Возвращаюсь с работы, иду в зоомагазин за едой для песика. Купил, иду домой. Подхожу к двери, вставляю ключ, открываю дверь... Откуда столько кровищи? И кто так заблевал пол? Кругом валяются чьи-то конечности и органы. А где пёсик? Бобик! Ау! Не отзывается... Пошёл я к себе в комнату. Кровать тоже заблевана. Так, а что на кухне? Иду туда и вижу песика. Мертвого, с оторванными гениталиями и распоротым брюхом, куда насекомые уже успели отложить свои яйца. А где мой друг, которого я оставил присматривать за домом? Так, вот он. Ему кто-то вырвал сердце и ещё обосрал сверху, гад!
Как вы уже поняли, предыдущий абзац поясняет всю суть текстов альбома. "Кроваво-кишечные" тексты уже ранее встречались в металле (тот же дебютник Death), но такого как здесь на тот момент ещё не было. Именно крайне экстремальные для своего времени тексты и стали одной из причин обретения данным альбомом культового статуса.
Но это не единственная причина по которой ливерпульцев можно назвать пионерами гор-грайнда. Грайнд Carcass отличается от скоростного, бескомпромиссного грайнда Napalm Death. Здесь мы имеем местами скоростной, местами среднетемповый, а где-то и медленный грайнд, дополнительную тяжесть которому придаёт использование крайне низкого строя гитары (судя по всему, именно они были пионерами низкого строя B (си), который сейчас кто только не использует, но популярнее всего он именно в грайндкоре, брутал-дэте и ню-метале). Это всё - характерные музыкальные черты гор-грайнда.
Качество записи альбома плохое, но это ему только в плюс, ибо усиливает жуткую атмосферу мясорубки. То же самое касается и крайне низкого пения через гармонайзер, и какофоничных гитарных соло, звучащих как самая настоящая пила. На мой взгляд, соло здесь очень даже в тему, никакие другие бы сюда не подошли.
Если отмечать какие-то песни... Не думаю, что это имеет смысл. Все они тут вполне неплохие. Единственный минус - однообразие, некоторые песни трудно отличить от других. Из-за этого альбом иногда становится скучно слушать.
Как итог, мы имеем один из самых передовых и влиятельных релизов грайндкора. Влияние текстов Carcass можно увидеть у Cannibal Corpse (хотя там тексты уже не так впечатляли, как в своё время здесь), а гармонайзер сейчас кто только не использует. Всем любителям грайнда и дэта слушать обязательно. Тем не менее, я не могу назвать этот альбом отличным, ибо его губит однообразие.

Летун_Как_Гагарин  30 май 2017

Достаточно мясистый замес из дума, стоунера и сладжа производства штата Колорадо. Приличная запись, как и достойный подбор зубастых риффов, как и бесспорное умение выстраивать из оных риффов логичные, стройные и сокрушительные композиции, вопросов не вызывает вообще. Однако же очевидно, что для того, чтобы выделиться из обширного пула Electric Wizard и Sleep-wannabes, нужно нечто большее, чем вышеизложенные достоинства.

Hо в том и удача , что уже на дебютнике Khemmis отлично просматривается то самое "нечто большее", что в будущем должно помочь американцам эволюционировать в по-настоящему самобытную банду. Это, прежде всего, неожиданно мягкие, ультрамелодичные пассажи соло-гитары, вызывающие в памяти образы Iron Maiden, Thin Lizzy или даже Uriah Heep; плюс небольшое влияние первобытной "южатины" от Lynyrd Skynyrd. Ход столь же простой, сколь и гениальный, на фоне повального помешательства сцены на всякоразной психоделике. Тут еще необходимо понимать, что соло на "Absolution" - вовсе не одиночное событие для каждой отдельной песни. Это множество самых разнообразных по содержанию полетов фантазии, достаточно хаотично - на первый взгляд - возникающих в моменты малейших сдвигов в динамике той или иной композиции. Ну и, кстати, коль уж речь зашла о "сдвигах", нельзя не отметить, что альбом в итоге оказался не лишен достаточно прогрессивных поворотов в сюжетах. Другое дело, что прогрессивность эта не имеет ничего общего, скажем, с ранними Mastodon, она подается очень ненавязчиво и скорее отсылает к классическим Kyuss; когда ты уже постфактум, мысленно окидывая взглядом ландшафт композиции, понимаешь, насколько извилистый путь прошел вместе с ней на самом деле.

Уже не слишком оригинальным, но достаточно свежим видится и ход с равноправным разделением партий между двумя вокалистами (которые по совместительству еще и гитаристы группы). Фил - это высокий чистый голос, Бен - более грубый, едва ли не рычащий. Конечно, схема напоминает все тех же Mastodon (а конкретно чистый вокал однозначно наталкивает на ассоциации с Pallbearer), но все же парням удается выделиться уже хотя бы за счет неординарных тембров. Другое дело, что ни Фил, ни Бен не звучат для меня достаточно убедительно. Не настолько они цепкие и напористые, чтобы я действительно поверил в неизбежность предрекаемых ими Божьих кар, к тому же, Фил, отлично справляясь с гитарными мелодиями, пока не слишком понимает, как правильно выстраивать мелодии вокальные.

Но все это, думаю, обязательно придет с опытом. А пока, как для дебютника, результат вполне убедительный. Khemmis способны подвинуть легионы думстеров; главное - не сбавлять напор.

Jotun  30 май 2017

Благодаря таким альбомам начинаешь всерьез задумываться над значением приставки Progressive. Что это, собственно, такое? Можно, конечно, заглянуть в ту же Википедию, но разница размером с Большой Каньон между сладко-мелодичными Dream Theater и замысловатыми, словно "Шевалье де Сент-Эрмин" Дюма, Mekong Delta не исчезнет. Более того, становится удивительным сам факт того, что MD стали известными, набирая обороты одновременно с Rage, Sodom и прочей немецкой шушерой.

Я искренне люблю и тепло отношусь к данной группе, но альбом "Visions Fugitives" всегда вызывал у меня недоумение. Группа, видимо, пыталась себя раскрыть с еще более витиеватой стороны, уйдя с тропы жесткого Thrash Metal, обратившись к более классической и элитарной музыке. Данная идея была воплощена безупречно, по большому счету, заложив основы для появления всех этих ваших Therion, Epica и даже At Vance. Увы, в то время весь мир тек от аутичного голоса Курта Кобейна, и последнее что нужно было делать металлическим группам с устоявшейся аудиторией - экспериментировать.

Для меня данный альбом навсегда останется не то что пробой пера, а скорее блужданием в тёмном коридоре в поисках фонарика. Очень жаль, но зародив в себе идею достичь музыкального совершенства в творчестве подобным путем, забыв о своей металлической сущности, группа пришла к переигрыванию Мусоргского, которое, в свою очередь, утихомирило Mekong Delta на целую декаду. Это потом уже, в эпоху Waсken'ов и DVD-сборников клипов от Nuclear Blast, музыка команды придется по душе... Но это уже другая история.

Exceptional  30 май 2017

Для того, чтобы крепко заподозрить группу в привязанности к космической тематике, достаточно просто ознакомиться с составом исполнителей: господа Квазар, Вакуум, (здесь старательно вычеркнуто слово "Зигги") Стардаст и прочие выбрали себе достаточно показательные псевдонимы. Изучение же непосредственно материала подтверждает: Below the Sun явно тесновато на матушке-Земле. Сквозь слои разреженной пыли, метеорные потоки и астероидные пояса, мимо блуждающих по окраинам Солнечной системы ледяных ядер комет, выглядящих странно и даже уродливо без своих характерных "хвостов", мчатся они к иным мирам. Окунаются в планетарные туманности, сгорают дотла на орбитах голубых гигантов, мимо вертящихся бешеным волчком жутких нейтронных звезд и невзрачных бурых карликов стремятся к центру Млечного Пути, сосредоточению колоссальной незримой массы. Попадут ли они в гравитационную ловушку, навеки застряв на горизонте событий, или сумеют вырваться за пределы Галактики? Ответ на этот вопрос даст лишь финал "Envoy".

Об одном не стоит забывать. При всем многообразии материи Вселенная все же - пугающе пустая штуковина. Даже мы, люди, грубо говоря, "состоим" больше из пустот между ядрами атомов и орбитами электронов. Что уж говорить о не менее бестелесных звездах, разделенных целыми световыми годами пути... И вот тут Below the Sun следует отдать должное - даже в моменты истинно космического спокойствия их музыка не заполняется смысловыми пустотами; каждый звук имеет свой смысл и значение для всего полотна.

Определить стилистику "Envoy" не так-то просто. Если вкратце, материал подвержен цикличным колебаниям - от увесистого дум-дэта к пост-металлическим звуковым ландшафтам, спейс-року и даже эмбиенту. При этом ведущие риффы не отличаются особенной оригинальностью или хотя бы просто породистостью - почти все это мы уже слышали у Mourning Beloveth или Saturnus, причем чаще всего у оных метров и получались они более цепкими и запоминающимися. Другое дело, что на помощь Below the Sun приходит объемность и масса саунда - осознание того, какими звуковыми колоссами они ворочают, способно свести с ума. Да и есть ли разница, какими красками нарисовано звездное небо, если оно изображено красиво и правдоподобно?

