На мой взгляд, поклонникам творчества Motorhead было бы интересно ознакомиться с рецензией на новый альбом этой группы от самого Lemmy Kilmister’а. В спецвыпуске немецкого журнала RockHard (RH), посвященному Motorhead, есть интервью, которое недавно дал Lemmy главному редактору этого издания. Я привожу выдержку из этого интервью, которая, по сути, и является рецензией на альбом “The World Is Yours”.

RH: Ваш новый альбом у меня уже есть, не мог бы ты сам оценить его – лучше или хуже он своего предшественника? Или это можно понять только со временем?
Lemmy: Что касается современных технологий, то кажется, что в этих песнях их недостаточно, как будто что-то по-быстрому переработали. Такие песни есть в каждом альбоме. Раньше приходилось такие вещи отбрасывать.
RH: Ты доволен всеми песнями на “The World Is Yours”?
Lemmy: Да, мне все нравятся. Только лишь пару строчек я могу немного переделать позже. Есть слова, которые мне не очень нравятся.
RH: И это бывает с каждым вашим альбомом?
Lemmy: Да, это в основном так. А даже если такого не происходит, то я всё равно не уверен и испытываю сомнение.
RH: Понимаю…
Lemmy: Всё равно точно чего-нибудь не так.
RH: Я не могу вспомнить текстов всех новых песен, но я хотел бы спросить тебя про смысл некоторых из них.
Lemmy: Давай!
RH: В песне “Born to Lose” - кто этот неудачник?
Lemmy: Да мы все с вами. У нас есть только один шанс в жизни. Когда вы пытаетесь им воспользоваться, то бывает уже слишком поздно. И уже кто-то другой оказывается на вашем месте. А некоторые люди вообще рождаются уже проигравшими.
RH: У тебя кажется есть на руке татуировка на эту тему.
Lemmy: Верно: “Born to lose – live to win” (Родился проигрывать – живи ради победы). Тут оно идёт с дополнением (ухмыляется).
RH: “Brotherhood of man” похожа и на “Orgasmatron”, и на “Deaf Forever”?
Lemmy: Да, этот рифф меня точно зацепил.
RH: И о чём она по содержанию? О войне?
Lemmy: Нет, она о том, насколько человеческая раса вредна для этой планеты. “We are disease upon the world – brotherhood of man”. Мы не разрушим планету, это слишком самонадеянное допущение – но мы сами себя уничтожим.
RH: Мрачная перспектива.
Lemmy: Нам не нужно сильно печалиться по этому поводу. Ведь планета только лишь разделается с паразитом. Как с рассадником вшей. Мы - вши (смеётся).
RH: Песня “Waiting for the Snake”.
Lemmy: Понятия не имею! Я серьёзно: я не знаю, что я тут понаписал.
RH: Значит, змея не означает что-то, имеющее отношение к сексу?
Lemmy: Нет, нет. Откуда у тебя такие мысли? С другой стороны, кто знает, что я бессознательно имел ввиду?
RH: Песня “Devils in My Head”. Что это за демоны, которые сидят у тебя в голове?
Lemmy: У них нет ни имён, ни обличья.
RH: Ты их всех знаешь?
Lemmy: Нет, нельзя их всех знать. Мы познаём их всю жизнь – несмотря на то, что внезапно встречаемся с новыми демонами. Это внутренние голоса, которые тебя настойчиво убеждают в том, что ты постоянно упускаешь свой шанс в жизни. Это делает тебя в некотором смысле сумасшедшим. К счастью, я уже живу долго. Я уже не могу ещё сильнее сойти с ума.
RH: Песня “Bye Bye Bitch Bye Bye”.
Lemmy: Это отличная песня!
RH: Это понятно. Но какую суку ты имеешь в виду?
Lemmy: Ту, которая будет думать, что меня нужно наказать, чего я не заслужил.
RH: В каком смысле?
Lemmy: Есть много деточек, которые на меня возлагают ответственность, что совершенно неправильно. Но с другой стороны, ошибка в отношении. Для танцев годятся только сразу двое. Мне кажется, что эта песня совершенно понятна. В ней нет какого-то глубокого смысла (смеётся).
RH: А какая песня лично тебе больше всего нравится?
Lemmy: (тщательно подумав) Либо “Get Back in Line” либо “Devils in My Head”. Однако, очевидно, что когда вы первый раз слушаете этот альбом, то это, пожалуй, будет “Brotherhood of Man”. Но если слушать подольше и постоянно, то другие песни ничуть не хуже.
[…]
RH: Название альбома “The World Is Yours” звучит как-то нетипично для Motorhead.
Lemmy: Точно. Мы хотели сделать его необычным. Как и “Another Perfect Day”, этот альбом тоже является экспериментом.
RH: Это название звучит позитивно.
Lemmy: Да, оптимистично.

Вот и добавить-то к этому, по сути, нечего. Тут и отношение к музыкальной составляющей альбома, и разъяснение смысла песен и философия и даже подход к экспериментальности.
Мои ощущения после прослушивания этого альбома совершенно совпали с тем, что сказал Лемми. Действительно, сразу цепляет “Brotherhood of Man”, хотя, конечно, по смыслу самой значимой является “Get Back in Line”.
Пожалуй, добавлю, что буклет снабжён забавными рисунками к каждой песне, нарисованными самим Лемми, которые, впрочем, не разъясняют, а скорее запутывают и дают представление о бурной фантазии автора.

Rock’n’roll, dance to the music,
Rock’n’roll, you know you can’t refuse it,
Rock’n’roll, don’t you abuse it,
Rock’n’roll Rock’n’roll Rock’n’roll save your soul!

(Рок-н-ролл, танцуй под музыку,
Рок-н-ролл, отказаться ты не сможешь,
Рок-н-ролл, не злоупотребляй ей.
Рок-н-ролл, спасёт твою душу)

Demon Hunter   4 фев 2011

“March or Die” – второй и последний альбом Motorhead, выпущенный совместно со знаменитым лейблом Epic, дочерней компанией Sony.
Основная концептуальная линия альбома копирует своего предшественника – “1916”. Как не трудно догадаться из названия заглавной песни и альбома “March or Die” ("Маршируй или умри") – это антивоенный протест. Хотелось бы добавить, что в этом альбоме протест принял более общую форму. В заглавной песне лирика несёт скорее антиполитический характер:

Children weep and widows wail,
Our education systems fail
(Дети плачут, вдовы воют,
Наши образовательные системы сбоят).

В песне “Bad Religion” мы также найдем общественный протест, хотя вовсе не антихристианский, как некоторые могут подумать. Лирика направлена против последователей так называемой евангелистской церкви, которую считают сектой и отторгают как католицизм, так и православие. Евангелисты отличаются очень навязчивой и агрессивной пропагандой своих сомнительных взглядов. Возможно, живя на тот момент в Америке, Лемми столкнулся с их вербовкой, иначе откуда следующие строки:

Evangelistic Nazis, you cannot frighten me!
The name you take in vain shall judge you for eternity.
(Евангелистские фашисты, вам не запугать меня!
Имя, что вы упоминаете всуе
Должно осудить вас навечно!)

В целом, при прослушивании этого альбома создаётся впечатление сборной солянки, особенно в музыкальном плане. Из всего этого разнообразия лично мне нравится атмосферная титульная “March or Die” с непрерывным фоновым звучанием гитар и “органа”, “Asylum Choir” скорее в стиле NWOBHM c интересным гитарным соло. Понравилась и кавер-версия песни американского гитариста Ted’а Nugent’a – “Cat Scratch Fever”.
И всё же, при всей неоспоримой интересности, смысловой насыщенности и даже экспериментальности этого альбома, я недолюбливаю его. Это сложно объяснить. Скорее всего, как ни крути, чувствуется влияние Sony. Не могу точно объяснить, в чём это выражается, но традиционные рок-н-рольные композиции, которые присутствуют в каждом альбоме звучат как-то уж слишком прилично.
Кроме того, этот MTV-шный хит “I Ain’t No Nice Guy” в дуэте с Ozzy и со Slash’ем в качестве приглашённого гитариста воспринимается мной, скорее, как коммерческий ход, нежели как естественный порыв объединиться. Как будто Sony приручили бунтаря и несколько успокоили страдальца Лемми.
Хотя, возможно, это ощущение ошибочно, потому что, как традиционная для Motorhead любовная (“Too Good to Be True”), так и остальная лирика о миссии свободного человека (“Hellraiser”, “Stand”) осталась столь же пронзительной, как и в других альбомах.
В итоге, после выхода этого альбома Motorhead не приняли предложение Sony о совместном выступлении как с удачливыми юнцами из Metallica, так и с супермодными Guns’n’Roses. Вероятно, Лемми не захотел раствориться в американском шоу-бизнесе, и уже в следующем 1993 году Motorhead выпустили свой самый экстремальный альбом – “Bastard” на малоизвестном немецком танцевальном лейбле ZYX.

