Помнится, что когда я первый раз послушал "Hybrid Theory", он мне показался слишком тяжёлым, а скриминг Честера так и вовсе отвратительным. Особенно весело вспоминать это теперь, после огромного количества прослушанной по-настоящему тяжёлой музыки, вроде ранних альбомов Metallica. Тогда у меня и мысли не было бы назвать Linkin Park попсой, и вообще не тру-металической группой. Однако и сейчас, особенно по отношению к этому альбому, что-то не тянет. Видимо, главная причина – невероятная хитовость "Гибрида" и то, что достичь планки дебютника парням так и не удалось.

Вообще, мне кажется, в этом всё-таки стоит разобраться. "Hybrid Theory", по сути, является просто сборником песен (куда ему до концептуальности “The Thousand Suns”!), некоторые из которых были сочинены ещё при Xero. Соответственно, материал копился 4 года, столько же, кстати, ребята делали "Minutes to Midnight". Но тогда юношеский пыл и задор бил ключом, а смена некоторых участников и названий прибавила агрессивности.
По всему вышесказанному "Hybrid Theory" так и тянет сравнить с выдержанным вином (4 года для вина, хех), которое ребята подарили всем своим будущим фанатам в год рождения нового тысячелетия. Вино красное, с очень насыщенным цветом и привкусом метала…

Пройдясь по альбому, можно заметить схожее строение песен и повторяющиеся музыкальные приёмы, вроде почти идентичной гитарно-барабанной (которые, кстати, примитивны и почти не слышны, собственно, Роб Бурдон дальше до сих пор и не продвинулся) ритм-секции во время припева Честера, который тоже есть в каждой песне (я и о припеве, и о Честере). Второй вокалист, он же лидер группы Майк Шинода (который сам является вполне занятным hybrid’ом японца и славянки) вполне себе читает, рэп в его исполнении гораздо интереснее, чем в следующих альбомах, особенно учитывая практически полностью рэпкоровую “High Voltage” из японского издания "Теории". Оттуда же хочу почерпнуть “My December” - чуть ли не самое (если не самое) лирическое произведение группы. Кстати, обе эти песни из Japanese Edition разительно отличаются от песен обычного издания, как по вокалу, так и по звучанию: в «Моём Декабре» основной темой является красивый фортепьянный мотив и медленный темп вместе с преисполненным тоской вокалом Честера и шёпотом Майка, а в «Высоком Напряжении» используются сэмплы марша и разговора каких-то чуваков (или одного чувака) о том что «Рок и рэп вместе? Вау!» наряду с агрессивной читкой.

Скриминг, как оказалось, использован на альбоме очень умеренно и даже умно. Я всегда являлся поклонником чистого вокала и ненавистником скриминга, гроулинга и прочих жизненных радостей злостных металюг. Но благодаря "Hybrid Theory" начал относиться к этому более разумно, стало безумно нравиться сочетание «чистых» и «грязных» вокальных партий. Здесь явными примерами послужат “One Step Closer”, “By Myself” и “A Place for My Head” (которая когда-то называлась “Esaul”, Газманову привет).

Linkin Park оказалась музыкальной бабочкой. Конечно, группа до сих пор существует, творит и поёт, но уровня первого альбома она смогла достичь только в “Reanimation” (учитывая, что это сборник ремиксов первого альбома). Я желаю ребятам успехов. Думаю, если группа не распадётся, они обязательно выпустят что-то, что потрясёт основы мира.
Моя оценка – 9 из 10, снизил балл за небольшую однообразность. Must have.

vlassar   6 июн 2011

Альбом начинается с довольно смешанного по оттенкам чувств «дежавю», выкроенного посредством клавишной интродукции, объяснить которое я лично себе до сих пор не могу… Но вот что следует далее – будет главной темой моих последующих слов. Громоподобным раскатом обрушивает коллектив на невинные уши слушателей крепко сколоченную дубовую дверь от бункера, в котором, создается впечатление, сочинялся и записывался материал. Именно с таким вкусом на губах, со вкусом запекшейся крови, приходишь в себя через пару минут первого трека и понимаешь, что не хочется бежать. Не хочется идти. Не хочется ничего, кроме как откинуть голову и погрузится в эту сухую атмосферу черного безмолвия. Тут не все настолько черно и мрачно, как может показаться с первых слов моих; эта музыка не рождает образов. Она дает информацию порциями и не дает слушателю возможности размышлять, а закрывая глаза – погружаешься и зависаешь… в черном безмолвии. «И во всех моих грехах только моя вина…».

Забегая вперед, следует заметить, что альбом сделан монолитно и одна песня плавно перетекает в другую, полностью соответствуя предшествующей. Такой ход удерживает слушателя в нужном направлении, не позволяя ему передохнуть, не давая и надежды на глоток свежего воздуха в душном черном безмолвии.

«Женщина, которую мы ищем» - это крик, скупой мужской плач во имя той одной, которую мы все ищем на протяжении всей нашей жизни, и, спотыкаясь, каждый раз возвращаемся на то же самое место. И только во время этой песни ощущаешь, что «ведомые инстинктами» порывы тщетны так же, как и попытки ухватится за воздух во время падения... Красивое соло; наверное, самое красивое развитие темы которое встречается на этом альбоме. Рваный бридж трясет безразличное тело… Вокал резонирует где-то внутри, и не находя выхода из головы – впитывается, оставляя соленый привкус крови на губах…

Самая известная композиция, вероятно, это «Möbius Ring». Тягучий, образцовый похоронный дум… Без смысла в жизни и без исхода в словах. Сковавшая все тело тьма, облачает в серость будней, которые были не чем иным, как подделкой… Динамичное окончание композиции. Красная нить соло вьётся вокруг шеи и не дает дышать в без того душном черном безмолвии…

Следующая далее красивейшая интерлюдия предоставляет слушателю глоток морозного воздуха в пучине душной окружившей его тьмы. Перед самой депрессивной вещью для русскоязычных слушателей альбома, тем более, если они знакомы с творчеством замечательного поэта серебряного века, чье завещание было взято за основу лирики. Органично переплетаясь, партии ведущей гитары задевают «нужные струны» сознания, и после окончания композиции есть огромная вероятность погружения в полнейшую реальную депрессию…

Но очередным свежим глотком морозного воздуха становится инструментальная акустическая композиция «Ветхая дорога сквозь снег». Чистое доказательство чувств, дает видение со стороны. Дает возможность убедиться в искренности и реальности тех чувств, что хотели передать музыканты и которые испытывает слушатель… Последний привал перед самым длительным путем: «Горечью утраченных лет». Апогей алкогольной депрессии. Верх безразличия к внешним раздражителям. Динамичная кульминация черного забвения. И снова красная нить, будучи скользкой от проступившей, но еще не запекшейся крови, тянется по телу, и ты чувствуешь еще щекочущее передвижение, но тебе уже абсолютно все равно.

Неизвестно, к чему бы привело более длительное звучание альбома, но стоит отметить, что той порции, в которой он был издан – необходимо и достаточно, чтобы прочувствовать, проникнуться, потом встать, отряхнуться, и отложив в памяти, идти дальше по жизни. И прослушивать этот альбом как можно чаще.

Серое оформление, с довольно откровенной обложкой для русской души… непонятной больше никому, кроме русского человека. С музыкальной составляющей, в полной мере понятной только русскому человеку.

(*гордо*) Русский похоронный дум. Сильная работа и весомый вклад в свое дело.

P.S. Спасибо участникам коллектива за «hails to» и автографы в буклете.

Maniacal Whale   6 июн 2011

К сожалению, нужно признать, что большинство команд, решившихся на эксперименты со звучанием, используют техничность более для эпатажа, нежели во благо музыке. Впрочем, именно лучшие из таких групп никогда не увлекались одной лишь сложностью материала: достаточно вспомнить Edge of Sanity и Pan-Thy-Monium, Phlebotomized или In the Woods. Голландцы Threnody, без сомнения, относятся к категории «технарей», однако это один из немногих примеров, когда такой подход 100%-но оправдан умением музыкантов совмещать «умную» музыку с красивыми мелодиями! Пожалуй, лишь знакомство с “Pleasuredome” Disharmonic Orchestra в итоге произвело на меня такое же сильное впечатление. Этот альбом, к сожалению, точно так же не был понят мной с первого раза. Более того, я посчитал Threnody просто посредственной трэш-группой. Виною тому достаточно заурядное для подобного рода команд звучание: сухое, без привлечения клавишных, без высоких скоростей и показной демонстрации мастерства «на публику». Действительно, Threnody не назовешь новаторами в прог-метале. Все, в чем данный стандартный метал-квартет позволил себе выйти за рамки стиля – это немного чистого вокала и несколько недисторшированных переборов струн. Ближайшими соратниками голландцев являются мелодичные команды вроде Death, итальянцев Kenos или наших соотечественников Hieronymus Bosch, «Equivoke» которых очень во многом перекликается с этой работой. Однако даже в сравнении с этими коллективами музыка Threnody кажется мне слишком «интровертной»: размеренной, сдержанной и лишенной любых резких углов. На альбоме отсутствуют традиционные для рок-музыки темы отчаянья и эмоционального надрыва. Только уверенность и вкус. Степенные, созерцательные темы вроде «Vengeance», «Dead Man Progress» или «Revelations» невозможно оценить мгновенно, как невозможно сразу же, без постановки, ставить Threnody в проигрыватель раз за разом. Эта музыка требует выдержки и некоторой паузы. По прошествии времени я без колебаний ставлю альбому высший балл.