Единственное, чего отчетливо недостает альбому - хоть какого-то баланса с вокальными партиями. Легко забыть, что они здесь вообще есть, при том, что половина представленных композиций - сугубо инструментальные треки. Тем не менее с вокалом, будь то классический гроул или более экзотические вокальные техники вроде горлового пения, "Envoy" звучит заметно увлекательнее.

Jotun  30 май 2017

Громкие возвращения не менее громких в прошлом групп в последние годы распространены весьма и весьма – публика явно изголодалась по живым выступлениям и новым релизам команд, игравших уже как 5, 10, 15 лет назад. At The Drive-In, в этом смысле, не исключение – после одиннадцати лет молчания они сначала откатали тур, а еще спустя четыре года выпустили неожиданный для многих альбом. Неожиданный хотя бы по причине достаточно продолжительного творческого отпуска именно этой формации и банальному старению участников – ведь им уже давно не 25.

Конечно, пролетевшие годы, в какой-то степени, действительно сыграли свою злую шутку – при всем желании на «Inter Alia» уже не найти агрессии и смелости творчества былых лет, сама подача материала существенно сбавила обороты, а знакомый по целому ряду проектов вокал совсем не несет в себе скрима, скорее представляя собой едва-едва грубоватые версии вокальных рисунков с пластинки Antemasque. Вместе с тем, нельзя не отметить желания музыкантов максимально выложиться на этом альбоме, не ударить в грязь лицом перед слушателем – что им и удалось. Каждая из композиций данного LP интересна по-своему, в целом представляя собой довольно экспериментальный образчик микса из alternative rock и post-hardcore, обязательно включая в себя запоминающийся припев и пару-тройку ответвлений от, казалось бы, и без того удачной структуры трека. В этом смысле, будет гораздо проще найти песни, несколько уступающие остальным – «Tilting At The Univendor» и «Torrentially Cutshaw», бесспорно, проигрывают прочим на данной работе. Но и они надоесть не успевают, пролетая в общем сорокаминутном хронометраже достаточно быстро, практически не портя впечатления от оставляющей положительные эмоции пластинки At The Drive-In. Но было ли правильным решение выпускать этот диск именно в рамках проекта, прославившего, в дальнейшем, основателей The Mars Volta? С коммерческой точки зрения – бесспорно. А с любой иной? «Inter Alia» прекрасен во всех своих проявлениях, но его никак не удается поставить в один ряд с «Relationship Of Command» и более старыми работами группы, и пересечения с вышеуказанными релизами у «Inter Alia» едва ли найдутся. Альбом просто другой, и другой радикально – в этом и состоит основная претензия, скорее, к самому Омару, прекрасно откатывающему тур под вывеской любой своей команды. Играть на чувствах фанатов лонгплеем «Inter Alia» оказалось крайне просто, но стоит ли и возможное дальнейшее «продолжение банкета» в виде последующих релизов подавать под маркой At The Drive-In?

crabvpi13  29 май 2017

Четвёртый альбом Пинк Флойд, пожалуй, стал самым авангардным альбомом группы, ведь он был создан в тот период, когда группа находилась в активном творческом поиске и никто из участников не знал куда двигаться. Новый альбом решено было разделить на две части - концертную и студийную.
Концертная:
1) "Astronomy Domine" - от оригинала отличается отсутствием морзянки, а также заменой гитарного соло на органное. Само органное соло получилось хорошим, только вот на пользу это песне не сыграло. Никто не мог написать космическую музыку лучше Сида Барретта. Нет, я не говорю, что Уотерс и Ко были намного хуже в этой области ("Let There Be More Light" со второго альбома очень даже удалась), просто Барретт мог это делать лучше всех. Это я к тому, что с заменой гитарного соло на органное песня стала менее "космической" и более "приземлённой". На мой взгляд, концертная версия всё же удалась, но тем не менее, это самый слабый трек концертной стороны. Оригинал делает концертную нокаутом.
2) "Careful With That Axe, Eugene" - получилась длиннее оригинала. Тревожные клавишные Райта и бас Уотерса, игра на гитаре Гилмора и (особенно) адские крики Роджера создают действительно мрачную и угнетающую атмосферу. Самая лучшая из концертных композиций на диске, однозначно лучше оригинала.
3) "Set The Controls For The Heart Of The Sun" - замедлена, добавлен органный проигрыш, что, на мой взгляд, пошло на пользу и разнообразило песню.
4) "A Saucerful Of Secrets" - стала чуть-чуть длиннее (за счёт удлинения вокализов в конце). В целом, получилось не хуже и даже лучше оригинала. Интересный момент - либо мне показалось, либо во вступлении вместо гитары слайды делаются на басу.
Студийная:
Почти все композиции студийной части представляют собой работы кого-то одного из участников, а не всей группы.
1) "Sysyphus" - композиция Рика Райта из четырёх частей, музыкальное изображение мифа о древнегреческом царе Сизифе. Первая часть - тема; вторая - нечто, похожее на сонату, но с какими-то диссонансными звуками; третья - авангард; четвёртая - пение птиц, меллотрон и повторение основной темы. В целом, получился достойный эксперимент.
2) "Grantchester Meadows" - красивая фолк-композиция от Уотерса, исполняемая им под акустическую гитару и сопровождаемая пением птиц. Самая лучшая среди студийных, наряду с "The Narrow Way".
"Several Species..." - так сказать, прикол от Уотерса, представляющий из себя звуки, издаваемые животными (не настоящими естественно, это звуковые эффекты), какие-то фразы и финальный речитатив, читаемый Роджером с шотландским акцентом. Получилось довольно забавно.
3) "The Narrow Way" - композиция Гилмора из трёх частей, первая из которых исполняется на акустической гитаре, вторая представляет собой запоминающийся гитарный рифф, в третьей вступают клавишные и вокал. Её можно назвать одной из наименее авангардных композиций на альбоме.
4) "The Grand Vizier's Garden Party" - композиция Мейсона. Короткие первая и третья части представляюсь из себя довольно красивую и успокаивающую игру на флейте жены Ника, длинная вторая - его барабанное соло с довольно странными ритмами. Что ж, один известный сайт был действительно прав, говоря что у Мейсона развито "альтернативное чувство ритма". Композиция получилась отличной, цепляет как игрой на флейте, так и авангардными ритмами.
Подводя итог, можно сказать, что альбом отличный. Не шедевр, а именно отличный, так как авангардные проигрыши Райта в "Sysyphus" местами довольно скучно слушать, а концертная версия "Astronomy Domine" получилась не такой космической, как оригинал. Тем не менее, прогресс налицо.

Летун_Как_Гагарин  29 май 2017

Sepultura в её нынешнем состоянии можно не любить и ненавидеть, но она объективно заслуживает определённой доли уважения просто за одно стремление не почивать на лаврах и развиваться. Вниз она это делает, или вверх – неважно, иные банды, перешагнувшие 30-летний рубеж, буквально косеют от собственной “стабильности”, похожей больше на маразм. Игрища в возвращение к корням остались в прошлом, и пусть в 2006-м году они почти вплотную подошли к успеху в этом смысле, но кондово-грувовый “A-Lex”, дал понять, что и одного раза хватит.

Казалось бы, так дальше и пойдёт, и “горизонтальный”, с небольшими допущениями, грув до самой смерти будет основой музыки бразильцев. Но уже в 2013-м стало понятно, но вертели они подобные мнения. Как минимум декларативно. От “Machine Messiah” же мною ожидалось не только продолжение банкета “Медиатора”, но и более уверенное движение в сторону внестилистических поисков. Но желаний, как известно, стоит бояться. Если 4 года назад группа “недоборщила”, то тут уже строго наоборот. Да так, что лаконичный, скоростной боевик “I Am the Enemy”, который на том же “A-Lex” был бы лишь частью общего, тут является лучшим треком. Я на многое готов закрыть глаза, но не на тот факт, что “Phantom Self” и “Sworn Oath” могли быть не просто интересными песнями, но и вовсе шикарными, перемешай группа элементы в них более продуманно. К оркестру “Sworn Oath” и своеобразной этнике “Phantom Self”, как ни странно, претензий нет, но в смеси с металлической составляющей всё это превращается в фарш в первой песне и в вялое бормотание в песне второй. В связи с чем приятные моменты в них либо эпизодические, либо размазаны и убраны в статус фоновых. Помимо “I Am the Enemy” есть только один трек, не вызывающий претензий -“Alethea”. Да, продолжительный разогрев не настраивает на позитивный лад, но рваная киссеровская гитара и в целом припадочная, недоброжелательная ритмика заканчивают копеечный размах рублёвым ударом.

А вот про остальное даже говорить не хочется. Определённого внимания заслуживает если только заглавная песня, за счёт своей размеренности и угрюмости, а наличие тут 4-х последних песен внятно обосновать не смогут, наверно, даже сами музыканты. Стилистически они напоминают смесь не лучших ипостасей “Roorback” и “Kairos”, и если парни хотели за счёт них просто сыграть на контрасте, то это у них получилось.

