Мажорно. Очень жизнерадостная музыка, от которой прямо исходят лучи жаркого солнца, чувствуется общий гедонистический настрой. Да и что можно ожидать от альбома с такой наивной зеленой обложкой? После коммерческого успеха «Fragile» Yes выпускают этот альбом, носящий многообещающее название «Close to the Edge». Нет, здесь музыканты еще держат себя в руках: альбом из 3-х песен на 40 минут. А ведь потом будет альбом из 4-х композиций на 80 минут (двойной «Tales from Topographic Oceans»), альбом из … композиций на 130 минут (двойной живой «Yessongs»). Но музыканты могут себе это позволить. Yes – группа с приставкой «супер», ибо в ней заняты такие личности… Каждый участник группы числится в негласном списке лучших инструменталистов (Рик Уэйкмэн делит первенство с Китом Эмерсоном в области клавишных; Билл Бруфорд – из числа самых техничных барабанщиков; Крис Сквайр – один из лучших рок-басистов; Стив Хоу – далеко не последний гитарист; Джон Андерсон, может, и не очень харизматичен, но поет прекрасно).
1) “Close to the Edge” (“The Solid Time of Change”, “Total Mass Retain”, “I Get Up, I Get Down”, “Seasons of Man”) – классический эпик прогрессивного рока. Начинается он с пения птиц и шума ручья или даже водопада (в духе пейзажных зарисовок пост-уотерского Pink Floyd. Ср. “Cluster One” с «Division Bell»). Звучание композиции, как мне кажется, выдержано в рамках джаз-рока (напоминает инструментальные вещи Хендрикса). Сразу хочется сказать, что целостность музыкального полотна не особенно заметна. Стив Хоу выдает заковыристые гитарные проигрыши, которые, как справедливо замечают многие, носят самосозерцательный характер, как, впрочем, и соло Уэйкмана. Объединяющим началом музыки служит скорее вокал. Он невыразимо радует своей легкостью для восприятия и оптимистическим наполнением. Ритм-секция в вокальных частях этой песни, по моему мнению, восходит корнями к характерным музыкальным размерам Ямайки. Вообще создается впечатление, что этот номер, давший название альбому, имеет совершенно определенный колорит – сам характер музыки и, к тому же, зеленая обложка диска вызывают в воображении законченный образ рая. Самая созерцательная часть начинается с середины 8-ой минуты трека. Yes приберегли для этого момента свой главный козырь – клавишное соло Уэйкмана. Но оно будет позже, а пока музыканты умело подготавливают почву. В умиротворенную обстановку гармонично вплетается тихий вокал Андерсона. Постепенно его слова “I Get Up, I Get Down” начинают звучать все более ярко и эмоционально. На пике наконец появляется долгожданный орган Уэйкмана, играющий в чисто баховском стиле. Постепенно одинокое органное соло обрастает разнообразными клавишными оттенками. Сразу же при поддержке подключившейся ритм-секции Рик также солирует, но уже в более непосредственном стиле. Следует возврат к основной теме с вокалом, уже тотально жизнеутверждающим. Заканчивается эта 18-минутная композиция тем же пейзажем, с которого и началась.
2) “And You and You” Начинается эта 4-х частная вещь с кротких гитарных аккордов мечтательного настроя; вскоре подключаются ударные Бруфорда, которые задают композиции какой-то необычный ритм, а Хоу играет уже нечто традиционное. Как обычно, необычайно приятен вокал Андерсона, в т.ч. и в припеве (“Cord of Life”). В следующей части (“Eclipse”) мы можем слышать симфоническое пробуждение – Уэйкмэн выходит из спячки и играет очень возвышенно и колоритно. Часть “Preacher and the Teacher”, как мне кажется, получилась несколько сумбурной, ибо в вокальную часть довольно грубо врываются клавишные. Также Уэйкмэн здесь повторяет свое соло из второй части. Четвертая часть под названием “Apocalypse” заканчивается, не успев начаться – Андерсон поет здесь лишь один куплет.
3) “Siberian Khatru”. Виртуозный гитарный проигрыш, бесспорно, абсолютно в духе Хендрикса. Услышав следующую сразу за ним музыку, я поймал себя на мысли, что это один из тех случаев, когда живущая в памяти и подсознании мелодия наконец-то получает конкретное авторское воплощение и паспортизируется. Очередная музыкальная тема, появляющаяся в течение первой минуты, напоминает мне что-то из ледзеппелиновского «Houses of the Holy» (возможно, “The Crunge”). Вообще я убежден, что музыканты LZ под копирку сняли эмоциональный настрой этого альбома в своей вышеназванной работе 1973 года. Стоит упомянуть замечательное гитарное соло Хоу, но оно, возражу Featus-у, далеко не в духе Хендрикса. Абсолютно неудобоваримый хаос, коим заканчивается композиция, несколько портит впечатление от нее.
Что ж, очень самобытный альбом с совершенно невероятным количеством позитива. Особенно хорошо диск пошел бы после дума или брутал-дэта. Я бы описал все это тремя словами – свет, краски, экзотика…

Blackknot  29 окт 2005

Camel – более либеральный вариант прогрессивного рока, чем, скажем, King Crimson. Это симфо-рок умеренной театральности и неуемной энергии. Второй LP Camel «Mirage» - это 5 композиций, выполненных в их узнаваемом стиле.
Альбом начинается с энергичного номера “Freefall”. Это один из тех случаев, когда название песни точно отражает ее музыкальное содержание. Мы стремительно несемся куда-то (или взаправду падаем, как снег), и это наше безудержное движение наиболее полно передает солирующая гитара. Вокал, к сожалению, подкачал: довольно заурядное пение Латимера что-то не очень эмоционально. В общем-то, неплохое начало для альбома, но чего-то не хватает.
Второй трек – чудесный инструментал “Supertwister”. Чем-то (может быть, своей воздушностью) он мне напоминает гениальные темы Эннио Морриконе. Флейта звучит восхитительно: мягко и умиротворенно. Каждый раз, когда слушаю эту композицию, мне представляется пруд с плавающими лебедями, утками и, главное, гусями: результат навязчивых ассоциаций с альбомом группы 1975 года.
“Nimrodel – The Procession – The White Rider”. З части этой композиции кажутся совсем не связанными между собой, но сами по себе чрезвычайно интересны. Начинается эта сборная музыкальная тема с чарующих клавишных звуков явно космического (я бы даже сказал ностальгирующе-космического) оттенка. Затем идет отдающий этникой пассаж в духе рыцарских турниров, где на первый план опять же выходит флейта. После этого музыканты переходят к “Белому всаднику”. Очень лирично и грустно. Хотелось бы отметить мечтательный вокал Энди Латимера. Инструментальная часть, в которую срывается композиция на исходе 3-ей минуты, радует уже сложившимся тандемом клавишных и гитарных соло. Ближе к концу музыка несколько психоделизируется и космизируется. Вообще Толкиен здесь есть, но, простите великодушно, его нет в моей голове.
“Earthrise”. Этот инструментал поначалу не обещает нам какого-либо коренного перелома настроения. Загадочное название “Earthrise”, как я предполагаю, выражает великолепие земной жизни (естественно, не в урбанистическом ее проявлении). Ускорение темы где-то в районе двух с лишним минут, видимо, и обозначает сам процесс «восхода земли». Гитарное соло наложено реверсом: видимо Энди решил, что это будет максимально нетривиально.
Абсолютно согласен с тем, что “Lady Fantasy” – лучшая композиция альбома. Прежде всего, она идеально сочетает в себе настоящую хард-роковую энергетику и необычайно проникновенные лирические пассажи. Лирика посвящена неуловимой, но видимой Леди Фантазии, к которой стремится лирический герой. Музыка очень интересна и притягивает своей неувядающей энергией. Впечатляет некоторое затишье, намечающееся с середины 6-ой минуты, которое затем, после вокальной части, перейдет в мощнейшую инструментальную эстафету. Этот инструментальный всплеск придаст невинной любовной теме звучание глобального масштаба. Гитара Латимера звучит жестко и очень дерзко (для того времени). Далее по традиции солируют клавишные, и это создает прекрасную полифонию. Как несложно догадаться, эта трехчастная (“Encounter”; “Smiles for You”; “Lady Fantasy”) тема имеет циклический характер.
Обложка этого диска Camel не кажется мне безыдейной; наоборот, в таком сближении группы с областью рекламы кроется остроумие и намек на технику поп-арта. Вот только с музыкой она, жаль, не связана…
Насколько я знаю, этот великолепный альбом Camel чаще всего недооценивают. И зря. Прогрессивный рок должен быть разным… Может быть, музыка Camel не несет в себе претензию на шедевральность, но на уровне содержания все безукоризненно.

