|
|
 |
|
| Tsjuder-овский EP "Throne of the Goat" своим появлением на свет ознаменовал новый виток в творческом развитии коллектива. В первую очередь, это относится к реализации сего "продукта" - от кассетных самофинансируемых демо-работ музыканты плавно перешли к выпуску своего творчества на виниле при деятельном участии пусть небольшого, но достаточно известного в узких кругах лейбла, который, к слову, ныне прекратил своё существование.
Во-вторых (и это, пожалуй, главное), производимый группой stuff в который раз претерпел существенные изменения и на тот момент времени вполне мог быть обозначен как raw black.
Фигурально выражаясь, музыканты вроде бы не стали здесь "изобретать велосипед", сыграв всё строго в рамках жанра, но тем не менее, запись "цепляет", и это уже немаловажно.
11 с лишком минут сумасшедшего шквала из скоростных и хлёстких пулемётных очередей ударных вкупе с жёсткими и словно пропесоченными партиями гитар с ощутимым привкусом нойза и довершающим картину яростным вокалом, чем-то напоминающим варговское карканье, но при этом с заметной ноткой истерической ненависти ко всему живому - вот что такое "Throne of the Goat"...
Единственный же минус данной работы я вижу в некоторой её скоротечности, поскольку того времени, что она длится, крайне мало для того, чтобы должным образом оценить труд музыкантов. Впрочем, в данном случае так же уместна поговорка "лучше меньше, да лучше", ибо в будущем музыканты успешно развили идеи, заложенные ими на этом релизе.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Чудные мезальянсы роднят российские катакомбные лейблы и подземные коллективы оттуда, где обезьяны. Вслед за восходом "Патрии" на значке "Монокром", очередные бразильские буяны Vulturine явили себя подписантами российского лейбла "Nomos Dei". Для второго полноразмерного релиза бразильцев лейбл раскочегарился на 500 копий сумрачно и доходчиво оформленного digibook CD. Думается, что этого тиража будет вполне достаточно страждущим. Поелику "A Mais Escura Noite", хоть и вышел ровным да толковым альбомом, все же назвать его сакральным откровением решатся немногие. Краеугольные латиноамериканские работы остались в восьмидесятых, эпоха же слома тысячелетий запомнилась в основном крайне стремными и криворукими черно-металлическими поделками из тех мест. Посему отрадно лицезреть определенную коррекцию синусоиды в лице тех же Patria да Vulturine, - на фоне повальной деградации соотечественников их умения искрят особенно ярко. Вот взять данную пластинку - её общий хронометраж едва переваливает за получасовой рубеж, и это однозначно правильный ход музыкантов, ибо они не балуют слушателя невиданными озарениями или непознанными далями. Лишь потчуют грубыми да неотесанными формами с нажимом на напористую подачу и агрессивную хмурь. Сейчас такой музыки делается с избытком во всех пределах планеты, слушатель избалован и пресыщен, а посему в борьбе за наше время и кошельки побеждают или наиболее дерзко причастившиеся нектара, или наиболее прожженные да деловитые. Vulturine пока не относятся ни к первой, ни ко второй категории. Они уверенно занимают свое место в кромешно-богохульной нише, где и так уже не протолкнуться от святотатцев всевозможных мастей и национальностей. Прослушав эту пластинку с полдюжины раз, я убедился, что вернусь к ней еще не раз, и не два. Но регулярным гостем в проигрывателе она станет едва ли. А вот встряхнуться и пропустить стакан-другой под неё в самый раз, при соответствующем раскладе здесь можно вырулить определенное количество фишек и не бесцельно провести время. Есть здесь драйв, есть скорости, есть атмосфера, есть понимание и умения, есть как форма, так и содержание. Не хватает лишь лучистого таланта да ухода от формализма к неявным и неожиданным аранжировочным решениям, а еще не достает малой толики изъ**ства не от мира сего для пущей харизматичности и рельефности. Пока же Vulturine остаются одними из многих. Равные среди равных, но не равные среди лучших.
|
| |
|
|
|
|
|
| Они всегда находились вне трендовых тенденций, предпочитая творческую раскованность в противовес клишированным формам. Может быть, поэтому известность коллектива имела лишь ограниченный характер, и то, среди эстетов жанра. Тем не менее, с каждым выпущенным альбомом все явственнее вырисовывалась исключительная самобытность банды, даже по меркам такого нелинейного стиля как прог-трэш. Вернувшись к творческой активности в 2009-м с релизом "Gabriel", старожилы сцены предстали обновленной в жанровом аспекте единицей. Но модифицировав форму выражения, наши подопечные сохранили богатое внутреннее содержание с узнаваемыми структурными элементами. Конечно, никуда не деться от того обстоятельства, что теперь музыка Believer содержит некоторую дозу альтернативных влияний, но не надо спешить с обвинениями музыкантов в пренебрежении своим наследием. И уж явно нельзя сказать, что тем самым отцы решили получить большую известность и пролезть на мажорные радиостанции, потому что материал пенсильванской формации до сих пор достаточно непрост и своеобразен. Все дело в том, что в копилке составляющих появилось актуальное обновление, не изменившее кардинально силу удара. Вот мы и подошли к освещению последнего опуса прогрессивных деятелей, носящего название "Transhuman". В глаза бросается довольно таки емкий кавер-арт с изображением девушки, ставшей неким полотном для витиеватых узоров мастера (потрудился Майкл Роснер, который также ответственен за создание обложки для "Gabriel"). В буклете к альбому (как на предыдущем опусе) вас ожидает еще ряд ракурсов модели с обложки, что с одной стороны делает его целостным, а с другой довольно предсказуемым. Что касается непосредственно музыкального наполнения, то в этот раз Believer делают больший акцент на плавном развертывании мелодий, что не исключает присутствия хлестких все еще трэшевых риффов (правда "полечных" проходов уже почти и нет). Очень "теплый" с позиции атмосферы стафф по традиции оттеняется слегка диссонантными аранжировками, что, бесспорно, свойственно для команды. Тонкие струи клавишной поддержки знают свое место и время относительно композиционной канвы, добавляя глубины там, где этого требуется. Разреженные мечтательные отрезки с гармоничной гитарной работой органично соседствуют с заездами на территорию резковатой подачи. Вокальные партии тоже варьируются от выдержанных чистоголосых до психопатично харшевых с коровыми нотками. Пик экспрессии достигается в рамках некой образной "перепалки" двух вокальных приемов, когда надрыв сглаживается потоками умиротворенности. "Transhuman" - это музыка в равной мере для души и ума, что позволяет открывать для себя те или иные аспекты альбома снова и снова. Просто отрешитесь от всего постороннего и погрузитесь в мир описываемого лонгплея. Уверен, что каждый найдет в этой музыке частичку себя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый официальный концертник немцев, записанный во время тура 1987-1988 гг., и ставший одновременно последней записью с «лицом группы», вокалистом/басистом Шмиром, который чуть позже сформировал свой аналогичный по стилю исполнения коллектив под названием Headhunter. На концертник вошли десять вещей из разных периодов, причём упор делался на два последних альбома как одних из самых «сильных» и хитовых: три песни (одна из них – инструментал) с «Infernal Overkill», три с «Eternal Devastation», две с EP «Mad Butcher» и три с наиболее техничного и сложного «Realise from Agony». Весьма интересен тот факт, что здесь нет главной, по мнению многих, песни Destruction, а именно «Total Desaster». Нужно сказать, что материал подобран просто идеально и состоит из сплошных хитов, до сих пор исполняемых группой на концертах. Записан альбом очень качественно, с двумя гитаристами, что является несомненным плюсом, так как добавило необходимой мощи обычно «жидкому» звучанию группы при игре втроём (на тот момент, естественно). Всё это подкреплено весьма нетривиальными импровизациями, что также идет в копилку несомненных плюсов этого диска. Нельзя не отметить оформление альбома: Сумасшедший Мясник здесь просто превосходен, хоть, конечно, и уступает оформлению одноименного ЕР по части детальной прорисовки.
