ХРОНИКА ОДНОГО ГОДА.

Изнурительный европейский гастрольный тур, начавшийся ещё в ноябре 1977 года и посвящённый продвижению крайнего альбома Status Quo "Rockin' All Over The World", завершился в марте 1978-го. И буквально сразу же, не дав музыкантам толком перевести дух, продюсер Пип Уильямс объявил группе очередной общий сбор, теперь уже в голландском Хилверсуме, в знакомой уже всем Wisselord Studios - пришло время включаться в работу над следующим LP. Гастроли же, в целом, прошли успешно. Порой SQ собирали аншлаги и это в то самое время, когда в центральной Европе ещё вовсю бушевало диско-безумие и стремительно набирало обороты панк-рок движение. Но всё это были, что называется, цветочки. На выдыхающихся и объективно стареющих рокеров надвигалась угроза посерьёзнее - уверенно и неотвратимо накатывала молодая "новая волна".

На этом тревожном фоне SQ было непросто устоять перед соблазном что-то "подкрутить" в своей устоявшейся стилистической схеме, чтобы сдюжить супротив надвигающейся стихии. Но даже не сам фактор неизбежного проникновения иных субкультурных влияний на узкопрофильную стилистическую структуру SQ являлся основным раздражителем. Дальновидный продюсер группы П. Уильямс осознавал, что чтобы обеспечить на будущее "место под солнцем" и не "пересидеть" в своей уютной рок-нише, которую SQ заняли уже достаточно давно, требовалось соблюсти два условия. Или по меньшей мере одно из двух. Либо держа "нос по ветру" следовать складывающейся конъюктуре на мировом музыкальном пространстве, иначе говоря подстраиваться под перманентно меняющиеся потребительские предпочтения публики, либо уповать на стабильно-богатый американский рынок. Но вот как раз-таки с этим у SQ в последнее время создались большие проблемы. Насколько востребована была группа в небольшой Европе, настолько неважно с этим обстояли дела в бескрайней Северной Америке. И П. Уильямс всё ещё был полон радужных надежд проломить-таки эту стену отчуждения для своих подопечных. Очередной альбом группы должен был стать той самой "удачной попыткой", чтобы осуществился этот самый пролом.

SQ действительно изменили своему "фамильному" звучанию. Этому способствовала и инновационная система Aphes Aural Exciterruen, впервые применённая в студийной работе над содержанием будущей пластинки для модальной корректировки тональности звука посредством эксайтеров. Это и подключение к записи отдельных композиций духовой секции The David Katz Horns ("Let Me Fly", "Like A Good Girl") и бэк-вокалистов, что несомненно добавило красок в привычно-аскетичное звучание группы. Это и ощутимое смягчение саунда, где уверенно и обильно зазвучали клавишные, как ведущие инструменты наравне с гитарами, и где в свою очередь практически отсутствуют хард-роковые гитарные темы. Если всё это обобщить - программа обрела тональность "groovy boogie spirit" (весёлый дух буги). Так и есть, boogie style превалирует в этом альбоме, но это не буги в классическом его понимании из 60-х и начала 70-х годов. Это модифицированная музыка соответствующая этому определению, "причёсанная" и "набриолиненная" для пафосных данц-клубов, где собираются заносчивые снобы, но никак не для прокуренных пабов с опилками на заплёванном полу. Вот так образно выражусь.

Стержневые номера этой программы ("Again And Again", "Oh, What A Night", "Like A Good Girl"), пожалуй, ещё как-то выдержаны в привычно-узнаваемой манере исполнения SQ. Это умеренно-жёсткие композиции соответствующие стилю rock-boogie. С другими же всё не так просто. Вот, допустим, "Someone Show Me Home" Фрэнсиса Росси. Если вслушаться, то это медленный вальс (на пол-такта медленнее вальса классического), и это просто идеальное мелодическое пособие для желающих научиться вальсировать из числа тех, кто уже в совершенстве освоил "медляк". Достаточно редкий для SQ формат. В этом альбоме подобного рода вещей мы больше не услышим.

Треки "I'm Giving Up My Worryin'", "Accident Prone", "Stones" - интересные сами по себе композиции, но это уже музыка, близкая к поп-року, подобную SQ будут активно культивировать в 80-х и даже 90-х годах. Чуть особняком от прочих дистанцируются обе песни Алана Ланкастера ("Gonna Teach You To Love Me" и "Stones"). Они словно из прошлого группы пяти-шестилетней давности в своей простоте и, пожалуй, даже наивности. Есть ощущение, что в программу их включили лишь в знак уважения к музыканту-ветерану, являвшемуся одним из основателей группы. И не более того.

Не поймите меня неправильно. Ничего неуважительного, тем более уничижительного в отношении SQ и этого их альбома я даже в мыслях не держу. Скажу больше, в давние виниловые времена эта пластинка мне нравилась едва ли не больше прочих из LP SQ. Тот самый альбом и сейчас ещё пылится среди остатков былой моей пластиночной коллекции. Роскошное английское издание, конверт с разворотом и даже вкладка с текстами. Слушаю, правда, если такое случается, эту программу на CD, хотя приоритеты относительно работ SQ, если честно, с тех пор несколько сместились.

Наверняка не всем консервативным поклонникам этой группы пришлась по сердцу эта новаторская в каком-то роде пластинка, но, опять же, и музыкантов и их продюсера ни в чём нельзя упрекнуть. Экспериментировали тогда многие, не только эти парни, чтобы не отстать и не затеряться в разномастной толпе рок-коллективов. И выдержать нешуточную конкуренцию способны были наиболее стойкие и, что немаловажно, гибкие. SQ оказались из числа таковых. Тем более, что продолжения подобных творческих метаний у группы не последовало, так что этот альбом даже не попытка поиска какого-то нового пути развития, а скорее случайный шаг в сторону.

Летом 1978 года они перенеслись через два океана на "зелёный континент" - 21 концерт во всех значительных городах Австралии. Закончилась та часть мирового тура в сентябре, по традиции в Германии, где группу как нигде хорошо принимали. В том же 78-м SQ в качестве одних из хедлайнеров выступили на рок-фестивале в Рединге (26 августа). И вот ведь что любопытно. При столь насыщенном графике музыканты в свободное от работы время ещё и проживали вне пределов Англии. Всё дело в особенностях британской налоговой системы. Так уж вышло, что как раз-таки 1978-й являлся годом, определяющим формирование "карт" налоговых сборов для физ. лиц на ближайшие несколько лет. Налоговая инспекция королевства скрупулёзно в течении года подсчитывала все доходы своих граждан, поэтому все, кто мог и имел на то основания, а элитные музыканты с их неслабыми заработками в первую очередь, старались "не светиться" на британских островах. Вот и наши герои "прятались" где придётся, в основном, где налоги поумереннее. Фрэнсис Росси квартировал в Ирландии, Алан Ланкастер и Джон Коглен имели временную прописку в далёкой Австралии, а Рик Парфитт в Зап. Германии на родине жены, либо на прибрежном острове Джерси в проливе Ла-Манш под французским флагом.

В релиз LP "If You Can't Stand The Heat..." вышел в октябре 1978-го и ещё до завершения года переиздавался в десятках стран мира (даже в Африке, в Родезии, сейчас это государство Зимбабве), но так никогда и не издавался в США. В канун нового 1979 года SQ были приглашены на телевидение ГДР, где во Франкфурте-на-Одере состоялось их выступление. А уже в 1979 году восточно-германская фирма грамзаписи Amiga выпустила по лицензии пластинку SQ "Rockin' All Over The World", которая большим тиражом продавалась и в СССР.

И уже в середине января 79-го группа стартовала в очередном евротуре. Начали по традиции в Западной Германии, где случилось несколько неприятных эксцессов. 21 января в Вольфсбурге на выступлении в битком набитом зале Stadhalle c десятиметровой высоты упал и насмерть разбился один из местных фанатов. А 1 февраля в Зиндельфингене, что неподалёку от Штутгарта, уже с одним из музыкантов группы приключилась оказия. Прямо на сцене Ф. Росси неудачно оступился и во весь рост рухнул спиной на монитор. Остальные музыканты вчетвером доиграли номер, после чего минут 15-20 приводили в чувство Фрэнсиса. В конечном итоге группа вернулась на сцену в полном составе и доработала оставшуюся часть программы. Спустя каких-то три дня уже на концерте в Эссене с Ф. Росси вновь случилась неприятность. Партнёр по команде Р. Парфитт ненароком заехал грифом гитары по лицу Фрэнсиса, но тогда всё обошлось без остановок.

В декабре 1978 года, среди массы всякого рода событий, как бы между прочим состоялась первая студийная сессия SQ, ознаменовавшая начало работы над следующей пластинкой. Это будет сильнейший альбом группы на том этапе её истории - "Whatever You Want".

МихаилБогданов   6 авг 2019

Замена Рэя Олдера из Fates Warning на Тома Энглунда из Evergrey за микрофонной стойкой в Redemption, уверен, никем из поклонников группы не была воспринята равнодушно. И, увы, вряд ли кто-то был рад столь неожиданной и явно проигрышной рокировке… Ведь, несмотря на свою явную харизматичность, Том значительно уступает Рэю в классе, и хотя последний демонстрирует в последние годы сужение диапазона, всё равно легко узнаваемый и горячо любимый тембр его голоса стал для группы серьёзной потерей.

Мало того, Тому пришлось не только записывать вокальные партии для «Long Night’s Journey Into Day» в сжатые сроки, но и при вылете в США одновременно петь и для нового альбома Evergrey, где его вокал прозвучал на порядок эмоциональнее и ярче. Так или иначе, перепевка идей, «заточенных» под другой тембр – это затея весьма неблагодарная, и практически обречённая на провал. Хотя, стоит признать, Энглуд альбом всё же не испортил, а в паре мест даже блеснул ничуть не хуже Рэя.

Да и в целом релиз получился одним из самых сильных и однозначно лучшим в плане продакшна, ведь в этот раз к микшированию и мастерингу приложил руку уже почти легендарный Jacob Hansen. Прекрасно прочувствовав музыку Redemption, он подчеркнул её сильную сторону, а именно барабанные партии, и свёл к минимуму песок в гитарах, спрятав все шероховатости в хорошем миксе. В результате великолепная игра драммера Chris Quirarte специально выдвинута на первый план и хорошо подчёркивает и без того выросшую техничность музыкантов, которая в этот раз вышла на новый уровень.

Ведь по инструментальной части, по сути, никаких претензий нет – материал очень динамичен, полон интересных идей и прогрессивных наворотов, не только барабанных, но и гитарных. Композитор группы Nick Van Dyk уже научился строить сложные, но нескучные композиции, где практически все инструментальные фрагменты заполняются многочисленными и порой весьма продолжительными гитарными соло, в том числе в исполнении приглашённых гостей, среди которых в этот раз отметились: экс-Megadeth’овец Chris Poland и гитарист DGM и известный продюсер Simone Mularoni. К солированию в этот раз также был допущен новый клавишник Vikram Shankar. Правда, гитарная ориентированность материала всё же не позволила ему раскрыться до конца. Всё же более частое использование клавиш в аранжировках не помешало бы – по примеру тех же Evergrey или, допустим, Threshold.