Blackknot  22 окт 2005

Van Der Graaf Generator – группа даже для прогрессивного рока во многом непонятная, поскольку радикальные решения налицо (в т.ч. явный разрыв с традицией классической музыки). Этот альбом – увлекательное путешествие в тайный мир этого коллектива, где все подчиняется совершенно другим, отличным от общепринятых, законам. Атмосфера необыкновенная. Правда, стоит заметить, что добиться этого для грандов арт-рока – раз плюнуть. Сама музыка порой резка и непривычна, а иногда – очень красива и лирична (прямо рифма пробудилась). Специфический стиль Генератора я бы определил как нечто среднее между King Crimson и Pink Floyd. Последних я привел здесь как эталон психоделии, а в «Pawn Hearts» таковые веяния, несомненно, присутствуют. Яркий и ни на кого не похожий вокал Питера Хэммилла и вездесущий саксофон Дэйвида Джексона – неизменные атрибуты стиля Van Der Graaf Generator-а. Постойте, будет преступлением не сказать также и о мультиинструменталисте Хью Бэнтоне и не отметить блестящие барабанные партии Гая Эванса (Фриппа из King Crimson я здесь практически не слышу). Худо-бедно постараюсь обрисовать содержание диска.
1) Первая композиция – “Lemmings” – сразу настраивает на то, что это не солнечный и светлый альбом, а квинтэссенция dark-progressive с соответствующим настроением и шизофреническими элементами, иллюстрирующими безумную лирику. Уже с первых секунд, когда мы впервые слышим голос Хэммилла, можно понять, что этот человек - не просто заурядный вокалист; он живет тем, о чем поет. Текст песни крайне апокалиптичен; Хэммилл рисует очень мрачную картину мира и задается вопросом: что еще остается, кроме как умереть? Однако к концу наступает заметное просветление: все-таки стоит жить и пытаться спастись. Основная тема этой композиции в соединении с вокалом напомнила мне психоделически-сказочные мотивы музыки Pink Floyd барретовского периода (конечно же, сам Баррет был апатичным вокалистом, чего о центральном голосе VDGG не скажешь). Саксофон звучит в космическом стиле, после короткой психоделической встряски нам представляют уже другую странную мелодию, в которой роль первой скрипки опять играет саксофон (намеренный каламбур). Где-то в этой области можно также услышать хаотичную игру на фортепьяно. Потом нам опять предлагают первую музыкальную тему. Нет, нет, все это прекрасно слушается и нисколько не утомляет! Окончание этой 11,5-минутной композиции отмечено удивительной по своему качеству психоделической атмосферой - здесь группа ни в чем не уступает корифеям жанра.
2) Вторая пьеса “Man-Erg” начинается очень спокойно, однако вскоре звучат слова Хэммилла; он поет, что внутри него скрывается убийца, и это, естественно, не может не отражаться на музыке: она буквально просыпается, чтобы с максимальной точностью донести состояние лирического героя. Все относительно спокойно до конца 2-ой минуты, когда нас настигают резкие звуки саксофона, и начинается жесткая авангардная инструментальная часть, которая постепенно замедляется до сверхнизких скоростей. Слова песни в этой части отражают душевную нестабильность лирического героя (мягко сказано – Хэммилл выкрикивает: “Как я могу быть свободен? Кто мне поможет? Действительно ли это я? Или это кто-то другой?"). Далее опять звучит очень спокойная музыка с тихим вокалом Хэммилла, вскоре просыпается восхитительный саксофон Джексона. В следующей за этим вокальной части голос Хэммилла еще более эмоционален. В самом конце композиции возвращается тот самый авангард-кошмар, что мы слышали раньше, но заканчивается все благополучно.
3) “A Plague of Lighthouse Keepers” (“Eyewitness”; “Pictures/Lighthouse”; “Eyewitness”; ‘S.H.M’.”; “The Presence of the Night”; “Kosmos Tours”; “(Custard's) Last Stand’; “The Clot Thickens”; “Land's End (Sineline); “We Go Now”). Это очень мрачная, меланхолическая композиция классической продолжительности (23 мин.) с причудливым сочетанием различных музыкальных тем. В основе своей музыка медитативна (что поддерживается органом и саксофоном), но порой приобретает героический настрой. Однако, на мой взгляд, самые блистательные моменты этого опуса – маршевые фрагменты с совершенно безумной энергетикой. От Van Der Graaf Generator стоит ждать эклектики: их музыкальные идеи самобытны и непредсказуемы (можно услышать даже ритмы ска). В этой песне столько всего, что ее нужно послушать, наверное, около 2-х десятков раз, чтобы свободно ориентироваться в ее пространстве. О лирической основе этой композиции смотрите выше – все уже рассказано до нас. Скажу только, что “A Plague of Lighthouse Keepers” при своей монументальности – уже наполовину рок-опера.
Отдельно необходимо отметить тексты (они достойны быть прочитанными) и обложку (она достойна быть увиденной).
Этот альбом целостен, но непрост для восприятия, однако стоит того, чтобы потратить на него время (в попытках прояснить феномен Van Der Graaf Generator в рамках арт-рока). Вообще для восприятия его есть 2 возможных состояния – созерцание и осмысление (рецензия написана в большей степени в 1-ом). Шедевр неадекватных состояний!