Учитывая все описанные достоинства, можно утверждать, что этот диск даже превосходит аналогичные ему от Sodom и Kreator того времени по вносимым импровизациям и, более того, наличием даже некой «прогрессивности». Очень жаль, что между таким нетривиальным дуэтом, как Шмир/Зифрингер вскоре произойдет раскол, положивший конец существованию на ближайшее десятилетие (потуги без Шмира не в счёт) одной из самых интересных немецких трэш-металлических групп. C лёгкой грустью должен отметить, что современный Destruction – совсем не то…
|
| |
|
|
|
|
|
| Ой, ну ладно, не ворчите... Я тоже понимаю, что этот альбом, в графу "Стиль" которого можно легко вбить поп-рок или еще чего смачнее, несколько не вписывается в рамки и формат. Но хорошая музыка формата не имеет, и позвольте вам всячески разрекламировать сей релиз, преисполненный безудержного веселья, приправленного небольшой долей меланхолии. На этом альбоме "Faith" встречается с "The Lovecats", образуя некий симбиоз из мрачных (ну или просто не очень веселых) композиций, вроде "Kyoto Song", "A Night Like This", "Sinking" - являющейся прообразом для будущего шедевра "Disintegration", и веселых, легких, беззаботных, разнообразных поп-песен. Это и два сингла с альбома: "In Between Days" и "Close to Me", а также великолепная "The Blood", в которой испанское фламенко встречается c пронзительными стихами Смита. Не отстает от всеобщего веселья и "Screw", похожая на джем-сейшн, в котором гвоздем вечера был бас-гитарист Simon Gallup. "Six Different Ways" - что можно сказать про эту композицию? Помимо того, что она одна из самых любимых на альбоме... Ах да, вы вполне могли ее слышать в фильме "The Rules of Attraction" Роджера Эйвери (в России прокатчики перевели название фильма как "Правила Секса"). Но несмотря ни на что, лучшими композициями на альбоме (и одними из лучших во всем творчестве англичан) являются феноменальные "Push" и упоминаемая мной чуть выше "A Night Like This". Эти песни заставляют меня раз за разом прокручивать в проигрывателе этот альбом, который, несмотря на кажущуюся простоту и доступность, все же удивительным образом способен оживить и придать сил именно своим настроением, полным неожиданных поворотов и смен декораций. В общем, не так-то он и прост, как кажется на первый взгляд.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что собой представляет альбом "Love"? Что это за жанр музыкального искусства? Готика ли это? Или это пост-панк? А может быть, этот альбом подпадает под определение "хард-рок"? А ведь самые радикальные поклонники тяжелой музыки могут, засучив рукава, грозно выдвинуть безапелляционное - «Попса!», не так ли? Каждый сможет ответить на вопрос о принадлежности данного альбома к какому-то стилю, лишь прослушав его, и не раз. Но то, что это стоит сделать (прослушать его) - это факт. И я не советую, а настоятельно рекомендую. Потому как те, кто любит хорошую музыку и умеет ее распознать среди огромного количества материала, который сваливается на голову каждый день, безусловно не смогут не признать, что альбом "Love", выпущенный в 1985 году лейблом "Beggars Banquet Records", действительно заслуживает времени потраченного на его прослушивание.
Первая же песня (напоминающая в музыкальном плане The Smiths) является в некотором роде гимном музыке, с великолепными строками: "It rained flowers when the music began; Love all around when the music is loud; Every day, nirvana». И вот когда Ян Эстбери затягивает это свое «Every day, nirvana», возникает желание поставить эту песню на "repeat" и не слушать альбом дальше из-за боязни, что ничего лучше вы не услышите. Но из-за наличия в трек-листе таких композиций, как хитовые "Rain", "She Sells Sanctuary" (любители видеоигр знакомы с этой композицией благодаря Grand Theft Auto: Vice City, в которой на радиостанции "V-Rock" она есть в плейлисте), "Hollow Man" или та же "Revolution" желание не слушать этот альбом кажется абсурдным, так как эти вещи, как минимум, заслуживают право на ознакомление с ними. А собственно, чем они заслужили такое право? А я вот скажу вам, что всем. И великолепной мелодикой, и отличной гитарной работой Билли Даффи, и запоминающимся и неподражаемым вокалом Эстбери, который своим голосом напоминает и будто воскрешает не кого-нибудь, а Джима Моррисона. А благодаря такой, можно сказать, эпической композиции как "Brother Wolf; Sister Moon", возникшей под влиянием мистицизма, ассоциировавшегося с американскими индейцами, альбом приобретает какой-то психоделический оттенок. Если я вас не убедил, что ж... Бывает. Каждому свое. Но несмотря ни на что, "Love" - один из лучших альбомов 1985 года, и стиль здесь не играет особой роли...
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда я взялся за прослушивание этого альбома, у меня уже не было ностальгического настроения и прочей меланхолии, как во время прослушивания дебютного релиза "Only Our Death Is Welcome...", с которым я познакомился, будучи еще прыщавым подростком. Поэтому при оценке "Cool Mortification" надо мной не будет нависать пелена прошлого, что послужит во благо объективности в отношении музыкального материала. Вопреки ожиданиям, от альбома не повеяло скукой, вторичностью или каким-то архаизмом. Этот альбом действительно не претендует на звание классики стиля, но своих слушателей он всегда найдет, потому как любители четкого, ладно скроенного, среднетемпового дэт-метала найдутся всегда. Это прежде всего альбом для поклонников стиля со стажем, которые росли, менялись, развивались одновременно с похожими трансформациями стиля. А чего же ждать тебе, молодому и неопытному поклоннику дэт-метала, который только начал знакомиться со столь специфическим жанром? Во-первых: не ждать чего-то особенного. Во-вторых: не думать, что отсутствие чего-то особенного - это обязательно отрицательный момент. Да и вообще, что подразумевать под этими "особенными моментами"? Лирические отступления (начало "The Loop" и великолепный инструментал "Temporary Being of Insignificancy"); отличные, "уютные" гитарные соло, завершающие добрую половину композиций альбома; атмосферные, почти дум/дэтовые вкрапления ("Forget the Gods") и общая атмосфера холодной отрешенности делают прослушивание этого альбома необычайно приятным путешествием. С различными взлетами и падениями, но все же "Cool Mortification" - работа грамотная, выверенная, и можно с уверенностью сказать, что именно этот результат и хотели получить музыканты, записывая свой второй полноформатный альбом. В целом, после прослушивания этого альбома я очень сильно пожалел, что в свое время, когда я еще был совсем юным и познавал азы, в том числе и такого жанра как дэт-метал, этот альбом мне не удалось послушать. Потому как представленный на этом релизе материал действительно заслуживает только лестных слов. Не являясь чем-то совсем уж восхитительным, непосредственно альбом "Cool Mortification" и группа Krabathor в частности, могут занять в вашем сердце свое, отнюдь не последнее место...
|
| |
|
|
|
|
|
| После сумасшедшего успеха "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" перед Боуи встала непростая задача записи следующего альбома, который бы продолжил этот успех, или хотя бы его не ослабил. Надо сказать, что Дэвид и не думал останавливаться на достигнутом, ибо сочинять материал для альбома "Aladdin Sane" он начал во время своего турне по США в поддержку "Ziggy Stardust". Музыкант понимал, что теперь за каждым его шагом, особенно в музыкальном плане, будут пристально следить. Это позволило ему сконцентрироваться не только на "sex & drugs & rock & roll", но и собственно на творчестве.
