|
|
 |
|
| К счастью, когда ищешь дилеров безумия в мире экстремального метала, кандидаты и соискатели на поставку появляются тут же. Таковы, например, американцы Ehnahre – адепты гипнотически-тленных построений перегруженного баса и созидателей на этом остове громады болезни и мизантропии, а иногда – само олицетворение противоречий медленного- вязкого и быстрого-хаотического. Единственная константа тут – раздираемый ненавистью скрим, все остальное приходит и уходит: сладжевый рифф (группа все-таки назвалась с намеком на песню с 3-го альбома Eyehategod), пугающая эмбиентная подложка, индустриальный луп, каламбурная электроника... В дребезжащем и испытывающем психику на прочность думе ничего противоречащего стучащему в следующую минуту бласту нет. А возможно, это группа бесконечно и каждую минуту джемует, потому мы слышим разрозненные куски разных стилей агрессивного. Группа нередко застывает, очарованная своими же темными мощностями, выраженными одним только рычащем басом, но неразрешенное напряжение и потенциал к психопатическому развитию присутствуют всегда.
Признаться, доминанты музыки, тот же бас (в каждой строчке про него приходится, он неискореним) и стенающий рык могут быть довольно надоедливы, меня больше прельщают скоростные параноидальные комбинации ударных (барабанщик крайне хорош) и жужжащая гитара, если к этому примешаются атональная возня инструментов или облака белого шума, я вовсе не против. Также не скрою, небольшие просветления хотя бы в виде мягкого чистого вокала или ориентального пения тоже чуть лечат от плотного вала безумств. К тому же, Ehnahre, как вы должны были понять ранее, умеют художественно использовать паузы и умолчания со стороны того или иного инструмента. Учитывая немалую в среднем продолжительность трэков (точнее их точнее было бы назвать сюитами) это особенно ценно. Заключительный номер диска "Birth" особенно яро удаляется от экстремального метала к академическому авангарду.
Текстов своих у Ehnahre нет, они используют свой мрачный саунд-дизайн для воспроизведения лирики настоящих поэтов, а не выскочек из андеграунда... ну и чтобы не поганить достойную музыку низкими виршами. Спорный подход, снимающий немалый груз ответственности с творцов... В этот раз нас метафизически сопровождают ирландец Фредерик Роберт Хиггинс, австриец Георг Тракль и американцы Уолт Уитмэн и Джон Робинсон Джефферс.
Полюбить такой альбом непросто, но уважать несложно, проведенная над ним большая работа очевидна. Американцы запросто становятся в ряд иных "трудных" медленных и не совсем коллективов: Esoteric, Corrupted, Portal... список не закончен...
|
|  |
|
|
|
|
|
| В середине августа 1969 года в американском Вудстоке состоялся легендарный рок-фестиваль (Woodstock Music & Art Fair). Планировали, но по разным причинам тогда там не смогли выступить The Doors, Frank Zappa, Iron Butterfly и некоторые другие уважаемые люди. Получили приглашение, но ответили отказом британцы Procol Harum, Jethro Tull, Led Zeppelin, The Moody Blues и много кто ещё... Были приглашены и The Beatles, на что Джон Леннон ответил, что это уже невозможно. The Rolling Stones же организаторами даже не рассматривались в качестве участников того исторического мероприятия.
А вот в начале декабря "роллинги" оказались среди хедлайнеров другого рок-фестиваля (Altamont Speedway Free Festival). 6 декабря они вышли на сцену этого городка, что неподалёку от Сан-Франциско в Северной Калифорнии. Байкерская бригада "Ангелы Ада", нанятые "роллингами" для обеспечения безопасности, оцепила сцену. Однако часть беснующегося зала толпой окружила подходы к подмосткам, когда на них вышли The Rolling Stones. Несколько наиболее отчаянных фанатов сделали попытку прорваться сквозь оцепление. В ответ охрана пустила в ход кулаки и дубинки. Одному темнокожему парню досталось особо - прямо на глазах у музыкантов его повалили на пол перед сценой и забили насмерть. "Ангелам" показалось, что Мередит Хантер (так звали этого юношу) был вооружён... Группа доиграла свою песню до конца и только тогда покинула сцену. А та жуткая расправа была заснята американскими документалистами Альбертом и Дэвидом Мэйслзами (Albert & David Maysles)...
1969 год для The Rolling Stones стал годом потрясений. История в Алтамонте была последней в том ряду. А в начале июля произошла трагедия, ставшая закономерным исходом затянувшейся человеческой беды, которой вполне могло и не случиться, только никто из музыкантов группы и окружения Брайана Джонса не сделали для этого ровным счётом ничего. Один из основателей и лидеров RS пал жертвой не только наркотиков и алкоголя, но и холодного человеческого безразличия.
Ещё в декабре 1968 года, сразу после выхода их последнего студийного LP "Beggars Banquet", "роллинги" снялись в цветном муз. фильме "The Rolling Stones Rock and Roll Circus" с участием Джона Леннона, The Dirty Mac, The Who, Jethro Tull, Марианны Фейтфул, Taj Mahal. Однако, зрители и слушатели смогли увидеть этот декадентский и ничего особенного из себя не представляющий видео-концерт только в начале нулевых. А в ноябре того же года группа, чтобы как-то заполнить возникшую паузу, собралась в Olympic Studios в Лондоне, где с нуля подготовила первую запись для своего нового альбома. Ею оказалась самая сложная и одна из стержневых композиций с непривычно длинным названием "You Can't Always Get What You Want". И когда уже рабочая запись была готова что-то побудило продюсера Дж. Миллера принять неординарное решение добавить в начало и концовку этого опуса смешанного хорального звучания. Вступление с мужским хором и тремя солистками, пасторальной валторной многоликого Эла Купера придали композиции академической утончённости и ещё большей смысловой весомости, а программа альбома в целом обрела некую идейную завершённость. Ход был неожиданный, пожалуй в чём-то рискованный, но, как оказалось, верный.
Настоящая же студийная работа над будущей пластинкой началась лишь в феврале 1969 года. И затянулась в силу разных причин до июля. И вновь не обошлось без кадровых проблем. Брайан Джонс, некогда один из столпов RS, становился всё более ненадёжным и неуправляемым звеном в составе. По большому счёту на него уже всерьёз и не расчитывали, скажу больше, на Брайана с его закидонами просто махнули рукой. И даже когда он присутствовал в студии, что случалось всё реже, он был либо пьян, либо под действием наркотиков. А когда в мае он ещё и в аварию на мотоцикле угодил, то всё для Б. Джонса на этом по сути и закончилось.
Практически все гитарные партии во всех девяти номерах пластинки были исполнены Китом Ричардсом. Надо признать, эта работа "роллингов", как никакая другая и до и после, в основе своей выполнена усилиями основного гитариста RS. В "Live With Me" он исполнил ещё и партию на бас-гитаре, а песня "You Got The Silver" практически вообще его. Здесь Кит ещё и вокалист в единственном лице, хотя вокал и не его дело, как всем нам известно. Впрочем, в этом блюзовом номере такая задача не стала для него невыполнимой, а для слушателя неискушённого столь неожиданная подмена вокалистов в ходе студийной записи этой песни и вовсе останется незамеченной. Кстати, это был первый случай в истории RS, когда на вокале присутствовал не ведущий солист группы, хотя как соавтор этой песни Мик Джаггер фигурирует.
Мик Тэйлор, новый участник RS, своей располагающей внешностью и скромными манерами изрядно контрастировал с остальными "роллингами", которые даже на сцене больше походили на шпану из подворотни, чем на восходящих звёзд британской рок-музыки. Однако, это никак не мешало молодому, но уже достаточно квалифицированному гитаристу, обрести "химию" с Китом Ричардсом. Впрочем, участие Тэйлора в работе над "Let It Bleed" ограничилось всего лишь двумя гитарными пассажами в двух номерах альбома, которые к тому же он исполнил уже, что называется, постфактум.
Зато в "Honky Tonk Woman" Мик развернулся сполна и в тандеме с К. Ричардсом они выдали вполне себе убедительный хард-рок. По тем временам просто крутой. Эта песня вышла отдельным синглом в начале июля и высоко котировалась в разного рода рейтингах. По сути "Honky Tonk Woman" - это существенно утяжелённый вариант программной "Country Honk" с отчасти изменённым текстом. Идея же написания этой песни пришла в головы М. Джаггера и К. Ричардса ещё в декабре 1968 года, когда после "сдачи в эксплуатацию" "Beggars Banquet" их обоих каким-то ветром занесло в Бразилию. Вот там-то в жарком климате местечка Матана, что в провинции Сан-Пауло, они и сделали набросок этой простенькой кантри-песни. Записана "Country Honk" была уже в Лос-Анджелесе в марте 1969-го, где к вокальному дуэту Джаггер - Ричардс присоединилась бэк-вокалистка Нанетт Ньюман. Вся звуковая гамма этого трека с уличным шумом по замыслу музыкантов и их продюсера должна была создавать в представлении слушателя атмосферу придорожной забегаловки в каком-нибудь, скажем, техасском захолустье, где подвыпившие парни нетвёрдыми голосами под раздолбанную шестиструнку и пиликанье местного скрипача-самоучки надрывно радуют себя и случайных посетителей. Получилось вполне себе убедительно.
Другое дело "Honky Tonk Woman". Это уже серьёзная хард-роковая тема с твёрдым вокалом Мика Джаггера и суровыми гитарными риффами.
А теперь - титульная композиция. Строго говоря, "Let It Bleed" -это ещё один клон "Country Honk". Тот же пресловутый "квадрат" в мелодической конструкции (четыре чередующихся в одной последовательности аккорда), да и аккорды по существу те же, только с другим размером такта и вместо кантри звучит умеренный блюз-рок с акустическими клавишными Яна Стюарта и двумя ведущими гитарными партиями К. Ричардса. Обращает на себя внимание колоритный вокал Джаггера с интонациями, которыми он искусно маскирует свои, прямо скажем, скромные голосовые данные. А вот в "Love In Vain" его (Джаггера) ожидала засада. Тягучий блюз, где Мику пришлось выжимать из своих голосовых связок максимум их возможностей. И в концовках каждой фразы его голос предательски дрожит. Вытягивать высокие и средние долгие ноты - это гибельный для Мика Джаггера путь. Хорошо, что продюсер и сам Мик это вовремя поняли.
Вот в "Monkey Man" М. Джаггер в своей стихии. Мощный роковый гитарный саунд (Кит Ричардс на высоте!), в котором Мик изощрённо варьирует свою вокальную партию, импровизируя как ему вздумается. Вторая часть композиции особенно впечатляет, когда подключается вторая гитарная партия под размашистые разливы клавишных Ники Хопкинса, а Джаггер срывается на экзальтированный вокал.
LP "Let It Bleed" существенно расширяет кантри-блюзовое "русло" предыдущего альбома RS. "Банкет нищих", будем откровенны, в какой-то степени получился в ретро-стиле. Здесь же "роллинги" продвинулись дальше. Главным же образом эта работа показательна тем, что в ней группа практически определилась со "средой обитания". Музыканты и Джимми Миллер нащупали и утвердили для себя те стилевые формы, которые для них оказались приемлемыми, и которыми они будут следовать пять ближайших лет. Развиваясь и совершенствуясь.
|
| |
|
|
|
|
|
| По сути альбом "Абоминог" ознаменовал начало новой жизни Хипов, так как был выпущен на переломе всех неудач и начала воплощения новых идей Миком Боксом, которые он был вынужден воплощать, дабы вернуть хоть часть того успеха, который у них был в "золотой период". Эти идеи были также связаны с набором нового поколения талантливых музыкантов (Peter Goalby - вокал, John Sinclair - клавишные и Bob Daisley - бас). К тому же после немного неудачной работы у Оззи Озборна, возвращается обратно барабанщик Ли Керслейк. Жаль, что "классический состав" ограничивается только Боксом и Керслейком; напоминаю что это первый альбом записанный без участия, уже тогда признанного легендарным, клавишника, композитора, гитариста, вокалиста и просто мозга группы - Кена Хенсли. Но даже здесь ещё присутствует его след, и это, конечно же, композиции "Too Scared To Run" и "Think It Over", к ним я вернусь позже.