Тем не менее, первые четыре композиции альбома сразу демонстрируют весь технический арсенал Redemption, а открывающая композиция «Eyes You Dare Not Meet In Dreams» даже слегка отдаёт technical thrash metal, напоминая Mekong Delta. Увы, мелодичных, запоминающихся вокальных партий не наблюдается вплоть до пятого трэка, абсолютной жемчужины альбома – блестящей «Indulge In Color», в музыкальным и лирическом плане ставшей продолжением одного из моих главных фаворитов во всей дискографии группы – «Black And White World»! Ну, и главный хит релиза – энергичная «The Last Of Me» и прогрессивная полубаллада «And Yet» - ещё два трэка, в которых вокал Тома я осмелюсь назвать не просто уместным, но даже предпочтительным!

Также порадовали неплохой, естественно утяжелённый кавер на U2 «New Year’s Day», разбавивший скрежет металлических гитар (скорее более) роковым драйвом, и достаточно неплохой заглавный эпик с интересными ритмическими переходами и наслоениями вокальных партий в концовке. И хотя с до боли привычным голосом Рэя альбом звучал бы значительно лучше, а мелодий в первых песнях могло быть побольше, в целом получился классный альбом, который хочется переслушивать и вникать в детали, которых по-прогрессивному много. Ну, и дальнейшие перспективы группы я бы оценил весьма оптимистично, ведь с одной стороны, идей у Ника Ван Дайка пока хватает, но при этом ещё есть куда расти и развиваться.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

К третьему релизу шведы Maninal наконец-то смогли вывести все свои композиторские и звукорежиссёрские навыки на весьма достойный уровень и выдать альбом, на голову превосходящий предыдущие. Главные козыри группы всё те же – это вполне неплохая гитарная работа (достаточно мощные риффы и вменяемые соло) и, конечно же, широкий диапазон голоса фронтмена Samuel «Sam» Nyman, легко справляющегося с высокими нотами и в эти моменты весьма напоминающего аж самого Rob Halford. Конечно же, в молодости.

На «Purgatorio» качество записи вышло на вполне удобоваримый уровень, композиции стали более компактными и динамичными, а утяжелённые риффы, фрагментарно уводящие группу с традиционных heavy/power-рельсов на территорию thrash и groove metal, лишь придают звучанию солидности. Нетривиальный, современный хэви с хорошим вокалом – чем не радость для любителей олдскульного металла?

По сути, если Primal Fear многие считают клоном Judas Priest, то Manimal с некоторой натяжкой можно назвать клоном Primal Fear. Но плохо ли это? По-моему нет, потому что в этот раз шведы зазвучали намного более уверенно, а композиции «Manimalized» и заглавную «Purgatorio» можно смело назвать очень сильными боевиками. И вообще, первая половина альбома не вызывает никаких нареканий, и если бы весь релиз был бы выдержан в таком ключе, то и оценка ему была бы выше на балл, но, увы, дальше всё не так радостно…

Во второй половине альбома группа всё чаще скатывается в плагиат и банальность (чем, кстати, страдают и тексты Manimal, в которых попадаются даже такие «перлы», как «nocturnal creatures of the night»). Вроде бы, 42-минутный релиз неплохо слушается целиком, но слабые и не совсем оригинальные темы под конец начинают слегка утомлять и впечатление от релиза в целом портится… Тем не менее, прогресс по сравнению с предыдущими двумя альбомами весьма очевиден и через пару-тройку лет можно смело ждать новый релиз вполне серьёзного уровня.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

Заявление музыкантов о том, что «The Verdict» станет более прогрессивным альбомом в духе весьма порадовавшей меня композиции «Condition Human» с предыдущего релиза, были весьма обнадёживающими. И, конечно, первые два сингла – бойкий хэви-хит «Man The Machine» и весьма проникновенная полу-баллада «Dark Reverie» (авторства второго гитариста Паркера Лундгрена), доступные до выхода альбома, также весьма впечатлили, вызвав ожидание чего-то реально грандиозного. Ведь альбом готовился аж 4 года, а это (при лучшем сценарии, конечно) зачастую признак хорошей проработки материала.

Но, увы, вот уже третий альбом без вокалиста Джеффа Тэйта так и не стал серьёзной вехой в дискографии Queensryche… Да, после скандального расставания с фронтменом, конечно, группа взяла правильный музыкальный курс и стала звучать значительно более олдскульно и креативно, а вокал Тодда Ля Торре стал чуть ли не самой успешной заменой в истории металла, но ожидания на какой-то супер-прорыв, как и в данный момент заявления о прогрессивном ориентире на «The Verdict», так и не оправдались…

К сожалению, первые два сингла так и остались двумя единственными классными песнями на альбоме. Да, нельзя сказать, что релиз провальный или группа не развивается, но былых высот Queensryche, видимо, не достичь уже никогда. Ведь, не стоит забывать, что основной автор «нетленки» гитарист Крис ДеГармо давно покинул группу, да и уволенный Джефф Тэйт тоже был не просто вокалистом, а композитором, который, может, и тянул группу в свою сторону, но всё же имел чёткое представление о построении вокальных партий, что Тодду удаётся далеко не всегда.

Всё же альбом в целом весьма неплох – качество записи на достойном уровне, в технике музыкантов также нет сомнений (и даже барабанные партии, исполненные Тоддом из-за временной недоступности основного драммера Скотта Рокенфилда, вполне вменяемы), ухо радуют приятные сдвоенные «мэйденовские» гитары, неплохие соло, а вокалист отлично владеет своим широким диапазоном, хотя, надо признать, что «низы» у Джеффа получаются более уверенно, да и некой пластичности Тодду порой тоже не хватает.

Главная беда в том, что запоминающиеся мелодии – в явном дефиците, в результате чего две трети альбома просто не цепляют. Да, яркие моменты есть и помимо вышеумопянутых «Man The Machine» и «Dark Reverie» – открывашка «Blood Of The Levant» радует своим «пристовским» напором, а «Light Years» - сочетанием тревожных куплетов и красивых припевов, а последние два трэка – интересным настроением, громогласно анонсированными проговыми фрагментами и красивыми аранжировками, в основном, клавишами. Но, конечно, от такой группы, как Queensryche, хотелось бы гораздо большего. Таков мой вердикт.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 авг 2019

Неоднозначное мнение, правда.
Насколько я поняла, эта группа является сайд-проектом явно заслуживающей внимания формации Eidyllion. Тут ребята пытаюстся играть что-то, похожее на блэк, но в своем ключе, так сказать.
С одной стороны, у Benatnash узнаваемое звучание (по крайней мере, на этом альбоме, т.к. следующий уже более мейнстримовый). С другой - после прослушивания 2-3 песен звук начинает казаться удушливым, и рука сама тянется к переключателю.
Вокалистка использует и чистый вокал, и гроул. Однако, то ли ей техники не хватает, то ли еще чего, но звучит она слабовато. В принципе, для тех, кто знает Eidyllion, это новостью не будет. Тем не менее, в Eidyllion этот недостаток искупается интересными подходами в композициях. А тут музыка, как ни крути, более прямолинейна, но еще и вокал выведен на первый план, поэтому прощать уже не очень хочется.
Музыка просто перегружена синтезатором и драм-машиной. Конечно, и это тоже не новость для тех, кто знает Eidyllion, но там электронного звука было меньше, да и звучало все это более-менее уместно (кстати, как и на следующем альбоме Benatnash). В данном случае же, синтезированная составляющая уж слишком кричащая. До той степени, что редкие моменты с акустической гитарой становятся просто глотком чистого воздуха в удушливой синтетической топи. Очень хочется сравнить творчество Benatnash с интерлюдиями и интро Evol. Прямо такая же голая синтетика.
Скорее всего, если бы ребята потрудились найти нормального ударника и сменить всю эту искусственную кашу на 3-4 живых классических инструмента, картина была бы совершенно иной, потому что мелодии сами по себе неплохие.
При всех этих недостатках в ребятах ощущался добрый потенциал. На альбоме все-таки есть и интересные ходы, и индивидуальность, и своя изюминка.
Не исключено, что в какой-то момент реализация более масштабных замыслов уперлась у них в глухую стену финансового вопроса, и им пришлось выбирать между качеством и голодной смертью. :)
Поставлю 5 за идею.

Virgo_ad_noctum   1 авг 2019

Мелькающая последние пару лет в новостях связка слов «Death Angel – новый альбом» вызывала исключительно наиприятнейшие ассоциации. Вышедший в 2016 году «The Evil Divide» был свеж, быстр и безапелляционно прошёл проверку временем, а единственная претензия могла заключаться лишь в неудачном выборе даты релиза – где-то посередине между новыми, на тот момент, альбомами Megadeth и Metallica, что предвещало почти 100% информационное прозябание в тени более крупных «особей» жанра – как ни крути, а одна обложка «Hardwired…» вызвала куда больший интерес, нежели целый альбом Смертельного Ангела... Впрочем, оставим нытьё – несмотря ни на что, свои заслуженные дивиденды эта работа всё-таки получила.

Здесь же, до поводов для этих самых дивидендов приходится добираться медленно и осмотрительно, перешагивая через созданные (надеюсь, неосознанно) самими музыкантами несостыковки. Первая из них отмечена солидной «трещиной» на хронометраже после первых трёх песен, чьё присутствие на альбоме остаётся для меня вопросом открытым. Самое близкое к верному предположение их предназначения – неуклюжая попытка вернуться к кондициям «The Dream Calls for Blood», который, несмотря на всю свою угрюмость и насыщенность, всё же не родился дуболомным и кастрированным на мелодии, в отличие от своих самоназванных «родственников» в виде «Humanicide» или «Agressor». А уж отчаянный бластбит в «Divine Defector», с её уходом в экстремальные для Death Angel территории, выглядит не более, чем тяжесть ради тяжести.

Однако, выход из анабиоза предполагается настолько же уверенный, насколько и ввод в него – размашистая «I Came for Blood», словно не догнавшая вагон предыдущего альбома, бойко заняла место в нынешнем, открывая самую интересную часть альбома – не покидают мысли, что будь она целиком выполнена именно в таком ключе - непритязательного трэша с выпирающей панковой составляющей, то, глядишь, и все предшествующие грехи сдуло бы со скоростью ритм-секции, но… Death Angel пошли по пути более сложному, представив несколько разнородных, но интересных идей, из которых далеко не все реинкарнировались в хорошие песни, в результате чего, основную тяжесть вытаскивания альбома на приличный уровень взяли на себя стандартные «боевички» в виде «Alive and Screaming», «The Pack», «Of Rats and Men» или та же «I Came for Blood». Имеющийся контраст между «законченным» и «перспективным» поначалу может вызвать даже интерес и некое подобие удовлетворения, но для «Humanicide», как полновесной музыкальной единицы, подобные урывки чести не делают. Впрочем, при всей сомнительности сегодняшнего результата, оптимизм в отношении будущего Death Angel превалирует несмотря ни на что…

…И да, всё же я сердечно надеюсь, что эта импровизированная художественная эпопея с волками закончилась в формате трилогии.

Tomahawk  29 июл 2019

ПРЕРВАННАЯ ЛИНИЯ. Часть III.

