ХРОНИКА ОДНОГО ГОДА.

Изнурительный европейский гастрольный тур, начавшийся ещё в ноябре 1977 года и посвящённый продвижению крайнего альбома Status Quo "Rockin' All Over The World", завершился в марте 1978-го. И буквально сразу же, не дав музыкантам толком перевести дух, продюсер Пип Уильямс объявил группе очередной общий сбор, теперь уже в голландском Хилверсуме, в знакомой уже всем Wisselord Studios - пришло время включаться в работу над следующим LP. Гастроли же, в целом, прошли успешно. Порой SQ собирали аншлаги и это в то самое время, когда в центральной Европе ещё вовсю бушевало диско-безумие и стремительно набирало обороты панк-рок движение. Но всё это были, что называется, цветочки. На выдыхающихся и объективно стареющих рокеров надвигалась угроза посерьёзнее - уверенно и неотвратимо накатывала молодая "новая волна".

На этом тревожном фоне SQ было непросто устоять перед соблазном что-то "подкрутить" в своей устоявшейся стилистической схеме, чтобы сдюжить супротив надвигающейся стихии. Но даже не сам фактор неизбежного проникновения иных субкультурных влияний на узкопрофильную стилистическую структуру SQ являлся основным раздражителем. Дальновидный продюсер группы П. Уильямс осознавал, что чтобы обеспечить на будущее "место под солнцем" и не "пересидеть" в своей уютной рок-нише, которую SQ заняли уже достаточно давно, требовалось соблюсти два условия. Или по меньшей мере одно из двух. Либо держа "нос по ветру" следовать складывающейся конъюктуре на мировом музыкальном пространстве, иначе говоря подстраиваться под перманентно меняющиеся потребительские предпочтения публики, либо уповать на стабильно-богатый американский рынок. Но вот как раз-таки с этим у SQ в последнее время создались большие проблемы. Насколько востребована была группа в небольшой Европе, настолько неважно с этим обстояли дела в бескрайней Северной Америке. И П. Уильямс всё ещё был полон радужных надежд проломить-таки эту стену отчуждения для своих подопечных. Очередной альбом группы должен был стать той самой "удачной попыткой", чтобы осуществился этот самый пролом.

SQ действительно изменили своему "фамильному" звучанию. Этому способствовала и инновационная система Aphes Aural Exciterruen, впервые применённая в студийной работе над содержанием будущей пластинки для модальной корректировки тональности звука посредством эксайтеров. Это и подключение к записи отдельных композиций духовой секции The David Katz Horns ("Let Me Fly", "Like A Good Girl") и бэк-вокалистов, что несомненно добавило красок в привычно-аскетичное звучание группы. Это и ощутимое смягчение саунда, где уверенно и обильно зазвучали клавишные, как ведущие инструменты наравне с гитарами, и где в свою очередь практически отсутствуют хард-роковые гитарные темы. Если всё это обобщить - программа обрела тональность "groovy boogie spirit" (весёлый дух буги). Так и есть, boogie style превалирует в этом альбоме, но это не буги в классическом его понимании из 60-х и начала 70-х годов. Это модифицированная музыка соответствующая этому определению, "причёсанная" и "набриолиненная" для пафосных данц-клубов, где собираются заносчивые снобы, но никак не для прокуренных пабов с опилками на заплёванном полу. Вот так образно выражусь.

Стержневые номера этой программы ("Again And Again", "Oh, What A Night", "Like A Good Girl"), пожалуй, ещё как-то выдержаны в привычно-узнаваемой манере исполнения SQ. Это умеренно-жёсткие композиции соответствующие стилю rock-boogie. С другими же всё не так просто. Вот, допустим, "Someone Show Me Home" Фрэнсиса Росси. Если вслушаться, то это медленный вальс (на пол-такта медленнее вальса классического), и это просто идеальное мелодическое пособие для желающих научиться вальсировать из числа тех, кто уже в совершенстве освоил "медляк". Достаточно редкий для SQ формат. В этом альбоме подобного рода вещей мы больше не услышим.

Треки "I'm Giving Up My Worryin'", "Accident Prone", "Stones" - интересные сами по себе композиции, но это уже музыка, близкая к поп-року, подобную SQ будут активно культивировать в 80-х и даже 90-х годах. Чуть особняком от прочих дистанцируются обе песни Алана Ланкастера ("Gonna Teach You To Love Me" и "Stones"). Они словно из прошлого группы пяти-шестилетней давности в своей простоте и, пожалуй, даже наивности. Есть ощущение, что в программу их включили лишь в знак уважения к музыканту-ветерану, являвшемуся одним из основателей группы. И не более того.

