 |
Last login: 12 июня 2024, 08:40
|
 |
| 
|
|
|
 |
|
| В своем альбоме «Zos Kia Cultus (Here and Beyond)» Behemoth (т.е. Nergal) углубляется в собственные творческие амбиции и все более насыщает свою и без того далеко не пустую музыку структурированным, а часто и хаотическим шквалом звука. Хоть это тупо и непрофессионально, но лучшим определением этого альбома я счел бы слова «черт знает что» - не в смысле стиля, а в смысле композиционной организации песен. Основной источник смятения – обилие ударных (я думаю, их количества здесь хватило бы как минимум на 3 альбома средней дэт-группы). Гитары не особо тяжелы, но давят на слушателя своим холодным, неприветливым звучанием. Забавны их практически каждосекундные повизгивания – видимо, это уже своеобразная фишка группы. Соло иногда хотят казаться атмосферными, но изображать нужный для этого покой музыке удается нечасто. Вообще в случае с Behemoth хочется именно стабильности и устойчивости восприятия. Лирика безмерно сильна своим эгоцентризмом («Ov khaos I am, the disobediant one…») – обложка сильна как иллюстрация этого.
Мнение о зацикленности, которая стала тормозом группы, поддерживаю, но иногда не мешает и зациклиться… хотя бы на время. Зацикленность в пределах собственного стиля не позволяет выделить лучшие песни. Может быть, мантры – это путь к разнообразию?
|
|  |
|
|
|
|
|
| Этот альбом показывает, что Therion в начале 90-х были зверьми в самом прямом смысле слова. На одном заморском сайте стиль группы (раннего периода) был определен как Romantic Death Metal. Да, все 10 песен «Beyond Sanctorum» - это экспансия мрачнейшей романтики с явным брутальным привкусом. Материал представляет собой сырой, СУРОВЫЙ, порой экстремальный, дэт с некоторыми авангардными элементами и частыми переходами в дум. Естественно, присутствует и атмосфера. Ей безусловно содействуют глубокий злобный гроулинг вокалиста и мощные бензопильные гитары, преображающиеся в торжественных пассажах. Что касается соло, то они, действительно, удались не везде: некоторые эфемерны и воздушны (+), а некоторые грубы и не очень выразительны (-). Где Bereavement нашел на этом диске «большое количество профессионально сыгранных соляков», мне искренне непонятно. Нужно сказать также, что Therion, бесспорно, хорош там, где музыка нетороплива и весома, а звук отдает гулом от акустических систем архаических сооружений. А вот скоростные пассажи слушать неприятно: кашеобразный звук и беспорядочная долбежка у шведов звучит далеко не лучшим образом, а мы все же не любительский недодэт-перетрэш слушать пришли… Лучшие песни из этого, простите за выражение, хлама, это “Symphony of the Dead” (где, как мне думается, хороша лишь первая половина, до 3,5 минут, а затем начинается уже надоевший по предыдущим номерам поиск “Чего бы еще сыграть?”, ведущий к все тем же музыкальным тупикам), заглавная вещица (короткая, но емкая – брутальный вокал и красивое соло), эпическая “The Way” (где есть ВСЕ, что нужно) и “Paths”, анонсирующая светлое будущее группы. Вот вышеперечисленные композиции и спасают альбом от справедливых 5 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Демо «Time Shall Tell» представляет собой недоделанный первый альбом Therion-а. Здесь всего 4 песни, которые затем войдут в «Of Darkness...». Как видим, музыканты песен на ветер не бросают и чрезвычайно щепетильны по отношению к свом произведениям. Итак, о музыке. Она устойчиво напоминает мне Deicide и их дебютный альбом. Тот же технически несложный дэт, но достаточно четкий по звучанию и композиционно структурированный. Честное слово, скримящий гроулинг вокалиста – копия несравненного сатанистского голоса Глена Бентона, ударные, да и вообще саунд – тот же гулкий дэт а-ля Deicide (по крайней мере, которого я знаю по работе 1990 г.). Ставлю не самую низкую оценку.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Hate Crew Deathroll» был первым альбомом Children Of Bodom, который мне довелось услышать, и я сразу же определил его звучание как мультипликационное, а также поймал себя на мысли, что не различаю солирующих клавишных и лид-гитары (умеют же настраиваться!). К счастью, я уже переболел болезнью наивного восприятия мелодик-дэта CoB. По сравнению с последующим «Are You Dead Yet?» настроение этого альбома откровенно оптимистическое, что в таких масштабах для дэта просто непростительно (трэш при этом будет страшнее). Ладно, будем считать это результатом всестороннего влияния пауэра. В любом случае при смешении дэта и пауэра получился финский мелодик-дэт – музыка для любого настроения, кроме глубокой депрессии (депрессия искореняется по системе «fight fire with fire»).
Начало альбома просто великолепное – череда образчиков скоростного мелодик-дэта, исполненного бешеной энергетики, достигающей своеобразного пика в заводном припеве “Chokehold (Cocked 'n' Loaded)” – квинтэссенции веселого раздолбайства CoB. Интересно, что руководит музыкантами, демонстрирующими безупречную сыгранность: талант, финская композиторская ментальность или все-таки позитивный настрой? И о жертвах Бодома можно орать с воодушевлением! Четвертым номером идет песня с интересным названием “Bodom Beach Terror”, дополняющая песенную …логию об инциденте на знаменитом озере. Данный трек интересен, как говорят в таких случаях, убийственной бас-бочкой, традиционно рубящими гитарами и парящими над музыкой симфоническими клавишными (кроме того, здесь есть техничный гитарный соляк от Лайхо и не менее техничные импровизации Вирмана, почему-то постоянно вызывающие у меня ассоциации со страной восходящего солнца). “Angels Don’t Kill” – возможно, попытка повторить “Everytime I Die”, но в этом качестве она явно проигрывает – все-таки CoB больше удается работа «на скорости». Тем не менее, начиная с “Triple Corpse Hammerblow”, которая вновь поднимает средний уровень скорости альбома до нужной кондиции, группа теряет часть первоначального драйва, и композиции становятся более беспорядочными и менее структурированными. Как пример невыдержанности можно привести заглавную вещь – есть и цепляющие места и откровенная нелепица. Кавер на Slayer объективно так себе, субъективно – ужасен. А вот хэви-метал финские парни лабают с душой: Scorpions – их очередная победа.
Несмотря на то, что это мое первое и незабываемое знакомство с CoB, буду честен с собою: «Hate Crew Deathroll» не идеален. Не идеален, потому что отходит от формулы безупречного успеха целиком и полностью выдержанного в своем собственного ключе «Follow the Reaper» и кидается в сторону трэшевого звучания – а это другая крайность, на мой взгляд, также губительная.
|
| |
|
|
|
|
|
| Carcass умер! Да здравствует Carcass! Благодарю joe за то, что и он вспомнил об этом сборнике ценного барахла. Проведу детальную инвентаризацию:
1) “Edge of Darkness”, “Emotional Flatline”, “Ever Increasing Circles”, “Blood Spattered Banner”, “I Told You So (Corporate Rock Really Does Suck)”. Вышеперечисленные вещи – материал времен «Лебединой песни», который не попал в окончательную редакцию альбома, и мне теперь понятно, почему. Как минимум в 3-х песнях отсутствует знаменитый каркассовский дэт-н-ролльный драйв, без которого песни звучат как-то пресно. Зато в заключительном номере этой серии “I Told You So…” энергетика просто потрясающая (напоминает своей остервенелостью “Go to Hell” со «Swansong»), хотя это 100%-ный хард-рок, как будто из репертуара Blackstar.
2) “Buried Dreams”, “No Love Lost”, “Rot 'n' Roll”, “Edge of Darkness” – это номера, исполненные Carcass “живьем” в 1994-ом году для шоу на BBC Radio One. Carcass здесь довольно страшен и вовсю использует distortion, но любопытнее было бы услышать полноценный “live”. Интересный момент: “No Love Lost” начинается со вступления к грайндкоровой вещице “Ruptured in Purulence” со второго альбома каркассовцев.
3) “This Is Your Life” и “Rot 'n' Roll” – песни, имевшие честь быть изданными на «Heartwork EP» опять же в 1994-ом году. “This Is Your Life” композиционно очень близка к “Doctrinal Expletives” и потому не воспринимается как нечто новое, а вот “Rot 'n' Roll”, несомненно, гениальна, цепляюща и представляет собой квинтэссенцию великолепия «Heartwork» и «Swansong».
4) “Tools of the Trade”, “Pyosisified (Still Rotten to the Gore)”, “Hepatic Tissue Fermentation II”. Это трио из «Tools of the Trade», второй элемент которого является римейком песни с дебютного «Reek of Putrefaction». Грайнд здесь правит бал, но встречаются и прекрасные соло как, например, в “Tools of the Trade”.
5) “Genital Grinder II” и “Hepatic Tissue Fermentation” – опусы из самой мясной эпохи Carcass, взятые с «Pathological compilation» (1989). “H.I.F.” почти ничем не отличается от версии II на «Tools of the Trade EP», разве только еще более проникновенно булькающим гроулингом и более быстрым темпом. “Genital Grinder II” – римейк инструментала с первого альбома. Как будто ничего особенного, но сразу бросается в глаза (в уши) некоторая изящность подачи патологического материала, такая что-ли своеобразная манерность… И, пожалуй, самое удивительное в песнях с компиляции «Pathological» - это наличие четко прописанного баса! (наконец-то, его слышно).
