 |
Last login: 12 июля 2017, 11:38
|
 |
| 
|
|
|
 |
|
| "My Hips Don't Lie"... именно так мне удалось понять то, чего раньше мне не удавалось уловить, слушая новый альбом полноправных наследников сильнейшей британской нео-прог школы - Threshold. В 2012 году у этой группы, славящейся своими масштабными эпическими музыкальными полотнами и высокоинтеллектуальными текстами, вышел альбом, под который хочется начать непроизвольно в такт пританцовывать, слегка покачиваясь. Интеллектуалы Theshold выдали во многом поп-роковый альбом, и получилось у них это замечательно. Целых 5 лет прошло с тех пор, как увидел свет предшественник – мрачный "Dead Reckoning". Вероятно, за эти пять лет группа многое переосмыслила и попыталась найти новые горизонты. Действительно, сложно придумать более навороченную структуру композиций, чем на альбомах "Subsurface" или "Hypothetical". Кроме того, новый альбом частично утратил способность передать то особое чувство парения в высочайших атмосферных слоях, которое ощущалось при прослушивании прошлого материала. Музыка Threshold как будто не имела с земным существованием ничего общего – настолько естественными получались захватывающие дух, спаянные в единое целое клавишные и гитарные соляки. Атмосферы добавляли и „полётные“ электронные семплы, вплоть до звуков вертолётного винта. А вот после прослушивания рецензируемого альбома возникает ощущение основательности и приземлённости. Конечно, нельзя сказать, что такие асы-музыканты вдруг начали играть слишком просто и больше не выдают великолепных по красоте соло. Это присутствует и в новом материале, но на первом месте – мелодика запоминающихся припевов под аккомпанемент клавишей, имеющих много общего с творчеством, к примеру, таких поп-звёзд, как ABBA. И сейчас я, прежде всего, имею в виду явный хит альбома „Don`t Look Down“, с его запоминающимся припевом, под который так легко переставлять каблуки пружинящей походкой. Однако наибольшее впечатление на меня произвела очень глубокая по смыслу, мрачная и задумчивая композиция „Liberty, Complacency, Dependency“, сильно выбивающаяся из общего настроения и принципа построения материала и имеющая много общего с более ранним творчеством группы.
Возможно, изменение в звучании стало возможным благодаря тому, что на этом альбоме стойку у микрофона вновь занял дело новый (и он же - самый первый) вокалист Дэмиэн Вильсон. Дело в том, что Дэмиен после ухода из Theshold сделал довольно успешную карьеру певца, исполняя мелодик-рок-репертуар, а, может, основные композиторы - Карл Грум и Ричард Вест - просто решили таким образом придать музыке новизны (и раньше они включали в альбом хотя бы одну не металл-композицию). Как бы там ни было, этот альбом не затмит для меня великолепный "Hypothetical", однако я радуюсь, что это явно не провальная и не скучная работа. Иногда и ангелы спускаются на землю...
|
|  |
|
|
|
|
|
| Можно уверенно сказать, что дебютный альбом Vader был сделан в лучших традициях дэт-металл-школы. Даже тот материал,который перекочевал из предшествующих демок („Viscious Circle“, „Final Massacre“,“Reign Carrion“, „Decapitated Saints“) слушается по-другому, - темп явно снижен, а звучание приобрело натурально-дэтовую вязкость. На мой взгляд, образцом (ну, или, если хотите, ближайшими коллегами) Vader стали одни из представителей калифорнийской школы дэта Malevolent Creation. Риффинг основного композитора Malevolent Creation Фила Фаскиана отличается, скажем, от такового в Obituary большей компактностью и менее растянут во времени, так как риффы словно выбрасыаются единым пулом, а не размазаны по треку. В результате этого музыка что Malevolent Creation, что Vader воспринимается как агрессия в чистом виде, лишённая той болезненности, что чувствуется в творчестве Obituary. С другой стороны, дебютник поляков лишён того безумия и хаотичности, которое можно услышать в ранних работах Morbid Angel. Vader практически распрощались с хулиганистостью и разухабистостью трэша. "The Ultimate Incantation" – это сознательная, концентрированная, взрослая, параноидальная агрессия и ненависть в силу продуманной режиссуры каждого трека. В общем, Петер и Ко подошли к делу максимально обстоятельно.
После "шумового" атмосферного intro „Creation“ следует самая удачная из нового материала вещь „Dark Ages“ - яркие многосложные риффы, намотанные на бласт-биты, с правильно раставленными тремоло-акцентами. Впрочем, здесь каждая коvпозиция имеет довольно замысловатую структуру. Короче говоря, дебютник слушается вовсе не как дебютник – продуманная, зрелая работа. Ставлю 8 только потому, что в то время выходило много замечательных конкурентоспособных дэтовых альбомов. И этот - явно в их числе.
***
Корреспондент: Петер, расскажи, что ты почувствовал, когда понял, что Earache Records предложила вам контракт. Ты сразу согласился?
Петер: Конечно, сразу. Не скрою, я два дня кипятком писал. Отметили мы этот контракт очень бурно. Собрали кучу панночек и под утро только все разлетелись по домам...как вспомню, так вздрогну...сzarny odbijanie, сzarny odbijanie.
Корреспондент: Ну, а как же андеграунд. По сути же, вы стали мейнстримной группой, профи, так сказать. Мы-то понимаем, что с того момента над тобой теперь было некое лицо – продюсер, менеджер, который диктует тебе, что ты должен делать и как. Тем более, что вы тогда были молодой группой. А дух андеграунда, дух свободы как же?
Петер: Зато мне не нужно было уже появляться в той ненавистной конторе, в которой я прозябал от одной репетиции на базе до другой. Я сразу ушёл от туда, ещё даже не поучив аванс от Earache.
Корреспондент: Ты был рад сбежать куда угодно со своей обычной работы?
Петер: И так, и не совсем так. Теперь замаячила перспектива не отвлекаться на те глупые занятия, которыми занимаются многие людишки, да ещё гордятся этим, - они ведь в основной своей массе так примитивны. Я стал заниматься только творчеством [говорит пафосно]!(пауза) Да-да, уделять внимание музыке и сконцентрироваться ещё кое на чём важном... Już czas, zbyt długo siedzi w dziurze [добавляет тихо и задумчиво].
Корреспондент: Что-что? Повтори ещё раз последнюю фразу, мой диктофон, скорее всего, её не записал. На чём сконцентрироваться?
Петер (отводя взгляд): Да так, ничего...проехали. Мы поехали в Стокгольм сразу же после встречи с представителем лейбла, там поработали над записью, но не доделали её. Попавшийся нам продюсер был таким же полным дебилом, как 99 процентов людей, так что доделывали все в Англии: я знал, что там Павел работает, а он из наших...
Корреспондент: Ты про Пола Джонсона? Из наших? В смысле, из каких таких наших?
Петер: Ну, из наших, то есть...эээ...ммм... у него бабушка была полячкой. А ведь по-польски мне было тогда проще объясняться. Rozrzuconych po całym świecie są teraz martwe dzieci książę Zasławski.
Корреспондент: Петер, не надо по-польски, я не понимаю. Но ведь ты в творчестве прогнулся под Earache. Небось, сказали, что, мол, 80-е уже позади, настала эра дэта. Скорость на альбоме явно сбавлена. И вот это вот интро „Creation“. Malevolent Creation что ли? Тебе с них посоветовали дэт "списать"?
Петер: Хех, прогибаться меня заставляет вовсе не лейбл. Если бы не...Так, ладно, пора мне, на сегодня всё.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2004 году, всё ещё собственными силами, Робин Стапс, лидер\гитарист The Ocean выпустил дебютный полноформатный альбом. Вообще, в этом и последующем годах вышло много интересных релизов у разномастных американских сладжеров (как психоделической, так и прогрессивной направленности), однако «Fluxion» совершенно точно ближе всего к творчеству Isis — лидеров направления сладж-пост-металл, а именно - к «Panopticon». Действительно, несмотря на несомненную схожесть общего звучания, альбомы по музыкальному наполнению и смыслу совершенно разные. Если «Panopticon» — это идеальная депривационная камера, которая лишает подвижности, рассеивает внимание, не даёт сконцентрироваться за счёт практически полного отсутствия более жёстких структур, за которые возможно мысленно уцепиться (такова уж его идея), то «Fluxion», напротив, изобилует неожиданными, вполне ощутимыми находками, торчащими из груды сладжа и пост-металла. Кажется, будто Робин и музыканты, которые в то время с ним работали, постарались завернуть в общее звучание всё то лучшее, на что они способны. Впрочем, открывашка альбома «Nazca» являет собой вполне стилистически выдержанный сладжевый металл-стафф. Однако уже на следующей композиции сладж накрепко спаян со скрипичным звучанием.
Альбом является, пожалуй, самым симфоническим в портфолио группы. Скрипичные партии тут не просто являются «баловством», неким дополнительным украшением; они в определённом смысле занимают одну из ведущих ролей в музыкальном полотне. Центральная часть композиции «The Human Stains» похожа оперную увертюру... И дальше всё в том же духе. То на нас обрушивается весьма экстремальный сладжкоровый саунд («Comfort Zones», «Dead On The Wohole»), то вдруг спокойные пост-роковые переборы («Fluxion»). Особенно меня позабавила партия электронного органа во «Fluxion», словно взятая из детского фантастического фильма «Алиса из будущего». Однако же самым авангардным ходом этого альбома является, пожалуй, музыкальный момент в духе испанского фламенко в "Equinox". Однако моему вкусу больше всего соответствует наиболее прогрессивная «Isla Del Sol», которая во многом определила дальнейшее развитие музыки The Ocean. На ней можно услышать пример весьма удачного дуэта харш-гроул-вокалиста и вокалиста, поющего чистым вокалом.
Альбом получился авангардным и стилистически невыдержанным. Хотя в лирике всё же можно выделить общий стержень, вокруг которого будет завязан и «Aelion» - это непрерывная борьба за выживание в глобальном смысле (лучшим образом это отражает цитата: «Men are just vultures fighting for prey: they shrink back at nothing and scare each other away»).
Не могу сказать, что такой подчёркнутый стилистический авангардизм как-то раздражает. Материал нельзя ни в коем случае назвать безвкусным. Скорее, он поражает своей неординарностью, и за это я поставлю ему 8 баллов. Уже второй альбом этой группы, выпущенный на Metal Blade, без сомнения, является более зрелой работой, но, одновременно, и более предсказуемой.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Плевал я на человечество. Во всём вашем человечестве меня интересует только один человек ― я то есть. Стою я чего-нибудь или я такое же дерьмо как некоторые прочие..."