Не поймите меня неправильно. Ничего неуважительного, тем более уничижительного в отношении SQ и этого их альбома я даже в мыслях не держу. Скажу больше, в давние виниловые времена эта пластинка мне нравилась едва ли не больше прочих из LP SQ. Тот самый альбом и сейчас ещё пылится среди остатков былой моей пластиночной коллекции. Роскошное английское издание, конверт с разворотом и даже вкладка с текстами. Слушаю, правда, если такое случается, эту программу на CD, хотя приоритеты относительно работ SQ, если честно, с тех пор несколько сместились.

Наверняка не всем консервативным поклонникам этой группы пришлась по сердцу эта новаторская в каком-то роде пластинка, но, опять же, и музыкантов и их продюсера ни в чём нельзя упрекнуть. Экспериментировали тогда многие, не только эти парни, чтобы не отстать и не затеряться в разномастной толпе рок-коллективов. И выдержать нешуточную конкуренцию способны были наиболее стойкие и, что немаловажно, гибкие. SQ оказались из числа таковых. Тем более, что продолжения подобных творческих метаний у группы не последовало, так что этот альбом даже не попытка поиска какого-то нового пути развития, а скорее случайный шаг в сторону.

Летом 1978 года они перенеслись через два океана на "зелёный континент" - 21 концерт во всех значительных городах Австралии. Закончилась та часть мирового тура в сентябре, по традиции в Германии, где группу как нигде хорошо принимали. В том же 78-м SQ в качестве одних из хедлайнеров выступили на рок-фестивале в Рединге (26 августа). И вот ведь что любопытно. При столь насыщенном графике музыканты в свободное от работы время ещё и проживали вне пределов Англии. Всё дело в особенностях британской налоговой системы. Так уж вышло, что как раз-таки 1978-й являлся годом, определяющим формирование "карт" налоговых сборов для физ. лиц на ближайшие несколько лет. Налоговая инспекция королевства скрупулёзно в течении года подсчитывала все доходы своих граждан, поэтому все, кто мог и имел на то основания, а элитные музыканты с их неслабыми заработками в первую очередь, старались "не светиться" на британских островах. Вот и наши герои "прятались" где придётся, в основном, где налоги поумереннее. Фрэнсис Росси квартировал в Ирландии, Алан Ланкастер и Джон Коглен имели временную прописку в далёкой Австралии, а Рик Парфитт в Зап. Германии на родине жены, либо на прибрежном острове Джерси в проливе Ла-Манш под французским флагом.

В релиз LP "If You Can't Stand The Heat..." вышел в октябре 1978-го и ещё до завершения года переиздавался в десятках стран мира (даже в Африке, в Родезии, сейчас это государство Зимбабве), но так никогда и не издавался в США. В канун нового 1979 года SQ были приглашены на телевидение ГДР, где во Франкфурте-на-Одере состоялось их выступление. А уже в 1979 году восточно-германская фирма грамзаписи Amiga выпустила по лицензии пластинку SQ "Rockin' All Over The World", которая большим тиражом продавалась и в СССР.

И уже в середине января 79-го группа стартовала в очередном евротуре. Начали по традиции в Западной Германии, где случилось несколько неприятных эксцессов. 21 января в Вольфсбурге на выступлении в битком набитом зале Stadhalle c десятиметровой высоты упал и насмерть разбился один из местных фанатов. А 1 февраля в Зиндельфингене, что неподалёку от Штутгарта, уже с одним из музыкантов группы приключилась оказия. Прямо на сцене Ф. Росси неудачно оступился и во весь рост рухнул спиной на монитор. Остальные музыканты вчетвером доиграли номер, после чего минут 15-20 приводили в чувство Фрэнсиса. В конечном итоге группа вернулась на сцену в полном составе и доработала оставшуюся часть программы. Спустя каких-то три дня уже на концерте в Эссене с Ф. Росси вновь случилась неприятность. Партнёр по команде Р. Парфитт ненароком заехал грифом гитары по лицу Фрэнсиса, но тогда всё обошлось без остановок.

