|
|
 |
|
| Хоть некоторые музыканты и заявляют, что Metal сейчас переживает наивысочайший пик своей популярности, лично я недоволен теми поджанрами, которые тусуются на этом самом пике. Мне абсолютно неинтересны Death и Thrash Metal в их нынешнем виде, а Doom и Stoner я вообще никогда не слушал. Обиднее всего, что попутно образовалась тенденция к ретролюбству в сфере развлечений, будь то кино или музыка. И на фоне этого старые-добрые "паверщики", натянув на себя футболки AC/DC, начинают играть что-то наподобие раннего Manowar или Saxon, совсем забив на те наработки, которые были созданы в конце 90-ых.
Благо, Россия всегда отличалась тем, что догоняла чужую поп-культуру и моду. В этом мы похожи на японцев, только не так сильно гипертрофируем предмет восхищения. И милые сердцу мелодии, которые некогда создавали Edguy или Sonata Arctica, я не без радости услышал в новом ЕР Arida Vortex. Уточню, что речь идет не о заимствовании или плагиате, а о влиянии.
Все 4 трека являются, насколько я понял, новыми студийными записями. Оговорюсь лишь, что вроде только "Evil Sorcery" - трек с дебютного альбома, но заново записан и аранжирован. Новые песни являются безумно мелодичными хитами, с характерной риффованной структурой, гитары звучат по-тевтонски сухо, а соло скоростные, как бибикающая птичка из мультика про Вилли Койота.
Вишенкой на торте является заглавный трек "Small Toy Soldier": фантастически мелодичный хит, который обязательно будет заслушан мною до стадии ненависти, но ничего с собой поделать не получается. Таких боевиков я не встречал со времен последнего номерного альбома Unisoniс "Light of Dawn"... Как же этот трек назывался? "Exceptional", вроде.
Необходимо сказать и про главный повод выпуска ЕР - вокал Евгения Епишина (который просто обязан сменить фамилию для полноформатника на Элпишина). При прослушивании закрадываются сравнения с Ральфом Шиперсом и даже Андрэ Матосом - классический расщеплённый вокал... Я бы еще сравнил его с Витором Вегой, но уверен, что никто из вас не слушал Aquaria, чтобы понять о чем речь.
Лично для меня данный мини-альбом уже стал релизом года, потому что такую музыку в последние 10 лет приходится ждать, а то и вовсе мысленно хоронить. Искренне надеюсь, что данные песни останутся уникальными для EP и на новом альбоме будут, соответственно, новые хиты. Важно оставить впечатление об этих песнях ярким, и уникальность придаст им веса и значимости.
P.S. Позволю себе процитировать лидера группы, Романа Гурьева: "Хотите русской словесности, читайте Есенина".
|
|  |
|
|
|
|
|
| Знаете, я никогда не понимал для чего наши музыканты, наплевав на отечественную самобытность, начинают в ноль снимать европейские/западные штампы и исполнять свое творчество на английском языке. Нет, понятно, что он - международный язык музыки, но с таким произношением и акцентом это не делает творчество коллектива доступнее для европейцев. Не говоря уже о наших местных слушателях, кои исторически в массе не способны внимать какому-либо отечественному металлу, если он не исполняется на великом и могучем.
Первыми это прочухали музыканты Арии, позднее к ним присоединилась Эпидемия. Последними в этот поезд успели вскочить Catharsis. Остальные исполнители, пытающиеся что-то доказать Западу на его же территории, канули в безвестность. Собственно, за что боролись - на то и напоролись. Жалеть их глупо. Они сами выбрали такую судьбу.
Estate, судя по представленному материалу, усиленно стремятся разделить судьбу павших товарищей. Опыт вышедшего аж четыре года назад дебютного альбома так ничему и не научил коллектив. Такое ощущение, что музыканты не способны учиться на собственных ошибках.
"Mirrorland" - это всё та же "Fantasia" 2014 года. Разве что ставшая более пафосной за счет клавишной помпезности и приглашения пары европейских вокальных штрейхбрехеров, что роднит Estate с так называемой творческой лабораторией Forces United Кирилла Немоляева. Та же пыль в глаза при отсутствии реально хорошего материала.
Альбом звучит довольно пресно и затянуто. Всё это уже было сыграно и записано не раз, и на порядок лучше. Если отвлечься на что-то и задуматься, то сложно будет понять играет ли это всё та же композиция или это уже новое произведение. Слишком уж всё ровно. Без изюминки.
Estate - это, скорее, старательные ремесленники, исправно работающие по европейским шаблонам, нежели действительно творцы, способные принести в жанр что-то свое.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сложно объективно оценивать любимый альбом любимой группы. Особенно учитывая его культовый статус и заслуженное место среди самых легендарных и прогрессивных альбомов в истории металла. Но не написать о любви к этому гениальному произведению искусства еще сложнее.
1988 год. Metallica уже успела выпустить 3 альбома, которые ещё в то время стали классикой треша. Slayer выпустили просто невероятный по свирепости и скорости "Reign In Blood". Оскорбленный, но мотивированный Дэйв Мастейн потихоньку набирает обороты и штампует один за одним альбомы в стиле, претендующем на треш, однако лучшее его время начнется только через 2 года. Где-то на задворках андеграунда уже начинают набирать популярность экстремальные группы в жанрах Death, Black и даже Grindcore. Британская волна хеви-метала начала угасать, а мейнстримовый глэм-метал уже порядком достал искушенных любителей настоящей тяжелой музыки. Тем временем, калифорнийская четверка выпускает на людское обозрение нечто, что переворачивает представление как простого обывателя, так и заядлого меломана о метал-группах, которые то и дело поют о бухле, байкерской жизни или аццкой сотоне. В мире музыки появляется прогрессивный альбом-прорыв, не только явно опередивший свое время, но и до сих пор оставшийся во многом непревзойденным. Такого сочетания агрессии, высочайшей техники исполнительского мастерства и музыкальной эпичности, по крайней мере в жанре треш-метал, ещё не было. Был, конечно, непревзойденный "Master Of Puppets", который я считаю лучшим альбомом в истории музыки вообще, но всё-таки своим любимым - "Justice...".
Как-то немного даже нелепо в миллионный раз повторяться о достоинствах этого шедевра, ибо всё, что можно сказать об этом альбоме, уже давно сказано, а всё остальное - лишь простая интерпретация очередного слушателя. Поэтому я хочу попытаться взглянуть на этот альбом несколько в ином ракурсе. Почему я считаю Metallica лучшей группой всех времен и народов? Помимо истинно сильной музыки, смелого новаторства, и грамотного подхода ко всем необходимым компонентам, делающими музыку не только простой музыкой, но и культурным феноменом, "мастерписом" мирового искусства, мне всегда было до боли близко всё то, о чем пел Джеймс. Его подход к написанию текстов принципиально отличался от большинства не только трешевых групп, но и всех остальных металлических команд, особенно того времени. Концепция лирики изобилует самыми разными проблемами. Как масштабными (тема окружающей среды в "Blackened"; несовершенство судебной системы в "...And Justice for All"; проблематика цензуры и свободы слова в "Eye Of The Beholder"; война и отдельно взятая трагическая история о солдате, позаимствованная из романа Трамбо "Джонни взял ружье" в песне "One"), так и личные лейтмотивы (психический срыв в "Harvester Of Sorrow"; паранойя в "The Frayed Ends Of Sanity"; столкновение взрослеющего ребенка с жестокостью и несовершенством жизни в "Dyers Eve"). Однако, есть еще песня, в которой почти нет текста - это сильный и проникновенный инструментал "To Live Is To Die", в котором музыка расскажет лучше и убедительней любой лирики. Песня-реквием о погибшем соратнике и просто виртуозном музыканте - Клиффе Бёртоне.
Музыка. Каждому уважающему себя металлисту известно о самых главных отличительных чертах музыки на этом альбоме. Это прогрессивная структура песен и приглушенный бас. Но настолько ли всё ограничено в этом альбоме? Смешно. Музыка на "...And Justice For All" - это эталон металлического звучания. Альбом богат красивыми и одновременно сложными риффами Джеймса, виртуозными соло Кёрка, и зубодробительными барабанными партиями Ларса. Роль Джейсона Ньюстеда объяснимо отведена на дальний план, потому что музыкальных достижений Бёртона в рамках группы Metallica никогда и никому так и не удалось превзойти. Что мне всегда нравилось в Металлике (в отличие от большинства других групп), так это структура песен. Длинные вступления, где тяжелый и скоростной рифф не пролетает незаметно, а развивается, меняется в скорости и исполняется в разных вариациях, позволяя слушателю полноценно насладиться всей сочностью вступительной риффовой долбежки. Песни Металлики чуть менее, чем полностью, очень продолжительны. А на этом альбоме так и подавно. Отдельно хочу отметить всегда красивые и запоминающиеся соло Кёрка, а Джеймса Хетфилда я вообще считаю лучшим композитором гитарных риффов за всю историю металла. Альбом "And Justice For All" насыщен всем тем, за что я так люблю не только Металлику, но и тяжелую музыку в целом. Он - квинтэссенция всего, что так ценится в металле. Риффы, соло, стадионность, и культовый статус очень многих песен. Хочу также снова упомянуть о прогрессивности этого альбома не только по первичным признакам жанра, но и в плане опережения времени. Особенно это заметно в песне "Blackened", в середине которой можно заметить нечто похожее на так обожаемые металкорщиками брейкдауны. Очень примечательно длинное вступление в заглавной песне с использованием гитарных арпеджио, чумовое соло под конец песни с резким переходом в громоподобный гитарный рифф. Невозможно не отметить поражающую сознание, легендарную "One", со знаменитыми бас-бочками Ларса на грани бласт-бита, пулеметным риффом Джеймса, и сверхскоростным соло Кёрка. Ну а знаменитую лирику этой песни даже и напоминать не буду, ибо стыдно не знать такой классики. Присутствует на альбоме и стадионный хит "Harvester Of Sorrow", который живьем звучит невероятно качово и даже интересней, чем на самом альбоме. Но больше всего хочу отметить мой любимый инструментал "To Live Is To Die", с многочисленными изменениями в темпе и искаженным звучанием гитары в середине песни, напоминающем виолончель. Здесь привет Джимми Пейджу. А эмоциональный накал в конце этой композиции просто терзает душу и поражает своей эпичностью.
