчас в тренде». А я такой: «Это songwriting? Это не songwriting». «Ты должен быть умным, когда это говоришь, но при этом должен говорить буквально. Нельзя слишком уходить в поэзию». И я такой: «Вау».

Я так сделал. Ничего из этого никуда не выстрелило, но я это делал и многому научился. Но это было очень странно. Типа: «О, whiskey уже не в моде. Теперь вот это». «И про trucks — мы больше не поем про пикапы. Мы поем про…» бла-бла-бла, вот это вот все. И я такой: «Вау. Это что, все взаправду?» Сначала я думал, что они прикалываются. А потом такой: «Ого. Нет, вы серьезно. Окей, понял».

И ты не можешь сказать что-то слишком… там вообще нет метафор. А я всегда пишу так, чтобы где-то была метафора, которую можно трактовать как угодно. В этом для меня и есть красота музыки. Что-то может быть буквальным, но… Я, например, не понимал, сколько в песнях RAMONES отсылок к наркотикам, пока не стал старше. Я такой: «А-а-а. Вот о чем они, значит». Типа: а кого это Лу Рид ждет? А-а, ну теперь понял».

CBS и Dick Clark Productions (DCP), крупнейший в мире владелец и продюсер телевизионных шоу и развлекательных программ в прямом эфире, объявили, что легенда рока и будущий член Rock And Roll Hall Of Fame 2026 года Billy Idol получит премию Lifetime Achievement Award на 52-й церемонии American Music Awards (AMAs) — в знак признания его выдающейся карьеры, творческого наследия и огромного вклада в музыку, а также в честь его долговечного влияния на поколения артистов и поклонников. За десятилетия с момента своего появления на сцене Idol оказал огромное влияние как на музыкантов, так и на слушателей. Икона панка исполнит попурри из своих главных хитов — это будет его первое появление на сцене AMAs с 2004 года, когда он вручал награду, и вообще первое выступление на самой церемонии. Ранее премию AMAs Lifetime Achievement Award получали Diana Ross и Rod Stewart.

Звездное шоу откроет летний сезон: ведущей станет Queen Latifah, а сама церемония пройдет в прямом эфире из MGM Grand Garden Arena в Лас-Вегасе — это самая большая площадка в истории шоу — в День памяти, в понедельник, 25 мая. Трансляция стартует одновременно по всей стране на CBS Television Network и Paramount+ в 20:00 по восточному времени / 17:00 по тихоокеанскому. В программе заявлены выступления обладательницы International Artist Award of Excellence Karol G, а также HOOTIE & THE BLOWFISH, KATSEYE, Keith Urban, Maluma, Riley Green, SOMBR, Teddy Swims, Teyana Taylor и TWENTY ONE PILOTS. Имена других участников будут объявлены позже. Билеты на шоу уже доступны через AXS.

«Billy Idol — настоящая рок-легенда, чье влияние вышло далеко за пределы поколений и жанров. От своей революционной музыки до невероятной сценической харизмы — Billy оставил неизгладимый след в поп-культуре и музыкальной индустрии», — заявили исполнительные продюсеры Barry Adelman, EVP Television, и Alexi Mazareas, SVP Programming & Development компании Dick Clark Productions. «Мы рады вручить ему Lifetime Achievement Award на 52-й церемонии American Music Awards и отпраздновать его наследие выступлением, которое, без сомнения, станет незабываемым».

Вот уже почти 50 лет Billy Idol остается одним из главных лиц и голосов рок-н-ролла. В период с 1977 по 1981 год Idol выпустил три альбома с GENERATION X в роли их идеально подходящего для камер фронтмена. В 1982 году вместе с гитаристом Steve Stevens он начал сольную карьеру, объединившую панк, рок-н-ролльный декаданс и поп-чувствительность в таких песнях, как "Dancing With Myself", "White Wedding", "Rebel Yell", "Eyes Without A Face", "Cradle Of Love" и других. Продолжая активно гастролировать по всему миру и не собираясь сбавлять обороты, Idol выпустил в 2025 году альбом "Dream Into It" на Dark Horse Records, получивший высокие оценки как от фанатов, так и от критиков. А в 2026 году вышел документальный фильм "Billy Idol Should Be Dead", ставший наиболее полным рассказом о его жизни и карьере.

