|
|
 |
|
| В последнее время явление Peste Noire – в эстетическом смысле, конечно, всегда бывшее больным – стало подавать признаки хвори действительной: Фамин проявляет интерес к событиям на стороне, вовсю бороздит просторы Незалежной, снимает гангста-блэк-клипы, а из наших колонок доносятся ароматы сала и горилки… и возникла потребность появиться новым героям французского «Сопротивления». На эту роль вполне себе годятся идеологические смутьяны Baise Ma Hache с на самом деле невиданно здоровой идеологической платформой. Так же, как в их интервью нет ерничания и демонстративного отказа от простых объяснений, в музыке они также не стремятся всех обхитрить. На фоне развращающего стилистической вседозволенностью и фривольными образами подхода Фамина эта команда предпочитает утверждать ускользающие традиционные ценности, нежели заниматься троллингом деградирующего общества, и помогают ей в этом традиции музыкальные.
Альбом наших сегодняшних героев довольно каноничен. Все приметы пышного стиля налицо: воинственный маршевый перестук, хоровые зачины, звуки с поля брани, лирические акустические прелюдии, грозные симфонические увертюры... Baise Ma Hache периода «F.E.R.T» мастерят цельный идеологический текст. Комбинация живого и «публицистического» вокалов обеспечивает донесение информации не только как бы с баррикад, но также и осмысленную более глубоко, исторически. Безотлагательность мессаджа бесспорна. Неназойливо вводятся и приметы сочувствия команды старине, антиурбанизм: склонность к натуре французы деликатно признают в фолковом трэке "Traité du rebelle". Уши KPN вылезают здесь и в романтическом соучастии виолончели в судьбе гармонии в финале альбома, а также прорезаются сквозь дисторшен в заглавном трэке. В плоскости противостояния иллюзий и печальной данности, признаются ребята, и рождается каждый раз их творчество с гордо реющим стягом. Напором и страстью воскрешая в памяти лучшие образцы национального и националистского блэка Seigneur Voland или Kristallnacht, BMH налетают на нас грозным десантом, вооружившись триумфальными и одновременно меланхолическими мелодиями John-а, голоса Thorwald-а и новоприбывшего рекрута RMS Hreidmarr-а (Anorexia Nervosa, The CNK), дают валу звука верный импульс движения: только вперед, ни шагу назад. Меня смущает только первый и самый протяженный номер альбома, до времени французы ввернули ищущий, размытый в структуре и неоднозначный трэк, ему было бы самое место в финале или хотя бы в середине диска. Хиты (а кто сказал, что они не нужны, когда каждый трэк напрашивается быть агит-листовкой) материализуются каждый раз опосля декламационной интерлюдии: “Insociabile regnum” и гимновая наседающая “Furia francese”, скоростной в лесной запильной традиции “Délivrance”. Все хорошо, но, поскольку и до наших героев у впередсмотрящего французского блэка хватало покоренных мелодических вершин, скучновато и нужно что-то соображать, поэтому гитарист силится сделать духовный пейзаж пронзительным, налегая на высокие частоты, и это звучит как-то натужно. Про барабанные партии, к несчастью, неживые, ничего плохого сказать совесть не позволяет: органические и свободолюбивые барабанные партии лишний раз доказывают, что не весь программинг способен похерить музыку или придать ей ощутимый изъян. Но местами можно было ударять и полегче.
Альбомы этой сферы редко могут очень уж удивлять, их качество зависит в основном от накаленности эмоций, умения музыкантов ярко, без потерь и искажения транслировать свои идеи и глубины проникновения в душу слушателя. Все удовлетворительно, только после опытов KPN девственность восприятия безвозвратно утрачена, и лично мне трудно откатить его, посему произведение, конечно, не во всем следующее рецептам самого яркого лидера-вдохновителя профранцузского блэка сейчас, но и не берущее новых креативных вершин, несколько обламывает. Но проблематика творчества остра, этого не отнять.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Младшие соратники Peste Noire к своему четвёртому альбому разрослись в творческом плане настолько, что без сомнения вышли в высшую лигу, но насколько они там обоснуются покажет время. Впрочем, обо всём по порядку.
Коллектив заявил о себе как единице идеологически активного блэка на дебютной работе «Ab Origine Fidelis», датированной 2013-м. Кавер на немцев Absurd, а также обращение к творческому наследию Робера Бразийака, без всяких программных нотаций обозначили принадлежность к определённому музыкальному сегменту. Простоватый, но по-своему симпатичный, материал не снискал особого ажиотажа, отметившись, правда, завидным качеством. Последующие два полноформатника укрепили статус банды на андеграундной сцене, расширив круг интересующихся французами вплоть до бастионов США, по которым у группы имел место тур, а в декабре текущего года они посетят масштабный фестиваль в Киеве.
Рецензируемый «F.E.R.T» обращает на себя внимание в первую очередь красочной обложкой в исполнении итальянского художника-многостаночника Паоло Жирарди, эффектно обыгравшего картину Петера Николая Арбо «Дикая охота Одина». Релиз берёт начало с неторопливых плавных пассажей, предвещающих нарастание внутреннего композиционного напряжения и его разрешение сразу в нескольких фазах: через меланхолию с резкими эмоциональными взрывами, через эпическую отрешённость, перерастающую в героический надрыв, и аккуратные мелодичные замедления под выдержанные декламации. Конечно, такой подход не нов, но грамотное построение аранжировок сглаживает любые аналогии с формированием Фамина, тем более, что Baise Ma Hache (в своём названии французы предлагают всем сомневающимся «поцеловать их топор») выработали к настоящему времени интересный почерк, имеющий также пересечения с поздними Cobalt. На альбоме также присутствуют свойские, но уважительные, переработки гимна, гимна, который все интересующиеся распознают без труда. Пятьдесят с хвостиком минут пролетают крайне быстро из-за динамической сбалансированности и очень крепкого наполнения работы, оставляя желание обращаться к ней снова и снова. В итоге получаем альбом, заслуживающий самого пристального внимания и являющийся событием в жанре за текущий год. Vive la France!
|
| |
|
|
|
|
|
| Desultory. Как много в этом имени… К сожалению, диск “Through Aching Aeons” стал для коллектива последней работой. Что бы ни наваяли эти угрюмые скандинавы позднее, всё их творчество навеки будет скрыто в тени гениальности скорбного монолита под названием “Bitterness”. Боюсь, что именно этот шедевр из далёкого теперь уже от нас 1994 года так навсегда и останется мелодически непревзойдённой вершиной не только среди одной отдельно взятой команды, но и всего классического шведского дэта вообще, наряду с “Purgatory Afterglow” и “Crimson” авторства Edge Of Sanity. По этой причине я постараюсь абстрагироваться, насколько это вообще возможно, от наследия великолепной “Горечи” и описать своё путешествие “Сквозь болезненные эпохи”. Начинается оно, что называется, с места в карьер – “Silent Rapture” не даёт опомниться и бомбардирует слушателя ортодоксальным стокгольмским материалом прямиком из позапрошлого десятилетия. Естественно, с поправкой на современный звук. Записывался альбом не в прославленной “Sunlight Studio” под чутким руководством Томаса Скогсберга, а в другом месте, но хуже звучать Desultory в 2017 году от этого не стали: сочный гитарный саунд, в котором ощутимо прощупывается бас, вместо типичного шведского бензопильно-шквального “песка” 90-х. Характерная для группы несколько меланхоличная мелодика никуда не делась. Хакан и Клас Морберги всё так же продолжают в гитарных партиях балансировать на грани классического и мелодик-дэта. Музыка при этом не сваливается в слащавую мелодичность и “розовые сопли” – композиции по-мужски в меру суровы и не балуют излишествами. В этом плане “Through Aching Aeons” однозначно проигрывает шедевральному “Bitterness”, на котором композиторский талант группы развернулся во всю ширь, продемонстрировав посредством музыки всю обречённость и безысходность людского существования. И небольшая клавишная зарисовка в “Divine Blindness” или тягучие соло в конце “Beneath The Bleeding Sky” и “Breathing The Ashes” на обозреваемом релизе погоды не делают. Вокал Класа Морберга за прошедшие годы стал даже ещё брутальнее, но при этом не потерял в разборчивости, но исчез тот самый эмоциональный надрыв, присутствовавший на ранних работах. Теперь у Морберга просто хороший гроул не больше, но и не меньше. Напоследок хочется немного пройтись по обложке: да, товарищи, это не легендарный Кристиан Волин со своими многочисленными шедеврами для классиков скандинавской сцены. С картинки прямо веет этакой атмосферой Сайлент Хилла, особенно это подчёркивает безликий урод в балахоне, но эти дебильные рога буквально рушат всю композицию, убивая на корню всё впечатление. В целом же, можно сказать, что “Through Aching Aeons” стал далеко не самой плохой финальной точкой существования Desultory. Альбом получился не шедевр, конечно, но качественный каноничный шведский дэт в наши времена является товаром штучным, так что, и на том спасибо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Оговорюсь сразу, разные источники не определились, является ли 21-трэковый релиз просто 2-м альбомом команды, своей важностью и зрелостью поглотившим 1-й, или всамделишной компиляцией, где 2 целых альбома нужно подавать через «/». Пойду самым простым и металичным путем – ссылаясь на Метал-Архивы, предпочитающим 1-ую точку зрения.