В декабре 1978 года, среди массы всякого рода событий, как бы между прочим состоялась первая студийная сессия SQ, ознаменовавшая начало работы над следующей пластинкой. Это будет сильнейший альбом группы на том этапе её истории - "Whatever You Want".

МихаилБогданов   6 авг 2019

Замена Рэя Олдера из Fates Warning на Тома Энглунда из Evergrey за микрофонной стойкой в Redemption, уверен, никем из поклонников группы не была воспринята равнодушно. И, увы, вряд ли кто-то был рад столь неожиданной и явно проигрышной рокировке… Ведь, несмотря на свою явную харизматичность, Том значительно уступает Рэю в классе, и хотя последний демонстрирует в последние годы сужение диапазона, всё равно легко узнаваемый и горячо любимый тембр его голоса стал для группы серьёзной потерей.

Мало того, Тому пришлось не только записывать вокальные партии для «Long Night’s Journey Into Day» в сжатые сроки, но и при вылете в США одновременно петь и для нового альбома Evergrey, где его вокал прозвучал на порядок эмоциональнее и ярче. Так или иначе, перепевка идей, «заточенных» под другой тембр – это затея весьма неблагодарная, и практически обречённая на провал. Хотя, стоит признать, Энглуд альбом всё же не испортил, а в паре мест даже блеснул ничуть не хуже Рэя.

Да и в целом релиз получился одним из самых сильных и однозначно лучшим в плане продакшна, ведь в этот раз к микшированию и мастерингу приложил руку уже почти легендарный Jacob Hansen. Прекрасно прочувствовав музыку Redemption, он подчеркнул её сильную сторону, а именно барабанные партии, и свёл к минимуму песок в гитарах, спрятав все шероховатости в хорошем миксе. В результате великолепная игра драммера Chris Quirarte специально выдвинута на первый план и хорошо подчёркивает и без того выросшую техничность музыкантов, которая в этот раз вышла на новый уровень.

Ведь по инструментальной части, по сути, никаких претензий нет – материал очень динамичен, полон интересных идей и прогрессивных наворотов, не только барабанных, но и гитарных. Композитор группы Nick Van Dyk уже научился строить сложные, но нескучные композиции, где практически все инструментальные фрагменты заполняются многочисленными и порой весьма продолжительными гитарными соло, в том числе в исполнении приглашённых гостей, среди которых в этот раз отметились: экс-Megadeth’овец Chris Poland и гитарист DGM и известный продюсер Simone Mularoni. К солированию в этот раз также был допущен новый клавишник Vikram Shankar. Правда, гитарная ориентированность материала всё же не позволила ему раскрыться до конца. Всё же более частое использование клавиш в аранжировках не помешало бы – по примеру тех же Evergrey или, допустим, Threshold.

Тем не менее, первые четыре композиции альбома сразу демонстрируют весь технический арсенал Redemption, а открывающая композиция «Eyes You Dare Not Meet In Dreams» даже слегка отдаёт technical thrash metal, напоминая Mekong Delta. Увы, мелодичных, запоминающихся вокальных партий не наблюдается вплоть до пятого трэка, абсолютной жемчужины альбома – блестящей «Indulge In Color», в музыкальным и лирическом плане ставшей продолжением одного из моих главных фаворитов во всей дискографии группы – «Black And White World»! Ну, и главный хит релиза – энергичная «The Last Of Me» и прогрессивная полубаллада «And Yet» - ещё два трэка, в которых вокал Тома я осмелюсь назвать не просто уместным, но даже предпочтительным!

Также порадовали неплохой, естественно утяжелённый кавер на U2 «New Year’s Day», разбавивший скрежет металлических гитар (скорее более) роковым драйвом, и достаточно неплохой заглавный эпик с интересными ритмическими переходами и наслоениями вокальных партий в концовке. И хотя с до боли привычным голосом Рэя альбом звучал бы значительно лучше, а мелодий в первых песнях могло быть побольше, в целом получился классный альбом, который хочется переслушивать и вникать в детали, которых по-прогрессивному много. Ну, и дальнейшие перспективы группы я бы оценил весьма оптимистично, ведь с одной стороны, идей у Ника Ван Дайка пока хватает, но при этом ещё есть куда расти и развиваться.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

К третьему релизу шведы Maninal наконец-то смогли вывести все свои композиторские и звукорежиссёрские навыки на весьма достойный уровень и выдать альбом, на голову превосходящий предыдущие. Главные козыри группы всё те же – это вполне неплохая гитарная работа (достаточно мощные риффы и вменяемые соло) и, конечно же, широкий диапазон голоса фронтмена Samuel «Sam» Nyman, легко справляющегося с высокими нотами и в эти моменты весьма напоминающего аж самого Rob Halford. Конечно же, в молодости.