52-я церемония American Music Awards, одно из самых ожидаемых музыкальных событий года, вновь будет транслироваться на CBS и Paramount+ и отметит как самых влиятельных артистов и песни современности, так и подарит зрителям запоминающиеся выступления и специальные моменты в мультижанровом, межпоколенческом празднике музыки.

Номинанты на 52-е AMAs были объявлены в прошлом месяце. Лидером по количеству номинаций стала Taylor Swift — у нее их восемь. Следом идут Morgan Wallen, Olivia Dean, Sabrina Carpenter и SOMBR — у каждого по семь номинаций. Голосование фанатов уже завершилось по всем категориям, кроме "Social Song Of The Year" и "Tour Of The Year" — оно останется открытым в течение первых 30 минут эфира AMAs. Проголосовать можно через VoteAMAs.com и Instagram-аккаунт @AMAs.

Дополнительная информация, включая новых артистов и ведущих церемонии, будет объявлена в ближайшие недели.

American Music Awards, посвященная самым знаковым музыкальным достижениям года, остается крупнейшей в мире премией, где победителей выбирают фанаты, чествуя самых влиятельных артистов современности и их преданных поклонников.

Созданная легендарным продюсером Dick Clark и впервые проведенная в 1974 году, премия American Music Awards за полвека подарила публике множество культовых выступлений и моментов, определивших поп-культуру, а также прославилась тем, что открывала миру новых артистов.

Согласно данным Nielsen, церемония 2025 года стала одним из самых просматриваемых телевизионных спецэфиров года: 51-е AMAs посмотрели более 10 миллионов уникальных зрителей на CBS и Paramount+ в День памяти — в понедельник, 26 мая — а также во время повторных показов на MTV, CMT и BET. Эфир на CBS собрал самую большую аудиторию с 2019 года и показал рост на 38% по сравнению с последней прямой трансляцией премии на ABC в 2022 году.

Впервые прошедшая в День памяти церемония AMAs 2025 открыла летний сезон с Jennifer Lopez в роли ведущей — спустя десять лет после ее дебюта в этом качестве в 2015 году. Она открыла шоу эффектным непрерывным попурри из 23 главных хитов года. Среди выступавших тогда были обладательница ICON Award Janet Jackson, а также Alex Warren, Becky G и Manuel Turizo, Benson Boone, Blake Shelton, Gloria Estefan, Gwen Stefani, Lainey Wilson, Reneé Rapp и лауреат Lifetime Achievement Award Rod Stewart.

DIRK VERBEUREN в недавнем интервью спросили, как он отреагировал, когда десять лет назад ему впервые предложили стать участником группы под руководством Dave'a Mustaine'a:

«Я не поверил в это. [Смеётся]. Моей первой реакцией, конечно, было недоверие. Но изначально я просто подменял другого барабанщика, так что первоначальный план был такой: я должен был отыграть около месяца на концертах, а потом… Я уже рассказывал эту историю несколько раз, но в типичном для него стиле, после примерно недели концертов Дэйв подошёл ко мне в туровом автобусе и сказал: "Ты скажешь ребятам из SOILWORK, что теперь ты мой барабанщик?" Он таким образом хотел заявить мне: "Я хочу, чтобы ты играл в группе". Так что, конечно, это было очень волнительное время, и в то же время у меня были смешанные чувства, потому что я был с SOILWORK 12 лет, и они были моими хорошими друзьями, но все говорили: "Конечно, ты должен это сделать". Так что это было необычно. На самом деле в этом месяце исполняется 10 лет с тех пор, как я отыграл свой первый концерт с MEGADETH, — до сих пор для меня нереально, что я являюсь участником такой культовой группы. Я был на концерте MEGADETH в 1990 году, так что мне тогда было, наверное, 15 лет. Это был один из первых концертов, которые я когда-либо видел. До этого я побывал только на двух других выступлениях. А потом был тур "Clash Of The Titans" с MEGADETH, SLAYER — кажется, в Европе, я тогда ещё жил во Франции, ещё выступали TESTAMENT и SUICIDAL TENDENCIES. Я в группе уже 10 лет и продолжаю чтить это наследие с отличной музыкой. И всё, что создал Дэйв, является культовым. Бывшие барабанщики MEGADETH Ник Менца, Гар Самуэльсон, Чак Белер потрясно играли, и для меня большая честь быть их преемником в этой группе. В металл-музыке выше этого наследия уже не подняться. А для меня Dave — это человек, который изобрёл трэш-металл. Он написал много культовых ранних вещей, которые определили звучание этого жанра, и его риффы можно узнать среди миллиона других. У него до сих пор уникальный стиль игры на гитаре, так что для меня Dave — это настоящий бог рока. Безусловно».