Многие, наверное, думали об этом, но по каким-то причинам не решались. Сделать отвязный грайндкор с мелодиями, источник которых низведен до легких жанров типа поп-панка и иного лирического рока. Мудрые грайнд и дэт завсегда могут обогатиться за счет более легких материй, а вот наоборот редко происходит. Мелодии Beaten To Death свежи, жизнеутверждающи, гедонистичны, в меру меланхоличны, ободряют и дают грайндкоровым вопилкам второе дыхание (“Vulpes Vulpes, Mustela Lutreola, Praedium”, “Døv, døvere, død”, “Nazi Slippers”, “The Flesh Prince With Swell Hair”и пр.). Вокалы простираются от мелодичных криков до визга, от адекватного гроулинга до свинячих заигрываний, вокалист лихо жонглирует ими в пределах одной композиции. Самое здоровское то, что саунд команды при всех неортодоксальных элементах вполне олдскулен, особенно когда речь заходит о гитарном и вокальном аспектах работы. Щедрое на брутальный позитив творчество норвежцев неминуемо наводит на мысль об уровне жизни в их стране – голодая, будешь играть музыку с совершенно другим колором и настроением. «Dødsfest!» включает в себя и дебютный релиз коллектива «Xes and Strokes», музыканты кичатся, что музыку они всю жизнь записывают живьем на своей репточке, только так и никак иначе. Отсюда, надо полагать, и ламповость звучания без тени перепродюсирования.
О втором направлении, которое развивают BTD, помимо попсовой мелодичности, тоже нельзя умолчать – оно лезет из меньшего количества щелей, но лезет: прогрессивные/экспериментальные манипуляции. Частые рваные ритмы – это эквивалент кислорода для этой группы, а сложное переплетение инструментальных голосов – способ попросить прощение за легкую популярность, заявленную в начале. Пачки нестандартных ходов, валящихся на нас из колонок, заставляет почувствовать, что у Human Remains были неизвестные до 2-ой декады XXI века братья. Здесь не наскучивают даже квинт-аккорды, в оригинале не самый примитивный скелет музыки обложен мясными аранжировками и заразительными ходами.
Норвежцы – это Джекилл и Хайд: даже в экстремальном амплуа своего творчества они обнимают 2 противоположных полюса – эксцентрику и брутальность. А когда придет пора «Xes and Strokes», вы глубже почувствуете тяжелую руку группы, скорее всего апеллирующую к ее названию. Жир и мрачные интонации вдогонку стремятся уравновесить содержимое диска. И звучок-то здесь грязнее, андерграунднее. Тут тоже хватает трэков, способных удивить слушателя, среди них самые длинные на альбоме – воздушная долбилка "A Soulless Alarm", во второй половине превращающаяся в некий пост-минимализм, и грув-металическая "Groundhog Day" c легонькими гитарными гармониями в середине.
«Dødsfest!» – альбом, однозначно совершивший бы маленькую революцию, будь он выпущен до конца 90-х, но и в наше время редкий коллектив доставляет столько недешевого удовольствия в изначально убогом и нетребовательном ко всему стиле.
|
| |
|
|
|
|
|
| На этом альбоме Disharmonic Orchestra, как уже все, наверное, в курсе, изволили умничать, все дальше увязая в формальной извращенности и алогичности смыслового наполнения своей музыки. Это не столько техно-дэт, сколько дэт авангардный по преобладающему характеру форм, его наполняющих, по тому отстраненному, не от мира сего, саунду, который его отличает. И, знаете что, именно невыразимо эмоциональная, несмотря на свою экспериментальную косноязычность, “Groove” служит олицетворением трагического непонимания этого альбома, его разлада с действительностью...
Но обо всем по порядку. На «Not to Be Undimensional Conscious» внезапно воцарился разум, пусть и патологический, грайндовая природа музыки отошла глубоко в тень, зато далеко вперед вылез бас Хервига Замерника, которому под силу своим навязчивым ржавым саундом практически в одно лицо создать ауру альбома – мизантропичную замкнутость в себе, сосредоточенность на своей причудливой архитектуре. Это качество разделяют и ударные партии, акцент в которых сместился с одного «Э» на другое – с экстремальности на эксцентричность. Мартин Месснер по-прежнему конкурирует в заковыристости своих партий с остальными инструменталистами, попутно изящно фаршируя музыкальное полотно хрустящими бочками. Только один прием выдает в нем метал-музыканта – бластбит, в остальном он абсолютно полифункционален, неуловим и одновременно узнаваем как блистательный болезненный ум. Гитара г-на Клопфа, окрашенная в тона меланхолического сюрреализма, протяжным звучанием заставляет чувствовать себя неуютно и, бывает, просто-напросто пробивает брешь в нашей психике (что-то тут есть общего с атипичным дебютом At The Gates). И, наконец, Disharmonic Orchestra 1992 – именно тот альбом, когда проскальзывает мысль, что банальность вокала (безыскусного гроула, однако, именно с человеческим, а не звериным лицом) оттеняет оригинальность музыки.
Наполнение альбома заслуживает бурных оваций, благо в 9 его дорожках как нигде отлились композиторские таланты группы крайне экспериментального толка. «Not to Be Undimensional Conscious» из серии клаустрофобных альбомов, но это не идет ему во вред: оказаться в плену и в рамках него – необычайное ощущение, ибо все тут пронизано уютом и ностальгией, и по пещерному экстриму, от которого ребята пока отбежали недостаточно далеко, и по авангардным столпам XX века, в компании которых мысленно сейчас и тусят. Главное, что заставляет меня поднять оценку до верхов, это дерзость, неоспоримость их шагов, твердость их экспериментального почерка. Слегка аллюзируя на “Time” известной группы в самом начале диска, австрийцы далее переплавляют эту сюрреалистическую экспозицию в дэтовые материи, параллельно вплетая цыганские мотивы, демонстрируя опасный стеб над олдскульным хип-хопом в контексте олдскульного грайндкора “The Return of the Living Beat”, приглашают в волшебное путешествие по волнам времени в т.ч. с помощью академического минимализма в “Time Frame”, где все произведение создается вокруг скромного мотива, который один достоин представлять альбом. …Да, похоже, именно время – ключевой концепт здесь. Но не ладят австрийцы с объективной действительностью, не становятся понятными – и время им не остановить. О чем и поминаемая выше “Groove”, на лирической части которой я бы с удовольствием побалдел на концерте с устремленной вверх зажигалкой. Данный же альбом – своеобразный «Андалузский пес» экспериментального дэта.
|
| |
|
|
|
|
|
| Перебеситься – вот что нужно было этим австрийцам в начале своего пути. Отдать максимум энергии, чтобы в дальнейшем сделать упор на работу ума, мозговую игру, которая, кстати, стала куда более затяжной, чем т.н. примитивный период. «Expositionsprophylaxe» – альбом-выстрел, отчасти сохранивший форму сборника грайндкоровых залпов 2-й половины 80-х, но здесь они несоизмеримо усложнили свою форму (содержание-то у всех них противно форме – то пропаганда вегетарианства, то защита окружающей среды, как здесь). Дело в том, что такой коллектив, как этот, даже бесится изобретательно. Подобно «From Enslavement to Obliteration» или «World Downfall», первый диск Disharmonic Orchestra – фактически бенефис барабанщика, поскольку другие инструменты только блестяще обрамляют то, к чему буквально сразу же приковывается внимание, хотите вы этого или нет. Мартин Месснер рвет и мечет, но в отличие от других грандов ударного цеха того времени делает это иррационально, вворачивая ломаные рисунки там, где их не знал дэтграйнд до этого. В ворохе гремящих, нестабильных бластбитов, очередях трещащих бочек и задорных сбивок подчас теряется гитарная работа Патрика Клопфа и тем более неприметен в таких условиях бас. В непритязательности сбивчивых, неблагозвучных и как будто не обязательных риффов проглядывает заявка на что-то более оригинальное, что оформится в будущем на более высоком уровне. Пока же они соответствуют одним из самых диссонансно-безобразных созданий в олдовом дэте и грайнде, искусственные флажолеты же, более низкие по звучанию, чем обычно, попросту звериные. Вкрапления акустики в "Accelerated Evolution" – лишь один из множества дерзновенных шагов трио.