6) “Exhume to Consume” – живая версия знаменитой композиции, взятая на этот раз с компиляции под названием «Grindcrusher». Появлению утробного вокала Билла Стира здесь предшествует нойзовая, почти психоделическая прелюдия продолжительностью около 40 секунд.
Вот такая очень разнообразная, но абсолютно нецелостная компиляция. Несмотря на то, что я упертый фэн Carcass-а, больше 7 не поставлю.
|
| |
|
|
|
|
|
| Закрепившись в истории дэта с очень сильным альбомом «False», музыканты Gorefest, видимо, подумали, что свою миссию в области ортодоксального «смертельного» метала они выполнили. Теперь музыка коллектива, без сомнения, более легка, лучше усвояема ушами среднего слушателя. Но это, как и в случае с Carcass, НЕ деградация, а поиск себя в более интеллектуальных музыкальных сферах, обращение к наследию. Поначалу кажется, что шедевром здесь и не пахнет. Такое впечатление остается и после тщательного ознакомления с материалом. Риффы, конечно, цепляют, но в большинстве случаев заставляют задуматься о том, а не прибавить ли к слову «прогрессивный» злобный аффикс «а». Дэт Gorefest-а до смешного упорядочен – ритмы строги и прямолинейны и только соло-гитаре разрешено растекаться мелодизмом по древу. Блюзовость этой самой соло-гитары носит безупречно эстетический характер, однако партии абсолютно не запоминаются. Что меня откровенно неприятно удивило, так это вокал. C этого альбома и по сей день гроул вокалиста приобрел зрелую степенность («Ветераны жанра на покое»). Это бы еще ничего, но манера исполнения… Таких маловразумительных, если не сказать больше – слабоумных – рефренов из одного слова я, кажется, нигде более не встречал. Кстати сказать, и названия песен то чрезмерно лаконичны, то страдают болезнью «два знаменательных слова и одно служебное» - но это так, лингвистические заметки.
В целом, музыка Gorefest-а на альбоме «Erase» напрашивается на сравнение с мощным, но неуклюжем бульдозером, чье солидное тарахтение все же не является новаторским нойзом…
|
| |
|
|
|
|
|
| В третьем альбоме King Crimson – уже практически джаз-бэнд. Сильная духовая секция, фортепьяно и ударные полностью выдержаны в джазовой стилистике. Честно говоря, не знаю, как это могло бы звучать, если бы Роберт Фрипп не набрал в свою команду таких мастеров своего дела, как Мел Коллинз, Кит Типпет, Энди Маккалаф и некоторых других. А так получился очень изысканный и только местами невыдержанный музыкальный продукт.
1) “Cirkus”. Начинается композиция со сказочных фортепьянных проигрышей, но уже через 40 секунд в дело вступает мощная духовая секция, и после этого музыка становится более живой, в частности, активна акустическая гитара Фриппа. С конца второй минуты меллотрон вносит какой-то грустно-мечтательный оттенок в музыку, а к середине третьей минуты он заявляет о себе в полную кримзоновскую силу. Меллотрон и звучащее параллельно соло на саксофоне - это романтично и, как следствие, необычайно красиво (напоминает VDGG). Самое большее, что может вокал на этом альбоме, так это не мешать музыке; и с этой задачей в данной песне он хорошо справляется. Нужно сказать и о ударных: довольно сложные партии Майкла Джайлза сменили совершенно ломаные, «спотыкающиеся» ритмы Энди Маккалафа, что отчетливо слышно ближе к концу этой композиции.
2) “Indoor Games”. Не очень серьезная песня. Саксофон, играющий в специфически английском – чопорном, неспешном ритме – обеспечивает довольно приятный фон для вечеров отдыха. Лучший фрагмент – недлинный инструментал, звучащий после гитарных проигрышей Фриппа в середине композиции.
3) “Happy Family”. Скорее даже не тревожное, а просто загадочное вступление с колеблющимся саундом. Далее все как обычно… Отрывистые клавишные аккорды джазового пианиста Кита Типпета – визитная карточка альбомов King Crimson 1970 года. Вокал Хаскелла – черт бы его побрал – искажен и звучит отвратительно не к месту. Другое дело, партии гобоя, которые привносят в музыкальное полотно некий экзотический оттенок. Середина композиции несколько какофонична: ударные приглушены и на первый план выходят фортепьяно, гобой и что-то из духовой «меди». Под самый конец песни возвращается вокал, и вскоре песня неожиданно обрывается.
4) “Lady of the Dancing Water”. Уже с самого начала красивая мелодия флейты и тихое фортепьяно говорят о том, что это баллада. Красота красотой, лирика лирикой, но King Crimson здесь вообще не угадывается – слишком бесхитростно.
5) “Lizard”. Самый большой эпик King Crimson ранних лет. В первой части имеем: тревожный меллотрон, довольно спокойное, но угнетаемое тем же меллотроном фортепьяно и несколько наивный вокал Андерсона, вносящий легкость и свет в dark-ориентированную музыку King Crimson. Чем дальше, тем тревожнее меллотрон, также появляется маршевый стук ударных. С середины пятой минуты Фрипп отпускает в музыкантов в свободное плавание, и далее музыка уходит в 100% pure jazz improvisations. Она становится ностальгической и очень саундтрековой. Волшебная флейта сменяется медной духовой экспансией, представленной, главным образом, саксофоном. Все это вместе с лихорадочными фортепьянными трелями Типпета создает неповторимый звуковой колорит. King Crimson в этой части – джаз-бэнд не меньше, чем Dave Brubeck Quartet. Вскоре возвращается флейта и музыка неожиданно достигает crescendo. Эта часть необыкновенно хороша, но явно затянута. Третья часть (“The Battle of the Glass Tears”) открывается тихой мелодией в восточном стиле. Некоторое время спустя под фортепьянные аккорды и флейту возвращается похоронный голос Хаскелла. Около 13:30 музыкальная тема, звучавшая в начале этой части, здорово ударяет по мозгам полузаснувших слушателей. Следующий за ней инструментал звучит очень сумбурно; правда, выразительны возвращения все той же начальной музыкальной темы. Около 18:00 нам дают возможность насладиться джазовой разрядкой в виде тихого звучания тарелок. Однако вскоре Фрипп подтвердит свою репутацию авангардиста-экспериментатора, заставив музыкантов играть бешеный джем. Но вот сразу после этого таинственно звучит бас, а Фрипп исполняет очень депрессивное шизофреническое гитарное соло (“Prince Rupert’s Lament”). Напрашивается вывод: если Джон Андерсон заставит Руперта пробудиться, то Роберт Фрипп уж точно заставит его плакать. “Big Top” – это эффектная цирковая реминисценция, в лучших традициях иллюстрирующая абсурдную реальность жизни.
«Lizard» King Crimson – одно из наиболее смелых и удачных слияний джаза и прогрессивного рока. Одноименную тему можно почти не задумываясь назвать шедевром, но остальные до нее сильно не дотягивают (возможно, благодаря Хаскеллу). Самая правильная оценка уже поставлена выше, я ее просто дублирую.
|
| |
|
|
|
|
|
| King Crimson – группа «впередсмотрящая», и предсказуемостью не отличается по определению, так давайте будем воспринимать «In the Wake of Poseidon» как связующее звено между ярким, зарекомендовавшим себя прогрессивным каноном «In the Court of the Crimson King» и более труднодоступными изысканиями авангардного «Lizard». От первой стороны – “Pictures of a City”, “Cadence and Casscade”, “In the Wake of Poseidon”; от второй – “Cat Food” и “The Devil’s Triangle”.
В первой композиции (нудные завывания Лэйка песнями называть не хочется), “Pictures of a City”, еще больше джаза, но одновременно больше и хардового звучания, чем в “21st Century Schizoid Man”, однако эта песня кажется мне намного менее впечатляющей. В срединном инструментале присутствуют ходы, под копирку снятые с “Mirrors” из вышеназванной композиции.
“Cadence and Cascade” – близкий аналог “I Talk to the Wind”. Хаскелл здесь справляется не хуже Лэйка, а фортепьяно и флейта изящно дополняют друг друга.
Уж что исполнено точно не хуже, так это “In the Wake of Poseidon”. Опять меллотрон в качестве визитной карточки группы, выполняющий в балладах KC функцию атмосферного сопереживания мыслям и чувствам лирического героя. Опять драматичный вокал Лэйка, несущий эти самые мысли и чувства. Акустическая гитара, фортепьяно и немного флейты – без этого монолиту King Crimson также не справиться. Но более всего замечательны здесь ударные партии Джайлза, которые особенно непредсказуемы к концу композиции.
“Peace - A Theme” – здесь вокала Лэйка нет, и можно без помех убедиться в том, что Фрипп с помощью акустической гитары может исполнять также и легкодоступные лирические темы.
“Cat Food” – приджазованная композиция с рок-н-ролльными вокалами. Фортепьяно Кита Типпета здесь на высоте, поскольку представлено яркими, отрывистыми аккордами, подобными мазкам кисти художника-импрессиониста. Рваный ритм и общий эффект неожиданности делают эту песню предвестником опытов Фриппа в подобном ключе на следующем альбоме.