Glop   6 июн 2011

Увы, это единственный альбом, на котором Believer удалось сделать свою музыку «не для всех» доступной для большинства сторонних слушателей. Перемены ожидали и стилистику: будучи до сего релиза преимущественно трэш-коллективом, Believer на этот раз предпочли более тяжелое направление. Конечно, не стоит рекомендовать «Dimensions» тем, кто с прогрессивными формами дэт-метала еще не знаком, но, уверен, поклонники Atheist или Cynic найдут, что альбом ничем не уступает лучшим дискам их кумиров. Я же предпочту именно Believer потому, что в отличие от Atheist, команда, к сожалению, не породила такое же большое число продолжателей, и до сих пор остается уникальным явлением в своей нише. Для тех, кто более всего ценит именно техничную разновидность тяжелой музыки, многое об альбоме скажет уже его обложка. Тем же, кто к стилю относится с прохладцей, прежде всего не стоит упускать из виду «Trilogy of Knowledge». Вопреки названию, композиция разделена на четыре части, и, по сути, является «альбомом в альбоме», отличаясь от основного материала не только настроением, но и стилем. Струнные можно эпизодически услышать и чуть раньше, на «Dimentia», но именно эти четыре трека целиком посвящены им. Нервный, аритмичный дэт-метал на грани с трэшем в течение 20-ти с лишним минут звучания этой композиции преображается в нечто гораздо более глубокое и гармоничное, чему уже трудно подобрать стилевое определение. Приятно удивляет насколько деликатно и не пошло произведено в последних двух треках совмещение струнных с тяжелой музыкой. Ну, а много вы сможете вспомнить трэш или дэт-команд, которые в первой половине позволили себе пригласить сопрано-вокалистку, а не продолжать эксперименты по работе с вокодерами и питчерами? Несомненно, и без струнного финала «Dimensions» был бы неплохим альбомом, на котором экстремальная разновидность прог-метала подана особенно цельно, а великолепный звук является настоящим украшением работы музыкантов, ведь в то время записаться так грамотно, увы, не мог почти никто. Музыку Believer вообще, несмотря на то, что она оставалась не менее пестрой, чем у большинства соратников по прог-дэту, отличает вдумчивость и некая степенность. А акустическое вступление к «Dimentia», продолженное эффектной декламацией, или «вокал робота» в следующей композиции дорогого стоят! Но именно «Trilogy of Knowledge» стал той последней недостающей ступенькой, с которой Believer вошли в высшую лигу «умного» тяжмета.

Glop   6 июн 2011

Третий опус Believer встречает нас весьма затейливым кавер-артом (к слову, была еще одна обложка, предназначавшаяся для лейбла R.E.X. Music), который настраивает на знакомство с весьма самобытной и нелинейной музыкальной формой. Команда из штата Пенсильвания остается верна своей характерной манере, преподнося ритмически крепкий материал с узнаваемыми риффами и сбивками. Но без изменений не обошлось, ибо группа теперь аппелирует более разноплановыми ходами, сглаживая тем самым острые углы в виде резких трэшевых забегов. Органичное сочетание перевитых изломанных отрезков и динамичных (но не всегда прямолинейных) частей, делает прослушивание по-настоящему увлекательным делом. Остервенелый харш вокалиста нагнетает обстановку некой психопатичности, которая витает по музыкальному полотну, цепляясь за края специфичных (явно дело здесь не обошлось без влияния Арнольда Шенберга) гитарных партий. "Dimensions" можно было назвать авангардной работой, если бы группа отринула каркас трэша, но этого не произошло. Также как и на предыдущих работах, на описываемом альбоме находится место для доступных проходов в ритме "польки". И вот это вот мастерское балансирование на границе между относительной простотой и ритмически-гармоническим нестандартом, как раз и делает Believer выдающейся формацией, которая даже экспериментируя, не отходит от собственных корней. Тяга музыкантов к созданию неоклассических зарисовок (та, что так ярко проявилась на предыдущем альбоме в виде композиции "Dies Irae (Day of Wrath)"), вылилась на рецензируемом лонгплее в "Trilogy of Knowledge", составленную из трех песен + интро. В этом отсеке релиза вам предлагается оценить то, насколько естественной может быть тесная связь прог-трэша с плавной патетикой классики. Партии виолы, скрипки, виолончели, а также возвышенное сопрано легли на плечи приглашенных музыкантов, которые постарались придать традиционному для Believer музыкальному полотну оттенок изящных, но не вычурных, классических красок. Результат этого слияния вышел весьма душевным и милым, опять же балансируя на грани между стальной основой и развернутым повествованием. "Dimensions" закрепил позиции коллектива на ниве вдумчивого (но остающегося при этом искренним) материала, аккурат между Anacrusis и Coroner. Здесь нет такой пестроты форм как у одногодки от Thought Industry, поэтому "Измерения" более доступен для сквозного восприятия, чем плита от мичиганских экспериментаторов (не в меньшей степени, потому, что герои нашего обзора не отошли так сильно от канонов сталеварской музыки). Подводя итоги скажу, что перед нами один из краеугольных камней жанра прог-трэш, поэтому оценка соответствующая.

CORONEROUS   5 июн 2011

Приютившаяся на бельгийском лейбле итальянская формация потчует нас шумом и гудением гитар, еле волочащимися полотнищами гитарного звука и мутной лирикой, повествующей об уходе в себя и повторном выходе, так сказать, «в мир». Как если бы Tool влюбились в сладж. Как если бы сладж-группы время от времени использовали такое выразительное средство как бласт-бит. Кажется, Viscera/// имеют грайндовое прошлое, но ни один из музыкальных пиков в этих (всего-то навсего) четырёх песнях не изливается в полную утерю контроля и разрушение предшествовавших ему мелодических структур. Кстати, да, «viscera» и прибавленное к нему постмодернистское «///» толковать можно многими способами. И возможно, что в названии было действительно зашифровано брутальное наследие коллектива, которым он иногда — в нужный момент — суверенно бряцает. В конце можно только порадоваться за протагониста, достигшего просветления, и быть освобождённым от нарастающего драматизма музыки Viscera///.

Альбом этот наверняка предназначен лишь узкому кругу людей, интересующихся всяческими пост-хардкорными и пост-металлическими экспериментами. И думаю, он будет ими оценён заслуженно высоко.

Inner-Self   5 июн 2011

Гениальность сего альбома таится не в песнях, хотя и они потрясающи, а в обложке. Настолько искреннего «фронта» я ещё нигде не видел, ведь с него на нас бездушно смотрит среднестатистический слушатель альтернативного рока – подросток с модной причёской под закос любимой группы и синяками под глазами. Такое нужно срочной телеграммой отправлять куда-нибудь в какой-нибудь музыкальный музей, а затем получать за это «Грэмми». Благо композиции также не отстают.

Как уже было замечено, ключевое достоинство альбома “30 Seconds To Mars” – искренность. То, что группа потеряла в следующих альбомах, поведении и даже в собственном имидже. То, что вытягивает дебютник Братьев и Тома больше, чем великолепный вокал Джареда (ради справедливости замечу, что в дальнейших работах ребят Лето поёт ещё лучше), атмосферное звучание и потрясающий инструментарий. Именно инструментарий, а не какие-нибудь риффы, ноты, аранжировки или ритм-секции. Они то, как раз не поражают воображение, но вот наличие различного рода гитар, в том числе акустических, появляющихся в песнях, когда надо и электроники (которая придаёт таким песням как “93 Million Miles”, “Buddha for Mary” и “Year Zero” некой спейс-роковости в звучании) выполняют эту задачу. Это хорошо заметно в “Edge of The Earth”, где акустика врезается прямо во время первого исполнения припева и в “Buddha for Mary”, во вступлении к которой используется электронный вокал с не менее электронными вставками. Музыка атмосферна, и, не побоюсь этого слова, грандиозна. Структура песен в большинстве своём однотипна, но это совершенно не мешает восприятию альбома, даже наоборот. А главное – после дцатого прослушивания ловишь себя на мысли, что тебе нравиться так же, как и в первый раз. Для любого человека именно это – главный критерий отношения к творчеству любого музыкального коллектива.
Альбом тяжелее следующих и Лето поёт здесь ниже, (прям по тру-рокерски) чем «обычно». Особенно в этом плане запоминаются песни “Capricorn”, “Year Zero” и “Echelon”, в последней он вообще сумел намутить несколько разных интонаций. Лично моей любимой песней является “Oblivion” – в ней удачно соединено практически всё, что есть на альбоме.
Как мы знаем, в следующих работах ребята смягчат гитары и поднимут вокал солиста. Причём чем дальше по альбомам, тем выше музыка и мягче солист… то есть наоборот.
Хотя, учитывая дальнейший пиар Джареда в образе эмо-боя, показной радушности к поклонникам в виде выступлений без охраны, не менее показной благотворительности (гораздо более показной, чем у Боно из U2) и Гитлеровских замашек (читай: создание, реклама Эшелона и своей символики), может, всё правильно. Если это как-то отразилось на группе, то только отрицательно – она стала МТВишной и сахарной. Обложка получилась пророческой, только вместо пацана на ней должна быть страдающая по красавчику Лето сопливая девочка. И на это можно было бы закрыть глаза, если бы музыка не стала примитивной… Хотя, пожалуй, я очень сильно отвлёкся.
Итог: мощнейший альт-рок со спейс оттенком, который был впоследствии утерян. Однозначно 10 из 10.