Рассмотрим данный альбом. Во-первых, заметно кардинальное изменение стиля в сторону коммерции, и если прошлый альбом был исполнен в поп-роковом ключе, то тут ощущается крен в сторону "тяжелой" коммерции. Чувствуется влияние "новой волны британского хеви...", влияние АОR-a и порой даже позднего диско. Во-вторых (которое связано с первым), очень мало присутствуют "фирменные фишки", а это орган Хаммонда и гитарный эффект "вау-вау", но при этом возросло использование синтезаторов. То, что касается вокала - в отличие от Сломана, Пит Голби обладал на тот момент более "правильным" и приемлемым для "Юрай-Хип" голосом, поэтому к нему абсолютно никаких претензий. Басист Боб Дэйсли уже успел на тот момент поучаствовать в группах Rainbow и Ozzy Osbourne. Не нужно сравнивать сие творение с ранними альбомами группы (1970-1976 гг.), это даже будет неадекватно, поскольку здесь мы имеем совсем другую группу.
Из композиций данного альбома хотелось бы выделить несколько заметных вещей, которые так или иначе надолго врезались в мою память.
1. "Too Scared To Run" - яркий хард-рок боевик, с прекрасно исполненным барабанным ритмом и великолепной мелодикой. Идея была записана ещё при участии Кена Хенсли, но полностью композиция была завершена во время создания альбома. Музыкальный материал наполнен звучанием Хаммонда, в исполнении Джона Синклара, без присутствия различных новомодных на тот момент фишек.
2. "Chasing Shadows" - напичканный различными клавишными вставками, с сильно выраженными гитарными риффами, рок-номер. В начале звучит расслабленный куплет, далее следует "ступенькообразный" переход и ураганный припев. Не знаю с чем сравнить, но в плане мелодий и драйва - потрясающая вещь.
3. "That's The Way That It Is" - мелодичная, немного мрачная, но в целом удачная павер-баллада. Ещё одна вещица, напоминающая эпоху 70-х.
4. "Think It Over" - несмотря на свое "неклассическое" звучание, довольно тяжелая песня, вдобавок обладающая неповторимой атмосферой. Композиция написана Болдером и Сломаном, также присутствует на альбоме "Conquest" (1980 г.), но здесь представлена в более завершенном и, я бы сказал, в лучшем виде.
Остальной материал более чем достоин быть услышанным
В завершение не могу не заметить, что альбом сразу же пришелся по душе не только фанатам команды, но и многие музыкальные критики оценили профессиональную работу музыкантов. Единственное, что мало кому нравилось тогда, это то что пластинка слишком "американизированная", ведь тогда и Мик Бокс любил говорить об этом, когда ему задавали вопрос, он отвечал что у их "продюсера Эшли Хоу "американская" голова на плечах". Оценка - 8 баллов...
|
| |
|
|
|
|
|
| Хотя некоторые на этом портале, кажется, могли бы четверть профессиональной жизни положить на освещение дэт-н-ролла, это бравое трио из Шотландии до сих пор обойдено вниманием. Может, коллектив кажется кому-то двойником Каркасса – есть в группе и человек, похожий на Штира, и дредастый репликант Уокера – к тому же эти тоже вплетают кутежные рок-н-ролльные элементы в свой дэт. Только они делают это по-своему, без фанфар и непретенциозно, словно дали зарок андерграунду не слишком высовываться и стараться понравиться.
Korpse промышляют грузным, грувовым смертельным металом с частыми инструментальными брейками и периодическими опрощениями до связки бас-ударные, когда гитара уходит в свободное плавание дабы принять на себя функции традиционного рока или просто повисеть наркоманской дымкой воя и скрежета. Риффовые основы шотландцев мощны и надежны, а хард-рок, скорее даже стоунер позволяет им не замкнуться в собственной важности, не тривиализироваться, они вдыхают в музыку простоту и расслабленность (заголовок "Illegal Music" считаю неслучайным), особенно примоченными психоделическими этюдами. Исключительно хорош и барабанщик, задорно отстукивающий и гривотрясную прямолинейность, и озорные сбивки даже технического уровня брейкбита, и рок-мантры на томах (бластов нет, вредят стилю, отвечаю!). Если сравнить коллектив с основными боевыми единицами подобного стиля, то и Carcass, и Gorefest, и Pungent Stench умели делать хиты, Korpse такой дешевой популярности не ищут. Они больше по части укурить звучание, зафузовать дэт, нашпиговать wah-wah-эффектом соляки, в общем художественная глубина, психоделическая правда характеров для них важнее всего. Так, финал альбома, 12-минутная "From the Heart" только наполовину адекватная песня, во 2-й части шотландцы отпускают поводья здравого смысла, и манипулируют с пленками, на которых словно записан какой-то мультфильм. В остальных трэках, запомнить которые нелегко, благо там постоянно происходит конкуренция дуболомных дэтовых форм под Gorefest 1992-1994 и более радужных рок-проявлений, под которые хочется двигаться более традиционно от сдвинутого сознания, набирается прилично радости и угара слушателю. Неудачным какой-то номер язык не поворачивается назвать. Запал в душу заглавный трэк, нравится центральный грозный рифф и все мутации вокруг него.
Мне альбом безусловно по душе. Психоделии и ретро-фана напущено довольно, слабым и неубедительным ни один трэк не является, а хиты – это по желанию, знаете ли. Но за них определенно шли бы баллы. P.S. Сейчас, к сожалению, более знамениты тезки шотландцев из Голландии, играющие куда менее "штучную" и более популистскую музыку.
|
| |
|
|
|
|
|
| По правде говоря, я не шибко знаком с британской дэтовой сценой, в отличие от шведской, польской или голландской. Даже из четвёрки самых известных коллективов Туманного Альбиона (Carcass, Napalm Death, Benediction, Bolt Thrower) музыкальную значимость для меня представляют исключительно “паталогоанатомы” из Ливерпуля. Вот в руки мои загребущие попали шотландцы Korpse и их дебютная работа “Pull The Flood” 1994 г. В принципе, альбом не несет в себе особой ценности или каких-либо прогрессивных идей. Разве что, гордые потомки Роберта Бёрнса и Уильяма Уолласа, нахлебавшись национального напитка, попытались одними из первых поиграть дэт’н’ролл. Но годом ранее до них это уже сделали Entombed, и у шведов получилось это гораздо талантливее, я уж не говорю о недостижимой вершине стиля в лице “Swansong”, который вышел в 1995 г. Трио Korpse вываливает на слушателя ушат рыхлого глухого полуподвального звука. И поэтому попытки ускориться и заиграть более зверско и брутально буквально тонут в этом ватном болоте вместе со слаборазличимыми гитарными соло. Басист Флафф исправно гроулит в микрофон, и его глуховатый рык по тембру напоминает Томи Коивуссари на старых альбомах Amorphis и Яна-Криса де Койера из Gorefest, а также радует иногда нехитрыми соло-проходами на своём инструменте, особенно это заметно в композиции “Х”. Вообще, “Pull The Flood” альбом проходной и малоинтересный, за исключением последнего 12-минутного трека “From The Heart”, и лишний раз доказывающий, что дэт не является сильной стороной музыкального наследия жителей Соединённого Королевства.
|
| |
|
|
|
|
|
| Докуда еще нужно будет перекапывать старые огороды прог- и техно-дэта, чтобы перестали всплывать ранее не попадавшиеся на глаза экземпляры. Французское трио Caarcrinolas использовало формат демозаписи, чтобы заявить о себе миру, и, как часто водится, на нем и остановилось, больше так ни разу подвиг и не повторив. Имеем что имеем. 4 трэка нарочито странного, неровного дэта без сквозных тем, с невыпирающими, зарытыми в глубине саунда экстравагантными партиями клавишных и кнопочными же заставками а-ля мрачноватые н/ф-мультики. На "Яйце" довольно игривый, но при этом нехлипкий гитарный материал, мелодически богатый, со срывами в галопирующий забой, с громким хлестким басом и неряшливыми барабанными партиями (косноязычно, насколько позволяет природа приема, сыгран бластбит). Вокалом для всего этого безобразия служит непроницаемый олдовый гроул, напоминающий мне старого-доброго Tomi Koivusaari. Парни могли бы далеко пойти, и руки-ноги на месте, и идей вагон и маленькая тележка, и атмосферность тут как тут. Но и в этом виде материал не стыдно и самому послушать и друзьям показать: заповедный эклектичный дэт-метал на сносном саунде на дороге не валяется. К тому же многие ходы французов зажигательны и драйвовы, в этом они не дают заскучать, тащат за собой своими чудными танцевальными ритмами. Наиболее живыми и эклектичными кусками Caarcrinolas при должном огрублении аналогий могут напомнить и Phlebotomized и Edge of Sanity. Но последовательности и цельности нужно бы ребятам добавить.
Искренне жаль, что французы не дожили до полного метра, странного и одновременно многообещающего в плане хитов материала в нашем андерграунде не так и много. Рано еще оставлять в покое грядки...
|
| |
|
|
|
|
|
| Значимый сплит, в котором еще не капитулировавший в стан черного метала коллектив Nomicon разворачивает полотна подвижного мелодичного техно-дэта с угрожающим не то гроулом, не то хрипловатым чистым вокалом. Sarnath, в свою очередь играющий здесь дум-дэт, затем пустится в хэви-металические утехи. Начнем со сложных дэтстеров. Мелодий хоть отбавляй, они то законченные, ветвистые, то наносятся мазками на бегу. Много и смен темпа и размеров, и бесконечной мутации трэка ("Occurence" и др.) – кто-нибудь, остановите их, так нельзя! Материала Nomicon тут почти полчаса, но какие это полчаса: до отказа забитые техникой, где не только гитары чудят постоянными, нервозно ложащимися узорами, но и бас выдает удивительные пружинистые кренделя. Только вот это не песни, а концентрат приемов техно-дэта, руководство по его изготовлению, но не само законченное блюдо. Внутри не пропеклось.
"The Me / Northodox" – сплит 2-х очень непохожих команд, ибо техника ради самой техники и душа две вещи несовместные. Именно этим плохим занимались Nomicon, именно этим хорошим и правильным займутся Sarnath. Вторая группа попросту остужает, остепеняет, замедляет, одомашнивает релиз, тотально перехватывает пальму первенства у Nomicon благодаря нетупой душевности творчества. Будучи довольного энергичным примером дум-дэта, группа сильна повествовательными интонациями своего саунда и бодрящим полугроулом-полускримом эпохи раннего блэка. Крепкие мелодические решения повсеместны, ну а затяжные соляки Antti Kamppuri – просто блеск. Добродушно бурчащий бас и теплые ударные довершают празднество. Есть и приятные неожиданности: перкуссия в финале "The Fantome Reign (Kali Yuga)". В общем и целом интересный сплит 2-х образцов малоизвестного экстрим-экспорта Страны Тысячи Озер, превосходно дополняющих друг друга. А скрестить их – и вовсе вышло бы нечто уникальное: ратный думовитый дэт с расколотым постоянными выкрутасами сознанием – вернее, несуразное.