Несмотря на то, что этот альбом не имел какой-то концептуальной идеи (как его предшественник), все-таки тема путешествия по Америке выражена и определена на альбоме очень точно. Это касается и тематики песен, и неспроста после каждого названия песни (на оригинальном конверте пластинки) были отмечены географические названия мест, где они были сочинены во время турне. Сам Боуи охарактеризовал "Aladdin Sane" как "Зигги отправляется в Америку", что можно рассматривать как неофициальное название этого альбома. Кстати, о названии: мало кто замечает откровенный каламбур в словосочетании Aladdin Sane (Нормальный (Разумный) Аладдин), ибо те кто мало-мальски говорит по английски, может заметить, что последовательность букв вполне можно распределить по другому, (отбросив вторую D, конечно, но не так уж это и важно): A Lad Insane (Безумный Парень), что тоже символично, в какой-то степени...
В музыкальном плане альбом можно охарактеризовать как более хард-роковый, особенно, если сравнивать его с предшественником. Как вы думаете, почему я выделю песни "Aladdin Sane", "Time", "Lady Grinning Soul"? Не только потому, что это самые известные композиции с этого альбома, но и потому, что они стали таковыми, благодаря великолепной работе присоединившегося к группе известного пианиста Майка Гарсона (позже сотрудничавшего с Nine Inch Nails и Smashing Pumpkins), добавившего своей игрой некоторое авангардное джазовое чувство. Особенно это касается заглавной композиции "Aladdin Sane" с ее великолепным соло на фортепьяно, бесспорно ставшим одной из основных изюминок альбома. Причем длинные и иногда атональные соло на фортепьяно в исполнении Гарсона застревают в голове при первом же прослушивании. Но, как это обычно бывает, нашлись и критики, которые были недовольны чрезмерным, как им казалось, влиянием Rolling Stones, особенно, в композициях "Cracked Actor" и "Watch That Man" (кавер на "Let's Spend the Night Together" говорит сам за себя). Что на эту критику можно ответить? Ни-че-го! Плевать. Влияние влиянием, но для тех, кто не предрасположен, слушая музыку, искать в ней прежде всего недостатки (хотя влияние Rolling Stones на музыку того или иного музыканта недостатком я бы не назвал), а наслаждаться великолепными аранжировками, продуманной и полной аллегорий лирикой Боуи, отличной гитарной техникой Мика Ронсона и неподражаемой фортепьянной игре Гарсона - этот альбом запомнится надолго, если не сказать на всю жизнь, потому как музыка Боуи вне времени.
Несколько слов об обложке, одной из классических обложек в истории рока. Дизайн, созданный Даффи и Селиа Фило, представляет собой раскол между персонажами Зигги Стардаста и так называемой "идеей о рок-н-рольной Америке" Боуи. Именно эту концепцию на изображении подчеркивает зигзаг молнии, который как бы разделяет две личности. А учитывая то, что название альбома было инспирировано (или по-другому повлияло) на Боуи, у которого был сводный брат, страдающий шизофренией - можно по-разному истолковать образ и значение изображения на обложке. На обратной стороне, кстати, расположен лишь контур певца.
В общем, альбом "Aladdin Sane" - это безусловно веха в истории не только рок-музыки, но и музыки вообще. Авангардный дух, стоуновская раскрепощенность, дерзкая лирика (чего стоит знаменитая "He flexes like a whore; Falls wanking to the floor" - из "Time", или "Suck, baby, suck, give me your head; Before you start professing that you're knocking me dead" - из "Cracked Actor") - все это делает этот альбом особенным, даже если рассматривать в целом творчество Боуи, которое было богато на метаморфозы и прочие трансформации. Классика. Культ. Шедевр. Музыка.
|
| |
|
|
|
|
|
| Неплохой немецкий трэш. Или дэт, как иногда называют Baphomet, хотя последнего на этом альбоме почти и не осталось. Если бы пришлось писать портрет эпохи начала 90-х, Baphomet оказались бы для этого идеальным кандидатом. Почерпнув, кажется, из каждого из популярных тогда стилей, коллектив не создал, однако, ничего экстраординарного. Но и в дословное копирование чужой музыки не скатился. Немного «злого» вокала, слегка утяжеленное, по сравнению с тем же Kreator, звучание, и экивоки в сторону наиболее продвинутых команд своего времени. Попытки сыграть изощренно, увы, не принесли Baphomet ожидаемой пользы. Соло и неожиданные для трэша находки на альбоме есть в обилии, но «Latest Jesus» не блещет яркой мелодикой. Украшением альбома стала одноименная композиция, где и солирующей гитаре, и клавишным была, наконец, дана возможность показать себя во всей красе. Про материал в целом этого сказать нельзя. К сожалению, Baphomet, похоже, так и не определились, как именно они хотят звучать: так же зло, как земляки из Protector, или так же оригинально, как Voivod или Celtic Frost. Вовсе не хочу ругать крепкий «Latest Jesus», но трудно представить, чем именно этот альбом способен был привлечь внимание слушателя 90-х. Двадцать лет, прошедших с момента выхода в свет, вряд ли принесут ему лишние баллы.
|
| |
|
|
|
|
|
| Герои и одни из первопроходцев американского дума несколько сбавили мрачности навеваемой атмосферы, однако «качать» их музыка не перестала. По крайней мере, совсем. На одноименном диске присутствует как думовое молотилово, так и шустрые темпы, отличные мелодии. К выделяющимся трекам следует для начала отнести “The Misery Shows (Act III)”, кантри-балладу, где лирика попеременно сменяется мощью. Следующий за ней “R.I.P.” начинается отличным мрачнейшим думом и перерастает в классный хэви с отличными мелодиями, фирменным трагичным вокалом Вагнера и мистическим шепотом “Rest… in… Peace…”. К сожалению, это очень короткий трек. “Black Shape of Doom”, несмотря на пафосное название, чернотой судьбы не отличается. Это хороший такой хэви с типичными Trouble-риффами и небольшим рок-н-ролльным промежутком в середине. Также хороша “All Is Forgiven”.
Теперь про негатив. В свое время эта команда, игравшая довольно мрачную и тяжелую музыку, но с про-христианскими текстами, умудрилась подписаться на Def American - лейбл, который помимо весельчаков RHCP еще выпускал продукцию таких именитых чернокнижников, как Slayer и Danzig. Однако "Траблам", записанным в историю, как команда “белого”, светлого из-за текстов, металла, было пофиг. Они продолжали играть, ну и проповедовать немножко им было не в тягость. Несмотря на некоторый позитив, который когда-то несла лирика группы на фоне засилья сатанизма и насилия в текстах металлических команд 80-х, постоянные реминисценции к небесам и спасению души на данном альбоме начинают быстро действовать на нервы. Перлы вроде этого “Nobody knows the trouble that I’ve seen/Look around I hope that you’ll agree/Now it’s time to pay/Never too late to pray…” (E.N.D.) вездесущи.
Тем не менее, это отличный материал в лучших традициях хэви и дума (только всё же менее мрачный, с более яркими балладными и -ролльными мелодиями), который у поклонников этих стилей будет пользоваться, да и пользуется, наверное, уже 12 лет, большим успехом. Старая гвардия, как-никак.
П.С. Уже после прослушивания отметил, чем замечательна обложка. Группа запечатлена на фоне, скорее всего, собора, который уже начал потихоньку расслаиваться и рассыпаться, а внутри вовсю растет зелень. Тем не менее, наверное уж лучше быть там, чем в строящемся метрополисе, который отражается в уцелевшем стекле двери слева!
|
| |
|
|
|
|
|
| Вот вздумал я прикупить последний Sodom, приобщится к их новому курсу и вообще к современному трэшу, а судьба, сами знаете, как распоряжается. Увидел новый Witchery и всё для себя тут же решил. Блэк-н-ролл с «Dead, Hot and Ready» меня очень порадовал, надо кайф культивировать. Да еще ведь и с Легионом на вокале! Как такое пропустить?