vlassar   5 июн 2011

“Это просто праздник какой-то!” -
воскликнул Карабас-Барабас, закидывая в камин очередного Буратино.

Не какой-то, а вполне конкретный. Кровавый. Потому что именно так переводится на великий и могучий название замечательной дэтовой голландской формации Gorefest. И произошёл этот праздник 30 мая 1993 года на фестивале Dynamo Open Air в Ейндховене. Записав своё выступление на этом мероприятии, Gorefest выпустили свой первый и последний концертный альбом. В сет-лист вошло 8 песен, из которых 6 взяты с монументального шедевра голландцев – “False”, ещё 2 – с невразумительного дебютника “Mindloss”. И завершает это всё трек под названием “Eindhoven Roar”, на котором толпа в течение минуты орёт: “Gorefest! Gorefest!”. Записано всё очень хорошо, слышен каждый инструмент. Эд Варби долбит свою установку, выбивая из барабанов отличные сбивки, гитаристы выдают прекрасно различимые и разборчивые сочные соло, даже бас не теряется в общем миксе. Один небольшой минус всё же есть – могли бы вокал де Койера вывести чуток поближе, а то его классический гроулинг, (такое впечатление будто Ян-Крис страдает хронической гнойной ангиной) немного глуховат на фоне звучания инструментов. Про уровень музыкантов и говорить нечего, это уже состоявшиеся профессионалы. В бурной биографии Gorefest ещё впереди много чего: эксперименты со стилистикой и звучанием, распад, возрождение и возвращение к своим дэтовым корням, и снова распад. А пока 1993 год, Dynamo Open Air, классический дэт в своём самом что ни на есть “живом” (простите за каламбур) воплощении… Это ли не причины чтобы переслушать этот концертник ещё раз?

rassol   4 июн 2011

Pendulum… Как много родного в этом названии для моего сердца слилось! Именно «Маятники» открыли мне путь в мир музыки, только благодаря ним я стал осознанно ей интересоваться. И пускай сейчас они уступили место другим группам в моём личном списке, но по-прежнему их творчество вызывает потрясающие воспоминания и щекотку где-то в области живота.

Что же касается этого альбома, то особых придирок у меня нет, однако сразу же скажу, что он нравится мне меньше потрясающе вылизанного и включившего в себя почти все существовавшие на тот момент стили драм-энд-бэйса “Hold Your Colour”, который в уже далёком 2005-ом году произвёл фурор. После этого ребята что-то не поделили с Break Beat Kaos и ушли в свободное плавание. Наверное, именно тогда Роберт Свайр-Томпсон, фронтмен, композитор и вообще мозговой центр команды вспомнил о старой мечте ребят – играть хэви-метал, которая, как уже заметил предыдущий рецензент, разбилась о мель поломкой электрогитары, и поэтому пришлось играть только на басухе и ударных (соответственно, выбор направления музыки был, мягко говоря, очевиден).

То, что ребята не смогли сделать раньше в силу ограниченности средств, они частично осуществили в “In Silico”, который стал горючей смесью DnB и альтернативного рока. Он получился немного мрачнее любого произведения Pendulum, включая последний на сегодняшний день альбом.

Но вернёмся, собственно, к нему. “Immersion” на разных интернет-ресурсах можно перевести как «погружение» или «жажда». И то, и другое удачно характеризует данное творение: «жажда» в хорошей музыке, и альбом, который даст нам «погружение» в неё. В плане концепции “Immersion” мощнее предыдущих альбомов – океаническая тематика чувствуется от интро под названием “Genesis” (под которое пустят слезу счастливые обладатели Сеги в босоногом детстве, ведь кроме названия она ещё и выполнена в соответствующей 16-битной стилистике!), плавно переходящим, по сравнению с другими песнями на альбоме, в наиболее «классическую» для Pendulum “Salt in Wounds”. Следом идёт эпичный “Watercolour”, известный тысячам из-за одноимённого сингла и гигантской ротации по музыкальным каналам (особенно австралийцев любят ВВС). Затем приближается “Set Me on Fire”, пожалуй, лучшее пив… кхем, в смысле, лучший экспериментальный трек альбома: здесь растаманские напевы сочетаются с дабстепом (да-да!), с которым ребята любят баловаться в последнее время. Бурей в виде гитарного риффа (учитывая морскую стилистику, так и тянет написать с одной «ф») открывается динамичный “Crush”, главный рок-хит “Immersion”, в котором есть совершенно умопомрачительная концовка с потрясающим вокалом Роба и акустической гитарой, выносящей мозг. Следующая “Under the Waves”, моя любимая на всём альбоме – как раз живой пример выше упомянутых «показной позитивности и предсказуемости музыки», однако это не мешает назвать данную композицию гениальной. Заряженная этим самым позитивом и летним настроением, она словно ставит нас на доску для сёрфинга и отправляет скользить по волнам.

Думаю, описывать следующие композиции не имеет смысла, так как лучшие из их уже удачно описали ранее. Хотя, абсолютно любою песню с этого альбома можно назвать лучшей – лишней просто нет.

А пока я желаю группе простого человеческого счастья - выспаться. На синяки под глазами Роба смотреть уже решительно невозможно.

vlassar   3 июн 2011

После выпуска в 1994 году своего легендарного "Deliverance" и триумфального тура с Metallica, этот блистательный квартет засел за запись своего второго полоноформатника с харизматичными Пеппером Кинаном на вокале. Итогом стал этот шедевральный диск. C.O.C. всегда отличались социализированными текстами в песнях, и на "Wiseblood" эти изощрения дошли до своего апогея. Здесь на свой фирменный кроссовер музыканты надавили посильнее, нежели на предыдущем альбоме, - в итоге получилось то, что можно назвать, разве что, кроссовер-стоунером. Очень драйвовые хардкор-ориентированные боевики органично соседствуют с неспешными блэк-сэббатовскими риффами и мидтемповыми номерами. Одной чрезвычайно важной и замечательной особенностью этого альбома является его атмосфера. Каждая песня очень сильно отдает душной атмосферой жаркого летнего дня в захолустном городке американского Юга, не почувствовать это просто невозможно (особенно, если посмотреть видео на "Drowning in the Daydream"). Исходя из этого, находясь даже в далеко не самой южной Москве, в жаркий летний денёк всегда приятно послушать этот диск.

Музыкальная составляющая заметно прогрессировала по сравнению с "Deliverance" - стало много эффектов, придающих гитарным партиям определённый настрой. Гитарист Види Везермэн теперь нисколько не стесняется и постоянно играет бодрые раздолбайские соло, которые лучше, чем на любом другом альбоме Corrosion of Conformity подчеркивают общий настрой песен. Пеппер интереснее и раскованнее поёт, иногда выдавая довольно приятные вокальные мотивы, а басист группы Майк Дин теперь рубит подобно Джизеру Батлеру - очень ритмично и "в тему".

Что интересно, так это то, что на альбоме уживаются совершенно разные настроения, которые прекрасно сменяют друг друга. Вот позитивная и жизнеутверждающая "Long Whip - Big America", а за ней социализированная и ярковыраженно-негативная "Wiseblood", следом устало-грустная "Goodbye Windows", далее снова социальная и негативная "Born Again for the Last Time" и так далее. Так же особо надо выделить жемчужину альбома - великолепную балладу "Redemption City", грустную, психоделичную и в чем-то даже обречённую, соло которой цепляет даже за самые тонкие струнки души.