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда-то Public Enemy постулировали центральную идею, которой следует руководствоваться в современном искусстве "Don't believe the hype". Иногда, на самом деле, можно... Ведь появившийся буквально из ниоткуда в Денвере квартет Blood Incantation пришел на сцену воскрешать лучшие традиции золотых времен жанра. На их дебютном альбоме не собрание штампов и клише тех самых времен, а концентрированные триумфы в сражениях, которые в итоге помогают завоевать музыкантам место в пантеоне смерти. Много чего они попробовали, но в рамках строго понимаемой и чтимой традиции. Куча всего напрямую дышит началом 90-х: хтонические околодумовые замедления, какофоническое звукоизвлечение в соло, идиллические инструментальные вкрапления в мрак. То есть, их приемы определенно вдохновлены прошлым (пресса Morbid Angel или Death непременно помянет), но пропущены через себя и осмыслены авторски.
После того, как перед нами как миг пронеслась нашпигованная идеями "Vitrification of Blood (Part 1)", другие трэки слушаются просто как интерлюдии или радиохиты, но волноваться не надо: и там клубок идей и удачных работающих приемов. Дэт олдскулен и подчеркнут добротным звуком, с одной стороны, резок и парадоксален, с другой - округл и эпически сглажен. Материал сделан максимально бесшовно, мозаичная структура трэков мотивирована хорошим вкусом ребят и никогда не чрезмерна. Текста очень немного, инструментальному развитию отводится прилично времени, в результате запись дарует большое количество образных картин при прослушивании. Чисто инструментал с претенциозным, с моей точки зрения, заглавием "Meticulous Soul Devourment" разворачивает во всю мощь то, что делали робко Pestilence и иже с ними: медитативное странствие акустики (даже под средневековье), обрамленное космическим эмбиентом. Так-то творчество Blood Incantation на космосе и зиждется и астральной смертью погоняет.
Говоря о музыкантах, можно сделать вывод, что BI – супергруппа, только с безвестными участниками. Да и идей в супергруппах заслоняются амбициями талантов участников. Тут не так: идеи равноценны способам их репрезентации, неослабевающая композиционная интрига поддерживается скиллами музыкантов. Более всего впечатляют гитаристы: на диске с десяток отличнейших, очень непростых и взывающих к технике крышесносящих риффов, ярчайшие, когда рафинированно-прекрасные, а когда и сумрачно-психоделические соло, – это идеальный альбом гитарного мастерства под знаменами дэт-метала. Барабаннер гуляет со своим мастерством неподалеку, умея и в бластбит, и в олдскульный галоп, и по тарелочкам пройдется, any colour you like, одним словом. Координаты басиста услышать и обрадоваться: 5-ая минута второй части "Vitrification of Blood".
В общем, Blood Incantation не делают прорыва в космос путем смешивания дэтовых стандартов с иными стилями, но достигают перфекционизма в рецептуре, заложенный еще тогда, но актуальной вечно. Убежден, что такому релизу, что закрывает лакуны жанрового текста, не дОлжно бы жалеть самой высшей оценки. Недостаток у альбома только один и самый смешной из возможных: он ощутимо короток при тех возможностях и воображении, которыми обладают музыканты. Я терпеть не могу избыточность материала, но тут отчетлива другая крайность. При еще одном эпике, равновеликом открывашке, это была бы безукоризненная вещь…
|
| |
|
|
|
|
|
| От трущоб Нью-Йорка до задворок Нью-Джерси тематика боевых искусств привлекает музыкантов от хардкор-рэпа до дэт-метала. Ореол высокой духовной дисциплины и физической силы и ловкости, кажется, не может не облагородить любое творчество. Бравые мужики из Dim Mak, образовавшейся на развалинах дэт-трэш-легенды Ripping Corpse, предлагают как раз-таки максимально цепкий и проворный дэт, чтобы удовлетворить потребности рвущейся наружу лирики. Звучание команды вполне самобытно и ни разу не затаскано. Выдающий будто речевки в уличном стиле вокалист Скотт Рут знаком нам еще по RC и здесь заряжает музыку невероятной энергией и железной харизмой, приближает ее к простому люду отчаянными рефренами. Не убоюсь продолжить: этому мужику даже на хип-хоп вечерах в стиле "Открытый микрофон" было бы комфортно где-то рядом как раз с участниками Wu Tang Clan. Про гитарную начинку тоже разговор особый. Не силясь и надрываясь оригинальничать, гитаристу удается играть очень непринужденно, сбалансировано и неглупо не в чьей-то традиции, а в своей собственной, замешивая в одном котле дэт, трэш и хардкор в своей медленной ипостаси, пока вокалист и барабанщик флиртуют с рэпом и джазом соответственно. Брэндон Томас предлагает лучшие из возможных ритмических сопровождений: постоянно деятельно участвуя, но никогда не выпячивая свой вклад более чем нужно, он прекрасно и ненавязчиво отыгрывает прямолинейные скоростные пассажи, прыгучие коровые моменты и может навалять сколько угодно сбивок, когда того требует момент. Момент в "Sorry", когда он создает джазовитый ритмический фон с райдом и добавляет колотушек на рабочем барабане, меня покорил. С другой стороны, его гипербласт не хуже канадских в "Drunk with Demons". Это в целом определенно одна из лучших драммерских работ в жанре. Басист долго прячется, но потом cполна раскрывается в "Gas Poured on Flame".
В общем, знаете что, именно с такими ребятами, как этот квартет, я бы пошел в разведку. Логично, что люди, повязанные общими интересами еще и помимо музыки, могут сделать что-то необыкновенное путем сложения талантов. За весь альбом мне ни разу не захотелось, чтобы он скорее закончился, хотелось возвращаться к каждому трэку снова и снова. Количество интересных решений в плане риффов и интенсивность ритмо-паттернов это позволяет. Прослушать на одном дыхании – это, бесспорно, клише, но в реальности случаи оправданного его употребления можно пересчитать по пальцам. Конечно, именно спортивный азарт музыкантов повинен в крутости этого релиза, но он и привносит в него один небольшой недостаток. Натаскивающий воспитанников как сэнсэй/тренер Рут порою порою до изнеможения тиражирует одни и те же слова рефрена: “Dragon's will”, “I've fallen”, “Weak won't survive” – это со временем начинает немного напрягать. Но это, как я уже сказал, издержки эстетики. Восточный колорит можно было бы усилить сэмплами, но американцы пошли по суровому пути рубить с минимумом украшательства.
Все-таки есть в [экстремальном] искусстве такой момент: самые сокровенные произведения создаются на пересечении традиций и новаторства, ни там, ни там в полной мере, а именно в какой-то общей точке. Примеров не столь и много, и безмерно предсказуемо названный для избранной тематики «Enter the Dragon» один из них.
|
| |
|
|
|
|
|
| Спасибо Mictlan за наше счастливое фолк-дэтовое прошлое, за их сокровенный, овеянный этническим колоритом доевропейских культур ретро- и артовый метал. Был у меня этот диск, но глядя на обложку я никак не мог соотнести его ни с одной позицией на Метал-Архивах (крайне разборчивые буквы на диске). К счастью, мы нашли друг друга, и теперь мою комнату наполняет звучание нестрашного смертельного метала с разнообразными дуделками для антуража, существующими часто лишь в форме легкой этнической дымки. Слушается завораживающе.
Мексиканцы избрали для себя путь юркого, эпичного, тепло звучащего дэта c обилием традиционных инструментов. Мастерство товарищей лихо жонглировать формами, непретенциозно, неброско и совершенно органично вплетать фолковые элементы, за которые во всем многообразии ответственен всего 1 человек (некий Рауль Сото) – впечатляет. Вышеуказанные элементы возникают на сцене будто бы случайно и ведут себя крайне застенчиво. Вот образец дэта, который по определению не может запопсеть, несмотря на богатую сеть мелодий. Он идет от самого сердца, поэтому и звучит подчас неуклюже, несобранно, но на самом деле все элементы сцеплены наглухо. Но мексиканцам недостаточно одной небанальности, они подаются в эксперименты, поэтому в “Gracias A Dios” прорываются наружу элементы олдового латиноамериканского хард-рока с чистыми мужскими вокалами, в “Guerra Florida” это бедствие приобретает угрожающие масштабы и становится ясно, что в 70-е испаноязычный арт-рок чего-то все-таки недодал миру. К стыду своему, не знаю примеров такого, но зато пресловутый rock progressivo italiano мне при прослушивании Mictlan-таки приходит на ум. Не лишняя на альбоме и акустическая инструменталка “Flores De Guerra” в стиле классической испанской гитары, более горячая и жизнерадостная параллель, скажем, нордическим апологетам экстремального метала. Но круче всего по шкале аутентичности мантровые/трайбловые/эмбиентные коды в “Su Verdad” и “Guerra Florida” и срединная вставка в “El Aconsejado De Los Colibres” – чарующие моменты. Кроме живописных этнографических замашек, за ребятами можно углядеть и страсть к гиперболическим ускорениям (тот же “El Aconsejado De Los Colibres”). Очень вертляв бас, что дополнительно подзадоривает музыку, и сближает ее с наивным ранним техно-дэтом.
Итак, ожидание: дикарский, кровожадный дэтяра на праевропейских дрожжах, реальность – мелодичный и уютный дэт с эстрадными латиноамериканскими элементами, более отнесенными к майя, нежели к ацтекам по своим созидательным мощностям. Некая легкомысленность и либеральность влияний, на мой взгляд, пошла альбому не на пользу, больно неоднозначное впечатление создается...
|
| |
|
|
|
|
|
| Заочное противостояние The Rolling Stones и The Beatles, которое по мнению муз. экспертов и журналистов обозначились пару лет назад, в 1968 году достигло кульминации. Во многом этими же экспертами с журналистами и надуманное. Однако с некоторых пор заинтересованная публика жила ожиданием каждого очередного хода ведущих британских групп. В ноябре 1968 г. "битлы" объявили о выходе своего феноменального "Белого альбома", месяцем позже "роллинги" ответили своим "Beggars Banquet" c подобной белой обложкой. Получалось так, что RS всякий раз лишь отвечали на очередной выпад противной стороны. И это действительно было похоже на некое противостояние. Но вот в данном случае говорить о каком-то соперничестве и о его победителе оснований не было. "Роллинги" не могли знать чем там на Abbey Road заняты их оппоненты, и что они готовят, к тому же сами были погружены в работу над собственной пластинкой, и вряд ли вспоминали о "битлах" и каких-то соревнованиях с ними. Однако, чем ближе были сроки релизов у тех и других, тем напряжённее становились ожидания у муз. общественности и поклонников обеих команд. Предполагалось, что 1968 год должен был стать годом The Rolling Stones. Подогретая неоднозначным психоделическим творением "роллингов" "Their Satanic Majesties Request" (декабрь 1967 г.), которое воспринималось той самой музыкальной общественностью как неубедительная "ответка" на "битловский" "Sgt. Pepper's..." (январь 1967 г.), ситуация интриговала ещё и тем, что уже больше года The Beatles отсутствовали на "большой сцене", объявив о завершении концертной деятельности. В отличие от тех же The Rolling Stones. Такое положение вещей будоражило умы граждан Объединённого королевства, тех, что были в курсе событий. Меж тем, критика, которой подвергся LP "Their Satanic...", была, пожалуй, более суровой, чем та пластинка того заслуживала.