Blackknot  22 окт 2005

В первых строках своей рецензии мне хотелось бы привести одну цитату из небезысвестной книги Джереми Паскаля «The Illustrated History of Rock Music», вышедшей в 1978 году. “В 1969 году…на британскую сцену ворвалась, без единого сингла, группа King Crimson - благодаря полному слуховых фейерверков альбому «In the Court of the Crimson King»…”. Это на самом деле новаторский, до мозга костей прогрессивный альбом, но непреходящая ценность его не в диком буйстве красок и неуловимости оттенков, а в математически выверенной гармонии и мудрой красоте.
Первая же композиция, “21st Century Schizoid Man”, дает нам возможность оценить сумасшедшую энергетику и превосходное владение инструментами участников King Crimson. Здесь принцип гармонии как раз нарушается; это очень эклектичная вещь: на первый план выходят сливающиеся воедино гитара и саксофон, а в середине – головокружительный джем (потрясающая техника!), а затем – возврат к основной теме. Возможно, их провидческий дар не заслуживает бурных оваций, но нестабильность и хаос в мире 21-ого века они предугадали блестяще.
Второй номер – “I Talk to the Wind” - приходится очень к месту: слушателю необходимо успокоиться и расслабиться, а звучание этой восхитительной песни способно привести к гармонии все сущее. После ужасного урбанистического опуса “21st Century Schizoid Man” нужно перенестись в мир покоя и безглагольности, чему способствует очень нежная мелодия флейты и неспешный ритм. Если в предыдущей композиции условно доминировал тревожный красный цвет – боль, страдание, хаос, то здесь так и возникает в воображении зеленый – цвет жизни и надежды.
Третья композиция “Epitaph” продолжает линию предыдущей песни, но с другим вектором – это эпитафия, и эта пеcня призывает скорбить вместе с лирическим героем, проникнуться его болью и страхом перед будущим. От вневременного райского забытья нас снова переносит в ужасный мир…
“Moonchild”. Вот это и называется «перемудрили». Это предельно тихая, призывающая к созерцанию вещь на протяжении всех 12 минут грозится вылиться во что-нибудь оригинальное, но дальше каких-то отдельных зачатков мелодии, барабанных перестуков и перезвонов дело не заходит. Живо представляю себе организацию пространства: бескрайний зеленый луг вдали от цивилизации, освещаемый полной луной. Как заполнитель места на альбоме этот номер очень хорошо подходит, нельзя сказать, что он совсем уж плох.
Пятая композиция “In the Court of the Crimson King” следует, судя по названию, воспринимать как манифест группы. Небесные гармонии и характер звучания этой замечательной песни до боли напомнили Pink Floyd ‘1973. Яркая особенность ее – она периодически заканчивается, чтобы начаться снова.
Упомяну также то, без чего эта группа потеряла бы свое лицо: гитара легендарной прог-фигуры Роберт Фриппа, филигранный, т.е. эмоционально отточенный вокал Грэга Лэйка, меллотрон, флейта и сложнейшие ритмические рисунки ударника Майкла Джайлза – гармоническое единство идеальных (со всех точек зрения) элементов.
В концептуальном смысле о King Crimson ничего сказать не могу: связать музыкальные темы этого альбома с личностью монарха XIII века для меня дело непосильное. Обложка альбома – одна из самых эмоционально острых и запоминающихся в рок-музыке.
Эпохальный альбом – самые истоки прогрессивного искусства!

Blackknot  15 окт 2005

Прослушав «The Pros and Cons of Hitch Hiking», я ужаснулся, когда представил, что вот этот самый материал мог оказаться на месте «Стены» и перенять у нее всю славу. В сущности это вылитый «The Final Cut», со звуковыми эффектами в стиле «The Wall». Но если альбом Pink Floyd 1979 года можно с полным правом назвать шедевром, а диск того же PF 1983 года – очень достойной работой, то «The Pros and Cons…» Уотерса - довольно слабый вариант двух вышеназванных пластинок, сделанный с заметным уклоном в джаз. Основные минусы этого диска известны всем – это излишняя словоохотливость Роджера и скупое использование, собственно, музыкальных средств. К плюсам с уверенностью можно отнести присутствие на альбоме гитарного мастера Эрика Клэптона, однако Уотерс и здесь нам подсобил со своими лирическими монологами – развернуться маэстро не дали. Второй аргумент в пользу этого диска – очень сильные соло на саксофоне Дэйвида Санборна (одного из бесчисленных приглашенных музыкантов), но их, опять же, кот наплакал. Наконец, мне нравится вокал Уотерса: он способен переходить от одной крайности к другой (предельно тихий шепот и полный драматизма высокий вокал). Звук хороший, типично пинкфлойдовский, особенно это касается ударных. Хочется выделить какие-то песни, но это очень нелегко сделать: строгая номинация композиций по временным промежуткам удивительным образом обезличила и сами песни (что для Уотерса к этому времени уже не в новинку). Все же отмечу такие номера, как “4-33 AM (Running Shoes)”, “4-41 AM (Sexual Revolution)”, “5-06 AM (Every Stranger's Eyes)” и, конечно же, “5-01 AM (The Pros and Cons of Hitch Hiking, Part 10)” c превалирующим значением хора и блестящим гитарным соло Клэптона.
Что касается концепции, тут нужно отдать Уотерсу должное - он, как всегда, оригинален, а его замысел самобытен. Вообще же - это достаточно интересный альбом, если воспринимать его исключительно в качестве саундтрека, только слушать это творение желательно поздно вечером – больше шансов «въехать», и при этом не вспоминать о двух схожих альбомах Флойд. Ничего и не изменилось (кроме закоса в джаз), самоплагиат во всей красе (например, реминисценции из «Стены» (In the Flesh) в “4-58 AM (Dunroamin, Duncarin, Dunlivin)” – около 2:50). Но копирование авторитетных альбомов не может быть провальным…

Blackknot  15 окт 2005

Это второй альбом Хендрикса в 1967 году, но ему не удалось повторить успех предшественника, хотя сам по себе «Axis: Bold as Love» очень любопытен. Психоделия в основной своей массе куда-то подевалась (правда, воспоминание о ней заключено в интро “EXP”, затрагивающем тему космических пришельцев, и еще в одной экспериментальной вещице). Хендрикс перешел к более традиционному звучанию (язык не поворачивается сказать «коммерциализировался»), но по-прежнему ни на кого не похож. Мелодические находки, которыми буквально кишит этот альбом, свидетельствуют о том, что Джими не сидел сложа руки (да и некогда ему было). По сравнению с дебютным «Are You Experienced?», хитроумных риффов на «Axis» стало больше. Отмечу самые интересные, на мой взыскательный взгляд, композиции. “Spanish Castle Magic”. Сказать, что эта вещь звучит мощно – значит, ничего не сказать. Она просто крушит все вокруг своими тяжеленными, не побоюсь этого слова, хэви-металическими риффами. Такие песни, как “Wait Until Tomorrow”, “You Got Me Floatin’”, “Ain’t No Telling”, “She’s So Fine” демонстрируют все возрастающую роль бэк-вокала – это плюс, так как он чуть-чуть оттеняет харизматичного лидера группы (меньше абсолютизма, больше демократизма). Самая сильная вещь альбома – блюзовая баллада “Little Wing” с лучшим, на мой взгляд, вокалом Хендрикса за всю его карьеру и очень эмоциональным гитарным соло. Худшие номера – “EXP” и “If 6 Was 9”: цирк сгорел – клоуны не разбежались (зачем здесь тлеющие угольки психоделии?).
В целом, альбом – утверждение мастерства Jimi Hendrix Experience, той легкости и спонтанности, с какой Хендрикс и его группа создают музыку. Этот диск наименее яркий из трех официальных студийных пластинок Джими, но его можно считать вехой на пути к гениальному двойному «Electric Ladyland». Кстати, журналист «Rolling Stone» назвал этот альбом Jimi Hendrix Experience “лучшим вуду-альбомом из всех когда-либо созданных”.