Они вернулись. 14 февраля 1984 года (в истории Aerosmith - эта одна из примечательных дат) Джо Перри с Брэдом Уитфордом как-то на досуге завернули в бостонский театр Orpheum, где в тот вечер давала представление их бывшая группа с гитаристами Дж. Креспо и Р. Дюфеем. Да, не лучшие для Aerosmith тогда были времена, некогда команда-фаворит была вынуждена перебиваться выступлениями в клубах и небольших залах на несколько сотен присутствующих. После финальных аккордов Перри и Уитфорд проникли за театральную сцену и встретились со Стивеном Тайлером. Где-то там в недрах закулисья и состоялся тот самый исторический разговор, следствием которого произошла реинтеграция обоих ветеранов в состав группы.
"Ты должен был прочувствовать невероятный кайф, когда мы впятером собрались в одном месте. Это было весело, будто и не было этих пяти лет. Мы знали тогда, что сделали верный шаг", - Стивен Тайлер.
Итак, они вернулись. Возмужавшие и помудревшие за эти годы вневременья. В том же 1984-м Aerosmith ожидаемо отправились в "The Back In The Saddle Tour", чтобы наладить утраченные связи и напомнить заждавшейся публике о себе настоящих. Название тура символично - "Back In The Saddle" ("Снова в седле"), так называлась одна из песен группы из альбома 1976 года "Rocks". По итогам тура в 1987 году будет выпущен концертный LP "Classics Live! II" из старого в основном, проверенного временем репертуара Aerosmith. Концерты тура сопровождались хорошей посещаемостью, однако вновь проявились былые проблемы с наркотиками, правда, не столь пагубные, не как годами ранее, когда С. Тайлер без чувств будто подраненный падал со сцены в зрительный зал.
Настало время задуматься и над новым альбомом, однако компания Columbia Rec., с удовольствием продолжавшая как правообладатель всего творческого наследия Aerosmith штамповать и запускать в продажу многочисленные компиляции и концертные альбомы группы, в частности те же "Classics Live!", части I и II, не спешила продлять свои деловые отношения с этой группой.
Не сразу решился вопрос и с новым продюсером. В конце концов с этим определились. Тед Темплман (Ted Templeman) - это был настоящий гуру продюсерского цеха, в его активе имелся опыт работы с такими знаменитостями, как The Doobie Brothers, Captain Beefheart, Van Morrison, Montrose, Little Feat, Van Halen, Sammy Hagar и ещё с добрый десяток рок и даже совсем не рок-исполнителей. Тогда был оформлен и контракт с Geffen Rec. В начале 1985 года группа приступила к работе над новой пластинкой.
Однако уже первые шаги на этом пути вызвали у музыкантов недоумение. Решением Темплмана студийная работа была перенесена на западное побережье континента, в Беркли (Калифорния). Его выбор был обоснован: чтобы уберечь своих подопечных от соблазнов, способных помешать полноценной работе, как это с высокой степенью вероятности произошло бы, останься они на домашнем восточном берегу. Дальше - больше. Продюсер принудил Стивена Тайлера и компанию делать музыку не совсем им свойственную, ту самую, которую Т. Темплман планомерно продвигал и называл "the red light blues", ту, что он культивировал ещё в Van Halen, с которыми работал особенно много. В то время как строптивый квинтет замысливал возврат к своим корням, к своему привычно-традиционному формату образца середины 70-х годов с "грязными" гитарами и по возможности осмысленными текстами. Налицо был конфликт интересов.
Что же получилось в итоге? Темплман переломил-таки ситуацию в свою пользу, хотя его требования и жёсткие условия были восприняты парнями крайне неодобрительно. А между тем цель, которую преследовал опытный продюсер, была проста и очевидна - первым делом требовалось понравиться молодому поколению, подросшему за годы пребывания группы в полуразобранном состоянии. И это должны были быть не мудрёные темы из категории rough-blues-rock со сложным навороченным инструменталом, а простые прозрачные мелодии, под которые можно бы было и на танцполе потрястись.
Темплман "вычистил" практически все блюзовые мотивы (с большой натяжкой блюзовой можно считать мелодию, что легла в основу их песни "She's On Fire"), до минимума сократил сольные гитарные партии Джо Перри, а где-то совсем их убрал, обрезал концовки в некоторых треках и вообще до недопустимого предела ограничил звучание едва ли не всех композиций, отчего программа оригинального альбома получилась до неприличия короткой, всего-то 32 минуты на 8 номеров. В последующих переизданиях был добавлен девятый трек "Darkness", эта песня Стивена Тайлера выходила отдельным синглом. Впоследствии музыканты нередко выражали свои негативные чувства и даже откровенную неприязнь к этой работе. "Это альбом, который мы так никогда и не закончили", - Джой Крамер.
Начинается же программа привлекательным заряжающим рок-н-роллом "Let The Music Do The Talking". Это был существенно изменённый номер из репертуара The Joe Perry Project, где поправки были внесены и в мелодию, и в текст. Немного о сути названия альбома. В нём заложен непростой двойной смысл как в отношении иллюзий, которые "делаются с зеркалами" (в нашем случае это указание на реверсную обложку LP - приложи обложку "лицом" к зеркалу и читай), так и намёк об отказе музыкантов от дальнейшего употребления наркоты, в частности кокаина, который, как правило, применяют с поверхности зеркала или стекла. То же касается и текстов песен, их в большинстве своём в этой программе следует таким же манером "проецировать на зеркало", чтобы разобраться о чём они. Впрочем, тексты - это отдельная тема. Какие-то из них, что называется "на грани фола", С. Тайлер (а именно он традиционно их в основном и генерировал) в отдельных случаях прошёлся по самой границы допустимого, как по лезвию ножа.
Должно быть нам нынешним, людям далёким и во времени и географически от морально-нравственных условий и условностей, свойственных той самой Америке из середины 80-х годов, представлялось и представляется до сей поры, что в том свободном расслабленном мире не могло быть, а значит и не было в этом плане каких-либо барьеров, что никакие темы для музыкантов (и не только) не были затабуированы, что жаргонизм, допускаемый суровыми рокерами и всякими там панками, был свободен от всяких ограничений. Как бы не так! Свой негласный морально-этический кодекс у наших заокеанских кумиров с поправками на ментальность существовал и тогда, существует и сейчас. Только он постоянно трансформируется, как, собственно, и у нас свой, каким бы он ни был.
В альбоме два огненных боевика ("My Fist Your Face" и "The Hop") как раз-таки с подобного рода текстами. И как я не бился с их расшифровкой, так и не ухватил ни смысла, ни сути. И даже зеркала, что были в доме, не помогли. Впрочем, если не брать их (тексты) в расчёт, то в остальном эти номера просто безупречны, вот это и есть истинный гитарный хард-рок. Чего не могу с той же убеждённостью сказать об остальном материале этого LP, хотя и конкретных претензий к какой-либо из песен не предъявляю. Всё на должном уровне, но без блеска, как я это представляю.
Несмотря на полярные отзывы широкого музыкального сообщества и достаточно прохладное к нему отношение самих музыкантов (кроме продюсера Т. Темплмана), альбом очень хорошо был принят поклонниками Aerosmith. Джо Перри так однажды высказался по этому поводу: "Насколько я понимаю, это наименее вдохновенная наша запись. Но я слышал, что фанатам это нравится, так что я не собираюсь говорить, что это "отстой". Мы просто должны были сделать это, чтобы перейти к следующей работе, так как именно она являлась нашей целью. А что касается этого альбома, то я не думаю, что он соответствует нашим стандартам".

Сертификат "золотого" "Done With Mirrors" от агентства RIAA-USA получит в июле 1993 года. Однако уже в год своего выхода этот альбом Aerosmith будет считаться лучшим со времён "Rocks", вышедшего ещё в 1976-м.

МихаилБогданов  29 июл 2019

Нечасто в последнее время всплывали новости по поводу нового альбома группы "Корн". Иногда участники подогревали интерес тем, что "собираются снова поэкспериментировать, смешать фанк с грувом", но на этом всё и заканчивалось.

И вот, в конце июня грянула новость, что коллектив собирается выпустить новый сингл. С нетерпением ожидал его, однако на выходе оказалось... самое настоящее разочарование. Снова самокопирование, и причем абсолютно посредственное; ужасные, неинтересные риффы; предсказуемая структура (ну это ладно, всё-таки сингл для радио, но всё же), невнятный припев... Абсолютно не было желания переслушивать данный "шедевр", пришлось насильно себя заставить послушать хотя бы раза три, думая может всё-таки можно выделить хоть какие-то положительные моменты из трека.
Выделю два момента - акустическая вставка перед припевом, и сама концовка, когда под утихающий гул гитар на заднем фоне начинает играть ударник Рэй, а Дэвис в этот момент изображает "приступ вымученной ярости" (возможно звучит грубо, не серчайте).
А так, остается надеяться, что новый альбом"The Nothing" не будет таким же бледным, как и лид-сингл.
3 балла - посредственно, блекло, скучно.

DJ Galin  28 июл 2019

Deftones, можно так сказать, улетели в "стратосферу", выпустив второй полноформатный альбом под названием "Around The Fur", добившись огромного успеха от продаж и попав в мейнстрим, в том числе оказавшись в постоянной ротации на канале MTV (так как в то время было привилегией попасть в эфир топового канала о музыкальной индустрии).

И да, это отличный, атмосферный, в меру депрессивный и в то же время агрессивный опус, напичканный хитами, въедающимися риффами и прекрасным вокалом Чино Морено, который хоть по собственным заявлением никогда профессионально не занимался вокалом, выдает по-настоящему запоминающиеся партии, чего стоят только припевы "My Own Summer", либо же "Dai The Flu"!

На самом деле стоит сказать, что коллектив своим трудом, через тернии бесконечного числа концертов, создавали себя имя, катаясь в поддержку дебютника "Адреналин". Давая интервью независимым журналистам, ребята рассказывали что не особо-то котируют металл, ни на кого не равняются и идут своим путем. Басист Чи Ченг не верил в перспективность проекта и хотел уйти в преподавательскую деятельность, и с огромным трудом Чино и компания уговорили его остаться, что оказалось безоговорочно правильным решением.

Ребята пришли на студию всего лишь с 7 треками и продюсер Терри Дэйт сказал, что нужно напрячься и что-то срочно написать. В этот момент в голове гитариста Стивена возник рифф заглавного трека "Мое собственное лето", который подхватила группа, а в лирике Чино описал "свое негативное отношение к бесконечно палящему жаркому дневному солнцу, мешающему спать после долгих ночных сессий". Именно так родился в последствии один из самых известных и лучших треков в дискографии коллектива из Сакраменто.

В общем, это сплошной хит-альбом, не могу выделить слабых треков, они все по своему прекрасны, при прослушивании не проседаешь, не устаешь, не хочешь взять и переключить треки, всё идет на одном дыхании.
Выделю свои фавориты: заглавный трек, "Around The Fur", бросающийся из крайности в крайность, особенно классной получилась концовка; "Be Quiet and Drive" (акустическая версия, вышедшая в 2005 году, также прекрасна); "Lotion", где перед нами во всей красе типичный Карпентер - простой рифф, который выворачивает наизнанку все внутренности, и свирепый Морено; "Dai the Flu" с потрясающим по красоте припевом, филигранная работа Чино; и завершающий трек "Head Up" с Максом Кавалерой, посвященная погибшему пасынку Макса (в этом треке Чино разбил себе об лицо фотографию пасынка в рамке, в порыве эмоций);
также трек "Mascara" отдает веяниями, которые в скором времени будут доминирующими в творчестве Дэфов (в некоторых источниках говорится, что песня вдохновлена творчеством The Cure, и что на некоторых фестах парни хотели исполнить совместно этот трек с Робертом Смитом, но безуспешно).