Demon Hunter  19 янв 2011

Альбом Mothorhead "1916", увидевший свет в Америке в 1991 году, является первым из двух альбомов, выпущенных на лейбле Epic - дочернем лейбле Sony. Вероятно из-за этого он характеризуется гораздо более качественным звуком по сравнению со всеми предыдущими работами. Действительно, при прослушивании этих двух дисков ловишь себя на мысли, что Mothorhead решили распрощаться с фирменным “грязным” звучанием.
После выхода "1916" был обласкан прессой. Именно после этого альбома Mothorhead были поставлены в один ряд с признанной элитой тяжёлой музыки и стали делить с ними сцену – DIO, Ozzy Osbourne, Judas Priest, Alice Cooper. Журналисты писали тогда, что наконец-то Mothorhead стали играть более коммерческую музыку. Однако ни новое качество звука, ни в целом большая степень “причёсанности” музыкального материала не являются главными достоинствами альбома. На этом альбоме талант мистера Килмистера засиял новыми гранями.
Прежде всего, это уже упомянутые потрясающие медленные “Nightmare/The Dreamtime” и “Love Me Forever”. “Nightmare/The Dreamtime” заставляет побывать рядом с человеком, явно находящимся в пограничном психическом состоянии. То и дело слышатся бредовые стоны на фоне давящей музыкальной атмосферы. “Love Me Forever” - великолепная любовная баллада.
Однако существенным переломом для этого альбома является смещение акцента в лирике с личностных переживаний (отношения с женщинами, мучительное человеческое существование) на общественный протест. Лирика заглавного трека "1916" (год наиболее ожесточённых боёв Первой Мировой Войны) – это антивоенное выступление против бессмысленной гибели юных новобранцев. Лемми поёт от лица молодого солдата, погибшего вскоре после того, как он оказался в строю.
Тем не менее, альбом полон песен на традиционную для Mothorhead тематику. Лично мне больше всего нравятся “No Voices in the Sky” о бессмысленности человеческих стремлений и “Angel City” о неудачном поиске идеального места для жизни (в этот период жизни Лемми обосновался в Лос Анжелисе).
Однако уже спустя год после выхода этого альбома Лемми стал заявлять о своём недовольстве тактикой знаменитого звукозаписывающего лейбла. По словам Лемми “они практически оставляют нас умирать с голоду, несмотря на то, что альбом с первой недели выхода хорошо продаётся” (цитируется из спецвыпуска RockHard). Соответственно, следующий альбом “March or Die” оказался последним совместным с Sony альбомом. А Mothorhead так и остались в андерграунде, не подмятыми известными воротилами музыкального бизнеса.

Demon Hunter  11 янв 2011

Этот ЕР представляет собой первый пробный шар в лунку новой формации Funeral Moon, появившейся недавно на российских метал-просторах. Пластинка сразу же заинтересовывает названием “Омут”, вызывая ассоциации со старинной русской пословицей о тёмном омуте, где сами знаете кто водится. Вполне удачное название для музыки явно фольковой направленности. Вкупе с названием группы Funeral Moon ждёшь мрачной таинственности и ощущения вязкой безнадёжной бездны от подобного материала. Тем не менее, прослушивание трёх композиций, входящих в данный опус, оставляет совершенно иные впечатления. Виной всему основа материала – бодрый power-метал, на которую весьма гармонично нанизана фольковая составляющая - партии разных по звучанию “дудочек – флейт и жалеек”.
Из наиболее понравившегося хочу отметить партии вокала. В пластинку входит всего 3 композиции, в которых звучат 3 голоса – чистые женский и мужской, и мужской гроул. Мне понравились все три, особенно, женский голос – наиболее яркий и фольковый. Он сразу же заинтересовывает в первой композиции “В омут”, в которой ведётся повествование от лица, вероятно, сказочной лесной феи, которая рвётся остаться в омуте. Хотя с точки зрения музыки первая композиция наиболее проста и типична для этого метал-жанра. А наиболее интересна, на мой взгляд, композиция “Прах времён” - достаточно необычные для power metal гармонии.
В итоге можно сказать, что заявленная фэнтезийность материала в целом состоялась, композиции переносят нас, скорее, в мир сказочных героев, нежели реальных “древних миров”, что очень приятно. Надеюсь, именно это не позволит группе затеряться среди массы других, творящих в русле пэган и фольк-метала.

Demon Hunter  12 май 2010

В последние несколько лет направление modern metal на просторах России весьма успешно развивается. Можно вспомнить такие группы как Everlost и Фактор страха, которые уже выпустили несколько весьма успешных и качественных полноформатных альбомов. Я искренне радуюсь за эти успехи и за то, что наши группы могут выпускать музыку, по качеству не уступающую западным коллегам.
Наверное, эту рецензию можно было бы закончить, написав, что вот ещё одна группа из Москвы под названием E-terra, смешав в своём творчестве классический прогресcив (само по себе достаточно уникально для отечественной метал сцены) и модерн-метал, выпустила свой дебютный альбом "Prototype". Хотя качество записи пока что немного уступает вышеназванным более именитым командам.
Однако! Качество записи не связано с тем, насколько интересно слушать тот или иной материал. И я могу сказать, что мне было интересно слушать "Prototype". Вероятно, из-за наличия разнообразных «пластов» материала, что создаёт необходимое для меня ощущение структурированности музыки. Особенно удачной, на мой взгляд, в этом отношении получилась инструментальная "Shift" c частными сменами ритмов, лидирующих инструментов и частыми переходами низкого звучания гитар на высокое.
Несмотря на всего 5 композиций, альбом воспринимается полноценным. Причём первая композиция, которая слушается как вполне интригующее интро, удивила меня не только красивыми клавишными партиями, но и названием “The Horror Show”, так как, судя по нему, должна была меня привести в напряжение перед прослушиванием, однако на деле, напротив, вогнала в состояние безмятежности. Это интро плавно перешло в энергичную“Sands”, напоминающую творчество одновременно Masterplan и Dream Theater. Следующая, заглавная "Prototype" – самая modern metal композиция из всего альбома, слушается хорошо, в основном, за счёт гармоничного сочетания напористого ритмического рисунка, и оттеняющих его клавишных партий, кроме того, приятно удивляет запоминающейся мелодией.
Единственная композиция, которая мне лично понравилась меньше, чем остальные – это последняя “Don’t Tell Me”, возможно, из-за того, что чаще всего возникало ощущение, что “где-то это уже точно было и не один раз”, то ли Dream Theater, то ли Threshold. Хотя сыграно всё на весьма высоком уровне, инструментальные партии не вызывают каких-либо нареканий.
Вывод. Пока что материал не достиг уровня, когда можно сказать что “здесь есть уникальный стиль”, но очевидно, что есть все предпосылки для этого. Ребятам удаются как сложные ритмические партии, так и с композиторскими способностями у них всё в порядке. Таким образом, в дальнейшем стиль может пойти по пути как в сторону ещё большего усложнения ритма и тогда получится math metal, либо группа будет удивлять красивыми мелодиями в рамках прогрессива (и тогда - ищите уникальный красивый голос!). Кроме того, можно было бы попробовать спеть что-нибудь по-русски, не полностью альбом, а хотя бы в одной композиции. Хотя, конечно, и англоязычная лирика слушается в этом альбоме абсолютно органично.

Demon Hunter  26 янв 2010

Здесь столько выложено рецензий и практически в каждой есть «глубокомысленный вывод» о том, что, «мол, вот на протяжении уже более 30 лет Лемми Килмистер и компания выпускают альбомы без какого-либо развития в музыке» и при этом философски замечают что «да вот, должны быть группы, которые совершенно не меняются, поэтому давайте согласимся и разрешим Motorhead быть именно такой группой». Вероятно, мистер Килмистер должен сказать всем «спасибо».

Однако 63-летний Ян Фрейзер “Лемми” Килмистер вряд ли нуждается в чьём-либо одобрении своих басовых партий, потому что гитарой он лишь помогает себе выкрикивать в высоко задранный микрофон строки написанных им стихов. Дело в том, что Лемми Килмистер, на мой взгляд, прежде всего поэт.