Я, конечно, понимаю, что в нашем бренном и нестабильном мире еще есть вероятность того, что остались люди, считающие себя металлистами, но не слушавшие этот альбом. Поэтому хочу обратиться к этой странной прослойке людей. Если вы не слышали этот альбом, то вы не слышали музыки. Этот альбом и есть музыка.
|
| |
|
|
|
|
|
| Валерий Кипелов редко балует публику полноформатными релизами. За шестнадцать лет сольной карьеры музыкант успел записать всего лишь три альбома. Причем последний писался, судя по представленному материалу, впопыхах и через силу.
"Звезды и кресты" стали квинтэссенцией сольного пути музыканта. Творческая импотенция коллектива сквозит буквально из-за всех щелей. За шесть лет, прошедших с выхода предыдущего релиза, музыканты смогли наскрести всего девять новых песен. Да и те при ближайшем рассмотрении оказываются совсем не тем, чем кажутся.
Композиция "Дама пик" представляет собой неавторизированный кавер на знаменитую композицию The Beatles "Come Together", а "Жажда невозможного" - это вялое прочтение бессмертной "Still Loving You" Scorpions. Самое удручающее, что этот псевдоблюз "написал" даже не сам Кипелов, а его сын. Вроде бы, вполне молодой человек, закончивший музыкальную консерваторию по классу виолончели, а всё равно не смог преодолеть притяжение отца, и не успев воспрять из гнезда - мигом скатился в так называемый советский сонграйтинг.
И так с абсолютно любой композицией на альбоме. "Ледяной дождь" - это подрастерявший боевой дух "Пророк" Сергея Маврина; "Выше" - что-то из неизданного Юрия Антонова; а главный, так называемый, хит альбома "Косово поле" - парафраз на арийскую "Всё, что было", и одновременно Дип-Пепловскую "Soldier of Fortune".
Отдельно отмечу вокал Кипелова. Большую часть композиций Валерий даже не поет, а просто мелодекламирует тексты. Иногда сваливаясь в откровенный речитатив. Иначе как халтурой назвать такое отношение к вокальной работе в группе имени себя нельзя.
А что же сами тексты? Ни для кого не секрет, что по официальной версии задержка любого альбома Кипелова была связана именно задержкой с текстами. Что ж, в этот раз Валерий видимо совсем загнал Пушкину. Поскольку всё это больше напоминает пубертатные вирши, которые каждый пишет в 13-14 лет, чем плод совместной работы двух зрелых людей.
Музыкальная часть полностью соответсвует текстовой. Выбросите из названия популярный бренд, и работа спокойно потеряется среди подобных ей команд третьего-четвертого эшелона русского хэви. Не знаю почему все в таком восторге от Вячеслава Молчанова. Возможно, когда-то давным-давно, еще в прошлом веке, ему довелось поиграть в интересном коллективе, но с тех пор музыкант не издал ничего интересного. Да и то, что он делает в рамках группы Кипелова, назвать качественной работой сложно.
Непонятно для чего нужно было посылать такой слабый материал на запад. Возможно, в музыкантах тлела надежда, что иностранные спецы смогут сделать из этого конфетку. Но чудес в жизни не бывает. Именно по этой причине в свое время с группой и отказался дальше сотрудничать Виктор Смольский. Слишком всё Кипелову досталось просто. За счет былых арийских заслуг. К которым он имел, как показало время, весьма отдаленное отношение.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вот уже свыше 15-ти лет апологеты французского дрон-метала, а именно коллектив, назвавшийся в честь самой известной в мире бабочки - "Monarch", мучает преданного ему слушателя (хоть и редкого) своими абстрактными музыкальными полотнами, вкупе с истеричным женским вокалом, где, как и положено жанру, по сути размыты рамки хоть какой-то музыкальной структуры. И хоть группа опирается на суровый минимализм, их музыку в действительности можно назвать одной из самых давящих и психопатичных на не столь обширной "шумовой" сцене. Однако, с выходом альбома "Sabbracadaver", музыканты существенно переосмыслили концепцию своего творчества, и выдали свой, если не лучший на сегодняшний день альбом, то уж точно удачную пластинку, которую захочется, как минимум, дослушать до конца!
Наконец-то в музыке Monarch стала прослеживаться четкая музыкальная структура композиций, где главенствуют выверенные думовые гитарные риффы, где есть вполне традиционная ритмическая составляющая и такой недвусмысленный акцент на мелодизм, что, по сравнению с ранним творчеством этой группы, вполне ошеломляет! Да, теперь это больше похоже на "присладжеванный" похоронный дум, нежели на абстрактный истеричный вопль в какофонии, что, разумеется, никак не может не порадовать. В огромный плюс альбому очень хорошее сведение материала и, в особенности, панорамирование вокала. Не секрет, что вокалистка Emilie Bresson использует кучу разных обработок для своего голоса, и именно в этом альбоме вокал разложен как никогда гармонично. В копилку подхалимажа также стоит отметить удачную компоновку треков, где в действительности очень сильная по своему настроению "Pentagrammes" сменяется проходной "Louves", и напрочь убивает слушателя концептуальной композицией "Mortes".
В итоге, 46 минут чистого безумия и истеричной исповеди от музыкантов, которые очень сильно выросли в творческом плане, и сотворили хоть и маленький, но шедевр! Который, конечно же, всё еще тяжело слушать рядовому меломану, но благодаря огромной проделанной работе по переосмыслению концепта своего творчества, вполне можно. Особенно если тянет на что-нибудь такое ультра-замедленное, с преобладающей долей мистико-оккультной тематики.
|
| |
|
|
|
|
|
| Подводя определенные итоги творческого пути Rammstein с середины 90-х и по наши дни, я заметил, что в основном эти немцы запомнились только как мастера эпатажа. Большинству людей, разумеется. Нужно сказать, что раммштайновский эпатаж и правда всегда достигал своего эффекта: их пиротехнические шоу, их шокирующие клипы, их бескомпромиссная лирика - буквально всё бросало вызов конформизму. Хотя, если уж вы настолько почитаете эпатаж и умение шокировать, то помимо Раммов в свое время всплывали и более шокирующие группы с куда более шокирующими клипами. Лично я всегда любил Rammstein в основном за их музыку, но я не ханжа и эпатажных умений этой культовой, во всех отношениях, группы я никогда не отрицал. Помимо их незаурядного творчества меня всегда восхищал вокал Тилля, от которого мне могло быть тепло и холодно одновременно - настолько проникновенно может петь этот коренастый, немецкий боровик.
Не питая лишних иллюзий, я всегда понимал, что творчество Rammstein заведомо было нацелено на весьма широкую аудиторию потенциальных слушателей. Правда называть Раммов попсой (в традиционном понимании этого слова) я считаю моветоном и откровенным проявлением нелюбви к их творчеству. Несмотря на MTV'шно-попсовый бум 2001 года, альбом "Mutter" я считаю вершиной творчества Rammstein. Кончиком условной пирамиды, когда первые альбомы плавно поднимались на более высокую степень качества, а после "Mutter" уже следующие альбомы так же плавно пошли по нисходящей. Всё-таки я склонен считать, что не столько Rammstein сделали этот альбом "попсовым", сколько люди "по-попсовому" на него отреагировали.
Написанием этой рецензии я, прежде всего, хочу отдать дань уважения этой группе, которая в далеком для меня 2001-м году открыла страсть к тяжелой музыке. Если вы пристрастились к металлу, начиная с таких групп как Metallica или Slayer, могу только позавидовать вашему умению слушать. Потому что для меня, на тот момент еще 11-летнего пацана, такие виртуозы были пока сложноваты для восприятия. Их я открыл для себя немного позднее. И хочу сказать, что роль Rammstein и альбома "Mutter" в частности, сыграла в этом идеально подходящую роль. Уверен, не я один приобщался к тяжеляку именно с Раммов, и именно с этого альбома.
Если вдруг среди посетителей раздела "Рецензии" на этом замечательном сайте окажется тот мизерный процент людей, которые не слышали целиком этот альбом, я настоятельно рекомендую с ним ознакомиться. Даже если вы метал-сноб и не являетесь любителем Industrial Metal или, боже упаси, Neue Deutsche Härte, как не крути, это именно тот альбом, который должен попасть в папку "Прослушано" на жестком диске вашей памяти.
Теперь о моем любимом - о музыкальном материале. Ну что может быть более эпичным, чем ТАКОЕ открытие альбома, как тяжелая "Mein Herz Brennt" с элементами симфонии, от которой у меня до сих пор мурашки по коже при каждом прослушивании. Ни в коем случае не хочу сказать, что в альбоме абсолютно нет неудачных песен. Для меня таковыми являются только марш "Links 2-3-4" и детская "Spieluhr". Все остальные - либо шедевры, либо стопроцентные хиты, либо просто очень качевые песни в самых лучших традициях Раммов. Ну нельзя не отметить заслуженные хиты: "Sonne", "Ich Will", "Feuer Frei", легендарную балладу "Mutter" и нераскрученную балладу "Nebel". Тут есть и скоростные "Zwitter" и "Adios", а тяжеленнейший рифф в "Rein Raus" просто сносит башню.