Первые месяцы 1968 года RS трудились над своим новым альбомом. И уже на этом этапе, как и предвидели эксперты, в окружении группы происходили более чем серьёзные движения. Одно из главных событий - смена продюсера. На место покинувшего "роллингов" Эндрю Олдхэма, который для музыкантов группы был ближе отца родного, позвали американца Джимми Миллера (Jimmy Miller), прежде работавшего с Traffic, The Spencer Devis Group. Приход Дж. Миллера ознаменовал собой начало самого противоречивого, пожалуй, но и самого бурного на события, яркого и плодотворного периода в истории RS. Пять ближайших лет взаимовыгодного сотрудничества и несколько эпохальных альбомов - это было славное время приобретений и потерь.
Казалось, уже сам факт появления Джимми в обойме группы способствовал коренному переделу звучания RS, которое с каждой очередной пластинкой будет неизменно совершенствоваться, пока к 1973 году (LP "Goat's Head Soup") ни приобретёт свой законченный вид и тогда их пути разойдутся. Этот же период времени станет знаменателен ещё и переменами в составе "роллингов", и этот болезненный процесс самым благоприятным образом скажется на удивительном долголетии этого уникального коллектива.
Результатом самых первых сессий стала харизматичная "Jumpin' Jack Flash", вышедшая в мае 1968 г. как сингл. В будущий альбом эта песня не вошла, но подобная практика была обыденным делом в 60-х и начале 70-х годов, когда потенциальные песни-хиты как правило выходили в формате "сорокопяток". В те давние времена не принято было один и тот же товар продавать дважды.
Альбом "Банкет нищих" оказался насколько ожидаемым, настолько и неожиданным. В своём звучании RS вернулись к тому, с чего когда-то и начинали - к блюзовым и ритм-энд-блюзовым корням. И этим удивили очень многих. "Beggars Banquet" - это микст блюзовых мотивов с фолк, рок и кантри-музыкой в разных сочетаниях и проявлениях при, казалось бы, одноплановой мелодической схеме, в какой бы стилистической форме Кит Ричардс с Миком Джаггером ни замышляли свои композиции. Суть этой схемы предельно проста - четыре аккорда "квадратом" в одной последовательности ("Sympathy For The Devil"), или же "квадрат", на припеве переходящий в "треугольник", и даже в "двойку" и снова "квадрат" ("No Expectations"). Сдвигались размеры такта и темпо-ритмы, менялись стилистические вариации, мелодическая схема оставалась почти неизменной. Кроме как в "Street Fighting Man". Этот боевик из другой категории.
Спустя лет 15-17 (в 80-х годах) такому смешению нескольких стилей при самых разных способах исполнения народной музыки, традиционного рока, ритм-энд-блюза, кантри, буги, рок-энд-ролла, соула, и даже госпела и фанка, будет найдено обобщающее название - roots rock. Этот термин вберёт в себя и так называемый американский "южный рок", и кантри-музыку во всём её многообразии. Такая музыка, как правило, обеспечивалась дозированным применением нетрадиционных для рок-музыки муз. инструментов (разнообразная перкуссия, аккордеон, губная гармошка, банджо, народные духовые и струнные и пр.)
Музыканты RS сделали ставку на хорошо ими освоенный блюз, причём american blues, с очевидным намерением быть ближе к американскому потребителю - "Beggars Banquet" изначально ориентировался на американский рынок. Эта работа на тот момент времени в немалой степени была экспериментально-новаторской. Самая показательная в этом плане - заглавная композиция "Sympathy For The Devil", казавшаяся неким отголоском предыдущего LP "Their Satanic...", но, как оказалось, лишь в названии. Пёстрая перкуссия, акустические клавишные, как ведущий инструмент, мелодия, стилизованная под "латинос", с попыткой Брайаном Джонсом исполнить искромётное гитарное соло, и аутентичный бэк-вокал, в который был вовлечён, похоже, весь находящийся в студии народ.
Ещё одна знаковая композиция "Street Fighting Man" буквально напичкана экзотическими звуками, экзотическими же инструментами и воспроизведённые. А между тем - это самая жёсткая песня в альбоме с неожиданно агрессивным вокалом Джаггера. Замечу, что здесь Мик действительно поёт, а не декламирует текст, как он это делает в большинстве номеров пластики. 31 августа 1968 г. "Street ..." была переиздана отдельным синглом (в паре с "No Expectations"). И это был единственный пост-сингл из "Beggars...". В чартах некоторых стран Европы он отметился в десятке лучших и добрался только до 48-го места в авторитетном Billboard Hot 100. Альбому явно не хватало яркого, убедительного хита. Долгое время эта песня была под запретом на американских радио-станциях из-за якобы экстремистского текста. Когда же препоны были устранены, "Street Fighting Man" уже утратила актуальность и эффект новизны.
Кстати, о текстах. Альбом показателен ещё и тем, что лирика М. Джаггера в его песнях стала по-настоящему "взрослой", хотя и сохранила в себе изрядную долю иронии, сарказма и скрытого тонкого юмора. В то время Мик много читал, в особенности много из классики, поэзии и даже философии. Как утверждают очевидцы - не обошлось без влияния его тогдашней подружки Марианны Фейтфул.
Так, скажем, в "Parachute Woman" смысл, если совсем кратко, таков: моя жизнь была так себе, но когда в неё ворвалась женщина-парашютистка, она превратилась в полное ничто. Эта миниатюрная песня сыграна "роллингами" в стиле рок-буги (единственная в подобном ключе в программе), со слайд гитарой Б. Джонса и губной гармошкой М. Джаггера.
9 из 10 номеров в альбоме написаны тандемом Джаггер-Ричардс и только одна кавер-версия на сей раз затесалась в программу - "Prodigal Son" американского музыканта Роберта Уилкинса (Robert Wilkins). RS отыграли её в популярном в 50-60 годы стиле скиффл, истоки которого затерялись в глухом средневековье. Любопытно, но в ранних виниловых изданиях и переизданиях в качестве авторов этой песни почему-то были указаны всё те же Джаггер с Ричардсом. Но это так, к слову. Продолжу. Похожая история и с песней "Factory Girl". В качестве мелодической основы К. Ричардс использовал старые ирландские мотивы (ирландскую джигу). Он же, кстати говоря, и спел её как мог. Случай по тем временам крайне редкий, когда у "роллингов" к микрофону вставал безголосый гитарист. В этой песенке рассказывается о простых отношениях фабричной девчонки и парня-работяги, о пятнах на её заношенном платье и пьянках и драках по пятницам.
В определённом смысле этот LP можно рассматривать как концептуальный. Если обобщить темы всех его песен, получается что это альбом об изгоях. Начав с "падшего ангела" Люцифера, "роллинги" продолжили неудачным уличным бойцом; блудным сыном; девушкой-"бездомной кошкой", у которой отрезан путь домой; фабричной девчонкой, у которой от работы пухнут колени; деревенским придурком из "Dear Doctor"... В конце концов, М. Джаггер поведал историю, основанную на реальных событиях, о времени, проведённым им лично в стенах тюрьмы за наркотики в 1967 году, о том, как можно с пользой скоротать это время ("Jig-Saw Puzzle").
"Beggars Banquet" - нетленная классика рок-музыки конца 60-х, достойный пример, как простую ритм-энд-блюзовую форму возможно стильно и эффективно преобразовать разного рода приёмами и "добавками", которые усиливают, но не искажают начального вкуса. Своей неординарностью альбом был и остаётся на удивление современен и популярен, как, впрочем, и все последующие LP этих легендарных музыкантов. Вот уже пять десятилетий "Банкет..." входит в "золотой" фонд богатого творческого наследия The Rolling Stones.
Триумф концерта в Гайд-парке и трагедия в Алтамонте (США) в 1969 году - для них всё это ещё впереди, а пока эти парни довольствуются тем, что пробились в авангард британской рок-музыки, прежде чем придёт черёд всех этих событий.
|
| |
|
|
|
|
|
| Шедевральный альбом по-настоящему великой группы! Неподдельная гениальность мастерства, композиторства и актуальности музыкального материала тому времени - лишь основная доля эпитетов, которыми можно описать данного "монстра" под не менее исключительным названием «A Momentary Lapse of Reason».
Придется вернуться на землю и получше охарактеризовать этот альбом. Услышал я его в далеком 2003 году. Тогда подобную музыку я ещё не понимал, начал слушать группы типа Deep Purple, Kiss и Scorpions, что и сейчас, конечно же, делаю. И вот я купил тогда ещё компакт-кассету за 30 рублей, поставил её в дешевый двухкассетник. При первом прослушивании, мягко говоря, я не понял что это вообще за звуки и зачем они здесь нужны. Позже эти звуки начали превращаться в монолитные музыкальные конструкции, подобно громадным мощным стенам, которые не сразу открыли путь к "бьющемуся свежему источнику мелодий и нот". "Напившись воды в этом источнике" мы движемся дальше, к "громовому и одновременно воздушному" рок-эпику "Learning To Fly". Словно намекая о том, что в жизни не всегда всё светло и ясно, следом идёт мрачный, пульсирующий психоделик-блюз "The Dogs Of War", напоминая нам о различных проблемах связанных с человеческой природой, в которую мы ввязываем братьев наших меньших. Далее снова следует позитивный, но при этом просто ударный, грандиозный по своей атмосферности хард-рок боевик "One Slip", одновременно добавляя сюда "щепотку грусти" на протяжении всего прослушивания. И так далее - всё идёт в том же невообразимом великолепии, о существовании которого я даже не представлял, пока не услышал данную работу. В конце мы опять возвращаемся к мощному, "древнему и природному явлению", тяжёлому прогрессив-рок произведению "Sorrow". Словно подводя итог, этот шедевр наполнен всем тем, что содержалось в этом альбоме, где сквозь все эти звуки музыкального "шторма" пробирается мастерски исполненное соло маэстро Гилмора.
Не могу назвать хоть одно слабое звено с этой пластинки. Каждый музыкант, каждая нота, будь то барабаны, клавишные, бас или саксофон, взаимодополняют друг друга и без каждого инструмента просто невозможно представить данный альбом. До сих пор удивляюсь этому произведению и тем людям, которые исполнили его. Рекомендую всем любителям серьёзной музыки. 10 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вроде бы золотая пора для хард-рока подходит к концу и многие современники великолепного ансамбля Uriah Heep после усталых, бурных лет славы, начали, мягко говоря, уходить на покой, или просто менять свой стиль. То же начинает происходить и с этой группой. Кен Хенсли устает быть главным идейным лидером "Хипов", поэтому в итоге мы получаем уже измененный саунд, попахивающий "коммерческим" роком, который в будущем станет особенно люб в англоязычных странах. Но тут всё не так уж плохо, я бы даже сказал - хорошо.
Во-первых, начнём с того, что тут мы имеем хард-рок со всеми его особенностями - виртуозные соло, цепляющие риффы, рок-н-рольные номера и слезоточивые баллады. Добавим ко всему этому немного синтезаторов, что, кстати, не портит картину, и получим альбом, который должен был быть в числе сольных работ того же Хенсли. Неповторимая "сказочная" палитра, которой обладала только группа Uriah Heep, почти испарилась. Но благодаря объективности, положительных моментов здесь больше, они тут повсюду. Первый момент - это то, что здесь ещё пел Джон Лоутон, обладающий высоким и сильным голосом. Второй момент говорит о том, что все гитарные партии сыграны в лучших традициях Мика Бокса. И третий момент - это достаточная мелодичность данного альбома, где все композиции прослушиваются на одном дыхании. Ах да! Кен Хенсли, хоть уже меньше, но так же играл на Хаммонде. Больше всего хотелось бы выделить три вещи с этого альбома - его начало ("Woman Of The Night"), его сердце ("Whad 'Ya Say"), и почти что его конец ("I'm Alive"). Данные композиции, несмотря на нововведенные "фишки", наполнены духом старого-доброго рока. Присутствует чуть ли не основной хит альбома, романтичная и грустная баллада "Come Back To Me". Остальные произведения также достойны быть услышанными.