Конечно, будучи русскоязычным слушателем, довольно сложно оценить красоту, слаженность, смысловую точность этих стихов, а так же разнообразие стихотворных ритмов, которые использует Лемми. Скорее нас захватывает и оглушает невероятный напор панковского рок-н-ролла Motorhead. Поэтому я хочу попросить всех будущих рецензентов Motorhead, что когда в следующий раз вас опять захватит этот напор, прошу – сделайте следующий шаг. Разверните буклет с текстами - стихами Лемми, почитайте их просто без музыки, потом найдите в интернете их перевод (благо есть хорошие переводы), и вы наверняка поймете, почему автор снова не смог надолго замолчать и о чём он хотел прохрипеть в микрофон. А без этого шага можно так и остаться подобным аборигену островного племени, который строит из листьев пальмы «макет» самолёта и поклоняется ему как сверхъестественной силе, возводя в культ, при этом, совершено не понимая сути этой машины.

Итак, давайте возьмём альбом «Motorizer» и попробуем понять, о чём хотел выговориться Килмистер в этом альбоме. Я не являюсь большим знатоком английского языка, но всё же могу сказать, что в его стихах на протяжении всего творчества можно проследить несколько постоянных тем. Одна из тем – это взаимоотношения с женщинами или с женщиной в разных её ипостасях. Практически в каждом альбоме есть несколько обращений к женщине. Автор передаёт множество оттенков своих чувств, связанных с этим общением. В ранних альбомах – это скорее обращение к юной поклоннице, предстающей как «чистый соблазн» либо «к девчушке для которой можно быть хотя бы просто другом». Позже появляются образы «опытной разбитной потаскушки», «сексапильной мамочки». В альбоме «Motorizer» в песне «One Short Life» ведется монолог-обращение к постаревшей матери (“Old Lady told me plenty, Told me what to do, How to act in society, how to make it through”).
Другая, боле сложная тема, в которой лично мне ещё разбираться и разбираться в творчестве Motorhead – это тема миссии конкретного человека (по большому счёту смысла жизни). В самых ранних альбомах «Motorhead» и «Overkill» автор раскрывает эту свою миссию в образах мотоголового разрушителя внешнего благополучия и порядка, для которого самое главное «крыть правду матку» и быть искренним («Stay Clean» – “Оставайся чистым”). И вот сквозь альбомы мы слышим, как жить с такой миссией, как сохранять в себе силы для неё. В «Motorizer» этой теме так же посвящено много песен («Runaround Man» – “человек-перекатиполе” или «Buried Alive» – “Похороненный заживо”). Причем, где-то начиная с альбома «Inferno» можно понять, что автор стихов пытается поделиться своим опытом с кем-то, так сказать передать свою миссию («Fight» – “Дерись”). А в «Motorizer» это выливается в песню «Rock Out» – “Отрыв” и «Teach You How to Sing the Blues» – “Я научу тебя, как петь блюзы”

Ещё более сложная тема – тема смерти и отношения к Богу. Стала появляться в более позднем творчестве, обострилась в альбоме «Kiss of Death» («Kingdom of the Worm» – “Царство червя”, «God Never on Your Side» – “Бог никогда не был с вами”). На альбоме «Motorizer» есть новый виток это темы в песне «The Thousand Names of God» – “Тысяча имён Бога”. Рискну предположить, что в следующих альбомах мы найдём дальнейшее раскрытие этой темы.

В заключение этой рецензии мне бы хотелось подчеркнуть, что наверняка здесь не охватила все темы, которые возникали в более чем тридцатилетних изысканий мистера Килмистера и, тем не менее, с нетерпением жду уже нового альбома и новых стихов от этого уникального человека-явления.

Demon Hunter   4 ноя 2009

Впервые мне посчастливилось услышать эту группу в качестве разогрева на одном из концертов. Помню, что я особенно ничего не ждала от этого разогрева, поэтому стояла далеко от сцены. Однако, с первой же песни группа смогла привлечь моё внимание и я подошла ближе. Помню, что сразу обратила внимание на очень мощное и плотное звучание, но не статичное как глухая стена, а структурное и очень динамичное. Кроме того, ритм секция очень хорошо выделялась из общего звучания и партии ударных были как раз на мой вкус – ритм менялся и был то характерным для прогрессив групп с синкопированными сбивками, то походил на треш или на хардкор. Но больше всего, меня удивило присутствие просто «инфра» низкочастотных риффов, которые окружили меня плотными слоями и затянули в глубины… океана. Да-да, позвольте представить вам группу The Ocean. А поскольку это пожалуй одна из самых интересных групп, которые мне довелось услышать за последнее время, то я с удовольствием ознакомилась с альбомом группы. Итак, у меня появился альбом группы "Precambrian".

Надо заметить, что это уже четвертый альбом группы, при этом двойной концептуальный альбом. В качестве концепции музыканты взяли тему геологического развития планеты Земля и надо сказать, подвели под концепцию прямо-таки научную основу, видимо хорошо посидев в каких-нибудь университетских библиотеках. Не буду вдаваться в подробности, но замечу, что "Precambrian" – название первого геологического периода в истории Земли. Первый диск альбома посвящен началу этого периода – Археозойской эре, а вторая часть – Протерозойской эре. Соответственно, музыка первого диска является более «примитивной» уже по замыслу и действительно представляет собой почти гомогенное смешение различных сырых, брутальных звучаний и очень тяжелых звучаний, которые ассоциируются у меня с тем «первичным бульоном планеты» в котором и зародилась жизнь. За то второй диск – является более структурированным и разнообразным в музыкальном плане. Удивляет наличие красивых инструментальных медленных композиций с оркестровками очень высокого уровня. Кроме того, нельзя не оценить прекрасную работу звукоинженеров и специалистов по электронным спецэффектам. Рискну предположить, что они достигли новых высот обработки звука, за счет чего он может казаться одновременно очень тяжелым и плотным, но в то же время очень мелодичным. Кроме того, в альбоме можно найти множество дополнительных «атмосферных» семплов и эффектов, которые призваны изображать атмосферу юности земной поверхности – лавовых потоков, эхо разломов земной породы и т.д. Вокал прекрасно вписывается в общее звучание – это в основном очень сочный гроул, однако иногда переходящий в чистый спокойный вокал. Однако, альбом не создает впечатления "музыкального онанизма", когда музыканты только лишь показывают свою техничность. Музыка захватывает и погружает в историческую эпоху Земли совершенно естественно и гармонично.
Что можно сказать ещё – Браво! Группа, которая соединила в этом альбоме три моих любимых стиля – прогрессив, треш и кор и при этом осталась мелодичной и очень атмосферной. Что может быть лучше… ставлю 10!

Demon Hunter  22 мар 2009

Второй альбом Gentle Gaint является километровым шагом к созданию той музыки, которая будет ассоциироваться именно с GG. Теперь музыку группы сложно спутать с какой-либо другой. И даже дело не в том, что GG часто используют несколько вокальных партий в своих арт роковых композициях, создавая ощущение маленького хора. Основа музыки GG – темы классической музыки с использованием именно классических струнных и духовых инструментов. На этом альбоме это проявилось в полной мере и некоторые композиции можно вполне спутать с оркестровыми увертюрами, например "Egle of Twilling".
Конкретно об этом альбоме могу сказать, что он получился хотя и уникальным с точки зрения стиля, но недостаточно «отшлифованным», потому что музыка слушается, как репетиция музыкантов, которые собрались просто немного пообщаться. При этом такую музыку лучше слушать вечером в одиночестве, когда ничто другое не отвлекает, иначе можно потерять множество красивейших моментов – то великолепные электроорганные проигрыши, то красивые гитарные партии, то просто гениальные перкуссионные моменты с использованием трещоток, маракас и других шумовых инстументов. Да и в целом музыка на альбоме таинственна и тиха, поэтому располагает к спокойному отдыху или творчеству где-нибудь в старинном английском замке. Только лишь завершающая композиция "Pain Truth" является более энергичной и имеет явно джазовые корни. Есть на альбоме и своеобразный «хит» "Wreck" с очень запоминающимися вокальными партиями.
В итоге поставлю альбому тоже 7, как и дебютнику, теперь из-за «кашеобразности» материала, из-за чего в нем довольно сложно разобраться. Однако мастерство музыкантов бесподобно!