Если обобщить, то этот альбом - настоящая музыкальная гора. Сначала кажущийся простым или даже в чем-то скучным, он таит в себе множество скрытой, больной эмоциональности, раздражения, усталости, грусти, но как итог - твёрдого жизненного настроя. Тремя словами - музыка настоящих мужчин.

Pushit   1 июн 2011

Можно по-разному смотреть на музыку, и, соответственно, искать в ней либо цепляющий, качественно записанный материал, либо технические навороты, либо технические навороты, выносящие мозг слушателю. Так как в наши дни кого-то чем-то удивить - это настоящая проблема, то изощрённый по музыкальной и технической части материал воспринимается мной, как требование времени. Желание музыкантов напустить пыль в глаза слушателю вкупе с исключительным владением музыкальным инструментом способны родить новые музыкальные направления... Или продемонстрировать свою исключительность, и не более того. В любом случае, никто не желает получить компакт-диск с записанным цирковым номером. С другой стороны, не слишком ли поверхностны слушатели, которые судят о такой музыке, невнимательно её слушая? Может, тут кроется нечто большее?

4 года назад вышел дебютный альбом канадцев, который привёл в восторг любителей техничного мяса и оттолкнул ненавистников бездушного техничного рубилова. Действительно, при желании придраться можно к чему угодно, благо поводов музыканты дали просто предостаточно. Сюда можно отнести отсутствие внятных границ у композиций, что приводит к тому, что слушатель перестаёт понимать, где начинается, а где заканчивается каждая из песен, а это, в свою очередь, способно превратить альбом в одну большую песню. Также отмечу применение одних и тех же техник, решений и ритмических рисунков при исполнении абсолютно всех песен, крайнее однообразие в скоростной игре ударника, которое превращается в монотонную долбёжку, хоронящую под собой индивидуальную структуру песен и делающую их похожими друг на друга. В довершение всего, скоростная долбёжка приводит к тому, что уследить за какими-то другими музыкальными фигурами, которые искусно чертит ударник, практически нереально. Гитаристы исповедуют всего несколько формул игры: соло, скоростной риффинг, который вырождается спустя время в соло, тяжёлые, медленные, отрывисто сыгранные deathcore-риффы с обилием пауз. Музыканты просто обожают делать короткие паузы после нескольких тактов, будь это соло или замедляющийся риффинг. Вообще, я бы определил стиль канадцев именно как technical deathcore. Итак, у слушателя есть все поводы, чтобы стереть это творение после первых 3 песен со словами "Ну с ними всё понятно!". Думаю Beneath the Massacre относятся к той категории команд, которые пишут свой материал, исходя из того, чтобы его было интересно играть. Возможно, и музыка эта будет интересна только музыкантам, потому что запомнить хотя бы одну из песен или отличить её от других просто нереально, по крайней мере, после двух прослушиваний. Тем не менее, если прислушаться внимательно, можно будет уловить сквозь шквал ударных и определённый песенный рисунок и осмысленную структуру. Более того, можно в конечном счёте определить, чем же индивидуальна каждая из композиций. Вопрос только в том, надо ли вам так детально вслушиваться в виртуозные перипетии музыкальных сюжетов, или лучше не кромсать свои уши, внимая гулу металлообрабатывающих станков?

Living Hexadecimal  31 май 2011

SepticFlesh – одна из немногих команд, к творчеству которых я по-прежнему отношусь серьёзно, и чьи пафосные выражения лиц на промо-фотографиях по-прежнему не вызывают у меня смеха. Как всегда до ужаса скромные, в недавнем промо-ролике греки провозгласили, что в их дискографии грядёт новый «шедевр». И я ни на секунду не усомнился в их словах.

Собственно, сам альбом являет собой закономерный итог многолетнего творческого пути группы, поиска своего стиля и оттачивания исполнительского и композиторского мастерства. Новый альбом звучит очень зрело, увесисто и сочно. Именно за такое звучание многим в своё время и полюбилась музыка SepticFlesh. "The Great Mass" вобрал в себя все достоинства двух своих предшественников (2008 и 2003) и практически не заразился главным недостатком "Communion" (2008): «затянутостью» некоторых композиций при их очевидной банальности (здесь – только "Pyramid God"). Во время первых прослушиваний частенько напрашивалась фраза «перемудрили» ("Five-Pointed Star", "Apocalypse" и особенно "Mad Architect"), но это постепенно прошло.

Главное кредо нынешнего SepticFlesh – продуманность. Альбом "The Great Mass" – её воплощение. Самые сильные композиции расставлены хитро: две – в начале, три – в середине и одна – в конце. Песни, в основном, короткие (<5 мин.), что облегчает повторное прослушивание альбома по нескольку раз подряд. Не каждому понравится такой подход, но он безусловно удачен, так как делает альбом более лёгким для восприятия и исполнения на концертах. Жаль только, Пражский симфонический оркестр не везде с собой по концертам потаскаешь. К слову, прекрасные оркестровки – одно из главнейших достоинств альбома. Графическое оформление – тоже на высоком уровне.

Итог: SepticFlesh снова на высоте, в бодром здравии и прекрасной форме. "The Great Mass" полностью реабилитирует их после неоднозначного "Communion". Впрочем, я никогда и не сомневался в жизнеспособности этого монстра death metal’a. А вы ещё сомневаетесь?

Vandal  30 май 2011

Вот вам еще одна группа, "сошедшая с ума" в 1993-м. Из всех по-своему "безумных" работ, выпущенных в том году, "Mods Carve the Pig: Assassins, Toads and God's Flesh" более всего напомнил мне "Hirnnektar" группы Incubator: во всяком случае, состав компонентов в обоих случаях весьма схож. Вот только Thought Industry отличает тяга к сбивчивым диссонансным риффам, закрученным ритмическим структурами и парадоксальным переплетениям сюжетных линий в пределах одной композиции. Все очень по-американски: техника исполнения - на первом месте, эмоции добавляем умеренно, об атмосфере думаем в последнюю очередь. Посему подаваемый ими слушателям коктейль из трэша, альтернативы, панка, изувеченный вспышками дэт-металлической агрессии (вплоть до бластбитов!) напоминает даже о такой современной заразе, как маткор и мат-метал. "Horsepowered", скажем, вообще могла бы принадлежать перу The Dillinger Escape Plan, со скидкой на относительно вменяемый вокал и более внятную структуру. Кстати, о вокале: лично я безумно рад тому, что плаксивый "чистый" голос Брента Оберлина, так донимающий на "Songs for Insects", почти исчез под напором хриплого надрывного ора, куда более подходящего музыке Thought Industry.

В качестве обложки вновь была использована картина Сальвадора Дали. Лучшей аллегории нельзя было и придумать: как в живописи испанца, так и в музыке американцев все элементы имеют правильные геометрические формы, но представлены в самых невообразимых сочетаниях. Впрочем, не надо думать, что этот альбом так же сложен для восприятия, как и его название - для запоминания. Есть ведь здесь замечательные акустические интро, милейшие мелодии прямиком из классического рока, да и чудная вещица "Michigan Jesus" - попсовый мелодичный панк, очень удачно помещенный в средину релиза - все, что было на альбоме до него, пытается оглушить слушателя напором и техничностью, все, что после - утомляет практически неконтролируемым полетом мысли - уследить за этой "птицей в небе" становится очень непросто. Так что трек номер шесть - это глоток свежего прохладного воздуха в раскаленной пустыне композиторских амбиций музыкантов Thought Industry. Однако, "Mods Carve the Pig: Assassins, Toads and God's Flesh" - не тот альбом, что не поддается осмыслению после нескольких вдумчивых прослушиваний, однако на главный вопрос: где именно на данном альбоме исчерпывается глубокая композиторский задумка и начинается откровенная бессмыслица, лично я для себя ответить так и не смог. Видимо, для понимания этого нужно было родиться в Мичигане и попасть в состав этой группы. Или же просто внимательно почитать тексты. Поскольку большая их часть разбита на отдельные главы, то становятся куда понятней изменения в музыке.

Кстати, о текстах. Честное слово, это первый случай, когда я повышаю оценку альбому благодаря лирической составляющей. Давно я уже так не веселился! Столько концентрированного стеба, сарказма, черного юмора, перемешанного с псевдо-серьезными научно-фантастическими теориями, сложно найти у кого-либо еще на метал-сцене. Цитаты из философов-классиков соседствуют с изречениями, достойными укурившихся самой забористой травой современных "философов-хиппи", в уста Иисуса вложены фразы "The proletariat will rise. Marx was right...". Балаган и позитив под стать известным "сатирикам" The Deadfly Ensemble, при полном отсутствии сходства в исполняемой музыке. Интересно было бы увидеть эти группы в совместном туре. Да что уж там? Любопытно было бы просто посмотреть на работу Thought Industry на сцене. Кто знает, может и окончательные ответы на вопросы: "что хотела сказать группа тем или иным ходом?" при непосредственном контакте найти было бы куда проще...