Пришел домой, полистал буклет, послушал... и понял, что совершенно спокойно можно было брать "Содом". Потому что был бы это тот же трэш, только без сюрпризов бы обошлось. От прежнего «классического» состава остались лишь Дженсен и ДиАнджело. Даже девку из буклетов куда-то дели... Рубят тут товарищи мощно, качественно, но всё же не так весело, как раньше. Решил, что очень уж брутально; вывеска не та для подобного экстремизма (хотя уже на прошлом, неслышанном мною диске, они, как оказалось, уже играли трэш).
Однако ж... через какое-то время переслушал старый Witchery и понял, что оказался неправ. Если сравнивать «Witchkrieg» с «Dead, Hot…», то новый "Витч" – это самая что ни на есть прямая эволюция команды. Звук, действительно, почище и побрутальнее, но риффы, которые пишет Дженсен, имеют ту же структуру, драйв, и агрессию, что и 12 лет назад! Разве что раньше музыку ведьмаков можно было классифицировать как нечто вроде трэша с блэковой атмосферой и вокалом, и с неслабой дозой хэви-метала, по большой части от отцов британской сцены – возможно, Motorhead и уж точно Judas Priest. Теперь же от веселого и местами разболтанного «хэви» практически ничего не осталось. "Пристов" так уж точно нет. Музыка еще больше прибавила в спаянности инструментария, а звук местами напоминает чуть ли не дэт. Должен заметить, однако, что дух британского олд-скул-экстремизма всё-таки не иссяк бесследно. “Devil Rides Out” является чем-то вроде «трибьюта» тем же Motorhead, только с более брутальным звучанием. При прослушивании основных куплетов этой вещи вспоминается основная часть “In the Name of Tragedy”, а там, где про «beat the drum» – скорее, “Deaf Forever”!
В целом же, добавлю, что как свою особенную мелодичность ведьмаки продолжают местами демонстрировать и вдобавок неплохо качают ("One Foot in the Grave"), так еще и ребята из Slayer, Exodus и King Diamond кое-где соляки играют, в своей привычной классической манере, что очень радует (в основном, Энди ЛяРок).
Что касается Легиона, то он очень хорошо ревет и шипит. Вписался мужик. Он очень достойно продолжает дело прошлого вокалиста, Токсина, изрыгая ярость в том же духе, пусть и в более жестокой форме (все, вроде, помнят его работу на "World Funeral"?)
В общем, еще какое-то время обойдусь без Sodom...
|
| |
|
|
|
|
|
| После восхитительного "The Pariah, The Parrot, The Delusion" я очень ждал появления нового творения этой весьма талантливой группы. "The Pariah" был альбомом действительно сильным, с подавляющим количеством хитовых и просто задушевных композиций, с действительно интересными аранжировками, лёгкими трип-хоповыми вставочками, и конечно же, запоминающимися припевами. "Что же поднесут они на новом альбоме?" - думал я. И вот, значит, публикуют обложку альбома с некой татуированной девицей, на лицо которой натянута маска с улыбкой. Увидев эту обложку, я насторожился, и, как после оказалось, сделал это не зря.
Уже с первой песней музыканты заставили меня сидеть с перекошенным лицом. "Another Tribe" напомнила мне типичную приторнейшую русскую попсу начала девяностых с невероятно назойливым заглавным проигрышем. Далее две совершенно невнятные телеги, крайне незапоминающиеся, и достаточно унылые. Немного в чувство меня привела следующая "Somebody Is Laughing". Хоть номер тоже достаточно попсовый, но в нём ощущается некоторая живость предыдущего альбома. А то, что было дальше, заставило меня отложить под стулом большой кирпич. Ужасно ездящий по ушам, приторнейший синтезаторный вынос мозга в стиле эмтивишного хип-хопа с совершенно незапоминающимся вокалом и полным отсутствием гитар. Тут я, честно говоря, не выдержал и выключил. Зачем этой талантливой и оригинальной команде так неуклюже подражать поздним альбомам Radiohead? Я был в полном недоумении...
Потом я несколько недель не прикасался к альбому, но через какое-то время всё же решил насильно заставить его себя послушать. После 5-7 прослушиваний я начал потихоньку "въезжать". В принципе, по своему духу это всё тот же dredg - изящный, мелодичный, даже артистичный. Просто на этот раз музыканты решили сделать совсем лайтовые аранжировки - задвинули на задний план гитары и стали больше внимания уделять целостности песен. Получилось это у них достаточно успешно - по сути, это можно назвать идеально подогнанными по всем параметрам поп-песнями. Ни одного соло, никаких изящных, характерных для предыдущего альбома, риффов, никаких междупесенных вставок. Только монолитное мелодичное полотно, обладающее какой-то чрезвычайной лёгкостью и даже невесомостью в своей энергетике. В целом, также достаточно сильно заметны веяния модных хипстерских течений - инди, трип-хопа, синт-попа, лоу-фай и т.п. Но из уст этой группы это звучит не так уж и бездарно. Живые барабаны практически полностью упразднены и заменены электронными битами, гитары сведены к минимуму, и играют в основном на заднем фоне, басовые партии вообще разобрать трудно, скорее всего, они есть лишь в паре-тройке песен.
Если подвести итог - хороший альбом, но на прогрессивный рок уже не тянет. Альбому очень сильно не хватает энергии - половина песен стягивает своим меланхоличным настроем, половина песен - этакая светлая грусть. Наиболее бодрыми номерами являются "Somebody Is Laughing" и "The Thought of Losing You", две танцевальные полу-роковые композиции. Альбом неплохо подойдёт для прослушивания фоном и для людей не замутняющих голову понятиями "это не рок" или "это не тру". Ожидающих же прогрессивного рока ждёт крепкое разочарование.
|
| |
|
|
|
|
|
| Существует мнение, что дарк-джаз - стиль, более распространенный в Германии и Скандинавии. Именно там рождаются удивительные и загадочные мелодии бессонных ночей. Однако приятно наблюдать, как с каждым годом групп, синтезирующих свободолюбивую музыку Нового Света и мрачные настроения северной природы, становится все больше, а география жанра расширяется. Эта музыка идеально подошла бы очередной черно-белой кинокартине середины века, где лица героев не различить в сигаретном дыму, а один из фрагментов головоломки затерялся и никак не позволяет найти убийцу. Словом, нуар. И правильнее бы добавить именно такую приставку к названию стиля, чьи мелодии - сплошные инсинуации. Пожалуй, поэтому появление на северо-западе Франции, а именно в городке Брест, что расположен на высоких холмах у самых вод Атлантики, подобной музыкальной формации не случайно.
Вдохновленные творчеством Дэвида Линча, они назвали себя Dale Cooper Quartet & The Dictaphones, ведь именно Дэйлом Купером звали агента, расследовавшего убийство Лоры Палмер в линчевском "Твин Пиксе". Черпая тревожность и загадочность в психоделических трипах кинохудожника, участники брестского квартета встали на путь призрачных намеков и мрачных импровизаций. Поднимающееся над Атлантическим океаном холодное солнце, одинокие барки рыбаков, трубы дымоходов, пустынные улицы, укрытые первым снегом словно слоем пепла. Все это лишь намекает на картины из прошлого. Забытые картины. Что же здесь произошло?
Поиски своего саунда увенчались для бретонцев успехом: созданные или, если быть точной, сотканные ими мелодии - это электронный бит метронома и ненавязчивое сопровождение флейты, тоскливый саксофон и обволакивающие сэмплы, добытые во время "полевых" вылазок. Гармонично вписывающиеся в выбранную концепцию шумы утреннего города и океана отражают ту самую опустошенность, что гложет героев, идущих по шоссе в никуда. Отчужденность и неприглядность гонят все дальше и дальше, не позволяя оглянуться назад, сказать "нет", остановиться.