Demon Hunter  21 мар 2009

Итак, пожалуй стоит вытащить на свет с пыльной полки и постараться обратить внимание посетителей этого музыкального сайта на одну очень мной любимую «олдскульную» группу. Как правильно заметил предыдущий рецензент, действительно Who, King Crimson и Jethro Tull на слуху, а вот Gentle Giant конечно уже подзабыты. Дело в том, что группа просуществовала всего десять лет, и, выпустив прощальный альбом в 1980 году, распалась. Однако, развитие музыки этой группы было стремительным и всепоглощaющим, музыканты выпускали альбомы ежегодно, а то и два раза в год, так что про группу можно сказать «ярко и быстро горела, а не медленно тлела». Когда я говорю всепоглощающим, то имею ввиду способность музыкантов группы охватить многие из музыкальных направлений, существовавших на тот момент. Музыканты представляли на суд слушателей композиции, в которых сочетался блюз, джаз, хард рок, классическая музыка, старинная средневековая музыка и так называемый английский «soul»..Кроме того, музыка GG развивалась по закону эволюции - от сложного к простому -, и в конце своего существования группа заиграла мелодичный классик рок в рок-н-рольном духе и поп рок… Но об этом позже. А сейчас о дебютном альбоме – Gentle Giant.
Дебютный альбом получился наиболее блюзовый и хардроковый с мощным налетом той самой английской старины, которая так мне нравится. И, хотя, альбом получился очень ярким и интересным, тем не менее, приходится признать, что альбом не целостен и создает впечатление аляповатого лоскутного одеяла. Кроме того, музыканты явно ещё полностью не сформировали свой собственный стиль и большая часть композиций могла бы с таким же успехом быть обнаружена на альбомах The Beatls и Led Zeppelin. Я имею ввиду, конечно же «Isn’t It Quiet and Cold?» - похоже на Битлз, «Nothing at All», «Why Not?» - а эти можно перепутать с Цеппелин. Остальные композиции напоминают мне попеременно то King Crimson, то Pink Floyd. Однако подчеркну – ВСЕ композиции просто прекрасны и слушаются на ура, несмотря на постоянное чувство дежа вю.
Финальная композиция альбома - это кавер–версия английского гимна The Queen – своеобразный поклон музыкантов корням своей музыки, всему «истинно английскому». Получилось очень красиво и символично.
Ставлю этому альбому с большим сожалением 7 за вторичность материала. Однако – это только дебютный альбом, на котором хорошо видны задатки музыки с большой буквы и огромный потенциал музыкантов.

Demon Hunter  21 мар 2009

Иногда у меня возникает желание попасть как в детстве в сказку, может быть даже в страшную, но очень захватывающую. Однако чтобы сказка тебя захватила, нужно именно всей душой хотеть попасть туда и мысленно оставить реальность. Именно в таком отвлеченном состоянии и нужно приступать к прослушиванию альбома «Pepper’s Ghost». Признаюсь честно, я его тоже считала немного более слабым альбомом Aрены, чем их предыдущие работы. То мне казалось, что в нем не хватает хитовости, то не хватает прогрессивности или позитивности. НО все это наваждения, вероятно, были от слишком рационального подхода к этому альбому.
Итак, поставив этот диск в проигрыватель, вы попадете в мир призраков и приведений, а семь музыкальных композиций повествуют о столкновении мира людей с миром таинственных явлений и потусторонних существ. При этом удивляет разнообразие и необычность этих существ – тут вы не найдете заезженные темы про вампиров и оборотней, все гораздо занимательнее и сложнее. Мифологические призраки с востока с запада встретились на этом альбоме.
Что касается музыкального материала, то, конечно же, альбом выдержан в узнаваемом стиле Арены с вытканным пространством клавишных партий и полетных гитарных партий, по праву считающихся равными флоидовскому звучанию. После некоторого прослушивания мне стало понятно, что и запоминающихся мелодий в альбоме хватает – послушайте хотя бы “заклинание” «The Eyes of Lara Moon», начинающуюся с акустических переборов. Но особенно мне понравилась композиция Opera Fanatica. Слушая эту композицию, можно пережить состояние человека, одержимого музыкой, который сходит с ума от постоянных голосов, которые он слышит, и которые не дают ему покоя. Впрочем, все заканчивается на мажорной ноте и финал позитивный – «The King is dead, so worship me – No voices in my head, so worship me!».
Ставлю твердую «8», а там вам решать – хотите ли вы отправиться на прогулку с призраками или нет.

Demon Hunter   5 мар 2009

На удивление хорошо у меня «пошел» новый альбом этой молодой российской группы. И для меня это действительно неожиданно, что российская группа после недели прослушивания не собирается покидать мой плеер. В чем же дело – как эти музыканты сумели занять мой зажравшийся музыкой мозг?
А ответ таков. В этом году, новый альбом группы Эпитафия «Заложники системы» стал для меня воплощением хэви-метала с «русским лицом и душой». Назову основные моменты, которые позволили мне получить удовольствие от прослушивания диска:
1) Выдержанный стиль – это 100% низкоскоростной хэви, по которому я, наверное, просто скучаю. Это придаёт музыке уверенности, глубины и основательности. Причем на этом диске «детский» power с клавишами изничтожен практически полностью. Поэтому альбом «Заложники системы» совершенно не похож на предыдущий 2005 года «Перевернутый мир», который скорее понравился бы поклонникам Timo Kotipelto и Sonata Arctica.
2) Прекрасное звучание гитар. Изучив повнимательней буклет, я обнаружила, что музыканты использовали для записи альбома раритетные гитары 70-х годов. Может быть и это сказалось, но, на мой взгляд, и о гитаристах уже можно сказать, что они достигли определенного уровня мастерства. Попробовала ради эксперимента вперемешку послушать классические альбомы Judas Priest и «Заложников системы». Конечно, уровень групп даёт о себе знать, и гитарные партии Эпитафии проще, но даже на фоне гениев игра этих молодых ребят слушается достойно. Гитаристы Эпитафии филигранно обыгрывают каждый рифф, что даёт ощущение почти живого присутствия.
3) Осмысленные и грамотные тексты. Стихи поэтессы Натальи Муромской, которая написала их для этого альбома, просты, но душевны и почти все рифмы мне нравятся.
4) Музыкальный материал альбома весьма разнообразен, поэтому он не надоедает. Лично мне больше всего понравилась “открывашка” «Дорога в небо» - этакая байкерская песня, а так же инструментальная «Наедине с вечностью» и «Гнев богов», которые приятно напоминают Metallica времён «Ride the Lightning» и «Master of Puppets». А ещё тут есть очень светлая и позитивная рок баллада – «Река и море», а ещё красивая грустная акустическая баллада с соответствующим названием «Депрессия».
5) И наконец – самое важное. Это сложно передать словами, но в песнях «есть душа», они слушаются очень живо, а не штамповано.
Вообще, после прослушивания у меня осталось очень хорошее впечатление и ощущение, что ещё одним хорошим альбомом в моей копилке прибавилось. Мне так же было приятно узнать, что саунд-продюсером альбома является наш известный бас-гитарист Алик Грановский – лидер группы Мастер, к которому я питаю уважение. А бас-гитарист Эпитафии Иван Михайлов, оказывается, является к тому же учеником Грановского и теперь ещё одновременно музыкантом одной из старейших российских групп, Черный кофе. Кстати, на диске есть приятный бонус – «Дорога в небо», записанная со знаменитым вокалистом Дмитрием Варшавским – лидером группы Черный кофе. Вокал молодого вокалиста эпитафии Антона Андруховича сильно отличается от вокала Варшавского. У Андруховича более низкий хард-роковый вокал, немного напоминающий вокал Йорна Ланге, а у Варшавского – высокий «прогрессивный» вокал, так что слушается разнообразно и интересно.
Итог – интересный, качественный, мелодичный и душевный альбом. Не зря лидер группы Иван Михайлов заново собрал группу (так как её состав был полностью заменён после выхода альбома 2005 года) и ребята записали достойный альбом. Единственное к чему у меня претензия – так это к оформлению альбома. Мне все не нравиться, начиная от шрифта и кончая какими-то индустриальными фотографиями, совершенно не вяжущимися у меня с музыкой. Ставлю альбому «7», потому что группе, конечно, есть, куда расти и развиваться, и снизила за оформление и за пару проходных песен. Но в целом – весьма достойно, рекомендую!