Посему “Machine Messiah”, скорее, разочарование, нежели радость, пусть и в этот раз бразильцы подарили несколько весьма позитивных вещей. И обидно здесь не столько за то, что линия альбома 13-го года здесь излишне закрутилась, превратившись, в итоге, в комок узлов, сколько за реально талантливых людей, способных создавать замечательные вещи, но которые банально упираются в нюансы формы. В итоге хочется их хвалить не за то, ЧТО они играют, а за то, КАК они играют…

MAX DE SADE  28 май 2017

К 2017 году Mastodon кажется уже всем всё доказали, но и, к сожалению, при этом всё что могли - сказали. Но после всего, что произошло с ними за последние 8 лет, группа выросла до величины, которую уже никто не может игнорировать. Точнее превратилась в такую огромную бизнес-машину, которая озолотит любой музыкальный рекорд-лейбл и всю вращающуюся вокруг тусовочку. Поэтому Warner Bros, к моменту когда мастодонам пришло время записывать новый альбом, не поскупились и наняли самого дорогого рок-продюсера современности Брендана О'Брайена, и дали до кучи кучу денег на промоушен альбома, который по замыслу должен был стать вторым "Crack The Skye", только ещё лучше. Осенью в соцсетях музыканты начали постить первые фотки из студии, с комментариями, что запись просто огонь, давненько, мол, так не веселились. Когда запись закончилась, на несколько месяцев воцарилась полная тишина, что стало аж подозрительно, чего же они там скрывают. Однако это всё был специальный ход, перед невыносимо пафосным и интенсивным промоушеном, который начался фильмом Making Of в двенадцати частях, кучей интервью в разной степени масштабности изданиях, специальных репортажах о том, что сделали Mastodon для металла и так далее. Было сказано так много громких слов, что на их фоне вышедший 31 марта альбом "Emperor Of Sand" даже немного обесцветился. Но давайте о самом альбоме.
На своём седьмом по счёту лонгплее музыканты решили, что пора снова сделать концептуальный альбом, ведь именно концептуальные альбомы в дискографии мастодонов являются наиболее каноничными и почитаемыми. Обстоятельства при которых родилась концепция альбома, нельзя назвать радужными - мать гитариста Билла Келлихера скончалась от рака, басист Трой Сандерс по аналогичным обстоятельствам чуть не потерял жену. В итоге концепция альбома вращается вокруг рака, и то какие разрушения он приносит тем, кто им болеет и близким людям больных. В контексте альбома всё это изложено в виде метафор и иносказаний, о протагонисте, который получает смертный приговор от императора песка, но сбегает, чтобы скрыться от него в пустыне, но в итоге всё равно находит погибель, как искупление. Музыкально у нас имеется одно неприятное подозрение - кажется всегда славившиеся своей креативностью, оригинальностью и фриканутостью, Mastodon незаметно превратились в стареющих и седеющих мужчин, которые оригинальности предпочитают стабильность. Трудно описать почему, но на протяжении всего альбома буквально в каждом треке меня (фаната группы со времён "Blood Mountain") постоянно преследует чувство, что всё это я уже слышал раньше. Практически каждый трек перекликается с тем, что было на предыдущих записях. Неужели дядьки исписались? Возраст берёт своё? Большое давление со стороны лейбла? Или может просто сытая жизнь убила в музыкантах желание покидать зону комфорта и творить что-то новое? Этот вопрос остаётся открытым. Нет, конечно оригинальные, неиспользованные ранее фишки есть, например синтезаторное cай-фай соло в "Clandestiny", или заигрывания с творчеством Queens Of The Stone Age в "Show Yourself", но этого очень мало. Не поймите меня неправильно, слабых композиций на альбоме тоже нет, каждый трек по-своему хорош, грамотно отработан музыкантами и отшлифован О'Брайеном, с технической точки зрения придраться просто не к чему. Петь музыканты тоже научились уже на славу, теперь три вокала распределены максимально к месту, каждый вокал обладает своей оригинальной подачей и энергией. Гитарные соло филигранны, риффы тяжелы, барабаны грувовы, клавишные атмосферны и мелодичны. И конечно же огромная куча всяческих психоделических шумов, игривой перкуссии, а также прочих свистков и колокольчиков. Но у всего, что здесь наиграли наши герои, есть сильный дух усталости и безыдейности. Так и вижу как сидел ночами с блокнотом и карандашом барабанщик и лидер группы Бранн Дейлор, думая что бы ещё придумать, что бы ещё нового сказать, чтобы и рыбку съесть, и косточкой не подавиться, пока остальные участники группы занимались своими делами, сайд-проектами, строили домашние студии и колесили на байках с Норманом Ридусом. Но видимо желание косточкой не подавиться оказалось сильнее, поэтому и вышел "Император Песка" таким вымученным и гораздо менее ярким, чем слова в его адрес. Вот и получилось у меня так много слов о том что творилось вокруг альбома, и так немного о самом альбоме.
Очень хочется верить, что на самом деле это не так, что музыкантам просто нужно собраться с силами, тщательно всё обдумать, чтобы взять и дальше продолжить творить безумства. Но покажет только время. Данный альбом можно порекомендовать тем, кто только начал или хочет начать знакомство с творчеством группы. Старым или относительно не новым поклонникам он пригодится разве что для того, чтобы послушать и его и вспомнить те годы, когда только начинал(а) слушать Mastodon.
P.S. Как ни странно, но спустя месяц после выхода, альбом показал просто рекордные продажи, проведя больше недели на первом месте американского биллборд чарта и обогнав всех возможных поп и хип-хоп исполнителей. Вот что значит дорогой промоушен!

Pushit  25 май 2017

Третий альбом Пинк Флойд, пожалуй, можно назвать логическим завершением чисто психоделического периода группы. На следующем альбоме группа ударится в эксперименты, после чего двинется в направлении прог- и арт-рока.
На этом альбоме нет никаких "космических" тем. Что логично, ведь альбом - саундтрек к фильму о хиппи и наркотиках. Зато мы здесь имеем психоделику с примесью конкретной музыки ("Quicksilver", какие-то элементы есть и в "Main Theme"), эксперименты с тяжестью ("The Nile Song" и "Ibiza Bar" - различаются только текстом, музыка та же). На альбоме очень много спокойной музыки с превалирующими клавишными или акустической гитарой ("Cirrus Minor", "Crying Song", "Green Is The Colour", "Cymbaline"), имеются барабанные произведения ("Up The Khyber", "Party Sequence"), есть также блюзовая композиция ("More Blues"). Так как фильм о наркотиках, то музыка получилась уж больно наркоманской, точнее, таковым является всё, кроме спокойных композиций.
Хотел бы отметить примитивизм основной массы композиций (особенно акустических) по сравнению не только с последующими, но и с некоторыми композициями с предыдущих альбомов, малое количество (а точнее - почти полное отсутствие) гитарных соло, кроме "Dramatic Theme" и "More Blues". Нет, музыканты вполне нормально владеют инструментами, просто музыка местами звучит довольно однообразно, а малое количество соло-партий делает альбом попросту скучнее.
Среди композиций могу отметить замечательное фламенко "Spanish Piece" с юмором от Гилмора, пародирующим испанцев фразами вроде "lovely señorita". Дэвид знаком с фламенко не понаслышке - перед тем как попасть в Пинк Флойд, Гилмор и его друзья были уличными гитаристами в Испании. Также хочу отметить барабанный инструментал с диссонансными партиями клавишных "Up The Khyber". Хайберский проход - проход в хребте Спингар на границе Пакистана и Афганистана. Слушая, так и представляешь себя в роли афганца, скачущего по этому проходу на ишаке. Очень сильными получились хард-роковые номера "The Nile Song" и "Ibiza Bar", довольно эмоциональная "More Blues" и спокойная акустическая "Crying Song". Неплохой получилась завершающая "Dramatic Theme" - соответствует названию, так и представляется себе чья-то смерть от наркотиков.
В общем и целом, альбом получился хорошим, но на порядок ниже двух предыдущих работ группы. "More" губит некоторая наркоманская и печально-грустная атмосфера во многих песнях, а также некоторое однообразие из-за которого альбом не очень хорошо запоминается. Нет, группа не изжила себя в психоделике, но в этот раз получилось местами скучно, виной чему, наверное, сам сюжет фильма (ведь музыка должна соответствовать, не пихать же в трагичные фильмы веселых песенок). Следующий альбом, несмотря на то, что тоже был местами наркоманский, получился на голову (если не на полторы) выше.

Летун_Как_Гагарин  25 май 2017

Вот, если честно, я ожидал большего. Точнее, меньшего... Черт, здесь легко запутаться! В общем, надежда была на реальный провал, на альбом настолько позорный, что стебать его можно было бы бесконечно. А на деле перед нами зауряднейшая поп-запись, которой мировой шоубиз подтер задницу еще в момент её выхода. Про "One More Light" забыли бы через пару недель, не будь столь громким имя записавшей её группы. Но поскольку релиз был заявлен заранее, как "самая громкая премьера мая", прессе, в том числе интернет-изданиям, приходится активно о чем-то писать - хотя писать, на деле, не о чем.