“The Devil’s Triangle” – вот эта хоррор-прог композиция на “In the Court of the Crimson King” явно не похожа. Фрипп и компания демонстрируют здесь свое умение нагнетать тревожную и прямо-таки психологически-невыносимую атмосферу. Меллотрон мрачен как никогда, ударные, словно повинуясь какой-то неведомой силе, отстукивают однообразный маршевый ритм; жесткая фортепьянная игра усугубляет темный авангардизм и усиливает безысходность происходящего. З-я часть композиции (“Garden of Worm”) – апофеоз дисгармонии, подтверждением чему служит явно сошедшая с ума музыка. Тем более хорошо заметно это в течение 11-ой минуты, когда ударные, осмелюсь сказать, стучат в прото-грайндовом ритме, и фортепьяно стремится к этому же.
“Peace - An End”. Все-таки последняя часть этой микротрилогии вызвала во мне сочувствие: голос Лэйка и акустическая гитара очень убедительно олицетворяют жизнь.
Несмотря на схожесть с первым альбомом группы, не стоит недооценивать «In the Wake of Poseidon» - Зевс и Посейдон не так далеки друг от друга…
|
| |
|
|
|
|
|
| Буду краток. Это лучший на моей памяти инструментальный альбом, и слова здесь, действительно, не имеют принципиального значения; музыка Camel демонстрирует небывалые эмоциональные возможности – она вся пронизана удивительным ностальгическим чувством. Слушая эту музыку, хочется плакать, обнаруживая в себе чувствительную душу, скрытую под грубым слоем повседневного материализма.
Поскольку Featus уже наметил сюжетно-музыкальную линию, пройдусь по хай-лайтам альбома, трогающим меня более всего.
“Rhyader” с игривой мелодией флейты и скромным соло на органе – мажорный номер со слегка заметной долей грусти, которая тончайшими нитями пронизывает всю музыкальную ткань альбома. Особенно хорошо композиция слушается в пути.
“Rhyader Goes to Town” еще более динамична и в то же время лирична, а гитарная работа во второй половине композиции просто великолепна, несмотря на свою стандартность.
“The Snow Goose” представляет собой мягкий инструментал с неподражаемой солирующей гитарой, ненавязчивым органом и не очень предсказуемыми ударными сбивками.
“Rhyader Alone” – уже в названии номера обозначена вселенская грусть. Музыкально это представлено нежной игрой клавишных (начальная мелодия очень напоминает тему Вангелиса “La Petite Fille De La Mer”) и гитары.
“The Flight of the Snow Goose” прекрасно иллюстрирует полет, но одновременно рисует музыкальными красками и какие-то трудности пути.
“Dunkirk” – пример того, как такая внепафосная группа, как Camel, может создавать поистине монументальные музыкальные полотна, не лишенные некоторых романтических моментов.
“Epitaph” – не только крайне печальная тема; своими таинственными звуками и колокольным звоном она с не меньшим успехом леденит кровь.
В “La Princesse Perdue” наконец-то вновь появляются мажорные оттенки, но во второй части композиции мы вновь слышим ностальгическую гитару Латимера.
Итак, это прекрасный альбом, позволяющий проникнуться духом 70-х и вневременной лиричностью, в который раз отметить искренность и глубину музыкальных творений в то замечательное время.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1973 году Camel выпускают свой первый альбом, который намечает некоторые черты их дальнейшего творчества в более или менее категоричном (насколько это слово применимо к Camel) проявлении. Возьмем для примера первую песню. С одной стороны, это очень спокойная, «вечерняя» музыка с характерным усталым вокалом – нечто, напоминающее работы Dire Straits. С другой стороны, музыканты не упускают возможности продемонстрировать свою прогрессивность и в целях этого выдают довольно яркие, нарушающие первоначальную невозмутимость, инструментальные пассажи. И все же музыка нисколько не амбициозна. Местами она затейлива, но нисколько не навязчива. Что можно сказать о владении инструментами? Гитара Латимера, хотя пока еще активно не сопровождается флейтой, но уже радует запоминающимися ходами (в некоторых местах Энди вообще отбрасывает все шаблоны и исполняет интересные с точки зрения техники и исторического времени трюки). Клавишные под чутким руководством Барденса являются тем базовым элементом, на котором и строится пестрая музыка Camel. Ударные ничем особо не выделяются, но вообще довольно энергичны. Бас звучит традиционно не на последнем месте (на последнем месте звучит вокал). Выделю полноправный хит Camel “Never Let Go” c запоминающимся припевом, соло на флейте, гитарными соло, “Arubaluda”, примечательную риффом в духе Deep Purple и отличным драммингом Энди Уорда и, пожалуй, нежную, пронзительную, ностальгическую “Mystic Queen”.
Это музыка для романтических вечеров (не обязательно совсем уединенных) с непременным присутствием искрящегося шампанского; она также может быть использована в качестве джазозаменителя: элементы хард-рока никому еще не вредили.
Примечательно, что мне сначала альбом понравился где-то на 7-8, но теперь заметны позитивные сдвиги, и, предугадывая отношение к нему через некоторое время, ставлю 9.
|
| |
|
|
|
|
|
| The Mars Volta потеряли своего звукового техника Джереми Уорда, и, как оказалось, только смерти являются двигателем творчества этой группы. Так случилось, что материал для нового альбома был найден именно погибшим: он случайно обнаружил дневник неизвестного ему человека на заднем сиденье машины и начал понимать, что линии жизни его и этого человека во многом сходны – и он, и автор дневника искали своих настоящих родителей (концептуальная основа нового альбома, главный герой - Cygnus). Смерть прервала работу Уорда по изучению документа и послужила причиной появления нового, более ответственного подхода к своим жизням и творчеству участников The Mars Volta. «Frances the Mute» получился еще более самобытным и амбициозным, чем предшественник: еще больше национальных красок, еще больше пост-рока, наконец, полноценные джазовые импровизации! Процитирую в оригинале журнал «Kerrang»: “It’s a rock record played in salsa time. It’s a salsa record with jazz solos. It’s a jazz record with punk rock energy…”. Вот так MV одновременно объединяют и разрушают жанры.
1) “Cygnus... Vismund Cygnus”. Начинается этот превосходный открывающий трек с приятной игры акустической гитары и мягкого вокала. Долго так продолжаться, понятно дело, не может – в 0:43 появляется характерный для Mars Volta бешеный ритм ударных и полный спектр фанка в партиях баса и гитары. Вокал теперь еще более инспирирован стилем Роберта Планта 70-х годов (особенно это заметно в типично плантовской фишке - “My-my-my my nails…”). Идея билингвизма - смешанной лирики: на английском и испанском – очень хорошо вписывается в музыкальную концепцию. Короче, национальный колорит просто преображает арт-рок на «Frances the Mute». Около 3:20 мы имеем дело с сумасшедшим зацикленным электронным брэйком. Следующая за ним торжественная вокальная часть около 4:00 эмбиентообразно перетекает в новую инструментальную картину - спокойный ритм ударных и блюзовое гитарное соло в духе Хендрикса. Постепенно ударные начинают стучать все энергичнее и звонче, а гитара неотвратимо доходит до пика. С 7:00 возвращается вокал, который напоминает нам лучшие времена классического хард-рокового вокала. Симфоническая музыка этой вокальной части вскоре начинает биться в инструментальной агонии, но это продолжается совсем недолго. Мы неожиданно возвращаемся к первоначальной музыкальной теме. Следующий за ним инструментал радует отличной работой барабанщика. Музыка постепенно удаляется от нас, можно услышать какие-то непонятные визги и шумы, настает пора эмбиента и манипуляций с электроникой. Нужно признать, что эти фрагменты, хоть и длительны, но очень интересны.
2) “The Widow”. Наименее прогрессивная песня на альбоме. Но, в очередной раз спасибо, Mars Volta: последние 3 минуты композиции убивают на корню всякую радио-дружелюбность. А вообще – это прекрасная песня в классическом блюз-роковом стиле (очень напоминает зеппелиновскую “Since I’ve Been Loving You” по вокалу в припеве, по гитарным выкладкам). С ~ 3:20 и до окончания композиции – хаотическая звуковая картина, напоминающая бессмертную “Interstellar Overdrive” Pink Floyd.
3) “L'Via L'Viaquez” – восхитительный образец смешения языковых культур в музыке. Приглушенный брэйкбит сменяется очень яркой музыкой, в которой выходят на первый план виртуозные гитарные запилы (опять спасибо Джону Фрусцианте). Когда появляется испаноязычный вокал, у меня возникают ассоциации с форматом вымышленного радио Espantoso из популярной игры «GTA Vice City». Ну а когда в следующей музыкальной теме звучат чисто латиноамериканские ритмы, совместимость национального колорита с прогом становится бесспорной. Кстати, в этой части вокалист вещает уже на английском языке, но с типично испанской страстностью в голосе. Ближе к концу звучит отличный джем, в котором также очень сильны экзотические латиноамериканские начала. На последней минуте Mars Volta применяют довольно странный ход с искажением вокала, несколько портящий впечатление от композиции.