Demon Hunter  12 янв 2009

Начну с того, что альбом «Subsurface» (2004) по смыслу является логическим продолжением предыдущего альбома «Critical Mass» (2002). По словам сопродюсера Theshold и, одновременно, клавишника и основного автора текстов Richard'а West'а, он продолжает раскрывать тему, заложенную в песне «Falling Away» («Critical Mass»), а именно - глубинные проблемы человеческого общества и мирового пространства - безразличие людей, постепенное разворачивание процессов, ведущих к разрушению человеческих отношений и общества.
C музыкальной точки зрения альбом является концентрацией наработок группы за весь период существования группы, кроме того, чувствуется влияние более раннего опыта Groom'а и West'а (когда они ещё играли вместе в Mercy Train – группе, далекой от метала). Кроме того, становиться понятно, что создавая этот альбом, музыканты были захвачены новыми техническими возможностями обработки инструментальных партий, ритм-секции и вокала. И уровень технического совершенства скакнул на запредельные высоты (особенно компьютерное создание разнообразнейших вокальных хоровых партий, дополнительных ударных партий, новых «компьютерных примочек» имитирующих, например, флейту, а так же есть различные электронные биты и даже скрипы)!
Стоит отметить, что перед работой над «Subsurface» в группе снова произошли изменения состава. Сразу после записи «Critical Mass» группу покинул один из её основателей – басист и соавтор текстов Jon Jeary (который, по словам другого «текстовика» Richard'а West'a, специализировался в группе в написании длинных эпических композиций). Однако уже в турне в поддержку этого альбома его заменил басист Steave Anderson. Кроме того, на этом альбоме проявил себя ярко ударник - Johanne James, который параллельно является вокалистом и ударником своей собственной группы Kyrbgrinder (выпустившей на данный момент уже 2 альбома). У меня есть возможность ознакомиться со специальным изданием альбома «Subsurface», на котором есть бонус – песня «What About Me», которую написал как раз Johann. Это замечательный образец классического хард-рока с очень тяжелыми риффами, который слушается очень свежо и интересно. Мне довелось послушать эту песню в исполнении самого Johann’а, и я понимаю, как тяжело было вписать метал-вокал Mac’а в эту композицию. Добавлю, что Johanne James признается лучшим ударником по версии Classic Rock Society с 2004 по 2008, и я надеюсь, что работа в сольном проекте не захлестнет его настолько, что он покинет Threshold!
Итак, позвольте мне спеть дифирамбы относительно интересного музыкального материала этого альбома.
Музыканты действительно продемонстрировали все, на что способны. Кроме традиционных «метал-номеров» от Threshold, таких как эпическая и надрывная «The Art of Reason», атмосферно-тяжелая «Opium» и прогрессивно-тревожные «Ground Control» и «Static», лиричной баллады «Flags and Footprints», тут есть ещё совершенно замечательный образец прогрессив-арт-рока – «Stop Dead». Открывает альбом заводная и простенькая «Mission Profile» (первые такты - ну просто абсолютный power metal!). Так же довольно проста, но динамична самая «раскрученная» песня альбома «Pressure», на которую группа сняла демонстрационный клип, который так же есть в специальном издании (клип представляет собой нарезку материала, отснятого в студии при записи альбома). Последняя песня альбома - светлая «оптимистичная» «The Destruction of Word», которая по замыслу авторов должна символизировать «свет в конце туннеля».
Итог – очень интересный альбом, НО очень интеллектуальный и сложный, после прослушивания которого хочется срочно воткнуть во что-то незамысловатое. Наверно, поэтому альбом слушаю не так часто, как захватывающий сразу и не отпускающий до конца «Hypotetical» (2001), и потому поставлю «9»!

Demon Hunter  30 окт 2008

Сразу скажу, что этот альбом, пожалуй, так же мной любим, как и более поздний «Hypothetical» (2001) (который чаще всего появляется в моём плеере). Кроме того, я очень ценю этот альбом за экспериментальность, какой не хватает, на мой взгляд, последующим альбомам, за исключением последнего. Альбом переполнен интересными находками – которых хватило бы по крайней мере на два альбома. Но об этом чуть позже.
Я держу в руках переиздание этого альбома 2004 года, перед которым был ремастеринг материала. Кроме того, в это переиздание были добавлены несколько трэков, которых нет в оригинальном издании 1997 года. Это акустическая инструментальная композиция «Segue» (которая вошла только в британский релиз) и песня, написанная вокалистом Demian'ом Wilson'ом и похожая на его сольное творчество – «Mansion» (бонус в японском релизе). Обе композиции не имеют отношение к металу совершенно – это скорее очень красивый атмосферный мелодик-рок. В «Segue» использован прием, когда музыка является частью звукового фона из жизни – а именно, акустическая гитара звучит в окружении звуков из какого-нибудь кафе (звон посуды, шаги, голоса людей). Ещё в релиз вошли радио версии песен «Exposed» и «Virtual Isolation» (укороченные по времени). Именно эти версии чаще всего исполняются на концертах. Сокращение по времени было достигнуто так же за счет ускорения ритма – то есть, обе композиции получились более скоростными и динамичными, чем в оригинале. Кроме того, были использованы другие гитары и звук был лучше обработан. В результате получились очень свежие и современные композиции, начисто лишённые того ощущения «сырого» материала, которое возникает при прослушивании оригинальных версий.
Вернемся к основному материалу альбома. Отмечу, что группа выпустила этот свой третий альбом после довольно большого перерыва для молодой команды – 3 года. Вероятно, это связано с тем, что вокалист Glynn Morgan и ударник Jay Micciche ушли из группы и основали свою - Mindfeed. Однако на этом изменения состава группы в этот период не закончились. В турне в поддержку этого альбома поехал уже нынешний ударник Threshold - чернокожий Johanne James, заменивший Jay Micciche, который в дальнейшем привнесет в звучание группы больше динамизма.
Сами музыканты считают этот альбом самым прогрессивным из трех первых альбомов. Вероятнее всего, за счет того, что действительно усложнился ритм – стал использоваться так называемый синкопированный ритм (который сейчас просто неотделим от понятия прогрессив-метал), что придает некоторой схожести с Dream Theater. Этот сложный ритм особенно хорошо чувствуется на «Somatography». Однако как хорошо, что это не стало основной «фишкой» Threshold! Прогрессив от этой группы более атмосферен и «монументален», чем у Dream Theater (которые, на мой взгляд, играют более технично и динамично).
Альбом замечателен ещё использованием «хоровых» эффектов. Причем они являются определяющими в некоторых композициях. В этом плане мне очень нравится песня «The Whispering», где ведется повествование от лица «внутреннего голоса». И эти «внутренние голоса» в припеве песни выкрикивают хором на манер Offspring – «if they said go – would you go!». Эти эффекты были созданы путем наложение голосов всех участников группы, а так же 64 дорожек голоса Damian'a.
На этом альбоме Кarl Groom (гитарист и основатель группы) решил так же достигнуть самого тяжелого звучания за все три первые альбома, поэтому в песне «Lake of Despond» он играет в самом низком гитарном регистре. Песня действительно получилась очень мрачной, к тому же она задумывалась как продолжение мрачного хита с первого альбома «Days of Dearth».
На альбоме даже есть очень хитовая мини хэви-метал-опера - композиция «Part of the Chaos» с многочисленными сменами различных тем, планов и ритма.
Помимо этого, альбом украшают баллада – «Forever» и акустическая «Clear» (так же как и «Mansion», написанная вокалистом Damian’ом). В этих песнях особенно ярко блистает голос самого Damian'а. По моему мнению, он обладает наиболее ярким голосом из всех трех вокалистов Threshold, потому что вытягивает очень высокие ноты, конкурируя с гитарными соло. На мой взгляд, он больше всего похож на голос Klaus'a Meine из Scorpions, только более чистый, сильный и техничный. Мне остаётся только радоваться, что Damian Wilson вернулся в Threshold, после того, как в 2007 её покинул прежний вокалист Andrew 'Mac' McDermot, и в 2008 году группа выступает в Европе именно со своим первым вокалистом!
Итог – интересный, красивейший альбом. Единственным недостатком которого можно считать сложность композиций, отчего знакомство с этим альбомом невозможно с первого раза и «на одном дыхании». Он для любителей «посмаковать» ;-)