Говоря о технической стороне, тоже не к чему придраться, звук плотный, никакой сырости, как было в дебютном альбоме, тут не найти.
Работу музыкантов тоже оцениваю очень высоко.
В общем, 9 из 10, замечательный лонгплей, закрепивший Deftones в топе альтернативной метал-музыки.

DJ Galin  25 июл 2019

Slipknot выпускают альбомы довольно-таки редко – судя по всему, именно большие промежутки между релизами пластинок объясняют ситуацию, в которой новый материал группы всегда воспринимается слушателями на «ура». Впрочем, ранее с восторгами фанатов сложно было не согласиться. Довольно легко проследить хронологию выпуска синглов к альбомам группы – если в случае дебюта это были «Wait and Bleed» и «Spit it Out», в случае «Iowa» композиции «Left Behind» и «My Plague», то дальше слушателей ждали не менее мощные «Before I Forget» и «Duality», да и в случае четвертой полноформатной пластинки, как можно догадаться, промо было ничуть не хуже. Однако, абсолютно середнячковый «.5: The Gray Chapter» уже не мог похвастаться наличием хитов того же уровня, представив, в большинстве своем, просто проходной материал. «The Gray Chapter» был полон так называемых филлеров, позволяющих дотянуть хронометраж альбома до требуемой отметки. Тем не менее, на альбоме были хотя бы те же «The Negative One» и «Custer», что позволяли говорить, что у Slipknot все еще есть какая-то творческая жилка, что у Slipknot еще не все потеряно.

С «We Are Not Your Kind» ситуация видится уже куда более тоскливой. «All Out Life» (который, все же, войдет в делюксовую версию пластинки) вряд ли может запомниться чем-то, кроме почти блэкового запила во второй половине трека. «Unsainted» отметился почти вызывающими зевоту куплетами и более-менее цельным припевом (что, впрочем, крайне мало для толкового сингла). Стоит ли говорить о том, что сингл – это почти всегда лучший, по мнению лейбла или самих музыкантов, материал? Свежий «Solway Firth» мало чем отличается по настроению и подаче от ранее опубликованных композиций - не имеет ни яркого инструментального наполнения, ни интересных вокальных рисунков. Перкуссионисты и барабанщик отчаянно долбят по своим инструментам, гитаристы лихо наяривают партии, фоном что-то жужжит, свистит и щелкает – но всё это многоголосие видится лишь фоном, серым в отсутствии хоть каких-то красок. Slipknot славились умением выдавать материал, узнаваемый с первых секунд и держащий в тонусе до самого конца – тут же этого, отнюдь, не происходит. И это заунывное (на целую минуту) ambient-вступление, и эти однообразные наминания одного и того же гитарного риффа... Будь он хорош, его бы вывели на главный план в миксе – но гитары тут, ровно как и почти всегда на предыдущем альбоме, задвинуты куда-то в глубину полотна, чтобы почти не выделялись на общем фоне. Да и что там выделять? «Solway Firth» - это не новый хит уровня «Psychosocial» или «Pulse Of The Maggots». Это все тот же филлер, из которых, судя по всему, только и будет состоять новый альбом Slipknot. Группа в очередной раз поедет в мировой тур, в очередной раз будет долбить проверенные годами песни – а «We Are Not Your Kind» послужит лишь поводом для все новых и новых концертов. А ведь кто-то поступает более искренне – за примером System of a Down, расписавшихся в собственном бессилии записать новый толковый альбом, далеко ходить не надо.

crabvpi13  24 июл 2019

Десять лет ожиданий, и вот перед нами наконец новый альбом группы Rammstein! Честно говоря, я уже особо и не надеялся и даже потерял их из виду, как новость об новом альбоме группы и грядущих концертах заставила вспомнить об них. Безусловно, не мог я обойти мимо альбом группы, которая когда-то открыла мне дорогу в мир тяжелой музыки! Конечно, я уже успел прочитать и увидеть несколько не самых приятных отзывов об альбоме, но я привык оценивать и делать выводы сам, поэтому не стал откладывать в долгий ящик и прослушал альбом несколько раз…
Ну что сказать..? Безусловно, группа сохранила свой фирменный звук, особый почерк, который узнается из сотен, вот только тяжести и монументальности новому альбому определенно недостает… «Deutschland» неплохо открывает альбом, но это «Du Hast, Du Hast…» в начале выглядит издевательством над старыми фанами группы! Песня мощная, но разве ее можно поставить рядом например с «Amerika» или той же «Du Hast»? В песне «Radio» неплохой припев, но абсолютно не запоминается, хотя уже что-то… Вот чего я точно не ждал от Раммов, так это хора в стиле Therion или Epica, но именно так открывается «Zeig Dich»! Вообще сама песня очень даже неплохая, но опять-таки есть ассоциации с «Zerstoeren», и явно в этом сравнении новая песня проигрывает… «Auslander» - безусловный хит, который запоминается и надолго западает в душу, но опять-таки слишком легкое звучание, даже местами похоже на клубное…
Тем не менее, первые 4 трека определенно удались группе и задают тон альбому, хочется услышать что же будет дальше, а вот дальше, увы, ничего… Мы слышим несколько проходных песен, абсолютно ничем не запоминающихся… Раз 10 наверное прослушал, но лишь медлячок «Diamant» привлекает интерес, но слишком он как-то быстро и внезапно заканчивается… В концовке альбома «Tatoo» и «Halloman» немного спасают общую картину, но даже это определенно не то, что стоило ожидать от альбома. После стольких лет молчания поклонники группы были вправе рассчитывать на большее, чем один хит и еще три достойных песни! Конечно, если бы это был дебютный альбом новой группы, то я без сомнения поставил бы альбому десятку, потому что есть интересные вещи, всё отлично записано и нет никаких претензий к музыкантам с технической точки зрения, но это Rammstein, друзья! От них мы всегда будем ждать большего, потому что когда-то я услышал альбом «Mutter», который до сих пор в сердце! И если вспомнить о Монументальности, то вот таких вещей, как «Sonne» или «Ich Will» на новом альбоме нет…
В завершение, я хотел бы рассказать об обложке, которая явно не удалась… Спичка? К чему бы это? Не смогли найти подходящую картинку? Несолидно, товарищи! А может быть именно в обложке кроется разгадка не самого выдающегося материала на альбоме? Ведь этот альбом, скорее всего, станет последним в творчестве группы… Долго я думал, пока не включил свой любимый «Mutter» и как только дослушал до «Feuer Frei», мне всё стало ясно! Тот огонь, который группа дарила нам, увы, погас… Спичка-то не горит!

Rabsy88  24 июл 2019

Последний, на сегодняшний момент, полноформатник легенд германского хеви Accept под названием “The Rise Of Chaos” в музыкальном эволюционировании не имеет в себе отличительного восприятия от предыдущего лонгплэя. Но кто же сказал, что легендам свойственно какое-либо новое веяние? Тут всё весьма ожидаемо, в этом и кроется самое приятное. Ведь классика - на то она и существует, чтобы быть знакомой и возрождать прекрасное воспоминание о том, что было и что есть.

С музыкальной стороны “The Rise Of Chaos” безупречен. Вольф Хоффманн - настоящий кудесник, который настолько гладко куёт крепкую сталь, ну а в обрамлении изумительного вокала Марка Торнильо это обретает блестящую огранку. И несмотря на довольно прохладное отношение мифичного олдскул-сообщества в отношении того, что германцы без Удо уже не способны выдавать стоящий материал, Акцепт уже четвёртый альбом подряд, начиная с “Blood Of The Nations”, доказывают обратное.

Музыка титанов стала в большей степени пульсирующей, чего когда-то не хватало альбомам конца 90-х. В мелодической составляющей весомая доля классических метал-ходов преобладает, но при этом всё это органично вписывается в современный мастеринг. На выходе мы получаем, пожалуй, один из самых качественных метал-продуктов последнего времени, и ведь это в действительности так, не всем гигантам даже в современной вседозволенности и открытии границ удаётся записать настолько качественные работы.

Отмечу также, что я никогда не являлся большим поклонником использования бэков на фоне лидирующего вокала, так что подпевки, которыми довольно часто заигрываются некоторые метал легенды, не находили в моём сердце какого-либо проявления. Что нельзя сказать об Accept, в данном случае второстепенное использование бэк-вокала лишь дополняет масштабность звучания. Ну а сквозь него прорывается сокрушительный молот Марка Торнильо, по моему скромному мнению являющегося одним из самых выдающихся вокалистов последних лет. Не сказать, что диапазон зашкаливает, но жизненная его составляющая настолько энергетически переполнена и вписывает его в структуру группы - германцы действительно обрели свою вторую жизнь, совершенно иную, идущую в параллельности прошлому.

Альбом “The Rise Of Chaos” в который раз доказывает, что истинный метал старой школы способен жить в нынешнем времени, тем самым продолжая идти путём вечности, частью которой он стал когда-то, когда никто и не подозревал, что это станет одним из прекрасных явлений для мира, появившись в нём…