Этакая отсылка к творчеству экзистенциалистов - Dale Cooper Quartet & The Dictaphones претендуют на место главных сочинителей саундтрека если не к новому фильму Дэвида Линча, то, как минимум, к экранизации одного из романов Камю. Время рассыпается, словно кто-то разбил часы; пространство разлетается, как дворец из карт, из основания которого выдернули лишь одну. Вот только какую? Ощущение чего-то незаметно ускользающего не покидает еще долгое время после того, как пластинка отыграла. Нет, недосказанность входила в планы этих ребят, определенно. Музыка, en parfait подходящая меланхолии. Для тех, кто решил никогда не выходить из тени, "Parole de Navarre" может стать верным спутником странствий по темной стороне.
|
| |
|
|
|
|
|
| Культура и философия хиппи возникла в 60-е годы в Америке. С тех пор прошло более 50 лет. Нынешние “дети цветов” поменяли косяк и свободную любовь на банку пива и девочек из бара, да и музыкальные предпочтения повернули в другое русло. The Beatles и нежные наигрыши акустической гитары в прошлом, сегодняшний день – хэви-метал родом из Техаса.
Рад познакомить вас с группой из штата ранчо и нефтяных вышек, Texas Hippie Coalition, которая играет хэви с сильным налетом “southern”. Что такое “southern”? Это атмосфера. Бескомпромиссный риффинг, четкая ритм-секция, агрессивный харш, простые, но цепляющие тексты. Ничего особенного, но ощущения такие, как будто в Техас приехал. На альбоме можно найти 10 треков, которые условно можно поделить на 7 боевичков и 3 баллады. Другого ребята не делают. И в тех и других основное внимание уделено вокалу, который в каждом треке на высоте: где надо – хриплый харш или скрим, а где-то нежно-романтический, ну, насколько это можно. Гитары составляют отличный аккомпанемент. В треках потяжелее звук сухой, отрывистый, риффы простые и прямолинейные, композиции все как одна среднетемповые. Неплохо смотрятся соло гитариста, опять же, просто и со вкусом. В других треках можно услышать минималистичный перебор на клине и даже игру боем. Ритм-секция не стягивает на себя одеяло, чудо-долбежки и джазовых дорожек вы не услышите; парни хорошо знают свои 4/4 и добротно отыгрывают их. Вообще, концепция альбома сводится к простоте как музыки, так и бытия. Ведь зачем искать что-то извращенно сложное, когда ответ лежит на поверхности? Неудивительно, что коллектив родом из Техаса, где образ жизни, климат и история приближают тебя к простому, “redneck”-мировоззрению, если хотите. Музыка легка для восприятия, застревает в голове на несколько дней и также стремительно оттуда вылетает, но всегда приятно вернуться и послушать пару песен, потому что это музыка не под настроение. Она его сама создает. В голове появляется решительность, желание решать проблемы и двигаться вперед. За это группе и спасибо, немного в последнее время я слышал такой откровенной музыки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Кратко о рецензенте (о себе): знакомство с группой начал с альбома 2007-го года («Rise of the Tyrant»). «Подсел» моментально. Переслушал почти все. Люблю группу за изящную мелодику, предпочитаю альбомы, записанные уже с Анжелой, хотя в плане умения держать себя на сцене – на мой взгляд, она зачастую «пересаливает лицом». Любимая композиция – «Intermezzo Liberte».
Скажу об альбоме в целом. Обладая мощной мелодикой (Эммоты в этот раз не то чтобы не подкачали, а даже перепрыгнули себя в нескольких местах), альбом идеологически не настолько целостен и мощен, как «Rise of the Tyrant». На альбоме заметны стилистические поиски группы, причем вдохновение и материал для подражания они черпают из прошлого – из 80-90-х годов. Здесь можно услышать отголоски Metallica, Slayer, Iron Maiden, Stratovarius и даже (о боги!) глэм-рока. Регулярные задвиги в heavy-metal, которые я слышал на «Rise of the Tyrant», тут повторились, углубились и расширились. Это только то, что услышал я, другие же слушатели наверное увидят параллели и с другими группами или стилями. В целом же, в сравнении с эталонным «Rise of the Tyrant», продукт получился менее тяжелым, более ясным идейно, но менее самостоятельным стилистически.
«Cult of Chaos» - бриллиант альбома. Заводное трэш-дэтовое вступление, ураган барабанов (не слившихся при этом в кашу), массивные мощные рифы, великолепное соло, в конце еще одно соло, вкрадчивое и таинственное! Почти совершенство, хотя и не хит, который запомнится. Как говорят, "зал будет рвать на все сто".
Заслуживают отдельного внимания также две заглавные композиции - «Yesterday Is Dead and Gone», «Bloodstained Cross». Особенно вторая – очень разноплановая, тут и звериное неистовство, апокалиптичность, и немного сентиментальности. Простой и сильный текст.
Можно назвать интересной и запоминающейся также «No Gods, No Masters», если бы не ее слишком уж простая мелодика.
Во многих других композициях сквозят heavy-металлические ходы. К ним еще можно привыкнуть (особенно тем слушателям, кто знаком с «Rise of the Tyrant» - там тоже были heavy-зарисовочки, только в гораздо меньших дозах). Хуже то, что имеются определенные стилистические заимствования у таких легендарных групп, о которых я уже упоминал (Slayer, Metallica, Iron Maiden, Stratovarius, глэм-роковые группы). В одном моменте я даже узрел риффовку, похожую на In Flames («The Zoo», 3:50).
Те, кто считает, что на альбоме нет чистого вокала, не совсем правы. Он есть, правда лишь в качестве едва слышимого бэк-вокала (!) в композиции «Through the Eyes of a Raven».
Остальные композиции для меня либо слишком бездумно-мясные, либо нарочито пауэрные (в легкомысленном духе Stratovarius), либо слишком эклектичные по стилю. Но те, которые «мясные», в качестве концертных боевичков, годных для живого выступления, вполне сойдут. Для вдумчивого индивидуального прослушивания – нет.
Внимательно проанализировав каждую песню на альбоме, приняв во внимание обилие красивейших соло, доходящих по уровню до моего любимого «Intermezzo Liberte», сняв один балл за упоминаемое многими рецензентами в целом «немясное» звучание альбома, я поставил ему 5 из 10.
Итак, «Yesterday Is Dead and Gone», «Bloodstained Cross», «No Gods, No Masters» и «Cult of Chaos» остаются навсегда в моей фонотеке…
|
| |
|
|
|
|
|
| Первым своим блином Yacøpsæ плюют в лицо не только общественному вкусу в лице приличной его части, но и наводят шороху в стане самой широкой субкультуры. От пафосного заголовка «Fuck Punk Rock... This Is Turbo-Speed-Violence!» веет максимализмом и эпатажем, которые были более уместны в конце 80-х-начале 90-х, а сейчас воспринимаются как запоздалые нападки на отжившие реалии. Тем не менее, коли умеешь играть с гротеском, а вернее – рубить со всей дури, никогда не будешь выглядеть старомодным и ненужным. Наши немцы, к счастью, умеют, а потому заслуженно востребованы. Играют тяжело, беспорядочно и весело. С приличным звуком, в котором тонет все лишь в моменты самой ожесточенной анархии. В пределах своих коротких (до минуты и не более 1,5 оных) и агрессивных манифестаций мощного аудионасилия немцев от среднетемпового качающего пассажа швыряет в жирный, но мобильный хардкор и далее в бластинговый хаос. Гитарный вал массивен и порою устрашающ, рычание перегруженного баса в паузах грузит и одновременно возбуждает, ударные предельно естественны – кастрюльны и в необходимой степени насыщены железными всплесками тарелок. Невротическая природа бластов, волнообразность музыки в целом, крикливая рваность вокальных партий (немецкий удачно подвернулся), общая ровность музыкального материала, изредка нарушаемая незатейливыми сэмплами обыденной жизни – все по канонам, заданным давно учителями, и формирует монолитную картину, необходимую для зачета по дисциплине «практический пауэр-вайоленс и начала грайндкора». Хитом является берущая свое начало в духе бодрого и светлого поп-панка “Blind”, чем же она закончится догадаться несложно...