Demon Hunter  28 окт 2008

На дворе 2008 год… мир изменился - теперь все качают музыку из Интернета, а количество групп, которые исполняют тяжелую музыку, наверно, исчисляется тысячами. Однако для многих поклонников тяжмета в нашей стране, да и во всем мире, метал начался именно с группы Металлика. И, вероятно, это правда, что все почитатели этой группы делятся на тех, кто начинал с Металлики 80-х годов и тех, кто приобщился к музыке этой группы только в 90-х годов (скорее всего, силу возраста). Соответственно, первые восхищаются «Master of Puppets», а другие в основном слушают «Load» - «Reload» (правда, обычно скромно молчат об этом, потому что недовольные вопли первых слишком смущают их).
Так случилось, что первым моим заслушанным до дыр альбомом Металлики был их замечательный дебютник «Kill'em All» – залихвацкий классический трэшак. И когда стали выходить следующие альбомы, особенно «Master оf Puppets» - было даже странновато слышать такой значительно более мелодичный и прогрессивный трэш с очень глубокой по смыслу лирикой. Далее был «Черный альбом», который вознес Металлику на вершину популярности и казалось, что больше невозможно создать ничего более лучшего! И тут возник у всех страшный вопрос – а что же дальше?
Много раз мне пришлось выслушивать мнения о том, что после «Metallica of Metallica» музыканты этой группы должны были уйти на покой. И правда – популярность и деньги заработаны, можно купить например какой-нибудь бизнес и уйти со сцены. Но разве может настоящий музыкант бросить дело своей жизни? Может ли творец не творить? И музыканты остались верны своему делу… и начались эксперименты… при этом тяжелая музыка вокруг становилась все разнообразнее, появилось огромное количество талантливых новых коллективов. Металлика начала искать: поиграла каверы на любимые песни юности, увлеклась модными гранжевыми музыкальными идеями 90-х, выпустив «Load» – «Reload». Наконец, разозлившись на всех вокруг, создала альтернативный, кипящий ненавистью альбом «St. Anger».
И, честно говоря, мне очень обидно слышать слова о том, что в это время Металлика была «поражена неизлечимыми недугами», выпуская альбомы «Load» – «Reload», «St. Anger». Вдумайтесь!!!! Ведь это ТОЛЬКО 6 – 8 альбомы по счету группы!!! ЛЮБАЯ великая рок- или метал-группа подавала признаки жизни и незакостенелости только в том случае, если её музыка развивалась, если музыканты проводили какие-либо эксперименты ДАЖЕ в разрез с желаниями поклонников (посмотрите, как разнообразны по музыке и успеху у фэнов альбомы Judas Priest, Sepultura, Rush… примеров миллион!). Почему же Металлика своими экспериментами вызвала столько шума? Да потому что Металлика стала СЛИШКОМ популярной и слишком рано стала «иконой». И я думаю, что вовсе не сама музыка этих альбомов оттолкнула от Металлики многих фэнов, а та заоблачная, недопустимая для группы, играющей тяжелую музыку популярность. Мы же с вами, господа, и стали недовольно кривить физиономию - мол – «какой кошмар!!! Металлика на попсовом MTV!!! Как посмели!»

Да…прошу прощения за долгое вступление, но без него моя рецензия не была бы логичной.
И вот наступил 2008 и перед нами новый альбом Metallica. Замечательный альбом, который слушается на одном дыхании! Однако в ПЕРВЫЙ РАЗ, на мой взгляд, Металлика обошлась без экспериментов: в нём старательно собрано всё то лучшее, что было найдено Металликой за все свое творчество. Разве что удивляет суперпрогрессивная инструменталка «Suicide & Redemption» и «The Unforgiven III» - шедевр мелодичности с гармоничными клавишами и духовыми в начале баллады. А ведь нас с вами из-за развития музыкальной индустрии так сложно стало удивить по сравнению с концом 80-х! А ещё я часто прокручиваю назад на третий трэк «Broken, Beat & Scarred» – это из трэшака, причем из такого - фирменного, очень мелодичного и вязкого трэшака от Metallica с разгоном и быстрым гитарным соляком в конце.
Было у меня желание покритиковать слишком простые сольные партии Кирка, однако потом оно отпало. Если бы они были бы слишком прогрессивны и заморочены, то нарушилось бы гармоничное звучание альбома в целом. Простота гитарных партий – это отголоски альтернативного звучания Металлики.

Итог. На мой взгляд – альбом удался именно как отправная точка для следующего творчества группы, которое я надеюсь услышать. Это яркий альбом, с интересным материалом, однако, дающий возможность совершенствоваться дальше. Специально не хочу думать, куда можно было бы развиваться – не хочу, прежде всего, себя на что-то настраивать и взрастить ожидания, которые могут не совпасть с тем, что окажется на самом деле. Короче говоря, надеюсь на продолжение славной истории. Теперь, когда все успокоились, так как убедились, что Металлика может делать альбомы похожие на Металлику… можно спокойно творить…

Demon Hunter   5 окт 2008

Сегодня, когда я закупалась дисками в своём обычном месте, то знакомый продавец обратил моё внимание на свежий диск в отделе, где продаются российские группы со словами «вот возьми этот диск, я помню, тебе понравился Otto Dix».
Я, конечно, поставила послушать дебютник новой московской команды Unreal, ожидая услышать клон уже ставшей известной замечательной команды тёмной сцены. Однако, то, что я услышала, удивило и обрадовало меня как мощным и интересным музыкальным материалом, так и не похожестью на Dix.
Основой той музыки, которую я услышала, в отличие от dark wave Otto Dix, был индастриал-метал – мощный, с пронизывающими электронными эффектами! Именно метал-основа дала этой музыке энергию, которая так мне нравится!
Не все, конечно песни одинаково прекрасны, мне очень понравились длинные философские «Проклятье мертвых роз» и две последние концептуальные песни по мотивам произведения Данте Алигьери, «Инферно» и «Чистилище».
Но больше меня порадовала песня «Newtype» - настоящий хит! Совершенно гипнотическое начало с жесткими басовыми риффами и мелодичнейшая музыка!
Ну, поскольку дебютник – все-таки «8», скорее всего, из-за простоты части песен, хотя может быть это вовсе и не недостаток.

Demon Hunter  31 авг 2008

После прослушивания каждого альбома этой группы у меня начинает слегка кружиться голова и пульс становится явно выше нормы – все от ощущения дикой скорости, будто я мчусь на…(нет, не на мотоцикле – это с Пристами)…скорее на звёздном истребителе X-wing!
На третьем альбоме MPE взялись за оттачивание своего стиля – высокоскоростного и супертехничного melodic death’а с электронными наворотами, интересными клавишными партиями. В целом, этот последний опус оказался гораздо лучше структурированным, поэтому цепляет сразу, с первого раза прослушивания, в отличие от несколько кашеобразного «Unborn». Вероятно, сказывается более значительное вовлечение в написание музыки второго композитора группы– соло гитариста Jarkko Kokko (он является автором двух замечательных инструментальных треков), наряду с основным творцом - Jori Hauko.

Альбом воспринимается разделенным на 2-е части красивым инструментальным треком «Forgotten», со «взвинченными» гитарными соло. Первая часть – четыре напористых боевика, а после «Forgotten» следуют ещё пять треков – и они представляют собой не менее интересный и, что самое важное – разнообразный материал! Тут есть и среднетемповая - «The Distance Between», и короткий как вспышка молнии, но яростный взрыв с «захлёбывающимся» басом - «It is Done», и конечно, прекрасно режиссированная заглавная песня «Terminal Liberation» - филигранное переплетение рычания вокалиста, женского бэк вокала, электронных «вставок» и гитарных риффов!

Вообще технический уровень альбома поражает воображение. Особенно уровень электронных парий, хотя их стало меньше по сравнению с предыдущим альомом. Возможно, наравне с мастерством Hauko, сказывается американский мастеринг Colin’а Devis’a в калифорнийской студии Imperial Mastering. И вокал настолько разнообразен, что иногда создается впечатление, что задействовано несколько вокалистов. У меня есть гипотеза, что это по-разному обработан «рык» вокалиста при записи Anssi Kippo в студии Astia Studio A. Вообщем – лучший альбом группы на сегодняшний день!

И мне тоже хотелось бы отметить несоответствие музыки и затронутых в альбоме темы разрушения с дизайном обложки: такая обложка скорее подходит для симфо павера, чем для дета!