Жаль, что спустя 3 года из "классического состава" группы останется только Мик Бокс. В итоге, никак нельзя назвать данный диск слабым, шедевральным его назвать тем более нельзя, а вот звание "отличный" ему вполне подходит. 9 баллов...
|
| |
|
|
|
|
|
| Давным-давно я знаю эту группу и только недавно понял, что это один из самых моих любимых альбомов Uriah Heep. Всё потому, что в один момент я "включил" объективность и пришел к выводу, что это просто великолепная работа - необыкновенно качественная и эмоциональная. Достоин уважения тот факт, что при имении тогда различного рода проблем связанных с разными пристрастиями, группа выпустила в свет такой альбом. Ни один участник группы не показал себя со слабой стороны: хотите тяжёлых, но при этом мелодичных номеров - вы их получите; хотите услышать того самого Дэвида Байрона, со всеми своими фишками - вы его получите; уж не говоря о фирменной "магической" ауре, которая также присутствует в данном произведении.
Не верьте различным записям о том, что творческий потенциал "хипов" на этом альбоме пошел на спад. Здесь мы ещё имеем отличные мелодии, как минимум достойные "крутиться" в "приемниках" любителей классического хард-рока. Незачем рассматривать каждую композицию. Альбом имеет очень эмоциональный настрой. Присутствуют достойные внимания, убойные боевики "Suicidal Man" и "So Tired", иногда забываешь что это 1974 год, а не 1980, например. Не обошлось без классических блюзово рок-н-рольных номеров "Something Or Nothing" и "I Won't Mind", хотелось бы выделить последний - насколько качественно исполнено данное произведение, это надо слышать... Какие же "Юрай Хип" без пары-тройки трогательных, "воздушных" и позитивных баллад ("The Shadows And The Wind" и "The Easy Road"). И наконец, замечательные, напоминающие о "волшебном" прошлом группы, традиционные прогрессив-хард произведения ("Wonderworld" и "We Got We"). Композиция "Dreams" занимает здесь особое место, ничего подобного я ещё у этой группы не слышал. По мне, так это настоящий шедевр - пропитанный драматизмом, особой мрачной атмосферой, и имеющий потрясающие мелодии. Советую обратить на эту вещь особое внимание...
Не имеет смысла описывать или даже рассказывать про работу каждого музыканта, прочитайте про "классический состав" группы, кто ещё мало с ним знаком, дальше всё поймете сами. И в итоге мы имеем, мягко говоря, великолепную работу с отличными мелодиями и хорошим качеством записи, способную подарить вам как минимум достаточную долю восторга. 10 баллов...
|
| |
|
|
|
|
|
| Относительно недавно я уже писал о группе Пилигрим, а если быть точным - про их дебютный альбом "Слава России", который в 2007-ом году рассылался крупными партиями в музыкальные магазины. Альбом, содержащий полноценную полиграфию, раздавался совершенно бесплатно, но был практически моментально встречен с негативом. Так уж вышло, что на территории постсоветского пространства отечественный Heavy Metal и так воспринимается со скепсисом, а тут еще и некий бывший депутат Московской городской думы решил заделаться под неформала, покупая себе внимание на всех возможных ресурсах.
"7.62", видимо, создавался уже с оскудевшим финансовым запасом Андрея Ковалева, а потому хоть и раздавался бесплатно через журнал Dark City, но при этом уже не содержал полиграфию. Искать нужный номер журнала сейчас не представляется возможным, помню только что буклет и инлэй можно было заказать отдельно за какую-то небольшую сумму. Также альбом неоднократно попадался мне в Евросети, и стоил что-то порядка 80 рублей.
Данный альбом я слушать не стал, но диск каким-то чудом сохранился. И сейчас, когда ненависть к "Депутат-металу" уже выветрилась, а Пилигрим вспоминаются хоть и с насмешливой, но ностальгией, я всё же решил ознакомиться и с "7.62". Ожидая услышать слабый голос "Аркадича" под заурядный, но качественный Heavy Metal, я услышал нечто более любопытное, нелепое, но, чёрт возьми, весёлое!
Начну с того, что в интервью всё того же номера журнала Ковалёв заявлял, что этот диск стал экспериментальным не только для Пилигрим, но и для всего жанра Metal в целом. Заявление, конечно, амбициозное, но на деле оказалось реальным только наполовину. Для группы, конечно, работа была необычной, и скорее всего посетители концертов, пришедшие не то за бесплатными гречей и водочкой, не то просто от нефиг делать, были бы неслабо удивлены, но сам по себе жанр Modern Metal в 2010-ом году был уже не нов.
Но какая разница, есть ли в действительности революционная новизна в музыке коллектива или нет, важно что инструментальная составляющая и правда выполнена качественно, благо "Аркадич" не выступал основным композитором, да и вообще сочинял в основном лирику. Также на альбоме присутствует большое количество приглашенных вокалистов, и будь они основными для коллектива, то кто знает, может российские металхэды и повернулись бы к Пилигриму передом, а не задом.
Но, увы, любой каприз за ваши деньги, а потому позицию фронтмена Ковалёв оставил за собой, как и основные вокальные линии. И если на "Слава России" вокал, хоть и с натяжкой, можно было назвать пением, то на "7.62" "Аркадич" решил орать. Чего такого наслушался главный идеолог группы - для меня остается загадкой, могу лишь предположить, что металлист всея Руси подражал Pantera или Soulfly. Вот только попытку орать никак не назовёшь удачной. Есть в этих воплях что-то от Чикатило, но никак не от Ансельмо или Кавалеры. Сам Ковалёв в ту пору на стене в ВКонтакте указывал информацию: "Сейчас в основном слушаю Black Metal, например, Trivium".
В итоге, вроде бы и охота похвалить Пилигрим. Музыка действительно получилась динамичной и местами даже мелодичной, но слушать этот альбом ради удовольствия не представляется возможным из-за вокала. При прослушивании то и дело появляется ассоциация с каким-нибудь корпоративом, когда вроде бы все собравшиеся хорошо отдыхают, а тут вдруг перебравший начальник, рыгая и пукая, начинает рассказывать плохие анекдоты, а затем зовёт самых юных сотрудниц с собой в караоке. В общем, мне было любопытно, я послушал. Повторять не советую.
P.S.
В том же журнале Андрей Ковалёв рассказывал историю происхождения обложки: "Понравилась картинка в интернете, решили позаимствовать". А еще он добавил, что любит анимэ.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вот он, по-настоящему великий альбом по-настоящему великой рок-группы из Германии, вклад которой в мировую рок-музыку просто невозможно переоценить! И это не просто громкие слова, это истинная правда, поскольку именно с этого альбома у Scorpions началась долгая мировая слава. Для многих рок-исполнителей 70-х, чтобы совершить рывок на мировую сцену и оказаться среди "жемчужин" подобной культуры, достаточно было всего лишь сочинить альбом, содержащий, как минимум, 1 или 2 шлягера. Здесь же мы имеем все хиты, и 1 мега-хит.
Во время и перед записью этого альбома у группы произошло много перемен. Первая существенная перемена на тот момент - это уход чуть ли не одного из лучших гитаристов Европы, Ули Джон Рота. Ули никак не хотел меняться вместе с группой, а также застрял в далёких 60-х и начале 70-х годов, когда в мире бушевала волна психоделии, легкомысленности, где навсегда остался вечно молодым замечательный гитарист Джимми Хендрикс. Это и послужило причиной споров и последующего ухода музыканта. Замену нашли не сразу, после прослушивания всего каких-то 140 (!) кандидатов. Роль соло-гитариста занял молодой (в то время), но очень талантливый выходец из Ганновера - Маттиас Ябс. Если сравнивать технику игры последнего с Ротом, то основное отличие состоит в том, что игра Ябса уже имела более жесткую направленность, типичную для раннего "хеви-метала", но при этом не затмевающая собой все остальные инструменты, как это было при Ульрихе. Именно при Ябсе Рудольф Шенкер лучше проявил себя как ритм и соло-гитарист, образовав с ним прочную связку "соло-ритм". Вторая перемена - это непонятный и необоснованный возврат в группу Майкла Шенкера, чье возвращение было совсем некстати, потому как этот фактор чуть не привел к окончательному уходу из группы Ябса. Майкл успел записать здесь "львиную" долю соло. Благодаря лидерству Рудольфа, Шенкер младший всё же покинул группу, а Маттиас вернулся обратно. Последняя перемена касается стиля, который стал более тяжёлым, позднее названным "hard-n-heavy". Звучание уже близко, если не такое же, как было в "новой волне британского хеви-метала".
Музыкальная составляющая данного произведения не нуждается в каком-либо подробном анализе или описании поинструментально. Достаточно опереться на эмоциональную составляющую, и мы получим вполне емкую оценку. Поражает тот факт, что при прослушивании песен необязательно вдумываться и вслушиваться в каждую мелодию, всё легко запоминается, а главное надолго. Опишем некоторые моменты.
1. Очень отточенный, без различных блюзовых надрывов, вокал Клауса Майне, пускай не полностью сформированный, но уже заслуживающий пристального внимания.
2. Наличие прекрасных и запоминающихся соло-произведений и ритм-партий, причем благодаря всем трём вышеупомянутым гитаристам, особенно хочется выделить основную ритм-партию пауэр-баллады "Holiday".
3. Очень разнообразное звучание альбома, где есть и тяжёлые рок-н-ролльные номера ("Loving You Sunday Morning", "Another Piece of Meat", "Can't Get Enough"), и хеви-металлические боевики ("Coast to Coast", "Lovedrive"), и 2 замечательных баллады ("Always Somewhere", "Holiday"), и необычный, но всё ещё напоминающий нам о прошлой эпохи 70-х, фанк-рок номер "Is There Anybody There". Каждая песня - это, как минимум, хит.
Спустя 40 лет с момента записи альбома, всё ещё чувствуется его актуальность и значимость, никаким "нафталином" здесь даже не пахнет. Те, кто ещё думает, что жанр хеви-метал родился и умрет в таких группах как Iron Maiden и Judas Priest - послушайте "Lovedrive" и всё поймете... 10 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| МАЯТНИК.
После окончательного и бесповоротного распада The Beatles в 1969 г., калифорнийцы из Creedence Clearwater Revival какое-то время считались самой коммерчески успешной группой и обладали короной лучших в поп и рок-музыке. Менеджмент CCR всячески эту легенду подогревал. После выхода в релиз "Cosmo's Factory" квартет из Сан-Франциско отправился в недолгий гастрольный тур Mondo Bizzaro 1 и весьма успешно его провёл. Все были в ожидании нового LP от этих парней. Джон Фогерти был невероятно заряжен сделать по-настоящему роковый альбом и на этот раз собирался подготовить материал без очередных каверов, как это случалось прежде.