Немцы The Ocean наряду со шведами Cult of Luna в определённом смысле являются европейским ответом сильнейшей американской сладж-металл и пост-металл школе. Однако если музыка Cult Of Luna прекрасно подходит в качестве фона к созерцательной деятельности, то творчество The Ocean - активная стихия, не имеющая ничего общего с тем умиротворяющим настроением, которое порой приходит, когда созерцаешь спокойную гладь воды — такую, какую они разместили на обложке этой EP. Так что не верьте глазам и не настраивайтесь на безмятежность, - внутри пластинки вы найдёте бурлящий поток мыслей и штормовые волны эмоций. Действительно, музыка имеет отношение не к природе, а к человеческому бытию. На создание этого альбома лидера группы - гитариста Робина Стапса вдохновил фильм Тарковского «Сталкер», поэтому голоса персонажей этого фильма, произносящих реплики на русском языке, пронизывают практически весь материал. В эпиграф этой рецензии вынесена реплика Писателя, когда он раскрывает цель своего визита в Зону. Подобные реплики заменяют вокальные партии во всех треках, кроме последнего - «The Long Road to Nha Trang», где звучит одна-единственная англоязычная фраза «you are very angry».
Почти сладжевый строй гитар (хотя на этом альбоме, я думаю, он ещё ближе к грувовому) и так называемая «качёвость» материала - это то, что объединяет данный европейский коллектив с их американскими коллегами. А вот с точки зрения мелодики и ритмических структур вы тут не найдёте ничего общего. Да это и не удивительно, поскольку американские сладжеры начинали с хардкора, здесь же дебютник имеет отношение скорее к арт-року (как ритмически, так и из-за весомого вклада классических инструментов - скрипок и пианино - в музыкальное полотно, как, например, в «The Melancholy Epidemic») и к пост-металлу (характерными медиаторными гитарными приёмами и эмбиентными эффектами, как в «Endusers»). Добавлю, что The Ocean действительно преуспели в создании «кача»! Уже на дебютнике можно услышать те самые мощные конвульсии, которые уже стали фирменной чертой материала The Ocean до «Antropocentric». А этот же релиз, думаю, заслуживает 10 баллов за оригинальность идеи и целостность музыкального материала.
P.S. В качестве постскриптума вынесу ещё одну цитату из «Сталкера», которая прозвучала в самом интересном треке - «Isla de La Luna», потому что музыка The Ocean действительно напоминает Зону из «Пикника на обочине» своей непредсказуемостью... "Зона — это очень сложная система ловушек, что ли...и все они смертельны. Я не знаю, что здесь происходит в отсутствие человека, но стоит тут только появиться людям, как всё здесь приходит в движение: бывшие ловушки исчезают, появляются новые. Безопасные места становятся непроходимыми. И путь то становится простым и лёгким, то запутывается до бесконечности. Это Зона. Может даже показаться, что она капризна. Но в каждый момент она такая, какой мы сами её сделали своим состоянием".
|
| |
|
|
|
|
|
| Asylum Party - ещё одна примета славных восьмидесятых. Появившись в середине этого десятилетия, группа перестала существовать в 1990, после выхода своего последнего полноформатного альбома „Mere“. За это время музыка Asylum Party трансформировалось от довольно типичного пост-панка, тем не менее, не лишённого французского шарма, до великолепного утончённого колдвэйва на „Mere“.
Само возникновение подобного звучания было закономерно, поскольку именно в конце восьмидесятых мир захлестнула волна безумной популярности синтезаторной музыки Depeche Mode - и пост-панк тут же впитал отстранённую резкость их электронного саунда. Кстати, на рецензируемом альбоме трек „Pas Tres Lion“ мелодикой и настойчивыми клавишными аккордами вызвал ассоциации именно с Depeche Mode.
В 1985 году, когда возникли Asylum Party, идея соединить электронику и пост-панк была уже не нова. Однако то, как это получалось, например, у Ole I'Dole или у E-man, скорее может вызвать улыбку, поскольку вызывает ассоциации с танцами заводных игрушек - настолько спейс-эффекты у них звучат комично. Asylum Party, Little Nemo, Guerre Froide, их последователи Mary Goes Round и другие пошли по иному пути, изобретя „минимал-синт-звучание“, позаимствовав у электронной музыки в основном её атмосферность в русле Jean-Michel Jarre. Собственно говоря, клавишные партии некоторых треков из „Mere“ напоминают творения этого знаменитого французского электронщика, как, например в „Mother“ или „Someone Else“. Тем не менее, мне бы хотелось подчеркнуть, что создание уникального звучания группы – не только заслуга клавишника Pascale Macé. Вокалист/гитарист группы Philippe Planchon очарует вас своими партиями акустической гитары!
Однако Asylum Party сильно выделяются на фоне даже своих соотечественников (что уж говорить о немецких группах) подчёркнутой изящностью. На их фоне остальные группы подобного плана, показались мне достаточно твердолобыми и мускулистыми, поскольку явно делали ставку на хитовость и танцевальность материала. Но Asylum Party – это музыка прозрачных полутонов, недосказанных слов, еле заметных, но очень выразительных жестов...
Особенно тревожно-пронзительно звучит один из самых удачных треков этого альбома - „Un Sang d'Hier“. Это довольно скоростная композиция, где басовую линию оттеняют клавишные партии, похожие на аккордеон (французы же!). Кроме того, особый шарм ей придаёт бэк-вокальная партия Cécile Balladino (в дальнейшем она стала участницей Mary Goes Round вместе с Philippe). Голоса Cécile и Philippe великолепно гармонируют друг с другом, и именно поэтому дуэт смог передать всю хрупкость и глубину отношений.
Хочу упомянуть и единственную кавер-версию этого альбома. Действительно, Asylum Party мастерски переделали на свой лад замечательную „Ticket To Ride“ от великих The Beatles. Она прозвучала ещё более свободолюбиво и, как ни странно, ещё более оптимистично. А это так важно, когда кавер-версии удивляют! Короче говоря, мне ничего не остаётся, кроме как поставить альбому 10 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| В сети есть один занимательный комментарий относительно рецензируемого релиза one-man-band Dot Three “Antithesis”. Вероятно, прослушав пару первых песен автор поста выдал что-то вроде того, что «услышанное им является стандартным джентом». Не знаю, придавал ли автор этому высказыванию негативный оттенок или нет, но если вдуматься, по существу это замечание является скорее комплиментом, чем критикой. Получается, что уже сформировалось некое базовое представление о дженте, как о стиле. Сейчас, конечно не вполне корректно говорить о некой отдельной, полностью сформированной единице, так как на сегодняшний день пока ещё джент – это описание ещё одного способа звукоизвлечения (по определению Миши Мэнсура: «звук сильно приглушённого ладонью аккорда дистрошированной гитары, который исполняется обычно, но не обязательно, как четырёхструнный двухоктавный пауэр-аккорд»). Вероятно, этот звук можно добавить в ряд Fuzz-Overdrive-Distortion на последнее место. Так как, возможно, в дальнейшем на основе этого звучания может сформироваться какой-либо стиль, так же, например, как на основе фуззового саунда был получен ритм-н-блюз, на овердрайве – рок, а ну металл невозможен без дисторшна. Конечно, это всего лишь предположение, которое может быть пищей для размышления. Однако в любом случае развитие стилей идёт за развитием гитарного звука.
Безусловно, существует масса других, более известных музыкантов и групп, которые блестяще овладели техникой джента и играют progressive/math metal или death core, обращая на себя внимание известных лейблов (моему вкусу больше соответствуют Animals as Leaders, Circles, Sikth). Однако музыка Dot Three весьма интересна тем, что позволяет услышать, каким образом звучит трэш-, дэт-, прог-металл и различного рода "-кор" в джент-интерпретации, потому что единственный участник этого проекта прекрасно переплёл все эти стили в музыкальном материале, не забывая перемежать их ритмические рисунки типичными «зависаниями» эмбиентных гитар. Занимательно, что спародирована даже рифовая мелодика хэви, вплоть до традиционного для него якобы рёва мотоцикла в начале трэка «He». Вообще, в плане композиторской мысли «He» понравился мне больше всего - великолепной комбинаторикой простейших и сложнейших ритмических рисунков. Композиция «Silence» представляется мне следующим уровнем развития прогрессивного метала, который, скорее всего, вытеснит со временем классический прог- в русле Dream Theatre.
По поводу использования эмбиентных гитарных приемов хочу добавить следующее. На мой взгляд, многие группы слишком активно используют их, и это не идёт им на пользу (как, к примеру, Uneven Structure), поскольку все эти модулирующие звук эффекты (delay, reverb, flanger) заводят музыкальную мысль в тупик, как завели когда-то в тупик первых психоделиков. С усилением акцента на них происходит перебор атмосферности, и это ставит под сомнение лидерство гитары - слишком сильно ощущение пустоты, создаваемое этими гитарными эффектами. В этом плане у Dot Three всё в порядке. Автор явно не ставит их во главу угла. Для релиза характерно ясное, чёткое, можно даже сказать, аскетичное и концентрированное звучание, не разбавленное эхообразным наложением. Я скажу больше: автор явно делает ставку на эксперименты с первичным гитарным звуком, а не с его остаточным шлейфом. К примеру, на меня произвели сильное впечатление режущие слух конвульсии в «Dead Behind The Eyes», словно человеческие пальцы, скользящие по грифу, были заменены когтистой инопланетной лапой Чужого.
Тем не менее нельзя сказать, что автора ничего не интересует, кроме гипертрофированного гитарного звучания. На альбоме три трека практически полностью основаны на эмбиент-электронике (инфернальная «Superimposed», футуристическая «Space Bar» с огромным влиянием фьюжн-джазa и депрессивная «Rapture IV – Desolation»). Так что автор проявил себя и как неплохой электронщик.
Заглядывая вперёд хотелось бы высказать предположение о том, что будущее джента в инструментальной музыке, либо в музыке, в которой вокалу и текстам отведена очень скромная роль. Действительно, выйдя из экстремального и прог-металла, джент скорее будет характеризоваться большей свободой, потому что явно прослеживается стремление к полному слиянию ритм- и бас-гитарных партий. Соответственно, можно прогнозировать в будущем акцент не на повторяющемся несколько раз в такте традиционном коротком риффе; скорее всего, он будет растянут во времени и для джента будет характерна риффовая мелодия, которая совершенно не обязательно должна будет повторяться подряд несколько раз. Собственно, примерно так и есть у Dot Three.