4) “Miranda That Ghost Just Isn't Holy Anymore”. Музыканты удивляют все больше и больше. Здесь собственно песни приходится ждать около 4-х минут, во время которых группа находится, видимо, в творческом поиске, приобретающем вид атмосферной психоделии. Но с 4:17 мы уже наслаждаемся соло на трубе, исполненное самим басистом RHCP Flea! Следом за ним наконец-то идет вокальная часть, которая волшебна в своей созерцательности. Кажется, где-то также звучит струнные. Самый же удивительный момент композиции – это кульминационная точка, когда вокал становится драматичным, ударные громоподобными, а общий накал музыкальных страстей – равным былому мастерству в этой области грандов вроде Genesis. После такого эффектного фрагмента музыка опять становится атмосферной, снова звучит соло на трубе. Вконец размякшее музыкальное пространство постепенно возвращает к жизни небольшой инструментал с таинственным звучанием.
5) “Cassandra Geminni”. Главная сенсация этого альбома - грандиозный эпик на 32 минуты. Про такие композиции можно сказать словами великого русского поэта-ученого М.В.Ломоносова: «Чтоб слову с оными сравняться, // Достаток силы нашей мал». Данная песня поделена на 8 частей, и ее содержание поистине эклектично. Здесь есть и чисто арт хард-роковые джемы, и симфонические части, и джазовые инструменталы (c виртуознейшим саксофоном!). Никак не описать – надо слушать, и не один десяток раз! Отмечу еще только восхитительный эмоциональный припев песни (“No there’s no light, in the darkest of your furthest reaches…”). Заканчивается альбом тем же фрагментом под названием “Sarcophagi”, с которого и начинался; этим достигается циклический характер альбома. Кстати говоря, группой был записан также одноименный трек (“Frances the Mute”), но на альбом он не попал из-за нехватки свободного места на CD. Тем не менее, он был издан в Великобритании ограниченным тиражом вместе с синглом “The Widow”.
Последние замечания. Mars Volta, кажется, возвращают прогрессив в мэйнстрим – 4-ое место в Billboard 200! А тем, для кого Биллборд – это пустой звук (т.е. для всех людей с музыкальным вкусом), рекомендуется обратиться непосредственно к музыке (она того стоит).
P.S. Хотел было поставить 9, но передумал. + 1 балл и такое объяснение: "непередаваемая жанровая принадлежность".
|
| |
|
|
|
|
|
| Последний студийный альбом Pink Floyd, по сути, продолжает линию пластинки 1987 года. Это по-прежнему музыка, окрашенная легкой грустью и умиротворением, далекая от протестного пафоса Уотерских времен. Песни стали еще более интимными, в них отчетливо проступает личность Дэйвида Гилмора. Альбом очень целостен и гармоничен: о его второстепенности, малозначительности может говорить только тот, кто не в состоянии принять творчество группы во всей его многогранности. Все песни окрашены вечерним колоритом рефлексии: пронзительная гитара и грустные клавишные являются как бы соучастниками размышлений лирического героя. Очень украшают альбом созерцательные инструменталы “Cluster One” и “Marooned”, демонстрирующие ту эмоциональную полноту и музыкальную завершенность (тончайшие оттенки, переливы), которых музыкантам было бы никогда не достигнуть под диктатурой Уотерса. Большинство песен альбома носят характер исповеди, некоторые кажутся откровенно сольными номерами Дэвида Гилмора (“Coming Back to Life”, “Lost for Words”, “Poles Apart”); в наличии также обладающая прекрасным психотерапевтическим эффектом композиция от Райта в лице “Wearing the Inside out”. Вместе с тем здесь есть драйвовый хит “Take It Back”, показывающий осовремененное лицо группы; композиция “Keep Talking”, исполненная былой прогрессивности и опять же, как и предыдущая, затрагивающая некоторые проблемы времени; “What Do You Want from Me” - воплощение гитарного гения Дэвида Гилмора и его недюжинного вокального мастерства, выгодно подчеркиваемого присутствием хора. Ну и, наконец, – монументальное прощание великой группы под названием “High Hopes”, где звон колокола символизирует закат жизни (по Томасу Грею), ударные подчеркивают все величие утраченных надежд, а гитара… гитара плачет, являя нам свой грустный монолог (как это и принято у Гилмора).
|
| |
|
|
|
|
|
| Многострадальный коллектив Pink Floyd не пожелал идти на поводу у «тирана на троне» Роджера Уотерса, у которого и летающая свинья, и молотки и т.д. и т.п…. Главным образом, Гилмору не хотелось наступать на горло собственной песне. В то время, как Роджер пытался выразить себя через хитроумные концептуальные альбомы, в которых текстовая сторона преобладала над музыкальной, Дэвид пошел противоположным путем, делая упор на музыкальных ландшафтах. А объединяло их бесчисленное количество приглашенных музыкантов.
1) “Signs of Life”. Всплески воды, скрип лодки и тишина. Это атмосфера нового Pink Floyd – питаемая не критическим реализмом, исходящим от язвительного «Я» Роджера Уотерса, а приятием жизни в ее непосредственности, природных началах. Всякие обличительные нотки будут отныне смягчены силой созидания. Так вот, это клавишная тема, включающая в себя появление скупой, но выразительной гитары Гилмора.
2) “Learning to Fly”. Поскольку Пинк Флойд считался музыкой космических далей, музыканты решили присвоить себе право считаться так же певцами нижних слоев атмосферы. Этот супер-хит – песня очень личная. Гилмору, а также Мэйсону хорошо знакомо желание взлететь над грешной землей (приходит на ум фаустианский мотив крыльев). Музыка величественна и грандиозна, так же, как и лирика – это соответствует предмету изображения. Мощные ударные и перкуссии, легендарный гитарный рифф, потрясающая вокальная работа Гилмора, поддерживаемая хором. Куплет, начинающийся со слов “Above the planet on a wing and a prayer” звучит вообще так, как будто доносится (позволю себе смелое сравнение) из стерео-системы Всевышнего.
3) “The Dogs of War”. После восторга – жуть. Тема войны – довольно-таки уотерская, и, по-моему, музыка тоже близка к его сольному творчеству. Тревожные клавишные, жесткий вокал Гилмора; затем следует инструментальная часть с очень жестким соло на саксофоне; после этого возврат к основной теме.
4) “One Slip”. Прекрасное вступление с экзотической перкуссией и выступающими по контрасту электронными звуками. После одноминутной инструментальной части врываются гитара Гилмора и его очень энергичный вокал. Музыка своим оптимистическим настроем убеждает нас в том, что музыканты еще полны свежих сил и им еще рано уходить на пенсию. После каждого припева звучит соло на басу (при Уотерсе мы бы его никогда не услышали). Песня не особо длинна, но мне почему-то таковой кажется.
5) “On the Turning away”. «Домашний» настрой песни контрастирует с масштабом звучания гитарного соло, которое, кстати, очень продолжительно. Ничего примечательного здесь больше нет – баллада, как баллада.
6) “Yet Another Movie (Round and Round)”. Звуки гонга с техногенным налетом создают очень неуютную атмосферу. Примерно через минуту вступает ритм-секция и мы слышим традиционные запилы Гилмора. Размеренный ритм, слова песни, оформленные «потоком сознания», заставляют задуматься. Около 3:30 звучание музыки приобретает вселенский оттенок, и после громоподобных ударных следует мощнейшее гитарное соло. С 6:16 начинается небольшой инструментал под названием “Round and Round”, в котором создается тематически неуловимая атмосфера.
7) “A New Machine (part 1)”. Размышления Дэвида Гилмора онтологического характера, пронизанные ощущением вечности и какой-то усталостью от жизни.
8) “Terminal Frost”. Блестящий инструментал, представляющий собой яркий пример пейзажной музыкальной лирики Pink Floyd. Блестящая игра музыкальных оттенков, своеобразная полифония. У меня перед глазами возникают картины, похожие на те, что позднее, в 1994 году, будут увековечены во флойдовском видео “Take It Back” на песню с «The Division Bell».
9) “A New Machine (part 2)”. Вторая часть размышлений, устремленная в будущее, но никакого оптимизма не несущая.
10) “Sorrow”. Гитара Гилмора была усилена за счет недешевого трюка, но качество песни оправдывает все затраты. Все здесь доведено до максимума: продолжительность композиции, лаконичность и вместе с тем смысловая наполненность названия, и уже упомянутая грандиозность звучания, с которой может поспорить, наверное, только 2-ая песня альбома. Серьезный хит. Аналогичную по продолжительности и некоторым другим сходным чертам песню Гилмор сотоварищи запишут в 1994 году на более продуманном альбоме «Division Bell».