Blackknot  15 окт 2005

После очень разнообразного в музыкальном отношении дебютного альбома ELP, видимо, задались целью сотворить нечто, выдержанное в одном ключе. Результатом этой недолгой работы стал «Tarkus».
“Eruption”. Эта тема сразу открывает перед нами горизонты предстоящих событий саги о Таркусе, а именно: обещает нам интересное путешествие в море синтезированных клавишных Эмерсона и компании.
“Stones of Years” – это уже песня. Голос Лэйка звучит очень грустно, и отражает безвозвратно утерянное время, промахи главного героя повествования. Между вокальной частью в начале и в конце композиции орган Эмерсона как бы интерпретирует слова песни своим особым, заумным языком.
“Iconoclast” – инструментал, построенный на тревожных клавишных и интенсивных ударных; ближе к концу тема звучит на удивление легко.
“Mass”. Эта композиция, хоть и проста в начале, но становится чрезвычайно запутанной уже к середине. Стоит заметить, что в ней в первый раз (в «Tarkus»-е) появляется гитара.
“Manticore” – это номер, иллюстрирующий битву. Для этого у него есть все возможности: быстрая и виртуозная игра Эмерсона и такая же Палмера.
“Battlefield”, на мой взгляд, лучший фрагмент в этого опуса. Наконец-то здесь мы слышим полноценное гитарное соло (очень напоминает манеру Дэвида Гилмора). Данная тема прекрасно иллюстрирует поле битвы после окончания схватки – покой и умиротворение.
“Aquatarkus”. Начинается этот инструментал так, как будто он не связан с повествовательной линией «Tarkus», но постепенно мы начинаем различать драмминг Палмера, выполнный в милитаристском стиле. После удара гонга начинается повторение первой темы альбома – и такое возвращение очень эффектно.
Вторая часть альбома меня искренне расстраивает. Мне кажется, что более подходящее название для данного диска «Tarkus and 6 Other Compositions», так как zвся цельность здесь заканчивается уже на седьмом номере. Нет, я вовсе не хочу сказать, что надо было растягивать основную тему до 30-35 минут, но то, что предлагают Эмерсон, Лэйк и Палмер на второй стороне лично меня как-то не впечатляет. Эти композиции неплохи, но как-то не вписываются в настроение диска, создают какой-то дискомфорт при прослушивании. Возможно, проблема в том, что вокала слишком много (вообще-то это нехарактерно для ELP) – из всех шести номеров его нет только в “Infinite Space (Conclusion)”! Это, на мой взгляд, одна из лучших композиций второй части альбома. Также очень удалась ребятам стилизация под Чака Берри (Литтл Ричарда, Джерри Ли Льюиса и т.д.) под источающим веселье названием “Are You Ready, Eddy?”.
Не знаю почему, но считаю этот альбом наименее удачным из первых трех. В свете этого поставить больше 8 совесть не позволяет.

Blackknot   8 окт 2005

Люди добрые! Да меня убить мало за такое отношение к дебютному альбому-шедевру ELP. Я прозрел: здесь нет абсолютно никаких недостатков. Идеальный альбом арт-рока.
“The Barbarian” – это образчик совершенного старта для прог-альбома (наряду с “21st Century Schizoid Man” King Crimson). Виртуозность Кита Эмерсона не передать словами – он мастерски демонстрирует нам отточенные до блеска клавишные спринты, а Палмер ближе к концу просто сокрушает все вокруг своим ударным искусством. Эта тема крайне разнообразна и удовлетворит самый взыскательный вкус.
“Take a Peeble” – композиция, исполненная романтики. Лэйк демонстрирует свои совершенные вокальные данные, и это звучит также потрясающе и внушительно, как на дебютном альбоме King Crimson, но только здесь все намного оптимистичнее. Интересно звучит акустическая гитара, сопровождаемая хлопками, где-то на 5-ой минуте – настрой здесь какой-то фолковый. После фортепианного проигрыша идет инструментальная часть, имеющая джазовый оттенок. Заканчивается все возвратом к начальной теме с вокалом.
“Knife-Edge” – песня, обладающая мгновенно запоминающейся мелодикой и интересной лирикой. Эмерсон опять-таки балует нас клавишным соло в классическом стиле.
“The Three Fates” – это сама классика, неизменно вызывающая в моем воображении памятники искусства прошлых веков. Орган звучит настолько в духе великого Баха, что создается впечатление, что играет его дух, вызванный с помощью спиритизма. Такую идеально структурированную 3-х частную вещь как эта еще поискать: все фрагменты в высшей степени органично сочетаются; музыкальная логика этой вещи сводится к движению от строгой классицистической традиции к модернистическому эклектизму XX века. Кстати, заканчивается все гротескным ударом по мозгам, что закономерно.
“Tank” – композиция, ненавязчиво предлагающая оценить технику одного из лучших барабанщиков рок-музыки Карла Палмера. Слушая этот вихрь барабанных партий, я представляю как минимум пять барабанщиков, играющих в одно и то же время – такова мощь этого вала звука. Мой любимый трек из всех, демонстрирующих искусство ударника.
“Lucky Man” – ностальгическая баллада Грэга Лэйка, заканчивающая альбом не на суровой, академической ноте, а на гуманистической и близкой. На самом деле, она делает альбом более законченным (как я недавно понял).
Обложка альбома имеет тонкий метафорический оттенок.
Вывод. Лучший альбом Emerson, Lake & Palmer: наиболее органичный и в то же время разноплановый. Шедевр консерваторской закалки.

Blackknot   8 окт 2005

Dire Straits – группа очень скромная и тихая. Такова в основном и их музыка – это умеренность во всем. 80-е годы не очень-то богаты отличными классическими рок-альбомами, но и здесь есть исключения. «Brothers in Arms» имел большой коммерческий успех по всему миру, и в этом случае толпа не прогадала. Половина песен здесь – 100% хиты. Это “Money for Nothing” с одним из самых известных гитарных риффов в истории рока, ставшая #1 в США. Это энергичная, жизнерадостная “Walk of Life”, мгновенно наполняющая оптимизмом и любовью к этой самой жизни. Это и романтический шедевр “Your Latest Trick” c божественным саксофоном, с которым может сравниться только Candy Dulfer (“Lily Was Here”) и проникновенным вокалом Марка Нопфлера. Это и “So Far Away”, также отвечающая романтическому настроению. Песни 5-8 уже не такие хитовые, но их великолепная атмосфера как нельзя лучше располагает к созерцанию и рефлексии. Заключительную песню “Brothers in Arms” мне все же хочется назвать лучшей – грустная блюзовая гитара Нопфлера позволяет достичь самых дальних душевных глубин.
В итоге получился один из лучших альбомов погрязшего в нью-вэйве и охваченного хэви-металом десятилетия. Любопытная деталь: «Brothers in Arms» очень близок по духу работе возрожденного Pink Floyd «A Momentary Lapse of Reason». Не думаю, что последние способны на копирование; скорее всего, это примета времени...

Blackknot   8 окт 2005

Третий альбом Black Sabbath оказался не хуже предшественника. Ребята не собираются сдавать позиции на тяжелой сцене. Самокопирования здесь нет, музыканты продолжают поддерживать относительное разнообразие материала: медленные, думо-подобные композиции (“Sweet Leaf”, “Lord of This World”, “Into the Void”), впрочем, довольно быстрые в инструментальных проигрышах, и драйвовые, стремительные номера (“Children of the Grave” и “After Forever”). Также мне здесь очень нравится компиляция – каждый трек на своем месте. Так, 2 акустических инструментала служат превосходной разрядкой между напряженными композициями со злободневной тематикой. Очень яркое место в альбоме – медитативная “Solitude” (я бы охарактеризовал ее как “Planet Caravan 2”).
Категорически не согласен с предыдущим рецензентом – этот альбом Black Sabbath не является менее запоминающимся, чем «Paranoid». Например, “Children of the Grave”, на мой взгляд, не уступит в харизматичности и эпохальности самым «золотым» хитам с предыдущего диска.
Общий вердикт: уже после первых трех альбомов Black Sabbath можно было выпускать «greatest hits».