|
| |
|
|
|
|
|
| Название альбома следует переводить как «болезненный шрам» (очень сочетается с названием группы «боль избавления»). Боли в этом альбоме действительно много, пусть она и передаётся несколько другим способом, как в направлениях дум и дэт-металл – менее прямолинейно, более сложно, запутанно, изощрённо и витиевато. Так, что сквозь звуки можно почувствовать ностальгию по детству - времени, когда слёзы, очищающие твою душу, приходили гораздо чаще и не считались чем-то постыдным. Основная идея этого альбома – неприятие человеческой личностью разных атрибутов моды и истеблишмента. Человеческая личность больная, как и больное общество, в котором она живёт. Критике подвергаются дорогие автомобили, успешные, но абсолютно пустые люди, которым цены полностью заменили ценности. Последнее – главная тема ну невероятно, по-детски щемящей баллады "Сripcaged" (тема детства также здесь проявляется с помощью эпизодического детского смеха), перекликающейся с "Kingdom of Loss", шестой композицией. В альбоме "Scarsick" и первой одноимённой композиции, так же как и в альбоме "Perfect Element" присутствует смакование модных тенденций музыкального китча и противопоставления их проверенным временем арт-роковым элементам – за элементы пошлости и безвкусицы отвечают речитативы, которые чуть ли не рэпперскими назовёшь. Отдельно хочется сказать про ироничную композицию "America". Группа не скрывает того, что эта страна пытается управлять миром и, в принципе, людей портит. Однако поскольку композиция ироничная, всё это подаётся с шутливой стороны, и в музыкальном плане это чем-то похоже на арт-прогрессивный рок-н-ролл, уходящий корнями в семидесятые – можно вспомнить группу Styx, в меньшей степени Foreigner. А вот следующая после неё композиция поражает как и названием, так и своим временем – ну не смешно, когда на диске группы тяжёлого арт-рока встречается песня "Disco Queen", да ещё и длящаяся восемь минут двадцать две секунды? Естественно, тема поверхностности продолжается – и на этот раз критике подвергаются поп-звёзды, гораздо больше привлекающие кукольной внешностью, чем музыкой, как искусством. Ирония превращается в стёб. Последние четыре композиции будут посерьёзнее и гораздо более цельными – повеселились и хватит, хоть и само название одной их песен "Idiocracy" может так же, как и предыдущие вещи, вызывать улыбку на лице.
|
| |
|
|
|
|
|
| Данную группу считают одной из тех, кто сильно подражает Dream Theater, при этом находится в Германии (в этом плане её можно сравнить с Vanden Plas, Poverty's No Crime и Ivanhoe). Конечно же, многие каноны прогрессива в дебютном альбоме этой доичбанды соблюдены, пусть и нет заковыристых ходов и виртуозности "Театралов", зато есть настроение, нерв, которого так часто не хватает современному прогрессиву. И его делает не только надрывный, но при этом чистый высокий вокал, исполненный в старых добрых традициях хард-н-хэви с вполне мясными гитарами и слегка задранной ритм-секцией, но и какая-то прямо пронзающая мелодичность, которая вкупе с формой и клавишным оформлением создает ощущение присутствия в фильме с лихо закрученным сюжетом, но в настроении которого полно всё равно какой-то безысходности, невозможности изменить ни давящую своими табу и обстоятельствами действительность, ни отношение к ней. Так и начинается альбом - композиция "Truth Ain't Kind" прямо одёргивает тебя своими риффами, в то время как фортепиано придаёт этому некое художественное благородство, так и заканчивается - в композиции "Until the End" то же фортепиано, но которое теперь выражает чувство какой-то невосполнимой потери, а уж вокальная мелодия его подчёркивает. Вообще, весь он с начала до конца как будто бы на одном дыхании - без лейтмотивной системы (последняя была в "Awake" у "Театралов" за год до этого), но с композициями, которые атакой, без паузы, переходят одна в другую. Ощущение присутствия в каком-то сюжете показывают и звуковые эффекты - в композиции "Dial 911" звуком полицейской сирены с вертолётом, в упомянутой выше самой последней - ветром с дождём.
В любом случае, это очень запоминающийся, яркий альбом, тем более, для дебюта, и как-то обидно, что группа незаслуженно забыта, и ничего не слышно об её участниках в настоящее время.
|
| |
|
|
|
|
|
| После того, как группа решила нам возвестить о возвращении в люди и записала вполне современный по материалу и звуку дэтовый альбом, несколько однобокий и без премудростей, она решила показать ещё одну сторону своего творчества, которой, собственно, и выделялась раньше. Второй альбом "нового" периода, то есть, после распада, вернул нам ощущение сюра, которое нам передал в своё время самый одиозный альбом "Spheres" - да-да, если хотите, называйте это сюром, хотите - безумием, хотите, обзывайте это дисгармонией и диссонансом. Но это, как говорили в советское время, художественно оправданный диссонанс, не мешающий подлинному раскрытию образной палитры, раскрытию без сучка и задоринки. Правда, в отличие от "Spheres", здесь нет электронно-неоакадемических звуковых ландшафтов, - всё диссонантное безумие принадлежит как раз-таки сырому металлическому мясу, гитарам, подкреплённым рявкающим вокалом, - и не клади палец в рот, из которого этот вокал резонирует - не просто откусит или съест, но харкнет, да так, что вызовет ответную реакцию организма. Нет, не подумайте, что то, что записано на альбоме - полная грязь и это невозможно слушать, просто состояние болезненности и отвращения здесь передано хорошими художественными средствами, фантазия работает идеально и кормится мастерским владением инструментами, знаниями возможностей последних и необычайной композиторской раскованностью при передаче импульсов. Pestilence показали, что есть ещё порох в пороховницах, что ещё можно написать интересную музыку, и что отсутствие примитива в музыкальном языке и изощрённые риффы - совсем не препятствие тому, чтобы музыку сделать по-настоящему тяжёлой и зверской, а наоборот, лишь невероятно сильное для этого средство.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как мы хорошо знаем, группа Linkin Park весьма неоднозначна: у нее много почитателей и, наверное, столько же ненавистников. Одни считают ее жутко переоцененной, другие – гениальной. Не будем вдаваться в рассуждения, кто прав, метал это или не метал, а будем расценивать с точки зрения… музыки. Что-что, а “Reanimation” подавно назвать металом язык не повернется.
Прежде чем начать рецензировать диск, стоит оговориться, что "Reanimation" – это полностью ремиксованный дебютный альбом группы “Hybrid Theory”. Но почему ребята посвятили ремиксам целый диск? Ответ прост: это альтернативный вариант первого лонгплея. Коллектив показал, что горазд на эксперименты, и в голове у них множество идей, которые они не прочь воплотить. Идея, на самом деле, замечательная, и это не просто ремиксы, которые все привыкли слышать, а полностью новые композиции, с новой лирикой, новой структурой, аранжировками и множеством приглашенных гостей.