Приятно, что Pink Floyd не ушел в небытие в середине 80-х, а напомнил о себе еще пару-тройку раз. Но мне все же больше нравится соотношение сил «Гилмор+Уотерс (а также Райт и Мэйсон)», чем концептуальность без музыкальной силы или замечательная музыка без текстовой мощи образца «Dark Side of the Moon», «Wish You Were Here», «Animals», «The Wall».
|
| |
|
|
|
|
|
| «...And Justice for All» - это уже прогрессив, наивысшая точка развития трэша. Радует, что, углубившись в поиски оригинальных ритмических структур, участники Metallica не забыли и о факторе увлекательности музыки (это я о том, что песни в некотором роде хитовы и большая часть их прекрасно запоминается). Да, это эталон трэша во всем: мощь – по поводу этого альбома можно было бы написать труд под названием «Мощь гитар, как источник эстетического наслаждения»; изобретательность – очень приятные риффы, как никогда непредсказуемые соло; наконец, концептуальность лирики, доведенная на этом, да и на предыдущем альбоме, до той степени, что впору снимать фильм по мотивам песен Металлики. Насчет экстремальности с Memento Mary не соглашусь – какая же здесь экстремальность, это скорее гипертрофированная тяжесть, но тяжесть рассудительная, философская. Хочу отметить, что этот альбом являет характерный пример рационального использования музыкальной лексики трэша – никто не был разумнее Металлики в этом вопросе в 1980-х (быть может, только недавно мелькавшие здесь Watchtower), и уже вряд ли будет. Последнее, что я считаю своим долгом сказать: “One” – это ГЛЫБА.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нет, что ни говорите, а «Master Of Puppets» - однозначно лучший альбом Metallica. Здесь во всем сквозит гармония: оптимальное сочетание драйва, тяжести и сложности композиционных решений (что стало чуть ли не самоцелью на «…and Justice For All»), мелодичности (превысила норму для трэша на «Черном альбоме»), разнообразия и оригинальности затрагиваемых в песнях тем. Великолепные риффы и разнообразные по эмоциональной окрашенности соло позволяют оценить по достоинству и мастерство Хэтфилда как непревзойденного ритм-гитариста и искусность Хэмметта, как ведущего. Что в этом диске особенно примечательного, так это то, что нельзя преувеличить его достижений - это грандиозное и трэш-металическое и общемузыкальное событие. Такое чувство, что в 80-х для Металлики был период доисторического материализма, в котором не было влияний, так мешающих здоровой креативности…
P.S. Как можно поставить этому опусу ниже 10? У меня в голове не укладывается…
|
| |
|
|
|
|
|
| Этот альбом - просто перфектное воплощение того, как проявляют себя юные умы на своей дебютной пластинке. «Kill‘Em All» превосходно создает настроение своим разухабистым драйвом, и появляется устойчивое впечатление, что пока вы слушаете его, метал звучит везде, в каждом уголке мира. Материал сыроват, но отличается восхитительной искренностью - такие боевики, как “Hit the Lights”, “Motorbreath”, “Jump in the Fire” вселяют оптимизм невиданного качества. Очень благоприятствует восприятию музыки построение альбома: на месте оказываются козыри в лице “The Four Horsemen”, “(Anesthesia) - Pulling Teeth” и, пожалуй, “Seek and Destroy”. Вышеупомянутое бас-соло Бертона вызывает самые разнообразные ассоциации и образные картины, но объединяет их одно - стремительное движение (и каждый раз тянет взгрустнуть по поводу безвременной кончины таланта). Отдельно хочется сказать о “Metal Militia”. На мой субъективный взгляд, Металлике никогда не удавалось рубить, как это делали Slayer. Ну, как говорится, каждому свое.
|
| |
|
|
|
|
|
| Значит, так… Смотрим на обложку и делаем выводы. Хмурые лица на фоне снежных пучин. Холодно, и от этого в музыке такое остервенение, такая (не могу подобрать лучшее слово) приземленная долбежка. А вот МУЗЫКАЛЬНО опоэтизировать «Битвы На Севере» не помешало бы.
Остановимся на так называемом ''шуме''. На «Pure Holocaust» он был в самый раз – глубинный, обволакивающий. Здесь же гитарный звук крайне сухой, и на этом фоне драмминг Аббата звучит особенно непритязательно и неуклюже (для пущего убеждения в том, что стучит не Хэллхэммер, предлагаю послушать 0:43-0:50 “Descent Into Eminent Silence”). Мрака как будто не ощущается, это в минус атмосфере. Вокал вообще витает где-то вдали от музыки. Зато брутальности хоть отбавляй… Теперь о приятном. Изредка услаждают слух чистый гитарный звук и столь же кристальный клавишный фон. Это в полной мере можно оценить на примере бесспорного шедевра Бессмертных – “Blashyrkh (Mighty Ravendark)”, несущего в себе дух группы в такой мере, что по праву может называться программным произведением. Лирическая составляющая всегда была сильным аргументом в пользу Immortal – все-таки никакого дешевого сатанизма, только высокая пейзажная поэзия.
Итог. Immortal – культовая группа, и этим альбомом они не испортили себе репутацию. Мне все-таки очень сложно определить свое отношение к «Battles In The North», но для меня «Pure Holocaust» однозначно убедительнее. Думается, во всем виновата реализация.
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий студийный альбом Tool – это еще один шаг эволюции. По музыке – это все тот же Tool, но лишенный излишней авангардности прошлого альбома. Однако от этого продукция группы не стала мэйнстримовой, так как по-прежнему характеризуется как музыка не для всех: она глубоко личная, своеобразная; наконец, искренняя меланхолия не расходится массовыми тиражами.
Первые композиции с этого диска, признаюсь, не вызывают у меня восторга: скучноватые они и бедны музыкально. Зато, начиная с “Schism”, перед нами череда прогрессив-металических открытий
“Schism” мне нравится как глубоко Tool-овская песня.
“Parabol” – это первая часть дилогии. Медитативные клавишные аккорды и тихая гитара формируют философский пейзаж. Вокал обладает поистине магической притягательностью.
“Parabola”. Плавный переход ко второй, динамической, части. Великолепные соло-вставки с «хрустящим» мелодизмом, задумчивый и эйфорический вокалы, не лишенное некоторой изящности соло на басу, завершающее композицию – вот слагаемые уникальности этого произведения.
“Ticks and Leeches”. Данная композиция продолжает линию отличных песен. Чудесным образом преподнесенное нам барабанное искусство Дэнни Кэри, фирменные Tool-овские фишки: и выжидающая тишина и прог-металлический взрыв, когда все музыканты словно с цепи срываются. Кроме того, вокал Кинана здесь какой-то приблэкованный.
Атмосферы и неповторимого настроя сообщают «Lateralus» две похожие, находящиеся рядом песни - “Disposition” и “Reflection”. Первая исполнена всепоглощающей «лакомой» меланхолии и отличается немногословностью и восхитительной гитарной игрой. Вторая имеет ярко-выраженный экзотический оттенок, благодаря ударным и еще какому-то инструменту, а также поддерживает меланхолический настрой (заунывные голошения Кинана). Связующее звено между этими треками – очень самобытная игра Дэни Кэри на ударных.
“Triad” – что-то вроде квинтэссенции Tool-овского инструментального мастерства; тема, явно собранная из нескольких кусков и формирующая в воображении картину некоего нашествия.
Итог. Альбом наполнен превоходными находками в области музыки и создания настроения, но в конечном счете неровен. 10 большим авансом предпочту крепкую девятку.
|
| |
|
|
|
|
|
| Tool двинулся в сторону прогрессивности. По-прежнему их оригинальность питает минимализм, теперь подчеркнуто индустриальный. Гитара теперь звучит еще более психопатически и мрачно-угрожающе, вокал стал более самобытным за счет варьирования силы и громкости (характерный пример – “Stinkfist”), ритмические рисунки ударных интересно слушать сами по себе.
Следует отметить:
1) исполненный с большим чувством (особенно вокал) и приправленный хитроумными ходами открывающий номер “Stinkfist”;
2) пилящую мозг своими рваными риффами “Eulogy”, c обволакивающими тайной электронными вставками и опять же выдающимся вокалом Кинана;
3) альтернативный метал с легким налетом прогрессива под названием “H.”. Опять вокал чертовски хорош;
4) очень узнаваемые риффы в “46 & 2”, которые олицетворяют собой весь мрак, на который способна альтернатива. Особо интересный экспрессивный пассаж присутствует в районе 4:05 – 5:05;
5) угрожающее послание некоему Гарри Мэнбэку на фоне восхитительной меланхоличной фортепьянной игры;
6) яростную гитарно-вокальную атаку “Hooker with a Penis”;
7) настоящий бриллиант Tool – “Aenema” – неповторимая во многих отношениях песня.
Любителям глухого авангарда рекомендуются донельзя содержательные и глубокомысленные “Useful Idiot” и “Cesaro Summability”. Любителям юмора в музыке –“Intermission” и “Die Eier Von Satan”. Поставим альбому 9 и посоветуем музыкантам начать работу над книгой-руководством по изготовлению грамотных филлеров.
|
| |
|
|
|
|
|
| The Mars Volta – БЕЗУМНАЯ энергетика! Это не музыка; это шквал звука, космический вихрь (атмосферным стержнем работы является space rock вроде Pink Floyd), силой экспериментального могущества вплетающий в свою хаотическую палитру хард-рок, джаз, психоделию, техно-минимализм и т.д. Прорывающий ткань пространства и времени высокий, необычайно эмоциональный вокал, гротескный дисторшированный гитарный строй, по-проговски внушительный бас, фантастические ударные партии, исполняемые на молниеносных скоростях и описанный выше эклектизм, создаваемый этими средствами – это то, что позволяет говорить о пришествии новой супергруппы, способной оживить полумертвый прогрессив.
Группа была создана на руинах эмокор-коллектива At The Drive-In в 2001 году силами гитариста и вокалиста со звучными именами - Omar Rodriguez-Lopez и Cedric Bixler Zavala соответственно. Эти люди поняли, что способны на большее, чем занимались до этого, и принялись за работу по созданию непостижимого музыкального синтеза. Этимология названия группы: «Mars» – веяния научной фантастики и одновременно римской мифологии; «Volta» - так Федерико Феллини называет в своей книге смену киносцен.