Антон Пеганов  22 июл 2019

ПРЕРВАННАЯ ЛИНИЯ. Часть II.
Воцарившееся в стане Aerosmith относительное затишье после бурных событий, относящихся к альбому "Night In The Ruts", могло ввести в заблуждение многих, но только не людей к этой группе причастных. Однако, минул год, время шло своим чередом, но ничего не происходило. Чтобы не подумали, что известный коллектив незаметно сгинул, менеджмент организовал выпуск сборника Aerosmith с типовым для виниловых времён названием "Greatest Hits" (1980 г.). И лишь в начале 1981 года на Columbia Rec. очнулись и вспомнили, что у них с этой группой всё ещё действующий контракт. Новый-старый продюсер Джек Дуглас собрал засидевшихся музыкантов в одной из нью-йоркских студий и ознакомил с поставленной заказчиком задачей - сдать к исходу лета готовый альбом. Однако, при том, что в активе было полное отсутствие каких-либо наработок и идей, так ещё и лидер группы Стивен Тайлер пребывал не в лучшей форме, невооружённым взором было видно, что наркозависимость его не отпустила, его пустой взгляд свидетельствовал об этом. И когда в студии объявился давний друг группы Ричи Супа с набросками какой-то песни, все облегчённо вздохнули. "Lightning Strikes" на тот момент действительно оказалась глотком свежего воздуха, музыканты приободрились, лихо отыграли своё гитаристы, казалось что дальше всё пойдёт-покатит. Увы.
История, что случилась потом, стала, предполагаю, хорошим уроком менеджменту группы на будущее. А может и не стала, кто знает. А тогда - не доглядели, не уберегли. Как-то на досуге, употребив что-то бодрящее, Стивен Тайлер оседлал своего двухколёсного мустанга и отправился куда глаза глядят. Затем произошло всем известное столкновение с фонарным столбом - кто-то кому-то не уступил дорогу. Итоги того столкновения прискорбны - мустангу полный кабздец, незадачливый байкер на целый год угодил на больничную койку, а оставшиеся "аэросмитовцы" весь этот срок оказались в вынужденном простое. Прошу понять этот мой сарказм, но иначе как безалаберным ребячеством всё это не назовёшь. Жаль, что вовремя отшлёпать утлую задницу и надрать уши заигравшейся рок-звезде не нашлось смельчаков.
"Lightning Strikes" была доведена до ума и выпущена отдельным синглом. А Брэд Уитфорд, махнув на всё рукой, отправился своей дорогой и уже вскоре организовал совместный с вокалистом Дереком Сент-Холмсом проект под лаконичным названием Whitford / St. Holmes. Больших успехов эти парни ожидаемо не достигли - единственный одноимённый LP (август 1981 г.), непродолжительный тур и расторжение договорных обязательств ещё до окончания года, ввиду бесперспективности дальнейшего сотрудничества.
И только весной 1982 года Aerosmith оставшимся квартетом возобновили работу над новой пластинкой. Просветлел взгляд у С. Тайлера, а к Джимми Креспо пришло осознание того, что он теперь единственный в составе гитарист и рядом нет спасителя в лице Ричи Супы. И всё же решено было сохранить привычное звучание Aerosmith, что очень походило на авантюру. Вероятно Джек Дуглас это понимал, однако перед ним стояла непростая задача "освоить" субсидированные деньги от Columbia Rec. на определённых заказчиком условиях. Вскоре стало очевидным, что несмотря на все старания Джимми Креспо явно "не вытягивал". Чтобы как-то разнообразить его по большей части бледные, порой прямолинейные гитарные темы, Д. Дуглас добавлял в рабочие записи кое-какие "приправы". Струнные инструменты и ещё одну гитарную партию в замысловатую психоделически-блюзовую "Joanie's Butterfly". Саксофон неплохо вписался в яростную титульную "Rock In A Hard Place (Сheshire Cat)" со странного содержания текстом, а клавишник Пол Харрис несомненно добавил сумбура в и без того самый неоднозначный номер всей программы "Push Comes To Shove".
Начало, впрочем, у альбома более, чем резвое и многообещающее - сразу два отменных боевых трека вселяли здоровый оптимизм. И пусть в "Jailbait" нет броских гитарных партий (от Дж. Креспо их в принципе ожидать не приходилось), этот недочёт компенсируется напором и драйвом. Ну а "Lightning Strikes" - это просто лучший номер с хорошей гитарной музыкой, во многом благодаря Брэду Уитфорду.
Кстати, уже по ходу работы над этим LP в Aerosmith на вакансию второго гитариста подтянулся малоизвестный Рик Дюфей (Rick Dufаy), успевший, впрочем, ещё до прихода в группу записать сольник "Tenderloving Abuce" с продюсером (внимание!) Джеком Дугласом. Новичок являлся креатурой действующего продюсера Aerosmith и такие фокусы как правило не приветствовались старожилами рок-коллективов, которые привыкли сами проводить кастинги. Но пока новый гитарист осваивался в новой для себя обстановке, работа над инструментальной частью программы альбома была завершена. Так что Р. Дюфей, номинально занесённый в почётный перечень персоналий, задействованных в создании пластинки, так и не сыграл для её программы ни одной ноты.
Злые языки поговаривали, что Рика Дюфея привлекли в Aerosmith вовсе не за его профессиональные достоинства. Теперь два новых гитариста с модельной внешностью на концертной сцене смотрелись куда выигрышнее, чем предыдущий неказистый, пусть даже на пару порядков более сильный тандем Перри - Уитфорд. Если такова была конечная цель у продюсера и менеджмента группы, то она была успешно выполнена.
Вместе с Креспо новичок продержится в составе группы до 1984 года и всё же оставит о себе добрую память. Существует версия, что именно Р. Дюфей убедит С. Тайлера примириться с Джо Перри и Брэдом Уитфордом, чтобы вернуть их в команду, принеся тем самым в жертву и себя и Дж. Креспо. За что Стивен Тайлер уже значительно позднее во всеуслышание выразит свою признательность этому парню (это случится во время выступления С. Тайлера на церемонии в Зале славы рок-н-ролла в 2001 году). После ухода Рика из группы его отношения с музыкантами Aerosmith останутся дружескими, а в 2012 году Р. Дюфей примет участие в записи одной из песен ("Shakey Ground") для альбома "Music From Another Dimension" (в трек-листе №16 как бонус-трек).
Единственная в программе кавер-версия "Cry Me A River" отождествляет собой всю глубину настроения этого альбома. С тридцатилетней историей джазовый блюз Артура Хэмилтона (не путать с басистом Aerosmith) способствовал Тайлеру в полной мере выразить то своё душевное состояние, которое, надо думать, нередко переполнялось ностальгией и неуёмной тоской. И вместе с тем нельзя не отметить весьма убедительные параллельные гитарные партии Джимми Креспо (а их по меньшей мере три) в этой скорбной композиции, что наводит на мысль - быть может подобная блюзовая тематика и есть его, Джимми Креспо, удел.
Но что бы там ни было, вторая часть программы оставляет двойственные чувства. Стилистически достаточно непростые номера со смешением жанров ("Joanie's Butterfly"), новаторскими приёмами с использованием современных студийных возможностей (психоделическая фантазия С. Тайлера "Prelude To Joanie"), жёсткое воспроизведение из разряда rough-hard-rock ("Jig Is Up") - быть может само по себе всё это и интересно, но невообразимо далеко от исконной "смитовской" музыки, о которой изначально заявляли музыканты и их продюсер. И главным образом в композиционном плане, по сути мы слышим другую группу. Ну а финальная "Push Comes To Shove" - это и вовсе безжалостный удар ниже пояса, полное разочарование, похороны несбывшихся надежд. Что хотел этим выразить С. Тайлер, что намеревался донести до слушателя, наверное известно лишь ему одному.
С течением времени отношение к этому альбому менялось. И чем дальше в истории группы оставалась эта работа, тем позитивнее и мягче тональность высказываний самых разных людей. Журналисты и музыковеды, к примеру, перешли на более лояльные и аккуратные выражения, нежели те, что они позволяли себе тогда, "по горячим следам". Сами музыканты группы, впрочем, не стеснялись излагать свои чувства и эмоции. "Я не хочу сказать, что "Rock In A Hard Place" - это отстой", - делился как-то сокровенным барабанщик Джой Крамер, - "Я так, поверьте, не думаю. Там есть кое-что достойное. Но это не та музыка, что считается музыкой Aerosmith, потому что лишь я, Стивен и Том из Aerosmith c гитаристом... В общем, это Джимми Креспо играет на гитаре". И этим, в общем-то, всё и сказано.

В 1989 году альбом получил сертификат и статус "золотого". Однако в год своего выхода в 1982-м "Rock In A Hard Place" согласно рейтингу "Billboard 200" достиг пиковой отметки лишь на уровне 32-го места и выше никогда не поднимался. Для Aerosmith это было равносильно провалу. Сингл "Lightning Strikes" в чарте Mainstream Rock Tracks занимал 21 наивысшее место.

Если кто-то вдруг надумал начать плотно знакомиться с творческим наследием Aerosmith их раннего периода (1970 - 1982 г.г.), то данный альбом - самый неподходящий для этого вариант. Пластинки с музыкой Aerosmith более далёкой от истинной "аэросмитовской" музыки в истории этой группы не было, нет и вряд ли будет.

Продолжение следует. В части III будет рассмотрен альбом Aerosmith "Done With Mirrors" (1985 г.).

МихаилБогданов  21 июл 2019

24 марта 2018 года Tierra Santa выступили на фестивале Gillman Fest в Каракасе, Венесуэла, в рамках фонда Corazón rockero. Этот фонд, созданный и возглавляемый Полом Гиллманом, продвигает национальные рок-группы. «Святая Земля» стала первой международной командой, которая имела возможность посетить Дворец Мирафлорес - официальную резиденцию президента Боливарианской Республики Венесуэла и пообщаться лично с президентом Николасом Мадуро.

Данное выступление выступление легло в основу второго концертника группы, который был выпущен 5 октября 2018 года под названием «Gillman Fest».

Многие поклонники ополчились на испанцев из-за того, что Анхель и Ко приехали с визитом в Венесуэлу и встретились с диктатором Мадуро, а в это время в стране был очень тяжелый социально-экономический кризис. Tierra Santa упрекали в том, что они продались и предали те высокие идеалы, которые всегда воспевались в их песнях.

Но всё-таки, по моему мнению, (да и по мнению самих музыкантов, наверное, тоже), музыка должна стоять вне политики, и в любом случае здорово, что парни наконец-то выпустили еще один живой альбом спустя 15 лет, после записи легендарного «Las mil y una noches» (2003).

Несмотря на то, что последние студийники команды, мягко говоря, не очень удачные, на концертной деятельности сие обстоятельство мало отражается. Анхель до сих пор находится в прекрасной физической форме, а многолетний стаж курения никоим образом не сказался на его голосе. И если выкинуть пару проходных номеров, то получим вполне себе приличный лайв с набором стопроцентных хитов, проверенных временем. Может быть, в игре ребят уже нет былого задора, но чувствуется что у них остался еще порох в пороховницах. Все-таки они – профессионалы своего дела.

Вещи с крайнего альбома группы «Quinto elemento» (2017) – конечно, слабое звено на этом концертнике, хотя та же «Revolución» вживую звучит достаточно сносно.

Новый гитарист Дан Диес (экс-Red Wine) вполне удачно вписался в коллектив, хотя до Артуро Морраса ему, безусловно, далеко.

Кстати, на данной записи на басу играет не Роберто Гонсало, который не смог поехать в тур по Южной Америке, а давний друг группы - Хуан Сагалас.

В общем, этот релиз может понравиться даже старым фанатам группы, которым позднее творчество Анхеля и Ко не по душе. Не проходите мимо.

Elena_Kalistka  19 июл 2019

Всё-таки, в первой половине 2000-х Польша натурально переживала дэтовый взрыв. Чем он был вызван, сказать затруднительно, но группы повылезали как грибы после дождя. Я не говорю об имевших уже на тот момент имя Vader и Behemoth, или делавших первые шаги Decapitated и Hate. Можно вспомнить такие неплохие акты как Nomad и Trauma; мясников Yattering, Dies Irae, Devilyn; технарей Sceptic и Lost Soul... Вот о последних товарищах и пойдёт сейчас речь. Помнится, эти поклонники одного небезызвестного и съехавшего под конец жизни с катушек немецкого философа обозреваемым альбомом “Ubermensch (Death Of God)” наделали много шуму в андеграунде. Lost Soul решили соединить малосочетаемые элементы: брутальный и техничнейший дэт с философией Фридриха Ницше. И нельзя сказать, что у них это не получилось. Минутное клавишно-эмбиентное интро, и на вас обрушивается лавина гитарных риффов, сыгранных на предельной скорости, перемежающаяся нервно-какофоническими соло. Но при ближайшем рассмотрении становится ясно, откуда у музыки поляков растут ноги – из творчества уважаемого товарища Азагтота (эта манера копировать характерна для многих представителей польской сцены: Hate драли идеи у Deicide, Behemoth - опять же у Азагтота, но периода конца 90-х; Sceptic - у Шульдинера). Наши же герои конкретно вдохновлялись классическим “Blessed Are The Sick”. На это, кстати, прозрачно намекает манера вставлять минутные клавишные интерлюдии, коих на диске, считая интро, аж четыре штуки. Но я не могу сказать, что Lost Soul занялись бездумным эпигонством Morbid Angel, тут скорее попытка творческого осмысления фундаментальной работы американцев, поскольку поляки тогда ещё не выработали свой фирменный почерк. Пока мы имеем очень неплохой техничный и брутальный дэт с нетривиальной для стиля лирической концепцией, которая доносится до нас в меру утробным гроулом Яцека Грецки. Из явных минусов я бы выделил задвинутые на задний план барабаны: чувствуется, что ударник старается изо всех сил, показывая своё мастерство, но все его потуги оказались практически погребены из-за сведения – на “Ubermensch (Death Of God)” упор сделан на яростный гитарный шквал, призванный буквально ошеломить слушателя. Если не считать этого, то можно резюмировать, что Lost Soul смогли представить на суд общественности довольно крепкий релиз. Да, он не фонтанирует свежими композиторскими идеями и не открывает новые горизонты, но доставить свою дозу удовольствия любителям техничной и брутальной музыки ему вполне по силам.

rassol  18 июл 2019

Обычно к этой группе приходят тогда, когда прослушана уже не одна сотня часов мастеров Doom Metal, потому что группой был записан всего один полноценный CD альбом. Ранние записи выходили на аудиокассетах и до массового слушателя не могли дойти, а второй альбом записанный в 2001 году, когда волна популярности жанра уже давно спала, так и не был издан официально.