На «Purgatorio» качество записи вышло на вполне удобоваримый уровень, композиции стали более компактными и динамичными, а утяжелённые риффы, фрагментарно уводящие группу с традиционных heavy/power-рельсов на территорию thrash и groove metal, лишь придают звучанию солидности. Нетривиальный, современный хэви с хорошим вокалом – чем не радость для любителей олдскульного металла?

По сути, если Primal Fear многие считают клоном Judas Priest, то Manimal с некоторой натяжкой можно назвать клоном Primal Fear. Но плохо ли это? По-моему нет, потому что в этот раз шведы зазвучали намного более уверенно, а композиции «Manimalized» и заглавную «Purgatorio» можно смело назвать очень сильными боевиками. И вообще, первая половина альбома не вызывает никаких нареканий, и если бы весь релиз был бы выдержан в таком ключе, то и оценка ему была бы выше на балл, но, увы, дальше всё не так радостно…

Во второй половине альбома группа всё чаще скатывается в плагиат и банальность (чем, кстати, страдают и тексты Manimal, в которых попадаются даже такие «перлы», как «nocturnal creatures of the night»). Вроде бы, 42-минутный релиз неплохо слушается целиком, но слабые и не совсем оригинальные темы под конец начинают слегка утомлять и впечатление от релиза в целом портится… Тем не менее, прогресс по сравнению с предыдущими двумя альбомами весьма очевиден и через пару-тройку лет можно смело ждать новый релиз вполне серьёзного уровня.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

Заявление музыкантов о том, что «The Verdict» станет более прогрессивным альбомом в духе весьма порадовавшей меня композиции «Condition Human» с предыдущего релиза, были весьма обнадёживающими. И, конечно, первые два сингла – бойкий хэви-хит «Man The Machine» и весьма проникновенная полу-баллада «Dark Reverie» (авторства второго гитариста Паркера Лундгрена), доступные до выхода альбома, также весьма впечатлили, вызвав ожидание чего-то реально грандиозного. Ведь альбом готовился аж 4 года, а это (при лучшем сценарии, конечно) зачастую признак хорошей проработки материала.

Но, увы, вот уже третий альбом без вокалиста Джеффа Тэйта так и не стал серьёзной вехой в дискографии Queensryche… Да, после скандального расставания с фронтменом, конечно, группа взяла правильный музыкальный курс и стала звучать значительно более олдскульно и креативно, а вокал Тодда Ля Торре стал чуть ли не самой успешной заменой в истории металла, но ожидания на какой-то супер-прорыв, как и в данный момент заявления о прогрессивном ориентире на «The Verdict», так и не оправдались…

К сожалению, первые два сингла так и остались двумя единственными классными песнями на альбоме. Да, нельзя сказать, что релиз провальный или группа не развивается, но былых высот Queensryche, видимо, не достичь уже никогда. Ведь, не стоит забывать, что основной автор «нетленки» гитарист Крис ДеГармо давно покинул группу, да и уволенный Джефф Тэйт тоже был не просто вокалистом, а композитором, который, может, и тянул группу в свою сторону, но всё же имел чёткое представление о построении вокальных партий, что Тодду удаётся далеко не всегда.

Всё же альбом в целом весьма неплох – качество записи на достойном уровне, в технике музыкантов также нет сомнений (и даже барабанные партии, исполненные Тоддом из-за временной недоступности основного драммера Скотта Рокенфилда, вполне вменяемы), ухо радуют приятные сдвоенные «мэйденовские» гитары, неплохие соло, а вокалист отлично владеет своим широким диапазоном, хотя, надо признать, что «низы» у Джеффа получаются более уверенно, да и некой пластичности Тодду порой тоже не хватает.