«De-Loused in the Comatorium» - первый полнометражный альбом группы (до этого был только EP «Tremulant»), спродюсированный легендарным Риком Рубином. The Mars Volta сразу же взяли курс на соблюдение арт-рок-канонов, записав именно концептуальный альбом. Концептуальной основой для сего произведения послужила жизнь и страдания друга группы Хулио Венегаса (герой альбома – Cerpin Taxt), жившего, как говорится, «на грани», попавшего в кому, пережившего ее, но затем застрелившегося. Эта кома, представленная во всей полноте музыкальной палитры и предлагается нашему вниманию безмерно талантливой группой The Mars Volta при содействии со стороны половины состава Red Hot Chili Peppers. А литературную основу альбома можно изучить по специальной мини-книге в формате PDF - http://www.goldstandardlabs.com/marsvolta/DeLoused_storybook.pdf. Группа затронула в своем творчестве тему смерти, а во время тура в поддержку альбома смерть напрямую затронула группу – звуковой техник Джереми Уорд умер от передозировки наркотиков.
1) “Son et Lumiere”. Клавишная тема, в которой уже намечается космическая направленность звучания и общей концепции. Слов немного. Ближе к концу ударные свидетельствует о переходе ко второй песне.
2) “Inertiatic ESP”. Это первая песня, которую я услышал у этого коллектива. Сразу обращает на себя внимание мощь голоса вокалиста (врезающиеся в память слова “Now I’m Lost”) и очень энергичные ударные. Кроме того, запоминаются гитарные проигрыши и очень уместные клавишные. У этой группы уже в одной песне заключено столько драйва, сколько другим не достигнуть и целым альбомом! Заканчивается песня тихим (!) вокалом и нестройной игрой клавишных (кажется, запись их звучания пущена в обратном направлении).
3) “Roulette Dares (The Haunt of)” – блестящий пример классической прогрессивно-стремительной смены темпов. Начинается композиция со звучания тарелок. Вихреподобные ритмические структуры, наитехничнейшие ударные, психоделически далекий и примоченный вокал. В какую-то секунду музыка становится абсолютно тихой, вокал задумчиво-мечтательным. Затем музыканты играют какой-то до боли знакомый рифф, в то время как вокал в этой части просто неподражаем. Далее следует то же психоделическое молотилово, не оставляющее камня на камне от взвешенной атмосферности предыдущих минут. После этого мы можем слышать импровизационную часть с быстро стучащими ударными и гитарой, напоминающей самого Роберта Фриппа из King Crimson. В дальнейшем музыка будет исцеляющее тихой, как у Radiohead, в нее будут вливаться психоделические звуки а-ля Pink Floyd.
4) “Tira Me A Las Aranas”. Интерлюдия, представляющая из себя игру акустической гитары и таинственные, пугающие звуки далеких сфер. Данный номер производит особенно странное впечатление.
5) “Drunkship of Lanterns”. Плавный переход к латинским перкуссионным ритмам и соответствующим басовым партиям. Именно ритм-секция здесь правит балл, а гитара выполняет иллюстративную функцию, т.е. играет далеко не главную роль. Вокал в части припева (“Nobody is Heard”) опять же неподражаем. Около 5:00 мы можем слышать гитарное соло, очень напоминающее того же Фриппа. Последняя минута данной композиции занята жесткими электронными ритмами в техно-индустриальном стиле.
6) “Eriatarka”. Несколько барабанных очередей, и перед нами совершенно спокойная песня с мягким вокалом и расслабляющими фоновыми звуками. Идиллия продлится недолго – вскоре музыка приобретает стремительный характер, что ярчайшим образом отражено в ударных и в прекрасном драйвовом вокале. С 1:50 нашему вниманию предлагается очень приятная инструментальная часть с великолепной, нехарактерно нежной гитарой. Оставшееся время музыка мечется от бешеного ритма к полной гармонии. Ну а последние полминуты по традиции отданы на растерзание электронным звукам.
7) “Cicatriz ESP”. После слов “Do You Recall It’s Name” мы слышим великолепную слаженную игру бас-гитары и ударных. Вокал опять довольно спокоен. Гитара опять звучит откуда-то издалека. В таком ритме музыка держится до 1:30, когда внезапно наступает тишина и через несколько секунд слышится шум вертолета. Неожиданно музыка врывается смерчем, являя нашему вниманию припев, состоящий, однако, всего из 2-х слов (но когда вокалист действительно умеет петь, количество слов не имеет значения). После второго такого припева появляется недлинный инструментальный джем, в котором на лидирующие позиции постепенно выходит солирующая гитара. Музыкальная буря эффектно обрывается в 3:48, и теперь слышны негромкая гитарная игра и клавишные. ПОТРЯСАЮЩЕ! Живая Классика. Вышеуказанная инструментальная часть все также эффектно удаляется, уступаю место экспериментам. Последующие 3 с лишним минуты – сплошные электронные топи и хляби (но восхитительные в своей мрачной психоделичности!). С 9:10 незаметно подкрадываются уже знакомые нам латинские ритмы, сопровождаемые изящным гитарным соло, которое в этой песне, кстати, исполнил Джон Фрусцианте из RHCP. Музыка становится все более полифоничной… Около 11 с лишним минут возвращается первоначальный ритм. Финальный припев поражает своей вселенской эмоциональностью. Вот такая сверхъестественная и непредсказуемая музыка!
8) “The Apparatus Must Be Unearthed”. Жужжащие гитарные эффекты переходят в инструментальную какофонию, в которой гитара звучит 100% как у Фриппа в кримзоновской “21st Century Schizoid Man”. Музыкальное полотно вновь обнаруживает противоборство между безудержным драйвом и умиротворением. С 4:28 и до конца – проверка на прочность для слушателя: электронный авангард-нойз во всей красе.
9) “Televators”. Эта песня – как раз то, чего до этого не хватало этому альбому, а именно: концентрация медитативности и философской насыщенности. Баллада от The Mars Volta – это нечто, выполненная в стиле, похожем на Radiohead. Композиция начинается вроде бы с пения птиц и других атмосферных эффектов. Этим она и заканчивается. В середине же – игра акустической гитары, эмоциональный вокал и очень соответствующие характеру музыки ударные. Удивительно красиво.
10) “Take the Veil Cerpin Taxt”. Песня начинается с гитарного шума, а затем идет прекрасный классический хард-роковый ритм. Куплет представлен речитативом, припев как всегда эмоционален. В 2:10 мы можем слышать еще один короткий экспериментально-электронный фрагмент. После этого на фоне энергичной музыки мощные гитарные аккорды отзываются эхом и… наступает время эмбиента. К концу 4-ой минуты обретает силу гитарная игра, а в 4:11 музыка становится просто футуристически четкой, чему способствует необычайно выразительный бас. Черт, кажется, музыкальные темы, сменяются каждые полминуты! Около 4:58 наступает время околоджаз-рокового джема с уже знакомыми нам перкуссиями на последних 2-х минутах. Под конец мы опять слышим сумасшедший арт хард-рок.
* В альбоме нет коммерческой ориентации, это в основном трудный для восприятия среднестатического слушателя продукт. Но прошлое участников группы напоминает о себе, и мы слышим драйвовые ритмы, которые, однако, теперь неразрывно связаны с арт-рок исканиями, подчиняются им.
Отбросив эмоции, объективно: The Mars Volta - прогрессивное чудо, или King Crimson нового тысячелетия. И, наконец, обложка альбома – дело рук Сторма Торгерсона, прославленного artworker-а Pink Floyd. Преемственность, понимаешь ли… Гениально!!! |
| |
|
|
|
|
|
| Полноформатный дебют легендарной группы Tool. Как известно, этих американцев отличает наличие внушительных долей прогрессива в их музыке. Есть ли это в данном альбоме? Как будто нет, но группа уже подает надежды, ощущается их способность на что-то большее, чем просто альтернативный метал. Мне кажется, у Tool уже в этом альбоме есть какая-то изюминка, что-то, что приковывает к ним внимание и завораживает. Может быть, это минимализм, скупость использования музыкальных средств, возможно, драматический, довольно артистичный вокал или общая атмосфера тяжкой депрессии. Драмминг одного из лучших барабанщиков современности Дэни Кэри пока еще не вышел на должный уровень. Риффы Адама Джонса попахивают гранджем наподобие Soundgarden или Alice in Chains, с коими Tool можно сравнить в плане вокала. Голос Мэйнарда Джеймса Кинана вполне может быть назван запоминающимся, наряду, правда, еще с добрым десятком подобных харизматичных вокалов. И все же Tool более психоделичны и дерганы в своей музыке. Лирика, кстати, также подготавливает почву для становления феноменального поэта Кинана. Видео “Prison Sex”, между прочим, красноречиво говорит о странности творческого мышления этого коллектива. Кроме того, на «Undertow» можно услышать авангардно-шизофренический эксперимент “Disgustipated” продолжительностью в 15 минут, львиную долю времени (8 минут) в котором царит праведная (но не совсем чистая) тишина. Для очистки совести назову песни-хиты: “Prison Sex”, “Sober”, “Bottom” (с гест-вокалом матерого альтернативщика Генри Роллинза).
|
| |
|
|
|
|
|
| Genesis после ухода Питера Гэбриэла продолжают вчетвером. Дух прогресса еще не выветрился; об этом говорит, прежде всего, продолжительность композиций (практически все номера достигают 6 минут и более, за исключением заглавной “A Trick of the Tail”). На мой взгляд, Genesis стали походить на Yes в легкости подачи материала и в своеобразной экзотичности музыки. С музыкой все в порядке: Тони Бэнкс вновь начал играть в стиле альбомов ‘72-73 – более свободно, разнообразно; Стив Хэккетт более активен. Фил Коллинз замечательно спел, хотя он по-прежнему ассоциируется у меня исключительно с “Invisible Touch” и “I Can’t Dance”. А вот лирика… лирика попсова, и в ней нет той бездны интеллектуальности, которой отличались тексты Гэбриэла.