Demon Hunter  17 ноя 2007

Когда однажды в моем тогда ещё кассетном плеире каким-то божественным проведением (среди засилья альбомов Blind Guardian, Iron Maiden и Megadeath) очутился альбом группы Dead Can Dance – мне стало ясно, что ещё долго не смогу слушать что-то другое. В моём сознании произошел переворот – это сделал альбом «Within The Realm of a Dying Sun».
Вся музыка Dead Can Dance не похожа ни на что другое - она альтернатива всему, а этот альбом, в свою очередь, выделяется на фоне всего остального творчества группы. Брэндан Перри уже отошел от пост-панка, какой был на первых двух альбомах («Dead Can Dance» и «Spleen and Ideal»), а Лиза Джеррард пока ещё не слишком развернулась в своих музыкальных medieval исследованиях (как на «The Serpent’s Egg» или «Anion»). Позже, уже когда группа прекратит своё существование, Лиза продолжит изучение музыки ещё более древних «исторических слоёв», чем средневековье. Например, в фильме «Гладиатор» она попытается воссоздать музыкальный фон, времен расцвета Римской Империи, а в своём совместном проекте с композитором Patrick’ом Cassidy обращается к музыке Древней Византии и раннехрестианского периода (одну из песен Лиза поёт на арамейском языке).

Однако, возвращаясь к музыкальному материалу альбома отмечу, что альбом состоит из двух частей. Первые четыре песни исполняет Брендан, а вторые четыре – Лиза. Однако, их объединяет одно – вся музыка похожа на саундрек к фильму ужасов, какого-нибудь европейского режиссера, так как пронизана духом европейского символизма 19 века. И здесь вы не найдете «готично-церковных» органных хоралов, корни этой музыки во французской поэзии, литературе. Большинство композиций достаточно медленного темпа, с очень интересным ритмическим рисунком и с большим количеством «звенящих» звуков, от чего атмосфера получается таинственной и гнетущей.

Все песни – как Брендана, так и Лизы очень хороши, но одна из них является на мой взгляд шедевром – это Cantara! Одним словом – гипнотическая, спиритическая композиция. Слушая ещё, создается впечатление, что она используется медиумами для того, чтобы вызвать дух умершего! Это вероятно, древнейшая форма музыкальной композиции, потому, что такой постоянно повторяющийся ритмический рисунок с нагнетанием атмосферы характерен для музыки большинства языческих племён.

Что ещё добавить? В конце ноября этого года в Москву приезжает Лиза Джеррард. И у меня нет слов выразить свой восторг по этому поводу. Это самый прекрасный и удивительный голос из всех, которые мне доводилось слышать.
На официальном вебсайте Лизы есть любопытное сообщение о том, что уже в раннем детстве девочка экспериментировала с пением – например, пела в автомобильном тоннеле в Мельбурне в разное время дня – видимо, по разному звучал голос, в зависимости от загруженности тоннеля. Что говорить – голос Лизы – это невероятное достижение человеческих возможностей!

Demon Hunter  21 окт 2007

Вы металлист от самой макушки вашей волосатой головы и до кончиков остроносых казаков? Но вы страдаете от того, что все ваши любимые группы «попсеют», выпускают «более легкие альбомы» или «впадают в излишний симфонизм», а новые группы, на ваш взгляд, являются клонами Masterplan или Nightwish, и у вас постоянно возникает чувство дежа вю? Что делать? Не отчаивайтесь – послушайте яркий и интересный, полный социального протеста новый альбом Clawfinger и не обращайте внимания на то, что когда-то эти ребята основали стиль Rap metal, спев в 1993 году небезызвестный хит "Nigger".

Этим ребятам давно стало тесно в рамках этого ненавистного нами стиля - Rap. И их последний альбом – яркое тому подтверждение. От рэпа тут осталось только лишь то, что вокалист поет так, что можно с лёгкостью все воспринимать, даже если ваш уровень английского далёк от совершенства. А послушать есть что! Ведь кроме интересного музыкального материала, вы тут найдете мощнейший смысловой посыл, высказанный в самой жесткой форме: "I was a baby I’ve been destined to die, this life it has no meaning, I greet death like a friend…". Кроме того, мне очень нравится, когда вокалиста «поддерживает» хор ещё из нескольких голосов. В песне «Little Baby», например, Заку подпевает некая Barbie Swan, изображая несчастливого ребенка: «this house is not a happy home».

Что касается музыки, могу сказать, что это среднетемповый хардкор, который позволяет развернуться замечательным запоминающимся мелодиям, которые есть практически в каждой песне. Альбом просто воплощение тяжелого мелодизма! Кроме того, музыканты достигли небывалых высот в аранжировках песен. Каждая песня - это короткометражный музыкальный фильм. Например, в треке «Final Stand» использована тема традиционного мусульманского пения с минарета в час молитвы.

Вы ещё думаете, слушать этот альбом или нет? Тогда я скажу так – ритм песни, давшей название альбому «Life Will Kill You» до боли напоминает ритм хита на все времена Queen «We will Rock you»! Один из лучших альбомов года.

Demon Hunter   6 окт 2007

У меня есть несколько групп, творчество которых мне очень сложно оценивать объективно, поскольку оно сильно любимо и дорого. Amorphis – именно одна из таких групп. Мне иногда кажется, что только я услышу любую песню в исполнении этих финнов – и уже все хорошо – так захватывает атмосфера! И вот новый альбом этой группы у меня в плейере. Но что за странное желание? Мне не хочется слушать весь альбом, а хочется слушать только вторую его половину – песни, которые начинаются с "Enigma", а первую часть практически автоматом прокручиваю. Так вот стало понятно, что не воспринимаю альбом целостно – как будто он состоит из двух отдельных частей. Песни первой половины – с первой по шестую, включая вышедшую синглом "Silent Waters", напомнили мне кучу разных финских лав-метал групп, которые кажутся мне несколько скучноватыми. Совсем другое дело – песни второй половины! Там, где много акустических гитарных партий и фолковых элементов. Кроме того, они имеют интересный и четкий ритмический рисунок – Jan Rechberger вернулся не зря. Есть две просто шедевральные песни – это "Shaman" и "Black River". "Shaman" – колдовская песня, гипнотически заставляет слушать снова и снова. Такое впечатление, что автор музыки Halopainen наслушался Jethro Tull, когда её писал – дудочки и риффы прямо оттуда! Особенную схожесть с шаманским действием придают партии бэк-вокала – просто копия горлового пения северных народов. "Black River" – красивая металлическая баллада с потрясающими клавишными партиями и гитарными соло. Еще хочу добавить, что на этом альбоме вокалист Tomi Joutsen проявил себя ещё лучше, чем на предыдущем, дебютном для него в этой группе, показав разнообразные возможности своего голоса – от густого сильного гроула до спокойного и печального «разговора». В итоге, придется ставить не слишком высокий балл – снижаю за трендовые первые песни.

Demon Hunter  15 сен 2007

Вообще-то я люблю для себя открывать какие-то новые музыкальные стили, но я не меньше радуюсь, когда появляется группа, которая позволяет мне как бы заново открывать те стили, с которых для меня все и началось. Итальянская группа «The Dogma» как раз с успехом это и сделала. Их искренняя музыка захватила меня и снова развернула к хэви-метал. Казалось бы… что здесь можно ещё сделать? Оказалось, что можно, да ещё как! В чем секрет? Ответ прост — это хэви-метал, только насквозь итальянский! А ведь итальянцы, как известно, являются носителями великой оперной культуры, одни имена Верди и Россини чего стоят! Что и говорить, в Италии всегда умели петь. Вот и получился хэви-метал, запредельно пронизанный мелодичностью и глубокими эмоциями, без излишнего пафоса. Правда, атмосфера этого второго альбома весьма мрачная «готическая»: ведь основной автор песен — гитарист Cosimo Benetti посвятил этот альбом безвременно умершей в 15 лет девочке Кристине.

Но тех, кто любит много симфоничности в музыке наподобие творчества их соотечественников Rhapsody — спешу разочаровать, симфонизма в музыке мало, что лично для меня является только плюсом. Просто я предпочитаю послушать классику, если мне хочется насладиться симфоническим оркестром. Однако связь с великим наследием чувствуется везде, можно сказать, что «призраки оперы» пронизывают весь альбом в виде красивых классических хоровых партий, которые дополняют вокальные партии Daniele Santori, вокал которого, к счастью, далек от оперного.

Можно сказать, что на втором альбоме группа окончательно нашла свое уникальное лицо, выдав больше музыкального материала, чем на альбоме-дебютнике. И запоминающихся хитовых песен значительно увеличилось. Кроме того, в этот альбом по сравнению с предыдущим внес больший вклад клавишник этого коллектива — Stefano Smeriglio, который, несомненно, является музыкантом с большим потенциалом. В этот раз он проявил себя как автор, пожалуй, самой красивой баллады на этом альбоме — «Autumn Tears».