Ну а релизу «Antithesis» я поставлю десятку за то, что, в отличие от других джент-релизов, он мне не надоел даже после годового периодического прослушивания. Интересный и не заумный – слушается прекрасно!
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2012 году у калифорнийских трэшеров Testament вышел альбом, на котором можно услышать три интереснейших кавер-версии: «Animal Magnetism» (Scorpions), «Dragon Attack» (Queen) и «Powerslave» от Iron Maiden. Значимость и интересность этих вещей превышает в некотором роде весь остальной материал альбома. Наиболее понравившаяся мне «Animals Magnetism» авторства легендарных немцев (знающих толк не только в сочинении баллад, но и в кройтер-роке, то есть в немецком психоделическом роке) и без утяжеления содержит мощный эротический посыл, а в исполнении трэш-метал-группы вообще превращается порнографическую пытку. Не менее великолепна кавер-версия на песню Queen «Dragon Attack», сделанная с увеличением скорости, с захватывающими соляками профессора гитарного института Алекса Скольника и ярчайшими басовыми линиями. Подобная интерпретация успешно нагнетает напряжение этой песни, смысл которой заключается в передаче сильнейшего желания ширнуться креком (которому как раз в наркоманском сленге и соответствует слово "Dragon"). Наиболее близкая к оригиналу «Powerslave» немного меркнет на фоне предшественниц. Вероятно, все три песни переиграны Testament не случайно, так как аллегорически выражают смысл названия альбома «Dark Roots of Earth». Действительно, в земной жизни так легко следовать животным инстинктам, впасть в ту или иную зависимость или рабски подчиняться правилам игры власть имущих.
Что касается остального материала, то можно сказать, что он являет собой прогрессивный и в высочайшей степени техничный трэш. Конечно, нельзя сказать, что исполнительский уровень как-то существенно повысился по сравнению с ближайшими предшественниками. Просто два предыдущих альбома звучали более экстремально и агрессивно. Особенно чувствуется контраст с ураганом под названием «The Gathering». В этот раз Testament пошли путём усложнения структуры материала, и это кажется мне верным шагом. Кроме того, шикарный материал от одного из лучших риффмейкеров Нового Света Эрика Питерсона заслуживает высших похвал. На мой вкус, самыми удачными являются «True American Hate», с блестящим вплетением в полотно суховатого и скоростного олдскульного трэша лавины дэтовых бластбитов и диссонантов, а также "Throne Of Thorns" с необычной мелодикой и хоралами в середине, вероятно, имеющими этническую природу. «Cold Embrace»очень напомнила мне лучшие образцы хэви-метал-баллад от Accept, хотя песня обладает весьма оригинальной мелодикой, более характерной для прогрессива, чем для хэви. Однако не могу сказать, что все песни альбома являются в равной степени захватывающими. К примеру, открывашка «Rise Up», титульная «Dark Roots of Earth» и «Man Kills Mankind» показались мне недостаточно интересными.
Однако как бы мне адекватно оценить альбом, который привлёк меня прежде всего дополнительной программой - безусловно интересными каверами, а не основным материалом? Думаю, будет справедливо поставить не самую высокую оценку и подождать, пока Testament выплавят собственный шедевр в следующий раз, использовав на всю катушку накопленный опыт.
|
| |
|
|
|
|
|
| Fueled By Fire - eщё один нео-трэш-парадокс, наряду с Havok, Toxic Holocaust, Violator. Замес тот же, но в этот раз - с упором на звучание ранних Slayer, Exodus и Overkill. На рецензируемом альбоме “Plunging into Darkness” есть также лирические гитарные переборы в русле Metallica. Ребята точно воспроизводят все классические ритмические рисунки. Трэш-галоп весьма напорист. Традиционные «ритм-передышки» заполнены размашистыми проходками по верхним барабанам, лихими гитарными соляками и искромётными тремоло. Перед каждой такой передышкой ритм-гитара, как обычно, притормаживает басы, а после неё следует разгончик до предельной скорости. Всё здесь на своём месте, всё сделано по золотому стандарту. Однако не скажу, что Fueled By Fire обладают стопроцентно архаичным звучанием. Можно понять, что это группа родом из двухтысячных - по особой настройке гитар, которые звучат более вязко, и поэтому слышны «грувовые подвывания», которые появились только к началу девяностых. Кроме того, этой четверке нео-трэшеров, похоже, удалось найти собственную уникальную риффовую мелодику - и за это я отдаю дань уважения группе! Вы сразу её уловите уже на первом треке "The Arrival". Кроме того, в голосе вокалиста Рика Рэнгела чувствуется болезненность, и даже истеричность, что весьма нехарактерно для трэша старой школы.
А теперь о недостатках. Альбом 2010 года является для группы уже вторым по счёту. Однако он, как и дебютный, слушается, как аудио-запись, прилагаемая к учебнику по азам трэша. Этим, безусловно, способным ученикам явно не хватает раскованности, комбинационной свободы мастеров, куража, в конце концов. Ритмические структуры слишком продолжительны, и поэтому кажется, что каждый вариант риффинга затянут. Как будто плёнка регулярно заедает, и хочется побыстрее прокрутить дальше , чтобы понять, чем закончится композиция. Плохо, что этим страдают абсолютно все композиции, поэтому полностью альбом слушать скучно. Кроме того, очень не хватает смысловой наполненности. Дебютник был просто констатацией факта приверженности к избранному жанру - "Thrash is Back”. Однако и на втором альбоме также нет хоть каким-либо образом лирически оформленной позиции музыкантов, а только лишь абстрактное нытьё по поводу тотальной болезни общества. Будем слушать, что предложат нам Fueled By Fire на следующем альбоме. Либо он выстрелит, либо о группе можно будет смело забыть. А пока – шестёрка!
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2010 Combichrist выпустили свой „brand-new“- альбом „Making Monsters“. Ещё до его появления было ясно, что это вряд ли будет тот самый танцевальный, хулиганский, полный неожиданных TBM-„фишек“ Combichrist, который настолько сильно запал мне в душу. Ожидания сводились к тому, что это будет серьёзный, „взрослый“ альбом, который выведет группу на новый уровень, приблизит ее к таким титанам индастриала, как Nine Inch Nail или Rammstein. Объективно говоря, так и получилось. Танцевальный задор EBM/ТBM уступил место размеренной индустриальной ритмике, более частым гитарным партиям и преобладанию куплетно-припевной структуры. Однако субъективно, при всём разнообразии и подчёркнутой тяжести материала, поначалу альбом мне не очень понравился. И даже по прошествии пары лет с момента выхода релиза я продолжаю расценивать его, как сравнительно более статичный и шаблонный.
На самом деле, даже несмотря на то, что к работе над этим альбомом привлекался гитарист Уэс Борланд (тот самый, из Limp Bizkit - кстати, именно он указан первым номером в благодарностях), расслышать партии гитары, поставив блестящий кругляш в проигрыватель, очень сложно. Понять, где они скрыты, можно только тогда, когда вы воочию увидите то, как и когда их играет штатный гитарист на концертах. Действительно, во время «живых» выступлений они звучат более ярко, а вот на диске сливаются с шумовыми эффектами. Даже на выпущенной отдельным синглом „Throat Full of Glass“ едва слышны лишь отдельные „гитарные штрихи“. Возможно, Энди ЛяПлегуа пока что осторожничает с внедрением этого инструмента в общее звучание, и в дальнейшем гитары займут более основательное место... Но вот что действительно меня порадовало, так это явное развитие в лучшую сторону вокальных способностей Энди: как «чистые» партии, так и «харш» звучат на диво хорошо. Также мне понравились яркие вокодерные эксперименты над чистым вокалом в „Monstermurderkill“ и „They“.
Как бы там ни было, по-настоящему меня „зацепили“ лишь три композиции с альбома. Как ни странно, это концептуальная канва альбома: идентичные по музыке инструментальная открывашка „Declamation“ и закрывашка „Reclamation“ (всё то же самое, только с текстом), в которых очень красивая мелодическая линия. Кроме того, выделю „Slave To Machine“, в которой замечательный комбикрайстовский TBM-“треск“ звучит наиболее ярко.
Мне кажется, что этот альбом - новая исходная точка, за которой последует более интересная работа. Действительно, этот релиз получился более целостным, более „тяжёлым“, но менее ярким, чем два предыдущих. Думаю, что материалу не хватило цепляющей мелодики, которая бы заполняла безупречно великолепную ритмическую и нойзовую основу. После прослушивания „Making Monsters“ меня не покидает ощущение общей приземлённости и обыденности, словно смотришь по телику чужую семейную драму с банальным выяснением отношений и выносом сора из избы. Как в музыке, так и в текстах этот альбом оказался слишком занудным, ему явно не хватает куража. Посему и оцениваю его только на семь баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сказать, что в 2012 году Paradise Lost выпустили мелодичный альбом - значит не сказать ничего. Согласно моим личным, сугубо индивидуальным ощущениям, „Tragic Idol“ - это ультрамелодичный релиз. На ум сразу приходит немецкое слово „Ohrwürmer“ (дословно „ушные черви“). Точнее не скажешь. Таких ярких, цепляющих номеров в альбоме – бОльшая половина. Главные из них - „Honesty In Death“ и „Tragic Idol“ - оккупировали мозг сразу же после первого прослушивания благодаря своим фантастическим припевам. К ним приближаются „Fear of Impending Hell“ и „Worth Fighting For“, которые отличают запоминающиеся запевы и гитарные соло-номера. Другая пара, „Theories from Another World“ „To The Darkness“, смотрелась бы логично на альбоме группы, играющей классический melodic death - настолько яркий и запоминающийся риффинг в этих треках. Зато открывашка и заключительная песня завлекают уже импровизационной эквилибристикой парочки Макинтош/Аеди. Кстати говоря, если вы послушаете „Solitary One“, то в конце осознаете, что Грег практически "дословно" воспроизводит тему Шопеновского похоронного марша. Где ещё, кроме как на альбоме родоначальников стиля gothic doom, более логично слушалась бы эта тема? Вопрос риторический, само собой. До этого моим личным рекордсменом мелодичности был классический „Icon“, но „Tragic Idol“ в этом отношении превзошел даже его!