Blackknot   7 окт 2005

«Paranoid» - один из знаковых альбомов рок-музыки. Не слышать этого – значит не иметь представления о том, «откуда есть пошла земля хэви-метал». Открывает «Paranoid» легендарный трек “War Pigs” (так и альбом должен был называться) с отличным риффингом и энергичными ударными партиями. В отличие от большинства антивоенных песен эпохи «all you need is love», этот гимн отличается жесткостью и категоричностью (что и понятно – уже 70-е на дворе). Заглавная композиция «Paranoid» - еще одна легенда. Без этой убойной песни вообще сложно представить себе жанр тяжелой музыки. Третья вещь с альбома носит загадочное название “Planet Caravan”; она отлично разбавляет жесткость предыдущих двух номеров, а ударные Уорда и таинственные, чарующие звуки неизвестного мне происхождения, придают ей экзотический оттенок. “Iron Man” – еще один шедевр на все времена. А уж рифф этой песни давно имеет мультиплатиновый статус! Где-то в середине этого трека музыканты выдают инструментальный проход (это станет традицией) на повышенной (для Black Sabbath) скорости, и, конечно, звучит классическое соло Айомми. “Electric Funeral” – наименее любимый мною трек альбома. Он развивает тематику предыдущей песни, но мелодика его такова, что вызывает ассоциации размазывания каши по тарелке. “Hand of Doom” и “Fairies Wear Boots” (последняя песня, так сказать, инспирирована нелицеприятной встречей с группой скинхедов) представляют собой отличные примеры того, как надо заканчивать альбом – первоклассные риффы, прекрасная энергетика. “Rat Salad” – звездный час Билла Уорда, его персональный “Moby Dick” (кстати, соответствующая композиция Led Zeppelin также появилась на втором альбоме группы, который вышел в том же году, что и предыдущий).
Вот это уже с чистой совестью можно назвать шедевром. Да, забыл сказать об обложке – выскакивающий из леса дядька с мечом изображен с психоделичеким уклоном – что и есть лучшее выражение параноидальности.

Blackknot   7 окт 2005

Знаете, что самое замечательное в дебютном альбоме Black Sabbath? А то, что кто-то скажет, что с него начался просто металлизированный хард-рок, кто-то – хэви-метал, кто-то почувствует дум, ну а самые смелые могут предположить блэк-метал. На мой взгляд, Black Sabbath можно назвать основоположниками тяжелого метала с большей долей вероятности, чем, скажем, Deep Purple или Led Zeppelin.
Первая же песня Black Sabbath с альбома «Black Sabbath» под все тем же названием “Black Sabbath” служит своего рода манифестом группы и сразу же намечает основные характеристики ее звучания – до предела тяжелые и немелодичные риффовые структуры, вязкий гитарный звук и апокалиптическая атмосфера мрака и безысходности. Что тут сказать? Культовая, монументальная композиция, которая превосходно создает вышеуказанное настроение – иными словами, саундтрек к Страшному Суду. Я бы даже памятник поставил в честь Black Sabbath за эту песню: настолько удачным получилось воплощение средоточия холода и мрака. Вторая композиция, “The Wizard”, совершенно не соответствует настроению первой – большей частью веселый хэви-метал с элементами фолка (что и делает его веселым) и неунывающим голосом Оззи Осборна. В “Behind the Wall of Sleep” мне больше всего нравится название; в музыкальном плане она довольно примитивна. “N.I.B.” начинается нехарактерным для большинства произведений рок-музыки соло бас-гитары. Рифф этой песни – простота, возведенная в куб, но, тем не менее, звучит убийственно и, главное, жизнерадостно и оптимистически! (особенно в том месте, когда Тони Айомми исполняет соло). “Evil Woman” – еще один резвый боевичок и еще один замечательный рифф Айомми. Вступление к “Sleeping Village”, носящее тупое название “A Bit of Finger”, ненадолго возвращает нас к настроению первого номера; собственно, “Спящая деревня” представляет собой, как мне кажется, не самый удачный трек альбома: как-то не пойму, что музыканты хотели выразить ею. Застывшая гитара в самом конце “Sleeping Village” переносит нас на бескрайние просторы седьмой композиции – затянутой, но не совсем скучной “Warning”, еще одной кавер-версии (до этого была еще “Evil Woman”).
Именно последние две композиции и заставляют меня, наверное, снизить оценку этому альбому. Да и вообще… на шедевр как-то не тянет (за исключением первой композиции): оригинальных музыкальных ходов и некоторой целостности еще очень не хватает. Если поставлю 10 «Black Sabbath», то что же я буду ставить «Paranoid» и «Master of Reality»?

Blackknot   7 окт 2005

Kraftwerk, по моему глубочайшему убеждению, никак нельзя отнести к так называемому easy listening. Слушать эту музыку довольно трудно. Автоматизированные эмоции немецких грандов краут-рока как-то давят на сознание и в этом, наверное, и есть миссия феномена Kraftwerk – угрожать человеку плодами его же собственного интеллекта. Впрочем, не они последние были сконцентрированы на этой теме. Костяк альбома составляет 22-минутная композиция “Autobahn”, которая интересно развивается в течение этого времени: иногда забываешь, что находишься на автостраде, и кажется, что у машины выросли крылья, и тебя уносит в космические дали. Зачем музыканты добавили к этой гремучей смеси технологически холодных и более гармоничных, мажорных звучаний подобие вокала мне совершенно непонятно. Вторая и третья композиции – это уже, собственно, космос. Первая часть “Kometenmelodie” не особо разнообразна в музыкальном плане, но на эмоциональном уровне ярко отражает ожидание приближения кометы. Зато вторая часть – это просто радуга электронных звуков (однако, что-то здесь есть наивное и детское). Четвертой композицией “Mitternacht” музыканты попытались создать устрашающую картину полночи, и наполнили ее различными стуками и эхо-эффектами, напоминающими шаги и капание воды – звучит поистине жутко. Освобождение от ночных галлюцинаций приходит с наступлением утра – в писках радиоприемников, изображающих пение птиц, видимо, и заключен особый юмор Kraftwerk. Музыку с технической стороны мне описывать очень трудно – синтезаторы, синтезаторы и еще раз синтезаторы. Несмотря на местами очень невыразительный музыкальный пейзаж, альбом очень хороший: некоторая монотонность в этой музыке неизбежна.

Blackknot   2 окт 2005

«Meddle» - альбом очень неоднородный. На нем обитают 2 однозначных шедевра – первая и последняя песни. “One of These Days” – лучший инструментал Pink Floyd за всю его историю. Звуки метели, открывающие его, создают выразительно-холодную атмосферу, а пульсирующий бас и вовсе поселяют в сердце тревогу. Особая прелесть этой композиции заключается в том, что она не дает готового сценария для воображения, а слова Мэйсона лишь придают ей дополнительный таинственный смысл.
Следующие за этим 3 песни играют особую роль – они позволят слушателям успокоиться после эмоциональной бури первого номера. Каждая следующая композиция все более снижает качество атмосферы: если после медитативной “A Pillow of Winds” (какое название!) еще можно представить, что вскоре мы унесемся исследовать время и пространство на волнах “Echoes”, то уж после “San Tropez” и тем более “Seamus” кажется, что момент безвозвратно упущен. Я полностью поддерживаю где-то услышанную мною точку зрения, что песню-шутку с (если можно так выразиться) вокалом пса Шимуса флойды вставили в альбом перед последней композицией намеренно с тем, чтобы создать своеобразный контраст (или, вернее, интригу).
Ну и напоследок, монументальный до предела прогрессив-столп “Echoes”. Это чрезвычайно продуманная и идеально структурированная вещь, в которой можно услышать и блюз, и психоделику, и эмбиент. Первоначальное название этой метафизической “space-rock” композиции – “Return of the Son of Nothing”. Конструировали ее битый месяц январь в легендарной Эбби-роуд, а записывали в июле 1971-ого года и уже при помощи 16-дорожечных магнитофонов. За музыкальные идеи отвечали Гилмор и Райт, а за построение всего, что они изобрели – Уотерс (вообще большой концептуалист) и Мэйсон – надо отдать им должное: все части идеально подогнаны друг к другу. Эту композицию, вобравшую в себя вселенские масштабы, можно долго и интересно описывать, но единственный способ вникнуть в нее – внимательно и сосредоточенно прослушать (и желательно не один десяток раз). На мой взгляд, текст этой песни – лучшее, что создал Уотерс до 1973 года.
Обложку диска я бы описал как непритязательно-замысловатую. Недостатков в этом альбоме Pink Floyd не наблюдается, за исключением несколько неуклюжей “Fearless”, но для общего впечатления это несущественно.