Подводя итог, хочу сказать то, что сказал ранее - этот альбом идеален для тех людей, кто по какой-то нелепости еще не успел влюбиться в тяжелую музыку. "Mutter" поможет сделать этот процесс приятным, плавным и, в то же время, неожиданным.
|
| |
|
|
|
|
|
| Откуда и как, по сути, появился Black Metal? Молодежь, замученная бесконечным засильем ночи над днем, и всепоглощающим северным холодом, обладая огромным количеством свободного времени, хотела найти применение своей безудержной энергии. Были взяты самые простые компоненты: национальная принадлежность, гитара и злость. Вылилось это в не совсем понятные мне до сих пор группировки, которые не придумали ничего лучше, чем жечь церкви, резать геев и даже самих себя.
Благо, единицы, обладающие не просто талантом и благородным видением своей идеологии, но так же и невероятным потенциалом, смогли наполнить жанр большим количеством элементов, благодаря чему мы сейчас можем слышать музыку Enslaved, Satyricon, Borknagar, и, ко всему прочему, творчество Андреаса Хэдлунда, более известного всем под именем Vintersorg.
Двадцать лет Vintersorg вытачивал свою музыку, создавая либо очень сильные, либо просто приятные уху альбомы. "Till fjälls, del II" стал своеобразным подведением итога пройденному пути. Очень интересно альбом слушается в связке с первой частью, вышедшей в далеком теперь 98-ом году. Между альбомами есть мелодические пересечения, но "Del II" звучит всё же иначе, с точки зрения структуры. Например, вокал звучит в разы профессиональнее и мелодичнее, что кажется очевидным, но таким образом мы и можем почувствовать разницу в 20 лет. Музыка стала более динамичной, в отличие от размеренного и неторопливого дебюта.
Но почему же именно "Till fjälls, del II", а не просто очередной альбом? Я, к сожалению, шведского не знаю, поэтому не могу судить о концептуальной составляющей, но мне заметна возросшая, в сравнении со своими тремя предшественниками, лиричность альбома. И эта самая лиричность была присуща ранним альбомам Vintersorg. Возможно, шведский мультиинструменталист в процессе сочинения и записи сам почувствовал некое возвращение к истокам, а название "Till fjälls, del II" вполне могло бы быть заменено на "Ödemarkens son, del II", но согласитесь, параллель с дебютом выглядит солиднее.
Положа руку на сердце, можно с уверенностью сказать, что Vintersorg не опускает планку качества, а наоборот, старается её заметно выше поднимать с каждым разом. И тем приятнее слушать "Till fjälls, del II", потому что альбому присвоен статус очередной точки отправления, перешагивая через которую можно не без ностальгии оглянуться назад, вспоминая прошлые две декады, испытывая при этом чувство гордости.
|
| |
|
|
|
|
|
| Джин Симмонс, помимо прочих заслуг, некогда изрек две мысли: "Я жду смерти рэпа" и "Рок мёртв". Почему я вспомнил данного товарища? Ну, во-первых, внешне он ничем не отличается от типичного представителя Black Metal-сцены, а во-вторых, он прав. И пусть я не считаю, что между жанрами Rock и Metal можно поставить равенство, но современные реалии позволяют перефразировать фразу в "Metal мёртв".
Некогда популярная категория - группы со словом "Symphonic" в названии жанра - переживают нелегкие времена простоя и самоповтора. Не стоит вспоминать Sirenia, которые с 2007-ого года продолжают играть одну и ту же песню на каждом новом альбоме, или Blind Guardian, которые уже просто запутались в собственных амбициях. Эти товарищи хотя бы стабильно подают сигнал бедствия раз в 2-4 года, благодаря чему еще могут рассчитывать на спасение. А что теперь делать Therion и Dimmu Borgir, заплывшим однажды в Бермуды, но подавшим маячок только сейчас?
Аналогия с морем и кораблями взята не ради красного словца. Во-первых, в музыке "Eonian" очень много "воды". Структура всех песен будет знакома слушателю с первого прослушивания. Причем, речь идет не о славном "постоянстве", ведь раньше норвежцы старались делать свои альбомы разными, каждый раз прибавляя в спорном (симфонизм на "Death Cult..."), либо усиливая характерное (брутальщина на "In Sorte Diaboli") для жанра Black Metal. За что можно зацепиться при прослушивании "Eonian"? Не за что. Каждая удачная мелодия либо теряется, либо затягивается.
Во-вторых, скрип Шаграта. Возможно, дает о себе знать возраст, но как же много стало Dani-подобных проговариваний и нашептываний! И атмосфернее от этого музыка не становится, а динамика заметно падает. Вообще встает вопрос о необходимости вокалиста в Dimmu Borgir, ибо с данной функцией во всех песнях успешно мог бы справиться хор.
А ведь между выходом "Abrahadabra" и “Eonian” прошло 8 лет. Нет, не в смысле, что я все 8 лет сидел и ждал. За этот срок некоторые слушатели успели завести детей и отправить их в школу, а Dimmu Borgir смогли разродиться только посредственным "Eonian". Те же приснопамятные Morbid Angel громыхнули своим "Illud Divinum Insanus", а потом трусливо чихнули "Kingdoms Disdained". Cradle Of Filth за эти 8 лет умудрились выпустить худший, спорный, долгожданный и нормальный-пойдет альбомы.
За 8 лет, используя ресурсы и влияние, которые безусловно присущи Dimmu Borgir, группа просто обязана создать альбом, из-за которого люди начнут сношаться со всем, что попадется, даже с мебелью. Но норвежцы решили обесценить свой статус, создав альбом, на который хочется только лишь кликнуть правой кнопкой мыши и выбрать пункт "удалить". И если возвращаться к началу нашего расследования, то можно сделать вывод о том, кто мог стать соучастником убийства.
|
| |
|
|
|
|
|
| 8 лет - это тот срок, за который, думаю, даже обезьяну можно научить играть что-то похожее на музыку, а уж от группы, стаж которой насчитывает более 20 лет творческой активности, можно было ожидать что-то, что будет выглядеть посерьёзнее банального отбывания номера. Да, были у норвежцев и падения, и смены состава, но “Abrahadabra”, вышедшая как раз после устранения Vortex’а и Mustis’а, получилась незаурядной и вполне могла бы претендовать на роль отправной точки для нового витка карьеры.
Если смотреть в плоскости стилистики, то так и произошло, “Eonian” явно имеет больше общего с А., нежели с условным “In Sorte Diaboli”. Но структурно он выглядит богаче своего, местами дырявого, предка. Но чтобы познать масштабы этого богатства придётся основательно поработать, так как разнообразие здесь палка о двух концах. Песни с 1-й по 8-ю я слушал, сидя в позе "Мыслителя" Родена, стараясь не пропустить потенциальные вкусности в водовороте событий. В этом я преуспел, но перед этим мне пришлось икать до посинения: от очевидных ещё с “Abrahadabra” сходств с Nightwish и Therion, заканчивая совсем уж дичью, типа Epica (!) и Lacrimosa (!!!). Ребята, я честно закусывал. Что до положительных сторон, то помимо редких мелодических вкусняшек обращают на себя внимание клавиши. Совершенно олдовые приёмы, в виде то характерного “бульканья”, то хоральных “стонов”, будучи по старинке обильно натыканными по поверхности песен, ощутимо преображают, казалось бы, совершенно обыденный симфо-метал. “Lightbringer”, например, по этой причине отсылает в прошлое сильно глубже не только “Abrahadabra”, но и двух его предшественников. Да и вообще, чем дальше в лес, тем адекватнее становится картина. Если в течение первых 5 песен ещё проскакивали мысли вырубить эту шарманку (“Ætheric” как бы совсем не спасала положение), то далее интерес оживал пропорционально с каждой следующей песней, а на “Alpha Aeon Omega” был высок риск закончиться на месте. От этого эпического до усрачки вступления, где ведущая мелодия распирается просто-таки олимпийским энтузиазмом, я готов был вытрахать душу даже из собственной мебели. Такого поражения от симфонического метала у меня не было со времён, наверно, “Agony” Флешгадов. И плевать, что куплетная часть потрачена подчистую, припев зарешал безбожно. Ну а венец “Eonian”, инструментальная “Rite of Passage”, стала эдаким логичным нисхождением в царство Аида. Никакой паники, никакого страха, только тихие, уверенные шаги навстречу Концу. Самый самодостаточный трек альбома.
Подводя итоги:
Откровенных провалов в плане песен здесь на удивление мало, совсем ненужной назову только шаманскую лопату “Council Of Wolves And Snakes”, которая на поприще атмосферы, да ещё и в самом начале, не вывезла абсолютно. “Interdimensional Summit” в общем контексте зазвучала поживее, но всё равно кажется пустой и слишком уж палит свой статус сингла-затравки, а “The Unveiling” просто тупо замусорена хорами. Загвоздка в том, что и отменных вещей тут раз-два и обчёлся. Совершенно нубское (по-другому это не назвать) расточительство достойных ресурсов в доброй половине песен перекрыло кислород по-настоящему хитовому альбому.
Звук. Bogren веников старается не вязать, и на “Eonian” он тоже держался достойно. Да, здесь, как и на предшественнике, не хватает “жести”, но, в общем и целом необходимый минимум был соблюдён. Но! Как только дело доходит до бластбитов - ударные резко трусят и альбом чудовищно проседает в мощи. Это очень обидно.