Что можно ожидать тем, кто никогда не слышал Paradigma? Альбом хоть и был записан в начале 1995-го года, но сама группа начала свой путь четырьмя годами ранее. Это, учитывая то что наряду с мужским гроулингом используется женское сопрано, ставит группу у истоков готическо-романтического подстиля Doom Metal, неофициально именуемого за это самое разноголосье - Beauty and the Beast. Уже один этот факт должен вызывать любопытство.

Да, вокал Cecilie Eidskrem не такой мощный, как у соотечественницы Liv Kristine, но это что ни есть сопрано. Музыка местами напоминает канонический первый альбом Theatre Of Tragedy, который записывался в то же самое время, но имеет и заметные отличия.
При желании можно найти целый ряд параллелей с другими группами стиля, вышедшего в то время на пик своей популярности, но несмотря на стилистические рамки ударные периодически убыстряются и даже появляются намёки на гитарное соло, а клавишные скорее можно найти на буклете, чем в звучании группы, что не только не портит привычную картину, но и создаёт своё, отличное от других звучание и атмосферу.
Для меня это не музыка на все времена, но вполне добротный альбом, без откровенных заимствований уже в силу хронологии. Альбом обязательный к прослушиванию для тех, кто решил не ограничиваться только мэтрами стиля.

Ygg  14 июл 2019

Вот мы и подошли к развязке вероятно самого масштабного конфликта в метале 2019-го года. И Драбиковский, и Крысюк выпустили свои альбомы разделяющие имя “Батюшки” - группы, выстрелившей в конце 2016-го года благодаря смешиванию блэк-метала, жирно сыгранного на семи/восьмиструнных гитарах, с православными песнопениями и соответствующей эстетикой в оформлении релизов и выступлений. К сожалению, товарищам по команде стало тесновато в рамках одной группы, что вылилось в раскол и дальнейшую череду противоречивых заявлений от участников группы. Стоит отметить, что написание рецензии именно на этот альбом, а не на брата-еретика, обусловлено звучанием: все-таки именно “Панихида”, а не “Господи” в большей степени ощущается преемником первого альбома.

В первую очередь при прослушивании в глаза бросается звук. Он сильно уступает по качеству первому альбому, при этом заметно портя атмосферу и общее впечатление от материала. Не знаю, сам Драбиковский сводил альбом или нет, но первоочередной шаг - расчистить пространство для хоровых распевок, вывести их вперед/просто сделать громче - почему-то не был предпринят, хотя очевидно, что во многом именно они определяли саунд первого альбома. Основному вокалу тоже не хватает пространства, он иногда будто тонет среди других инструментов. Звук барабанов и гитар ощущается сухим и блеклым, неприятным, в принципе ухо здесь не радует вообще ничего, что сильно бьет по восприятию слушателя.

Вторым бичем “Панихиды” является сонграйтинг. Опять же о распевках, если на первом альбоме они выполняли либо хуковую роль, появляясь на месте припевов с каким-нибудь цепляющим мотивом, либо дополнительно скрашивали сами по себе добротные гитарные мелодии, то тут они просто отбывают программу, не внося практически ничего в развитие песен и не принося никакого удовольствия (исключениями, пожалуй, являются только "Песнь 1" и "Песнь 3"), не говоря уже о том, что они зачастую просто зарыты в миксе, как например в начале “Песни 3”, где их вообще можно не заметить. Композиционно альбом тоже не радует, на середине песен уже начинаешь терять логическую нить музыкального повествования, а без наличия привычной куплетно-припевной структуры в некоторых номерах ситуация усугубляется еще сильнее. Хотя бы какие-то яркие моменты, или оседающие в голове мелодии присутствуют в очень малых количествах. Не удивительно, что после первого знакомства с релизом в голове не остается практически ничего, только впечатление как после прослушивания “очередной блэкухи среднего пошиба с хором на заднем плане”. Возвращаться к нему тоже не особо тянет, даже когда уже распробовал все треки.

Если говорить об относительно слушабельной половине альбома, то стоит выделить следующие песни: первая, дающая надежды если не на материал уровня "Литургии", то хотя бы на более-менее приятный атмосферный альбом; третья, в которой Драбиковский не слил достойную структуру песни и классную хоровую вставку (не волнуйтесь, её слило сведение); четвертая, с приличными соло-партиями; шестая с приятными гитарными текстурами на протяжении всей песни и седьмая лишь с парой неплохих моментов. Во второй песне присутствует один хороший атмосферный кусок, но это лишь переделанное интро с концертов времен первого альбома.

Нельзя косвенно не затронуть животрепещущую тему: а что там у Крысюка? Надо ли говорить, что идея выпускать подобный материал под логотипом “Батюшки” изначально была провальной, и стоило бы просто выпустить ассоциированный с группой сайд-проект? “Господи” не звучит как Батюшка, при этом мало что из себя представляя в отдельности, а прибавив к этому развернувшийся скандал, получается альбом, который смотрится плохо в глазах фанатов с любого ракурса. Да, он более последовательный, со звуком у него все в порядке, даже присутствуют элементы, которых не хватает обозреваемому альбому, но он в еще большей степени выглядит как “очередная блэкуха среднего пошиба с хором на заднем плане”, картонно, и в этот раз вылизано (при лейбле все-таки). Но стоит признать, слушать “Господи” значительную часть времени приятнее, чем “Панихиду”.

Перед нами пример того, как глупость губит музыку. Крысюк почему-то решил, что сам cможет создать песни, которые удовлетворят фанатов “Батюшки”, при этом еще и пойдя на конфликт с автором музыки для дебютника. Драбиковскому показалась заманчивой идея дропнуть сырой материал за месяц до релиза альбома от конкурента, хотя интерес к его версии не утих бы и через месяц после. В результате мы имеем два посредственных альбома, две пародии на старую Батюшку, не дающие и половины той атмосферы, которую дарила "Литургия". Ставлю обоим 5.5-6/10, главное разочарование года, а в данном случае даже два.

Brando  13 июл 2019

Седьмой альбом за девять лет – явное свидетельство высокой продуктивности Full of Hell, создающих сегодня релизы с частотой, явно превышающей негласные стандарты сцены. Впрочем, редкая их пластинка длится более получаса, как и редкая их композиция длится дольше трех минут – в зубодробительном темпе grindcore/hardcore punk группе просто некогда рассусоливать подробно собственные идеи. «Weeping Choir», в этом смысле, отнюдь не ломает традиции, устоявшиеся на прочих релизах. Будучи невероятно похожим на предыдущий «Trumpeting Ecstasy», он не покажется вам скучным – но покажется предсказуемым в своем наполнении. Тут вам и очередная зарисовка на стыке noise и dark ambient, тут вам и слегка выпадающая из общей канвы монументальная композиция почти на семь минут, тут вам и целый набор мало отличающихся по подаче и настроению рубленых треков. Во всем этом очень много эксперимента и смелого опыта – но, кажется, слишком мало связующего для определения релиза как альбома, а не как сборки-компиляции. Параллели с «Rudiments of Mutilation» просто напрашиваются сами собой – если на пластинке 2013 года Full of Hell явно проводили некий тренд между песнями (если их так можно назвать), умело при этом сочетая в них целый ворох настроений, то на «Weeping Choir» вряд ли можно услышать что-то кроме агрессии, которая уже начинает казаться какой-то бездумной. В потоке треков порой довольно сложно разобрать, когда закончился один и где начался другой; их даже можно смешать с материалом «Trumpeting Ecstasy» - разницу почувствует лишь слушатель, заслушавший обе пластинки до дыр. Данному альбому (как и предыдущему), отчаянно не хватает зарисовок в духе «Thrum In The Deep» работы с Merzbow; отчаянно не хватает трека, который бы прочно ассоциировался с данной пластинкой. Повторится ли ситуация, подобная сегодняшней, и в последующих работах группы? Вопрос остается открытым. Остается надеяться, что нет.

crabvpi13  13 июл 2019

ПРЕРВАННАЯ ЛИНИЯ. Часть I.

Немного философии в качестве вступления. Ни для кого не секрет, что в окружающем нас с вами мире подчас происходят явления не поддающиеся логическому объяснению и пониманию. А если какое-то из них ещё и завершается положительным образом вопреки всем сопутствующим обстоятельствам, то это нами рассматривается как некое проявление чуда. Альбом "Night In The Ruts" группы Aerosmith с учётом всех сопутствующих обстоятельств никак не должен был появиться на, что называется, свет божий. Однако он, этот безнадёжно гибнущий лонг-плей, ценой неимоверных усилий немалого количества заинтересованных людей был возвращён к жизни, и это было сравнимо с чудом. И все те полгода, что длилась отчаянная борьба за выживание этого многострадальца, целая прорва негативных событий сопровождали эту рок-группу. И вот как всё это было.