Blackknot   2 окт 2005

Первый альбом величайшего гитариста-виртуоза всех времен (и его группы) носит гордое название «Are You Experienced?». Гений вопрошает нас, опытны ли мы. Его же подкованность и профессионализм не оставляют сомнений уже, я думаю, тогда, когда мы взираем на обложку альбома, имеющую кислотный вид. Уже здесь Джими показал себя талантливым художником (в широком смысле слова) и трюкачом; он узнаваем, но способен создавать непохожие друг на друга композиции. Я бы выделил 3 направления его творчества: классический рок, блюз, психоделия. Этот альбом был прославлен такими хитами, как “Hey Joe”, “Purple Haze”, “Foxey Lady”, “Fire”… Из остальных номеров я хотел бы отметить две волшебные лирические песни “May This Be Love” и “The Wind Cries Mary”. Титульная композиция “Are You Experienced?” своими фишками очень и очень напоминает мне битловскую “Tomorrow Never Knows”. В “Stone Free” отмечу интересный ритм, звучащий, как тиканье часов. Наконец, одна из моих любимых композиций на этом альбоме - “Highway Chile” радует запоминающимся риффом и отличным гитарным соло (коих в альбоме и так много). Целых 17 треков на пластинке – это показатель необычайной креативности и неиссякаемого творческого потенциала.
На первых порах я сомневался в вокальных умениях Джими, но затем понял: это не просто гитарист, это артист с большой буквы: все очень цельно и органично.
Мастерство Хендрикса в плане гитарной работы, конечно, не обсуждается. Но стоит заметить, что в его команду попали очень сильные музыканты – барабанщик Митч Митчелл и басист Ноэль Рэддинг. Как свидетельство прекрасной слаженности работы этой команды особенно рекомендую психоделический опус “Third Stone from the Sun”, который, видимо, следует рассматривать как инструментал.
У «Are You Experienced?» только один минус – некоторая грубоватость материала и его реализации.
В заключение хочу сказать, что данный альбом вобрал в себя наиболее характерные черты звучания того времени. У Хендрикса тогда был только один конкурент – группа Cream с Эриком Клэптоном на гитаре. Очень сильный дебют!

Blackknot   1 окт 2005

Это, пожалуй, мой самый любимый альбом Led Zeppelin. Музыкантам было трудно делать что-либо после безымянного шедевра (он же «Led Zeppelin IV», «Four Symbols», «Zoso»), и они выдали очень солнечный и энергетически ценный альбом «Houses of the Holy». Канитель с классицистически строгими названиями альбомов, как видно, закончилась.
Как мне кажется, значение этого альбома заключается в том, что Зеппелины не пошли по пути концептуализации творчества (а то мытарства с обложками могли означать и переход к этому) и остались, прежде всего, повелителями музыки, а не повелителями текста (как говорится, каждому свое). Новаторского и принципиально нового на «Houses of the Holy» вроде нет (однако, традиция создания эпических композиций, по-моему, восходит именно к этому альбому), но качество материала выше всяких похвал. Этот альбом всей своей атмосферой передает возрожденческие идеалы: ценность познания, стремление обогатить жизненный опыт приключениями. Прежде всего, это отражено в “The Song Remains the Same” и в примыкающей к ней “The Rain Song”, где Плант переходит уже к более глубокому изучению феномена любовного чувства и связывает эмоции с соответствующими временами года. И в “Over the Hills and Far Away” под жизнеутверждающий хард-рок Плант поет, что живет для мечты и судьба множество раз преподносила ему сюрпризы. Что-то похожее мы можем услышать и в “Dancing Days”. В песнях “The Crunge” и “D’yer Mak’er” четко прослеживается тенденция к пародированию и вообще к клоунаде – думается, что ничего радостнее рэгги-ориентированной “D’yer Mak’er” придумать просто нельзя. Череду легких для восприятия и оптимистических по содержанию песен прерывает очень красивый опус под названием “No Quarter”. Эта композиция несет в себе какой-то таинственный, мистический смысл, что подчеркивается буквально всеми музыкальными средствами (а особенно – гипнотическими клавишными и гитарой). Заключительная песня “The Ocean” возвращает нас к преобладающему настроению альбома посредством оригинального риффа Пэйджа (что-то в нем напоминает мне “Kashmir”) и яркой игры всех музыкантов.
Я заметил одну любопытную деталь – бас Джона Пола Джонса теперь как-то выдвигается на первый план, чего вроде раньше не было (и клавишные, кажется, не отстают).
Обложка альбома как никогда полно отражает его музыкальное содержание. Честно говоря, мне хотелось бы, чтобы этот альбом Led Zeppelin носил название “The Song Remains the Same” – это было бы справедливо.
Что ж, ребята из “Свинцового дирижабля” позволили себе расслабиться, но вреда их репутации это не принесло. Всем бы такого отдыха и таких успехов!

Blackknot  25 сен 2005

«Led Zeppelin III» традиционно считают самым слабым альбомом из всех четырех self-titled-ов. Инспирированные сельской природой Северного Уэльса, эти песни, может быть, не столь ярки, как хиты первых двух пластинок, но очень милы и самобытны. “Immigrant Song” – прекрасное начало для такого альбома; она несет в себе какой-то таинственный посыл. Настроение «Led Zeppelin III» скорее грустное, но изредка проскакивают и мажорные нотки.
Жемчужина альбома – восхитительный блюз “Since I’ve Been Loving You”. Этот альбом нужно приобрести уже потому, что на нем есть эта песня с неподражаемой гитарной работой Пэйджа и душещипательным пением Планта. Впрочем, что я говорю? Эта команда берет не только и не столько мастерством отдельных музыкантов, сколько исполнительским уровнем всех участников группы; звучание – монолит. Очень драйвовой и запоминающейся получилась “Out on the Tiles”. Некоторые вещи имеют ярко выраженный фольклорный оттенок, как, например, “Gallows Pole” и “Bron-Y-Aur-Stomp”.
Что кажется мне примечательным в этом альбоме, он воссоздает какой-то особый географический и исторический колорит посредством своих композиций. При прослушивании большинства песен легко представить, как музыканты Led Zeppelin играют это или на сельском сходе, или вдали от цивилизации, сидя пред костром.
Все прекрасно, но пора сказать и о неприятном. Заключительный трек альбома имеет кривое, не сулящее ничего хорошего, название “Hats off to (Roy) Harper”. Сомневаюсь, что люди в здравом уме согласились бы одним таким экспериментом испортить впечатление от всего диска: на ребят снизошло что-то, но точно не благодать.
Об обложке диска тоже ничего хорошего сказать не могу – как-то поверхностно, скорее больше подошло бы для “Houses of the Holy”.