У меня нет сомнений в том, что предыдущий альбом с философским названием „Faith Divides Us - Death Unites Us“ заслуживает не меньшей оценки, чем рецензируемый. Просто акценты в них расставлены разные. Предшественник 2009 года - навороченный и очень интеллектуальный. В нём весьма сложные ритмические рисунки и нестандартные композиционные решения. К примеру, в „Living With Scars“ есть даже брейкдауны в финале, так что можно даже сказать, что в 2009 году Paradise Lost изобрели ещё и doomcore (утрирую, конечно, но тем не менее). Кроме того, звучание „Faith Divides Us - Death Unites Us“ более грувовое - иными словами, более тяжёлое. Да и вообще альбом 2009 года по своей атмосфере – это мрачное Средневековье, во многом из-за частых мелодических медиевал-реминисценций (наиболее яркая в этом плане - „The Rise Of Denial“). Вероятно, Paradise Lost к этому и стремились – взгляните хотя бы на обложку 2009 года, выполненную в стиле гравюр вышеупомянутой эпохи.
В противоположность „Faith Divides Us - Death Unites Us“ рецензируемый альбом являет собою хитовый материал без привязки к медиевал-мелодике. Лично я не вижу в этом ничего плохого. Более того, группа снова вызвала у меня прилив уважения и интерес к жанру в целом. И это много стоит. Потому что, на самом деле, не так-то просто привлечь внимание слушателя, который предпочитает готике другие жанры. Для меня прослушивание музыки Paradise Lost сродни прогулке по некрополю в санкт-петербургской Александро-Невской лавре. И „Faith Divides Us - Death Unites Us“ - это самое старинное кладбище, а „Tragic Idol“ - это та часть кладбища, где расположены более современные захоронения начала 20-го века. Обратите внимание на обложку „Tragic Idol“: она выполнена в стиле Art Nouveau (мягкие плавные линии, растительные орнаменты, женственные образы), появившегося именно в это время. Действительно, трагический идол Пэрадайзов имеет женское лицо, поэтому на альбоме 2012 выплеснуто много эмоций, переживаний, так сильны ассоциации с хрупкостью, слабостью, в пику мощным нагромождениям и заумным философствованиям трёхлетней давности в русле „быть или не быть“. Однако как бы ни было прекрасно творчество Paradise Lost, лично я часто гулять по кладбищу я не могу - неизменно тянет обратно, за ограду...
|
| |
|
|
|
|
|
| Известно, что последняя демка Vader "Morbid Reich", вышедшая на местечковом варшавском лейбле в 1990 году, очень хорошо продавалась и поэтому группой заинтересовался довольно крупный металл-лейбл Earache Records. В чём же успех демки? В экстремальной скорости материала. Как ни странно, но Vader вовсе не кинулись везде накручивать диссонансы на дэтовые бласт-биты, подобно своим коллегам из флоридской дэтовой школы. И то и другое встречается, но не становится главной «фишкой» музыки. То, чем берёт эта демо-запись — невероятная, просто нечеловеческая скорость, набирающая обороты сразу после интро (электронное органное звучание, имитирующее эхообазную атмосферу современного храма). На мой взгляд, даже на последующих полноформатниках средний темп несколько ниже. Это всё тот же трэшевый ритмический рисунок с периодическими «проходками» по всем верхним барабанам, но как будто нарочно прокрученный в режиме перемотки вперёд. Сложно поверить, что это сыграл живой человек! Но Кшиштоф «Док» Рачковский сделал это, и поэтому впечатление от "Morbid Reich" совершенно иное. Если "Necrolust" — это скорее сознательное нигилистическое философствование, то "Morbid Reich" - это рафинированная неосознанная агрессия, ничем не ограниченная ненависть, рождённая патологической психикой. Чувствуется, что Петер едва успевает за этим торнадо, выдавая колкие скоростные риффы и соляки. Тем не менее, гроулит он уже вполне уверенно. Но пока что голос не обрёл ещё той торжественной властности, которая характерна для более поздних релизов. Демка слушается настолько целостно, что даже нет желания разбирать что-то по трекам. Это смерч, который настигает внезапно, разрушает всё и так же быстро исчезает, оставляя за собой искореженные души...
Из несуществующего интервью.
Корреспондент:
Петер, вот мы всё с тобой всё говорили о дэте, а получается, что "Morbid Reich" — это сверхэкстремальный трэш.
Петер:
Ну и что? Как хочешь, так и называй... Док выдал отличную скорость - и это сработало. И вообще... ты меня невнимательно слушаешь. Я сказал, что выдавливал из себя по капле блэкаря, и, кстати, до сих пор не выдавил до конца. Но музыканта-трэшера в себе я всегда холил и лелеял. Мне нравится агрессивность жанра в музыкальном плане, это правда... Но по своим интересам я не трэшер. Меня мало интересует всё человеческое. Вообще, человеческое общество — это так скучно, мне оно безразлично. Моя реальность — это противостояние в более глобальных сферах.
Корреспондент:
И поэтому ты доволен работой Дока? По правде говоря, он же просто безумец... ну или наркоман.
Петер:
Док... да уж. Я практически уверен, что Док — это демон-музыкант, который мне вовремя повстречался. И вовремя ушёл. Тебе приходилось его видеть? Нет? Это же терминатор! А когда принимал дозу, то вообще мог кулаком разнести дверной косяк. Витек, кстати мог дорасти до него. Но его забрали... ох, как не вовремя. Нормальным людям в группе сложно продержаться.
Корреспондент:
А ты циничен. Ты рассматриваешь музыкантов как пешек в своей игре.
Петер:
Ха! Справедливо. Тебя это разочаровало? I was Jesus Christ and man consecrated my name... My unholy ghost is damnation of the living Hell!
|
| |
|
|
|
|
|
| Действительно, вторая демо-запись группы Vader носит название „Necrolust“. И это о многом говорит, потому что «Necrolust» – это одна из песен с дебютной EP норвежской блэк-металл легенды Mayhem, выпущенная всего лишь двумя годами раньше, чем рецензируемая демка. Как знать, быть может, если бы не мастерство и не настойчивость Кшиштофа „Дока“, который на этом диске упрямо гнёт свою дэтовую линию, то, вероятно, мы и получили бы польский вариант Mayhem. Во всяком случае, когда слушаешь „Necrolust“, всё время кажется, что между вокально-гитарной линией и связкой бас-ударные происходит непрерывная борьба. С первого же трека „Decapitated Saints“ на нас обрушиваются те самые БАС-БОЧКИ. Они уже кладутся, как те самые „стежки швейной машинки“ - неотступно, бескомпромиссно. Однако пока ещё им недостаёт той безумной, оголтелой ярости, когда удары как будто захлёбываются, поглощают и разрушают самих себя. Однако уже на следующей композиции „Reborn In Flames“ мы слышим традиционный трэш-галоп с периодическими сбивками. На „The Final Massacre“ уже есть более-менее связная работа на бас-бочках и верхних барабанах. Но вот последняя композиция „The Wrath“ – снова трэш в чистом виде. Так вот, в тех треках, где чувствуется скорее дэт, нежели трэш, линия гитар как будто смазана, слышится практически блэковое жужжание. Мелодика в основном взята из хэви, однако впервые использованы диссонансы на „The Final Massacre“. Ну а в качестве интро мы слышим традиционный церковный колокол на фоне громовых раскатов.
Вокал Петера Вивчарека заслуживает отдельного разбора. Это его дебют как вокалиста, и поэтому вокальная работа здесь – это отражение нелёгкого поиска своего сценического голоса. Петер пробует петь то блэковым скримом, то пытается изобразить грайм. И то, и другое у него не получается и поэтому на выходе получается речитатив под дэтовые бласт-биты. Впервые гроул у Петера прорывается на „The Final Massacre“, хотя, конечно, уверенности в нем пока не достает.
Композиции с этой первой студийной профессиональной демо-записи (все, кроме последней „The Wrath“) были бережно помещены на юбилейную компиляцию (либо на CD, либо на DVD) „XXV“. Лучшая песня здесь – по-настоящему дэтовая „The Final Massacre“ - благополучно перекочевала в следующий демо-альбом „Morbid Reich“, котрый стал для группы успешным стартом.
Из несуществующего интервью.
Корреспондент:
Петер, расскажи о том, как проходила запись „Necrolust“. Ведь это ваша первая работа с ударником Доком. Это было сложно, или всё прошло без каких-либо проблем?
Петер:
Для меня это было очень тяжело, правда... Я все это время по капле выдавливал из себя блэкаря. То есть я уже понимал, что альбом будет дэтовый, но вот мой настрой на блэк ещё сохранился. А Док, кстати говоря, на этом релизе был ещё вполне вменяем. К нему у меня претензий нет, он выстроил все трэки очень хорошо, и я боролся скорее с самим собой, чем с другими участниками группы. Мы вместе уже на слудующий год выпустили „Morbid…“.
Корреспондент:
Петер, а может быть всё-таки ещё не поздно реализовать себя в жанре блэк-металла, раз такая тяга была в самом начале? Вот, например, у гитариста Testament Эрика Питерсона есть блэковый сайд-проект.
Петер:
Сайд проект... Ох... я уже реализовывал свою тягу к хэви, когда записал альбом со своим сайд-проектом Panzer X. И вскоре разбился насмерть молодой Витек. (После паузы) Хм... блэк-металл альбом от Vader образца 2013 года...ммм (заманчиво улыбаясь). Особенно привлекает цифра 13 на конце года. Я подумаю...