Главная беда в том, что запоминающиеся мелодии – в явном дефиците, в результате чего две трети альбома просто не цепляют. Да, яркие моменты есть и помимо вышеумопянутых «Man The Machine» и «Dark Reverie» – открывашка «Blood Of The Levant» радует своим «пристовским» напором, а «Light Years» - сочетанием тревожных куплетов и красивых припевов, а последние два трэка – интересным настроением, громогласно анонсированными проговыми фрагментами и красивыми аранжировками, в основном, клавишами. Но, конечно, от такой группы, как Queensryche, хотелось бы гораздо большего. Таков мой вердикт.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

Неоднозначное мнение, правда.
Насколько я поняла, эта группа является сайд-проектом явно заслуживающей внимания формации Eidyllion. Тут ребята пытаюстся играть что-то, похожее на блэк, но в своем ключе, так сказать.
С одной стороны, у Benatnash узнаваемое звучание (по крайней мере, на этом альбоме, т.к. следующий уже более мейнстримовый). С другой - после прослушивания 2-3 песен звук начинает казаться удушливым, и рука сама тянется к переключателю.
Вокалистка использует и чистый вокал, и гроул. Однако, то ли ей техники не хватает, то ли еще чего, но звучит она слабовато. В принципе, для тех, кто знает Eidyllion, это новостью не будет. Тем не менее, в Eidyllion этот недостаток искупается интересными подходами в композициях. А тут музыка, как ни крути, более прямолинейна, но еще и вокал выведен на первый план, поэтому прощать уже не очень хочется.
Музыка просто перегружена синтезатором и драм-машиной. Конечно, и это тоже не новость для тех, кто знает Eidyllion, но там электронного звука было меньше, да и звучало все это более-менее уместно (кстати, как и на следующем альбоме Benatnash). В данном случае же, синтезированная составляющая уж слишком кричащая. До той степени, что редкие моменты с акустической гитарой становятся просто глотком чистого воздуха в удушливой синтетической топи. Очень хочется сравнить творчество Benatnash с интерлюдиями и интро Evol. Прямо такая же голая синтетика.
Скорее всего, если бы ребята потрудились найти нормального ударника и сменить всю эту искусственную кашу на 3-4 живых классических инструмента, картина была бы совершенно иной, потому что мелодии сами по себе неплохие.
При всех этих недостатках в ребятах ощущался добрый потенциал. На альбоме все-таки есть и интересные ходы, и индивидуальность, и своя изюминка.
Не исключено, что в какой-то момент реализация более масштабных замыслов уперлась у них в глухую стену финансового вопроса, и им пришлось выбирать между качеством и голодной смертью. :)
Поставлю 5 за идею.

Virgo_ad_noctum   1 авг 2019

Мелькающая последние пару лет в новостях связка слов «Death Angel – новый альбом» вызывала исключительно наиприятнейшие ассоциации. Вышедший в 2016 году «The Evil Divide» был свеж, быстр и безапелляционно прошёл проверку временем, а единственная претензия могла заключаться лишь в неудачном выборе даты релиза – где-то посередине между новыми, на тот момент, альбомами Megadeth и Metallica, что предвещало почти 100% информационное прозябание в тени более крупных «особей» жанра – как ни крути, а одна обложка «Hardwired…» вызвала куда больший интерес, нежели целый альбом Смертельного Ангела... Впрочем, оставим нытьё – несмотря ни на что, свои заслуженные дивиденды эта работа всё-таки получила.

Здесь же, до поводов для этих самых дивидендов приходится добираться медленно и осмотрительно, перешагивая через созданные (надеюсь, неосознанно) самими музыкантами несостыковки. Первая из них отмечена солидной «трещиной» на хронометраже после первых трёх песен, чьё присутствие на альбоме остаётся для меня вопросом открытым. Самое близкое к верному предположение их предназначения – неуклюжая попытка вернуться к кондициям «The Dream Calls for Blood», который, несмотря на всю свою угрюмость и насыщенность, всё же не родился дуболомным и кастрированным на мелодии, в отличие от своих самоназванных «родственников» в виде «Humanicide» или «Agressor». А уж отчаянный бластбит в «Divine Defector», с её уходом в экстремальные для Death Angel территории, выглядит не более, чем тяжесть ради тяжести.