Jotun  30 май 2011

Ars Sacra – молодые подписанты яростно набирающего обороты уральского лейбла «Хребет дракона». Хотя не такие уж и молодые. Поелику Ars Sacra суть детище тех злыдней, которые памятны немногим из нас по нетленкам Shoggoth и Odor Mortis. «Аромат смерти» ныне в небытии, а посему в яви здравствует «Сакральное искусство». Король умер, да здравствует король? 300 экземпляров «Архитектора страданий» без труда найдут свою паству. Ту паству, которая предпочтет лютую маргинальность и катакомбность малотиражек пыльной шумихе доступных брэндов. И паства эта из тех, что никогда не набьет утробу досыта, бесчисленные пластинки будут переварены без следа в её прожорливом чреве. Туда же канет и «Архитектор страданий». Вряд ли ему уготована судьба верстового камня, хотя в когорте равных у него будет место не из последних. Угрюмый и угловатый черный металл этого релиза настойчиво взъерошивает, а вкупе с секущей и хлесткой лирикой да продуманным, полным аллюзий оформлением впечатление и вовсе выходит четким и прижигающим. Это квинто-терционная музыка, не лишенная впрочем гармонических решений и мелодических задумок. Хороша и уместна глухо рычащая глотка вокалиста, да и мертвенные барабаны с каким-то бесповоротно удрученным железом лихо устремляют композиции вперед и вниз. Или ввысь? Ярких вспышек очумелости здесь нет, да их и не предвидится, - материал расползается густой беспроглядной трясиной. Хотя вот вторая часть «Для вящей славы сатаны» и «Паразиты духа» вычерчиваются особенно рельефно и упрямо западают в память. Такой вот лихой и тугой поток ненависти и презрения изливается и изливается весь хронометраж. И у вдохновленно испившего отсюда не останется сомнений в искренности, посвященности и устремленности создавших сие. Те, кто не позабыл отечественные знаковые в свое время работы Odor Mortis, Sigillum Diaboli, Shoggoth и Daemonolatreia, будут всласть пропитываться и этим альбомом. Каждый сам архитектор своих страданий. Причастимся же мучений, выстроенных по чертежам «сакрального искусства».

Kurgan  30 май 2011

О ангелы, о Михаилы, о Христофоры! Я услышал металл за 100 000 евро! Теперь я знаю, как звучит металл за 100 000 евро! ...Или нет?

Информацию о расходах по созданию альбома (в оригинале - record, т.е. это ещё без денег на рекламу и прочий промоушн) с перепугу выдала сама группа в Фейсбуке. Милые мои, я прекрасно понимаю, что говорю сейчас в степь, и колебания воздуха от слов моих рассеются, не успев найти слушателя, но всё-таки скажу. Понятно, когда пираты берут на абордаж, граб(б)ят, насилуют, режут (кого насилуют - того не режут), а затем продают контрафакт под видом лицензии, то это совсем не комильфо и презренно, однако относительно металла этот вариант вероятен в малой степени и относится, пожалуй, только к платиновым динозаврам таких популярных стилей, как хэви-металл и хэтфилд-металл, у остальных же тиражи и популярность не столь впечатляющи, чтобы пиратам тратить деньги на копирование оригинальной полиграфии и прочего (без них подделка опознаётся, а потому обманутыми могут быть не замечающие таких "мелочей"); нет, конечно, такое в определённых масштабах было, но именно что "было" - до безлимитных интернет-тарифов и при диал-апе. Более вероятно, что музыку своруют пачкой, составив "mp3-дискографию на DVD", которая, понятное дело, сильно вряд ли может быть лицензионной; ну, или вот как с новыми альбомами - за день-неделю-месяц, но коммерции в последнем - ноль. Жаловаться на то, что альбом "своровали", и он пошёл гулять по интернетам, глупо, т.к. на продажи влияет в малой степени, меньше ожидаемой инвесторами. Металл, как бы там ни было, субкультурнейшая штука, держится на энтузиазме и драйве. Кому альбом понравился и так его купят, однако купившие и разочаровавшиеся гораздо опаснее тех, кто сначала послушал то самое сворованное, а затем отказался от приобретения, тем, что мотивация купить следующий альбом у них ниже, так что продажи окажутся под угрозой, равно как и репутация группы. Мнение, что мнение (разумеется, плохое) может быть только у тех, кто принёс ритуальную жертву - параноидальная архаика, на которую могут претендовать немногие объединения, рангом не меньше государства или многомиллионного фонда, ну или церкви. При этом у них есть аппарат принуждения. А у группы его нет, ha-ha! И группа решила поступить худшим, инфантильнейшим образом: "Если не будете покупать альбом, то мы перестанем существовать". Не перестанете, на худой конец на ПМЖ в Японию отправитесь.

Однако, всё это говорит о том, что перед нами не металл-альбом в более-менее привычном ключе, а чистопородный нацеленный на получение прибыли продукт, который металл больше по образу, чем по духу. Это не результат посыла "донесём нашу музыку до масс" (со всем сопутствующим стремлением пробить некую стенку), это уже продукт превращения, симулякр, модно говоря. Не совсем понятно только, какого он порядка. Исходит ли он "сам" из стремления показать, что такое металл (неважно, какова при этом попытка по счёту), а потому использует определённые легкоусваиваемые стереотипы; или же он выстраивается соответственно основным задачам продукта - коммерческой успешности и узнаваемости, которая формируется как раз преподнесением металл-образа; или же образ металличности настолько образ, что несёт уже в себе не функциональное (такие-то гитары, такой-то темп, такой-то вокал, потому что так нужно, примерно так оно и бывает), а то, что потенциальные покупатели ожидают от образа "доступного" металла (в представлении инвесторов и ответственных за успех релиза). Да, я уверен, что целевую аудиторию релиза составят не только металхэды, несмотря на то, что издаётся альбом всё теми же Century Media, а не напрямую, скажем, у Roadrunner. Я не говорю, что написанное выше всенепременно плохо, но это следует учитывать, размышляя о собственно музыкальной составляющей, о "содержании" музыки, о роли и месте самой музыки, как бы глупо (и, может даже, надуманно) это ни звучало, в музыкальном релизе. Так как же выглядит и звучит металл на 100 000 евро?

Выглядит он как г... Как Госсоу: рычит, хрипит, пытается злиться, бунтовать - и всё это под соусом желания свободы, духа мобильности, ветра перемен (ой, извините, это из другого мультика) и так далее, чему и служит мелодика, сдвиг на соло. Но это, ребята, ПМС, а не протест. "Буря, скоро грянет буря!" Тематика восстания, революции, повстанчества, подполья, сопротивления - вот основа образа, вот этого, похоже, и ждут, это и можно донести без лишних кривляний, ужимок и гримас, это понятно и заводит. Не байкеры, не оккультизм, не драконы, не глубокие чувственные переживания - вот это, резистанс. Но не грязный, чумазый, потный, нервный (думать о своём образе повстанец может как угодно, но физиологию и среду обитания не обманешь) и со всеми техническими подробностями, а когда толпой (естественно, такой свободной и такой разнообразной), с флагами, по чистому (кому - после кассетных бомб, кому - просто) проспекту. "Альтерглобалисты, впердё!1" Пошуметь, покричать, похмуриться, позлиться - выпустить пар. Не более того, в (пост)цивилизованном ключе. Серьёзные темы в ключе юношеского максимализма, со всеми сопутствующими бессистемными, беспорядочными духовными поисками. "Эй, мои глаза здесь, не надо их на сиськах искать! Ну, правда, не надо". А для большей (само)уверенности можно и "chaos" написать через "k" - так жёстче, так твёрже. Не из латекса наши древки штандартов! Жаль, что группе не удалось в название ввести предлог "ov". Да и рыжая, ржавая расцветка - это не то же самое, что красная, свой смысл есть, но она уже не вызывающая. "Старый ржавый мир горит таким же пламенем, таким же дымом тлеет," - и всё такое. Это не цвет крови, это цвет неспособности поддержать и мирно реструктурировать существующее. Впрочем, это уже не к данному тексту.