Музыканты Aerosmith собрались вместе со своим продюсером Джеком Дугласом (4 предыдущих альбома Aerosmith отработали с ним) в Нью-Йорке в марте 1979 года. Однако уже с первых дней студийной работы над новым альбомом всё пошло не так. Стив Тайлер из-за проблем с наркотиками испытывал трудности с сочинением текстов, а следовательно и с записями своих вокальных партий. Д. Дуглас в это же время затеял бракоразводный процесс и это немало отвлекало его от работы с группой. Ко всему прочему начала сказываться тяжёлая финансовая ситуация. Крайний альбом "Draw The Line", вышедший ещё в 1977 году, не оправдывал вложенных в него средств. Продавался он плохо, все были в долгах, спасти положение мог добротный новый альбом. Джо Перри задолжал менеджменту группы 80 тысяч долларов (немалые по тем временам деньги), которые он планировал вернуть записав свой собственный сольник. Но и его планам, как тогда всё складывалось, не суждено было сбыться.
Вот что он сам рассказывает в своей автобиографии о сложившейся на тот момент ситуации: "Я думал, что вместе с Брэдом (Уитфордом, вторым гитаристом группы) мы сорвали (он имеет ввиду, что круто сыграли под запись) одни из лучших своих треков. Гитарное взаимодействие у нас достигло такого уровня, что распахивало перед нами новые горизонты. Да что там, мы все были на вершине своей игры, каждый в отдельности. Однако, когда пришло время для лирики, Стивен куда-то запропастился. И всё затормозилось. Я начинал раздражаться, злиться. Мы успели заработать миллионы и где теперь всё это? Мы каждый день занимались своей работой, тратили целое состояние на студийное время, гостиницы и ничего при этом не показывали... Вся эта история превратилась в какой-то кошмар. Я устал от этого дерьма. Я уже просто хотел сесть в фургон и отправиться куда-нибудь просто играть рок-н-ролл. Я готов был это делать даже в клубах - в любых клубах... А тут мне сказали, что когда Стивен появился писать свой вокал, он курил крэк. Я был недоволен Кребсом (менеджер Aerosmith) и сказал тогда: "К чёрту всё это!" И вернулся в Бостон".
Джо Перри участвовал в записях пяти песен ("No Surprize", "Chiquita", "Cheese Cake", "Three Mile Smile", "Bone To Bone"). Последняя сессия с его участием состоялась 30 мая. Тот его демарш не для кого не стал неожиданностью. Их взаимоотношения со С. Тайлером ухудшались день ото дня все два последних года. Тогда же обеспокоенные боссы из Columbia Rec. провели замену Джека Дугласа на Гэри Лайонса. А чтобы поддержать группу хоть каким-нибудь доходом, решено было отправить Aerosmith в краткосрочный гастрольный тур.
"Островок стабильности" того смутного времени, бас-гитарист Том Хэмилтон позже расскажет, что планировалось по окончании тура быстро завершить работу над пластинкой, как это бывало и раньше, но на этот раз всё затянулось на неопределённое время. Отправился на гастроли с группой и Джо Перри. Он, как никто другой, был заряжен на монетизацию своих творческих усилий.
Выступления в туре сопровождалось продолжением употребления наркотиков, что делало представления неряшливыми, а это в свою очередь обостряло отношения в составе. А когда в выяснения этих отношений наконец-то вмешались и жёны музыкантов, стало совсем плохо. Это случилось в ходе World Series Of Rock в Кливленде 28 июля 1979 года. Началось всё со стычки между жёнами Джо Перри и Тома Хэмилтона (где-то за кулисами Элисса Перри в сердцах запустила стакан с каким-то содержимым в Терри Хэмилтон), а уже после концерта С. Тайлер и Дж. Перри вступили в очередной жаркий спор, в результате чего Перри всё бросил и окончательно расстался с группой. Так Aerosmith остались без ведущего гитариста. Вместе с Джо уехали и нереализованные наработки песен, предназначавшиеся для "Night In The Ruts".
Тур был прерван, но и продолжать работу над альбомом не представлялось возможным. В оперативном порядке в студию подтянули сразу двух гитаристов (Нил Томпсон и Ричи Супа, который ранее уже привлекался к сессионной работе Aerosmith), однако трудности были в другом - отсутствовал музыкальный материал, генерировать который было просто некому. Гэри Лайонс вместе с Тайлером подобрали несколько приемлемых вариантов для кавер-версий, одна из которых удивила всех, но как покажет время, именно эта яркая, проникновенная баллада станет истинным украшением альбома. "Remember (Walking In The Sand)" из репертуара не самого известного женского вокального квартета первой половины 60-х годов The Shangri-Las. Самое любопытное в истории с "Remember" было в том, что на бэк-вокал в студию была приглашена солистка из того, уже несуществующего ансамбля (Mary Weiss), и это было по-настоящему мудрое решение Г. Лайонса. Именно бэк-вокал с участием Мэри и других музыкантов Aerosmith привносит в эту трогательную композицию особую притягательность, не будь его - эта песня много бы потеряла. Интересно, что рок-группа почти один к одному применила ту же модель исполнения "Remember", как это делали девчонки в The Shangri-Las пятнадцать лет назад с подобным же бэк-вокалом. В хард-роковом изложении, разумеется. Стив Тайлер невероятно хорош в этом номере. Завершающий куплет он исполнил на потрясающем нерве, его пронзительный, почти на фальцете вокал пробирает до самых глубин души.
Ещё один кавер из репертуара легендарных британцев The Yardbirds (где когда-то начинал Джимми Пэйдж) "Think About It". Здесь партию ведущего гитариста рискнул исполнить Брэд Уитфорд и в целом справился, хотя две его сольные параллельные партии, выполненные при записи наложением, настолько в отдельных фазах расходятся, что прямо-таки неудобно за столь авторитетного гитариста.
Уже под занавес работы над LP в состав группы был привлечён Джимми Креспо (Jimmy Crespo), как потенциальный лидер-гитарист. В свои 25 лет он уже отметился работой с Meat Loaf, Стиви Никс (вокалистка Fleetwood Mac), а в Aerosmith перебрался из распавшейся незадолго до этого группы Flame. Его вклад на завершающей форсированной стадии подготовки пластинки был скромен, но именно с этим этническим пуэрториканцем группа свяжет себя на ближайшие пять лет. Как заменой Джо Перри.
В "Night In The Ruts" Aerosmith стилистически пытались вернуться к близким им блюз-роковым корням. И по-большому счёту эта попытка им удалась. Половина номеров программы так или иначе замешана на блюзовой основе, однако лишь "Reefer Head Woman" звучит в чистом классическом блюзовом исполнении. Это ещё один кавер, на этот раз из бородатых 40-х годов. С ним связана ещё одна мутная история, как лишнее подтверждение, что против этого злосчастного альбома были задействованы недобрые силы. И музыканты Aerosmith имели все основания так считать.
Что бы и как бы там ни было, но самые сильные номера в альбоме те, что успел сочинить и сыграть Джо Перри. С них, собственно, программа и начинается - "No Surprize" и "Chiquita". Причём, инструментальная заготовка для "Chiquita" изначально являлась вариацией "No Surpize". Однако при последующем озвучивании и при очевидном дефиците муз. материала было принято разумное и практически обоснованное решение оформить вариацию самостоятельным треком. И не стоит удивляться тому, что две эти композиции созвучны, стоило бы их развести по разным частям программы и этой их похожести никто бы и не заметил.
Ну и, наконец, финальная песня, не коснуться которой никак не возможно. "Mia" - выстраданная Стивеном Тайлером композиция есть не что иное, как колыбельная, которую Стивен посвятил своей дочери Лиз, будущей кино-диве Голливуда ("Властелин колец", "Армагеддон", а ещё клип на песню Aerosmith "Crazy" из альбома "Get A Grip" 1993 года). И, должно быть, это была неплохая колыбельная, когда он напевал её, наигрывая себе на домашнем пианино. То, что мы слышим в исполнении группы Aerosmith - это реквием. Да что там реквием - эпитафия. Эпитафия группе, будущее которой было как тот Сатурн, который почти не виден. Символично.

Продолжение следует. В части II будет рассмотрен альбом Aerosmith "Rock In A Hard Place" 1982 года.

МихаилБогданов  13 июл 2019

Без всякого преувеличения, «Legendario» - воистину легендарный альбом и, наверное, самый эпический у Tierra Santa. На этом диске вы найдете всё то, что характерно для ранних работ команды: задорные боевички, красивые гитарные пассажи, запоминающиеся мелодии, талантливо написанные тексты и, разумеется, задушевный и проникновенный голос Анхеля.

Ну и без влияния великих Iron Maiden здесь, конечно, тоже не обошлось, что в общем-то и неудивительно, ибо ребята тогда еще только начинали свой творческий путь, и им нужно было на кого-то ориентироваться.

Хочется отметить самые удачные, на мой взгляд, номера на пластинке: открывающая альбом огнестрельная вещь «Séptima estrella» («Седьмая звезда»), рассказывающая о рождении Спасителя, мчится подобно вихрю и сметает все на своем пути, довольно приятное впечатление после прослушивания оставляет эпическая тема «La cruzada», посвященная эпохе Крестовых походов.

Очень хороша композиция «El bastón del diablo» («Скипетр дъявола»), которая начинается, как баллада, а затем напряжение возрастает, гитары резко вступают в силу, и громогласный голос Анхеля начинает нам вещать историю о человеке, который осмелился пойти против власти жестокого диктатора.

Металлический гимн «Legendario» до сих пор постоянно исполняется на всех концертах банды, и фанаты встречают его с огромной радостью. Он посвящен Эль Сиду Кампеадору, он же – Родриго Диас де Вивар, участнику Реконкисты, герою испанского народного эпоса, преданий, песен и поэм.

Стремительный боевик «Atlántida», в основе которого лежит древнегреческий миф об острове-государстве, населенным атлантами, которое чудесным образом ушло под воду за один день, еще одно доказательство того, с какой страстью в то время музыканты отдавались своего любимому делу. В этом номере столько живой бешеной энергии и какой-то молодецкой удали, что просто сносит крышу.

Среднетемповый эпик «Drácula», который базируется на известной легенде о вампире, главном герое романа Брэма Стокера «Дракула» (1897), реальным прототипом которого, вероятно, стал господарь Валахии Влад III Цепеш, - еще одна находка группы. Припев этой композиции сразу же врезается в память после первого прослушивания.
Закрывающий альбом величественный номер на библейскую тематику «Los diez mandamientos» («Десять заповедей») невольно вызывает ассоциации со знаменитыми британцами, но от этого уж никуда не деться… В любом случае, хуже он от этого не становится.

Понятно, что лучшие работы команды еще будут впереди, но уже этот полноформатник нам прекрасно демонстрирует каким большим потенциалом она обладает. Поэтому к прослушиванию рекомендую.