Blackknot  25 сен 2005

Второй альбом Led Zeppelin многие считают лучшим хард-рок альбомом в истории. Открывает его супер-хит “Whole Lotta Love”. Никак не могу понять, в чем прелесть этой песни, но цепляет она здорово, и даже спустя 36 лет звучит очень современно (актуальность же обещания дарить всю полноту любви бесспорна). Вообще, весь альбом насыщен композициями с отличными, запоминающимися риффами – помимо “Whole Lotta Love”, это “Heartbreaker”, “The Lemon Song”, “Bring It On Home”, “Moby Dick”. Джимми Пэйдж держит пальму первенства в области риффовой креативности, у другого мастера по этой части - Тони Айомми - музыкальные идеи более примитивны. “Moby Dick” – композиция, демонстрирующая ударное мастерство Джона Бонэма (таких инструменталов у Led Zeppelin до обидного мало). Возможно, это и не самый лучший drum performance в истории рока, но в нем ярко выражен индивидуально-творческий подход и сама личность Бонэма. Кстати, особенно впечатляет версия этой композиции в фильме «The Song Remains The Same». Веселая и легкомысленная песенка “Living Loving Maid (She's Just A Woman)”, по-видимому, продолжает линию “Communication Breakdown” c предыдущего альбома.
Композиции с этого диска, в целом, очень разнообразны (что вообще будет свойственно Led Zeppelin в дальнейшем).
Вот таким и должен быть хард-рок: в меру тяжелым, в меру веселым, в меру романтичным. Это второй альбом группы в 1969 году - работоспособность у ребят потрясающая…«Led Zeppelin II» не похож на предшественника: здесь уже хард-рок пережевывает остатки блюза (но жевать будет еще очень долго!), и это уже несомненный ПРОГРЕСС!

Blackknot  25 сен 2005

Первый альбом “Свинцового дирижабля” кажется мне довольно неровным. Первое, на чем останавливается внимание, это наличие тягучих блюзовых вещей. Если “I Can’t Quit You Baby” звучит интересно, то слушать, как Роберта Планта трясут целую ночь (“You Shook Me”) несколько скучновато (над лирикой стоило потрудиться, да и перекличка вокала Планта и гитары напоминает клоунаду). К невыразительным номерам также хочется отнести и “Good Times Bad Times”. Хард-рок боевик “Communication Breakdown”, в противоположность вышеупомянутой композиции слушается легко и, действительно, заряжает энергией. Помимо этой песни, здесь присутствуют изумительные вещи “Babe I’m Gonna Leave You” и “Dazed and Confused”, которые берут за душу и заставляют сопереживать лирическому герою. “Dazed and Confused” – визитная карточка Led Zeppelin раннего периода и, наверное, моя самая любимая песня группы (конечно же, наряду со “Stairway to Heaven”). Басовая линия, при всей своей незамысловатости, великолепна, вокал Планта необычайно эмоционален, Пэйдж выдает виртуозные запилы на своей гитаре (кстати, здесь он использует смычок, что позволяет ему извлекать из инструмента загадочные, потусторонние звуки – эта же фишка использована в заключительной “How Many More Times”), ну а Бонэм, как обычно, просто гений ритма. О других опусах диска распространяться не хочется. Да, обложка по-своему изящна и легендарна.
Итог. За поистине незабываемые песни под номерами 2, 4, 7, 9 – однозначная десятка, остальное до уровня этих хитов-глыб явно не дотягивает.

Blackknot  22 сен 2005

«Ummagumma» - наиболее яркий пример деятельности Pink Floyd на поприще экспериментаторства. Формат двойного альбома позволяет доказать, что: 1)Психоделическое искусство – искусство динамики, поэтому наиболее оптимальный вариант восприятия его – живое выступление; 2) Студийная работа предоставляет возможность творить совершенно невозможные вещи и моментально фиксировать удачные находки, которые, в конечном счете кристаллизируются в законченное музыкальное (или не очень музыкальное) полотно.
Концертные версии ранних опусов, несомненно, лучше своих оригиналов. В них очень хорошо явлена тяга к импровизации. Вещи более интересны в плане атмосферности, их продолжительность увеличена, но это ни в коей мере не утомляет. Музыка несет в себе уже не только ярко выраженный космический дух, отмечается тенденция концептуально приземлить ее, наполнить каким-то земным мистицизмом. Первые две композиции звучат особенно эффектно за счет мощной гитарной игры Гилмора, особенно “Careful with That Axe, Eugene”. А уж душераздирающий нечеловеческий вопль Уотерса примерно в начале 3-й минуты этого мрачного инструментала любого заставит потерять душевное равновесие (Примечание: как только не варьировали название этой композиции: и “Come in Number 51, Your Time is up” , и “Beset by Creatures of the Deep”, но оригинальное название вне конкуренции). “Set the Controls for the Heart of the Sun”, которая вгоняла меня в сон на альбоме 68-ого года исполнена здесь просто потрясающе: мне не хватает слов, чтобы описать таинственное, гипнотизирующее звучание ударных Мэйсона и клавишных Райта.
“A Saucerful Secrets” представляет собой синтез всех предыдущих достижений группы (неистовая психоделия и потрясающе эмоциональный вокал в последней части) и отлично завершает первый диск.
Студийная часть открывается “Sysyphus” Ричарда Райта. В этой композиции в первой части мы слышим тревожные синтезаторные звуки, вторая часть начинается с игры на фортепиано (в начале нечто классическое, затем резкий авангард), третья часть – попросту какофония, а четвертая – ложная гармония и последующий возврат к начальной теме.
Роджер Уотерс отличился сразу двумя номерами. Странно, но ни в одном из них он не демонстрирует своего мастерства в области бас-гитары, что было бы довольно логично, т.к. в композициях остальных музыкантов роль первой скрипки все же играет их персональный инструмент (рискну предположить, что он все же довольно слабый басист).
Зато уж в заигрывании со звуковыми эффектами ему нет равных! Чего стоят одно только пение птиц и жужжание мухи в идиллической “Grantchester Meadows”. Что до “Several Species…” , то это, на мой взгляд, самый нелепый звуковой коллаж всех времен и народов (это комплимент, если кто не понял). Экзерсисы Дэйвида Гилмора понятны мне меньше всего: в первой части своей “The Narrow Way” он играет на акустической гитаре, которую сопровождают какие-то уж слишком навязчивые звуковые эффекты, вторая часть отмечена тяжеловесным гитарным ритмическим рисунком, который постепенно сходит на нет, уступая место космическим завываниям, и, наконец, в заключительной части появляется вокал, и эта музыка освобождает наши уши от груза последних минут. Ник Мэйсон представил на суд слушателей пьесу под странным названием “The Grand Vizier’s Garden Party”. Наиболее точное определение этой музыки – «вымученная». Конечно, Мэйсон не найдет себе места в первой десятки лучших рок-барабанщиков, но в его “Вечеринке” перкуссионный минимализм пришелся очень к месту, а атмосферность – 100 % (надеюсь, в моих суждениях нет «кричащих» противоречий). Единственное, что смущает - это несомненно красивая флейта в первой и третьей частях: хоть режьте меня, но она тут нужна как от мертвого осла уши.
Обложка альбома - одна из лучших в творческом активе Сторма Торгесона. «Ummagumma» является одни из примеров творчества Pink Floyd того периода, когда группа оказалась на распутье, и не знала, в какую сторону двигаться.
Несмотря на то, что репутация диска основана на “Live” части, студийные мытарства ее не портят. Наберусь смелости показаться ненормальным и поставлю десятку.