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1988 году дэт-металл-корифеи Vader выпустили свою первую демо-запись. Однако материал с этого демо не имеет практически ничего общего с тем фирменным чистопородным трэш-дэтом (спасибо, Arvinger, за точное слово), к которому все так привыкли, слушая полноформатники Vader. Если бы не было известно, что это Vader, то можно было бы подумать, что это бутлег плохого качества с какого-либо неизвестного старого концерта Venom. Действительно, в самом начале своей карьеры, до 1988 года, Vader несколько лет играли по клубам «приблэкованный» трэш\хэви. Первые две композиции больше напоминают по скорости и ритмической структуре трэш („Gniew Szatana“ и „Gin Psie!“), а две другие - „Trupi Jad“ и „Tyrani Piekie“ - сыграны в духе злостного хэви, наподобие того, который можно услышать на альбоме „Jugulator“ у Judas Priest (который вышел лишь в конце девяностых). Собственно, и состав участников Vader образца 1988 года был совершенно другим. Вокалистом, то есть „лицом“ группы, был вовсе не основатель Петер Вивчарек - изначально басист (!), тогда ещё носивший псевдоним "Behemoth", а некий Czarny. Его манера исполнения не имела ничего общего с голосом Петера – ни с его относительно чистым вокалом на более поздних демках, ни уж тем более с его гроулом. Czarny производит довольно высокий блэковый скрим, подобный тому, что можно услышать на записях Mayhem. Да, Петер Вивчарек в группе вначале играл на басу, но в 1986 году поменял инструмент и стал универсальным гитаристом. А еще любопытно, что басист и ударник носили весьма блэковые псевдонимы, Astaroth и Belial соответственно. Впрочем, связку "ударные-бас" на рецензируемой демке расслышать очень тяжело из-за плохого качества записи и огромного количества остаточных гитарных шумов. Сложно сказать, была ли это композиторская задумка – спаять фирменное вейдеровское симфоническое интро с этими шумами так, что возникает ощущение, что по полуразвалившейся провинциальной филармонии гуляют жуткие сквозняки, или это всего лишь побочное явление любительской записи. Кроме того, на демке то тут, то там слышатся женские визги.
Остаётся добавить, что Петер Вивчарек, вероятно, больше ценит две последних композиции - „Trupi Jad“ и „Tyrani Piekie“, потому что именно они попадут в юбилейную компиляцию „XXV“ 2008 года. По правде говоря, они действительно интересней (за счёт довольно яркой мелодики), чем две первых скоростных композиции. Тем не менее, начиная со следующей демки, c хэви было завязано, потому что в 1989 году место за барабанной установкой занял Кшиштоф „Док“ Рачковский, манера игры которого в корне изменила звучание Vader...
Ну а напоследок небольшая шутка.
Отрывок из несуществующего интервью...
Корреспондент:
- Петер, а почему ты решил назвать группу Вейдер?
Петер:
- Ну, видишь ли, Вейдер... это тёмная сторона силы...то есть хорошее название для блэк-металл-группы. Я хотел играть блэк, как Mayhem! Я до сих пор в турне стараюсь ездить с блэк-метал-группами. Хорошо себя чувствую среди них. Но тут, понимаешь, вмешался Док. Нравилась ему группа Possessed. Говорит как-то мне, чтобы я гнал этого Чарни и сам пел. А ещё сказал, что в Европе и так блэкарей, как грязи, а вот хороших дэтстеров маловато будет. Так что... вот как-то так и вышло.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2012 году, на фоне набившего всем оскомину реюниона Black Sabbath, группа Candlemass выпустила новый альбом. Она просто обязана была его выпустить сейчас – именно Candlemass прежде всего приходят на ум, когда вспоминают про бережное цитирование Black Sabbath уже почти тридцать лет. Мир прогнулся под Candlemass: с недавнего времени это тренд – балансировать на грани мистического психоделик\хард-рока, стоунера и дум-металла. Новые группы этого жанра занимают наивысшие ступени различных чартов, к ним приковано пристольное внимание ведущих изданий (за примерами далеко ходить не надо: The Devil’s Blood, Orchid, Noctum). Вернувшиеся буквально с того света ветераны Pentagram выпускают великолепный альбом. Да и лидер Candlemass басист Лейф Эдлинг, уже в двухтысячных годах создав ещё один психоделический коллектив Krux, собирает многочисленные лестные отзывы среди журналистов.
Так что же Candlemass? Каков получился новый альбом этой верной своему жанру группы тогда, когда так настойчиво отовсюду звучат жужжащие, настроенные "по-саббатовски" гитары. А получился он максимально хэви-металльным. Еще никогда Candlemass не выдавали такую скорость, которая, как правило, совершенно не ассоциируется с классическим думом. Привычная неторопливая поступь временами заменяется практически "пауэроподобным" темпом. Конечно, далеко не везде, разумеется, во умеренном количестве, но это действительно удивляет, как, например, в середине первой композиции „Prophet“. Альбом доставит немало приятных минут любителям продолжительных, ярких гитарных соляков, таких, как в „The Killing Of The Sun“, которые на этом альбом порой затмевают даже знаменитый классический саббатовский риффинг. Кроме того, альбом получился очень эпичным: на нем в достатке фоновых клавишных эффектов, которые добавляют композициям объёма. Однако хочу подчеркнуть, что эти клавиши не звучат подобно старинному органу. Это партии с весьма современным, электронным звучанием, как, к примеру, в „The Lights of Thebe“.
Конечно, главная заслуга в создании практически зашкаливающей эпичности принадлежит вокалисту Робу Лоуи, голос которого буквально конкурирует с гитарным звучанием. Вероятно, именно такое эмоциональное напряжение должно быть у человека, находящегося в религиозном экстазе. Однако самое большое удивление у меня вызвала заглавная „Psalms For The Dead“, гитарные переборы в конце которой напомнили мне нетленку Iron Maiden „Fear of The Dark“! Ну и заканчивается альбом весьма пафосно. В начале „Black As Time“ Роб читает текст о жестокости быстротечного времени под неумолимое тиканье часов...
Как бы там ни было, высший балл я поставить альбому не могу, так как некоторые песни мне не понравились, поскольку показались мне слишком простыми и сильно напоминающими материал Krux. Это „Siren Song“ и „Waterwitch“. Думаю, что эзотерическую психоделию не стоит мешать с классическим звучанием Candlemass...
|
| |
|
|
|
|
|
| В октябре 2011 года в городке Йеавил на юге Англии состоялся концерт, хэдлайнерами которого была группа The Mob. Выступление команды прошло успешно, и поэтому в 2012 году The Mob продолжили гастроли, выехав с концертом в более крупный город Бристоль. „Ну и что с того?“ - возможно, спросит редкий и придирчивый читатель. А то, что британская анархо-панк/пост-панк группа The Mob просуществовала до этих концертов лишь пять лет, с 1978 по 1983 год, выпустив за это время собственными силами лишь демо на кассете „Crying Again“, полноформатный альбом „Let The Tribe Increase“ и сингл „The Mirror Breaks“. А это значит, что даже несмотря на прошедшие с момента распада 28 лет и немногочисленные релизы, про коллектив не забыли. Значит, музыка, которую делала эта группа почти три десятка лет назад, не была проходной и прошла проверку временем. Стоит напомнить, что со второй половины семидесятых мир захлестнула волна панк-рока, выделявшаяся такими известными именами, как Sex Pistols, The Clash, Crass, а вслед за ней - и пост-панка в лице The Fall, The Cure, Wire и многих других. Поэтому было очень легко затеряться среди подобного калибра соратников по жанру, остаться незамеченными. Однако этого не произошло. Яркость, самобытность, пронзительность музыкального материала с лихвой окупает его скромное количество. The Mob успели оставить свой след в истории пост-панка, потому что начиная с альбома „Let The Tribe Increase“ стали играть весьма своебразный материал. Судя по всему, любимым времопровождением участников группы было „зависание“ на различных фестах, которые часто сопровожданилсь LSD вечеринками. Поэтому, как гласит историческая справка, звукорежиссёр, который занимался записью их дебютника, нацарапал на первопрессе слова „acid punk“. Действительно, можно сказать, что рецензируемый альбом „Let The Tribe Increase“ довольно сильно отличается от демо „Crying Again“ своим психоделическим (а по правде говоря откровенно наркотическим) настроением. По крайней мере две песни из этого альбома, а именно „Roger“ и „Witch Hunt“, имеют больше общего психоделическим роком, чем с анархо-панком, который играла группа до этого. Композиции разворачиваются постепенно, охватывая последовательно один отдел головного мозга за другим. При этом явно ощущается нагнетание эмоционального напряжения к концу песни. Вокал Марка Вильсона уже сильно изменён, он начинает растягивать слова. Кроме того, группа явно сделала акцент на вокальные партии, „как будто бы не связанные с инструменталом“: обессиленные, потусторонние голоса, наркотический смех наполовину с плачем. В инструментальной части слышны выразительные шумовые эффекты, плавающий по полутонам бас, заставляющий поверить в то, что собственные части тела не находятся на своих привычных местах, а глаза видят то, что происходит сзади, не оборачиваясь. Схожие ощущения возникают при прослушивании раннего творчества Hawkwind. Вот она – сила британской психоделической школы! Тем не менее, хочу подчеркнуть, что и остальной материал является очень цепляющим и композиционно разнообразным. Мои личные фавориты - „Prison“, с проникновенной гитарной линией в очень широком звуковом диапазоне, и довольно бодрая открывашка „Another Day, Another Death“. Однако отмечу, что проходных песен просто нет, поэтому альбом заслуживает очень высокой оценки.
Остаётся добавить только то, что групп, играющих подобную разновидность пост-панка, мне обнаружить было довольно сложно. Можно привести в пример The Cravats (выдававшую более агрессивную и изощрённую музыку) и „причёсанных“ по звучанию Zounds. Возможно со временем найдётся что-то ещё. А пока The Mob!
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2004 году, когда девяностые с их расцветом экстемального дэт- и блэк-металла уже остались позади и наступила „эра“ металкора, выходит одна интересная ЕP, которую можно считать весьма удачным дебютом немецкой группы Ophis. Кроме очень занимательного музыкального материала, интересна эта пластинка тем, что является абсолютным анахронизмом. Такой death doom играли немногочисленные группы в начале и середине девяностых, многие из которых уже распались в начале нулевых, как, скажем, Beyond Belief. (Из пока что ещё подающих признаки жизни можно вспомнить Mourning Beloveth.)