На вопрос о том, какую песню MEGADETH сложнее всего играть, Dirk ответил:

«Я бы сказал, что все песни из первого альбома "Killing Is My Business... And Business Is Good!" довольно сложны, потому что не только играются на бешеной скорости, но и Гар Самуэльсон, который был барабанщиком группы в то время, много импровизировал, и поэтому довольно сложно это воспроизвести… Так что я думаю, что с технической точки зрения старые вещи определённо сложны. Но я также хочу сказать следующее, потому что у людей иногда складывается впечатление: "Наверное, легко играть "Symphony Of Destruction" или любую другую песню — "Hangar 18" или "Trust" и так далее», — нет, в них тоже есть сложные моменты. И когда играешь полуторачасовой сет, как мы обычно делаем, когда выступаем хедлайнерами, это настоящее испытание на выносливость и стойкость. Кроме того, я стараюсь устроить шоу и сделать его интересным для зрителей, а не просто сидеть и играть. Так что все эти факторы в совокупности делают выступление очень насыщенным. А в те вечера, когда я немного устаю, потому что плохо спал или у меня была сумасшедшая поездка или что-то в этом роде, это может вымотать. Так что все эти песни по-своему довольно сложны».

Craig Ericson, основатель RISE RECORDS, вернулся в игру.

После того как в 2015 году Ericson продал RISE RECORDS компании BMG и отошел от дел в музыкальной индустрии, он запустил новый независимый лейбл Vaux Records, названный в честь знаменитых стрижей Vaux's swifts из Портленда.

Ericson основал RISE RECORDS в 1991 году, когда ему было 18 лет, и превратил его в один из самых успешных независимых лейблов своего поколения. За время его руководства RISE выпустил более 400 альбомов и помог заявить о себе таким артистам, как John Gourley из PORTUGAL. THE MAN, Johnny Franck из BILMURI, Caleb Shomo из BEARTOOTH, а также SLEEPING WITH SIRENS, OF MICE & MEN, DANCE GAVIN DANCE, PVRIS, KUBLAI KHAN TX, CROWN THE EMPIRE и многим другим. Среди других заметных подписантов лейбла были AT THE DRIVE-IN, AMERICAN NIGHTMARE, HOT WATER MUSIC и 7 SECONDS.

RISE стал редким явлением — лейблом с собственной фан-базой и собственной идентичностью. Имея штат всего из шести человек, лейбл добился нескольких дебютов в топ-10 Billboard, включая альбом SLEEPING WITH SIRENS "Feel", поднявшийся до третьего места, и "Restoring Force" группы OF MICE & MEN, добравшийся до четвертой строчки.

Ericson также был одним из первых владельцев лейблов, кто полностью принял YouTube как музыкальную платформу, выкладывая каталог RISE, чтобы фанаты могли легально и бесплатно открывать для себя новую музыку. Его подход «бесплатного тест-драйва» помог набрать миллиарды прослушиваний, миллионы подписчиков и сформировать вокруг лейбла преданное сообщество.

После окончания действия соглашения о неконкуренции и с новым желанием строить что-то свое, Ericson в 2025 году основал Vaux Records. Лейбл уже подписал контракты с CUNTROL из Лос-Анджелеса и J NOIRE из Нэшвилла, а еще двух артистов объявят в ближайшее время.

Миссия проста: оставаться независимыми, доверять инстинктам и подписывать группы, от которых бегут мурашки.

Vaux Records будет сотрудничать с Many Hats по дистрибуции и с MerchNow по мерчу и официальному онлайн-магазину.

15 мая стало официальной датой запуска Vaux Records.