Однако, выход из анабиоза предполагается настолько же уверенный, насколько и ввод в него – размашистая «I Came for Blood», словно не догнавшая вагон предыдущего альбома, бойко заняла место в нынешнем, открывая самую интересную часть альбома – не покидают мысли, что будь она целиком выполнена именно в таком ключе - непритязательного трэша с выпирающей панковой составляющей, то, глядишь, и все предшествующие грехи сдуло бы со скоростью ритм-секции, но… Death Angel пошли по пути более сложному, представив несколько разнородных, но интересных идей, из которых далеко не все реинкарнировались в хорошие песни, в результате чего, основную тяжесть вытаскивания альбома на приличный уровень взяли на себя стандартные «боевички» в виде «Alive and Screaming», «The Pack», «Of Rats and Men» или та же «I Came for Blood». Имеющийся контраст между «законченным» и «перспективным» поначалу может вызвать даже интерес и некое подобие удовлетворения, но для «Humanicide», как полновесной музыкальной единицы, подобные урывки чести не делают. Впрочем, при всей сомнительности сегодняшнего результата, оптимизм в отношении будущего Death Angel превалирует несмотря ни на что…

…И да, всё же я сердечно надеюсь, что эта импровизированная художественная эпопея с волками закончилась в формате трилогии.

Tomahawk  29 июл 2019

ПРЕРВАННАЯ ЛИНИЯ. Часть III.