Количество трэков говорит нам о том, что это пока цех, а не мастерская художников, и перерабатываются здесь не обязательно смыслы. Хотя уже тут очень театральное, опереточное интро, интеллектуальные, а иногда и абсурдные названия песен, индивидуальную продолжительность каждой из них вполне можно растолковать как эксперимент, так же, как и контраст длин между некоторыми. Лирика иногда трогает чуть не до слез (экологическое морализаторство “Inexorable Logic”), иногда устрашает (картины неминуемой гибели цивилизации в “Successive Substitution”), но чаще всего вводит в замешательство сюрреализмом событий и смыслов и дадаизмом конструкций и планов через музыку и отличный, в традициях тех дней, гроул гитариста. Последнее наблюдается в таких песнях, как, “Psychoanalysis”, “Disappeared with Hermaphrodite Choirs”, “Quintessentially Unnecessary Institution” – смысл должны были уловить… Однако самый большой интерес для медицинского и психоанализа имеют длинные в рамках этого диска композиции – “Sick Dishonourableness” и “Disharmonisation” и наиболее технический опыт “Hypophysis”. В них поиск музыкантами удобоваримых комбинаций гитарных и ритмических фигур наиболее интенсивен, гармония неуловима даже в паузах и выход из этого лабиринта экстремальной мысли будет настоящим облегчением. Пожалуй, это самый авангардный альбом дикарской стучаще-рычащей эпохи и среди иных троглодитов австрийские музыканты были уже в 1990-м году кем-то вроде Эйнштейнов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Одно из самых ожидаемых событий этой осени на украинской метал-сцене - выход четвёртого студийного альбома николаевской группы Крылья. Альбом записан и сведен на студии PanSound (Андрей Усатый), мастерингом занялся Макс "Morton" Пасечник (Morton Studio).
Ограничить определенными жанровыми рамками этот альбом довольно тяжело. Здесь присутствуют как отголоски предыдущих двух альбомов - скоростной, динамический металл в современной обработке, так и классика Heavy Metal.
Чем выделяется альбом?
Несколько слов о вступлениях. Как говорится "встречают по одёжке - провожают по уму". Нет, одежка здесь совсем не обложка альбома. Первое, что берется во внимание, когда слушатель включает трек - intro. Полноценными предисловиями группа не сильно балует (видимо, пленка дорогая), но со вступлениями к песням у них всё в порядке. Умело проработанное интро - залог того, что композиция будет прослушана, а не выключена на первых секундах. Примером грамотно подобранного intro может послужить композиция со второго альбома группы под названием "Горизонт". На этом альбоме ребята справились не хуже. "Гаснет жизнь" обладает всеми качествами, которыми должна обладать "зажигалка" альбома.
Ещё один признак, по которому выделяются альбом - динамика. Чем ближе к завершению альбома, тем энергичнее становится треки. В композициях "Гаснет жизнь", "Я живой" и "Бъется сердце" динамика чётко отслеживается и в вокальной линии. На предшествующих альбомах музыканты не использовали подобного.
Вокалист, в каждой из этих песен, постепенно раскачивает сюжет и подготавливает слушателя к дальнейшему развитию событий. В начале он поет ровным и спокойным тоном, а потом - взрыв. Вокалист показал здесь разнообразие своего вокального диапазона, прочуствовал каждую строчку, чем очень порадовал.
Несколько слов о звучании и качестве записанного материала. Качество записи ребята держат на должном уровне. Звук плотный, более выразительной стала ритм-секция. Соло, на которые стоит обратить внимание - "Души птицы" и "Бъется сердце", наполнены профессиональным чутьем музыкантов, многолетним опытом и сыграны с душой.
Композиции на альбоме отличаются грамотно подобранными гармоническими последовательностями, и запоминающимися риффами.
С текстами у группы всё в порядке. Альбом пронизан исторической, фентезийной и постапокалиптической тематиками. Автор текстов Павел Алиев на славу постарался донести до слушателя проблемы современного общества ("Гаснет жизнь", "Я живой"), рассказал о характере людей любящих свободу ("Сын ветра"), о несломленном духе воинов ("Души-птицы", "Грюнвальд") и, конечно, не обошлось без "Игры престолов" ("Зима на много лет").
На что стоит обратить внимание?
Композиция "Грюнвальд" - выразительный и запоминающийся припев, благодаря которому песню хочется переслушивать ещё и ещё.. Композиция "Зима на много лет" примечательна энергичным вступлением и гармонично вписавшимся вокалом джазовой певицы Татьяны Орловой. Кроме этого, соло к этой композиции записал Андрей Смирнов (U.D.O, Everlost). На композиции "Сын ветра" отличился Геннадий Гримов (Grimoff) записавший соло, и Андрей Маняхин, сыгравший на скрипке.
Чего не стоит ожидать?
На этом альбоме, как и на предыдущем, снова нет ярко выраженной баллады. Композиция "Бъется сердце" лишь намекает на то, что ребята еще не забыли, что такое баллады. Не стоит также ожидать эпиков в духе "Элизиум" и "1908" (хотя "Зима на много лет" неплохо эту брешь компенсирует).
Но главное, что альбом слушается на одном дыхании. Его можно слушать как на фоне, так и осознанно, вслушиваясь в мелодии и слова. Альбом получился умеренно мелодичный и запоминающийся. Рекомендую к прослушиванию!
|
| |
|
|
|
|
|
| Я искренне не понимаю, почему альбом "Sjukdom" был положительно встречен критиками, почему "Konkurs" считается большинством лучшей работой Lifelover, и почему EP "Dekadens" всегда будто пропускают мимо ушей. Итак, "Dekadens" - вершина творчества Lifelover. Давайте по порядку.
Сначала выходит "Pulver", пышащий потенциалом, но не способный зацепить ничем, кроме как мисс Сальмонеллой и Стокгольмом. Следующим выходит эрегированный "Erotik", не поднявший планку жизнелюбов, но и не опустивший её. Спасибо за "Museum of Past Affection" - единственная, кажется, куплетно-припевная вещь из всего их творчества. И вот он - "Konkurs", самый щадящий альбом из всех. Очень много чистого вокала и атмосферных клавишных. Все любят его за волшебные мелодии: "Cancertid", "Konvulsion", "Mitt Anexia", ментальный, чтоб его, диалог и прочие. У этого альбома есть всё, чтобы быть лучшим, но тут в 2009 году выходит "Dekadens".
Начнём с того, что это единственный альбом, в котором я от души наслаждался партией ударника. Твою мать, она здесь заметна! Теперь о каждом треке по порядку. Начинается всё с классического вопящего "Luguber Framtid", который цепляет только тех, кто уже научился видеть в этих воплях красоту. Следующим врывается "Myspys" - крайне простая и невероятно драйвовая. Она не отталкивает обилием воплей и не успевает надоесть из-за своей динамичности, честно говоря, я не нашёл песню настолько же сбалансированную и притягательную, как эта, во всём их творчестве. Попсовый рифф + динамика - вот и всё.
Окей, дальше у нас "Major Fuck Off", самый слабый трек идёт сразу же после самого сильного. Но опять же ударник - человек, который просто вытягивает песню со дна. Однако рифф наскучивает уже к середине из-за отсутствия разнообразия в динамике. "Lethargy" уже смотрится очень даже ничего на фоне "Major Fuck Off". Но что же в нём особенного? Всё дело в фантастическом проигрыше: на фоне гитарного риффа начинает играть та самая волшебная мелодия, за которые мы так любим Lovelifer. И здесь она обретает ту форму, которую не имела ни в одной песне: обычно музыка была либо мелодичной, либо вопящей - здесь всё слилось воедино. Завершается трек клёвым риффом. Фантазия гитариста в этой сфере, в данном коллективе, всегда была скудна, но тут я слышу годную гитару и партию ударных. Но на этом голова не останавливает качаться, потому что следующий "Androider" - самая качовая песня из всего творчества жизнелюбов. Поконкурировать может только Стокгольм и то - только заключительная его часть. "Androider" не лишён и атмосферы, потому что во второй части песни происходит то же самое, что и в прошлой - единство динамики и мелодии, но, судя по звуку, трек мог бы попасть в их последний альбом, однако, не будем сейчас о плохом. И о бог ты мой, "Visdomsord" - привет из Конкурса. Исходя из концепции альбома, данное произведение находится на своём месте. Оно по Лайфловеровски хорошо и удачно дополняет список произведений. Завершается всё моей любимой композицией этого ЕР - "Destination: Ingenstans". Она не лучшая, но просто нравится мне, поэтому тут я не навязываюсь. Лирическое начало с умеренным вокалом, смена динамики, блистательный рифф в середине и снова затишье, разбавленное романтичным бренчанием на гитаре. Вот и весь список песен. Такого жизнелюбам повторить уже не суждено.
Следующей пластинкой выходит "Sjukdom", где только завершающая "Karma" оставила положительные, в определённом смысле, эмоции. Да-да, всем нравится "Expander", но тут я просто признаю несовершенство своего вкуса. Итог: "Dekadens" EP вместил в себя лучшие черты Lifelover и дополнил новые, более неповторимые.
|
| |
|
|
|
|
|
| Неоднозначный последний альбом, годы творческого молчания, странная история ухода фронтмена - всё это не вселяло оптимизма в будущее группы Immortal. Но когда в конце весны этого года Nuclear Blast показали миру заглавную песню с грядущего релиза, я оказался приятно удивлен. Дело в том, что несколько месяцев перед этим я более-менее регулярно переслушивал ранние записи норвежцев, и я никак не ожидал услышать в 2018 году материал в духе "Pure Holocaust" и "Battles in the North".