Blackknot  18 сен 2005

“Pictures at an Exhibition” – это просто филигранная концертная работа. Превосходная сыгранность, отличный звук и ощущение сопричастности к музыкальной вакханалии! Эмерсон здесь просто в ударе, впрочем, как и остальные музыканты этого трио. Классика облачена в футуристические музыкальные формы и, вследствие этого, существенно помолодела.
Из наиболее удачных вещей отметил бы “The Gnome”, “The Hut of Baba Yaga”, акустическую балладу “The Sage” и торжественную “The Great Gates of Kiev”, где голос Лэйка просто неподражаем. ELP очень тонко уловили наиболее яркие черты музыки русского классика (таинственность, некую помпезность) и даже усилили их. Самая экспериментальная вещь альбома - “The Old Castle”, с визжащим звуком а-ля сдувающийся шарик, тут ребята немного переборщили.
На бис исполнена переработка Чайковского “Nut Rocker” (по аналогии с “Nutcracker”) – очень веселая и заводная композиция, напоминающая (извините за нелепое сравнение) главную тему «Буратино».
Огромное спасибо Модесту Петровичу Мусоргскому за такой исходный материал, а ELP за вдохновенные и изобретательные импровизации на тему. Опять хотел поставить десятку (живой альбом все-таки!), но поймал себя на мысли, что товарищи рецензенты правы – 9. Жду бесспорной шедевральности от ELP в лице “Tarkus” и “Brain Salad Surgery”.

Blackknot  17 сен 2005

Emerson, Lake & Palmer я услышал уже после долгого увлечения Pink Floyd. Дебютный альбом трио буквально поразил меня мастерством всех музыкантов. Первая тема “The Barbarian” сразу настраивает на восприятие сложных инструментальных ходов и неожиданных смен темпа. Уже при прослушивании этой композиции становится ясно, что среди клавишников равных Киту Эмерсону в рок-музыке нет (Я очень удивился, когда узнал, что первые аккорды “Варвара” не гитарного, а синтезаторного происхождения). “Take a Peeble” порадовал великолепным вокалом Грэга Лэйка (а ведь это такая редкость). “Knife Edge” звучит как-то легкомысленно, по сравнению с предыдущими вещами, но это однозначный хит (ближе к концу Эмерсон выдает нечто неоклассическое). “The Three Fates” – очень разнообразная тема: 1) монументальность, величественность дворцовых / клерикальных церемоний - орган; 2) возрождение классики – соло на фортепиано; 3) неукротимая инструментальная канитель. “Tank” – название этой композиции мне непонятно, ибо здесь нет ничего тяжелого и громоподобного. Синтезатор неумолимо напоминает зарисовки к ранней советской научной фантастике, но гвоздь программы – великолепная работа на ударных Карла Палмера. Я бы назвал его игру интеллектуальным барабанным забоем. Со скоростью и четкостью, которую он здесь демонстрирует, сравнится, пожалуй, только игра Кита Муна в “Cobwebs and Strange”. Баллада Лэйка очень мила и простодушна, но и здесь не обошлось без прог-элементов. Рискуя навлечь на себя гнев истинных поклонников ELP, заявлю, что песня “Lucky Man” здесь лишняя (что-то не очень вписывается она в новаторский характер альбома).
В итоге, могу отметить в музыке коллектива следующее: в рамках одной пьесы они умудряются органично сочетать различные фрагменты, демонстрирующие техническое совершенство клавишных (Эмерсон), ураганные барабанные партии (Палмер), лирический настрой (Лэйк).
Поставлю-ка я 9 (хотя временами тянет на 10) – и наоборот.

Blackknot  16 сен 2005

Богом забытый, но чертовски хороший альбом. Затишье перед шедевром, или генеральная репетиция перед ним, но…совершенно лишенная монументальности и прочих атрибутов «Темной стороны луны» (да и фильм Барбета Шродера - далеко не шедевр).
Пинк Флойд решили показать себя способными делать искренний рок-н-ролл. Весь альбом можно описать путем сравнения с одной песней – “San Tropez” c «Meddle». Это та же мягкость и изысканность при внешней простоте.
Первые две темы прямо-таки тянет записать в научно-фантастические: уж слишком электронно и как-то даже бездушно они звучат. Зато потом все по-человечески просто и доходчиво. Pink Floyd на удивление преуспели в сочинении бодрых хард-роковых песен, к которым относятся “The Gold It’s in the…” и “Free Four”. Гитарная работа Гилмора в них, при всей своей индивидуальности, напоминает мне игру Джимми Пейджа.
Стоит отметить очень эмоциональный инструментал под названием “Mudmen”, а также гилморовскую “Childhood’s End”, с проникновенным гитарным соло.
На «Obscured by Clouds» все еще сохраняется демократизм: Уотерс на равных работает, как с Гилмором, так и с Райтом.
Особенно распространяться не приходится. Незамысловатая и очень душевная получилась в этот раз у флойдов музыка. Что лишний раз доказывает, что талант - он и без технических наворотов талант. Тем более что записана эта пластинка почти что всего за неделю (у Led Zeppelin и быстрее бывало – но они на первых порах не брезговали кражей чужих идей). Еще одна заслуга альбома – он имел более внушительный успех в США, чем предыдущие (добрался до 46-ого места, в то время как c «Atom Heart Mother” Pink Floyd достигли лишь 55-ого).
«Obscured by Clouds» вышел в июне 1972 года, фильм-концерт «Live at Pompeii» - в сентябре; этот год был также годом работы над «Dark Side of the Moon» - когда музыканты успевали все это делать?

Blackknot  11 сен 2005

Третий альбом Pink Floyd – первый из проектов группы, обслуживающих кинофильмы. Как и все другие кинополотна этой эпохи, фильм - чепуха из жизни одурманенных хиппи. Музыка иногда лирична и содержательна, иногда пуста и безыдейна. Флойды занялись изготовлением музыки к кино и, как следствие, не обошлось без так называемых треков-заполнителей. Появились песни, параллельно развивающие, по сути, одну и ту же музыкальную тему. Так, “The Nile Song” с мощным вокалом Гилмора и тяжелым гитарным соло а-ля Тони Айомми, имеет более мягкий и мелодичный вариант – “Ibiza Bar”. Дальше приводить примеры сего явления не буду – оно и так слишком бросается в глаза (т.е. в уши). Жемчужины этого альбома – песни пасторально-идиллического настроения: “Cirrus Minor”, c всепоглощающим звуком органа и пением птиц, и “Green is the Colour”, звучание которых – воплощенная гармония. Невозмутимо-спокойные “The Crying Song” и “Cymbaline” заставляют задуматься о чем-то приятном, и в то же время являются прекрасной прелюдией ко сну, но лирика Уотерса как всегда злободневна.
Очень интересна композиция “Up the Khyber”, в которой Мэйсон играет в том же стиле, что и в “Set the Controls for the Heart of the Sun”, а Райт дает знать о себе резкими вспышками клавишных (что-то похожее можно услышать у Эмерсона, Лэйка и Палмера).
Музыкальные зарисовки “Party Sequence” и “A Spanish Piece” отличаются тягой к экзотике (ну и как же без этого – ведь Ибица).
В целом, содержание альбома так же дисгармонично, как и жизнь изображаемых в фильме Барбета Шродера героев. Психоделическая инструменталка “Quicksilver”, как мне кажется, вообще не предназначена для прослушивания в адекватном состоянии.
Обложка “More” – психоделически озвученный кадр из фильма, где герой борется с ветряной мельницей (прямо Дон Кихот какой-то) – не очень оригинальна, но довольно эффектна.
Как саундтрек – это довольно хорошая работа. Проблема в том, что кинематографическое бытие определяет музыкальное сознание (а фильмы конца 60-х – начала 70-х, вроде «Забриски пойнт» - это, прямо скажем, образец того, каким не должен быть хороший фильм). На “More” хватает хороших песен, но назвать их яркими и запоминающимися язык не поворачивается. Повторюсь: 7 из 10.

Blackknot  10 сен 2005