"Pure Ecstasy", новое видео группы BEARTOOTH, доступно для просмотра ниже. Эта песня взята из альбома "Pure Ecstasy", выходящего 28 августа на Fearless Records:

01. Pure Ecstasy
02. Eyes Closed
03. Bullshit
04. Beautiful Again
05. Stadiums
06. Free
07. Sorry
08. Lose You To Find Me
09. You
10. For Me By Me
11. Made It

Cleopatra Entertainment объявила о кинотеатральном релизе документального фильма "Di'Anno: Iron Maiden's Lost Singer". Картина доступна в кинотеатрах Великобритании с 1 мая 2026 года — стартовые показы прошли в бирмингемском Mockingbird Cinema, после чего фильм будут демонстрировать до 2 июня в сети кинотеатров Light Cinema. Полный список сеансов и ссылки на покупку билетов доступны на musicfilmnetwork.com. Пока фильм продолжает фестивальный прокат в США — включая Sound Unseen в Миннеаполисе (13 мая) и San Francisco Documentary Festival (3 июня) — его североамериканская театральная премьера для широкой публики состоится 9 июня 2026 года в 19:00 в Lumiere Music Hall Theater в Беверли-Хиллз, Калифорния. Эта дата также станет официальным североамериканским релизом цифровой VOD-версии и DVD/Blu-ray-изданий. Сразу после показа в Беверли-Хиллз пройдет специальная Q&A-сессия с режиссером Wes Orshoski.

В этом предельно откровенном и интимном фильме Orshoski показывает последние годы жизни покойного вокалиста как эмоциональные американские горки. В картине появляются James Hetfield из METALLICA, Gene Simmons из KISS, Steve Harris из IRON MAIDEN, а также участники EXODUS, SLAYER, MEGADETH, OVERKILL и SEPULTURA. Фильм рассказывает историю того, как двое фанатов IRON MAIDEN встретили Di'Anno в самый тяжелый период его жизни и решили помочь ему восстановить здоровье и перезапустить карьеру.

Metal Hammer описал новую работу Orshoski как «мучительно честный взгляд на разочарование и физическую слабость Di'Anno в один из самых тяжелых периодов его жизни — с предельно жестким, без прикрас подходом к материалу, который куда лучше служит наследию Paul, чем любая стерильная панегирика». В свою очередь Metal Talk назвал фильм «сырым, мрачным и очень личным документальным рассказом о трагических последних годах оригинального вокалиста IRON MAIDEN Paul Di'Anno».

С середины 2010-х Di'Anno был прикован к инвалидному креслу, а во время пандемии COVID-19 его здоровье резко ухудшилось. Тогда те самые два фаната организовали краудфандинговую кампанию, благодаря которой музыкант переехал в Хорватию. Там — при помощи поклонников и врачей — ему удалось кардинально изменить ситуацию, несмотря на постоянные финансовые проблемы. Он вновь встретился со своими бывшими коллегами по MAIDEN и даже влюбился. В конечном итоге Di'Anno совершает драматичное и героическое возвращение на сцену. Все это было заснято для "Di'Anno: Iron Maiden's Lost Singer", съемки которого Orshoski начал еще в 2017 году.

«Годами там особо нечего было снимать, — говорит Orshoski, среди работ которого также числятся "Lemmy" о фронтмене MOTÖRHEAD Lemmy Kilmister и "The Damned: Don't You Wish That We Were Dead". — Пол ждал операций, которые британские врачи просто не одобряли. Он находился в невероятно темном состоянии. Но когда он оказался в Хорватии, фанаты и врачи дали ему ту надежду, которую он отчаянно искал. Было прекрасно наблюдать за этим. Я хотел снять фильм, не похожий ни на один рок-док, который вы когда-либо видели. И, думаю, в итоге у нас получилось».

Один из символов движения New Wave Of British Heavy Metal конца 1970-х — начала 1980-х, родившийся в Лондоне Di'Anno помог IRON MAIDEN прорваться на мировую сцену, записав с группой два основополагающих метал-альбома: дебютный "Iron Maiden" 1980 года и легендарный "Killers" 1981-го. В одной из самых известных историй в истории метала Di'Anno покинул MAIDEN в 1981 году, а его место занял Bruce Dickinson, после чего среди фанатов по всему миру начались вечные споры о том, какой состав и какой вокалист был и остается лучшим. И этот спор продолжается до сих пор — почти 50 лет спустя.