1) “Dance on a Volcano”. Довольно интересная музыка от помолодевшего душой состава группы. Прекрасно прописаны ударные и вокал, гитара Хэккетта, очень атмосферен меллотрон. Нет, надо признать, у ребят получается и без Гэбриэла. Музыка по-проговски непредсказуема, свежа, оригинальна и пока еще не попсова, хотя уже легка для прослушивания и немного игрушечна. Обращает на себя внимание резкое ускорение музыки около 4:20 и 4:50.
2) “Entangled”. Баллада, своим волшебством напоминающая незабвенную “Cinema Show”. В плане музыки это та же игра акустической гитары, что и в “More Fool Me” (и там Коллинз на вокале), только куда более гипнотическая. Ближе к концу в дело вступают космические клавишные или меллотрон, окончательно сгущая атмосферу песни.
3) “Squonk”. Прекрасное, гармонизирующее начало: размеренный ритм, спокойная гитара и неспешные ударные. Вскоре появляется вокал Коллинза, и я с грустью (потому что сожалею об уходе Гэбриэла) должен признать, что поет он очень и очень неплохо. Конечно, ему доступно значительно меньшее количество эмоциональных оттенков, тембров и т.д., но для Genesis образца 1976 года со своей ролью лидер-вокалиста он справляется превосходно. По мере развития песни музыка становится все эмоциональней и ярче. Заканчивается композиция небольшим инструментальным проигрышем, в котором ударные звучат в джазовом стиле.
4) “Mad Man Moon”. Начинается эта песня с короткого клавишного проигрыша, напоминающего флейту Гэбриэла. Грустная игра фортепьяно и печальный голос Коллинза (один их тех случаев, когда слышится именно его НАСТОЯЩИЙ голос). Около 2,5 минут Бэнкс радует очень приятным и продолжительным классическим соло на фортепьяно в стиле «Selling England…». В конце песни мы можем услышать тот же проигрыш, что и в начале. Данный номер можно внести в копилку золотых баллад Genesis.
5) “Robbery, Assault and Battery” начинается как какая-нибудь баллада, но уже спустя несколько секунд мы слышим интригующий вокал Коллинза на фоне незамысловатых клавишных и четко следующие ему ударные (или наоборот). Припев песни является не менее захватывающим, чем в “I Know What I Like in Your Wardrobe” и сопровождается запоминающимися партиями клавишных и гитары. После второго припева, с 2:35 - неожиданный поворот к клавишному соло Бэнкса, которое поражает своей импровизационностью и частыми выпадениями из ритма. Вскоре Бэнкс выходит из своеобразного музыкального тупика и играет более атмосферно при поддержке очень техничных ударных Коллинза. Затем после недолгой вокальной части вновь на первый план выходят выразительные клавишные Бэнкса. Еще один куплет, перекличка вокалов и торжественный финал.
6) “Ripples”. Еще одна песня, напоминающая “More Fool Me”, но раз в 10 более содержательная. Начинается она с довольно тривиальных проигрышей акустической гитары и тихого вокала, примерно через полминуты подключается фортепьяно, которое звучит все громче. После эмоционального припева опять звучит акустическая гитара и фортепьяно. После второго припева появляются классическое фортепьяно Бэнкса, очень печальная электрогитара Хэккетта и чуть позже меллотрон. Это меланхоличное трио через некоторое время поддерживают ударные, а через полторы минуты приходит пора заключительной вокальной части Коллинза.
7) “A Trick of the Tail”. Вот с таких песен и началась поп-эра Genesis. Мне кажется, что для Beatles это был бы прог, но для матерых арт-рокеров Genesis это, без сомнения, поп в чистом виде. Удивительно элементарная игра Бэнкса и попытка реабилитироваться с помощью каких-то невыразительных клавишных проигрышей в конце песни.
8) “Los Endos”. Заключительный инструментал. Вот такой композиции и не хватало Genesis. “Los Endos” наглядно показывает нам место Коллинза в королевстве драммеров. Абсолютная магия звука, молниеносные ударные и перкуссии Коллинза – все это очень впечатляет после строгого концептуального монументализма «The Lamb Lies Down on Broadway». Около 3:30 музыканты играют вступление к “Dance on a Volcano” а примерно через минуту эстафету подхватывает эмоциональная часть “Squonk”. С этим попурри альбом получает эффектное завершение, но конец, однако, вышел грустным…
Итог. Недостатки есть, но подобие «Selling England by the Pound» у музыкантов получилось (оба альбома достигли 3-ого места в Великобритании). Есть такая мысль: прогрессивным стержнем музыки группы был Стив Хэккетт, и с его уходом материал стал pop-oriented, а с уходом Гэбриэла Genesis потеряли только лишь лирическую глубину.
|
| |
|
|
|
|
|
| 1974 год подарил нам блестящую прог-задумку от Genesis, представляющую собой насыщенную экзистенциальным сюрреализмом историю о блужданиях персонажа по имени Раэль, чье имя прекрасно проанализировал выше Featus. Концепция прекрасно отработана, и мы можем на примере этого альбома увидеть всю мощь воображения и интеллекта вокалиста/флейтиста группы Питера Гэбриэла (практически его первый, так сказать, сольный проект). С музыкальной точки зрения альбом показал усиление влияния клавишной линии Тони Бэнкса и существенное сокращение солирующих партий Стива Хэккетта. Но в независимости от этого гением вокальных оттенков остается Питер Гэбриэл. Также прекрасно выглядят бас Майка Резерфорда и ударные Фила Коллинза.
1) “The Lamb Lies Down on Broadway”. Прекрасное начало для своеобразного детектива на метафизической основе. Фортепьяно обнаруживает усиления и ослабления звукового ряда, ударные энергичны, а вокал оптимистичен и зовет за собой. Лирика представляет хаос жизни околобродвейских окрестностей. В характере открывающего номера есть что-то от “In The Flesh?” Pink Floyd (наверное, монументальность).
2) “Fly on a Windshield”. Триумфальное вступление сменяется медитативной вещью с клавишным фоном и повествующе-размышляющим вокалом. Ближе к середине можно услышать очень приятные тихие гитарные проигрыши, которые придают музыкальному полотну еще больше загадочности. Коллинз здесь почему-то стучит очень громко.
3) “Broadway Melody of 1974”. Волшебство, похожее на тему из музыкальной шкатулки, продолжительностью около 30 секунд, созданное при помощи меллотрона. Слова этой песни по-прежнему относят к предыдущему номеру, и я также следую устоявшейся индексации.
4) “Cuckoo Cocoon”. Очень спокойная песня с завораживающими гитарными переборами, фортепьянными вкраплениями и ненавязчивой флейтой.
5) “In The Cage”. Наконец-то, что-то внушительное по длительности и динамичности. Тревожный ритм баса, нагнетение атмосферы и… центральная музыкальная фраза клавишных тревожит душу и беспокоит воображение. Очень эффектно всплывает в середине клавишная импровизация (в духе «Selling England…»), вслед за ней гитарные аккорды Хэккетта, а затем опять главный тревожный мотив. Вокал отражает непредсказуемость самой музыки. Заканчивается композиция тихим и нечетким инструменталом, где слышатся клавишные, гитара и флейта.
6) “The Grand Parade of Lifeless Packaging”. Шепчущий вокал Гэбриэла постепенно обретает силу так же, как и музыка. Действительно, парад, но игрушечный и, как и следовало ожидать, полон абсурда.
7) “Back in N.Y.C.”. Отличный переход, прямо как наступление нового дня. Клавишная мелодия кажется настолько знакомой, что, держу пари, ее не раз передирали в 80-х представители «новой волны». Вокал здесь грубоват и болезненно эмоционален, а когда Питер поет о дикобразе, то это просто японская игрушка какая-то…
8) “Hairless Heart”. Данный инструментал очень любопытен, если знать, какую анатомическую операцию он сопровождает – столь удивительно романтический опус получился…
9) “Counting out Time”. Хард-рок экспансия не так часта на этом альбоме, но эта песня не только самая жесткая, но и самая легкомысленная. Вокал Гэбриэла задорен, а игрушечные звуки так и вовсе уносят далеко от острого драматизма истории Раэля.
10) “Carpet Crawlers”. Моя любимая композиция на первом диске. Умиротворяющие переливы клавишных и гармоничные вокальные партии создают превосходную релаксирующую атмосферу. “We've got to get in to get out” – эти вновь и вновь повторяемые слова передают ощущение бесконечности.