Поэтому в данном случае куда забавнее стебать тех, кто пытается хоть как-то отработать занесенные деньги, верстая "джинсу", венчаемую вишенками максимальных баллов. "Неукротимое стремление к экспериментам, поиски нового и свежего звучания" - это, дамы и господа, про альбом с наизауряднейшими звучком и продюсированием. Хоть и пытающийся следовать модноте вроде Twenty One Pilots, Bastille и Imagine Dragons, а иногда отвлекающийся на копирование раннего Тимберлейка, но не вытягивающий выше уровня очередной записи очередной звезды локальных "Икс-Факторов" и "Голосов страны". "Смелый шаг!". Настолько смелый, что в процессе записи - 18 долбаных месяцев вместо положенных трех недель за ProTools в уютном домашнем креслице! - банду пасли ажно восемь продюсеров, заявленных соавторами песен. До чего ж независимые артисты, мать их... Самые отчаянные же пытаются размахивать листочками с распечатанной лирикой. "Артисты! Активная гражданская позиция! Они учат нас, как не сдаваться! Показывают, как мы можем помочь друг другу!". Спасибо, конечно... А помните, как Linkin Park озаботились перспективой ядерной катастрофы, и государства начали массово разоружаться, потому что ОСОЗНАЛИ? Вот и подростки всего мира теперь явно перестанут страдать: ведь рокеры-миллионеры поддержали их морально!

Но врать не буду: реакция на диск в целом весьма вялая. Чего он и заслуживает. Бледность всего "One More Light" отлично отразилась в безликости приглашенной девчачьей поп-звезды (Kiiara). Псевдоним сворован у арэнбишницы Ciara, несколько лет тому назад павшей в неравном бою с Бейонси, голосок скопирован у Сары Хауэллс. Вот уж точно, гостья под стать хозяевам.

Однако, повторюсь, это не тот альбом, что вызывает лютую ненависть, злобу или отчаяние. Безобидное нечто, достигающее дна в абсолютном мелодическом штиле заглавной песни, но имеющее несколько локальных вершинок, к числу которых я бы отнес обе композиции с лид-вокалом Майка Шиноды ("Invisible", "Sorry for Now") и финальный трек, "Sharp Edges". А, ну да, еще спасибо за желание помочь раскрутиться рэперу Stormzy ("Good Goodbye"), он крутой. Короче, 4 балла - идеальная оценка, но тут я вспоминаю про восемь продюсеров, 18 месяцев производства и принадлежность перу группы припевов таких песен, как "In the End", "Breaking the Habit", "Castle of Glass"... Потому нет. Такая заурядность для коммерческих монстров просто позорна.

И да, я по-прежнему рад, что Linkin Park стараются делать максимально разнообразные альбомы. Однако же поп (в широком понимании)-группа, которая не сумела записать достойный поп (в узком понимании)-альбом - это какой-то большой исторический анекдот, не иначе.

Jotun  25 май 2017

Если я начну описывать всю монструозность явления Opeth - неминуемо растяну отзыв до формата уж как минимум повести. Вокруг творчества шведов в разные годы немало было сломано копий, есть люди, боготворящие иx, так же, как и люди, горячо ненавидящие. Однако сам факт того, что именно эти парни, при всей их мегаломании, при всей замороченности и амбициозности не просто остаются на плаву, а еще и являютcя одной из популярнейших "тяжелых" шведских групп формации девяностых - при том, какие там встречались имена - уже говорит о многом.

Так что просто напомню общеизвестный факт: шесть лет назад вышел альбом "Heritage", окончательно разделивший дискографию группы на "до" и "после". И если по "Watershed" включительно наши герои все же ориентировались на предпочтения металхэдов, то с 2011-го играют на поле ретро-прогрессива. Сцена, надо сказать, переполнена крупными игроками, на фоне которых присутствие Opeth в общем пуле не то чтобы играет большую роль: предложение здесь и без того едва ли не превышает спрос. Так что, теоретически, надежды многих фанов группы со стажем на возвращение любимцев хотя бы к позициям "Watershed" не лишены смысла. Однако мужики пока держатся выбранного направления, хотя и не определились до сих пор, в каком именно ключе хотят играть.

Если максимально - подчеркиваю! - огрублять, окажется, что на "Heritage" Opeth пытались быть King Crimson, на "Pale Communion" - Yes, а на актуальном релизе пришло время культа Jethro Tull. Что особенно слышно по самой "джетроталловской" песне, что только появлялась в багаже прог-групп десятых годов - "Will o the Wisp". Однако тяга к прогрессивному фолку, в целом характерная для шведских исполнителей, здесь удачно сочетается с использованием блюзовых мотивов ("Chrysalis"), да и Роберт Фрипп не остался без должной доли почтительных реверансов, "Strange Brew" тому пример. Альбом выдерживает даже испытание ближневосточной этникой ("The Seventh Sojourn"), а уж это, казалось бы, один из самых заезженных, приевшихся, завязших в зубах буквально, мелодических приемов. Ну и вообще серьезно придираться к качеству сонграйтинга я не вижу ни малейших оснований. Opeth умеют делать красивые, элегантные, утонченные аранжировки, техничность исполнения априори не вызывает вопросов, масштаб композиций по меркам группы можно назвать вполне скромным; так что никакой перегруженности деталями песни не испытывают.

Можно придраться к вокалу Окерфельдта - есть моменты, где музыка вынуждает его переходить в неестественно, для себя, высокий нотный диапазон. Можно упрекнуть и звучание; уж на что хорошо был сведен и записан "Pale Communion", а здесь умудрились оставить немало "грязи". Но это проблемы мелкие; субъективно же для меня главный недостаток "Sorceress", как, кстати, и его (ee?) предшественника, заключается в донельзя странной динамике. Заглавная композиция начинается бодро, проходит кульминацию громкости и интенсивности уже к началу второй минуты - и... замирает. "The Wilde Flowers" бодра в первой своей половине, затем резкий спад - и во второй части преимущественно мы слушаем нечто уж слишком расслабленное. "The Seventh Sojourn" спокойна в целом - хорошо, это ей идет. Но её финал - очередной динамический излом, скатывание в какое-то невыносимо дремотное болото нот и псевдокрасивых звуков. И подобные рывки с резким торможением - более чем в половине представленных произведений.

Сложная композиция, как и книга, хороша тем, что кульминация в ней припасена для концовки. В "Sorceress" же все самое интересное чаще всего случается в первые две-три минуты каждой отдельной главы. Потому и релиз для меня оказался хорошим, но удручающе малоинтересным.

Jotun  25 май 2017

Количество поклонников Howls of Ebb - величина постоянная. Как только этой группой по-настоящему увлекается какой-нибудь юный аутсайдер - покупает винил, например, или хотя бы начинает активно делиться соответствующими ссылками в Сети - тут же где-нибудь в другой точке мира находят чье-то тело с заботливо разложенными рядом внутренними органами покойного. Сердце, печень, кишки и прочее образуют нечто вроде печатей Призыва всевозможных потусторонних тварей. Видеозаписи - там, где их можно было раздобыть - показывают одну и ту же картину: вивисекцию жертвы проводят себе сами, демонстрируя, до определенного момента, феноменальную живучесть и безразличие к увечьям. Ну а на компьютерах покойных и на полках их шкафов обязательно обнаруживаются записи под меткой "HoE"...

Короче говоря, добротную заделку для хоррор-сценария я набросал. Вторичную; в частности, по отношению к одному тупому фильму, чье название я благополучно забыл, в котором шерифа маленького городка сыграл Фред мать-его-Дерст (вот уж чье имя вы меньше всего ожидали увидеть в этой рецензии, правда?). Но все же терпимую - есть, над чем работать. Вот только Howls of Ebb, видимо, решили всерьез озаботиться психическим здоровьем поклонников собственного творчества, чем хоть и не слишком настойчиво, но все же рушат приготовленный мною образ.

В чем заключается эта забота? Ну, для начала, музыка на "Cursus Impasse: The Pendlomic Vows" стала намного драйвовей и угарнее, по сравнению с парой предшествующих релизов. Моментов совсем уж прямолинейного дэтового расколбаса, быть может, не так уж много - самые значительные сосредоточены в "The 6th Octopul'th Grin" - но все же эпизоды, когда можно мирно потрясти башкой под грязные и грувовые риффы, отчетливо прибавили в весе. Возросла и средняя скорость исполнения; материал стал менее вязким, и в нем поубавилось пугающих пауз.

Но лучшие нововведения касаются партий баса. Они больше не теряются в инструментальном полотне, более того, именно отчетливо выделенные басовые линии на "Cursus Impasse" oтветственны за создание, страшно сказать, самых настоящих, полноценных мелодий, пребывающих в удивительной гармонии с неровными, исполненными диссонансов гитарными риффами и очаровательными в своей корявости барабанными пробежками.

Все вышеописанное, конечно, не значит, что участники группы - всякий раз указывающие свои псевдонимы в буклете в какой-нибудь новой вычурной стилистике написания - "продались!" Маммону. Почти все, изложенное некогда мною про "Vigils of the 3rd Eye", остается в силе. Просто немного сместились акценты, музыка, ранее словно погружавшаяся в саму себя, сменила вектор на прямо противоположный и хлещет энергией вовне.