Meet Me After Life, новое видео STITCHED UP HEART, доступно для просмотра ниже. Этот трек взят из нового альбома "Medusa", релиз которого намечен на 12 июня на Judge & Jury Records:

01. Love & Death
02. Sick Sick Sick
03. Glitch Bitch
04. Cannibal
05. Meet Me After Life
06. Medusa
07. Beast
08. Dead To Me
09. Devilicious
10. Ex-Termination

В недавнем интервью Benjamin Burnley обсудил будущий тур с Европе:

«В конце месяца я отправляюсь в Европу. А я не летаю на самолетах, поэтому мне придется идти на корабле, и из-за этого я вынужден уезжать на неделю раньше всех».

На вопрос, боится ли он летать, он ответил:

«Да, конечно… И несмотря на то, что путешествие на корабле такое долгое и утомительное, и как бы скучно это ни было, каждый раз я говорю себе: О, боже», я просто думаю о полете и говорю себе: «Ладно, на самом деле мне так и хорошо».

Честно говоря, я не люблю путешествовать на… Я, наверное, выбрал не ту профессию. И я вообще не люблю путешествовать и скорость. Не люблю ехать быстро. И уж точно не люблю быть на высоте… Так что я и на корабле чувствую себя не очень комфортно. Просто приходится выбирать меньшее из зол, что-то в этом роде».

На вопрос, означает ли это, что он прибудет в Европу на неделю позже остальных участников BREAKING BENJAMIN, поскольку придет туда на корабле, а не на самолете, он ответил:

«Ну, они уезжают на неделю раньше, так что мы прибудем туда практически одновременно. Но я думаю, что в самом конце они все полетят домой, а так сложилось по расписанию корабля, что мне придется остаться на несколько дней дольше, пока мой корабль не отплывет обратно. Я буду в Лондоне рядом с какими-то классными местами… Так что я буду в классном районе Лондона, где есть чем заняться, и, надеюсь, мой сын будет со мной».

В рамках недавнего интервью BRIAN WHEAT ответил на вопрос о том, как поменялись концертные выступления TESLA с течением времени:

«Раньше мы [играли более длинные сеты]. Думаю, пик нашей карьеры, когда всё стреляло на полную — мультиплатиновые альбомы, MTV, радиоэфиры и всё такое — пришелся примерно на ’91–’92 годы, когда у нас вышел “Psychotic Supper”. И тогда мы играли шоу по два с половиной часа. А сейчас играем 100 минут. И, думаю, это одна из причин, почему голос Jeff'а [Keith] до сих пор в такой отличной форме. Потому что много лет он пел практически на верхнем пределе своего диапазона, и все эти вещи — укороченные сеты, отсутствие пяти концертов подряд, все эти маленькие осознанные решения, которые мы принимали, — позволили нам продолжать и играть даже спустя 41 год.

Мы потеряли много великих вокалистов, а голос — это мышца. К этому добавляются возраст, злоупотребления, пение вне своего диапазона… Тут столько факторов. И я чувствую себя очень счастливым, что голос Jeff'а всё еще в настолько хорошем состоянии».

Wheat также рассказал о нежелании TESLA выпускать полноценный альбом с новым оригинальным материалом, предпочитая вместо этого оставаться в туровом режиме или заниматься специальными проектами — вроде отдельных синглов или грядущего LP “Homage”, на котором TESLA возвращаются к своим корням с подборкой каверов на классические рок-хиты.

«На запись альбома уходит очень много времени, а это значит — время, которое нам приходится проводить вне дороги. И, мне кажется, люди не понимают одной простой вещи: ребята из TESLA — не богачи. Когда мы играем концерты — это и есть наш заработок. Нам надо работать. Мы не настолько богаты, чтобы просто остановиться. Мы никогда не были настолько известной группой. Мы не были на уровне DEF LEPPARD, MÖTLEY CRÜE, METALLICA или GUNS N’ ROSES. Мы были на ступень ниже. Я называл их “A-группами”, а нас — “B-группой”. Так что нам всё еще приходится выходить и зарабатывать себе на жизнь.

И если честно, люди больше не покупают альбомы так, как покупали раньше, когда мы выпускали свои пластинки. Просто не покупают. Spotify платит тебе какие-то сраные копейки. Эфирное радио — четыре цента за проигрывание. И когда я смотрю на всё это стратегически — а TESLA я менеджерю уже лет двадцать примерно, — ты начинаешь думать: “Ладно, какие у нас приоритеты?” Всё сводится к тому, что люди всё еще хотят видеть нас живьем. Голос Jeff'а всё еще в отличной форме. Хочу ли я потратить два года его голоса на студию, если за эти два года он мог бы петь на концертах? Потому что он становится старше. И когда голос уходит — он не предупреждает. Он просто исчезает.