Как и говорилось выше, сама музыка тут не гегемон, она является компонентом восприятия, прямого действия, взаимодействия с потребителем, однако она находится в остающемся за кадром и спектром симбиозе с тем, что сделало её (не в плане элементарном, т.е. нотном, а том самом образном). То, что шаблон на клише сидит и стереотипом погоняет - это понятно. Вся музыка строится на старых добрых проверенных простеньких вполне себе мелодэтовых аккордах и приятных уху полухэви-солячках. Как раз набор для тех, кто только откроет для себя необъятный и терминологически неопределённый мир мелодэта и прочей музыки "тяжелее хэви, но цивильнее трэша и кавайнее блэка". И чтобы не пугать слушателя всем полагающимся грохотом, дребезжанием, рычанием и прочим (о дисторшн, о великий!), по-настоящему металлично звучат только соляки да барабанка. А, ну и Госсоу. Впрочем, для сведения, как утверждает википедия (и тут, в общем-то, спорить с ней не о чем), "экстремальный вокал можно услышать и в поп-музыке" (см. статью "кранккор"). Шуршащая ритм-гитара и чуть ли не шепелявящие риффы же звучат и ведут себя так же, как у последних релизов Amorphis - они ещё дают тень, но сами просвечивают, можно уже и избавиться от них и начать играть "утяжелённый" рок, и слушатель это поймёт и оценит, но вот что-то не получается отказаться. Впрочем, относительно Arch Enemy имеет место, скорее, попытка сохранить их, но так, чтобы не отторгнуть неподготовленных. Это как с "radio edit" песен. Пожалуй, запись на 100 000 евро позволила при "призрачности" дисторшированных гитар вывести их существование в область низких частот, басов. (Примечание: последний раз настолько пустотелое шуршание я в последний раз слышал у Depressed Mode.) Сделаешь погромче - услышишь "джш-джш-джш" и "бу-бу-бу", будет тебе полноценный металл, а вот если стесняешься или ещё что, то наслаждайся мелодиями и чудесным вокалом. "Чудесным", да. Даже продюсеру и композитору он нравится настолько, что не решились добавить явно просящийся в некоторые отрывки чистый или такой, как у Dark Empire, гораздо более бунтарский, будоражащий и открытый (и я знаю, что у DE - мужик, но, извините, гендерный вопрос при рыке отпадает). Вокал Госсоу "закрыт" в том плане, что он сдавлен, он не вырывается кверху, прорываясь сквозь баррикады и всякое такое - он доносится из коллектора, из-под люка, из-под груд хлама и будущего "культурного пласта", как деликатно и ёмко выражаются археологи, он лишь звучит, но не формирует представление о действии. Он ржав. Она ржава. Нет, как-то это не так звучит - "ржава", но пусть будет так. Компромисс. Такой же, как и альбом.

И вот ведь, что интересно: металл-альбом отказался от части металличности, чтобы оправдать бюджет в 100 000 и предстать как полноценно металлический. Но, увы, это не металл на 100 000, это не искусство (искусством был официально назван в т.ч. и фильм "Сало, или 120 дней Содома", так что не надо тут), это продукт с заданной стоимостью в 100 000, осталось только выяснить, верно ли была определена эта самая стоимость, стоимость затрат и жертв, оправданы ли жертвы и компромиссы подобной стоимостью.

Наверное, здесь должны последовать так же и рекомендации, каким же его надо было сделать ("а чего уж, раз хватило ума и вот такое накалякать?"), но их не будет, дабы не позориться ещё больше, а также всё из-за той же неопределённости: от чего отталкиваться при общей оценке альбома? А, стало быть, и при указании недочётов с определённого угла восприятия. Если принимать во внимание и, возможно, как определяющий фактор ещё только будущую успешность альбома, то до оценки ещё рано (впрочем, "сворованное" пользуется популярностью - это даже напугало банду). Но если исходить из того, что это всё-таки портал о музыке и перфомансе, то альбом следует классифицировать как посредственный, обладающий малой ценностью.

DarkCleric  30 май 2011

Легендарный ЕР одной из важнейших банд Сиэттла, связанной как идейно, так и музыкально, так и составом участников с другими известными коллективами гранж-сцены — например, Green River и Pearl Jam. К тому же, Mudhoney выстояли в буре, потрясшей сцену в 90-х годах, и при этом не потеряли лица. На «Superfuzz Bigmuff» Марк Арм и Ко обозначили то, чем они собирались в следующие годы осчастливить публику: меланхоличной производной от панка и своим фирменным зудящим гитарным звуком. Помогал им запечатлеть это звучание не кто иной как Джэк Эндино, ответственный за многие знаковые для сцены записи. Из 6 песен особенно хочется выделить такой боевик как «In 'N' Out of Grace», прекрасно демонстрирующий суть того, что стало впоследствии известно как гранж.

В 1990-м году ЕР был переиздан и дополнен синглами (к примеру, такими важными вещами как «Touch Me I'm Sick» и «Sweet Young Thing Ain't Sweet No More»), демо и концертными выступлениями.

Inner-Self  29 май 2011

Метаморфоза, проделанная прог-металлистами Thought Industry, стандартна и удивительна одновременно. В середине девяностых гранж и то, что называется альтернативным роком, подкосили весь кудрявый метал во всех его многочисленных формах, и редко какие мэтры смогли устоять перед искушением и самим примазаться к «the next big thing». Можно было бы задаваться вопросом — и многие, наверняка, задаются им до сих пор: какие диковинки создали бы Thought Industry, если бы не подорвали своего маргинального положения и не сделали его ещё более маргинальным, ринувшись в поток так называемой альтернативы. Это именно те диковинки, которых они не создали, и вопрос этот, тем самым, праздный. Третий же полноформатный альбом нельзя отнести к какому-либо жанру металлургии. Единственное сравнение, приходящее на ум - это VoiVod, заигравшие в то время что-то мягкое и мутное, но не переставшие быть из-за этого интересными. Злой голос и специфический риффинг напоминают, скорее, таких оппонентов кудрявой метал-сцены как The Melvins или, больше всего, TAD. Pink Floyd, к примеру, к коллективам, повлиявшим на сиэттлскую сцену, не относятся, но вот Black Sabbath и даже King Crimson там тоже послушивали, так что общий момент между «Outer Space...» и некоторыми именитыми альтернативными бандами найдётся. И наиболее интересные композиции на альбоме обнаруживаются ближе к концу, там, где группа сбавляет напор и вдаётся в психоделические эксперименты, снова удаляясь от сравнений с TAD и приближаясь к VoiVod начала 90-х.
Таким образом, Thought Industry создали на «Outer Space...» довольно интересный альбом альтернативного рока, видимо, распугавший старую публику и не привлёкший внимания новой. Жаль, конечно, но нам на память остался этот важный в истории группы альбом.

Inner-Self  29 май 2011

После третьего полноформатника и значительных перемен в составе Thought Industry решили окончательно распрощаться с рашеподобным «приметаллизированным» звучанием и в 1997 году сделали довольно самобытный рок-альбом. В принципе, считаю, что шаг этот был весьма своевременным, и попытка, как говорится, удалась. Рано или поздно шизофрения первых трёх творений должна была войти в какое-либо более удобоваримое русло. Общая идея альбома — это поклон тому культурному слою, который, вероятно, повлиял на музыкантов группы. К примеру, песня «Edward Smith», я полагаю, посвящена лидеру английской пост-панк группы The Fall Марку Эдварду Смиту (хотя могу и ошибаться).

Ещё раз повторюcь, что альбом хорош тем, что в нём есть оригинальность, тем не менее, такая музыка ставится в один ряд с героями тех лет Pearl Jam, Alice in Chains и Nirvana - то есть, это такой альтернативный рок или гранж с акцентом на медленные, весьма запоминающиеся «ползающие» акустические\ электро-риффы и яркий вокал. В плане риффинга мне понравилась «Consistently Yours, Pluto», где он также продублирован и, таким образом, усилен необычным «робото-образным» звучанием гитар.

А в чем же самобытность? В своеобразном звучании ударных и всё том же театрализованном вокале (насколько я понимаю, вокалист остался прежним). Такое звучание ударных я бы описала словом балаганное — типа, «куда уехал цирк»: совершенно несовременное звучание даже для 1997 года, временами маршевый ритм и периодические барабанные дроби. Особенно это хорошо слышно на «Edward Smith», «Bitter». В плане забавных вокальных экзерсисов наиболее примечательна «Her Rusty Nail» с чувственными придыханиями и «Swank», которая своими истеричными выпадами и ритмом напоминает мне материал Nirvana. Своим гипнотическим басовым вступлением запомнилась «Pink Dumbo». От былого безумия осталась только «Eаrwig» (Уховёртка), начинающаяся красивым акустическим соло, которое перерастает в гипертрофированную вокальную партию от лица этой самой уховёртки, которая рассказывает о том, какая у неё трудная жизнь среди червей. А также последняя композиция «24 Hrs. Ago I Could Breathe/Dec. 11Th», в которой в конце воспроизводится фортепианная версия трека «The Flesh Is Weak»с первой демо-записи группы— круг замкнулся.

Собственно, для меня альбом делится на вот такие вот интересные, оригинальные композиции с вышеперечисленными находками и остальной, довольно проходной материал (хотя, безусловно, высокого уровня). На меня практически не произвели впечатление первые 4 трека — можно было бы на них и подсократить альбом. Хотя... они своим трендовым звучанием уравновешивают необычность последних композиций. За них и снижаю оценку.