Плюс, есть у меня такое подозрение, Howls of Ebb кое-где намекают на то, что не лишены чувства юмора... (Надеюсь, эту чудовищную ересь мне в будущем не придется вымарывать кровью.)

Jotun  25 май 2017

Первый альбом легенд прог-рока (и рока в целом, да и музыки вообще), записанный с Дэвидом Гилмором. Как бы я ни любил космические опусы Барретта, мне кажется что приход Дэйва пошёл группе на пользу.
Начал формироваться тот Pink Floyd, который мы все знаем. Появляются длинные композиции ("A Saucerful Of Secrets") и антивоенные тексты, хотя и недостаточно серьезные ("Corporal Clegg"). Всё это мы увидим позже на самых известных альбомах группы.
В целом, альбом стилистически не сильно отличается от предшественника и представляет из себя всё тот же психоделический рок. Не исключаю что Барретт всё же принял участие в написании некоторых композиций, по крайней мере знаю, что кроме "Jugband Blues" он записал ещё и слайд-гитару. И всё же отличия есть. Во-первых, этот альбом мрачнее "Пайпера". Мне кажется, что эта мрачность вдобавок символизирует неизвестность. Неизвестность дальнейшей судьбы группы. После ухода Барретта музыканты даже не знали куда двигаться и позже начали экспериментировать, не исключая и вероятности распада. Во-вторых, на альбоме нет "полудетских песенок", как это было на дебютанте. Есть две примитивные (как сказал один рецензент - "хиппацкие") рояльные песни Райта - "Remember A Day" и "See-Saw", довольно скучные, на мой взгляд, хотя в первой ещё есть плюсы в виде слайд-гитары Сида "Безумного Бриллианта" Барретта. "Let There Be More Light" - продолжение космической темы. Текст в этот раз затрагивает тему НЛО. В песне запоминается всё - вступление на басу, главный рифф, припев, соло... Однозначно, моя любимая песня на этом альбоме. Загадочный гипнотизирующий опус "Set The Controls For The Heart Of The Sun", текст которого вдохновлён китайской поэзией, и антивоенная психоделическая композиция с причудливым проигрышем на духовых инструментах "Corporal Clegg" - тоже отличные и запоминающиеся песни, причём первая исполняется бывшими участниками до сих пор (Уотерсом точно, насчёт Гилмора не помню). Титульная песня альбома - ещё один шедевр. Вступление на клавишных и слайд-гитаре, середина на ударных, финал на гитаре под вокализ Гилмора. Поговаривают, что эта композиция изображает какое-то сражение языком музыки. Не знаю, но не исключаю. Отдельного внимания заслуживает "Jugband Blues". Наряду с песней "Vegetable Man", не вошедшей ни в какой альбом группы, она является "агонией" или "предсмертным бредом" (скорее последнее) Барретта в составе Pink Floyd. Нет, это никакой не блюз. Это психоделическое трехаккордное примитивное бренчание (именно бренчание) на акустической гитаре, а также диссонирующий наркоманский проигрыш от оркестра "Армии спасения", хорошо подчеркивающий психическое состояние Сида. Текст тоже довольно сумасшедший, что роднит ее с вышеупомянутой "Vegetable Man" (хотя там дела ещё хуже). В общем, хорошая песня, представляющая из себя огромную историческую ценность в рамках легенды "Пинк Флойд".
В общем, альбом получился отличным, но не более. Четыре отличные песни и памятник безумию Барретта были разбавлены двумя рояльными проходнячками от Райта. Тем не менее, альбом - классика. Если вам нравится Пинк Флойд или вообще рок - слушать обязательно.

Летун_Как_Гагарин  24 май 2017

В номинации "подгорело" года" в 2016-м было не протолкнуться из-за внушительного количества претендентов. И на общем фоне злодейства Sleigh Bells, учиненные посредством "Jessica Rabbit", вроде и не выглядят чем-то чрезвычайным. Огорчает скорее симптоматичность подобного провала. Многие шумные, молодежные да хулиганистые пытаются эволюционировать похожим путем, и почти все превращаются в совершеннейшую дрянь.

Обидно, что дуэт повзрослел слишком банально и предсказуемо. Алексис захотелось стать немножко Кристиной Агилерой, Дерек решил попробовать поиграть в Моби. Музыка на "Jessica Rabbit" - это уже почти совсем не нойз, и очень редко - рокапопс, зато все чаще - гламурный трендовый электропоп. С соответствующими по уровню надрывом и пафосом. Хвала богам, у Краусс все же есть чутье на пристойные вокальные мелодии ("I Can't Stand You Anymore", "Hyper Dark"). А вот из Миллера электронщик получился так себе; в лучшем случае он работает на уровне аранжировщиков из команды Карли Рей Йепсен (и это отнюдь не унизительное сравнение), в худшем... В худшем же случае получаем занудство уровня "It's Just Us Now". Хотя нет, есть тут случаи совершенно запредельные, когда мистер Миллер воображает себя эдаким Дэном Лопатиным, гением от мира звукового авангарда, и начинает играть с ритмическим рисунком композиции. Подсказка: это далеко не лучший прием для поп-песен. Особенно когда меняешь унылый некачающий мотивчик на невнятную брейкбитовую муть. Но апогей абсурда - это, конечно, звуковая каша "As If". Альбом долго балансировал на грани огромной вонючей лужи, но здесь буквально плюхнулся в нее. С разбегу. Головой вперед.

Так что мой формат Sleigh Bells - тот, что с зашкаливающей децибельностью и выдержанной на грани фола имбецильностью. Безликость же "взрослого" варианта не выдерживает никакой критики. Хотя... кому-то ведь и вейп с клубничным "табаком" сойдет за бонг.

Jotun  23 май 2017

Нойз-поп долго ждал появления исполнителя, который наконец-то истолковал бы название жанра буквально. Лишь спустя четверть века после выхода дебютного мини-альбома My Bloody Valentine внезапный дуэт нью-йоркского металкорщика Дерека Миллера и нью-йоркской официантки Алексис Краусс решил: если поп, то такой, чтоб взорвать любую дискотеку, а если нойз - то уж шуметь на всю катушку.

"Treats" - это как чертовски уродливый, но все равно любимый ребенок (надеюсь, это было максимально нетолерантное сравнение). Он постоянно орет, ломает даже самые крепкие вещи, неспособен усидеть на одном месте дольше пяти секунд и склонен к беспричинной агрессии. И все равно ведь его воспринимаешь, как малыша милого и забавного. Он едва научился говорить - тексты на "Treats" примитивны и несвязны; главное, скандировать их погромче. На гитаре тоже играть почти не умеет - но уже знает толк в максимальном "перегрузе". Так что от пресловутой стены звука никуда не деться - да и стоит ли пытаться? Ну а песни пишет вполне подходящие его возрасту - сама Аврил Лавин покажется столпом арт-рока на подобном фоне.

Зачем такое слушать взрослым людям? Веселья и угара ради! Будь альбом хоть на пять минут дольше - и уже стал бы утомительным. Ну а так хронометраж у этих похождений слона в костюме чирлидерши (уже и не помню, чья аллегория) по посудной лавке оптимален. Можно вволю оттянуться, послэмить, при наличии свободного времени - повторить процедуру. Плюс, бытует мнение, что этой записью приятно троллить фанатов клубной музыки, у которых происходит когнитивный диссонанс от сочетания правильных ритмов с настолько неправильным саундом. Еще один плюс: Алексис Краусс очень крутая вокалистка. Неважно, что она поет, важно - как.

Последний плюс: не знаю, был ли когда-нибудь задан вопрос "а что, если бы Earth/Khanate/Angelic Process решили играть бабблгам-поп?", но ответ на него уже найден.

Jotun  23 май 2017

Самое забавное в данном случае заключется в том, что проект с подобным названием исполняет вполне серьезную и качественную музыку. "Ну а что?" - делая невинные глаза, вопрошает идеолог бэнда, бельгиец Стеф Хеерен, известный также как Стив Ирритант, известный также как, кхм, Стеф'Aнус. "Это имя было выбрано в честь известного средневекового ведьминского ритуала. А меня очень интересуют и Средневековье, и ведьмы, и магические обряды". Что ж, имею наглость надеяться, что хотя бы кошачьи задницы тебя не интересуют, Стеф.

Музыкально материал "If The Sky Falls, We Shall Catch Larks" можно отнести к неофолку и психоделическому фолку. Причем граница очень резкая и явная: девятнадцатиминутный трип "Sighing, Seething, Soothing" - это чистой воды психоделика, остальные же композиции исполнены в стилистике незабвенных Sol Invictus. Хотя я бы в случае с данным релизом вспомнил еще такие славные группы, как 16 Horsepower/Woven Hand. А именно - из-за фигуры фронтмена Дэвида Юджина Эдвардса. Очень уж манера исполнения Стефа напоминает характерные эдвардсовские "проповеди" у микрофона. Голос, конечно, не столь монументальный, но внушительный - безусловно. С проблескивающими стальными нотками... Хеерен обличает грешников - и поет от имени грешников; проповедует слова господни - и разражается богоборческими тирадами. И не забывает крутить фиги в карманах для особенно увлекающихся толкованиями фанатов. Иногда почти все вышеперечисленное происходит в пределах одной строфы.
I'll kiss the cat of real blood
If that sets fire to your god
No cats in heaven, no
No cats in heaven, no.