Кроме того, радует, что многие песни этого коллектива начитаются интересными электронными вступлениями. Правда, я не поняла, кому надо сказать за них спасибо. Можно было бы даже и побольше таких электронных вставок. Но в целом очень и очень хороший альбом! Поставлю не самые высокие баллы — наверное, за то, что все-таки есть некоторые «проходные» в музыкальном плане песни, например: "Angel in the Cage" или "Feel my Pain" — но это простительно, ведь, вероятно, автору этих песен Cosimo просто надо было выговориться. -))))

Demon Hunter  19 авг 2007

Вероятно, вирус под названием Depeche Mode не дает мне покоя до сих пор, и время от времени дает о себе знать. Именно поэтому и тянет иногда что-нибудь послушать из синти-попа, особенно когда выпускает альбом группа, по праву считающаяся преемницей «депешей» на просторах Дойчланда.

И какой это альбом! Сразу скажу, что последнее творение Melotron на порядок выше всего того, что было сделано этой группой до этого! Теперь это не просто набор качественных электронных сэмплов, под которые можно подвигаться на танцполе или помедитировать, весьма похожих на материал вышеупомянутой группы-родоначальницы стиля, как было в большинстве музыкального материала предыдущих альбомов. Теперь, это чуть ли не концептуальной альбом (увы, это только гипотеза, так как пока немецкий я не знаю). Но все же – альбом имеет интересную структуру: интро альбома "Auferstehung" и завершающая композиция "Dein Herr" имеют одинаковую музыкальную тему, божественно красивейшую. А для создания этого альбома ребята явно черпали вдохновение в том лучшем, что оставила нам советская эпоха - детскую наивность и позитив (в оформлении альбома – нарисованный красный флажок, знакомый всем с детства). А чего стоит песня "Princess of Russia"!

Говоря о музыкальном материале альбома вообще создается впечатление, что музыканты делают упор именно на написание красивых, запоминающихся мелодий – они и сейчас у меня вертятся в голове, и их в меньшей степени заботит то, насколько сложные компьютерные навороты будут использованы. Особенно прекрасны печальная "Du Bist" и "Liebe Ist Notwehr".

И ещё могу сказать, что вокальные данные Энди Крюгера растут от альбома к альбому – яркий, запоминающийся и местами даже эротичный вокал. На этом альбоме он выигрышно дополнен женским вокалом некой Джины (в композициях "Auferstehung", "Gerade Heute" и "Dein Herr").

Demon Hunter  27 июл 2007

Как-то купила дебютник неизвестной мне группы Twelfth Gate из Чикаго, так как увидела описание стиля в котором играет группа – progressive thrash. До этого я не слышала , чтобы кто-либо играл в таком стиле. Кроме того, обложку для этого диска создал очень известный художник Travis Smith (в багаже которого работы с такими коллективами как Suffocation, Iced Earth, Opeth, Nevermore, Anathema, Death, Soilwork, Katatonia) – наверное и она сыграла роль в решении купить диск! Обложка, конечно, очень высокого уровня – объемное, оригинальное психологичное изображение израненного, тянущегося к небу человека. Полностью сообтветсвует общей атмосфере альбома – напряжение из последних сил.

И я не пожалела о своем рискованном приобретении (так как фактически покупала кота в мешке ). О музыке скажу так – очень качественный трэш с очень разнообразным ритмическим рисунком (от затянутого в начале трэка и до быстрого к концу), и с абсолютно нетривиальными мелодиями и гармониями. Особо отмечу вокал Scott’а Huffman’a, правда на данный момент он уже не является вокалистом группы, так как ушел после релиза второго альбома группы. Он поет необычным низким скримингом. Причем в каждой песне его голос дублируется (особенно это заметно в единственном медляке "Orpheus"). В результате получается очень насыщенное звучание и вокальные партии выходят на первый план, что в целом нехарактерно для трэша. Добавлю, что его голос мне иногда даже напоминает голос вокалиста некогда очень популярной группы Faith No More, а иногда даже вокал Ozzy Ozbourne’а. А последняя композиция "Forgotten Names" точно создана под влиянием Sabbath.

Выделить особо какие-либо песни не могу, альбом получился ровным. Короче говоря – не шедевр, но очень качественная работа, вносящая разнообразие в плейлист любителя прога. В дальнейшем (на втором альбоме) группа пошла по пути ещё большего утяжеления материала, по сравнению с этим дебютом. Ну что же, это только добавляет ей плюсов.

Demon Hunter   7 июл 2007

Ну что тут скажешь! Присоединюсь к тем, кто счел этот альбом шедевром, причем мне это стало это ясно сразу же после первого прослушивания. Уникальность альбома и состоит как раз в том, что с одной стороны материал невероятно сложен и разнообразен (что, как правило, некоторым затрудняет его восприятие), но с другой - цепляет и ещё как! В этом его главное отличие от его «правильного» предшественника «Octavarium», который лично мне кажется несколько рафинированным и скучноватым. Не соглашусь с теми, кто счел этот альбом ню-металлическим, так как в нём прослеживается сразу несколько музыкальных традиций. Понятное дело, арт-роковое влияние (как же этот рваный, синкопированный ритм напоминает мне King Crimson!). Альбом на половину трэшевый - не зря DT до этого переиграли Metallica «Master of Puppets». И действительно, заметно влияние Black Sabbath в последней концептуальной композиции - "In The Presence of Enemies". Что касается "Repentance" – конечно же, это поклон DT своим не менее талантливым современникам Opeth. Лично я в этом не вижу ничего плохого! Тем более, что сам Майкл Акерфельд спел в этой песне. Вообще на альбоме много разных вокалов, поэтому создается впечатление, что прослушиваешь не менее 12-13 композиций, хотя всего их на альбоме 8 – просто небольшая метал опера получилась. Отмечу трек, который, на мой взгляд, является уникальнейшим сплавом трэша и прогрессива – "The Dark Eternal Nigths". Потрясающая лирика John’а Petrucci и филигранные клавишные партии Jordan’а Rudess’а (сказывается его тяготение к EL&P).
В общем, резюме таково: ребята вложили в альбом лучшее из разных стилей, и получился грандиозный калейдоскоп, а проще ХАОС…систематический, из которого и рождается все самое новое и прекрасное!

Demon Hunter  29 июн 2007

И снова «сумасбродная троица» из Канады Rush поражает воображение своим новым альбомом «Snakes & Arrows»! Остается только удивляться, как можно не исписаться за такую длительную карьеру, а ведь их первый альбом прогремел своим рок-н-рольным угаром аж в 1974 году! Наверное, у этой прог-роковой группы есть свой особый секрет того, как можно спустя столько времени писать такой актуальный и современный музыкальный материал!
Его предшественник – альбом 2002 года «Vapor Trail» был так же очень хорош (после него группа выпустила альбом блюзовых каверов и многочисленные концертники), однако все-таки он требует от слушателя особого к себе подхода. В отличие от него, «Snakes & Arrows» слушается очень легко даже в фоновом режиме. Песни сами к себе притягивают внимание – каждая своим особенным очарованием. Поэтому я не могу выделить, что есть какие-то менее удачные, а какие-то более удачные.
Если судить об общем впечатлении, то мне кажется, что звук альбома стал более плотным и мощным, он действительно впечатляет! Не знаю, чем это объяснить, может быть, сменной продюсера и звукозаписывающей студии? В общем, если попробовать описать звучание Rush образца 2007 – это максимальный отход от заумности к хитовости и объему звука. Кроме современного уровня звука, альбом впитал в себя влияние всего наследия группы: тут слышится и арт-рок (местами напоминая King Crimson), блюз (особенно в треке «The Way the Wind Blow»)…а ещё этот альбом навевает мысли о диком западе, особенно если послушать акустические гитары из «Норe».
Альбом не перегружен информационно: в нем целых три инструментальных трека. Все красивейшие и филигранно сыгранные. А третий из них, «Malignant Narcissism», настолько захватывает, что я несколько раз подряд прокручиваю его, прежде чем перейти к следующему – не могу наслушаться! Такой напряженный ритмический рисунок баса в исполнении лидера группы Гедди Ли!
Еще хочу отметить великолепные тематические иллюстрации к каждой песне (созданные при участии Hugh Syme), которые помогают раскрыть смысл каждой из них, поскольку лирику в отдельности мне было не просто понять. Ну что же – великолепное содержание более чем достойно такого замечательного оформления!

Demon Hunter  10 июн 2007