Похоже, что этот альбом рождался 8 лет? Нет. Dimmu Borgir могли материал такого уровня выдать и в 2012-м, выглядело бы это куда более логично по горячим следам “Abrahadabra”. Если кто-то действительно ждал чего-то за гранью, опираясь, как написано в прологе рецензии, на временной фактор, то тут можно только пособолезновать – ожидание запросто могло сыграть с ними злую шутку. Лично с моей стороны серьёзная претензия только одна: за такой срок, может, и позволительно не написать прорывной материал сам по себе (у кого чем голова забита, как говорится), но точно можно было решить вопрос реализации имеющихся мыслей. Потому что вот этот синдром идей, бегущих впереди реализации, простителен новичкам, но не взрослым лбам, у которых за плечами 8 альбомов.
|
| |
|
|
|
|
|
| “Сколько же есть вещей, без которых можно жить!”
(Один древний грек, обпившийся цикуты)
А стоило ли? Именно этот вопрос терзал мой межушный ганглий при прослушивании новой работы “Тёмной Крепости”. Проблема не в том, что “Eonian” плохой или наоборот – хороший альбом Dimmu Borgir. Дело в том, что он не нужен. Вообще. 8 лет молчания наводили на вполне определённые мысли о полной творческой импотенции некогда славного коллектива. Мысли эти подогревались периодическими высказываниями самих музыкантов о том, что у них нет никакого материала. Но видимо боссы Nuclear Blast, потрясая контрактом, надавали пинков под зад норвежским лодырям. И вот: мы имеем то, что имеем. “Eonian”, прости господи. Технически к альбому претензий, за исключением старческого кряхтения Шаграта (которое меня раздражает уже 17 лет кряду), нет никаких. Записано всё просто великолепно – иначе и быть не могло. Хор, оркестр – всё на своём месте. Проблема в самом материале: он бесконечно уныл и тосклив. Несмотря на заверения Силеноза никакого “возвращения к корням” не произошло, блэка нет вообще. А есть какой-то невразумительный симфо-хрен-пойми-что-метал, с закосом под Therion. Три постоянных участника коллектива за прошедшие годы после выхода “Abrahadabra”, так и не смогли выжать из себя путных риффов и мелодий, а уж тем более слепить из них хорошие композиции. И никакие хоры и оркестровки не в силах задрапировать всю пустоту и убожество песен с “Eonian”, апофеозом никчёмности которых является абсолютно тупорылая “Council Of Wolves And Snakes”. В итоге, Dimmu Borgir выпустили альбом, в котором кроме симфонических “украшательств” нет ничего. Возвращаясь к вопросу заданному в начале рецензии, могу сказать, что нет, не стоило.
|
| |
|
|
|
|
|
| Почти в каждой стране мира кипели свои музыкальные страсти, не отставала от музыкального мира и маленькая горная Швейцария. Но эта страна так и не стала синонимом слова "рок". Наряду с часами, банками и Альпами швейцарская музыка не сумела поставить миру мало-мальски крепкие имена, что могли бы прославить страну и закрепить за ней ассоциацию одного из рок-центров Европы.
Трио с забавным названием "После бритья" из Берна было одной из многих локальных групп, бывших звездами на родине и слегка засветившихся за ее пределами. Но, увы, находящихся нынче в длинном списке забытых имен. Их два альбома, записанные за шесть лет существования коллектива, были весьма интересны, но успеха группе не принесли.
На пластинках запечатлен не самый жесткий, но достаточно звонкий хард с некоторым влиянием прогрессива, но построенный на ритм-н-блюзовой основе. Музыка начинает радовать с самых первых нот, энергичное начало задает тон всему альбому. Невозможно не отметить работу грохочущего баса, соперничающего с гитарой по сложности партий, но не забирающего всё внимание, а составляющего достойный дуэт гитаре, очень лихо нарезающей сдвоенные соло ничуть не хуже Judas Priest и Iron Maiden, признанных мастеров своего дела. Но, конечно же, с учетом жанровых особенностей - After Shave делали хардовый блюз-рок с оглядкой на психоделию 60-х, который к хэви пока еще отношения не имел.
На фоне струнных ударные звучат очень интеллигентно, вежливо оставаясь чуть позади. Но это, скорее, говорит о том, что запись явно требует доработки, потому как в некоторых местах не сбалансированы дорожки отдельных инструментов. Выпирающий бас бросается в глаза, вернее, в уши. Но это не мешает общему впечатлению от музыки, умеренно жесткой, умеренно мелодичной и созданной достаточно грамотно для того, чтобы выглядеть энергично и без провалов, будучи сыгранной лишь тремя музыкантами. Материал не отличается однородностью. В отдельных местах солирует акустическая гитара, причем сделано это не ради какой-то дополнительной красоты. Инструмент толково вписан в контекст песен и гармонирует с остальными треками в альбоме.
К слову, за жесткость музыкантов, бывало, осуждали: "Группа могла бы быть неплохой, если бы гитарист не использовал так много дисторшна", - заявил один из критиков после дебютного концерта в 1968-м. Хотя это и странно: к тому моменту Джими Хендрикс, поражавший мир необычным звуком, и Эрик Клептон с коллегами были на пике, активно громыхали The New Yardbirds, что чуть позже обратятся в Led Zeppelin, и многие другие активно использовали фузз, доказывая коммерческую и художественную успешность этого приема. А к выходу дебютного альбома и Deep Purple уже давно выпустили "In Rock", звучавший гораздо тяжелее, гитара Мика Бокса из Uriah Heep рычала не менее знатно, не говоря уже о Black Sabbath и прочих героях хард-рока и глэма, рядом с которыми звук After Shave вовсе не казался чем-то экстремальным. Они создавали свой музыкальный продукт под явным влиянием Джими Хендрикса и Cream. Но для страны, не привыкшей быть в центре европейской рок-движухи, трио действительно могло казаться тяжелой рок-н-ролльной группой. Изобретательной группой, с сильным потенциалом, но, увы, канувшей в Лету. Компания EMI разглядела в них перспективы, но поставила условие - название сменить. И с 1972 по 1975 годы коллектив действовал под творческим псевдонимом Slick. Также не самое удачное название, по сравнению с которым оригинальное After Shave по крайней мере привлекало внимание своей необычностью. Но в любом случае, группа не смогла пробиться, и EMI разорвали с ними контракт, положив конец их карьере.
|
| |
|
|
|
|
|
| После двух ураганно мощных альбомов в рамках проекта Devil You Know, Говард Джонс сотоварищи выпускают свое новое, заслуживающее внимания творение. Теперь уже под новой маркой Light the Torch. Не хочется надолго останавливаться на смене названия группы, но, для общего понимания ситуации, расскажу. Теперь уже бывший ударник "Дьявола, которого вы знаете" Джон Сэнки, оказывается, был занят своими личными делами в то время как "Дьяволы" гастролировали и были вынуждены искать подмены барабанщика. Т. к. ситуация затянулась, а Сэнки и не думал возвращаться, Говардом и компанией было принято решение об увольнении Джона (Devolved, Divine Heresy, Fear Factory). На этом история не закончилась и спустя год музыканты всё еще пытались урегулировать вопрос, пытаясь выкупить долю в названии группы. В общем, договориться о цене ребята так и не смогли, и Сэнки решил остаться владельцем названия. Типичная история юридического характера. Лично мне неважно, Devil You Know или Light the Torch. "Зажги факел" тоже вполне подходящее под музыку группы название. Что для меня важно, так это классная, драйвовая музыка этой группы, и особенно их главная фишка - выдающийся вокал Говарда Джонса. Если вы еще не ознакомились с первыми двумя альбомами Devil You Know - спешите это сделать. Если являетесь почитателями стиля металкор, то разочарованными не останетесь почти на 100%. Всё-таки уход из Killswitch Engage положительно отразился на Говарде. Было понятно, что на последних альбомах группа находилась в творческой стагнации, и Говард нуждался в новом вызове. Теперь о начинке альбома: выходу официального релиза "Revival" предшествовало два сингла, среднетемповый "Die Alone" и скоростной боевичок "Calm Before the Storm". Порадовали оба. Запоминающиеся припевы, все в лучших традициях DYK. Кстати, первое что бросилось в глаза при прослушивании данного альбома - стало гораздо больше чистого вокала. Думаю, почитателей школы свидетелей вокала Джонса это порадует, как это порадовало меня. Но это вовсе не значит, что альбом совсем уж обделен экстремальным вокалом ("The Sound of Violence"). В основном, диск изобилует качовыми, среднетемповыми песнями (особенно хочу отметить "Die Alone" и "Lost in the Fire"), но присутствуют и зажигательные ("Calm Before the Storm", "Raise the Dead", "The Bitter End"). По качеству звука материала буду краток: какие-либо претензии просто смешны, он идеален. Нужно сказать, что Франческо Артусато (All Shall Perish) замечательно справляется с ролью основного композитора группы. Его риффы действительно тяжелы и, когда надо, быстры. В общем, если вы по какой-то причине еще не успели ознакомиться с двумя альбомами Devil You Know, то спешите исправлять этот пробел, если, конечно, любите добротный металкор. Найдете целый ворох пулеметных песен с красивыми, запоминающимися припевами. А что касается "Revival", то альбом заметно потерял в агрессии, но зато Говард дал возможность сполна насладиться красотой своих вокальных партий без приставки "экстрим". Ну и без хитов, разумеется, тоже не обошлось. Продолжение творческого пути экс-участников DYK, в лице "Возрождения" Light the Torch, я считаю более чем достойным.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как ценитель музыки Мэнсона, я разделяю его творчество на 3 условных периода: ранний, до 1998 года (с Берковицем/Зим Замом на гитаре); золотой период, с 1998 по 2003 (Мэнсон, Джон 5, Рамирес, Фиш, Гейси); и поздний период, начиная с разрыва творческого тандема Мэнсон-Рамирес, заменой последнего на Тима Скольда, и началом бесконечной череды перемен в составе на каждой позиции. Думается мне, что Уорнеру надоело ставить на уши весь мир, и после "Гротеска" 2003 года Мэнсон начинает писать музыку не для масс, как раньше, а нечто сугубо личное. Должен признать, что наблюдать за парадигматическим сдвигом в системе сознания такого гениального музыканта, как Мэрилин Мэнсон, было всегда чертовски интересно. Однако, ближе к альбому "Небеса вверх дном". Как вы уже поняли, этот альбом явно не претендует на звание хитовости. Вы уже точно не встретите забойных хитов и боевиков вроде "mOBSCENE" или "The Beautiful People". Взамен, Брайан Уорнер предлагает окунуться в новый мир его музыки, которая местами радует принципиально новым подходом. Что ни говори, но когда речь идет о "Heaven Upside Down", трудно удержаться, не сравнивая его с предыдущими альбомами, записанными уже в 21-ом веке. Сам автор еще до выхода альбома обещал, что новый материал будет выдержан в лучших традициях "Antichrist Superstar" и "Mechanical Animals". Смелое заявление. Лично я ничего подобного не услышал и не скажу, что это плохо. Кроме того, Мэнсон говорил, что новый альбом не будет похож на предыдущий и я с ним согласен, но всё же в некоторых песнях прослеживаются те же блюзовые мотивы, что и на "The Pale Emperor". Тем не менее, альбом самобытен. Качество звука, как всегда, на высоте. Было бы странно, если бы было иначе. Теперь самая приятная часть - песни. С большим удовольствием выделяю качовую "Tatooed In Reverce", атмосферную "Saturnalia", и лирическую "Blood Honey", которая является самой яркой жемчужиной этого альбома. Эти 3 вещи самые крутые. Немного слабее, но тоже неплохие "Revelation #12" и "KILL4ME". Остальные песни меня вообще не зацепили. Есть некоторые с претензией на хитовость, но провальные, либо песни-пробелы, которыми часто заполняют альбомы. Однако, общее впечатление они не сильно портят. В остатке мы имеем хороший, как обычно качественный материал, который, однако, немного проигрывает предыдущему альбому. Но не намного. Самое главное - Мэнсон до сих пор поет красиво и проникновенно. Этого у него не отнять. Выше 7 поставить этому альбому сложновато, хотя и хотелось бы, но не ставлю выше, потому что 8-9 заслуживают все предыдущие альбомы 2000-х, а 10-ку - альбомы 90-х.