"Pendulum" запустили в продажу в декабре 1970 года вместе с книгой Джона Холлиуолла "The Inside Creedence", по замыслу организаторов прилагавшейся в комплекте к альбому. Количество только предварительных заказов на экземпляр первого тиража этой книги перевалило за 40 тысяч. Дж. Фогерти не кривил душой, когда заявлял, что будущая пластинка будет необычной. На фоне прежнего стабильно-узнаваемого саунда стандартного (две гитары и ритм-секция) квартета, который пятью предыдущими студийными альбомами обрёл своеобразный бренд, свойственный только CCR, "Pendulum" удивляет (а порой настораживает) обилием органной музыки и саксофона. В какой-то степени такое неожиданное решение объяснялось давними дружескими отношениями четвёрки Creedence с инструментальной ритм-энд-блюзовой формацией Booker T. & M.G.'s, у которой эл. орган являлся неотъемлемым инструментом. Барабанщик CCR Дуг Клиффорд рассказывал: "Эти парни были нашими идолами. Мы пытались что-то от них перенять. Джону не терпелось сделать что-нибудь на Хэммонде. Он был неплохим мультиинструменталистом. Никто и не спорил, что это Джон делал самое главное для создания нашей музыки, но и остальные не сидели сложа руки. Стю делал какие-то партии на клавишных. Есть партия, которую он исполнил на электро-клавишных VOX ещё 30-х годов, их он по случаю купил на какой-то барахолке".
Наибольшую популярность в этом LP приобрели две песни: "Have You Ever Seen The Rain?" и "Hey Tonight". Они были популярны настолько, что в январе 1971 года были растиражированы отдельным синглом. И это был лишь первый тираж. В течении года эта сорокопятка только в Штатах была реализована на двойную "платину" (свыше 2 млн. копий). Для сравнения - в Великобритании объём её продаж едва превысил 250 тысяч штук. Наивысших мест (т.е. первых) сингл достиг в Канаде и ЮАР, а во многих европейских странах входил в десятку лучших. По версии Billboard Hot 100 - всего-то восьмое место, а вот популярный в те времена музыкально-маркетинговый журнал Cash Box поднял эту пластинку на третье.
Любопытно, что содержание "Have You Ever...", этой незатейливой, но оказавшейся столь привлекательной песенки, вызвало неожиданный ажиотаж. Многие так называемые эксперты смысл её текста уверенно увязывали с такими серьёзными животрепещущими темами того времени, как война во Вьетнаме и крах идеализма конца 60-х годов в умах американского истеблишмента на фоне трагических событий в ходе рок-фестиваля в Северной Калифорнии (Altamont Speedway Free Festival) в декабре 69-го и стрельбы полицейских по протестующим студентам университета в Кенте (штат Огайо), где были убиты несколько человек. Сам Джон Фогерти, впрочем, всё это отрицал и пояснял, что ни о чём подобном даже не думал. Идею для этой песни ему навеяли растущие напряжения внутри коллектива и этот маленький шедевр - это как выплеск накопившихся эмоций Джона, что можно понять по его завершающей фразе в конце песни: "Вы видели когда-нибудь дождь, идущий в солнечный день?"
Мне же уже не один десяток лет представлялось, что "Have You Ever..." - это не более, чем продолжение "дождевой" темы Дж. Фогерти, начатой им в "Cosmo's Factory" не менее известной, культовой "Who'll Stop The Rain".
И это, кстати говоря, не единственная аналогия, связывающая, на мой взгляд, эти две пластинки. Рассмотрим, к примеру, стартовые композиции. На "Cosmo's..." это мощная импульсивная рок-сюита "Ramble Tamble" на семь с лишним минут, а в данном случае "Pagan Baby", которая чуть короче, но не менее убедительна своим напряжённым хард-роковым напором с незамысловатой, но впечатляющей сольной гитарной партией. Дуг Клиффорд вспоминает: "Pagan Baby" для меня звучит, как козырной фрагмент нашего концерта. У нас ушёл всего час, чтобы разучить и записать её с одного дубля. Так же и с "Have You Ever Seen The Rain", она также была придумана за пять минут и сходу записана".
И в этом нет ничего удивительного, добавлю от себя. В обоих этих номерах почти нет "посторонних" инструментов. "Почти", потому как в "Have You Ever..." на завершающей фазе песни слабым фоном звучит эл. орган, который Джон добавил уже позже, когда сводил все записи как продюсер со звукоинженером. А между тем студийная работа над этой пластинкой длилась как никогда долго - весь ноябрь 1970 года. Столько долго CCR не готовили ни один из своих предыдущих LP.
Если в творческом плане студийные будни ещё как-то сближали музыкантов группы, то в психологическом дела обстояли совсем безрадостно. В конечном итоге "Pendulum" вскрыл самый болезненный аспект отношений в квартете - между братьями Джоном и Томом обозначилась пропасть, до которой довели уже давно копящиеся проблемы. Дуг Клиффорд рассказывал, что они со Стю Куком были "как две сосиски в сэндвиче между двумя Фогерти". Они пытались тактично соблюдать нейтралитет при слабых попытках как-то сглаживать день ото дня ухудшающиеся между братьями отношения. Та ситуация в какой-то степени даже отразилась на некоторых композициях программы альбома. В "Chameleon" и "It's Just A Thought", как нас убеждают эксперты, это выразилось в текстах. Джону Фогерти тогда действительно было нелегко (ко всему прочему над ним дамокловым мечом висели неразрешённые финансовые вопросы с компанией Fantasy Rec.), в "Chameleon" он буквально кричит в отчаянии, будто бы выплёскивает из себя негативную энергию, которая уже переполняла его.
"It's Just A Thought" - трогательный меланхоличный ноктюрн, одна из нескольких в программе композиций, где Джон вообще не притрагивается к гитаре, ведущим инструментом здесь выступают клавишные. От первой до последней секунды. Много недопониманий как в группе, так, по всей видимости, и у части её поклонников вызвала финальная пьеса "(Theme From) Rude Awakening №2". Эта странная инструменталка словно символизирует духовное состояние музыкантов в студии. Дуг и Стю делились мнениями в отношении к ней и эмоционально добавляли, что ненавидели её. От себя добавлю, что "Rude Awakening" чем-то перекликается с битловской фантасмагорией "Revolution 9" своими депрессивными психоделическими мотивами и назойливой какофонией органных, барабанных и пр. неестественных звуков. И, опять же, если вспомнить - "Revolution 9" из "Белого альбома", и она так же в конце программы. 1968 год, а в 1969-м "битлы" разбежались...
Так сложилось в CCR, что отсутствие компетентного менеджмента в группе вынудило Дж. Фогерти помимо продюсерских взвалить на себя финансовые и юридические функции, что не могло не беспокоить других участников команды. Ввиду того, что в каких-то моментах естественным образом Джон "перетягивал одеяло" на себя. В определённом смысле это было логично и объяснимо (быть у воды и не напиться?), только остальных это напрягало.
Как лидер коллектива Джон вольно или невольно подавлял инициативу и "хотелки" своих соратников. Дуг Клиффорд, часто раздававший разного рода интервью, видел себя первым в представительстве группы на публике. Стю Кук, имевший образование бизнес-менеджера, готов был заняться административными обязанностями. А у старшего Фогерти, Тома, взыграли былые обиды на брата и вновь проявились творческие амбиции, которым младший Фогерти не давал ходу, полагая, что уровень материала, который Том предлагал для репертуара группы, не соответствовал уже достаточно высокому статусу CCR.
"Я видел, что Джон не справляется с чисто деловыми вопросами группы, - делился сокровенным Стю Кук, - мы толком не зарабатывали на гастролях, в плане бизнеса у нас вообще мало что получалось. Когда мы говорили ему, что слово каждого из нас должно весить одинаково, мы и не думали вторгаться в процесс написания непосредственно песен. Меня, к примеру, больше волновало, каково состояние нашего бизнеса. А его брату требовалась самореализация, он в своё время тоже неплохо пел, а теперь, когда мы достигли успеха, Джон мог бы по-братски дать Тому шанс проявить себя. Но Джон оказался слишком упёртым".
Как и в "Cosmo's Factory", в "Pendulum" целая россыпь компактных песен-миниатюр продолжительностью 2-3 минуты. Они заметно оживляют программу альбома и справедливо считаются среди лучших многочисленными поклонниками группы. "Chameleon", "Have You Ever Seen The Rain", "Hey Tonight", "Molina"... Теперь это классика творческого наследия CCR. "Molina" в каком-то смысле вещь вообще уникальная, она исполнена в давно забытом, но ещё популярном на стыке 60-70 годов танцевальном стиле "твист". Или, допустим, незатейливая шуточная песенка "Sailor's Lament". Мелодия - проще некуда, но "приправлена" столь же простенькими руладами саксофона от Джона Фогерти, да ещё с припевом, который обличительным рефреном "O-o-oh, sailor's lament, shame, it's a shame" нестройного хора всей четвёрки CCR, звучит как насмешка над вялыми оправданиями продувшегося на берегу незадачливого морячка-картёжника. Слушаешь и словно ощущаешь атмосферу дешёвой портовой забегаловки.
За неделю до начала студийной работы над "Pendulum" у участников группы состоялся откровенный разговор, на котором трое высказали четвёртому свои мнения о состоянии дел в CCR. Джон, как настоящий диктатор, отверг все нападки коллег. Лет пять спустя, когда квартета уже не существовало, он откровенно сказал следующее: "Я действительно доминировал в группе. Самым худшим образом. Я им постоянно говорил, что кому нужно делать, потому что тогда я чётко представлял, что и как нужно делать, чтобы было правильно".
И всё же, "Pendulum" оказался первой серьёзной попыткой Creedence пойти дальше собственных стандартов. Что бы там ни было, каждому (или почти каждому) можно было предлагать свои идеи, другое дело, что почти ничего не предлагалось. "Да, мы были больше вовлечены в запись пластинки, чем когда-либо, - вспоминает Дуг Клиффорд, - Стю как мог играл на пианино, я тоже был больше задействован в аранжировках. В общем, это было похоже на то, что нам и было нужно. Но порой возникали паузы, когда нам попросту было нечего делать. Джон погружался в работу над очередной песней, а мы могли спокойно сходить выпить по чашечке кофе или просто подремать".
Только когда после распада The Beatles на какое-то время CCR оказались группой Number One в мировой рок и поп-музыке, в Fantasy Records наконец-то раскошелились - "Pendulum" в оригинале имеет конверт с разворотом, единственный из всех альбомов Creedence Clearwater Revival.
|
| |
|
|
|
|
|
| Преодолев лёгкий кризис после выхода дилогии "Ордамор", Kruger продолжили успешно выпускать новый материал, а хитовый во всех смыслах "Зов" лишь только укрепил позиции музыкантов на отечественной Metal-сцене. Вооружившись поддержкой нового лейбла и откатав множество успешных шоу, Хамер и Ко. представили свой лучший на данный момент альбом с говорящим названием "Дикий".
Название альбома получило своё подтверждение уже на первом треке "Дикий рок", где Kruger не просто встретили слушателя шквалом убойного Power/Thrash Metal’а, но еще и ясно представили свою идеологическую позицию – сломить дух команды и веру в рок’н’ролл никогда и ни у кого не выйдет. И если подобного рода Metal-гимны могут показаться легкомысленными, а музыка хоть и динамичной, но простоватой, то у коллектива найдется еще масса сюрпризов в обойме.
Боевик "Король королей", посвященный Никколо Паганини, стал для меня любимым хитом. Неспроста многие музыковеды отмечают огромное влияние виртуозов классической музыки на Heavy Metal, поэтому тема для песни оказалась весьма благодатной. Лирика разливается по мелодии как масло, а скоростное соло оказалось вполне на уровне таланта героя песни, с той лишь разницей, что сыграно оно отнюдь не на четырех струнах.