По ходу прослушивания "Northern Chaos Gods" сравнения с "Battles in the North" напрашивались уже сами собой. Demonaz и сам в интервью перед выходом альбома говорил, что новый релиз наиболее близок именно к "Северным битвам", что хотелось вернуть ощущения из 93-го или 94-го. И он не обманул - все классические элементы Immortal на месте, причем "Северные боги" могут похвастаться и рядом преимуществом перед культовым предшественником 95-го года. Опытный мастер ударных дел Horgh за барабанами, старый знакомый Петер Тэгтгрен за продюсированием и сведением, но, что самое важное, куда более разнообразный материал, нежели на "Battles in the North". Музыкальную основу на "Northern Chaos Gods" представляют фирменные напористые боевики, украшением которых служат взрывные пронзительные соло Demonaz'a, которые были так к месту на "Pure Holocaust", и которых так не хватало на последующем полноформатнике. А заключительный трек "Mighty Ravendark" можно рассматривать, как расширенную версию "Blashyrkh" всё с того же третьего альбома. Тексты, как и раньше, рассказывают про Блаширк и его холодные суровые просторы. В отсутствии Abbath'a за вокал теперь отвечает сам Demonaz и хочется отметить, что справляется он с этим весьма достойно. Бас вызвался записывать Тэгтгрен: у него действительно есть понимание того, что требуется группе, он замечательный музыкант и результат получился отличным.
Подводя итог, хочется отметить, что Immortal выдали по-настоящему хороший олдскульный альбом. Кто-то может возразить, что всё это уже было показано в прошлом, но ведь подобной музыки группа не выпускала уже более двадцати лет. Поэтому от "Northern Chaos Gods" не стоит ждать каких-то откровений, а лучше просто послушать новый материал, выдержанный в духе первых работ, сделавших группе имя.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Profane Nexus" - последнее, на данный момент, творение, пожалуй, одной из самых брутальных групп из когорты легенд олдскула первой волны. Здесь, впрочем, как и на предыдущих альбомах, вы не найдёте никаких закосов в трэш, дэт-н-ролл, мелодэт, техникал/прог, слэмминг и, уж тем более, новомодный дэткор. А только прямолинейный и по-настоящему злой смертельный металл, вкупе с изнуряющим, высасывающем душу дэт-думом, приправленным дьявольски утробным гроулом лидера коллектива Джона МакЕнти. И всё это великолепие подано под соусом из оккультной и бласфемической лирики, которой музыканты не изменяют на протяжении уже более четверти века.
Переходя непосредственно к самому материалу стоит отметить, что данный альбом отличает некое разнообразие, по сравнению с предыдущими релизами. Теперь это не только постоянное сочетание быстрых, снабжённых агрессивными бласт-битами вещей с тягучими думовыми, похожими на заклинания одами всему потустороннему, а также какие-то среднетемповые полутона. Причём, всё это может быть в рамках одной композиции. Конкретный пример, стартовая "Muse" - начавшаяся за здравие, т.е. с быстрого почти брутал-дэта, а кончающаяся за упокой - медленно и угрюмо. А между этими крайностями сбивки темпа: нарастание и угнетение. Нашлось место даже эмбиэнтальному интро ("Stormage Convulsion From The..."). Из остальных вещей нельзя не отметить "Visceral Hexahedron", "Messiah Nostrum" (на которую был снят клип), с лёгким восточным флёром "Omens To The Altar Of Onyx" и, на мой взгляд, подлинную жемчужину диска, лаконичную и самую медленную, почти фьюнерал-думовую "Incorporeal Despair", производящую впечатление монолога демона, излагающего (изрыгающего) свои инфернальные истины прямо тебе в ухо, пока ты спишь... Полное погружение в адовы дебри! Шикарно. И кстати, совершенно серьёзно, я бы не рекомендовал особо впечатлительным людям прослушивать сей опус на ночь. А то могут и кошмары присниться.
Хочется отметить также и шикарный звук. Никакой каши, слышны все инструменты.
И всё же, при всех достоинствах, данную работу не назовёшь шедевром или около того, т.к. диску, как и всем позднем работам Колдовства, присуще некая монотонность и затянутость отдельных моментов, от которых, увы, тянет в сон.
|
| |
|
|
|
|
|
| На своем дебюте участники Withered Earth, все как один итало-американцы, предлагают свое видение эклектичного дэт-метала, сваренного из брутал-дэта, трэша, дума, блэка, акустики и эмбиента. Это блюдо пережевывать меня просто изнурило. Народное поверье гласит, что после красивого интро вы можете столкнуться... с чем угодно. Наш случай, более или менее. Группа на этом альбоме комплектуется двумя гитаристами, барабанщиком и вокалистом, бас сессионный, и он-то и начинает альбом слэповым проигрышем после эмбиентного интро! Довольно случайный, хоть и короткий ход, но больше такого не будет.
Вокалисты, один основной и один совместитель – главные источники вдохновения и эстетический ориентир: слушая их излучающие брутальность (более низкий) или истерическое наваждение (срывающийся в более высоком регистре) голоса, нельзя не почувствовать, что Withered Earth очень озабоченный религиозными материями, приблэкованный ВИА. Отчасти так. Ребята бомбят отрывистыми фразами, помусолят какой-нибудь громовой рифф, размажут дум-металическую кашу по тарелке и бросятся в омут блэк-метала с головой, как, например, в “Eternity Bleeds the Silence”. Какие-то риффы поинтересней или эффектные случаи взаимодействия гитаристов приходится выискивать целенаправленно, музыканты ставят все на независимые зубодробильные партии – выразителя их позиции, их фрагментарного мышления. Знатные охотники они загубить любую динамику и драйв на корню думом и этой вот рваниной. Мне жалко их музыку, она мучается, но так и не может твердо встать на ноги, эпизоды теснят друг друга, а кайфа все нет. Он ненадолго появляется параллельно с драйвом в нечастых разгонных пассажах (без бластбита), где есть энергетическая спаянность элементов и барабанщик, в частности, демонстрирует более интересную и мобильную игру. Так, приятно было послушать галопирующие риффы с все нарастающим неистовством вокала во второй половине “The Nocturnium Empire” и нехарактерную для группы разбитную мелодику в “Dominion Under Angels Graves” – таких мест не так и много. Я быстро привык и перестал обманываться – Withered Earth цельный, сколько-то логичный трэк сделать неспособны. Вместо этого у нас несистемные выпады свирепых инструментов и корявые, топорные сварные швы.
Акустические переборы, обнимаемые эмбиентом, вносят контрастные нотки гармонии, но атмосферика тоже плохо работает с таким стилем преподнесения материала, где отсутствует непротиворечивая динамика и все музыканты движутся куда-то, но не к общей цели. Эти красоты гитар без электричества в «Forgotten Sunrise» бледноваты и подлежат забвенью, лучше послушайте Mangled Torsos, у них акустика лучше вросла в более благодушный пейзаж. Куча-мала кощунства не позволяет оценить таланты музыкантов – по отдельности-то они неплохи, а как в группе я едва ли слышал полноценно.
Короче, соберите мне этот конструктор заново, компоновка ни к черту! Нетрудно заподозрить в метаниях музыкантов дебютантскую незрелость или экспериментальный произвол, в любом случае ореол гениальной прог-дэтовой работы я над этим диском не увидел и возвращаться к нему не тянет. Не могу понять, мне все-таки втюхали черновик хорошего неортодоксального дэта или просто неотесанный альбом в стиле?
|
| |
|
|
|
|
|
| Nuclear Death – одна из ранних синкретичных экстремальных американских команд, которая капитулировала из сферы радикального метала/кора в экспериментальный рок. Еще их ранний материал, обозначенный "deathrashardcorextreme music", демонстрировал отклонения от магистральной линии дэтграйнда тех лет. Никакой политики, социальщины, а также медицинского научного интереса, музыка завязана на чем-то еще более запредельном: галлюцинациях, кошмарах и искажении нормальности в типа трезвом мире. Dark Grindcore?
Странный и страстный в вокальном и инструментальном смысле грайндкор издавна предугадывал больные устремления своих творцов, вернее к этому времени уже почти творца: причудливые структуры шумливых композиций, тревожно звучащие ритуальные пассажи, свободное сосуществование с гроулом стенаний, кряканий и черт знает чего еще, стремящегося о чем-то поведать, вряд ли что-то доказать... Плотный грязный бластбит, громкие бочки, бас и гитары, сливающиеся в могущественный гул – что еще нужно для воссоздания подвального кощунства, для выражения гласа темных закоулков разума нужно нечто другое: медленные сгущения саунда и дезориентирующие электронные эффекты. Эталонный трэк – "Aunt Farm": вокалы просто не поддаются описанию, булькающая электронная подложка, словно эмбиентовые опыты пациентов психиатрической клиники, уносит слушателя куда-то в параллельный мир, пока на фоне захвата гудят гитары, тренькает бас и стучат мутные барабаны. В этот трэк легко можно нырнуть, но трудновато будет выплыть.