Demon Hunter  29 май 2011

Итак, один из самых ожидаемых лично для меня альбомов в этом году - дебют задорных скандинавов Amaranthe - удался на славу. Очень давно мне не приносили такую радость столь простые, но при этом великолепные мелодии; давно мне до такой степени не нравился женский вокал.

Но обо всем по порядку. Новый проект Улофа из Dragonland и Джейка из Dreamland вне всяких сомнений оправдал себя: пусть музыка, в сущности, не MDM, как ее позиционирует лейбл, однако она хороша, откуда не посмотри. Гигантский заряд энергии, мощь, и, при этом, красота. Затея с тремя вокалистами звучит свежо и необычно - Джейк Е., исполняющий чистые мужские партии, "экстремальный" Энди и красавица Элиз придают каждой песне особенное звучание, благодаря грамотному и продуманному распределению их ролей. Большая часть, конечно же, отдана фрекен Рюд, покоряющей моментально своим то напористым, то агрессивным, то кристально-чистым и нежным голосом, очень напомнившим мне Анетт Олзон из Nightwish. Вокал такой же сочный, яркий, насыщенный, динамичный, гибкий, свободный в своем чарующем плаванье по волнам музыки, с той лишь разницей, что, из-за специфики Amaranthe, Элиз звучит чуть более… по-хулигански что ли. Восхитительная девушка, у которой, я надеюсь, большое будущее.

Возвращаясь к песням с “Amaranthe”: безусловно, выделяется уже хорошо раскрученная “Hunger”, на которую было снято эффектное видео; замечательно открывает альбом “Leave Everything Behind”; припевы таких вещей, как “Automatic” и “Enter the Maze” не могут оставить равнодушными – под них так и тянет вскочить и начать плясать. Релиз пускается и в пост-хардкор, и в АОР, и в хэви, и в поп, миксуя стили с потрясающей гармонией, со вкусом. Power metal-баллада “Amaranthine” очаровывает своим чистейшим мотивом и историей, стоящей за строчками текста – мне нравится, что песня не о любви, точнее, она о любви не как о цели, а как о средстве, как об акте отчаяния, как о последней надежде вырваться из замкнутого круга. Нечто оруэлловское проскальзывает в тексте.

И отдельного упоминания заслуживают две, на мой взгляд, лучшие песни альбома – “Call out My Name” и “1.000.000 Lyghtyears”. Первая – это просто сгусток колоссальной энергии, куда шикарно вписался поп-припев а-ля Ace of Base, что композицию только красит. А вторая – это превосходный хит с великолепной аранжировкой, с прекрасно распределенными партиями вокалистов, с бесподобной мелодией и замечательной лирикой. Нет, не с философской, не со сверх-умной – с хорошей, добротной лирикой под стать простой, но захватывающей музыке.

Прекрасный дебют прекрасных молодых шведов. Искренне надеюсь, что у них все получится.

Cailleach  29 май 2011

Что такое успешный дебютный альбом? Это альбом, который может привлечь к себе внимание. Одни дебютники привлекают внимание шокирующей тематикой с запредельным уровнем отчаяния и агрессии, другие оригинальной концепцией с соответствующими стилевыми экспериментами. Дебютник должен быть сильным стрессом как для самой группы, так и для потенциальных слушателей. В процессе прослушивания должно чувствоваться, что люди, которые вдруг похватались за гитары и микрофон, сделали это не потому, что у них вдруг образовалось свободное время и они готовы его потратить на совместное общение на репетиционной базе, а потому, что наболело, нет больше сил молчать, нужно срочно выплеснуть все свои эмоции. Так и хочется крикнуть вполне хорошим музыкантам из DreamSlave — где всё это?

Такой альбом, как дебютник DreamSlave могут себе позволить выпустить какие-нибудь Stratovarius, которые уже наэкспериментировались, добились успеха и почивают на лаврах. К сожалению, только вот теперь их слушать стало скучно.

Нет, альбом весьма достойно сделан. Особенно мне нравится, что есть акцент на связку бас плюс ударные партии, чего кстати, иногда недостаёт той же Эпидемии. Музыканты выдержали стиль, особенно в этом плане образцово-показательна «Мир без нас». На мой вкус, недостает только темпа побыстрее, хотелось бы, чтобы всё звучало несколько поэнергичнее, не так вязко. Клавишные партии красивы, но, пожалуй, даже слишком академичны и правильны. Кроме того, они слушаются чаще всего сами по себе, без связи с остальным материалом.

Однако основная критика этого альбома состоит только в том, что идея альбома назидательна. Ребята, вам что - по 65 лет как мистеру Килмистеру?

Вот вы поёте про страхи — вообще про абстрактные людские страхи. Про СВОИ пойте страхи — чего ВЫ реально боитесь? Или вот титульная песня «В поисках мечты». Опять, вы поёте не про себя, а обращаетесь к какому-то человеку, который вроде как теперь живёт без мечты, что, с вашей точки зрения, не есть хорошо. Совершенно непонятно, какое вам дело до этого человека, кто он для вас? Близкий друг? Может, учитель, которому вы обязаны? Единственная любовь? Опять же, это какая-то абстрактная фигура и поэтому, совершенно не чувствуется, что вас это задевает. Если вы станете петь про то, что вас действительно волнует, то тогда и музыка будет гораздо более захватывающей.

И последнее, что я хочу сказать, что если вы вдруг обнаружите, что ваши страхи и мечты не настолько прекрасны и образцовы, как вам это представляется, то не стоит думать, что об этом не нужно петь. Как почувствуете, что действительно душа в пятки ушла или хочется всех вокруг поубивать, не раздумывайте — бегите в студию и записывайте новый альбом! А пока — простите, если что не так.

Demon Hunter  27 май 2011

Thought Industry – комбинат по выработке свежих музыкальных идей. Будучи трэшем, они постоянно держат в уме идею раскованности, перспективы разворота к более легким материям. К этому в итоге и пришли, на этом и развалились. Но сейчас не об этом, возмущающем пуристов и апологетов тяжелого…

Сейчас о первом альбоме команды, «Songs for Insects», и названием своим манящем, и о музыкальном тексте заставляющем судить именно по обложке книги – ба, да это мы вместе с группой *предчувствуем Гражданскую войну в Испании*! Дали плохого не посоветует, пусть даже и заочно. Не все так печально, как смысл картины, пафос ее не определяет настрой диска всецело, зато эксцентричность конструкции является прямой аналогией музыке. Американцы в рамках очень удачного по авангардным мерках 1992-ого года создали альбом, который представляет тяжелый материал способным не только глушить мраком, но и пробуждать светом. Thought Industry с легкостью могут быть признаны той разновидностью экспериментального метала, который интеллигентно внушает умение радоваться жизни. Не в последнюю очередь легкостью музицирования – искристость партий всех инструментов буквально заражает. Острейшие скоростные риффы, продвинутый по соло-линии бас и задорные колотилки барабанщика вкупе с воздушным чистым вокалом – чего еще надо от музыки начала 90-х? Только материала, в котором в идеале воплотятся веяния времени и исторический контекст. Таковой есть – открытый вовне трэш в сюрреалистической манере перерабатывает вагон и маленькую тележку композиционный решений, чтобы в концентрированной форме показать экстравагантную эволюцию, как, например, та, что в заглавной песне. На службу обаяния группы призваны приятный (и довлеющий над всеми другими типами) чистый вокал, мириады акустики и вообще дискурс озорного, ни к чему не обязывающего веселья, обширными сетями опутавший этот диск. К последней линии сходу отнесем милое и трогательное хулиганство “Daughter of Mobius”, а также “Ballerina”, где панковатые галопы переезжают вагоны тяжелого трэш-локомотива. Эстетика тьмы-таки тоже отражена в «Песнях для насекомых», правда, несколько карикатурно – в тяжело вышагивающей в духе индастриала 80-х милитар-попсе “Сornerstone”, идеально сгодившейся бы для БДСМ-игр (не побоюсь припомнить в связи с этим “Relax (Don't Do It)” гей-банды Frankie Goes to Hollywood – благо дарковость басовой линии и там имеет некий, тьфу, подтекст). Внушительную долю текущего прог-трэша составляют неспешные буколические опусы вроде “Alexander vs. the Puzzle” и первой части “Blistered Text and Bleeding Pens”, где уже усиливается смелость. Прелести манеры коллектива способствует и восхитительный звук, обеспечивающий нестесненность инструментов друг другом при всей сгущенности их физического присутствия. В составе этого коллектива только 4 человека? – да быть того не может! А если и так, умеют Thought Industry в рамках указанной выше ветви метала создавать впечатление вовлеченности творческих масс, а также масс народных, осуществляющих обратную связь. Интеллигентная народность, так же, как и сочетание души с техникой/наворотами, всегда будут в цене среди сбалансированных, но не бродящих умов...