|
| |
|
|
|
|
|
| Змеи и лестницы. Простенькая настольная игра, популярная в Европе и Штатах. Суть её сводится к перемещению игроков по полю с особыми клетками: дойдя до лестницы, игрок может перескочить несколько клеток на пути к заветной цели, а нарвавшись на змею, наоборот скатится на несколько шагов назад. Забава незамысловатая, но несомненно является неплохой метафорой нашей с вами жизни со всеми её неожиданными взлетами и падениями. Если применить подобную терминологию к подопытной швейцарской команде Shakra, можно сказать, что их предыдущий альбом был скорее ближе к змеям: неплохой в целом диск, но отнюдь не прорыв. Качественный звук уравнивался отсутствием ярких и запоминающихся композиций.
Новая работа, в отличие от "High Noon", определённо претендует на звание лестницы, пусть и не в масштабе стиля, но в дискографии группы уж точно. Тон задаёт открывающая композиция "Cassandra's Curse", настраивая на волну таких солидных деятелей мелодичной харды как House of Lords, Mad Max и отчасти даже Magnum. Прибавьте к этому вкусное, яркое звучание вкупе с традиционным вокалом, и получите достойное произведение. На этом можно было бы и ставить точку, но не следует забывать, что отличает просто хорошую работу (из тех, что выходят пачками в год) от выдающейся. Для доступной и коммерческой музыки вроде Shakra этим мерилом становятся хиты: песни, которые намертво цепляются за мозг и вертятся в нем неделями. Которые настойчиво обращают на себя внимание при прослушивании диска фоном, заставляют руки тянуться к пульту, чтобы нажать повтор, и, в идеальной вселенной, отправляются на радио. Вот на прошлом альбоме такого не было. "High Noon" хорошо звучал в фоновом режиме, создавая атмосферу, но зацепиться там было не за что. "Snakes & Ladders", напротив, можно сказать, изобилует подобными композициями. Помимо эффектной открывашки очень хороши концертный распеватор "I Will Rise Again", проникновенные баллады "Open Water" и "Something You Don't Understand", и боевик во cлаву заслуженной после тяжких трудов пьянки "Friday Nightmare". Их сила в том, что даже при потоковом прослушивании они заявляют о себе, радуя то мощным припевом, то потрясным соляком.
Разумеется, филлеры тут тоже присутствуют: просто ровные композиции, такие как "Rollin'", без изысков и прикрас, где примитивизм компенсируется сочным звуком и ритмическим качем. Но даже они не портят картину, оставаясь, если вернуться к терминологии игры, пустыми клетками.
Забавно, хоть альбом и называется "Snakes & Ladders", ни одной змеи на нем замечено не было; видать, все гадины расползись кусать рок-пенсионеров за морщинистые пятки. И поделом им. Швейцарцев же можно поздравить с хорошей работой и пожелать им, чтобы хитроумные кости судьбы забрасывали их только на клетки с лестницами.
(Диск предоставлен компанией FONO.)
|
| |
|
|
|
|
|
| Lord Tracy - группа, в которую ушел фронтмен Pantera Терри Глейз, когда в 1986 году его сменил Фил Ансельмо на посту вокалиста. Для возрастающих требований команды, взявшей курс на утяжеление, силы глотки Терри уже не хватало, а в новой группе, работавшей в традициях глэма, он пришелся весьма кстати. Дальнейшую историю "большой черной кошки" знают практически все, а вот судьба новой группы Глейза не сложилась.
Глэмовый квинтет просуществовал лишь шесть лет, а когда схлынула волна "волосатых гламурных металлистов-хулиганов", уступив место нечесаным пацанам в рваных джинсах из Сиэттла, распался. В 1985 году появление группы в числе множества подобных было лишь логикой времени, и Lord Tracy оказался очередным ребенком эпохи хейри-80-ых. И так бы и остался одним из легиона, если бы не первый альбом, выпущенный в 89-м. Нет, он не поднял группу на вершины популярности и чарты не взорвал. Он вообще провалился, оказался невостребованным большинством слушателей. Но сейчас пластинка считается знаковой в жанре за счет юмора и стеба, пронизывавшего всё творчество группы.
Впрочем, оценить этот юмор и стеб смогут лишь знающие язык и вслушивающиеся в тексты. Музыкальное содержание альбома оказалось вполне стандартным для всех подобных коллективов - задорный хэви рок-н-ролл, хрипотца в вокале, обязательно приятная баллада для девочек, дабы помечтать, и для мальчиков - потанцевать с девочками медлячок. Сатирическую составляющую отражают пара музыкальных вставок по полминутки - мощный ударный запил, да нетрезвый акустический блюзец. В большинстве песен представлены стандартные ходы, гитара не привносит в музыку ничего принципиально нового, но играет весьма крепко, работа ритм-секции так же радует грамотным подходом. Вокал Глейза отлично подходит для жанра, хотя выдающимся его не назвать. Но и группа никогда не претендовала на звание новаторов, а просто хорошо играла свою музыку.
Однако совсем стандартной, неотличимой от других, команду не назвать. Если бы в раскрутку дебютной пластинки вложили бы чуть больше, группа вполне могла бы стать одной из икон жанра, потому что некая самобытность в творчестве имелась. Веселый рок-н-ролльный хард-глэм-рок с приятным звуком явно украсит коллекцию любого ценителя жанра.
|
| |
|
|
|
|
|
| К концу 80-х ситуация в СССР так настойчиво требовала перемен, что можно было смело говорить: Советского Союза, в привычном понимании, уже не было. Оставалось лишь название и символика. Благодаря действиям команды нового руководителя, за рубежом вдруг проснулась мода на русское. Матрешки, балалайки, гласност-перестройка и прочие медведи плотно обосновались в сознании среднестатистического американца. И группа "Парк Горького".
В течение недолгого, к сожалению, времени, пока длился этот интерес к советской клюкве, группа сверкала по ту сторону океана, пытаясь сделать карьеру на волне, запущенной Михалсергеичем в сторону "загнивающего Запада". И карьера вполне могла бы сложиться, ибо поддержку "горьковцам" оказывал Джон Бон Джови, который в мире американского хард-н-хэви был чем-то вроде Киркорова. Потому альбом и получился таким "американским" по звуку, на порядок выше качеством, чем работы соотечественников, записанные в СССР.
Джон не только спродюсировал первый альбом и поучаствовал в записи, но и протолкнул в массы саму идею о том, что к русской группе имеет смысл присмотреться. Без этого вряд ли у иностранной, тем более "красной" группы были какие-то шансы на успех, даже на волне моды. Качество и манера исполнения, подача материала, ничего бы не сработало без промоушена. Всё-таки законы шоу-бизнеса - штука суровая, и никто не допустит попущений, если это не приносит достаточной прибыли. Хард-н-хэви и глэм чисто американского образца в исполнении неамериканской группы - явление всего лишь интересное, не более того, тем более что у Америки хватало и своих "мотликрю" с "ганзами", да "скидов" с "бонджовями". Поэтому и с надлежащей раскруткой "Парка" в США не спешили.