Вот теперь, приблизившись к главному, можно начинать обзор. При взгляде на шикарное оформление и опять-таки альтернативную обложку первого диска, в глаза сразу бросается огромное количество приглашенных звезд ню-метала, электроники и андерграунд-хип-хопа. Стили, которые были озвучены, полностью определили звучание альбома. Все композиции приобрели новое лицо, некоторые так вовсе трудноузнаваемы. Также стоит отметить весьма интересные "старые новые" названия песен. Всеми любимая “In the End”, она же теперь “Enth_E_Nd”, звучит как обычный хип-хоп с какого-нибудь тематического канала. Вы помните трек “Forgotten”? Так вот, сейчас он не имеет ничего общего с оригиналом. Благодаря таким деятелям как The Alchemist и Chali 2na он стал звучать как настоящий «подпольный хип-хоп» с жестким битом и просто въедающимся в голову речитативом. Но в то же время, такие композиции, как “With You” или “By_myslf” наоборот прибавили в тяжести благодаря синтезаторным обработкам, а последняя – так и вовсе заслуга Стива Карпентера из Deftones. Стоит сказать, что скрим Честера в интро “Wth>You” по сей день включается на концертах вживую вместо оригинала, также как добавляются некоторые элементы “P5hng Me A*wy” и “1stp Klosr”, на которых погостили Стефан Ричардс из Taproot и Джонатан Дэвис из KoRn соответственно. Ловлю себя на мысли, что трудно описать или выделить какой-либо трек, чтобы дать представление о том, как они преобразились по сравнению с оригиналом. Здесь, как уже говорилось выше, множество гостей из разных стилей, поэтому каждый трек имеет характерное звучание, присущее тому или иному исполнителю. Чтобы закрепить какое-никакое представление о звучании альбома, приведу еще пару примеров: трек “ X-Ecutioner Style” говорит сам за себя, поскольку ребята из одноименной группы демонстрируют свои скрэтч-способности, так же как завершающая композиция “Krwlng”, гостем на которой стал Аарон Льюис, обрела чисто Staind’овскую структуру и вокальные аранжировки.
В свое время один из критиков назвал “Reanimation” одним из лучших ню-метал альбомов и добавил, что он намного превзошел оригинальный диск, и ребятам нужно работать в этом ключе. Что же, отчасти так и есть. В данном стиле по сей день нет похожей работы, да и жаль, что сама группа так и не создала ничего подобного. С выходом этого диска коллектив начал скатываться сначала в самоповторы в лице “Meteora”, а сплит с Jay-Z стал попыткой записать еще один альбом ремиксов, но сравнивать “Collision Course” c этим альбомом может только сумасшедший. Ну а дальнейшая история вам известна…
|
| |
|
|
|
|
|
| Итак, минутку вашего внимания! Речь сейчас пойдет о группе, играющей в стиле, претенциозно именуемом «пауэрвайоленс». Ну а пауэрвайоленс - это как пауэр-метал, только когда дракон анально сношает принцессу, а эльфы, глядя на это, торопливо передергивают затворы. Скорость и примитивность исполняемого материала поставлены во главу угла: так или иначе, но мы имеем дело с жанром, который можно себе достаточно точно представить, выведя среднее арифметическое между хардкором и грайндкором. Некоторые товарищи, правда, усложняют существующую терминологию, применяя при описании творчества Yacöpsae, да и многих коллективов, на них похожих, расово неверное словечко «фасткор». Такого рода «критики» достойны самых жестоких пыток уже хотя бы за внесение еще большей сумятицы в и без того сложно определяемые границы между территориальными владениями олдскульного трэшкора, краст-панка, экстрим-хардкора, классического грайнда и прочих схожих стилей, которые для неподготовленного человека все равно звучать будут одинаково, где-то в рамках между «как палкой по рельсе» и «как пенопластом по стеклу». Впрочем, немецкие беспредельщики назвали свой альбом достаточно емко, тут и без стилистических споров сразу все становится ясно. Приготовьтесь, сейчас вашим ушам будет больно. И не говорите, что вас не предупреждали! Ведь даже на обложке альбоме есть по всем правилам оформленное предостережение: "explicit bullshit". Кстати, в переводе надмозга эта фраза звучит как "явная фигня", что, в принципе, недалеко от истины.
21 трек этого альбома – это 21 минута полного музыкального беспредела. Простые скоростные барабанные дроби сменяются бластбитами, темп взвинчивается до предела, но у немцев есть и пунктик касательно того, чтобы где-то в пределах двух-трех композиций хотя бы раз перейти на гнетущий, практически сладж-думовый мотив, неторопливо ввинчивая риффы прямо в незащищенный мозг слушателя. Гитарные соло, клавишные вкрапления, акустические проигрыши… забудьте о них. И не то, чтобы немцы вообще не шли ни на какие компромиссы: есть же здесь вполне внятный эксперимент с поп-панком в треке «Blind». Но вообще Yacöpsae явно не собирались в тот раз делать хоть сколь-нибудь мелодичную или разнообразную музыку. А для того, чтобы отличить одну песню от другой, очень полезными будут короткие и забавные сэмплы-вставочки различных забавных фраз на немецком. Ну и главная забава на этом релизе (как, впрочем, и на большинстве альбомов жанра) - нарочитая неслаженность ударных партий и "вокала"... первые иногда попросту "захлебываются", но басист Франк (а большую часть воплей воспроизводит именно он) спокойно продолжает голосить и без музыкального сопровождения. Тексты... ну, тут полный набор: социальщина, наркотики, насилие, атеизм, пьяный угар... Да кого это волнует, откровенно говоря? При такой-то подаче! Так что просто расслабьтесь, и представьте себе веселую и расслабляющую поездку на асфальтовом катке… по спинам случайных прохожих. Кроме того, этот диск – отличное оружие массового поражения, задействовав которое при помощи мощных колонок, вы сможете устроить нехилую панику в пределах родного двора/квартала. Дерзайте!
|
| |
|
|
|
|
|
| Эта группа сделала неожиданный поворот, записав несколько песен для мини-альбома "Gloom". Очень уверенный шаг в сторону, если не шаг вперед. Просто потому, что среднестатистическая песня JFAC представляет собой бесформенный кусок дэтового (или дэткорового) теста, с большим количеством агрессии на входе и скромной убойностью на выходе. Теперь же у них появилась изюминка, и если раньше вы проходили мимо этой группы, то теперь сможете найти тут кое-что интересное.
"Gloom" - это второй EP группы, на котором скромно расположились 4 трека. До него последней новинкой был альбом "Ruination" с единственной стоящей песней (одноименной). На первый взгляд покажется, что за 2 года у JFAC вообще ничего не поменялось, но стоит прислушаться. Разница тем заметнее, чем чаще включать новые песни. "Misery Reformatory" - главный хит EP - демонстрирует качевый стиль риффов и хорошую проработку композиции. То есть слышно, что большинство мелодий имеют четко очерченное начало, развитие и конец, а общее звучание даже какое-то позитивное, несмотря на всю стремительность. Всего этого очень не хватало "Ковбоям".
Теперь стало реально интересно, потому что появились "чекпойнты" - моменты, к которым хочется вернуться и послушать вновь, хотя их не так много. Я ожидал, что весь "Gloom" будет состоять из 4 вариаций на тему "Misery ...", но круто ошибся. Она тут одна такая, в то время как остальные 3 трека ощутимо прямолинейней и брутальней, по крайней мере в их звучании больше стены звука, чем мелодичности.
На 2 место в альбоме поставлю "Signature of Starving Power". Шикарное соло вытягивает всю песню, а вот риффинг хаотичен и совсем не качает. Если бы тут не было "Misery...", за недостаток я бы это не принял. Тот же случай и с удачными солягами трека "Plastic Idols". Наконец, лидер концовки хит-парада... Сама посредственность. Тексты на альбоме почти не поддаются расшифровке, скорее всего фронтмен Джонни Дэйви не ушел от тем предыдущего альбома. Что-то там про политику или около того.
Оглядываясь назад и сравнивая начинающих JFAC и сегодняшних, хочется ухмыльнутся. Начиналось все так романтично - дэткоровые челки, бараньи головы и такие красивые названия песен, вроде "День во мраке" и "То, что мы когда-то назвали домом". Теперь же кроме рогов ничего и не осталось, поэтому пусть обложка "Gloom" не вводит в заблуждение. Под ней скрывается дэт и ничего кроме, и отсюда вытекает ее возможный смысл - скажем, фанаты группы яростно сорвали эту рогатую голову и спешат
выкинуть на помойку за ненадобностью. Музыка не могла остаться той же, учитывая, что состав постоянно меняется.