Криповые DiY-кавер-арты группы всегда немного напрягали и внушали неясную тревогу перед содержимым альбомов, но тут стремная девчушка Lori Bravo превзошла сама себя, замутив эту глючную цветную абстракцию. Запись на 100% гаражная, к счастью (или нет), сохранились документальные кадры в поганом качестве, довольно точно воссоздающие ауру творчества коллектива. Сама же музыка отлично звучала бы в независимом кинохите Buzzard, попутно советую посмотреть.
Горемычный, не ладящий с крышей, коллектив, обречен на то, чтобы его непродолжительные альбомы, более походящие на слегка удлиненные EP, объединяли и компилировали в сборное Наследие. Что поделать, отдельные релизы слишком мимолетны. Но накидаться радикализмом и перверсивным состоянием духа можно и с половины. Что тут еще сказать, такими и должны быть темные искусства. VHS and LP only.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пытаясь нащупать характер такой команды, как Biolich, скоро убеждаешься, что лицо ее составляет именно совокупность разрозненных элементов, непостоянных риффов и вольных композиционных структур. Как вещание экстремальной радиостанции, эфир которой засоряет разный хипстерский хлам. Эти Biolich – из тех бессовестных, что могут разбавить дэт-метал мягким инди-роком, а также запилить утонченное эмбиент-техно на 7 минут. Ближайшая аналогия коллективу по темпераменту – соотечественники Dripping c их брэндом слэминг-брутала с трансовым сиропом. У Biolich, впрочем, все не так брутально, не так ярко, и хит в их стиле написать невозможно (в то время как вышеупомянутые апологеты наркоманского метала Нью-Джерси делают вполне конъюнктурную музыку, для мош-вечеринок уж точно). Какой хит, когда каждая композиция – лоскутное одеяло и нерешенность вопроса, либо группа с этими (и играет эмоциональный мелодичный метал с эфирностью пост-блэка), либо с этими (грузит утробным демилишевским гроулом и бластбитами), а может они даже тайные агенты инди-сообщества. Впрочем, грани сглажены, и переход от легкой гитарной музыки к брейкдаунам и мелодичным погоням совершается безболезненно. Самый приятный трэк EP вовсе не про метал. Настроенческая, меланхоличная "Ikon Sumo" вполне органично вошла бы в репертуар Boards Of Canada или раннего Aphex-а Twin-а за исключением несколько вульгарно-громких битов. Что же, пока или уже работы американцев не позволяют заподозрить в них глубину исканий или особую серьезность (не клоунаду как минимум) по отношению к собственному творчеству. Пока это карнавал, ветреность и бесхарактерность. Те же никому не известные англичане за год до этого EP Biolich сделали более достойный реверанс, в сторону пост-панка – и там-то Станиславский был бы удовлетворен.
|
| |
|
|
|
|
|
| Human Remains – группа, родившаяся в самом конце 80-х и окончившая свою жизнь в самой середине 90-х, имеющая довольно рэндомное творческое наследие и ни одного чертового альбома! Да и зачем он нужен команде с таким звучанием, думаешь ты, когда включаешь, например, их последний EP, – чтобы получить передоз?
Для смелых Relapse Records выпустила компиляцию всего выпущенного и недовыпущенного группой, ну а я, слабак, вник в и осознал только вышеупомянутую 2-ую и последнюю ипишку группы, которая, без сомнения, является вершиной эволюции квинтета. 7 трэков на 17 минут в сумме позволяют оценить масштаб мозговитого дестроя. Подход команды «все, сразу и много» обогащает слушателя взрывным коктейлем из олдскульного болезненного гроула и хаотичных выкриков, атипичных идей гитарного промысла, рычащего нагнетающего баса и фонтанирующего клевыми идеями драмминга. В своем искусном дэт-грайнде ребята выказывают нестандартное мышление и параноидальную изобретательность. Гитаристы да и барабанщик органично для себя избегают комфортной стагнации – запустить и не останавливать поток металического лязга. Ни в жизнь, они лучше сократят в разы содержание бластбита, самого очевидного композиционного решения. Команда вместо этого налегает на питательный грув и неожиданный для стиля техницизм, грайндовое колотилово лишь дополняет драйвом ломаный средний темп. EP являет нам самый сок оригинальной командной работы: чокнутой сыгранности и акустических странностей премиум-класса. Плюс это все еще отличнейше записано для достижения правильного эффекта, особенно приятно следить за ударными.
Немного о персоналиях. Гуру барабанной установки Дэйв Уитти, переигравший в куче групп (Discordance Axis, Exit-13, Municipal Waste, Melt-Banana, Alec Empire и мн. др.) разной степени отвязности и долбанутости, обеспечивает головокружительные темпы и нетривиальный, свободный и легкий стиль исполнения, пара гитаристов, из которых выделяется первая скрипка Стив Прокопио (тот же Discordance Axis и Gridlink), колдуют необычными, толстыми и тонкими, звучаниями, и финальный продукт очень нелинейный, извращенно-мелодичный и атмосферный (эти тоскливые уносящиеся вдаль мотивы в конце "Human") – да-да, ни в сухости, ни в экстремальной одноклеточности чуваков не упрекнешь. Специфическая фишка Human Remains – вставки угловатых гитарных мотивов а-ля «Робототехника для детей и юношества» (могут напомнить то аккордеон, то скрипку или что-то синтетическое), выходит такой олигофренический неуклюжий тэппинг, когда в звукоизвлечении задействована только левая рука, скачущая по грифу. Что уж и говорить, 2 высококлассных гитариста в грайндкор-ансамбле, когда в иных коллективах и один рукастый парень вроде Скотта Халла (Pig Destroyer) влегкую устраивает Апокалипсис – это уже какой-то сверхграйндкор, по меньшей мере точно музыкально осознанный и, кстати, органично слушающийся.
Несправедливо за формат, в каком выпускались чуваки, скидывать баллы, и я так не прогнусь. Поскольку в лице "Using Sickness as a Hero" мы получаем образец умеющего удивлять атмосферного грайндкора, нисколь не теряющего остроту от совершенства своего исполнения, в достаточных объемах. И, наоборот, целый балл можно добавить за самую больную обложку, что я видел. Действительно, Human Remains героизировали болезнь, создали ее культ и провели необходимый ритуал в самых быстрых и изящных средствах.
|
| |
|
|
|
|
|
| Коллектив, служивший основной кафедрой для озвучивания своих идей и навыков двум участникам Mastodon в 90-х. Гитарист Билл Келлихер и термоядерный барабанщик Брен Дэйлор учатся сыгранности и могут попутно слабать что-нибудь для души, не столь громадное, концептуальное и амбициозное, как последующее нарочито пышное творчество. Но при этом предвосхищать и уже непосредственно исполнять маткор.
Если пытаться угадать, кто терзает струны, вариантов много, но ритм-секция в лице ее главной составляющей – ударных – опознается сразу. Немало в экстремальном мире отличных барабанщиков, но подозревать наличие дополнительной пары рук приходится не у всех. Так легко, скрупулезно и многословно обрабатывает риффы только Брен Дэйлор, без слышимых усилий – пружинистые бочки и десятки и сотни сбивок, перебежек... даже немного бластов на десерт. Гитары же узнавать необязательно, главное наслаждаться легкостью и изощренностью их мат-роковых комбинаций, их витиеватыми мелодическими узорами – гитарной тканью как паутиной опутывается все окружающее. В их репертуаре выше крыши интересных мелодий (будущие заготовки для прог-грувовых шедевров), конечно же, приправленных флажолетами, вот только дэт-жести маловато, вплоть до ухода в минус. Вместо нее динамичный рок-н-ролльный угар и в эпизодах с ним Lethargy соотносятся с лучшими произведениями Baroness, которые те напишут лет эдак через 12 от рассматриваемого времени. Музыканты накручивают массу деталей, но владеют и даром легкости, причем все одновременно и в равной степени. Однако сцены, где остаются наедине бас с ударными ("Spill", "Medley") – конечно, самые интригующие и освежающие, когда можно перевести дух, когда улегается возбуждение слушателя от предшествующих наворотов и нагоняется аппетит к восприятия следующих. Кричащий вокал Эрика Бурка сидит на этой музыке как влитой, вполне под металический хардкор тех лет, ничего особенного, но и ничего в минус. Самый дэтовый трэк в арсенале группы – с упоминанием смерти ("Among (Formerly Known As Among The Dead I Lie)"), жаль, что таких в море довлеющего маткора не так много. Натешившись с инструментальными игрищами Lethargy окончательно расслабляются в заключительном трэке-ремиксе 2-ой песни, где творят уже безжизненные индустриальные изуверства. Гвоздь номера в этом чудном произведении – то закольцованная партия баса, то украшенные эффектами гитарные конвульсии.
Техническое чудо Lethargy на своем единственном альбоме выдало просто квинтэссенцию интеллигентного и драйвового метала, балансирующего на грани с хардкорной математикой и приятно сдабриваемого трад-метал-энергетикой. Материал сохраняет остроту и музыкальную доступность/приятственность, но мощь и жир – не его сильные черты. Поэтому "It's Hard to Write with a Little Hand" как-то завис между техничным металом и маткором, ни там, ни сям не зазвучав со звериным оскалом. Понравится диск не только фанатам воспевателей Моби Дика, но и любителям техничного anything metal or core. PS. То, что адовы пуристы с Метал-Архивов отказываются оспаривать «металичность» Lethargy, оскорбительно для меня.
|
| |
|
|
|
|
|
| Американский Metal. Как много, и одновременно, как мало в этом словосочетании. Великая земля, подарившая нам множество сомнительного рода жанров, вроде Glam и Death (это ж прямо рядом!), Groove, Nu и даже Thrash Metal (хотя, знатоки тут спросят за Venom, да и не только).