После «дикого» старта группа не стала сбавлять темп. Весьма сентиментальная, но тяжелая и скоростная "Рок-герой", например, могла бы быть балладой, ведь текст повествует о юношестве каждого, кто однажды открыл для себя Heavy Metal, и до тех пор, пока не взял в руки настоящую гитару, пытался подражать кумирам на "воздушной". Лирично начинающаяся "Жажда (Сны Венеры)" так же оказалась боевиком, но в этот раз с оттенком Дикого Запада. Заканчивается альбом мощным гимном "Волки", в котором команда высказала свою позицию относительно занимаемого ими места в мире.
Вдаваться в разбор каждого трека я не хочу и не буду.Так или иначе, последующие альбомы Kruger всё так же наделены нескончаемым запалом, ворохом хитов и жёстким звуком. И всё же, впечатления, полученные после прослушивания "Дикий", будут всегда оставаться особенными, что и будет являться его самой сильной отличительной чертой.
|
| |
|
|
|
|
|
| Помнится, очень долго я в свое время пыталась найти нечто похожее по звучанию на Sinner второй половины 80-х, но так ничего и не нашла.
И вот однажды совершенно случайно наткнулась на альбом культовой испанской группы Angeles Del Infierno «666» и была приятно удивлена. Вряд ли поклонники данной команды назовут этот студийник лучшим в их дискографии, всё-таки ранние работы были пободрее и потяжелее, но лично мне эта пластинка, что называется, сразу легла на душу.
Достаточно мелодичный, в меру тяжелый и действительно красивый хард-н-хэви с испаноязычной лирикой, наверное, мало кого оставит равнодушным. Материал, представленный на этом полноформатнике, чем-то перекликается с материалом таких альбомов немцев Sinner, как «Touch of Sin», «Comin' Out Fighting» и «Dangerous Charm». Нечто подобное мы можем услышать и у Stormwitch на диске «Eye of the Storm». Собственно, и записаны эти пластинки были примерно в одно и то же время.
Самые лучшие номера на альбоме, на мой взгляд, это: одноименная тема «666» с запоминающимся припевом, великолепная баллада «Si tu no estas aqui» с cильным вокалом Хуана Гальярдо и красивыми клавишными; также приятное впечатление отставляют такие задорные композиции, как «Hoy por tí, mañana por mí», «Todo marcha bien» и «Nada que perder». По вкусу мне пришлись рок-н-ролльчик «No me cuentes problemas» и хитовый трек «Donde estabas tu».
В общем, рекомендую эту пластинку всем поклонникам мелодичного хард-н-хэви.
Как видите, даже Испанию затронула волна глэма, что сказалось на облегчении звучания наших героев. Но в данном случае на качестве материала это никак не сказалось. Жаль только, что после выпуска этого альбома группа скатилась в полное уг, но это – уже совсем другая история.
|
| |
|
|
|
|
|
| Смена десятилетий всегда сопровождается какими-то знаковыми событиями и особыми настроениями. Что уж говорить про нашу необъятную родину, на земле которой каждая декада запоминается чем-то особенным, а по прошествии лет навевает ностальгию. Безусловно, отпечаток времени на себе несут и художественные произведения, будь то литература, музыка, кино и т.д.
Народные настроения отражаются и в музыке Kruger, а конкретно альбом "Только для белых душою..." вовсе пришелся на стык двух десятилетий. Очевидно, команда в ту пору была озабочена национальным вопросом, и если на "Ордамор" данная тема была затронута поверхностно, то "Ордамор. Часть 2" оказался более смелым и острым. Я, конечно, собственные политические взгляды оставлю при себе, а вот Kruger практически ни в чём себе не отказывали, с той лишь разницей, что некий иностранный враг обрёл ярлык "ликаны", а часть музыкантов и вовсе исчезла, благодаря чему логотип был дополнен надписью "Хамер", что говорит о том, что "Только для белых душою..." можно рассматривать в том числе и как сольный проект лидера группы Александра Хамера.
Тексты песен являются весьма острыми, в отдельных случаях вполне могут граничить с призывами, но вдаваться в их суть я не буду. Важно лишь то, что слова не режут ухо при прослушивании. Главной проблемой альбома для меня являются все эти интерлюдии, которые были в моде у металистов тех лет. Например, у Manowar или Holy Moses "сюжетные" вставки между треками мешали прослушиванию отличных песен. Благо, Kruger поместили эти "прологи" отдельно от основных композиций, и рядовой слушатель может их либо пропустить, либо вообще удалить, если слушает не с диска.
Музыкальная составляющая, как и всегда, исполнена качественно. Всё, за что мы любим Heavy Metal, есть на этой пластинке: жгучая гитара, мелодичные соло, динамичные ритмы. Фанаты Metallica будут особенно довольны, услышав отсылку в песне "Святая Русь". Возможно, параллели с оригинальным треком проведены не случайно, и всем нам не стоит... кхм... забывать. Если задуматься, то такой интересный приём я еще не встречал.
С момента выхода "Ордаморов" уже практически минула очередная декада. Сейчас коллектив сконцентрировался непосредственно на тематике Heavy Metal, а потому политические мотивы ушли из текстов, уступив место не менее бунтарской мысли: главное в жизни - это свобода. Лично я на протяжении этих девяти лет сменил кучу взглядов на то, как и что устроено в этом мире, а вот "Только для белых душою..." неизменно слушаю с удовольствием.
|
| |
|
|
|
|
|
| ПАСЫНКИ ЮЖНОГО РОКА.
Как большая белая акула-убийца, всю свою подводную жизнь безостановочно и неустанно бороздящая морские пучины с раскрытой пастью, иначе погибнет от недостатка кислорода, так и они колесили по просторам Америки, не позволяя себе остановиться и сделать передышку. От Великих озёр на северных границах с Канадой, до знойного Мексиканского залива, от Santa Monica Civic Center в Лос-Анджелесе на Тихоокеанском побережье, до Madison Square Garden в Нью-Йорке, что на берегу Атлантики. Они делили сцену как с великими, так и малоизвестными, как они сами, коллективами: Black Sabbath и Point Blank, Stevie Ray Vaughan и April Wine, Molly Hatchet и Dixie Dregs, Pat Travers и Loverboy, Gregg Allman и много кто ещё... От двухсот до трёхсот концертных выступлений в год. И так почти десять лет. Они зарабатывали какие-то деньги, которых хватало только на то, чтобы продолжать это нескончаемое безумие. Остановка для них была равнозначна гибели группы...
Доподлинно неизвестно, что за репертуар они исполняли, аудио и видео-материалы по этому их десятилетию в открытом доступе отсутствуют. С большой степенью уверенности что не окажусь кем-либо опровергнут, могу предположить, что тогда по-большей части они делали кавер-версии, к примеру, тех же Creedence Clearwater Revival. Уже хотя бы потому, что Creedence в 70-е годы "каверили" многие, а им так сам бог велел. А ещё в их репертуаре должно быть были известные уже публике песни так называемого "южного рока", тех групп из юго-восточных штатов, последователями дела которых они себя считали. Все эти без малого десять лет они не имели контракта ни с одной звукозаписывающей компанией и, как следствие, не имели и продюсера, который вывел бы их из этого замкнутого круга.
Они назывались именем легендарной исторической личности, ганфайтера, карточного шулера и несостоявшегося зубного врача, героя вестернов и приключенческих историй, выходящих за рамки короткой жизни этого авантюриста. Его называли Doc Holliday.
К концу 70-х группа Doc Holliday имела уже персональные приглашения для совместных выступлений (Bob Seger, Ted Nugent). А в 1980 году по протекции менеджмента группы Molly Hatchet они наконец-то подписали свой первый контракт с А&M Records, посредством которой в 1981-м записали и запустили в релиз сразу два студийных альбома, а могли бы сразу двойной. Дебютная пластинка DH сходу вклинилась в Тор-30 в чарте Billboard Rock LP's. Вторая получила не менее достойные отзывы и оценки от музыкального сообщества уже по обе стороны Атлантики. Это был отменный, хотя и запоздалый дебют, и равнозначная компенсация за десять потерянных лет. Казалось бы, поникшее знамя "южного рока" подхватили надёжные крепкие руки. Однако, не всё так радужно было и с "Doc Holliday Rides Again...", и с тем, что было потом.
Как и первый LP, второй лонг-плей DH начинали с продюсером Томом Элломом (Tom Allom), англичанином, который имел уже солидный опыт работы с серьёзными группировками (Strawbs, дуэт Hudson & Ford, Magna Carta), последними подопечными Эллома были Def Leppard с их дебютником "On Through The Night" (1980г.). Завершали, однако, свою пластинку они уже с Дэвидом Андерле (David Anderle), человеком почти легендарным из мира голливудского бомонда в недавнем прошлом, а в 1981 году сотрудничавшим с A&M Records. В конце года, под рождество, "Doc Holliday Rides Again..." был сдан в реализацию.
Географическое соседство и духовная близость лидера DH Брюса Брукшира и его команды к музыкальной рок-культуре юго-восточного региона, которую формировали такие столпы southern rock, как The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, затем продолжили Outlaws, Blackfoot и другие их последователи, в какой-то степени отразилось на тех первых двух пластинках группы. Не могло не отразиться. Однако, само определение что такое есть "южный рок", никогда и ранее не имевшее строгих стилистических очертаний, на стыке 70-80 годов оказалось уже основательно размытым. И нужно было очень постараться, чтобы проблески канонического "южного рока" рассмотреть-расслушать в программах команд, представителями этого музыкального вектора себя считавших.
Второй альбом DH по существу является продолжением первого. Всё тот же сдвоенный гитарный тандем Брюс Брукшир - Рик Скелтон делает погоду и в "DH Rides Again...". Southern rock - это исключительно гитарная музыка. Дополнения в виде каких-то иных компонентов (клавишные, струнные, бэк-вокал) не более, чем гарнир, они обогащают, но никак не влияют на её вкус. Музыка DH на этом диске - это не совсем "южный рок" и всё же какие-то его оттенки услышать можно. Я их услышал прежде всего в "Don't Go Talkin'" с элементами фолка и американской деревенской музыки. Основное достоинство этой песни - роскошная дуэль двух гитар, своего рода "баттл". Случай, впрочем, в этом LP не единственный. Столь эффектный приём гитаристы группы применяют ещё в паре композиций. "Let Me Be Your Lover" - наглядный пример с проявлением признаков "южного рока". Интересный номер в стиле рок-буги, чем-то напоминающий Creedence Clearwater Revival десятилетней давности, но с более "продвинутыми" гитарами. Ну и, конечно же, "Lonesome Guitar" - гитарная, разумеется, баллада с обилием сольный партий, в том числе и сдвоенных гитар, с энергичной инструментальной концовкой.
Кстати, о концовках. Заметил, что в некоторых случаях у группы с этим возникали какие-то проблемы. Хотя, возможно, никаких проблем на самом деле и не было, это мне что-то в них не нравится. Что бы там ни было, но почти у половины номеров окончания весьма неубедительные или как минимум спорные.
Сдвоенный гитарный тандем звучит и в других композициях, однако в тех случаях возникают уже иные ассоциации. Без попыток навязать своё мнение хотел бы заметить, что по меньшей мере в трёх из девяти номеров я услышал (не удивляйтесь!) гитарный дуэт Брайана Робертсона и Скотта Горэма из Thin Lizzy середины 70-х годов. Это и в одной из особенно зацепивших меня "Don't Stop Loving Me", в неожиданном для данной программы и в принципе достаточно редком для "тяжёлых" команд того времени формате "коктейль-джаз-баллада". Далёкая от хард-рокового звучания, но весьма изящная композиция с тонкой мелодической конфигурацией. Впрочем, когда суровые рокеры брались за нечто подобное, получалось весьма эффектно и красиво. В данном случае мягкий гитарный саунд органично дополнен эл. органом Эдди Стона. И даже "мужицкий" вокал Брукшира с его "наждачной" хрипотцой а-ля Джон Фогерти (Creedence CR) звучит по-своему брутально.