А вот с манерой и подачей материала у группы было все в порядке. Хард Парка Горького звучал с серьезной оглядкой на своих покровителей, Bon Jovi, но, будучи профессионалами, мужики не копировали стандарты, а пытались создавать собственный продукт, вплетая в музыку некие аутентичные элементы, национальный колорит. И речь тут не о гитаре Алексея Белова в форме балалайки, ставшей одним из культурных символов советско-американских отношений конца 80-х, а именно о самой музыке, мелодике, уходящей корнями в традиции русской народной песни. Далеко не всегда это проявляется явно. Тем не менее, имеющий уши да услышит, что и эти красивые баллады, и те мощные боевики могла написать только русская группа. Вот только русская национальная эстетика чужда американцам и, как уже говорилось, вызывала лишь интерес. Вероятно, как раз это и сработало против того, чтобы войти в первый эшелон мирового хард-н-хэви. Но, как группа русская, Парк Горького, без сомнений - явление сильнейшее для того времени, да и сегодня звучит вполне под стать лучшим представителям жанра. В который раз слушая альбом, я лично нахожу лишь один-единственный недостаток: не самое удачное чередование энергичных боевиков и медляков.
Увы, первый успех, 15 место хита "Bang" в "20-ке МТВ" и 41 в рок-чарте Биллборда осталось единственным успехом группы за океаном. На концертах, фестивалях Парк Горького принимали достойно, выступал коллектив не хуже верховных звезд металлической эстрады, но коммерческого успеха вкусила лишь одна песня. Следующий ударный хит "Moscow Calling", увидевший свет три года спустя, звучал ничуть не хуже, но музыкальные приоритеты публики изменились. Bon Jovi сами едва пережили кризис, постигший группу вследствие усталости после двухлетнего турне в поддержку сверх-успешного альбома "New Jersey", и Джону было не до "Парка". А самостоятельно поддержать интерес американцев у россиян не хватило пороху. Впрочем, это уже другая история.
|
| |
|
|
|
|
|
| Очередной релиз проекта GORTAIGH преподносится как концептуальный полноформат. Учитывая подход автора к реализации своей музыки, это довольно амбициозная заявка, казалось бы, требующая длительной, вдумчивой и кропотливой работы над материалом. Боюсь, однако, что желание автора поделиться со слушателями захватившей его идеей сыграло с ним злую шутку, подтолкнув к выпуску маловразумительной каши с поистине эпично проваленным звуком. Тут кто-то может возразить, что, дескать, сознательное загрязнение саунда всегда было одним из краеугольных камней творчества GORTAIGH, но в данном случае я с этим не соглашусь. Я бы не согласился, даже если бы в дискографии проекта не было, например, ЕР 'Grasses Duchais', который наглядно демонстрировал, что автор способен, сохраняя индивидуальность своей музыки, добиться приемлемого звучания, обладающего потенциалом заинтересовать отнюдь не только тех трех с половиной инвалидов, из которых в данный момент состоит фэн-база проекта. Но даже если не знать, что автор, в общем-то, вполне МОЖЕТ по части звука... знаете, даже для лоу-фая существуют некие пределы, после выхода за которые должно быть стыдно классифицировать свое творчество как-то иначе, нежели "нойз". Зачем вообще было в 'Neon Bane' и 'Secrecy Veils' (совершенно неотличимых друг от друга, кстати) прописывать какие-то гитарные партии, если в итоге они неотличимы от чахоточно попердывающего отбойного молотка на последнем издыхании? Использовать сэмплы работающей на производстве техники и инструментов было бы куда честнее... В итоге, за вполне достойным эмбиентным вступлением на протяжении 11 с половиной минут следует однообразная, тягомотная звуковая каша, омерзительная, как клубы черного маслянистого дыма в синем небе над Прохоровкой в 1943. 'As You Wish' бодро стартует с острого злого риффа, но во мгновение ока сваливается в тот же отстойник, из которого слушатель только что выбрался, и даже смены темпа по ходу композиции уже не способны исправить ситуацию. Эмбиентная зарисовка 'King of Kings' эксплуатирует восточные мотивы (оно и понятно, ведь Шелли писал свой сонет, вдохновившись развалинами статуи Рамзеса II, которого греки ошибочно звали Озимандиасом, потому что Диодор в свое время неправильно интерпретировал сложное составное тронное имя фараона), и смотрится волне симпатично, как и следующая за ней напористая 'Court of the Sun', где звукоинженер милостиво позволяет расслышать хоть что-нибудь и удивиться тому, что на альбоме все-таки есть музыка, которую можно записать нотами. Финальный трек загублен унитазным сведением, как и все предыдущие, и превращается в такую же крошащуюся гнилую стену звука, хотя ближе к его завершению можно расслышать некие атмосферные моменты, ничуть, впрочем, не улучшающие общее впечатление от альбома. По древней традиции, о вокале в GORTAIGH мы говорим, как о покойниках, хотя, признаться честно, маловато найдется покойников, о которых нельзя сказать совсем уж ничего хорошего. Я все же ограничусь замечанием о том, что при таком общем качестве сведения и работы со звуком, вокал лучше бы заменить дорожкой белого шума - работы будет меньше, а результат ровно тот же самый. Концепция пришлась мне душе - изложено все вполне достойными стихами, а в сюжете можно найти легкие параллели с Шекспиром и Сапковским, и еще с некоторыми произведениями в жанре фэнтези, о которых автор проекта наверняка ничего не слышал. К сожалению, подхода "разрублю поэму на несколько кусков и распихаю их по шматкам второпях сделанной музыки" недостаточно для создания концептуального альбома, в котором музыка должна подчеркивать те или иные месте и иногда даже двигать вперед сюжет. В данном же случае никакого целостного впечатления от прослушивания не появляется, и вердикт может быть всего один: криво слепленная на коленке халтура, которая, конечно, не завоюет проекту новых поклонников, но и уже имеющихся не оттолкнет, и на том спасибо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Майкл Шенкер - известный любитель создавать проекты имени себя. Michael Schenker Group, McAuley Schenker Group, Michael Schenker’s Temple Of Rock... А помимо того - целая грядка сольных альбомов, не говоря уже об участии в Scorpions, UFO, G3. В 2016 году он замутил очередной проект, который лучшего всего характеризует название единственного пока его студийного альбома - "Возрождение". Для этой группы гитарист собрал своих былых соратников, в разные годы составлявших ему компанию по MSG - вокалистов Гэри Бардена, Грэма Боннета, Робина МакАули и Дуги Уайта, басиста Криса Глена, ударника Тэда МакКену, и второго гитариста и клавишника Стива Манна.
Технически и стилистически - это очередной альбом MSG. Тот же бравый мелодичный хард/хэви с заливными соляками, не лишенный балладности и яркого настроения 80-х. И в этом кроется еще одна причина, почему название для альбома выбрано как нельзя лучше: пластинка возвращает слушателя в золотой век HMR, хардового олдскула, когда лучшие представители создавали свои лучшие работы. И если бы эта пластинка появилась на свет году так в 1987-м, сейчас она считалась бы классикой хэви, одной из мощнейших работ 80-х. Конечно, записана она была бы на порядок хуже, звук был бы не таким выглаженным, не столь вычищенным, как нынче. Но несомненный плюс к работе звукорежиссера - звук хоть и вычищен, но не выхолощен до состояния компьютерной искусственности. Баланс между рок-н-ролльной живостью и профессионализмом соблюден, и грань не перейдена.
Слабых номеров здесь просто нет. Есть традиционные, есть похожие как на себя же, так и на кого-то еще, но нет плохих. Интересно инструментальное произведение "Salvation", которое Шенкер оставил для себя; превосходна "Night Moods" с вокалом Боннета; просто отлична "Warrior", где голоса записали все четверо вокалистов. Всего таких песен в альбоме две - в завершающей "The Last Supper" также все исполнили по куплету. Любопытно соло "мистера вау-вау" Кирка Хэммета в первой песне, который на сей раз свою любимую "квакушку" не использовал, а сыграл добротный, по-настоящему хэви-металлический соляк.
Альбом получился одновременно и разноплановым, и монолитным. Кое-какие песни создавались явно как коммерческие хиты, другие - просто в стилистике 80-х. Но в каждом треке музыканты сохранили единое настроение, и ни одна песня не выбивается из общего ряда. Очень ностальгический альбом для тех, кто застал лучшие времена HMR.
|
| |
|
|
|
|
|
| После достаточно скромного дебюта 2008-го года (на тот момент неизданного официально), канадцам потребовалось три года, чтобы подготовить второй полноформатник и выпустить его на Lion Music, а ещё спустя несколько лет, в 2017-м, переиздать на AFM Records, по лицензии которого его уже выпустили у нас на Фоно. «Fall From Grace» сохранил в себе все плюсы первого релиза – неплохую гитарную технику (как риффовую, так и соло), мощные барабанные партии и, конечно же, яркий, мощный низкий вокал Мэтта Маринелли. Но за это время композиторский уровень возрос удивительным образом, и, по сути, мы имеем дело уже с совершенно другой группой.
Открывающая композиция «Finest Hour» - отличная визитная карточка как для данного альбома, так и для группы вообще. Уже с первых секунд melodic death-риффы во вступлении и мощный groove metal далее блестяще сочетаются с чистыми вокальными партиями, которые очень интересно разбавлены гостевыми гроуловыми и скримовыми бэками фронтмена соотвечественников Borealis – группы Crimson Shadows, также сочетающей power metal и death metal. Весьма смелый и очень успешный эксперимент, навевающий мысли о знатных шведах Mercenary, к сожалению, остался единственным в творчестве канадцев, но запомнится он может надолго. И если Borealis для вас – неизвестное название, то ознакомление с коллективом стоит начать именно с этой композиции.