Machine Head, безусловно, великая команда, которая не раз доказывала свою состоятельность. Как и многие другие команды на тот момент, музыканты решили сделать шаг в сторону от традиционных рамок жанра, вплетя в "The Burning Red" относительно немного современных тенденций на момент 99-ого года. Доигрались так, что до сих пор данный альбом считается чуть ли не главным грехом коллектива. Но давайте разберемся, что так сильно отталкивает патлатых металлистов от данной пластинки?
В первую очередь, конечно, речитатив. Не секрет, что в 90-ых, да и начале 00-ых, рэпчина преподносилась как антагонист тяжёлой музыки, и не только у нас в стране, но и на западе. И если для Европы, как и для России, подобное противостояние имело хоть какой-то смысл, то для США эти жанры всегда были родными и коммерчески направленными - будь то KISS, Metallica или даже Slayer, так и Cypress Hill, 50 Cent, и прочие 2Pac. А потому, не вижу препятствий для экспериментов у прогрессивных музыкантов.
Но будем реалистами, не ради экспериментов мы бы стали слушать Machine Head. Боже упаси, ради рэпа! Но уху хэдбэнгера есть за что зацепиться. Я, конечно, не знаток творчества чёрных братков, но очевидно что в их мазафаке так же есть разные категории настроений. Machine Head избрали для себя агрессивную сторону, привнося в свою музыку не столько элемент модного течения, как элемент нового типа агрессии. Да, может кому и не по нраву манера, с которой передается эта простая эмоция, но она максимально понятна, и цель достигается быстро. Благодаря речитативу, в некоторых песнях по-настоящему быстро начинает пульсировать в висках и венах адреналин.
И может показаться, что альбом целиком замешан на агрессивных рифмовках, но это не так. В своей сути это всё тот же Machine Head, просто скорость была сброшена на 50%, уступая ритмике. Вокальная составляющая, в отличие от предыдущих двух альбомов, возросла. Вокала не стало больше, просто возросла его значимость.
Если говорить о чисто инструментальной составляющей, то, друзья, добро пожаловать в 90-ые. Атмосфера кирпичных стен и ночного Нью-Йорка/Лос-Анджелеса передана как в кино. Возможно, стоило избрать для обложки как раз таки пейзаж ночных огней мегаполиса, но музыкантам, судя по всему, было виднее.
Сейчас, когда группа стоит на пороге нового кризиса, когда были пройдены многие препятствия, были поставлены новые планки качества, можно с уверенностью сказать, что "The Burning Red" всегда был неким бриллиантом в дискографии коллектива. Да, пусть не все его любят, а кто-то ненавидит, но отрицать многогранность, самобытность и оригинальность этого альбома не станет никто. Уже почти двадцать лет этот альбом приносит мне удовольствие при прослушивании, и надеюсь что вам он доставит так же немало радости.
|
| |
|
|
|
|
|
| Искал я эту компиляция всеми правдами и неправдами, но результат меня не разочаровал, ибо... Ибо это несправедливо утерянное имя авторитетного по звучанию жестокого подземного дэта, сохранившееся, по правде говоря, только в 4-х демках и обобщенное в этой ценной компиляции. Коллектив по ходу сборника играет и сырой дэт-метал старой школы, и почти что слэмминг-брутал, и техно-дэт – глаза разбегаются от набора стилей.
Перво-наперво, у ребят серьезная заявка на отцовство расширенной версии особо брутального искусства, 1990-1993 гг на дворе, а они уже вовсю штампуют жирный стафф с сочным гуттуралом, низкочастотными стелющимися гитарами, жирнющей басовой линией, тяжеловесными бас-бочками и исполненными кровавого величия неспешными темпами. Ни дать ни взять еще один ценный артефакт протослэмминга. В подарок идут простоватенькие, но пронзительные атмосферные солячки. Этой сфере творчества (демо среднего периода "Regurgitate the Dead") отведена почти половина сборника, до 6-го трэка включительно. Ребята не изобретают велосипед и частенько делают мрачную басовую тему флагманом мясного забоя.
Внимание, трэки с демки "Stream of Solidarity" в кол-ве 3-х штук усилены экспериментальностью! Это вовсе не дуболомный брутал, а искрящийся игровой материал в техническом ключе, 17 минут торжества фантазии без ущерба смертельности искусства. Навороченный риффинг с кивающими флажолетами, затейливые мелодические ходы, вибрирующий бас, рваный ритм, разительно отличающая от предшествующей мясницкой интеллигентская, футуристическая атмосфера – а та ли эта группа вообще, что пару трэков назад булькала что-то нечленораздельное и налегала только на низы? Временами это что-то ближе к неродившемуся еще тогда маткору. Вокал также становится более человеческим, трэшевым. Наконец, бесповоротную революцию совершает "Our Life As Myself": астральный эпизод с чистым вокалом в ней совсем обелил коллектив от крови и кишок.
Компиляция выстроена таким образом, что мы идем от зрелости к колыбели, и подборка заканчивается демолентой "Dead Rotten Corpse", где такой себе олдскульный динамичный дэт с брутальной нагрузкой, но еще без вязкости. Конечно, это самая слабая часть наследия команды.
Логически вытекает из всего сказанного выше, что коллектив хваткий и не лишенный прозрений, проследить, как буквально на глазах брутализируется и усложняется дэт – дорогого стоит. Отсюда сакральность этого сборника как дающего нам новые старые знания и возвращающего нам нужную память.
|
| |
|
|
|
|
|
| Про современность группы написал, почему бы и истоки не осветить, тем более, что они едва ли менее упоротые, чем поздний психоделик- или стоунер-дэт. Колорадские дэтстеры предлагают свою, укуренную версию, дэт-грайнда, это нелегкое путешествие по темным коридорам их извращенного воображения. Возьмем первую ипишку "Urine Garden": степенные и вязкие, тяготеющие немного к сладжу, оды перверсиям и затуманенные разгоны в форме бластинга. Но не все так просто, чтобы просто долбило и утробно рычало. Осложняют звериную инерцию декламационные вставки (см. также Wicked Innocence) и галлюциногенные солячки. Да и вообще тривиальности не место в репертуаре этих парней, визгливый риффинг успешно развлекает вариациями, особенно вкусны сокрушительные брейкдаунистые отрезки. Skeleton Of God травят байки о некрофилии и пользе ее для взращивания новой жизни, пускаются в философские рассуждения о трепетных секундах, пока жизнь еще не покидает отрубленную голову, в каждой песне фигурирует тема сексуального желания... Бонг и дэт-грайнд – воистину вместе веселей!
"Bleached in the Sun", первые его трэки – это совсем другая песня и совсем маргинальный коленкор. Поражает, как музыканты могут тратить львиную долю времени на записанное на диктофон рычалово/гудение, которое претендует на звание худшей по звуку демки раннего Carcass, которую они никогда не выпустили. Этого прикола я не понял. Зато остальное время забито осложненными жанровыми формами, где постоянно уйма событий. Следом по тексту тоже наркомания, но уже куда музыкальней. Мрачный симфонический трип с завываниями "Drinking Blood & Eating Children" – реальное интро к альбому. Фарш начинается аж с 4-го номера – "Nervous Tic Magic". Это угрюмый дэт из некоей Сумрачной зоны, разрывающийся между известными полюсами – грайндкоровой молотилкой и атмосферным дэт-думом. Появляется и стоунер, мозги прокуривались не зря. "Glum Luminescence" с вальяжно напеваемым текстом – вполне себе прототип 2-ого альбома Skeleton Of God, хотя тоже частями. Да, эта группа, как я и говорил, является предтечей использования "неуместного" чистого вокала, принято считать его гранджевым. "Bleached in the Sun" в целом звучит поздоровее и потрадиционней: напористый темп, ровные бласты, красивые воздушные соло...
Skeleton Of God – безусловно, существенная креативная единица в системе эксцентричного дэт-метала нач. 90-х, немало вещей они придумали и освоили прежде других, и только разорванность, непоследовательность их наследия может помешать им получить должное признание. Фанатам же дэта и грайнда категории B ознакомиться обязательно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Четыре года. Четыре долгих года теперь за нашими спинами, Господа, ибо релиз нового опуса от небезызвестной польской группы состоялся и мы, конечно же, порадовали свои искушенные уши свежим материалом, который получился... Но обо всём далее.