11) “The Chamber of 32 Doors”. Ностальгически солирующая гитара Хэккетта и, естественно, разнообразный вокал Гэбриэла придают этой вещи особенно глубокий драматизм. Ситуация нахождения перед множеством дверей напрямую восходит к Ф.Кафке (в частности, «Процесс», «Замок»), да и вообще блуждания главного героя альбома очень напоминают метания персонажей этого неординарного писателя. На этом архетипическом, одном из КЛЮЧЕВЫХ в мировой художественной культуре, моментов первая часть «The Lamb Lies Down on Broadway» заканчивается.
12) “Lilywhite Lilith”. Удивительная смена настроения, доходящая в моих глазах до нонсенса. Ни с того, ни с сего, после “The Chamber of 32 Doors”, товарищи заиграли необыкновенно легкую и веселую музыку в духе The Beatles.
13) “The Waiting Room”. Примечательно, что порядковый номер этого инструментала – 13. Звон колокольчиков, шорохи, скрипы, утробные завывания баскервильских собаки кошек – все чудесно скомпоновано и со знанием дела погружает в таинственную атмосферу. Не менее эффектен и переход инструментального хаоса в инструментальную мистерию со здоровым композиционным началом.
14) “Anyway”. Одна из жемчужин альбома. Песня с запоминающимся вокалом, драматическим фортепьяно и, наконец, гипертрофированно эмоциональным гитарным соло Хэккетта. Сейчас такой музыки уже почти не делают…
15) “Here Comes the Supernatural Anaesthetist”. Песня-успокоение после эмоционального взрыва. Яркая гитарная работа Хэккетта, ну а так – ничего особенного.
16) “The Lamia”. Спокойное фортепьяно, иногда возвышающийся в своей эмоциональности вокал. После некоторого затишья с 3-ей минуты фортепьянные проигрыши становятся совсем меланхоличными.
17) “Silent Sorrow in Empty Boats”. Данный реквием по монументальности сравним разве только что с “The Great Gig in the Sky” Pink Floyd. Вся мощь музыки небесной канцелярии. Хочу заметить, что на этом альбоме Genesis несколько углубились в «space rock» (благодаря ИНнОвациям Брайана Ино).
18) “The Colony of Slipperman”. Очень оригинальная трехчастная вещь, вобравшая в себя всю театральную мощь Genesis и Гэбриэла в частности. Здесь есть и экзотическое вступление, и великолепная игра вокалов, и интересное музыкальное развитие.
19) “The Ravine”. А вот это чистый эмбиент, представляющий собой оглушительную тишину, скрашиваемую очистительным свистом ветра и акустическими образами морских волн. Думаю, что-то подобное можно через морскую раковину услышать.
20) “The Light Dies Down on Broadway”. С первых секунд звучания этой песни невозможно угадать, что это своеобразное продолжение заглавной композиции, но уже не настолько напряженное.
21) “Riding The Scree”. Интересный ритм, клавишные упражнения Бэнкса, напоминающие “The Cinema Show”. Ближе к концу музыка почти смолкает, но неожиданно вспыхивает с новой силой.
22) “In the Rapids”. Не очень запоминающаяся песня, но ее, как говорится, вытягивает болезненный вокал Гэбриэла.
23) “It”. Парадоксальная во всем (начиная с названия и заканчивая настроением музыки) песня; так сказать «тайна при полном свете». Музыка открыта и бесхитростна, название лаконичное и простое, а вопросов к развязке этой истории бесчисленное множество.
Подведем итог. Альбом cтал, без сомнения, глыбой прогрессивного рока, однако различные категории слушателей очень противоречат друг другу в его оценке. Материала представлено много, и каждый, наверное, найдет немало слабых мест (как и в случае с «The Wall»), но в то же время это и своеобразный пик творчества Genesis – достаточно послушать “In the Cage”, “Anyway”, “Carpet Crawlers”…
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1973 году многие прог-музыканты выпустили (Genesis, Pink Floyd) или хотя бы попытались выпустить (Yes) свои самые удачные пластинки. В случае с попытавшимися, следует заметить, что грандиозные по форме проекты не всегда наполняются великолепным содержанием. Это могло произойти и с ELP, однако они достойно выдержали это испытание и не вышли за границы хорошего вкуса. Содержание «Brain Salad Surgery» довольно эклектично, но это мы могли наблюдать и в предыдущих их работах.
1) “Jerusalem”. Среди прогрессивных групп существовала некая традиция начинать альбом с торжественных гимнов. «Brain Salad Surgery» в этом плане тоже не исключение. Ближайший аналог этой песни в творчестве самих ELP – песня “The Only Way (Hymn)” с альбома «Tarkus». Стихи Уильяма Блэйка, музыка некого сэра Перри. Исполнено, естественно, силами трио Emerson, Lake & Palmer – это неизменно. Остается в сотый раз отметить, что Эмерсон – виртуоз классического органа и что голос Лэйка все-таки лучше подходит к более скромным лирическим вещам. Впрочем, пафосность начала вполне обоснованна – ведь в конце нас ждет великий «злой» эпик!
2) “Toccata”. Как мне кажется, такое короткое название для этого инструментала неприемлемо, ведь он столько в себя вобрал! Это обработка фортепьянного концерта #1, опус 28, аргентинца Альберто Джинастеры. Версия ELP получилась совершенно дикой и не поддающейся разумному истолкованию. Мне как-то пришла в голову мысль, что на создание этой музыки Эмерсона и компанию мог подвигнуть только Дьявол (В точку! Именно слово “Diabolic” произнес первоначальный автор при прослушивании творения наших героев, несомненно, одобряя их опыт). Да, это кошмар, замешанный на жестком авангарде, и крайне тяжелая для восприятия музыка. Клавишные Эмерсона своими ужасающими звуками представляют явную угрозу, в то время как перкуссии Палмера – скрытую, таинственную (поэтому среднюю часть композиции (4:00-5:00) можно запросто принять в качестве саундтрека к классическому английскому детективу). Кстати, Палмер здесь также использовал синтезированную перкуссию. Настоятельно рекомендую особенно внимательно отнестись и к промежутку 5:10-6:10 - мы с моим другом охарактеризовали это как «психоделический брэйкбит» (такую футуристическую зарисовку, казалось, возможно было бы получить только на пороге XXI века).
3) “Still...You Turn Me On”. Вовремя появляющаяся лирическая баллада от Грэга Лэйка. Приятно вновь прочувствовать прелесть умеренной и непомпезной музыки. Гитарный мотив, появляющийся в части припева, очень напоминает манеру Хендрикса (его любимые эффекты).
4) “Benny The Bouncer” – новая страница в комическо-песенном творчестве ELP. Это очередная стилизация, теперь уж окончательно в салунном стиле. Тут приходит на ум много чего – рэгтайм, скиффл, хонки-тонк… ELP догоняют Битлз по числу воссозданий культурно-музыкальных колоритов.
5) “Karn Evil 9”. Это самая грандиозная проделка ELP в деле прогрессивного удлинения композиций. Удивительно, но этот трек не кажется затянутым и слушается, что называется, на одном дыхании. Динамичность музыки и чуть ли не каждосекундная (ну, слегка преувеличил) смена музыкальных тем в течение такого количества времени – эти параметры не имеют, наверное, аналогов в музыке, и при этом все чрезвычайно гармонично и целостно.
1st Impression – самая яркая часть по воздействию на органы слуха и воображение. Это, как мне кажется, самый дерзкий проект ELP по объединению молниеносных клавишных проигрышей, ритмически дополнительно подогревающих музыку ударных и воодушевляющего вокала. Вторая часть этого «впечатления» начинается с 8:40 с текучих звуков клавишных и оптимистического голоса Лэйка, вещающего знаковые слова: “Welcome Back My Friends to the Show that Never Ends…”. С этого момента перед нами формы музыкально-циркового искусства, чему подтверждением служит зазывающий вокал Лэйка.
2nd Impression. Брэйк в лучших традициях джазового искусства ударных и затем пальцы рук Эмерсона скользят по клавишам фортепьяно, как всегда, с приятной скоростью. После этой восхитительной дани уважения формам импровизационного джаза следует самба-подобный южный мотив, напоминающий по звучанию такой экзотический вид перкуссии, как «steel drums». Неожиданно возвращаются джазовые фортепьянные вариации, на этот раз вконец умиротворенно-классические. Некоторое время спустя фортепьяно вновь набирает силу и динамическую окраску, при этом кажется, что ударные Палмера немного проигрывают ему в скорости.
3rd Impression. Мы слышим воинственные звуки ударных и величественные клавишные Эмерсона – 3 часть! – Торжественный пафос вновь украшает ландшафты «Карна». Очень здорово звучат крики Лэйка на фоне воздушных клавишных Эмерсона. Перекличка вокала Лэйка с голосом робота имеет опять же вселенский характер.
Итак, репутацию этому альбому ELP создала, конечно же, последняя композиция, по сравнению с которой весь остальной материал, кроме, пожалуй, “Toccata”, бледнеет. Поэтому, если быть объективным, 10 здесь не набирается. Тем не менее, это шедевр, озарение.
|
| |
|
|
|
![[]](/img/user-center-pan1.jpg){kind=small}
Дядя