Вот и на этот раз коллектив пришел в студию записи с новыми лицами. Из старой школы остался Джонни Дэйви и барабанщик Джон Райс, плюс ранее зажигавший в Despised Icon Эл Глассман, в то же время, колоритного рыжего басиста мы больше не увидим, как и одного из гитаристов. Замена последнему тоже не промах: включив свежий лайв JFAC, я увидел прокачанного 30-летнего мужика, который на самом деле оказался... 21-летним студентом. Удивил.
После безобразия на "Ruination" группа полностью реабилитировалась и заработала несколько бонусных очков. От следующего долгоиграющего альбома "Ковбоев" хочется примерно того же - пусть это будет "Gloom", умноженный на 3.
|
| |
|
|
|
|
|
| Девин обещал, что «Deconstruction» станет самой тяжелой, сложной и безумной его работой. Судя по использованию симфонического оркестра и приглашению множества гостевых музыкантов, он решил создать альбом своей мечты. Но те, кто возлагал на этот альбом последнюю надежду о воскрешении безвременно почившей Strapping Young Lad, погрузятся в глубокий траур. Вместе с алкоголем и наркотиками ушла значительная часть того внутреннего раскола, который и помогал Таунсенду создавать настоящие шедевры деструктивного искусства. Хотя агрессии на «Deconstruction» более чем достаточно, ее уровень не поднимается выше, чем на тех же «Distruptr» или «Hеaven Send» с альбома «Ki».
Но и те, кто ожидал продолжения дискотеки с Аннеке, тоже будут разочарованы. Если первый пункт обещания Девина не вполне оправдался, то по остальным двум он с лихвой компенсировал этот недостаток. Стиль лучше всего охарактеризовать как extreme experimental metal. Таунсенд всегда славился умением создавать монументальные эпические полотна, но тут он вдруг решил, что все, сделанное им раньше – просто детский лепет. Каков рецепт этого жуткого винегрета? Понадергать идей почти со всех своих предыдущих альбомов, добавить еще в 10 раз больше новых, хорошенько перемешать, и пустить все это добро в ритме какого-то безумного джаза. Не знаю, многие ли избегут попадания в соответствующее медицинское учреждение после прослушивания сего изобилия. Оркестровые мелодии тонут в традиционных стенах звука, а от местных гитарных запилов и зацикленных ритмов не только уши, но и мозги сворачиваются в трубочку. Не говоря уже о приглашенных вокалистах, которые играют немалую роль на этом празднике жизни.
Но если у кого-то и были опасения, что из-за чрезмерной сложности «Deconstruction» будет недооценен и провалится, то они оказались напрасными. В каждой композиции есть несколько красивейших моментов, за которые и цепляется ухо при первом прослушивании. Ну а со временем и остальные кусочки этой эпилептически-шизофренической мозаики сольются воедино. Чисто металлического драйва тоже хватает, хотя появляется он на короткие промежутки времени. А вот композиция «Juular», с невероятно уместным гроулом Исана (еx-Emperor) – настоящий хит.
Поистине вселенское чувство юмора (иногда, хм… не самого тонкого) Таунсенда расцвело на «Deconstruction» пышным цветом. Абсурд на абсурде, парадокс на парадоксе, идиотизм на идиотизме. В своем длиннющем пародийном аттракционе он прошелся чуть ли не по половине всех направлений развития музыки за всю ее историю. Вот скажите, зачем Девину оркестр, если даже такие его работы, как «Physicist» и «Alien» отличались мелодичностью, а хоры, полученные многократным наложением вокальных партий, всегда звучали здорово? Кто бы мог подумать, что он потратил столько денег просто ради того, чтобы вдоволь поиздеваться над классической музыкой и оперой! Псевдооперные вокальные партии (с участием Флор Янсен на «Pandemic») сменяются то поп-музыкой, то почти грайндом, а возвышенная мелодия сопровождается звуком, издаваемым куда более приземленной частью тела. Как уже отмечалось, на «Deconstruction» есть масса забавных отсылок к предыдущим работам Таунсенда. Например, пафосный 16-минутный эпик «The Mighty Masturbator» посвящен, как Вы уже, наверное, догадались самому Зилтоиду Всеведущему, а его финальная тема позаимствована с древнего ЕР «Christeen» (трек «Processial»). Но подобные приколы только способствуют целостности квадралогии и всей дискографии маэстро, а кроме того, добавляют изрядную порцию веселья для фанатов со стажем.
Самое масштабное и разностороннее творение безумного канадца. Музыка, совершенно не подвластная логическому мышлению, но с какой-то странной легкостью внутри. Рекомендуется всем максималистам, гигантоманам, ценителям болезненно-абсурдного юмора и просто психам!
|
| |
|
|
|
|
|
| Владимир Высоцкий как-то бросил: «Сам у себя ворую – имею право». Право-то имеет, но правильно ли это само по себе? И главное – интересно ли воровать у самого себя?
Так группа Linkin Park и поступила на альбоме “Meteora”.
Для того, чтобы понять всю суть проблемы, нужно вернуться в 2003 год. Тогда ещё не культ фанаток сумеречной саги Мэтью Беллами и Ко выпускают “Absolution”, ставший вершиной эволюции Muse, хотя ничего явного, что бы отличало этот альбом от предыдущих, не было. Коллеги по цеху «мазафакеров» Limp Bizkit объявляют о рождении “Results May Vary”, совершенно потрясающего и практически балладного альбома, который поменял представление о группе и, в частности, о Фреде Дёрсте у огромного количества людей.
Но оба эти события по хитовости и продажам затмила “Meteora”, самый коммерческий продукт Linkin Park. Судя по всему, уже во втором альбоме ребята хотели изменить своё звучание, но запахло баблом, и почтовые ящики группы ломились от писем фанатов с содержанием типа: «хачу, чтобы была типа "Ранавей", ещё чуть-чуть "Пэйперката" и штобы Честер орал в припеве, а этот рэперок так аггресивна рэповал с винилами». Ах да, чуть не забыл. Ещё американцы были в Греции, и на них произвели впечатление храмы Метеоры (а не какой-нибудь метеорит, как до сих пор думают некоторые «фанаты»). «Необычный способ постройки этих монастырей вдохновил ребят передать это в своей музыке».
Стоит сказать, что атмосферность и заряд энергии в музыке всё же присутствуют (видимо, из-за того, что парни воспели христианские храмы, Бог их благословил, иначе как тогда такая попса – до сих любимый альбом большинства поклонников), но она была и на прошлом альбоме. Вообще, последние пять слов в предыдущем предложении можно применить ко всей “Meteora”, недаром её назвали “Hybrid Theory II”. Скучный рэп Майка, в принципе, нормальные припевы Честера (его вокал – единственное, ради чего стоит купить “Meteora”), такие же безликие ударные, сбавившие в тяжести гитары и довольно-таки занятные то ли биты (как будто Майк уже заранее знал, что их будут класть на Jay-Z, звучат, как настоящие рэп-минуса, йоу!), то ли инструменталы во вступлениях к некоторым песням ( “Somewhere I Belong”, “Lying from You”, “Faint”). Тексты стали ещё более размытыми и неопределёнными. Ещё в дебютнике было понятно, что они подростково-ориентированные, но здесь всё стало совсем очевидно.
Вывод – плагиат. А то, что своровали у самих себя, делает ситуацию ещё более печальной – LP совершенно не жалко. Сами вырыли себе яму. Интересно, ведь это стало для группы одним из источником вдохновения: в текстах следующих альбомов встречаются такие фразы как: «Больше мы ни перед кем не будем ходить на задних лапках»; «Я не тот человек, за кем следует повторять»; «Потому что иметь готовый шаблон на все случаи жизни – это и дар, и проклятие» и «Потому что однажды ты понял, как работает шоу-бизнес: людям хочется, чтобы каждая твоя следующая работа была копиркой с предыдущей.»
Ставлю 4 балла за 4 песни - “Somewhere I Belong”, “Faint”, “Breaking the Habit” и “From the Inside”. С душой и вокалом Честера не поспоришь.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.