Blackknot  27 май 2011

Чего общего между ботинком и карандашом? На этот вопрос нормальные люди отвечают — ничего. Ответ же людей, которых в обычной жизни называют чудаками, может быть совершенно неожиданным, например, то, что и ботинок и карандаш оставляют след. Все нормальные люди думают, как бы заработать побольше бабла и обеспечить себе комфортную жизнь, а эти чудаки вместо этого поглощены тем, насколько атрофированы мандибулы и челюстные щупики у отряда Подёнки на взрослой стадии развития насекомого.

Однако даже если вы не сдвинутые учёные, но ваши близкие частенько находят ваши диски в шкафу для белья, а телефонную трубку в холодильнике, то альбом группы Thought Industry «Songs for Insects» именно для вас!

Что же удалось такого сплавить воедино Thought Industry? Музыканты взяли за основу прог- рок Rush-розлива, добавили элементы трэшевого ритма и риффинга и создали в рамках своего дебютного полноформатника несколько изысканных мини-мюзиклов. Именно эти почти что «театральные постановки» с пением практически по ролям, разделённые на акты, и являются «изюминками» этого альбома - «Songs for Insects», «Daughter of Mobius», «The Chalice Vermillion», «Bearing an Hourglass». Вокалист\басист группы Brent Oberlin явно мечтал стать актёром. Конечно, не обошлось без подпевок, но его чистый основной вокал очень эмоционален. Однако иногда возникает чувство, что он несколько переигрывает.

Да, в целом музыка на дебютнике Thought Industry напоминает Rush — местами основным ритмом, местами невероятной свободой в ритмических рисунках: проговые сбивки, многочисленные барабанные дроби. А ещё полной раскрепощённостью и сложностью гитарных партий, басовыми соляками, а также общей яркостью атмосферы. Всё вместе получилось цветисто и кустисто! Действительно, ещё на демо-записи Thougth Industry можно услышать кавер-версию «Red Barchetta» со знаменитого альбома Rush «Moving Pictures». На полноформатник этот кавер не переполз, а вот «The Chalice Vermillion» с его великолепным басовым соло и «The Flesh Is Weak» с красивыми акустическими переборами можно услышать и на дебютном альбоме. Однако больше всего на меня произвели впечатление первые два «мини-мюзикла»: «Songs for Insects» и «Daughter of Mobius».

«Songs for Insects» - фантастическая история о тоталитарном обществе насекомых с абсолютной властью короля-таракана, с революциями, мятежами и пересмотром мировоззрения отдельных ярких индивидуальностей. Скоростное наращивание темпа и флажолетный гитарный звук создаёт впечатление роя насекомых. Трек «Daughter of Mobius» вызывает у меня стойкие ассоциации с фильмом «Имаджинариум доктора Парнаса». Вот такая дочь — рыжая и зеленоглазая в очаровательных обносках! Тут тоже есть мудрец - Мобиус, который заигрывает то с Христом, то с дьяволом, а свою дочь считает мессией. Я до конца не совсем поняла, в чём состоит трагическая развязка, связанная с любовными взаимоотношениями этой дочери, но Мобиус постоянно призывает её умереть у него на руках. Соответственно, музыка такая вот похожая на цирковой балаган: начало с приплясыванием в фолк-ключе, потом пара-тройка жёстких трэш-риффов, и далее переключение на скоростной панковский ритм и неожиданный разворот - смена музыкального размера на вальсирующий три четверти — и всё это за первые двадцать секунд трека!

Однако на альбоме есть практически в чистом виде и трэшевые вещи, например, открывашка «Third Eye» (типа, хоть мы и чудаки, но мы же все видим, что происходит вокруг своим третьим глазом), встречает нас традиционными трэш-риффами с мелодикой, напоминающей Nevermore, или вот, послушайте «Ballerina» - залихватский панк-трэш. Для меня особняком стоит трек «Coronerstone», навеявший призрак Малинового Короля с постепенным нагнетанием басового напряжения.

Итог. Альбом меня позабавил больше, чем лучше продуманный второй "Mods Carve the Pig". Собственно, мне и захотелось написать рецензию именно из-за того, что дебютник слушается как импровизация, как неограниченный ничем поток льющихся идей. Однако, ещё раз повторюсь, подобная музыка рассчитана на ограниченный круг слушателей (это не хорошо и не плохо). Довольно сложно воспринимать такое необузданное наложение басовых, ритмических и даже вокальных импровизаций. Пожалейте свои мозги!

Demon Hunter  27 май 2011

Американские экспериментаторы Thought Industry даже на дебютной работе имели не так много общего с классическим металом. Однако начинается альбом отнюдь не с экспериментов со звуком, и даже не с трэша, а с самого настоящих пауэр-риффов на американский манер, с традиционным для этого стиля высоким вокалом! Это неудивительно: различных стилей и влияний на «Songs for Insects» совмещено никак не меньше, чем на будущих, уже не имеющих отношения к металу дисках. Например, на «Alexander vs. the Puzzle» и «Blistered Text and Bleeding Pens» можно услышать проникновенные акустические баллады, а остальной материал балансирует между мягким прогом вроде Poltergeist и радикальным техно-металом в стиле Watchtower. И это если не брать во внимание мелькающие изредка эффекты в виде предельно дисторшированного гитарного звука и едкого, обработанного примочками скриминга! Для меня остается секретом, рассматривала команда свой первый диск как серьезную работу, или этот материал задумывался как пародия на ставшую чрезмерно пафосной метал-музыку? Откровенно издевательская «Daughter Mobius» убеждает: это определенно ирония! Как бы то ни было, но весьма скромную популярность Thought Industry можно объяснить не столько необычностью стилистики, сколько сумбурностью, с которой команда реализовывала задумки. Даже рядом с уже упомянутыми мэтрами из Watchtower этот альбом кажется слишком пёстрым, что уж говорить о следующем диске, на котором Thought Industry принялись играть еще более технично и заумно?..

Если оценивать творчество американцев в целом, вклад Thought Industry в выход метала за пределы его некогда узких рамок - неоспорим, если же брать отдельные альбомы, слушать эту музыку будет непривычно даже подготовленным любителям неортодоксального тяжмета. В экспериментальном трэш-метале, на беду Thought Industry, есть альбомы значительно более цельные и душевные!

Glop  27 май 2011

Классический прогрессивный трэш - это не тот стиль, который легко поддается сквозному анализу и разбивке на отдельные ингредиенты. Все дело в том, что команды, вершившие судьбу стиля в конце 80-х начале 90-х годов прошлого века, любили привнести в свое творчество изрядное количество не совсем типичных и иногда не сразу ложащихся на слух элементов. Разнообразие жанра держалось на чрезвычайной пластичности трэшевого каркаса, к которому можно было привязать такие различные материи как фанк или аранжировки из разряда неоклассики, не забывая поперчить получившийся продукт экспериментальными фрагментами. Самое интересное, что на выходе не обязательно должно было получиться нечто аморфное и разрозненное, т.к. крепкие риффовые канаты удерживали ворох составляющих в рамках единого целого. Вот мы и подошли вплотную к прошедшему для многих стороной альбому "Songs for Insects" от штатовских апологетов умного трэша (но только в начале карьеры, ибо потом стопы музыкантов устремились в другом направлении) из Thought Industry. Рецензируемый альбом так и излучает многоцветье мелодических и ритмовых красок в разрезе достаточно легкого, но хорошо читаемого саунда. Выдвинутый вперед бас придает очень отчетливый слэповатый привкус нетипичному звуковому полотну, где дерганность сочетается с меланхолией, а сложно организованные пассажи перетекают в умеренное галопирование. Стафф по-хорошему закручен и объемен, да к тому же снабжен четким чистоголосьем вокалиста, который не забредает на территорию неприятно высокого регистра. Немаловажным аспектом такой музыки также является проникновенность и искренность, а с этим на "Songs for Insects" полный порядок, уж поверьте. Thought Industry презентовали на дебютнике комплексный подход, создав композиции, насыщенные до краев приемами, которым зачастую претит тяжесть как таковая, но делающими музыку американцев неповторимой и самобытной. Чего вы здесь не найдете, так это неоклассических зарисовок, но они были бы, по большому счету, лишними в и без того плотном коктейле из трэшевых прутьев, обвязанных крепкими извилистыми нитями фанка и ощутимыми ленточками джазовой экспрессии, а также сдобренных некими влияниями, которые на поверку оказываются сложно распознаваемыми (вероятно, здесь не обошлось без качественной популярной музыки и частички соула). Но при всем при этом, можно провести параллели с творчеством Anacrusis, Believer и Amboog-A-Lard, в плане нестандартного мышления на ниве изрядно прогрессивного трэша. Другими словами, "Songs for Insects" - непростой и где-то даже излишне мудреный, но искренний и очень музыкальный альбом ушедшей навсегда золотой эпохи жанра.

CORONEROUS  27 май 2011