Итак, на могильном холме этого экстремального жанра буквально расцветает мини-альбом под названием „Nostrae Mortis Signaculum“. Сразу поражает архаичное жужжащее звучание гитар, которое не характерно для death doom'а начала девяностых. Общая структура тех трёх песен, которые входят в этот миньон, гораздо сложнее. К примеру, на первой „Funeral“ можно услышать значительное ускорение темпа к концу композиции и риффовый рисунок, скорее характерный для хэви. Кроме того, от уже названных первопроходев жанра музыкальный материал альбома отличается более сложными партиями ударных – мастерские дроби, переходящие в настойчивый дрязг железа, точечные бластбиты, интересные сбивки – их можно в изобилии услышать на своеобразном гимне, нигилистической композиции „Convert To Nihilism“. Интересно, что уже на этом мини-альбоме можно уловить очень красивые медиаторные переборы гитариста\вокалиста Филиппа Круппа, более характерные для пост-блэка. Эти переборы в дальнейшем творчестве будут задействованы всё чаще и чаще, периодически выходя на первый план. Кроме того, яркий дэтовый гроул Филиппа дополняет блэковый грайм-бэк-вокал. Оригинальным украшением релиза является последняя композиция, давшая название миньону - „Nostrae Mortis Signaculum“. Это инструменталка, сыгранная, скорее всего, на фисгармонии - инструменте, саунд которого немного напоминает звучание приглушённого органа. Подобный инструмент часто использовали средневековые немецкие композиторы, такие как Гендель или Бах, для рабочих целей в домашних условиях. Собственно, поэтому композиция лишена пафоса, который достигается за счёт органа, а звучит очень скупо и сосредоточенно. Мелодия проста и не оставляет сомнений в том, что последнее решение уже принято...
P.S. Обложка однозначно идёт в коллекцию Sever, если только её там еще нет. Отметим, что это более редкий вариант с женщиной-висельником.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2009 году харизматичный норвежец ЛаПлегуа, выпустив альбом "Today We Are All Demons", ответил на поставленный им же вопрос, послуживший названием для предшествующего релиза: "What The Fuck Is Wrong With You People?". Действительно, "Today We Are All Demons" продолжает идеи, которые были использованы в релизе 2007 года. Могу сказать, что по прошествии времени впечатления от этой парочки лонгплеев сливаются в одно целое. Можно даже запутаться, определяя, какой трэк какому альбому принадлежит. Что там играет - «Get Your Body Beat»? Это с какого альбома? «Can't Change The Beat»? А этот бит откуда?
Действительно, это всё тот же великолепный микс из EBM и TBM в каждой композиции. С той лишь разницей, что на этот раз я не нахожу прямых отсылок к инфернальному Electro-Industrial. Уже известно, что этим путём ЛаПлегуа пойдёт в 2010 году. Альбом получился легче и танцевальнее своего предшественника, и часть слушателей, которые предпочитают именно электронику любым другим жанрам музыки, восприняли это как очевидный регресс в развитии группы. Конечно, если сравнивать этот релиз с релизами от интеллектуалов FLA, Haujobb, Skinny Puppy, то Combichrist проиграет в пух и прах. Однако мастерство по части встраивания TBM-сэмплов в битовую структуру EBM-хитов ЛаПлегуа не растерял. Самый удачный пример такого встраивания можно наблюдать в уже упомянутом 100%-м хите « Can't Change The Beat». Вроде бы найдены решение по структуре EBM-битов, - всё звучит зажигательно и ярко. Вот Grendel, например, на этом бы и остановились, но ЛаПлегуа ввинчивает под конец композиции великолепный нойзовый кусок, ради которого, собственно, и хочется много раз переслушать этот весьма типичный для жанра трек.
В альбоме увеличилась доля "techno body music" (к примеру, «Kickstart The Fight» и «New Form Of Silence» являют его практически в чистом виде). Однако эти композиции являются неудачными из-за вокальных партий, которые портят всё впечатление. Агрессивные выкрики ЛаПлегуа и дублирующие его женские возгласы совершенно не вписываются в общую канву, вокал сильно диссонирует с общим звучанием.
Тем не менее смысловой посыл альбома отличается от предшественника. Если на предыдущем альбоме Энди был инспирирован темой наркотической зависимости, внутриличностных конфликтов, одиночества, то через два года его больше стали волновать вопросы политических манипуляций, именно об этом повествуют «Sent To Destroy» и «Get Out Of My Head» (вероятно, сказалась его женитьба на американке и переезд в Америку на ПМЖ). Самыми же удачными треками мне показались дискотечный «Scarred» с центральным вопросом «Do you ever get the feeling that everything in America is completely fucked up?» и медленный, невероятной красоты заглавный «Today We Are All Demons» с клавишным вступлением.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось, что уже после выхода прошлого релиза группе Overkill были спеты все возможные дифирамбы. Действительно, из альбома в альбом Overkill держат марку, являясь неизменными носителями традиций американского классического трэша. Можно пренебрежительно подумать: что может быть проще – периодически выпускать очередной „угарный, сносящий башню трэшак“? Однако ещё Ньютон сказал, что гениальность — это сосредоточенность мысли в известном направлении. А это значит, что если группа находит то, что ещё может удивить в хорошо всем известном, то она гениальна. Без сомнений, Overkill доказали это, выпустив в 2012 году альбом „The Electric Age“. Там где другие сдаются, бросают свои наработки, пускаются в сомнительные эксперименты, гении продолжают копать и копать до конца. Вероятно, это будет продолжаться до конца в самом прямом смысле... то есть, до конца жизни. Каков же секрет успеха на этот раз? Ведь оглядываясь на те альбомы, которые были выпущены до „The Electric Age“, можно сказать, что в рамках стиля Overkill перепробовали всё возможное. Тем не менее, актуальный полноформатник получился поистине квинтэссенцией тяжёлой музыки восьмидесятых прошлого столетия. Уже давно к названию Overkill совершенно справедливо был прилеплен ярлык old school thrash metal, который чаще всего обозначает экстремальное трэш-звучание начала восьмидесятых. Однако на этот раз данный ярлык не совсем соответствует рецензируемому материалу. „The Electric Age“ вобрал в себя всё то лучшее, что можно было услышать не только на трэш-альбомах начала восьмидесятых, но и в релизах, выпущенных в конце восьмидесятых, отличающихся от большинства более ранних творений выраженной мелодичностью. Кроме того материал релиза насквозь пронизан хэви-металл-звучанием.
Собственно, в этом нет ничего нового, - включать в классические трэшевые трэки изрядную долю хэви. Так делали и делают, к примеру, Megadeth. Как правило, при этом исходный жанр теряет часть «хулиганистости», становится более солидным, "причёсанным". С Overkill этого не произошло. Никого пафоса, никакой заумности и «прогрессивности». В музыке по прежнему чувствуется панковский протест и первородная злость того самого олдскула, как, к примеру, в открывашке «Come and Get it», которую так и хочется поставить в ряд с нетленкой с дебютника Metallica «Seek and Destroy». Самая "хэви-металльная" «Black Daze» с размеренным ярчайшим риффингом великолепно вписалась бы в любой классический альбом Judas Priest. Естественно, не обошлось без Motörhead реминисценций - чего стоит «традиционное воспитательное послание» в духе Мистера Киллмистера «Save Yourself», по смыслу перекликающееся с бессмертным «Stay Clean»! Композиция «Drop The Hammer Down» со сложными соляками и слаженным гитарным дуэтом в середине вызывает стойкие ассоциации с Iron Maiden.
Однако мне больше всего понравилась «Electric Rattlesnake», начинающаяся напористым прото-трэшем, который внезапно, но очень логично переходит в тягучие классические думовые риффы. Впрочем заканчивается композиция излюбленным трэш-приёмом, именуемым «разгоном до предельной скорости». Место традиционной баллады в альбоме занимает закрывашка-колыбельная «Good Night», обманчиво начинающаяся с весьма оригинальных спокойных гитарных переборов. Очень необычный ход, который мне напоминает структуру сюжетов некогда популярного в восьмидесятые года сериала «Байки из склепа», когда сопливый рассказ об очередной скучающей домохозяйке обращается в ужастик на тему зомби или маньяка-убийцы.
Отдельной похвалы заслуживают вокальные партии. Могу сказать, что так разнообразно Бобби «Блитц» Эллсуорт не пел никогда! Его манера исполнения на альбоме напоминает то Мастейна, то Хэлфорда, то Диккинсона, а временами даже слышатся эротичные чувственные нотки - как у Акселя Роуза. Хоровые бэк-вокальные партии а-ля Manowar несомненно служат украшением альбома.
Итог. Overkill вытащили на этом альбоме всё наследие «золотых» восьмидесятых. Вероятно, в этом миссия этой группы, - нести до конца дух этого времени, и, скорее всего, поэтому Бобби «Блитц» желает нам всем с нашими этими прогрессивными "дабстепами" и "джентами" поскорей сдохнуть: «Wish You Were Dead»! Альбом для тех, кому близок дух восьмидесятых, кто ощущает себя честным хулиганом-беспредельщиком, нарушителем общественного порядка, не идущим на компромиссы. Для тех, кто хотя бы время от времени ощущает необходимость погонять на мотоцикле без шлема на предельной скорости, одев клетчатую рубаху, которая бы свободно развевалась на ветру...ну вы понимаете о чём я. Чтобы быть действительно свободным, нужно обязательно поскорей сдохнуть!
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть у группы Agalloch традиция – выпускать альбомы не чаще, чем в раз в три-четыре года. В перерывах между ними коллектив проводит колоссальную работу, но не в плане „турового чёса“ - её гастрольные графики весьма скромны. Между традиционными полноформатниками обязательно выходят релизы иного плана. К примеру, между „Ashes Agains The Grain“ 2006 года и рецензируемым альбомом 2010 года „Marrow of The Spirit“, последним на сегодняшний день, команда выпустила великолепную EP „The White EP“; а также целых два сборника архивных записей. Можно ошибочно подумать, что группа „распыляется“, выпуская весьма экпериментальные пластинки (а "белая" EP именно такая – не цельная, намешанная из разных стилей и идей), зачем-то ворошит свои старые записи. Однако игра стоит свеч! В процессе подготовки этих релизов музыканты выплавляют совершенные стилевые комбинации, конструируют интересные формы и оттачивают своё мастерство как в плане гитарной и вокальной техники, так и вплане использования различных шумовых и модуляционных эффектов. На выходе же мы имеем прекрасный альбом – стилистически выдержанный, до мелочей продуманный, без проходных вещей!