Музыка здесь преимущественно выстроена на простых аккордах акустической гитары; однако подобраны они столь удачно и звучат настолько емко, что термин "минималистичная" даже не просится на язык. Хотя чего уж: при необходимости в дело вступает целый арсенал инструментов, от электрогитары до бубна, добавляющего в зелье характерные шаманские нотки. Очень классный, на самом деле, альбом, который будет сложно воспринять целиком разве что из-за подзатянувшегося кислотного трипа в третьем треке.

И что самое главное: разок оценив этот проект, вы вряд ли его забудете. Даже если захотите. Только не смотрите теперь на черных котов так предвзято и с подозрением - они-то уж точно не виноваты ни в чем.

Jotun  23 май 2017

Есть у нойз-рокеров некая тяга к слову "большой"; можете додумать пару пошлых шуток на эту тему, по своему усмотрению. Big Black, Big Ups, ну и наши герои, чье название как раз складывается в аббревиатуру "BIG". Ну а вообще звучное сочетание "Blind Idiot God" взято у Говарда Лавкрафта - именно так в его мифологии обозначено верховное божество Азатот, оно же - Ядерный Хаос, оно же - Султан Демонов. Я не буду в очередной раз цитировать ту фразу про "жуткую дробь барабанов и тихие монотонные всхлипы проклятых флейт", отмечу лишь, что демонические барабанщики здесь неожиданно отметились любовью к панк-року и Black Sabbath, а флейтисты, оказывается, не прочь расслабиться под фанк, рэгги и даб. Так что либо Лавкрафт обманул наши ожидания своей склонностью к безграничным богохульным невыразимым преувеличениям, либо Азатот, оказывается, не столько безумен, сколько вусмерть накурен. Божественному разуму без такой разгрузки наверняка трудно.

В общем, нью-йоркское трио слилось в единый проект, уже имея собственные устоявшиеся вкусы и жанровые предпочтения. И объединять их в своем материале было решено по принципу "взболтать, a не смешивать". Так что на одном альбоме в разных композициях мы имеем и нойз-рок, и жесткую, грязную, но техничную панкуху (ну, здравствуй, Генри Роллинз), и упоминавшуюся выше "ямайскую смесь" жанров, поданную сквозь призму психоделических эффектов. А еще в треках "Drowning" и "Wailing Wall" явно слышны отсылки к академическому авангарду Игоря Стравинского. Вдобавок, гитарист Энди Хокинс, как большой любитель харда, хэви- и трэш-металла, снабдил альбом впечатляющими дозами перечисленных стилей. Правда, отдавая должное динамике, страсти и напору тяжелого рока, Энди не забывал оговориться: "но какие ж там скучные аккорды!". Так что и "нескучных" аккордов самых причудливых размерностей, и самых необычных их сочетаний с ритм-секцией нам уготовано сполна.

Mоя главная проблема с "Undertow" - oн не звучит, как альбом одной конкретной группы. Учитывая характерные исполнительские решения, я бы мог заявить этот релиз как сборник трудов минимум трех исполнителей. Даже за вычетом кавера на Funkadelic, "Alice in My Fantasies", который еще как-то можно сопоставить с "тяжелой" частью альбома, композиции со словом "dub" в названии уж слишком сильно отличаются позитивной, солнечной атмосферой. И это cамые опасные главы "Undertow", вызывающие неопреодолимое желание любой ценой вырваться на карибский пляж. Или хотя бы на Гоа - лишь бы больше никогда не возвращаться в городскую духоту. При том, что эскапизм и дауншифтинг никогда меня особо не влекли.

Ну а финальный "Purged Specimen" - типичный джонзорновский взбаламошный фри-джаз. При участии Джона Зорна записанный и, кстати, им же и сочиненный.

Наверное, цементирующей основой для такой записи могли бы стать вокальные партии, однако Blind Idiot God - трио инструментальное. Ну что ж, пускай. Kто-то выводит самых причудливых жанровых мутантов в рамках одной композиции, иные же пишут разные композиции в разных жанрах. У "Undertow" нет единой атмосферы, но он оставляет однозначное сильное впечатление: сочинившие его парни компетентны в любом выбранном ими стиле.

...А эти чертовы "дабы" так и продолжают манить смуглым ямайским солнышком. Ну да ничего... мы встретимся, рано или поздно.

Jotun  23 май 2017

Конечно, я бы предпочел, чтобы Howls of Ebb не превращались в оккультный конвеер, стабильно отхаркивающий по релизу в год. Мистерия рушится - ведь мы могли бы с замиранием сердца ждать каждый новый альбом, как Событие, жадно впиваясь в него бледными пальцами, не находить себе места от тревоги: а что, если под этой маркой ничего больше не появится; что, если они все же принесли себя в жертву ацтекскому богу смерти Шолотлю? Что, если за этим проектом стоит сам Шолотль?

Ну и да, количество уж слишком часто негативно влияет на качество произведений.

Но пока имеем то, что имеем. Формально "The Marrow Veil" все же заявлен как мини-альбом, но фактически, при тридцати четырех минутах чистого звучания, полностью соответствует любым требованиям к полноформатным релизам. И, кстати, именно по цене стандартного LP он и продается - другое дело, что при скромном тираже в 300 (даже не 333) экземпляров достать его весьма проблематично. Представлены на нем две наиболее мегаломанских композиции, когда-либо сочиненных группой, плюс лаконичная интерлюдия. Учитывая, что "Standing on Bedlam, Burning in Bliss" была написана в период работы над дебютным альбомом, а "Iron Laurels, Woven in Rust" - на сессиях, где сочинялся "Cursus Impasse...", формально второй LP группы, можно понять, что, скорее всего, появление "The Marrow Veil" не было спланировано заранее - просто следовало куда-то деть глыбищи, которые чрезмерно утяжеляли и затягивали релизы, которым первоначально были уготованы.

"Standing on Bedlam, Burning in Bliss" стартует с предельно механистичного риффа, поставленного в бесконечный цикл самовоспроизведения. Железные жвала монстра, безразлично жующего плоть Вселенной. И под этот ритм в голову закрадывается мысль, что Howls of Ebb все же не удержались, стали доступнее с музыкальной точки зрения... Однако дальнейшее развитие событий полностью опровергает такие поспешные выводы. Нет, это все те же HoE, со странными ритмами, жуткими паузами, непредсказуемой динамикой и самыми причудливыми последовательностями риффов. Остановиться минуты эдак на три и уйти в совершеннейшую звуковую абстракцию? Можно и так! Плюс, в материале отчетливо присутствует внушительная доза психоделии, но это отнюдь не та психоделия, где космос или яркие краски, а та, где подавляющая монотонность и разъедающая мозг искаженность звуков. Так что имею право, помимо отмеченных еще в обзоре на дебютник влияний, отметить даже не столько следы творчества модных обскурщиков вроде Portal или Aluk Todolo, сколько прямое следование заветам краутрокеров Faust и композиторов-авангардистов Джона Кейджа и Карлхайнца Штокгаузена.

Как и предшественник, "The Marrow Veil" настойчиво рекомендуется всем любителям жалоб на скучность и предсказуемость экстремальной музыки. Могу советовать со спокойным сердцем - ведь не мне же потом соскребать со стен мозги слушателей, не выдержавших такого сочетания макабричности и максимальной упоротости материала.

Jotun  23 май 2017

Оставшись за бортом тевтонского крейсера Accept и отложив в долгий ящик работу в Victory, Herman Frank решил полностью сосредоточиться на собственном творчестве. Уже третий альбом и очередная смена состава. С прошлого альбома помимо самого Frank'a в команде остался вокалист Rick Altzi, Michael'a Wolpers'a, подвизающегося ныне в концертном составе Running Wild, заменил André Hilgers, а место басиста занял Michael Müller. Забавно, но на данный момент текущий состав уже никак не пересекается с бывшими группами гитарного ветерана; было ли это сделано намерено, либо просто совпало, неизвестно, но, если дебютник по составу представлял собой сплав музыкантов Accept и Victory, то в записи нового диска участвовала команда с совершенно другими корнями.

Так или иначе, все эти пертурбации на музыку повлияли в меньшей степени, ведь мастермайндом данного проекта был и остаётся мистер Frank. Именно на его плотных, можно сказать, эталонных риффах и классических соло строятся все композиции одноименной группы вот уже третий альбом подряд. Роль остальных участников, судя по всему, сугубо аккомпанирующая, потому что каких-либо особенных изменений в мелодике или звучании на "The Devil Rides Out" с приходом новых музыкантов замечено не было. Возможно, хоть это и субъективный момент, вокал Altzi по сравнению с вокалистом первого альбома выглядит слабее, но это вопрос индивидуальных предпочтений. Голос Rick'a звучит более едко и надрывно, напоминая манеру Mark'a Tornillo, другого бывшего коллеги Herman'a.