Далее мощный риффинг продолжается, и группа демонстрирует отлично продуманный, мелодичный, но очень тяжёлый power metal, к которому так и просится приставка groove. Очевидно влияние Symphony X, и Мэтт Маринелли явно развивал свою манеру пения с оглядкой на Расселла Аллена, а партии ритм-гитары – под Майкла Ромео, который сам явно вдохновлялся творчеством покойного ныне Даймбэга Даррелла из Pantera. Конечно, в вокале Мэтта можно отметить некое сходство ещё с двумя знаковыми вокалистами прогрессивного металла – Томом Энглундом из Evergerey и Рэем Олдером из Fates Warning, но при этом в его тембре есть и оригинальные оттенки.
Хорошая продуманность вокальных линий, отличная гитарная подача, динамичность композиций и яркий творческий почерк делает этот релиз практически эталонным… Если бы картину не портила не самая хорошая запись, а также не самые богатые аранжировки, особенно это касается клавиш, которые чаще всего носят скромный фоновый характер, хотя присутствуют на альбоме в обилии. Кроме первой песни, бессмертных суперхитов на «Fall From Grace» нет, но все сделаны очень профессионально и разнообразно – тут есть и драйвовые «пантеровские» риффы, и цепкие припевы, и налёт прогрессивности, и интеллигентная меланхолия. А балладу «Watch The World Collapse» я бы назвал лучшей песней подобного плана в творчестве Borealis - её даже с натяжкой можно назвать третьей частью «акколады» Symphony X!
(Диск предоставлен компанией Фоно).
|
| |
|
|
|
|
|
| Дебютный альбом канадцев «World of Silence» был записан в 2008-м году, но так и не был выпущен ни на одном лэйбле, и в итоге встал вопрос о его переиздании или перезаписи. Группа выбрала второй вариант, став ещё одной (относительно) известной группой, подобным образом поступившей со своим музыкальным наследием. «World Of Silence MMXVII» в итоге зазвучал более современно, аранжировки были доработаны, кое-что изменено и по музыке, но кардинальных отличий всё-таки я не выявил. Видимо, лидер группы, вокалист/гитарист Мэтт Маринелли, всё же хотел донести эти композиции в своём первоначальном виде, специально не «перелопачивая» их, хотя это было бы не самым плохим решением.
В итоге мы имеем 10 песен на 58 минут, которые в своё время дали группе старт и стали отправной точкой для дальнейшего развития. Но, надо признать, дебют группы всё же не был ни особо ярким, ни многообещающим, и на нём нет никаких предпосылок для того, чтобы ожидать такой мощный качественный скачок, который произошёл на втором альбоме «Fall From Grace» 2011-го года. Правда, и харизматичный хрипловатый голос Мэтта, и гитарная техника уже тогда имели место, и именно эти два пункта, по сути, сохранены и косметически улучшены в новой, перезаписанной версии.
На данном релизе группа делала первый, не очень уверенный шаг в поиске своего музыкального направления. С одной стороны, Borealis избрали себе power metal в качестве основного стиля и пытались иногда выдать что-то в духе Stratovarius («World Of Silence» и «The Dawning Light»), порой заигрывая с хард-роком («Midnight City», «Black Rose»), но всё же стремясь изредка добавить прогрессивные элементы, слега усложнив музыку с оглядкой на Symphony X (влияние которых далее в творчестве стало ещё более очевидным). Мэтт Маринелли также не совсем ещё понял как ему петь – «косить» на Расселла Аллена из вышеупомянутых Symphony X или порой перевоплощаться в Джеффа Скотта Сото. В перезаписанной версии альбома все эти изыски были сохранены, но спето всё гораздо более уверенно, а кое-где Мэтт даже перестарался и есть некий «перебор» с хриплым надрывом.
Открывает альбом самый удачный и достаточно хитовый трэк «Lost Voices», демонстрирующий мощный грувовый риффинг, интригующую дуэль гитарных и клавишных соло и неплохой припев. Также весьма интересна полубаллада «From The Fading Screams», снова напоминающая Symphony X, но… К сожалению, какой-либо другой трэк выделить сложно. Есть неплохие моменты, отдельные мелодии, но оставшиеся восемь песен на «World Of Silence» недостаточно сильные. По сути, они балансируют между категориями «более-менее» и «так себе». У многих композиций неправильно выбран темп, большинство затянуты (почти все идут около шести минут), некоторые темы звучат вяловато, порой не хватает драйва в гитарах, ну и других ошибок начинающей группы хватает…
Тем не менее, всё же альбом стоило переписать, со всеми его минусами, так как он всё-таки не так уж плох. И хотя материал стоило бы серьёзно переработать и получше аранжировать, главной задачей было подать старые композиции с новым, современным звуком. Это тоже удалось лишь отчасти, так как всем процессом звукозаписи, вплоть до мастеринга, занимался барабанщик группы Sean Dowell, которому явно не хватает опыта работы в данной сфере. Да, по сравнению с первоначальной версией альбом заметно выигрывает, но уровень качества всё равно оставляет желать лучшего. Увы, эта проблема продолжает преследовать группу всю её карьеру, а бюджет на стороннее продюсирование от именитых персонажей не особо (пока, надеюсь) популярной группы лейбл явно не выделит. Поэтому будем рады тому, что есть.
(Диск предоставлен компанией Фоно).
|
| |
|
|
|
|
|
| Вас разочаровал последний Slayer, Lost Society кажутся вам слишком прямолинейными, а супер-угарного thrash metal всё-таки хочется? Тогда второй альбом австралийцев Harlott с большой долей вероятности может стать для вас приятным открытием в области бескомпромиссного рубилова! Альбом настолько термоядерный, что вызывает самые приятные ассоциации – помимо вышеупомянутых Slayer, в памяти всплывают лучшие опусы таких мастеров скоростного thrash’ака, как Razor и Sadus.
Небольшое акустическое интро – и далее следуют 44,5 минуты быстрого, драйвового и техничного материала. Зловещие речитативы, мощные, отлично записанные барабаны, искреннее гитарное пилилово (в том числе яркие, хлёсткие соло) – неплохая заявка на один из лучших релизов жанра в 2015-м году! Ультра-энергичные трэки порой длятся и по полторы-две минуты («Systematic Reduction», «Bloodlust»), а в более продолжительных находится место небольшим акустическим вкраплениям и замедлениям, но они настолько эпизодические, что не только не портят ритмический шквал, но являются хорошей связкой между скоростными фргаментами, внося разумную долю разнообразия. А ведь, на самом-то деле, мало кому удаётся сочинять короткие, но при этом не тупые композиции, а тем более целые альбомы, состоящие исключительно из опусов скромного хронометража, но максимальной брутальности!
Хорошо выдержанная динамика, как в каждой отдельной композиции, так и в течение всего альбома, может послужить хорошим учебником для молодых групп, избравших своей стезёй такой «олдовый» стиль. И, надо сказать, к подобному успеху группа пришла не сразу – образовавшись в 2006-м году, она выпустила два относительно неплохих мини-альбома в 2011-м и 2012-м, а также первый полноформатник «Origin» в 2013-м. С первой «ипишки» на данном релизе присутствует одна композиция «Lords Of War», слегка укороченная и сыгранная намного более уверенно, чем в оригинале. Сразу заметно: накопленный за эти годы опыт вывел группу на очень высокий технический уровень и, что немаловажно, научил следовать двум простым постулатам – угару и лаконичности.
Конечно, идеальным релиз не назовёшь – тут сказывается и почти невозможность сделать в рамках жанра что-то поистине выдающееся, и некая простоватость вокальных партий, спетых стандартным для thrash metal голосом – всё это не позволяет группе переступить незримую грань, отделяющую очень хороший альбом от отличного. И, конечно же, поток релизов, а также активность «знаковых» имён в данном жанре, плюс географическая удалённость Harlott, играют против группы, и не позволяют ей получить необходимую раскрутку. Тем не менее, благодаря компании Фоно мы можем насладиться этим впечатляющим релизом в лицензионном виде и надеяться, что эта же судьба когда-нибудь всё-таки постигнет и следующий, не менее убойный альбом австралийцев «Extinction», выпущенный уже в 2017-м году.
(Диск предоставлен компанией Фоно).
|
| |
|
|
|
|
|
| Прочитав местные рецензии, я словил впечатление, что обсуждаемая, хехе,«формация» - это что-то вроде мема, и что же это такое на самом деле, уже давно всеми забыто (ежели вообще когда-то было известно). Так что давайте совершим небольшой экскурс.
GORTAIGH – это отечественный ванменбенд, который уже несколько лет отравляет вконтактовские (и бендкемповские) почвы зловонным ядом собственного видения нордического сладжа, записывая («исполняя» в данном случае некорректное слово, поскольку проект чисто и исключительно студийный в силу ряда причин) среднетемповое и крайне своеобразное варево из перегруженных риффов, фоновых шумов и вокала, близкого по разборчивости к почерку врача-первооткрывателя элекросудорожной терапии. Как-то сложилось мнение, что за эти самые годы у проекта выработалось что-то наподобие авторского стиля или почерка (хотя очевидно, что многие воспринимают фразу «лучшее – враг хорошего» слишком буквально, гоняя наработанные узнаваемые фишки и приемы в хвост и в гриву из записи в запись), что, впрочем, немудрено при столь неприличной плодовитости (скриншот дискографии на портале Metal Archives напоминает фекальный вулкан, застигнутый неловким наблюдателем прямо посреди очередного постыдно неконтролируемого релизоизвержения (в этой связи весьма доставляет статус Active в соответствующей графе – ппц просто насколько Active, ага)), пусть и с несколько негативной окраской – звучание спорное/дерьмовое, зато безошибочно узнаваемое.