В 2010 году у группы вышел именно такой релиз, к которому сложно придраться. За четыре года, прошедшие с выпуска "полноценного" предшественника, группа несколько сместила акцент с пост-метал риффов на комбинацию пост-блэка и атмосферной этнической психоделии, добавив при этом некоторый шарм панковской ритмики (благо, новый ударник Эзоп Дэккер начинал свою карьеру в панк-группе). По сравнению с предыдущим альбомом усложнилась структура композиций, и поэтому в очередной раз используя ту или иную технику, (к примеру, picking или slide guitar) гитаристы выставляют её в самом выигрышном свете, каждый элемент гитарной работы оказывается на своём месте и цепляет. В этом плане мне кажется наиболее удачной „Ghost of the Midwinter Fire“, начинающаяся медиаторными переборами и пост-панковскими сбивками с яркой басовой линией. Однако в середине композиции неожиданно накатываются блэковые бласт-биты, словно резкий порыв ледяного ветра раскрыл настежь все окна в уютном жилище. После некоторой борьбы всё встаёт на свои места - ветер стихает - и звучит умиротворяющая басовая тема. Джон Хаум, гитарист и вокалист группы, теперь довольно часто переходит с резкого грайма на эмоциональный шрайк, как в „Black Lake Nistang“... впрочем, вокал в музыке Agalloch никогда не занимал важного места. Это вполне логично, потому что пантеистическая концепция этой музыки не предполагает фокусирование внимания на человеческую личность – она не должна выделяться из общего инструментального фона, и это сильно отличает Agalloch от их европейских коллег Sólstafir или Alcest. Соответственно, начинает альбом инструментальная композиция с солирующей партией скрипки „They Escaped the Weight of Darkness“, и завершается он также инструментальной композицией - совершенно психоделичной „To Drown“. В альбоме много природных шумовых зарисовок, подражающих звукам ветра и воды, есть и звучание „шаманского бубна“. Мне было очень приятно снова очутиться в этой наполненной природными духами реальности, словно заново пройтись по долине ста источников...
|
| |
|
|
|
|
|
| С завидным упорством Soulfly выпускают один альбом за другим. Спустя всего пару лет после блеклого «Omen» вышел «Enslaved», который по сравнению со своим предшественником звучит очень современно и, одновременно, более экстремально. Собственно, Макс Кавалера всегда к этому стремился — делать максимально экстремальную музыку. Однако на этот раз он переусердствовал. Погоня за агрессивностью привела к значительной потере индивидуальности. Теперь материал больше похож на позднее творчество Morbid Angel или Pestilence, чем на привычных нам Soulfly. Особенно на «World Scum» или «Intervention», где главенствуют бласт-биты, улавливается приблэкованный мелодизм или периодически слышатся вязкие дэтовые риффы. Очевидно, что Soulfly пытаются заскочить в последний вагон отъезжающего поезда, быть современнее. Достаточно часто возникают ассоциации с дэткоровыми басовыми партиями а-ля Devildriver. И ещё наблюдение. Пожалуй, только ленивый не использует столь популярный сейчас технический приём «подтяжки» струн (band-effect), когда мы слышим этакое инфернальное «подвывание» гитар. Этот приём великолепно используют Meshuggah, которые, вероятно, и стали законодателями моды на эту «фишку». Всё бы хорошо, но в «Treachery» и «Chains» этот элемент слушается как излишнее украшательство, он как будто выставлен на витрину: мол, вот, пожалуйста, мы тоже так можем! Однако ритмически материал в основном представляет собой типичный напористый трэш старой школы в духе Slayer (что само по себе неплохо, если забыть, что на дворе 2012 год, да и группа Slayer до сих пор "в обойме").
Однако главный недостаток этого альбома заключается в том, что прервана та уникальная, этническая ниточка, которая тянулась из альбома в альбом до «Enslaved». Думаю, что это произошло из-за смены музыкантов в связке бас-ударные. Переслушайте великолепный альбом «Conquer» с прежним ударником - там чувствуется нестандартный подход к созданию барабанных партий. Они трэшевые, но со сбивками, которые имеют много общего с этнической перкуссией. Казалось бы, что уникальное лицо «постмазафаковского» периода Soulfly было тогда найдено, но нет! Кавалера решил начать гонку за трендами, «затусить» с молодёжью. Да, на альбоме есть испаноязычная, в целом очень занимательная по смыслу песня "Plata o Plomo" ("Серебро или свинец") в которой речь идет о колумбийских наркокартелях. Она, вероятно, призвана придать некоторой экзотичности данному релизу. Но только и всего. «Gladiator», наверное, тоже был задуман как яркий, запоминающийся номер. И, хотя в целом слушать его действительно не скучно, на поверку он оказывается насквозь вторичным. Он хорошо ложится на слух за счёт удачно подобранных и проверенных временем шаблонов. Таких, как, например, гитарные переливы, выполненные в ближневосточном ключе.
Всем понятно, что бизнес жесток. Кругом конкуренты, и даже бывшие коллеги из Sepultura до сих пор не канули в лету. Жена-менеджер, которая постоянно поторапливает со сроками, тоже очень хочет, вероятно, новую мебель в квартиру... Но даже это не стоит того чтобы бросать свои собственные хорошие наработки в рамках Soulfly и хвататься за первое, что пришло в голову. Захотелось вернуться в прошлое и записать второй «Arise»? Этого не получилось. Они не похожи в главном — по смысловой идее, ритмической структуре и по режиссуре каждого трека. «Arise» великолепно продуман (или прочувствован), и поэтому каждый трэк звучит целостно и логично. Здесь же многие композиции как будто состоят из отдельных, плохо сшитых между собой кусков разной фактуры. К примеру, торжественная атмосфера начала и конца композиции «Redemption of Man by God» с типичным «дьявольским» речитативом вызывает у меня устойчивые ассоциации с творчеством Dimmu Borgir. Середина же заполнена скоростным трэшем без каких-либо логичных связок со вступлением и окончанием. В общем, вывод неутешителен. Макс Кавалера пока в тупике - "порабощён" стремлением быть «в теме», не отстать от жизни, вместо того чтобы продолжать упрямо, но достойно гнуть свою линию.
|
| |
|
|
|
|
|
| Рецензию хочется начать с того, чем ее обычно заканчивают. Новый альбом Gorod наверняка понравится тем, кто предпочитает прог-рок, прогрессив-метал или джент. Тех же, кто слушает в основном разные поджанры дэта (особенно фэнов Death) этот релиз, скорее всего, не обрадует или оставит равнодушными. Конечно, Gorod и раньше удачно комбинировали техничный дэт с элементами прогрессива, но на «A Perfect Absolution» они пошли ещё дальше. Это похоже на то, как если бы Dream Theater подверглись не просто своего рода поверхностному тюнингу, а «прокачались» бы по полной программе с заменой двигателя, либо Opeth вдруг спохватились и вспомнили, что когда-то играли дэт, при этом не растеряв своих новаторских наработок, либо Meshuggah неожиданно решили заиграть разнообразно. Не стоит сравнивать этот альбом с работами других дэтстеров, играющих "прогрессивно", потому что здесь пресловутая "прогрессивная" компонента совсем другой природы. Это не возведённая на пьедестал эпичность, как у наследников Death немцев Obscura, не спейс-авангардизм Cynic и не гипертрофированный грув Gojira, а исконная прогрессивность "кингкримзоновского" розлива. В этом плане очень показателен главный хит альбома «Carved in the Wind», где ударник великолепно комбинирует синкопированный ритм с вязкими дэтовыми бласт-битами. Совершенно проговое соло выдал на этом треке гитарист Кристиан Мюнцнер из Obscura, а партия баса в исполнении Бенуа Кло настолько выразительна и мощна, что в отдельных фрагментах даже напоминает самостоятельную мелодическую тему. Мысленно помножьте материал на почти джентовое звучание семиструнных гитар, и полУчите практически мешшуговскую агрессию. Гитарные проигрыши в «Elements and Spirit» не имеют никакого отношения к неоклассическим «запилам» других прогрессивных технодэтстеров, а вокальная концовка с текстом в «There Is Only One God!» вообще как будто взята с последнего альбома Opeth, выдержанного в ретро-стилистике. А трек «Varangian Paradise» по ритмике и решению основной темы гитарной партии очень напоминает знаменитую «Elephant Talk» King Crimson.
Есть здесь, конечно, достаточно типичные техно-дэтовые боевики, вроде «Tribute of Blood», «Axe of God», однако в последней «парящие» партии соло-гитары похожи на прог-метал или, в меньшей степени, на металкор. А как любят эти прог-мастера переходы в более высокую тональность — этакие «прорывы в верхние слои атмосферы»! Их на альбоме достаточно много. Особое место на альбоме занимает трек «5000 at the Funeral», начинающийся с авангардного «декадансного» клавишно-акустического вступления и по уровню оригинальности композиторского решения сопоставимый с креативными находками молодых джент-экспериментаторов.
Как правило, я редко сразу рассматриваю обложку в деталях перед тем, как прослушать альбом (только если меня там что-то действительно поразило). В данном случае я её восприняла вначале без особого интереса. Дизайн мне показался скорее неудачным. Таким образом, я, как обычно, просто пару раз прослушала альбом целиком, параллельно составляя представление о лирике по названиям треков в плейлисте и обрывкам фраз. При таком поверхностном изучении у меня сложилось впечатление, что тексты повествуют о некоем фантастическом путешествии воинственного главного персонажа, наделенного магическими способностями, по довольно враждебным инопланетным мирам. Поначалу мне показалось, что лирика выдержана в стиле космических опер Ayreon Арьена Лукассена. Действительно, новый вокалист Жюльен «Нутц» Дейр поёт очень разнообразными голосами: гроул, гуттурал, скримо — всё это имеется в его арсенале (хотя гуттурал и грантинг пока что не настолько ярки, как того хотелось бы). Есть бэк-вокальные хоровые вставки. Чем не мини-опера? Да ещё всё так разнообразно и прогрессивно! И тут мне захотелось точно узнать, какая концепция легла в основание альбома. Полезла изучать буклет и обложку повнимательней. Происхождение русских людей... Убийство князя Игоря... Месть княгини Ольги... Древляне... Повесть временных лет... Шок! И тут я понимаю, что на обложке нарисована сама княгиня Ольга во гневе. Иногда сложно сдержать нецензурные слова, и это как раз такой случай. Однако когда разрушаются мои стереотипы, я испытываю скорее удовольствие, нежели разочарование. Так что могу выразить благодарность группе, которая смогла меня настолько удивить. В принципе, на уровне идеи фантастическая интерпретация истории Киевской Руси в исполнении французских музыкантов мне кажется интересной. Соответственно, учитывая, что мне нравятся прог и джент, я высоко оцениваю этот альбом.