Музыкально "The Devil Rides Out" старательно продолжает линию предыдущих альбомов, все также балансируя на тонкой грани между Heavy metal и Hard rock, стараниями Altzi все больше заваливаясь в сторону второго, что, само собой, метальной команде на пользу не идёт. Впрочем, подобный перекос это общее возрастное заболевание "heavy-старичков". В снижении доли скоростных композиций были заметны и Sinner, и U.D.O. и Accept; Frank просто продолжает общую тенденцию. С другой стороны, быстрые композиции вроде "Thunder of Madness" и "Running Back" определённо удачны и, хоть и не могут похвастаться большой оригинальностью, но выгодно выделяются на общем фоне. Среднетемповые же треки подкупают уже скорее достойной плотностью звука и качественном тяжелым звучанием. В остальном же им откровенно не хватает огонька или ярких мелодий.

Главной проблемой релиза становится плохая запоминаемость композиций и отсутствие выделяющихся хитов. Во время прослушивания отмечаешь и свинцовые риффы, и увесистые ударные и даже, местами, цепляющие припевы, но стоит отзвучать последней композиции, как все, что услышал забывается моментально. Это как необходимый, но безыскусный обед — вроде поел, голод утолил, даже где-то вкусно было, но это не то блюдо, которое вы будете, цокая языком, вспоминать весь следующий месяц. Это, опять же, общее место команд, которые собираются вокруг одной именитой творческой единицы. У этой самой единицы подчас, к третьему-четвёртому альбому, начинают заканчиваться идеи. У кого-то в плане текстов (как, например, у Grave Digger), а у кого-то, и это уже гораздо печальнее, и на уровне музыки. Вот у Herman Frank эта тенденция проступает довольно отчётливо. И это не может не печалить, ведь на дебютном альбоме Herman выступил более, чем удачно, доказав, что его сольник отнюдь не бестолковая поделка, а крепкая и цельная работа с хитовыми темами и отличным звуком. В этот же раз звук остался на месте, а вот с хитами пошла некоторая напряжёнка.

В любом случае, "The Devil Rides Out" — это грамотная и крепкая работа, способная удовлетворить вкусы любителя классического Heavy metal, при условии, что для указанного любителя следование канонам важнее пресловутой оригинальности.

Диск предоставлен компанией FONO

Nerferoth Drake  22 май 2017

В глубоком андеграунде место находится каждому – палитра жанров предполагает их смешивание друг с другом, а результаты подобных опытов обязательно находят своих слушателей, пусть пока и немногочисленных. Причем данное совсем не означает, что тот или иной коллектив создает нечто безыскусное или посредственное – скорее, виной всему является чрезмерная смелость группы, что, в свою очередь, иной раз отталкивает желающих ознакомиться с творчеством. Вот и на ниве dark hardcore/black/post-metal среди банд, тиражи релизов которых иной раз не переваливают за 100 копий, семь лет назад возникла формация Hexis, чей свежий альбом и хочется рассмотреть.

Если предыдущий лонгплей команды был явно создан с упором на скорость исполнения, то “Tando Ashanti” предполагает гораздо более размеренное повествование, лишь изредка разбавленное эпизодами в духе “Abalam” трехлетней давности. В какой-то степени монотонное тремоло тут дополняется барабанами и довольно стандартным вокальным рисунком, и на первых порах подобное звучит слишком уж замыленно для групп этого жанра. Но уже второй прогон альбома открывает его с иной стороны, после чего становится более заметным звучащий фоном dark ambient, а в повторяющихся, вроде бы, из трека в трек гитарных партиях видится некая изюминка (так, похожий прием можно встретить на “Cloven Hoof” от Young and in the Way) пластинки. Хронометраж LP крайне лаконичен, и его оказывается как раз достаточно для того, чтобы раз в неделю-две погрузиться в особую атмосферу, какую имеет данный релиз. Слушать его чаще, все же, вряд ли захочется – душа нет-нет, да потребует не нагружать ее, потребует что-то попроще. К тому же, играет в этом роль не только сам нойзовый звук альбома, а в принципе отсутствие каких-нибудь хитов. Хит – понятие к данному жанру, конечно, малоприменимое, но наличие на борту релиза пары-тройки отдельно стоящих композиций явно не помешало бы. “Tando Ashanti” же в этом смысле ровен и, будто бы, выглажен катком – ни один трек LP нельзя выделить на фоне остальных, что уже говорит о некотором отсутствии таланта музыкантов. Этот релиз, бесспорно, слушать хочется. Но захочется ли слушать еще одну подобную пластинку? Большой вопрос.

crabvpi13  22 май 2017

Сказать по правде, очень жаль что прощальный альбом с неимоверно пафосным названием "Cult" от финских готик металлистов To/Die/For на деле оказался совсем не тем, чего хотелось бы ждать от коллектива такого уровня. В действительности ну не на такой фальшивой ноте должны уходить музыканты, которые подарили слушателям множество приятных минут своей меланхоличной музыки. Которую, конечно же, не назовешь какой-то прям из ряда вон выдающейся, но то, что они творили в рамках своего стиля, определенно вызывает уважение. Шесть полноформатных альбомов, каждый из которых явно указывал на творческий рост коллектива, постепенно внедряя в музыкальное полотно весьма здравые идеи и нотки собственных переживаний, оттачивая свой собственный стиль за который вряд ли бы пришлось когда-нибудь краснеть.

Однако, как известно - вечного ничего не бывает! И в 2015 году, перед тем как распасться полностью, группа выпускает данный альбом. И вышел он настолько ужасным, что, как говорится, лучше бы его и вовсе не было. Как вариант утешительного подарка фанам такое не сгодится! А вот как вариация на тему последнего гвоздя в крышку гроба - весьма кстати! Восемь измученных композиций, реализованных чрезвычайно паршиво - как с точки зрения общего звучания, так и аранжировок в целом. Складывается такое впечатление, что писалось это, что называется, из-под палки, когда уже ничего не хочется, здравые мысли в голову так и не приходят, а что-то на выходе получить всё же надо в обязательном порядке. Ничем не запоминающиеся мелодии, вызывающие скуку... Причем среди них, по старой традиции коллектива, обязательно затесался кавер, и на этот раз - "Straight Up" от Paula Abdul, и даже здесь звучит он настолько безжизненно, что кроме уныния больше ничем не цепляет. Особенно когда есть с чем сравнивать, например с ранними каверами на Сандру и "In the Heat of the Night", вязкую скорповскую "Passion Rules the Game", "Died in Your Arms" от Cutting Crew, не говоря уже о U2 и Оззи. Про бонус-трек альбома и упоминать даже стыдно... Демо-версия композиции "Dying Embers" в версии 2001 года - ну это просто "изюминка", что называется, от господских щедрот, с огромной важностью расположенная на поверхности навозного пирога.

Разумеется никаким "культом" здесь и не пахнет! А альбом в целом больше вызывает искренний интерес: что же всё-таки двигало музыкантами на закате их творческой эпохи, чтобы вот так на корню похоронить себя заживо, учитывая такой недюжинный опыт за плечами?!?

Uncle Drown  19 май 2017

И все-таки Альцест - феноменальная группа. Я бы, правда, предпочел, чтобы феноменальны они были исключительно своей музыкой, однако же выделяются Alcest, прежде всего, тем, что обсуждение их вне пределов фанатских коммьюнити всенепременно сводится к налету стаи троллей-стервятников (вытащите орнитолога из петли!), которые подозрительно активно начинают заяснять, что и команда-то гейская, и музыка у неё богопротивная, и Ньеж - чертов мужеложец, и слушать их - значит, подвергать свою анальную девственность чудовищной опасности. При этом, прошу заметить, подобные провокации могут исходить как от мохнатых воинов металла, свято верующих в Волшебство, Свободу и Стальное братство, так и всевозможных псевдоэлитистов, оупенмайндовых до такой степени, что они уважают даже ту музыку, которую человечество еще не придумало. А ведь Alcest не носят дурацких костюмов или масок, не мистифицируют публику, не пиарятся по любому возможному поводу, не заигрывают с сомнительными идеологиями... Тем не менее именно им удалось создать музыкальный детектор, выводящий на чистую воду всех, сомневающихся в собственной гетеросексуальности. Повторюсь: феноменально.

Однако же мы тут не диагнозы по айпи собрались ставить. Потому начнем уже рассказ о новом альбоме французов, и начнем его с альбома прошлого. "Shelter" был привычно обласкан критикой, но вот рядовые пользователи Сети, в основной массе, не то чтобы остались в восторге. Причем, что важно, критика на сей раз исходила не столько от "ньежегеев!", сколько от публики лояльной. Да Alcest, сдается мне, и сами поняли, что утопить все стоящие композиторские идеи в океане эха и реверба было не лучшей идеей. Как, кстати, и старательное уничтожение в песнях любой динамики и вектора развития. То, что произошло далее, вполне емко описывается хрестоматийным круговским "что ж ты, фраер, сдал назад?". Дрим-поп-cоставляющая на "Kodama" заметно скукожилась под напором более ортодоксального шугейза, пост-рока и где-то даже постпанка. Более того, сразу в трех композициях мы можем услышать реинтеграцию в музыку Alcest и блэк-металла. Правда, в формате так называемого "блэкгейза" - то бишь, бластбитов и шустрых тремоло можно не ждать, просто в гитарах появляется ощутимый перегруз, а Ньеж переходит на характерный скрим. Донельзя паршивый, кстати говоря, скрим - разучился, что ли? Да и вообще, именно "Eclosion", "Je Suis D’ailleurs" и "Oiseaux de Proie" я бы назвал абсолютно слабейшими главами релиза. Возвращение к экстремальным истокам на сей раз оказалось шагом совершенно лишним: содержательности в этом шуме примерно ноль целых ноль десятых, драйв он не даeт, динамику скорее даже угнетаeт, мелодику и вовсе аннигилируeт. Благодаря вполне объяснимому сужению используемого нотного диапазона уничтожается даже пресловутая объемность звучания.