Behemoth - та группа, которая не особо нуждается в представлении. Можно сказать, что это трио, во главе с Адамом Нергалом, стала одной из самых коммерчески успешных групп в жанре Black/Death Metal, особенно в современных реалиях. В своё время предшественник "ILYAYD" стал откровением как для самой группы, так и для слушателей. Ребята решились на эксперимент и его можно посчитать весьма удачным. Какое решение принял товарищ Нергал, увидев успех "The Satanist"? Правильно, продолжить в том же духе и развивать идею. На данный момент перед нами стоит новое детище могучего демона, имеющее в себе наработки из прошлого альбома и некоторые, скажем так, отклонения от нормы. Эксперименты на то и эксперименты.
Как раз другой подход и новый взгляд на созданную ранее концепцию помогли группе понять, что стена звука не способна дать ничего, кроме ЯРОСТИ и НАПОРА. Благо, забегая вперед, над данным релизом эта черта не преобладает, в отличии от "Evangelion".
Здесь же всё точно также, как и на предыдущем опусе, и это является как положительной, так и отрицательной стороной "ILYAYD". Ведь очень редко бывают случаи, когда в одну цель попадают дважды. Порой можно поймать себя на мысли, что это уже было, или это похоже на это. Например, "Ecclesia Diabolica Catholica" уж очень напоминает мне "Ora Pro Nobis Lucifer", особенно в первой части, но это уже придирки.
"Придирки придирками, но по факту альбом просто убийственен. В буквальном, и самом что ни на есть положительном смысле", - сказал однажды MAX DE SADE в своей рецензии. И именно этой фразой можно описать "I Loved You At Your Darkest". Концепция "The Satanist" получила своё прямое продолжение и оно невероятно. Альбом обладает неповторимой атмосферой, безграничной силой и умопомрачительной энергетикой. Каждый трек способен передать именно то чувство сладости, находящееся на темной стороне. От начала и до конца альбома слушатель находится в этой тьме, которая проникает внутрь души, заставляя свет угаснуть окончательно. И с окончанием последней композиции, эта темная сторона выглядит настолько превосходной, что не остается ничего, кроме как примкнуть к ней.
"Чистым молотиловом" сей опус назвать язык не поворачивается. Акустическая гитара, орган, детский хор, намек на рок-звучание, и даже чистый вокал Нергала придают альбому шарм, заставляя его звучать более экстремально, как ни странно. Однако, мощь и злость стоят особняком и, вкупе с предыдущим, превращают "ILYAYD" в удивительную субстанцию, от которой веет, опять же, Тьмой. Планка качества не была опущена. Альбом прекрасно звучит. Как и предыдущая работа.
Концептуально, повторюсь, "I Loved You At Your Darkest" является продолжением "The Satanist", которое было грамотно реализовано. От сравнения с ним же не уйти, но это можно считать придиркой. Мы получили достойный сиквел, который способен потягаться за звание "Лучший альбом года".
|
| |
|
|
|
|
|
| Дамы и господа! Всех возрастов, готовых познать представление ужаса! Вы можете стать частью этого шоу, в котором можно оказаться не только в роли зрителя, вам отведена более важная роль, конечно же, в качестве участника. Шведские металлисты Avatar представляют вниманию своё новое шоу под название “Avatar Country”, где совместились все немыслимые фантазии нашего времени.
С музыкальной точки зрения, новая работа музыкантов - это прекрасное сочетание классической школы металла, как в композиции “Legend Of The King”, но в то же время музыканты тяготеют и к более брутальному звучанию, чему собственно и уделяет должное внимание вокалист команды Йоханнес Эккерстрём, используя достаточно экстремальную технику вокала, где купируется экспрессия во всей своей живости.
Avatar вобрали в себя довольно богатую техничную школу, взрастившись не на одном музыкальном наследии прошлого, и если учитывать родину музыкантов… Швеция весьма богата на металл во всей своей красе, так что сама судьба благоволила, что когда-нибудь на горизонте загорится яркая звезда, способная вытянуть весь тяжёлый фундамент, созданный отцами жанра, и оставленный, пускай и не до конца, но всё же без присмотра.
Ну, посудите сами, в музыкальном отражении в работе “Avatar Country” можно найти мелодичную брутальность, некогда созданную классиками жанра, вроде Dark Tranquillity и Amon Amarth. Не в буквальности, конечно же, скорее несколько интересно совмещение на первый взгляд разнополярности звучания. Прибавьте сюда ещё и живость рок-н-ролла, которой просто взрывается композиция “The King Welcomes You To Avatar Country”, и перед вами прояснится картина, рисованная творцами. Если брать в расчёт, что и музыканты довольно молоды, складывается приятное впечатление о том, что знамя не будет одиноко вбито в пустынную землю.
В целом творчество музыкантов, и в частности новая пластинка “Avatar Country”, отражает современное восприятие в классическом проявлении. Нельзя не отметить в этом плане и визуализацию, в которой находят свою жизнь образы Alice Cooper и Kiss. Конечно же, скажете вы, что же тут нового? Безусловно, это было и раньше. Но творчество - это бесконечная лестница, которая строится из одних и тех же ступеней, на вид они одинаковы, но с появлением новой мы, поднимаясь, становимся всё ближе к познанию истины, которая у каждого своя.
Шведы громко заявили о себе, дерзко и с огнём, свойственным довольно молодой команде. Если и сравнивать с первооткрывателями жанра, то благодаря громогласности, группе удалось проложить свою собственную дорогу в мире искушённом, при этом на всевозможной открытости создать непоколебимую индивидуальность.
Работа “Avatar Country” имеет в себе черты, которые отражают всё, что было создано ранее. Музыканты умело взяли это за основу и показали свой взгляд на металл, который уже по прошествии пяти десятилетий продолжает жить в зримости, и, пожалуй, останется в вечности. В особенности когда за дело берутся мастера. Ну а перед нами уже подняли занавес и приглашают в абсолютно новое шоу, так что всё внимание на сцену. Глядите! Глядите!
|
| |
|
|
|
|
|
| Перед нами типичный продукт своего времени в плане формы, а вот с содержанием здесь не так все однозначно. Стоит начать с того, что группа не отличается особой известностью, хотя флоридская прописка и творческая активность на стыке 80-х и 90-х должны были четче обозначить вывеску D.V.C. в истории жанра трэш/дэт. Если дебютный альбом своей дремучестью и напором оставлял мало шансов для музыкальных маневров, напоминая работы Ripping Corpse и Cancer, хотя уже и были свои ритмические детали и особенности, то вторая запись получилась более насыщенной на сюрпризы.
Склонность к техничности, как уже было сказано, проступала у этой банды с самого начала, чему не мешали резкие перепады темпа на «Descendant Upheaval», а даже улучшали старошкольную картину. «Molecular Shadow» принёс с собой как некоторое изменение ритмики, так и самой атмосферы треков. Уже самое начало альбома даёт понять, что наркотические вещества играли не последнюю роль в жизни коллектива, и в дальнейшем это находит ещё большее подтверждение – как пример, вплетение губной гармошки поверх вальяжного дэт трипа. Теперь стоит говорить о преобладании среднего темпа и наличии полноценного грува, хотя качество звука и вносит негатив засчет гулкости и в целом неважного уровня производства. Постепенно релиз начинает оказывать усыпляющее действие, и дело тут не в посредственности материала, а скорее в неторопливом и размеренном характере самих песен, предлагающих симпатичные моменты, но как-то ненавязчиво, опять же со смазанным саундом.
Противоречивая запись получилась, несколько кособокая, но занимательная в своём анахроничном сумбуре. Свои наработки у группы здесь проступают явственнее, чем на первом альбоме, но звук ощутимо хуже. Можно также допустить, что D.V.C. оказали какое-то влияние, потому что на «Molecular Shadow» присутствуют прото наработки, отшлифованные в творчестве Cephalic Carnage.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Molecular Shadow" от, мягко говоря, не обласканной славой группировки флоридских дэстеров под эксцентричным названием D.V.C. начинается, похоже, трибьютом сэббэтовской "Sweet Leaf", что-то булькает, кто-то кашляет, только на сей раз следует за этим не исполненный достоинства ортодоксальный метал, а другие динамики и другой этос.
Группу, нарекшую себя Церковью Дарта Вейдера, нельзя упрекнуть в излишней серьезности и верности канонам бурным цветом гниющего жанра. Но ничто не говорит о них и как о повернутых авангардистах, чужих на этом празднике жизни. Окромя аляповатой обложки, хотя это времена такого глобального неосознанного креатива, что подобная фантасмагория и экстравагантность могла ничего и не значить. Мало сделать броскую обложку, нужно и альбом чем-то начинить. Позвольте, а зачем олдскульному оголтелому коллективу 4 инструментала на альбоме, дофига живописцы? Оказалось, есть немного.