Впрочем, несмотря на тонны релизов, полноценный альбом у проекта насчитывался до сего момента ровно один. Это позапрошлогодний по(л/р)ноформат «Dirty Southern Winter», имеющий полуконцептуальную основу (если так можно обозначить аккуратно подрезанную часть текстов действительно концептуального релиза другого исполнителя), который включал в себя три длиннющих (по обычным меркам) трека, каждый из которых был построен, в общем-то, на одном-единственном риффе. Насколько я знаю, тот альбом был принят неплохо, даже получил внимание подпольных французских метал-блогов (с рецензиями в духе «музыка для фанатов сладжа, дума, психоделичного фьюнерала или для слушателей с бетонными барабанными перепонками», «все тот же lo-fi из самых нижних слоев подземного мира» и т.д.), которые также отмечали сочетание узнаваемости стиля с некоторой степенью… монотонности, скажем мягко.
Поэтому от свежего альбома не стоило ждать чего-то прорывного в каком бы то ни было плане, поскольку даже по признанию самого автора «от иных работ проекта этот альбом музыкально отличает ровным счетом нихъя». Ну, что сказать - что услышано, то и получено. Жож выдал pure GORTAIGH в духе классического релиза «Immaculacy», заварив крутую кашу из топоров на говенно-бетонном нажористом бульоне… которым он и потчует слушателей уже года четыре без каких-либо подвижек в меню. Но здесь стоит отметить, что ряд куда более именитых исполнителей заняты в некотором роде тем же самым – и при этом боятся шажок ступить в сторонку от своего ъ-стиля, дабы фанаты не растоптали (причем, что забавно, все они в числе любимых у основателя проекта: SLAYER, KORN и ряд олдскульных сладжевых банд). Понятно, думаю, что в данном случае проекту не следует опасаться гнева фанов (т.к., вообще стрёмно взрослым дяденькам бояться вещей несуществующих), и, видимо, столь ревностное следование музыкальному курсу обусловлено либо отсутствием видения направлений развития (ну не может, не может человек в дабстеп, джент и постметал), либо мастермайнду проекта эти три риффа, кочующих из релиза в релиз, некогда спасли жизнь и теперь вот так требуют с него возврата неоплатного долга.
Но кое-что отличает «Letters» от любого из предыдущих релизов под маркой GORTAIGH – это тексты, и о них действительно стоит поговорить отдельно. Ни на одной из записей «Причинения боли» (именно так переводится на русский язык название проекта, что опять же доставляет) доселе не было авторской лирики (были стихи Bansheerie, Э.А.По, Бальмонта, Волошина, Гумилева, был даже выдуманный на ходу язык). Здесь же автор предпочел сделать всё от и до сам, и представил несколько вычурную историю, вдохновленную Шекспиром, Желязны, Шелли и рядом иных мастеров пера, пересказывать которую в рамках обзора не имеет смысла, поскольку она целиком представлена на bandcamp’е проекта (и важно - читать ее лучше всего под звуковое сопровождение альбома). Вышло довольно многослойное, полное оммажей и
прямых цитат повествование о джиннах в механических кубах, ядерном джихаде и огненных духах, что несут по серебряным трубам кожаные свитки, исписанные кровавыми строками, о пророчествах, которые сбудутся, и желаниях, которые исполнятся – пусть и не так, как бы этого хотелось.
Если сравнивать суть вещей, абстрагируясь от рамок стилей, качества и прочего, то «Letters» - это в некотором роде GORTAIGH’овский «Eternal Kingdom» - достаточно зрелая в идейном плане работа, основанная на мощной лирической концепции, с естественной скидкой на упёртость проекта в унитазный саунд (и соответствующей «скидкой» в итоговой оценке альбома). Не уверен, что эта работа принесет проекту новых фанатов (как, впрочем, и любая другая под сей маркой – уж больно специфический продукт делает эта мануфактура), но старые точно останутся довольны.
|
| |
|
|
|
|
|
| Долгие 7 лет... В определенных кругах шутки про новый альбом Alrakis стали подобны шуткам про третью часть Half-Life, новый альбом Tool, Оскар для Ди Каприо, гроул в Opeth и т.д. Господи, как же приятно, когда такие шутки теряют актуальность! Ди Каприо получил свой Оскар, Tool объявили о скором выходе долгожданного альбома, и вот теперь Alrakis радует любителей космического блэка своей новой работой. Альбом представляет собой 52 минуты эталонного атмосферного блэка, щедро сдобренного дарк-эмбиентовыми вставками. Alrakis продолжает меланхолично и мечтательно смотреть в небо, тянуться к звездам, улавливая эхо c далекой двойной звезды-гипергиганта в созвездии Киля, и слушателя также неизбежно ждет погружение в бесконечную пустоту, холод, красоту и величие космоса. Звучит альбом великолепно как в ambient-частях, так и в атмо-блэковых: пронзительный, эмоциональный вокал раскатывается эхом под неспешный аккомпанемент ударных и зефирные тремоло гитар, переплетенных с атмосферной электроникой, которые переливаются в красивейших мелодиях. К сожалению, такого атмо-блэка сейчас делают очень мало, что еще больше повышает ценность данного альбома, и Alrakis в целом. Потрясающая работа!
|
| |
|
|
|
|
|
| После двух сильных альбомов «Fall From Grace» (2011) и «Purgatory» (2015) новый опус прогпаверных канадцев я ждал с нетерпением, и не зря: доля прогрессивного металла в музыке Borealis, пожалуй, ещё больше возросла. Также приятно порадовал бессменный фронтмен Мэтт Маринелли, вокал которого стал звучать ещё более уверенно, и теперь его смело можно назвать одним из лучших певцов в данном стиле. Конечно, оценят его вокал скорее любители Йорна Ланде или Рассела Аллена, ко второму из которых он максимально приблизился на этом релизе. Агрессивный напор с хрипотцой в духе Дио ему очень успешно удаётся совмещать с «чистым» пением, и на сей раз все эмоциональные оттенки его голоса раскрылись по максимуму, а небольшая натужность на определённых нотах практически сошла на нет.
Сохранила группа и фирменный groove-риффинг, который придаёт Borealis конкретную фирмовость и приближает к таким коллективам, как Masterplan и Thunderstone. Концептуальная задумка альбома, посвящённая «взлёту и падению» секты, практикующей жертвоприношение детей, не сильно повлияла на структуру альбома – он построен по обычной схеме, где мощные боевики сочетаются с лиричными композициями, но в этот раз добавилась скромная, но приятная инструменталка «The Path», а завершает альбом эпическая 9-минутка «The Ghosts Of Innocence», где канадцы продемонстрировали все свои таланты аранжировщиков – тут встречаются и приятная пианинная тема, и хоры в припеве в духе Blind Guardian, и неплохие оркестровки, и женский вокал (как в виде самостоятельных партий, так и в дуэте с Мэттом). То есть, почти всё, чтобы порадовать всех любителей разнообразной тяжёлой музыки.
Что ж, если эксперимент по работе с «крупными формами», на мой взгляд, прошёл успешно и показал композиторский прогресс группы, а доступные для прослушивания ещё до выхода альбома «Sign Of No Return» и «The River» легко войдут в список лучших хитов группы за всю её историю, то с остальным материалом дела обстоят, увы, не так радужно. Помимо вышеуказанных превьюшек можно отметить лишь «открывашку» «The Fire Between Us» с блестящими вокальными партиями в куплетах и «The Second Son» с отличным припевом, в остальном же альбом представил достаточно профессиональный, зрелый, но не самый сильный материал.
Балладные фрагменты получились не особо яркими (хотя «Scarlet Angel» объективно неплоха, но не более того), а отличная гитарная работа и харизматичный вокал Мэтта не смогли «вытянуть» ряд песен, в которых порой проскакивают не самые лучшие паверные клише, от которых группа всё никак не может отделаться, а порой и прихрамывает само композиторство (например, в заглавной «The Offering» конкретно халтурный припев).
Ухудшает ситуацию и ещё одна старая проблема группы – звук. Необходимость нанять саунд-продюсера была всегда актуальна для Borealis, но на этом альбоме, на мой взгляд, вопрос встал наиболее остро. Мощные риффы, порой навевающие мысли о покойном Даймбэге Даррелле, должны обязательно иметь качественное звучание, а при низко опущенных, но грязноватых гитарах они звучат не лучшим образом, да и с барабанами тоже не всё гладко. Видимо, чтобы скрыть проблему номер один, драммер группы, микшировавший альбом, решил конкретно «задрать» их (особенно басовые бочки). И хотя сами барабанные партии продуманы очень хорошо и звучат достаточно креативно, общую звуковую картину они тоже не украшают.
Ну, и клавишные снова играют очень скромную роль в аранжировке, зачастую являясь лёгким фоном. Да, на альбоме эпизодически проскакивает пианино, есть два неплохих синтезаторных соло в «The Second Son» и «The Ghosts Of Innocence», но клавишная палитра могла бы быть значительно богаче, будь продюсером альбома, скажем, какой-нибудь Miro. Так что, при всей симпатии к группе, ей ещё есть куда расти и хотелось бы на это надеяться уже на следующем альбоме. Ну, а пока, несмотря на растущую личную симпатию к группе, могу поставить лишь демократичную семёрку…
Диск предоставлен компанией Фоно
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.