Зато с шугейзовыми номерами на сей раз полный порядок. В особенности - с заглавным. Великолепная атмосфера, пара фантастических мелодий и очень плавная, завораживающая эволюция ведущего мотива. Отметим и образцовую ритм-секцию, активную и громкую ровно настолько, насколько это необходимо в каждой смысловой главе композиции.

Однозначно классным получился и финал альбома; оговорюсь только, что из двух треков, о которых я говорю, последний, "Notre Sang et nos Pensées", является бонусным и далеко не на всех версиях альбома присутствующим. Так что, дамы и господа, если и покупать/скачивать "Kodama", то только в люксовом формате. Проводить дотошные разборы "Onyx" и "Notre Sang..." желания не имею: канцелярщины хватает и в предыдущем абзаце, а достоверно передать словами уникальную мелодику этих композиций невозможно. Кто-то на просторах Необьятного сравнил её с картинам подводного мира - что ж, лучше и не скажешь.

Итог. "Кодама" - альбом, следующий back to the roots-концепции. По крайней мере, отчасти. И в этой самой части он абсолютно не впечатляет. Зато наработки более поздние доведены пускай не до совершенства, но до более чем приемлемых кондиций. Теперь можно и в "shelter" возвращаться - главное только не растерять вдохновение на полпути.

Кстати, если кому вдруг интересно, "кодама" - японский дух, обитающий в деревьях и ворующий эхо. И часто с оным эхо и ассоциирующийся. Влияет ли это на концепцию альбома? Не слишком, учитывая, что в этот раз Ньеж в целом намяукал строчек эдак едва на сорок текста за весь релиз.

Jotun  17 май 2017

1967 год. Студия Abbey Road, Лондон, Великобритания. Пока четыре добрых молодца из Ливерпуля записывают своего "Сержанта Пеппера", в соседней студии творится какая-то жуть и дикость. Некая новообразовавшаяся группа Pink Floyd записывает свой первый альбом.
А ведь альбом был действительно шоком для своего времени (в шоке был даже Пол Маккартни, пришедший в студию где записывались Pink Floyd) и производит впечатление до сих пор. И понятно почему. Во-первых, инновационная для того времени техника игры на гитаре: фидбэки, слайды, дисторшн в некоторых песнях и прочее. Во-вторых, использование звуковых эффектов (конкретная музыка), элементов авангарда и гипнотизирующие инструментальные партии. Нет, музыканты, конечно, пока ещё не на самом высоком уровне, но впечатления от их игры не меньше, чем от всякого рода технарей.
Композиции на альбоме можно поделить на несколько групп (по тексту и/или атмосфере). Пожалуй, самыми любимыми на этом альбоме у меня являются "космические" композиции - "Astronomy Domine" и "Interstellar Overdrive". Уже с первыми звуками гитары Сида нас уносит в межгалактическое путешествие. И если первая композиция структурирована и представляет из себя только путешествие космического корабля по Солнечной и ближайшим системам, то вторая, являющаяся импровизационной (кроме вступительного риффа) - уже полномасштабное межгалактическое путешествие. Гиперпространственные прыжки прилагаются. "Pow. R Toc. H" и "Take Thy Stethoscope And Walk" (единственная, где поёт Уотерс, а не Барретт) представляют из себя авангардные композиции. Если первая еще неплохая, то вторая - довольно посредственная и плохо запоминающаяся, Уотерс вообще её назвал очень плохой. Понравились также чисто психоделические композиции - "Lucifer Sam" и "Flaming", особенно первая, в которой рассказывается о природе кошачьего поведения. Также понравился довольно красивый клавишный "медляк" "Chapter 24". Остальные песни можно назвать "детскими". Они составляют самую большую группу на альбоме, участники Pink Floyd даже говорили, что "Сид в душе оставался ребенком". В принципе, они мне понравились все, но отмечу "The Gnome" и "Bike", особенно последнюю, со звуковыми эффектами в конце (и очень запоминающимся вокальным мотивом).
Как уже выше сказано, этот альбом был шоком для своего времени. Ничего, скоро флойдовцы нас удивят и не таким, а в музыкальном плане материал станет лучше. Тем не менее, я хотел бы отметить ещё один минус: две космические композиции настолько хороши, что махом отбивают впечатления от остальных хороших композиций. В этот альбом стоит вслушиваться, и не раз, чтобы получить от него полное впечатление (сам прошёл это). А в целом - классика! Без этого альбома не было бы ни дальнейших работ Пинк Флойд, ни прогрессива как такового. Влияние техники игры Сида Барретта отмечал сам Джимми Пейдж. Так что к прослушиванию обязательно.

Летун_Как_Гагарин  17 май 2017

Шведский танк под названием Marduk мчится по мрачным пустошам Черного Металла, сметая всё на своем пути, и мало кто сможет остановить его! Подтверждением этому служит двенадцатый по счету полноформатник, каждая песня на котором – словно оружие, разное по форме и содержанию, но одинаково смертельно разящее.
Зловеще-помпезный, монументальный “Serpent Sermon” звучит словно глашатай грядущего нашествия черной армады, а уж припев застрянет у вас в голове надолго, будьте уверены!
"Messianic Pestilence" – это обтекаемая и стремительная сверхзвуковая ракета, движимая бластбитами и несущая боеголовку беспощадной ярости. Однако, несмотря на запредельную скорость, гитарная партия очень впечатляюща.
"Souls for Belial" – злобное медленное начало с «компьютерным» вокалом переходит в еще один яростный вихрь тьмы, который вскоре замедляется, как будто выдохшись, чтобы в самом конце снова обрушиться потоком злобной энергии.
Скоростные двойные бас-бочки "Into Second Death" входят в испепеляющий резонанс с гитарными партиями, а вишенкой на торте становятся легкомысленные на первый взгляд тарелки (или это треугольники из симфонического оркестра?), чье включение несколько раз за песню добавляет нотку безумия в этот черный вихрь.
"Temple of Decay" исповедует противоположный подход в агрессии и атаке – двигается медленно, как тяжелый танк, приближаясь всё ближе и ближе к слушателю, чтобы раздавить его своими тяжеловесными гусеницами беспощадных гитарных риффов, убийственного мелодизма припева и замогильного хора бэк-вокала. Можно сказать, что “Temple of Decay” и “Messianic Pestilence” – это две крайности, стремительно-разящая и медлительно-тяжеловесная, и остальные песни на альбоме расположились между этих двух крайностей; почти у каждой из них есть свой специфический способ атаки слушателя.
Шестая песня, "Damnation's Gold", поначалу кажется неким продолжением сверхзвуковой атаки "Messianic Pestilence", но меняющийся ритм придает композиции свой особенный шарм.
А вот седьмая песня, "Hail Mary (Piss-Soaked Genuflexion)", особой хитовостью не отличается и интересна разве что порно-сатанистским текстом в духе Belphegor эпохи их максимального расцвета :)
Впрочем, следующая вещь, “M.A.M.M.O.N.”, взбадривает своим неожиданным мелодизмом, мягкостью звучания и привносит свежий глоток в звучание альбома.
После “Маммона” идет самая короткая вещь на альбоме, “Gospel of the Worm”, возвращающая слушателя в прежний яростный ритм урагана своей грохочущей ритм-секцией.
Ну под конец идут две длинные, но отнюдь не занудные песни. Среднетемповая “World of Blades” с неожиданными вокальными вставками, звучащими как будто старые радиопередачи с военной пропагандой, и прямо-таки рок-н-ролльными фрагментами ритм-секции. Впрочем, ярость никуда не делась.
Заключительная же восьмиминутная “Coram Satanae” вообще вызывает ассоциации с… Burzum времен “до мягкой посадки Варга”. Хорошо это или плохо – понять сложно, в любом случае, слушается после всех предыдущих песен даже как-то убаюкивающе и небезынтересно. И еще: мне показалось или в гитарных партиях явно звучат отзвуки Похоронного марша Ф. Шопена?

Вообще говоря, первая половина альбома по своей хитовости и запоминаемости воспринимается как эдакий сборник “The Best Of”. А вот вторая половина альбома ощущения “Best Of” уже не оставляет. Песни не то чтобы плохие или неинтересные, но хитовости первых им уже не хватает. Несмотря на это, “Serpent Sermon” однозначно достоин войти в число лучших альбомов Marduk и вообще блэка шведской школы.

Ilsingore  17 май 2017