Вот такой у нас план. Мы будем играть концерты, выпускать по паре новых песен каждый год, а эта штука [“Homage”], которую мы только что сделали, изначально вообще должна была быть EP, но в итоге превратилась в полноценный альбом. Потому что для TESLA больше всего времени при создании новой пластинки занимает не сама запись — а написание песен»

В рамках недавней беседы у Chad'a Gray'я спросили, готов ли он выпустить что-то сольно:

«Я точно не против этого. Но сейчас и продвижение музыки, и вообще всё работает иначе. Всё упирается в наличие правильных инструментов. Важно, чтобы рядом были нужные люди, подключенные к нужным инструментам, чтобы они могли донести до людей, что у тебя выходит новая музыка.

Мы выпустили новые песни MUDVAYNE — “Hurt People Hurt People” и “Sticks And Stones” в 2025-м, — и все были от них в полном восторге. Но я был уверен, что “Sticks And Stones” станет синглом уровня топ-10, а она в итоге добралась только до двадцатки. И это было странно, потому что на радио эту вещь, б$$$ь, обожали. Просто сейчас всё работает немного иначе, чем раньше. Не то чтобы сейчас невозможно чего-то добиться — люди ведь добиваются. Но я не уверен, что мы сами были до конца встроены в этот мир».

На вопрос, повлияли ли слабые результаты “Hurt People Hurt People” и “Sticks And Stones” на решение MUDVAYNE взять паузу в гастролях и записи в 2026 году, Chad ответил:

«Нет. Вообще никак. Просто было: бум, бум, бум, бум — четыре года подряд без остановки. И мы такие: “Давайте немного выдохнем. Заморозим всё на какое-то время и посмотрим, какие возможности появятся, если группа год постоит на паузе”. Просто посмотреть, что будет. Потому что мы только что были хедлайнерами [тура]. И кто знает? [Нам не хотелось] снова ехать в хедлайн-тур спустя такой короткий промежуток времени. Мы хотим, чтобы всё, что мы делаем, было успешным, и чтобы люди реально ждали встречи с нами. А иногда, когда ты знаешь, что группа снова приедет уже в следующем году, ты такой: “Ай, в этом году пропущу, схожу в следующий”. Так что это просто одна из таких ситуаций, когда ты думаешь: “Э-э, ладно…”»

Говоря о своем сольном проекте, Chad сказал:

«Я очень воодушевлен. Меня реально прет от того, что у нас получилось. Я рад, что вообще решил этим заняться. Думаю, фанатам очень понравилось [первое выступление]. И, надеюсь, дальше им тоже все будет нравиться. Я-то уж точно кайфанул, и дальше тоже собираюсь кайфовать. Мне кажется, я делаю это по правильным причинам».

После того как Lee заметил, что многим фанатам наверняка понравится перспектива услышать за один вечер песни и MUDVAYNE, и HELLYEAH, Chad согласился.

«Для меня это тоже круто. Нельзя автоматически считать, что фанаты MUDVAYNE обязательно любят HELLYEAH, как и наоборот — что фанаты HELLYEAH обязательно любят MUDVAYNE. Это были две отдельные группы. Довольно разные команды.

И с HELLYEAH было забавно, потому что Винни постоянно говорил что-то вроде: “Чувак, меня бесит, что люди воспринимают нашу группу как стену между мной и PANTERA, тобой и MUDVAYNE”. Хотя суть вообще была не в этом. Просто несколько чуваков собрались в комнате, начали рубиться и кайфовать от процесса. Но люди реально смотрели на это так: “Я не буду любить HELLYEAH, потому что HELLYEAH мешает Chad вернуться в MUDVAYNE” или “мешает Винни сделать реюнион PANTERA”, что-то в этом духе.

А мы всегда хотели, чтобы HELLYEAH существовали сами по себе. Именно поэтому мы никогда не играли в сетах песни MUDVAYNE и никогда не играли песни PANTERA. Мы хотели, чтобы HELLYEAH были именно HELLYEAH. Это была настоящая группа, всё было по-настоящему. В этом проекте было очень много страсти. По сути, это и был passion project. И в него было вложено очень много души. Мы, б$$$ь, пахали в этой группе 12 лет».