Elena_Kalistka  11 июл 2019

В 1993 году (страшно подумать, уже больше четверти века назад) Оззи анонсировал один из своих многочисленных уходов со сцены. Возможно, кому-то 45-летний вокалист и казался тогда ветераном, измученным излишествами рок-н-ролльного образа жизни и бесконечными турне. Но, глядя видео "Live & Loud", остается только удивляться, каким юным оставался на середине пятого десятка этот человек, который по всему должен был пополнить «клуб 27» еще в семидесятые. Подтянутый, крепко сбитый, энергичный, полностью «на волне» своей музыки, и главное – голос в тонусе. Осборн, конечно, шоумен, перформер по-преимуществу, но он еще и вокалист со своей уникальной манерой.
Тогда в 1993 в голосе его еще была звонкость, а не только фирменные гнусаво-потусторонние интонации, и в подаче еще были личные эмоции, а не только заученные, отрепетированные.
Сет-лист почти идеальный, охвативший все периоды карьеры Оззи (хотя кому-то всегда кажется, что его любимую песню или не сыграли, или не включили в концертник). Есть и саббатовская классика, есть и свежайшие на то время вещи с "No More Tears", последнего классического альбома Осборна, есть и хиты из химзавивочных восьмидесятых.
Группа в составе Уайлда, который еще не вообразил себя гуру стоунера, басиста Майкла Инеза, ударника Рэнди Кастилло и клавишника Джона Синклейра играет мощно, плотно, яростно и монументально. Интересно слышать, как разнородный по своему происхождению материал обращается в поток, сметающий все на своем пути.
На концертнике представлено достаточное количество баллад, чтобы продемонстрировать битломанскую, лирическую сторону Оззи ("Changes", "Goodbye to Romance", "Mama I'm Coming Home"). Есть грубоватый рок-н-ролл авторства Лемми Килмистера ("Desire"). Есть мрачные патетичные эпики ("No More Tears" и "Mr. Crowley"), глэмовые радио-хиты ("Shot in the Dark") и тяжелая психоделика из начала семидесятых ("War Pigs").
Конечно, кому-то будет недоставать изощренной гитары Рэнди, выверенной мелодичной игры Джейка или почти джазовой «шизы» Билла Уорда.
На "Live & Loud" Уайлд много и упоенно рубит своим фирменным перегруженным звуком, Инез и Кастилло и вовсе сваи вколачивают, от чего "Crazy Train", "Paranoid" или "Shot in the Dark" утрачивают, спору нет, свое первоначальное изящество.
Но на то и концертные версии, чтобы чем-то отличаться от студийных, оригиналы ведь никто не уничтожил. А мне такая, более грубая и прямолинейная трактовка нетленок нравится.
Осборн поет очень и очень. Успевает общаться с публикой, слышны все его «I can't fucking hear you» и «Let me see your fucking hands», но во главе угла сам его своеобразный голос, то срывающийся на рев, то лирический, почти плачущий.
Был ли состав группы Оззи, запечатленный на "Live & Loud", «одним из лучших живых составов в истории рока», как пишут некоторые слишком уж восторженные фанаты, я судить не буду. Но к слабым и несыгранным его тоже не отнесешь.
Сет-лист – вечный камень преткновения. Кому-то мало одного, кому-то много другого. Но хочется, хоть я и повторяюсь, сказать что живое, более прямолинейное, примитивное, лишенное аранжировочных изысков исполнение на "Live & Loud" отчасти возвращает нам истинного Оззи, грубого непричесанного рокера, а вовсе не тот плод усилий продюсерcкой команды, каким он нередко предстает в студийных работах.
Оззи, конечно, никакой не чернокнижник и не сатанист, его интерес к «темной стороне» никогда не шел дальше фильмов ужасов и распространенных масc-культурных мифов. Но вот о демонах и одержимости он знает много больше, чем любой интернет-оккультист. И пусть демонов его зовут Alcohol, Valium и Сocaine, это сильные демоны, пусть и низшего порядка.
Даже сейчас, когда он сильно постарел и сдал здоровьем, то, что Оззи творит на сцене – сущее шаманство, корневое рок-н-ролльное бесовство. Что уж говорить о четвертьвековой давности?

Mike Barlow  10 июл 2019

Есть такие группы, которые, создав свою формулу успеха раз, остаются ей верны долгие годы творческой жизни. Мистер Данко Джонс в данном вопросе занимает предельно жёсткую и бескомпромиссную позицию — зачем чинить то, что не сломано? Зачем менять то, что работает? Любые изменения - это побег от самого себя. Вот и новый альбом 2019 года — живое подтверждение подобного кредо. "A Rock Supreme" - десятый полноформатный диск канадской хард-рок команды, и второй, вышедший по лицензии в России (в нашей стране парням всё ещё приходится бороться за место под солнцем и в сердцах любителей харды).

Рассматривая альбомы команд подобного плана, любые критерии новизны и оригинальности приходится отодвигать на второй план, ибо это кратчайший путь к разочарованию; здесь во главу угла встают ощущения — не сдулись ли, не растеряли ли искру, не заездили ли фирменную фишку? Отвечая на все вопросы сразу (для тех, кому это вообще интересно): нет, не сдулись, не растеряли и не заездили. Альбом получился достойным преемником предыдущей пластинки "Wild Cat", а местами её даже превзошёл. По-прежнему крутые пацанские риффы (разве что гитары на прошлом диске, кажется, как-то погрязнее были, погаражнее, что ли), цепляющие припевы и разухабистая атмосфера рок-тусовки с девчонками и выпивкой. Данко все так же заразительно-нахально декламирует и прокрикивает тексты, не претендуя на лавры выдающегося вокалиста, но заряжая неукротимой энергией. Песни сами по себе довольно привычные для этой команды, моментально узнаются и также моментально попадают прямо в кровь. Есть, правда, и выделяющиеся композиции вроде скоростного рокабилли-хита "Burn in Hell", но в остальном это типичные треки DJ, столь любимые их фанатами.

Danko Jones - это группа, которую можно либо любить, либо игнорировать (ненавидеть их просто не за что), лично я их очень люблю, и каждая новая порция зажигательного канадского рок-н-ролла для меня становится настоящим поводом для радости и отличным звуковым сопровождением проходящего лета.

(Диск предоставлен компанией FONO).

Nerferoth Drake   9 июл 2019

Говорить о работах великого Оззи Осборна - значит погружаться в бескрайнее пространство, ведь человек который по сути создал величайший жанр в мире и по сей день своим творчеством доказывает, что тяжёлая музыка вечна. Мы не будем углубляться в историю создания звучания, которую каждый из корифеев жанра выковывал на свой лад. Конечно же, здесь Айомми, Пейдж и Блэкмор - тот великий трилистник кудесников безоговорочен, но не менее важно, что не только музыка продолжает жить, но и атмосфера создаваемая настроением, к которому безусловно приложил руку этот гениальный британец. И поговорим мы сегодня о дебютнике великого и ужасного, вышедшем в 1980 году и получившем название “Blizzard Of Ozz”.

Изумительная игра слов, отсылающая к миру волшебника страны Оз, но не подумайте, тут вас ожидает настоящий ужас и мрак. Конечно же, в наше время этим сложно кого-либо удивить, да и полноформатник сейчас будет звучать не столь уж и мрачно, но если представить то время, когда в музыкальном плане тяжёлой музыке не хватало того ужаса, который покрывает убаюкивающем одеялом... Безусловно, работы Sabbath, Alice Cooper закладывают основу, но тем не менее Оззи, как мастеру мелодики, удалось воспроизвести мрачное звучание, отличающееся в большей степени скоростью, в отличие от среднетемповости работ “саббат”, что немаловажно. Оззи, при участии великолепного Рэнди Роадса, магично соединили лиричный “Goodbye To Romance” и по-настоящему устрашающие “Crazy Train”, “Mr. Crowley”. Альбом, который по тем временам невообразим в музыкальном жанре.

С музыкальной стороны, в музыке Оззи стало больше хеви-настроенности, при этом в коммерческом плане более выгодно звучащей, не в первостепенности тяжести, но при этом сохраняя наличие жанровости. При этом стоит отменить, что Оззи никогда не обладал безграничными вокальными данными, но при этом имея магию голоса, сохраняющего в себе особенность, этот голос единственный в своём роде, создавший один из фундаментов жанра.

“Blizzard Of Ozz” в своём корне имеет самое лучшее, что на тот момент существовало в тяжёлом жанре - мелодика, мрак, композиционная хитовость и по сей день говорящая о продолжении жизни и по прошествии почти четырёх десятилетий с момента выхода полноформатника. Ставшего одной из ярчайших звёзд на небосклоне, который протягивается в вечность. И покуда эта музыка живёт, мы становимся свидетелями невероятного, того как творение проскальзывает сквозь время и продолжат свой путь, который вряд ли когда-либо закончится.

Антон Пеганов   9 июл 2019

Хотелось бы, без излишних прелюдий, сразу начать обзор с минусов “Veleno”, но к счастью (а для кого-то, может, и наоборот), единственный минус, достойный пристального внимания здесь только один – звук. От “королевского” он мало отличается и на том альбоме я его хвалил просто за то, что он являл собой подобие глотка свежего воздуха после чада кутежа “Agony” и “Labyrinth”. Да и на фоне традиционного симфонического варева слабо сведённые ударные практически не бросались в уши. Если там что и пострадало от них, то только “Mitra”. На “Veleno” не так всё радужно. Спору нет, каждый инструмент здесь получает свою минуту славы и прекрасно читается даже в наиболее суматошные моменты. Но! Бластбиты абсолютно не ощущаются и выглядят так, словно ударник лупит в мешок с мукой, а гитары звучат в лучшем случае процентов на 70 от нужного уровня. По всей видимости, музыкантов самих ещё дёргает от той мощи, что они выгружали в 2011-м и 2013-м, поэтому они второй альбом кряду дуют на воду. Один раз такое может прокатить, но два подряд – это уже наглость и чрезмерная уверенность в собственной правоте. Особенно в свете тех метаморфоз, что претерпел материал.

Касательно, собственно, самого материала - наметившийся 3 года назад приговор отменяется. В третий раз подряд итальянцы попытались примирить метал с искусственным оркестром, и третья попытка всё-таки увенчалась успехом. Если на первых двух альбомах колоссальное преимущество одного над другим пусть и вызывало вопросы, но позволяло преобладающему компоненту реализовать весь свой потенциал, то на “Labyrinth” и “King” гитары с ударными, которые изо всех сил пытались показать свою полезность, часто перекрывали обильным клавишам кислород. Видимо, Феррини это осточертело в край, и на “Veleno” он умерил свои симфонические порывы, перейдя на роль второй скрипки. Следствием этого стала корректировка формы - альбом определённо звучит более гитарно и раскрепощено. Стало ли лучше? Однозначно, пусть ощущение бардака и не ушло окончательно.

В плане композиций итальянцы тут радуют так, что это достойно аж потрекового разбора, и “Pissing on the Score” уверенно открывает его в качестве главного топа. Уравновешенные, не перегруженные событиями и хитовые треки нынче на вес золота у FA. Хорошо бы при этом ещё не помнить о существовании “The Fool”, репликой которой “Pissing” и является. Заковыристая “Carnivorous Lamb” действительно выглядит робкой(?) аллюзией на Decapitated, но в этом и есть её очарование; “Fury” и “Worship and Forget” стараются брать напором, и у них почти получается, но паршивый, рафинированный звук гасит их особенно сильно; “Absinthe” сначала вовсю даёт развернуться певчему басисту, потом выдаёт тираду в стиле “Oracles”, а заканчивает… Неважно она заканчивает. То же самое, в принципе, можно сказать и про концовку альбома в целом, которая своей внезапно образовавшейся бесцветностью сильно бьёт по итоговому впечатлению. Что до центрового медляка “Monnalisa”, то она пусть и удивила, но лишь тем, что звучит, словно b-side с “Nymphetamine”, которым Cradle of Filth поделились по старой дружбе за ненадобностью даже для бонусной секции.

Англичане тут вообще светят пуще прежнего, что несет в себе не только практическую пользу, но и эмоциональную. С одной стороны, это действительно усиление и без того неслабого альбома, но, при этом, без горького привкуса плагиата и не в ущерб собственному звучанию. С другой, все эти реверансы звучат настолько лампово и по-родному, что итальянцам в их эпизодических попытках сыграть “правильный CoF” веришь чуть ли не больше, чем самим CoF в их полноценных последних попытках сделать то же самое. Следует, однако, заметить, что речь идёт не столько о классическом, почти безукоризненном этапе британцев 90-х, сколько о просто хорошем их этапе первой половины 00-х, где Пауэлл не позволял Аллендеру дать дуба раньше положенного.

Прошлыми двумя альбомами Fleshgod Apocalypse приучили подходить к их потенциальным творениям с изрядной, если не сказать чрезмерной, долей скепсиса. Поначалу “Veleno” именно на этом погорел, так как после “King” я уже заготовил для группы и гроб, и яму, осталось только закопать. Приятный хруст шаблонов, которые рвались с каждым новым прослушиванием, радовал едва ли не больше самого альбома, а сам “Veleno”, по итогу борьбы предвзятости и фактов, встал на второе место дискографии итальяшек, уступая лишь “Agony”.

MAX DE SADE   8 июл 2019