Они вернулись. 14 февраля 1984 года (в истории Aerosmith - эта одна из примечательных дат) Джо Перри с Брэдом Уитфордом как-то на досуге завернули в бостонский театр Orpheum, где в тот вечер давала представление их бывшая группа с гитаристами Дж. Креспо и Р. Дюфеем. Да, не лучшие для Aerosmith тогда были времена, некогда команда-фаворит была вынуждена перебиваться выступлениями в клубах и небольших залах на несколько сотен присутствующих. После финальных аккордов Перри и Уитфорд проникли за театральную сцену и встретились со Стивеном Тайлером. Где-то там в недрах закулисья и состоялся тот самый исторический разговор, следствием которого произошла реинтеграция обоих ветеранов в состав группы.
"Ты должен был прочувствовать невероятный кайф, когда мы впятером собрались в одном месте. Это было весело, будто и не было этих пяти лет. Мы знали тогда, что сделали верный шаг", - Стивен Тайлер.
Итак, они вернулись. Возмужавшие и помудревшие за эти годы вневременья. В том же 1984-м Aerosmith ожидаемо отправились в "The Back In The Saddle Tour", чтобы наладить утраченные связи и напомнить заждавшейся публике о себе настоящих. Название тура символично - "Back In The Saddle" ("Снова в седле"), так называлась одна из песен группы из альбома 1976 года "Rocks". По итогам тура в 1987 году будет выпущен концертный LP "Classics Live! II" из старого в основном, проверенного временем репертуара Aerosmith. Концерты тура сопровождались хорошей посещаемостью, однако вновь проявились былые проблемы с наркотиками, правда, не столь пагубные, не как годами ранее, когда С. Тайлер без чувств будто подраненный падал со сцены в зрительный зал.
Настало время задуматься и над новым альбомом, однако компания Columbia Rec., с удовольствием продолжавшая как правообладатель всего творческого наследия Aerosmith штамповать и запускать в продажу многочисленные компиляции и концертные альбомы группы, в частности те же "Classics Live!", части I и II, не спешила продлять свои деловые отношения с этой группой.
Не сразу решился вопрос и с новым продюсером. В конце концов с этим определились. Тед Темплман (Ted Templeman) - это был настоящий гуру продюсерского цеха, в его активе имелся опыт работы с такими знаменитостями, как The Doobie Brothers, Captain Beefheart, Van Morrison, Montrose, Little Feat, Van Halen, Sammy Hagar и ещё с добрый десяток рок и даже совсем не рок-исполнителей. Тогда был оформлен и контракт с Geffen Rec. В начале 1985 года группа приступила к работе над новой пластинкой.
Однако уже первые шаги на этом пути вызвали у музыкантов недоумение. Решением Темплмана студийная работа была перенесена на западное побережье континента, в Беркли (Калифорния). Его выбор был обоснован: чтобы уберечь своих подопечных от соблазнов, способных помешать полноценной работе, как это с высокой степенью вероятности произошло бы, останься они на домашнем восточном берегу. Дальше - больше. Продюсер принудил Стивена Тайлера и компанию делать музыку не совсем им свойственную, ту самую, которую Т. Темплман планомерно продвигал и называл "the red light blues", ту, что он культивировал ещё в Van Halen, с которыми работал особенно много. В то время как строптивый квинтет замысливал возврат к своим корням, к своему привычно-традиционному формату образца середины 70-х годов с "грязными" гитарами и по возможности осмысленными текстами. Налицо был конфликт интересов.
Что же получилось в итоге? Темплман переломил-таки ситуацию в свою пользу, хотя его требования и жёсткие условия были восприняты парнями крайне неодобрительно. А между тем цель, которую преследовал опытный продюсер, была проста и очевидна - первым делом требовалось понравиться молодому поколению, подросшему за годы пребывания группы в полуразобранном состоянии. И это должны были быть не мудрёные темы из категории rough-blues-rock со сложным навороченным инструменталом, а простые прозрачные мелодии, под которые можно бы было и на танцполе потрястись.
Темплман "вычистил" практически все блюзовые мотивы (с большой натяжкой блюзовой можно считать мелодию, что легла в основу их песни "She's On Fire"), до минимума сократил сольные гитарные партии Джо Перри, а где-то совсем их убрал, обрезал концовки в некоторых треках и вообще до недопустимого предела ограничил звучание едва ли не всех композиций, отчего программа оригинального альбома получилась до неприличия короткой, всего-то 32 минуты на 8 номеров. В последующих переизданиях был добавлен девятый трек "Darkness", эта песня Стивена Тайлера выходила отдельным синглом. Впоследствии музыканты нередко выражали свои негативные чувства и даже откровенную неприязнь к этой работе. "Это альбом, который мы так никогда и не закончили", - Джой Крамер.
Начинается же программа привлекательным заряжающим рок-н-роллом "Let The Music Do The Talking". Это был существенно изменённый номер из репертуара The Joe Perry Project, где поправки были внесены и в мелодию, и в текст. Немного о сути названия альбома. В нём заложен непростой двойной смысл как в отношении иллюзий, которые "делаются с зеркалами" (в нашем случае это указание на реверсную обложку LP - приложи обложку "лицом" к зеркалу и читай), так и намёк об отказе музыкантов от дальнейшего употребления наркоты, в частности кокаина, который, как правило, применяют с поверхности зеркала или стекла. То же касается и текстов песен, их в большинстве своём в этой программе следует таким же манером "проецировать на зеркало", чтобы разобраться о чём они. Впрочем, тексты - это отдельная тема. Какие-то из них, что называется "на грани фола", С. Тайлер (а именно он традиционно их в основном и генерировал) в отдельных случаях прошёлся по самой границы допустимого, как по лезвию ножа.
Должно быть нам нынешним, людям далёким и во времени и географически от морально-нравственных условий и условностей, свойственных той самой Америке из середины 80-х годов, представлялось и представляется до сей поры, что в том свободном расслабленном мире не могло быть, а значит и не было в этом плане каких-либо барьеров, что никакие темы для музыкантов (и не только) не были затабуированы, что жаргонизм, допускаемый суровыми рокерами и всякими там панками, был свободен от всяких ограничений. Как бы не так! Свой негласный морально-этический кодекс у наших заокеанских кумиров с поправками на ментальность существовал и тогда, существует и сейчас. Только он постоянно трансформируется, как, собственно, и у нас свой, каким бы он ни был.
В альбоме два огненных боевика ("My Fist Your Face" и "The Hop") как раз-таки с подобного рода текстами. И как я не бился с их расшифровкой, так и не ухватил ни смысла, ни сути. И даже зеркала, что были в доме, не помогли. Впрочем, если не брать их (тексты) в расчёт, то в остальном эти номера просто безупречны, вот это и есть истинный гитарный хард-рок. Чего не могу с той же убеждённостью сказать об остальном материале этого LP, хотя и конкретных претензий к какой-либо из песен не предъявляю. Всё на должном уровне, но без блеска, как я это представляю.
Несмотря на полярные отзывы широкого музыкального сообщества и достаточно прохладное к нему отношение самих музыкантов (кроме продюсера Т. Темплмана), альбом очень хорошо был принят поклонниками Aerosmith. Джо Перри так однажды высказался по этому поводу: "Насколько я понимаю, это наименее вдохновенная наша запись. Но я слышал, что фанатам это нравится, так что я не собираюсь говорить, что это "отстой". Мы просто должны были сделать это, чтобы перейти к следующей работе, так как именно она являлась нашей целью. А что касается этого альбома, то я не думаю, что он соответствует нашим стандартам".

Сертификат "золотого" "Done With Mirrors" от агентства RIAA-USA получит в июле 1993 года. Однако уже в год своего выхода этот альбом Aerosmith будет считаться лучшим со времён "Rocks", вышедшего ещё в 1976-м.