D.V.C. делают не сильно скоростной дэт с кашеобразным звучанием гитар, сухими скрипящими мелодиями (иногда проглядывает их психоделическая зажеванность), и взбалмошной серией ударных, будоражащих всю установку (уж как ни колотит тутошний стукач Тодд Томпсон, о бластбите и не помышляет). Признаться, сонрайтерство чуваков не сильно впечатляет основательностью и достоинством, но до определенного момента. В первой половине альбома творчество группы никак не может обуздать свою суматошную природу. При этом некая ритмичность присутствует, например, в
"Pig Latin Auctioneer" присутствует внушительный кач, а в "Sick with Experience" запоминаются, напротив, легкие прыгучие отбивки гитар. Вокал обоих гитаристов – один из которых напомнил мне старину Бентона (сл. отрывистое инфернальное харкание в "Bow of Mortis"), а другой – ван Друнена (сл. рассерженный хриплый рык в "Sick With Experience") – хорошо подходят архаичному, дикому дэту, хотя не сказал бы, что песни трещат по швам от лирики, напротив, инструментальная доля превалирует над вокальной. Саунд позволяет неплохо впитывать альбом со всеми его неочевидными решениями, хотя тяжести звучание группы почти напрочь лишено. Ну да вы понимаете, тут своя атмосфера, и как будто еще конец 80-х, когда «большинство альбомов <…> было сделано из дерьма и свиста» ©
Мне нравится этот альбом тем, что он реально живой, умеренно косноязычный и нестройный, чувствуется, знаете, свое видение и свое отношение, спонтанно вылезающие странности. И если в использовании звонкой и слегка плаксивой акустики паралелльно с грубым тусклым дисторшеном их еще можно заподозрить, то губной гармошки ("Ash") – никак нет. Заряженная акустической направляющей "Tallow" напоминает некий медиевистский эпос, самая артовая вещь диска "In a Gadda da Bhagavad Gita" – сначала авантюрный роман Томаса Майн Рида в кратком изложении, а затем уже научную фантастику через ретро-космические клавиши.
Стиль команды приобретает законченный вид лишь к "Remanent Ashes of Mortal Man". Взглянуть на разудалые cпортивные фотки этих ребят тех лет, и не подумаешь, что у них может быть тяга к симфоническим элементам на уровне раннего Therion. А вот. В обыгрывании мелодикой, которая, небрежная, но яркая, вдруг прорезалась в стиле коллектива, симфонических конструкций, и заключается главная прелесть коллектива, а то мы уж подумали, что они ничего внятного и не сыграют. Электронную зарисовку вроде "Ominous Dance" привычнее слышать у скандинавских команд эпической ориентации. Заключительный опус следует вышепроговоренным рецептам, там лютует барабанщик, а финал привязан к уже оформившейся симфо-традиции.
Мятежный, затрудненно поступательный, может, подчеркнуто нонконформистский по причине перемешанности интересов и идеалов в голове музыкантов, "Molecular Shadow" – облеченный в сырые формы творческий поиск под знаменами психоделии и не слишком величавой эпики, развращенной первобытным хаосом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Право же, археологические изыскания во флоридском подземелье приносят свои плоды. Подчас довольно неожиданные и, не побоюсь этого слова, парадоксальные. Взять хотя бы героев сегодняшнего вечера – шайку троглодитов под названием D.V.C., что на великий и могучий переводится как “Церковь Дарта Вейдера”, если, конечно, Интернет не врёт. Коллектив в 1992 г. разродился вторым и последним по счёту полноформатником и благополучно удалился за горизонт событий, оставив напоследок слушателям этакий “tribute to “Earache Rec.” bands”. Сейчас попытаюсь объяснить, что я имею в виду. Дело в том, что при прослушивании “Molecular Shadow” мою голову сверлила одна-единственная мысль: “Кто их надоумил скрещивать “Reek Of Putrefaction” и “Blessed Are The Sick”?” Именно такого вот двухголового гомункула произвёл на свет в своей творческой лаборатории сумрачный американский гений. Так что, при анализе и сравнении работы D.V.C. будем отталкиваться от творчества авторов вышеупомянутых нетленок. От дебютника Carcass мы имеем паршивый густой кишкообразный гитарный саунд с превалированием низких частот и практически полным отсутствием соло, а также барабаны, записанные так, будто Тодд Томпсон занимается избиением пустых картонных коробок. Хотя, признаться честно, у Кена Оуэна даже в 1988-м насиловать ударные получалось как-то забавнее, что ли? Но Тодд старается изо всех сил, и на том спасибо. Паркер Кнэпп и Гленн Лоухон, ответственные за разнообразные вокальные извращения (опять привет ливерпульским паталогоанатомам!), гитары и клавишные, глуховато орут-раздираются, но до исступлённого сатанинского рявканья Винсента или кровавого бульканья Стира и Уокера им далеко. Хотя нечто похожее на второе присутствует на первой полноценной композиции “Ash”. Читатель может справедливо заметить, мол, что ты тут распинаешься: Carcass да Carcass, а Morbid Angel зачем приплёл? А от творческого коллектива под управлением товарища Азагтота тут имеется привычка вставлять в канву чисто дэтового материала, перемежаемого грайндовыми молотилками, клавишно-гитарные и инструментальные интерлюдии, коих, не считая невразумительного интро, на диске насчитывается аж целых четыре штуки. Причем, несмотря на хронометраж, достигающий почти 6 минут у “In A Gadda Da Bhagavad Gita”, это именно интерлюдии, ибо как такового развития риффовых конструкций и мелодических линий в них не происходит, и композиции топчутся на месте. Либо парням было лень написать к ним какой-никакой текст, либо они таким макаром попытались как-то удивить слушателя, но особого смысла в таком финте ушами я не вижу. Заканчивая препарирование “Molecular Shadow” можно констатировать, что сей альбом на данный момент имеет сугубо археологическую ценность, и не более. У музыкантов был некоторый потенциал, но развить его у них банально не хватило таланта, или же материально-технических средств.
|
| |
|
|
|
|
|
| Чтобы перечислить добротные российские мат-рок команды, хватит пальцев одной руки. Weary Eyes — определенно одна из этих групп. Парни собрались в 2011 году в Москве и за семь лет проделали внушительный путь из амбициозных новичков во флагманы отечественного мат-движения. К 2018-му Weary Eyes пришли с багажом из шести релизов (от EP до записанных лайвов), опытом выступлений на одной сцене с Maybeshewill, 65daysofstatic, Dredg, And So I Watch You From Afar, Caspian и другими маститыми исполнителями, а также со своим видением и пониманием жанра и развития в нем. В августе квартет представил публике второй полноформатник "True North".
В основе "True North" сложная структура композиций, жанрообразующие полиметрика и полиритмика, но, по сути, на новом альбоме Weary Eyes делают шаг в сторону от кондовой математики к свободному инструменталу. Парни играют от души и то экспериментируют с размерами и уходят в танцевальные дебри (как в конце открывающей пластинку "Dreamer's Disease"), то отпускают фантазию в полет, что придает отдельным трекам мечтательность, романтичность ("Lightfighter", "V." и заглавная композиция).
«Мы просто делаем музыку, которая нам нравится», — рассказывает гитарист коллектива Эльдар Саламов. По его словам, в России мат-рок фактически умер: распалось много ключевых групп, остался в прошлом фестиваль «Матрошка». Изнутри сцена выглядит как горстка энтузиастов, пытающихся донести свои идеи до слушателя. При этом на международной сцене, отмечает Эльдар, появляется все больше групп, которые используют типичные для математического рока ходы и приемы в своей музыке (тут можно вспомнить Orchards, Signals и прочие тяготеющие к более попсовому звучанию команды). Да и сам мат-рок переживает в некотором смысле второе рождение: так, билеты на концерты недавно завершившегося реюнион-тура культовых эмо/мат-рокеров American Football были проданы в считанные часы.
В сложившейся ситуации Weary Eyes выбрали, кажется, единственно верную тактику: работать над собой и своей музыкой, развиваться и несмотря ни на что не терять себя. Важным моментом в эволюции группы стал уход барабанщика Томаса пару лет назад. На смену ему пришел Дмитрий Лобачев из Too Far East Is West, так что теперь коллектив существуют на два города — Москву и Нижний Новгород. Безусловно, это повлияло на то, как был записан "True North". Если раньше основную часть музыки Weary Eyes придумывали на репетициях, то теперь большой упор был сделан на технологии — ребята писали свои партии дома и отсылали демки Дмитрию, а тот подбирал к этому что-то свое и скидывал сдобренные ударными демки обратно московской «половине» (точнее ¾) и так далее. А еще диссонирующие гитары и сложные пары разбавили синты, за них в Weary Eyes, кстати, тоже отвечает Саламов. Словом, к моменту визита в студию у группы уже были практически готовые треки.
«Конечно, их пришлось доводить до ума, шлифовать, а где-то и вовсе полностью переделывать, но в целом процесс доказал свою состоятельность», — говорит Эльдар. Впервые за долгое время готовых демо у ребят было больше, чем треков, которые в итоге вошли на альбом, а помощь звукорежиссера Лео Переса с московской студии DTH при записи и сведении материала позволила добиться более грубого и местами даже сырого звука.
Впереди у Weary Eyes презентации "True North" в Москве и Санкт-Петербурге (6 и 7 октября соответственно) и новые горизонты: группу заметили на Западе, альбом собрал комплементарные отзывы в профильной англоязычной прессе. Что ж, хочется пожелать Weary Eyes успехов и лишь повторить мантру, легшую в основу альбома: «Мир катится в ад… и в такие времена важно не потерять себя и иметь какой-то ориентир, которому ты будешь следовать. — find your True North and you will never be lost again».
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.