P.S. Но с оформлением определенно надо что-то делать. Или с оформителем. Надо бы посоветовать ребятам обратиться к одному известному российскому художнику, сделавшему, в частности, красивую обложку для альбома «Реки времён» группы Кипелов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Последний на данный момент альбом Lantlôs «Agape», вышедший в 2011 году, получился невероятно интересным, экспериментальным и целостным. На предыдущем релизе 2010 года идейный вдохновитель и композитор Маркус "Хербст" Сигенхор, при участии небезызвестного французского мульти-инструменталиста Стефана «Нэжа» По в качестве вокалиста, уже нащупал правильную тропинку среди завалов шаблонного материала. Но альбом 2011 года — это безусловный успех не только по части смешения звучания разных стилей, но и успех в создании, несомненно, красивой и разнообразной музыки.
Альбом стартует с атмосферной шумовой зарисовки «Intrauterin», к которой вскоре подключается блэковый шрайк-вокал. Далее можно услышать, как шум и шрайк уже вместе великолепно договариваются с разрывающими мозг сладжевыми гитарами – а затем уже втроем образуют, без преувеличения, просто идеальный союз. Могу сказать точно, что этот долгий, насыщенный, и в тоже время многослойный шум произвёл на меня сильное впечатление — настолько он выразителен! Это похоже на то, как по чьей-то неведомой воле начинается одновременное движение тысячи тяжёлых железных дверей на тугих петлях, преодолевая сопротивление ветра. Невольно возникают ассоциации с закрывающимися люками космического корабля. Подобные ассоциации не случайны, поскольку известно, что спейс-рокеры всегда являлись признанными мастерами шумовых зарисовок. Скорее всего, это цифровые эмбиент-эффекты, однако без помощи электрической архаики, думаю, не обошлось. Вообще, как мне кажется, использование эмбиент-шумов как полноценного художественного средства - это, в определённом смысле, «тренд последнего времени». Группы разных направлений металл-музыки используют его в своих альбомах. Взять хотя бы последние опусы Kylesa, изначально игравших сладжкор, или брутальных техно-дэтстеров Ulcerate.
Однако главная экспериментальная интрига заключается в том, что в качестве основы музыки использован пост-рок классической школы в духе Bark Psychosis. Особой похвалы заслуживают ударные партии. Вкрадчивые, словно взятые из медленного джаза или свинга, они великолепно сочетаются в одной композиции с каскадами блэковых бласт-битов. Итоговый результат поражает воображение и доставляет огромнейшее эстетическое удовольствие. Использование jazz-щеток придает ударным партиям рассеянное, размытое и одновременно изящное звучание. В первую очередь это касается великолепных лирических композиций «Bliss» и «You Feel Like Memories». Честно говоря, так сложно сейчас не начать потрэковый разбор, потому что каждая песня заслуживает отдельных слов похвалы. Взять хотя бы «Eribo - I Collect the Stars», пронизанную каким-то галактическим одиночеством. Каждая деталь цепляет мгновенно: cладжевая мелодическая партия в сочетании с красивым риффингом, отстранённое чтение текста искажённым голосом в дополнение к выразительным вокальным партиям. Не менее интересны бонусные трэки, не вошедшие в базовое издание: «White Miasma» в депрессив-блэк ключе, а также красивейшая кавер-версия пронзительной «Where Have You Gone My Friend» известной французской coldwave/post-punk формации Asylum Party. Кроме того, дополнительно можно послушать на бонусном диске инструментальные версии всех композиций. Без вокала материал звучит уж слишком «по-инопланетному», заставляя испытать страх перед чем-то совершенно чуждым и неестественным за счёт более ярких и резких шумов.
Остаётся добавить, что «Agape» идеально подходит для ностальгического настроения, когда так приятно мысленно перенестись в те места, с которыми многое связано, снова взглянуть на лица людей, которых уже никогда не увидишь. Собственно, название группы переводится как бездомный, потерявший родную землю. Однако нужно быть поосторожней - с такой прекрасной музыкой ностальгия может затянуться...
|
| |
|
|
|
|
|
| Очередное творение от Стефана "Нэж" По - мультиинструменталиста, участника многочисленных групп, таких как Alcest, Forgotten Woods, Les Discrets, Old Silver Key, Lantlôs, Empyrium. Не стану перечислять, в каких других коллективах он успел поучаствовать в прошлом - список будет таким же внушительным (упомяну лишь Peste Noire). При всём имеющемся разнообразии, идея комбинации шугэйза с элементами звучания блэк-метала кажется мне очень удачной. Шугейз приобрёл больше структурности, блэковый бласт-бит стал очень выразительным и вариативным. На выходе такая комбинация может оказаться и отражением навязчивых фобий (Les Discrets), и причудливой экспериментальной шизофренией (Lantlôs). На этом фоне Alcest сморится как «луч света в тёмном царстве», как невероятно красивый цветок, непостижимым образом пробившийся сквозь ледяную толщу. Однако, несмотря на то, что все три полноформатника Alcest удачны, на мой взгляд, шедевр от Alcest ещё впереди (ниже объясню, почему).
Альбом «Les voyages de l'Âme» отличается от своих предшественников своеобразной мелодикой, которая совсем потеряла связь с пост-панковым или блэковым звучанием. Кроме того, если раньше музыка Alcest чаще всего просто захватывала своей потусторонней атмосферой, то теперь в каждой композиции постепенно разворачивается строгая, но очень яркая, мгновенно запоминающаяся мелодическая линия. Я пребываю в восторге от волшебства «Là où Naissent les Couleurs Nouvelles»! Когда я её слушаю, то мне кажется, что зависаю над озером тёплой тихой летней ночью и, гуляя по лунной дорожке, наблюдаю за тем, как распускаются внизу перламутровые лотосы. Шрайк-вокал, сливающийся с инструментальным шумом, напоминает скрип качающихся на ветру старых сосен, а мягкие гитарные переборы в конце композиции, словно блики лунного света на волнах, придают картине завершённости. Кроме того, тут можно различить три разных, последовательно чередующихся бласт-бит звучания, которые рельефно слышны на дальнем плане, как цепочка горных вершин на фоне звёздного неба. Очень красива «Nous sommes l'emeraude», несколько напоминающая творчество Милен Фармер своей пронзительной тревожностью. Не менее прекрасна и титульная «Les voyages de l'Âme», которая так сильно насыщена мажорным гитарным звучанием, что возникает ощущение, словно утопаешь в мягком ворсе восточного ковра в любимой парфюмерной лавочке и останавливаешь свой выбор на проверенном временем сладком цветочном аромате Trésor. Особняком стоят песни с англоязычными названиями - «Beings of Light » и «Summer's Glory», от которых, фигурально выражаясь, начинает просто «слепить глаза». «Beings of Light» вообще могла бы служить главной музыкальной темой эльфийской принцессы Арвен из трилогии «Властелин Колец», так она похожа на зарисовки Enya.
Есть ещё одно значимое отличие «Les voyages de l'Âme» от предыдущих работ Alcest. Это голос самого Стефана "Нэжа" По. Конечно, и раньше Нэж пел чистым голосом, но на этом альбоме такой вокал преобладает. Кроме того, его голос звучит без напряжения, более естественно, более красочно. Сразу понятно, что этот талантливый музыкант очень комфортно себя чувствует, исполняя каждую партию, словно позволил себе путешествовать там, где ему действительно очень хорошо.
Известно, что человеческая душа символически изображается в виде птицы. Собственно, на обложке этого альбома мы и видим птичий силуэт, а название его можно перевести как «Путешествия души». Однако замечу, что птица не летит, а неподвижно застыла со сложенными крыльями перед входом в некий неизвестный мир. Как знать, может быть в дальнейшем нас ждут более захватывающие путешествия ? Пока ещё Стефан "Нэж" сам ещё ослеплён светом и должно пройти время для того, чтобы он привык к нему. А затем можно было бы выйти за своды арки, расправить крылья и полететь. Именно поэтому я считаю, что истинный шедевр от Alcest ещё впереди и мы, возможно, услышим более интригующую и более осмысленную музыку, чем в «Les voyages de l'Âme».
|
| |
|
|
|
|
|
| Кайлеса спиральная: равновесие...
Прошло всего лишь около года после выхода переломного альбома «Static Tensions», как в 2010 году увидел свет «Spiral Shadow». Курс, заданный предыдущей работой, то есть освоение просторов современной психоделической музыки, продолжается. Если послушать этот альбом целиком, то может показаться, что произошло общее облегчение звучания. Однако если заострить внимание на каждой отдельно взятой композиции, то становится ясно, что тяжесть никуда не делась. Секрет в том, что каждый трек так великолепно сбалансирован, что кажется, будто каждый раз имеешь дело с «музыкальным» гироскопом, в котором тяжёлые риффы словно сохраняют вращательный момент вокруг изящной оси богатейшего микса остального звучания. Особенно в этом плане хороша титульная «Spiral Shadow» с гитарными переливами во вступлении.
Звучание может быть основано на этно-перкуссии, и тогда композиция похожа на пируэты экзотического танца («To Forget»), либо на пост-панковской ритмике («Back and Forth»), а иногда на запоминающихся партиях соло-гитары («Forsaken»). В музыке теперь меньше чувствуется использование архаичных квакающих или эхообразных гитарных эффектов, терменвокс практически не звучит. Зато стало больше электроники в русле альбома Björk «Vespertine» или «Selmasongs» (к примеру, как в звенящей своей прозрачностью «Dust» или «космической» «Cheating Synergy»).
Если честно, то после того, как альбом уже заслушан, что называется, до дыр, прочувствован и даже вербально осознан (рецензия-то подходит к концу), возникает ощущение пустоты и даже лёгкой тревоги. Что же дальше? Ведь альбом выглядит практически совершенным творением — гармоничным, мелодичным, очень зрелым. А вот после этого, думаю, лучше всего поставить и переслушать оптимистично и величественно звучащий трек-заклинание «Don't Look Back»... Психоделики семидесятых заклинали: «Be Yourself», а для нынешнего поколения главное — не оглядываться назад. И это обнадёживает.
P.S. На внутренней стороне обложки в буклете этого альбома тоже изображена спираль, только в виде закрученного человеческого позвоночника с развешанными на нём остатками скелета. Поэтому цитирую: «Потеря человеческой формы подобна спирали. Она дает воину свободу помнить себя...». И совершенно не важно, где произойдёт эта потеря: в пустыне Соноре, в центре ли Европы или, скажем, на юге России.
|
| |
|
|
|
![[]](/img/user-center-pan1.jpg){kind=small}
usal bolgar