МихаилБогданов  29 июл 2019

Нечасто в последнее время всплывали новости по поводу нового альбома группы "Корн". Иногда участники подогревали интерес тем, что "собираются снова поэкспериментировать, смешать фанк с грувом", но на этом всё и заканчивалось.

И вот, в конце июня грянула новость, что коллектив собирается выпустить новый сингл. С нетерпением ожидал его, однако на выходе оказалось... самое настоящее разочарование. Снова самокопирование, и причем абсолютно посредственное; ужасные, неинтересные риффы; предсказуемая структура (ну это ладно, всё-таки сингл для радио, но всё же), невнятный припев... Абсолютно не было желания переслушивать данный "шедевр", пришлось насильно себя заставить послушать хотя бы раза три, думая может всё-таки можно выделить хоть какие-то положительные моменты из трека.
Выделю два момента - акустическая вставка перед припевом, и сама концовка, когда под утихающий гул гитар на заднем фоне начинает играть ударник Рэй, а Дэвис в этот момент изображает "приступ вымученной ярости" (возможно звучит грубо, не серчайте).
А так, остается надеяться, что новый альбом"The Nothing" не будет таким же бледным, как и лид-сингл.
3 балла - посредственно, блекло, скучно.

DJ Galin  28 июл 2019

Deftones, можно так сказать, улетели в "стратосферу", выпустив второй полноформатный альбом под названием "Around The Fur", добившись огромного успеха от продаж и попав в мейнстрим, в том числе оказавшись в постоянной ротации на канале MTV (так как в то время было привилегией попасть в эфир топового канала о музыкальной индустрии).

И да, это отличный, атмосферный, в меру депрессивный и в то же время агрессивный опус, напичканный хитами, въедающимися риффами и прекрасным вокалом Чино Морено, который хоть по собственным заявлением никогда профессионально не занимался вокалом, выдает по-настоящему запоминающиеся партии, чего стоят только припевы "My Own Summer", либо же "Dai The Flu"!

На самом деле стоит сказать, что коллектив своим трудом, через тернии бесконечного числа концертов, создавали себя имя, катаясь в поддержку дебютника "Адреналин". Давая интервью независимым журналистам, ребята рассказывали что не особо-то котируют металл, ни на кого не равняются и идут своим путем. Басист Чи Ченг не верил в перспективность проекта и хотел уйти в преподавательскую деятельность, и с огромным трудом Чино и компания уговорили его остаться, что оказалось безоговорочно правильным решением.

Ребята пришли на студию всего лишь с 7 треками и продюсер Терри Дэйт сказал, что нужно напрячься и что-то срочно написать. В этот момент в голове гитариста Стивена возник рифф заглавного трека "Мое собственное лето", который подхватила группа, а в лирике Чино описал "свое негативное отношение к бесконечно палящему жаркому дневному солнцу, мешающему спать после долгих ночных сессий". Именно так родился в последствии один из самых известных и лучших треков в дискографии коллектива из Сакраменто.

В общем, это сплошной хит-альбом, не могу выделить слабых треков, они все по своему прекрасны, при прослушивании не проседаешь, не устаешь, не хочешь взять и переключить треки, всё идет на одном дыхании.
Выделю свои фавориты: заглавный трек, "Around The Fur", бросающийся из крайности в крайность, особенно классной получилась концовка; "Be Quiet and Drive" (акустическая версия, вышедшая в 2005 году, также прекрасна); "Lotion", где перед нами во всей красе типичный Карпентер - простой рифф, который выворачивает наизнанку все внутренности, и свирепый Морено; "Dai the Flu" с потрясающим по красоте припевом, филигранная работа Чино; и завершающий трек "Head Up" с Максом Кавалерой, посвященная погибшему пасынку Макса (в этом треке Чино разбил себе об лицо фотографию пасынка в рамке, в порыве эмоций);
также трек "Mascara" отдает веяниями, которые в скором времени будут доминирующими в творчестве Дэфов (в некоторых источниках говорится, что песня вдохновлена творчеством The Cure, и что на некоторых фестах парни хотели исполнить совместно этот трек с Робертом Смитом, но безуспешно).

Говоря о технической стороне, тоже не к чему придраться, звук плотный, никакой сырости, как было в дебютном альбоме, тут не найти.
Работу музыкантов тоже оцениваю очень высоко.
В общем, 9 из 10, замечательный лонгплей, закрепивший Deftones в топе альтернативной метал-музыки.

DJ Galin  25 июл 2019