Хороши гитары и в ещё одной песне-фаворите этой пластинки "Doin' (It Again)". Здесь уже умеренный кантри-рок, где во второй её половине увлекательная "перестрелка" двух гитар. Что же касается вокала Брукшира, то это несомненное достоинство DH. Брюс не единственный вокалист в составе, но он настолько силён в этом качестве, что группа почти не использует бэк-вокал. Жёсткий как рашпиль, прямолинейный и тяжёлый как стальной лом, но на редкость креативный вокал Брукшира для поющего гитариста в чём-то даже уникален. Вероятно в этой связи группа нередко обращалась к репертуару и мелодическим трафаретам Creedence CR и не стеснялась быть на них похожей ("Good Boy Gone Bad"), с учётом удивительного сходства голосов Б. Брукшира и Дж. Фогерти. И просто невозможно представить вокал с иными характеристиками в топовой композиции всей этой программы - "Last Ride", где холодный металлический голос Брукшира идеально накладывается на горячий яростный хард-рок.
Что же мы имеем? При всём при том, что в чём-то музыканты DH и выразили свою причастность к тем базовым основам "южного рока", на которых они выросли и созрели, так называемое "европейское" (или британское) рок-звучание в этом их альбоме всё же преобладает над "домашним". Сложно судить, отчего налицо сей нонсенс, ведь группа никогда не выбиралась за пределы американского континента, а заметное влияние европейской музыкальной субкультуры на американскую в те времена если и имелось, то меньше всего в рок-музыке.
Самое удивительное, между тем, ещё впереди. DH отправятся-таки в гастрольный тур по Европе и по необъяснимым причинам там застрянут. Следующая их пластинка "Modern Medicine" (1983 г.) будет подготовлена и выпущена в Зап. Германии и целиком и полностью ориентирована на европейского потребителя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Знакомство со шведами Mist of Misery состоялось в весьма прозаичном стиле: я шлялся по одному из “кладбищенских” пабликов ВК, где под одним из постов находился траурный инструментал “A Window into Nothingness”. Сказать, что поражение было молниеносным и весьма чувствительным, значит, по сути, промолчать. Более того, музыка и настроение, услышанные мною в этом треке, прекрасно работают не только в гармонии с соответствующим визуальным контентом, но и в отрыве от него, поэтому подобное чувство проявляет себя каждый раз, когда я ставлю “A Window into Nothingness” в состояние “Play”. В связи с этим, под такой аккомпанемент хорошо не только кенотафы и старые кресты рассматривать, но и изящно деградировать душой, роясь в невесёлых воспоминаниях.
Помимо вполне обоснованного данной вещью желания наложить на себя руки, обозначил себя также и страх – я боялся, что остальной материал на “Unalterable” почин интро не поддержит и будет низведён до банальной блэковой каши с увесистыми комками клавишных спазмов. Объём материала аж в два диска, понятно, радости также не добавлял. Лучше, наверно, было бы дальше “Окна” не лезть и не рушить, тем самым, иллюзии, но решено было сделать лицо Свиборгом и себя не жалеть. В итоге, форма: симфоблэк с отчётливо думовым посылом, у клавиш и гитар в целом паритет по отведённым ролям. Ассоциации: Thy Serpent и Dimmu Borgir времён “Stormblast” + всякая мелочёвка, начиная с Tomb of Finland и заканчивая Lustre.
Ну а что реализация? С одной стороны, чувства не подвели: именно инструментальные интерлюдии являются сильнейшими произведениями тут. Помимо названного трека, это “A Forest of Disenchantments” и “Eternal Bereavement”, похожая на минорный пересказ “Лунной сонаты”. Вот к ним не подкопаешься вообще никак, - эмоциональный фон потрясающий и безжалостно честный, а хронометраж близок к идеалу. Они же и самые мрачные тут. С другой стороны, откровенным мусором, который пулей улетел в корзину, альбом тоже не богат. Таковых везунчика тут только два, и оба они каверы (на Coldworld и Dimmu Borgir). А вот с тем, что между (а это 9 песен, на минуточку), ситуация сложная. По верхам-то их описать легко, достаточно просто использовать общие фразы, вроде “Качественно”, “Стабильно”, “Ровно”, “Грустно” и тому подобное, но когда хочется конкретизировать впечатления, углубиться в аналитику, то выясняется, что толком-то и сказать нечего. Причём, простой руганью (“не можешь похвалить - обосри”) тоже отделаться не получается, пусть некоторые вещи откровенно злоупотребляют своим положением. Очень хочется назвать эту ситуацию каким-нибудь неприличным термином, вроде гитарного эмбиента, тем более что в некоторых треках “зимний” синтезатор нагло лезет на ведущую роль (люстровская “The Dying Light”). Просто как-то по-другому доходчиво и кратко описать материал, который вроде и метал, и вроде при риффах, кроме как фоновым достаточно сложно. Вероятно, оно так и задумывалось и это, как принято говорить, фича, а не баг, но я вижу в альбоме несколько иной потенциал. Тот (неловкий?) момент, когда хорошие мелодисты предпочитают мелодиям атмосферу.
Время только укрепило известный факт: несмотря на периодические прослушивания всяких “Halls of Emptiness” и “Desolation”, в ярко выраженном фаворе у меня находятся именно те три вещи, которым я, по сути, и посвятил рецензию. Что же, могу утешить себя тем, что могло быть куда хуже.
|
| |
|
|
|
|
|
| Эта немецкая банда, изначально исполнявшая качественный дэт-метал старой школы, сразу же привлекла внимание публики, на парней возлагались очень большие надежды.
Но, выпустив два альбома в олдскульном ключе («My Empire» (2012) и «Kingdom of Worms» (2014)), группа ударились в эксперименты.
На диске «Dead Shores Rising» (2017) Deserted Fear уже открыто стали заигрывать с мелодэтом, но эта пластинка все равно была встречена поклонниками достаточно тепло.
А вот последний опус немцев ,«Drowned by Humanity», который увидел свет 2 февраля 2019 года, фактически вызвал раскол среди фанатов. Одни стали упрекать группу в измене прежним идеалам и продажности, ставя ей в вину вылизанное модерновое звучание, другим же диск очень понравился.
Я, наверное, скорее отношусь к последним. Самый главное достоинство этого альбома, на мой взгляд, это – хитовость. Может быть, дэт-метал и не совсем тот стиль, для которого хитовость материала и запоминаемость песен первостепенна, но в данном случае она пошла только на пользу.
Альбом, состоящий из 11 треков, был спродюсирован гитаристом Deserted Fear Фабианом Хильдебрандтом и Хенриком Уддом, который ранее сотрудничал с AT THE GATES, CHROME DIVISION, SPIRITUAL BEGGARS, HAMMERFALL и другими. Его работа подняла музыку коллектива на новый уровень: она по-прежнему жестока и агрессивна, но качество звучания действительно улучшилось по сравнению с более ранними релизами. Особую пикантность материалу придают атмосферные симфонические аранжировки.
Самые удачные номера на пластинке, на мой взгляд: «All Will Fall», «An Everlasting Dawn», «The Final Chapter», «Reflect the Storm», «Across the Open Sea» / «Welcome to Reality» и «Stench of Misery». Каждая из вышеперечисленных композиций чем-то цепляет, поэтому , «Drowned by Humanity» я уже буквально заслушала до дыр.
На песни «The Final Chapter», «Reflect The Storm» и «Welcome To Reality» были сняты видеоклипы.
В общем, мой вердикт таков: не нравится – не слушайте. А я сейчас в очередной раз врублю этот альбом на полную катушку и буду ловить кайф.
|
| |
|
|
|
|
|
| Честно говоря, о существовании этих испанцев я узнала не очень давно и, как это часто бывает, наткнулась на них чисто случайно.
Самое первое впечатление было достаточно неоднозначным. Не будучи большой поклонницей классического хард-рока, я, тем не менее, с большим удовольствием слушаю старые записи Uriah Heep и ранние альбомы Rainbow. И поэтому первое, что меня поразило - это удивительное сходство вокалиста группы Medina Azahara - Мануэля Мартинеса и просто обожаемого мною и, к сожалению, очень рано ушедшего из жизни Дэвида Байрона, которое проявляется как в манере пения, так и во внешнем виде. Вероятно, именно так бы выглядел самый известный вокалист Uriah Heep, если бы он дожил до наших дней.
Что касается самого материала, представленного на данной пластинке, то скажу сразу что он очень крепкий и ровный. Единственный минус – при прослушивании весь альбом воспринимается как единое целое, и песни плохо откладываются в памяти.
На мой взгляд, самые лучшие вещи на диске это - открывающая композиция «Trece Rosas», на которую, кстати, был снято видео, и красивая тема «La Lucha». Надо сказать, баллады группе всегда удавались очень хорошо, да и было бы очень странно если бы они не удавались, с таким-то вокалистом. Голос Мартинеса, как всегда – выше всяких похвал, время над ним невластно, в профессионализме остальных музыкантов тоже сомневаться не приходится.
Удивительно приятный и, я бы даже сказала, душевный хард-рок с небольшим налетом прогрессива, в старых-добрых традициях 70-х наверняка порадует любого поклонника олдскула.
Конечно, музыка достаточно коммерческая, но Medina Azahara никогда не пытались подражать U.D.O. или Motörhead. Для них ориентирами служили прежде всего такие команды, как Uriah Heep, Deep Purple, Magnum, Thin Lizzy, Jethro Tull, Kansas, Boston и Styx.
Определенно, на эту банду оказал в свое время влияние и мелодичный хард-рок / AOR 80-х (Y&T, House of Lords, Survivor и т.п.).
Но испаноязычная лирика всегда придавала творчеству данного коллектива свой особенный колорит. Также Medina Azahara достаточно часто эксплуатируют восточные (арабские и андалусские) мотивы, так что в отсутствии оригинальности этих ребят упрекнуть довольно сложно.
Также стоит отметить, что в основе заглавного трека лежит реальное историческое событие.
«Тринадцать роз» (исп. Las Trece Rosas) — такое название было дано в Испании группе из тринадцати молодых девушек и женщин, семеро из которых были младше 21 года и считались несовершеннолетними (во франкистской Испании совершеннолетие наступало с 21 года), казнённых франкистским режимом после окончания гражданской войны в стране во время кампании массовых репрессий против врагов диктаторского режима. Вместе с ними были казнены 43 молодых парня.
После капитуляции Мадрида и завершения гражданской войны мадридский комитет Объединённой социалистической молодёжи (объединения молодёжных организаций социалистической и коммунистической партий) под руководством 21-летнего Хосе Пенья Бреа начал реорганизацию для ухода в подполье. Однако вскоре руководитель комитета был схвачен и подвергнут жестоким пыткам, в результате чего выдал имена своих товарищей.
После этого 56 членов объединения были схвачены в ходе полицейских облав. Во время тюремного заключения они подвергались пыткам и издевательствам со стороны франкистов.
5 августа 1939 года после приговора к смертной казни молодые люди были расстреляны и похоронены на мадридском кладбище Альмудена.
В 2007 году испанский кинорежиссёр Эмилио Мартинес-Ласаро снял фильм об этих событиях, в котором одну из главных ролей (Бланка) сыграла Пилар Лопес де Аяла.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.