16-й студийный альбом группы Джеффа Уотерса продемонстрировал очередную полную смену состава. И если нового драммера Fabio Alessandrini сняли в клипе, но заменили на студийной записи электронными барабанами, второму гитаристу Aaron Homma дали сыграть 2 соло в одном трэке и кое-где подпеть, то басист Rich Hinks из неплохой проговой команды Aeon Zen удостоился большей чести – участия в написании песен и сопродюсировании альбома! Принёс ли этот невиданный факт хоть как-то ощутимые изменения? Абсолютно нет! Это всё тот же Annihilator, уже с первых нот открывающего скоростного трэка «Twisted Lobotomy» навевающий мысли об очередной импровизации на тему «Alison Hell». И это навязчивое чувство дежа-вю не покидает до самого конца альбома. Да, предсказуемость и шаблонность на новом релизе всё так же очевидны, но так ли это плохо? Ведь, по сути, в трэклисте нет ни одной слабой вещи.

Качество записи, опять же, на весьма достойном уровне, драм-машина сделана максимально «живо», соло Джеффа всё так же энергичны и вдохновенны (хотя и здесь тоже никакой революции), риффы всё так же фирменны, а стилистическое разнообразие, которое не нравится многим любителям тотального угара, всё же позволяет Annihilator оставаться в рамках thrash metal. Но даже не это главное! Альбом хорош тем, что он… ЗВУЧИТ! Стандартные песни хоть и не вызывают чувства новизны, но их структура очень хорошо выверена, мелодические вокальные линии Джефф «вытянул» в студии очень неплохо (насколько это позволил его голос), и «For The Demented» хочется слушать ещё и ещё. И единственным балластным трэком я бы назвал лишь невнятную полуэмбиентную вставку «Dark», зачем-то растянутую на 2 минуты.

В остальном же «For The Demented» выглядит как достойное продолжение «Suicide Society». И хотя, на мой взгляд, он ему немного проигрывает, это также весьма зрелая, цельная и разнообразная работа. Тут хватает и трэшевых запилов, есть среднетемповый хэви-трэк «The Demon You Know», продолжающий «франшизу» «Stonewall/Knight Jumps Queen» и т.д., неплохая баллада «Pieces Of You», задорный панк в «The Way» и, конечно же, фриковый, но весьма забавный диско-фанковый фрагмент в завершающем альбом боевике «Not All There». Также стоит отметить явную самоиронию Джеффа в вышеупомянутом анти-алкогольном гимне «The Demon You Know», заключающуюся в строчке «It’s always the same old song». Как говорится, комментарии излишни.

Да, тут есть к чему придраться с композиторской точки зрения: помимо несуразного трэка «Dark», 45-секундное нудное вступление к ураганной «Phantom Asylum» также портит впечатление от этого боевика, как и слишком затянутые средние части в ней же, а также в «Twister Lobotomy». Но даже затянутый фрагмент в «Phantom Asylum» несёт неожиданное и прикольное вестерн-настроение, а следующее за ним рок-н-рольное соло звучит блестящее и нивелирует все недочёты. И, тем более, следующая за ней, одна из самых забойных и практических безупречных вещей «Altering The Altar», убеждает в том, что мы имеем дело с одним из лучших трэшевых релизов года. Это альбом не каких-то новичков, вылезших из подвала поиграть в Металлику, а весьма достойный (хоть и далёкий от классики) релиз столпов жанра, по моему скромному мнению, уже третий альбом переживающих новый творческий подъём.

(Диск предоставлен компанией Фоно).

Educated Scum  15 фев 2018

Культовый чешский коллектив вновь напоминает о своем существовании, и снова новоиспеченный полноформат полон характерных черт, которые вкупе оформляют самобытный авангардный облик музыкальных старожилов. Представленный подход может показаться старомодным для почитателей современной экстремальной музыки, что само по себе соответствует действительности, но следует учитывать приверженность банды своим же принципам сочинительства начала 90-х и развитию их в канве современности. Это всё тот же неторопливо раскатывающийся угловатой ритм-секцией прото-блэк-трэш-дэт с уверенной мелодической линией и своеобразными симфоническими вставками, воскресающими в памяти саундтреки к смутно знакомым фильмам 70-х. Бластбит, как и следовало ожидать, здесь редкий зверь, зато палитра изобразительных красок постоянно обновляется то электронными подложками, то фазами развернутых гитарных соло, придающих композициям подчас фолковый оттенок. Общая размеренность хорошо коррелируется с эпизодами высокого вокала и линейным аранжировочным повествованием, которое компенсируется емким и законченным содержанием каждого отдельного трека. Эмоциональный фон альбома носит несколько саркастический характер, что впрочем уже стало визитной карточкой чешской группы и составляющей их стиля. Каркающий вокал ответственен за поддержание нормативных напора и экстремальности, хотя периодически музыка всеми фибрами своей души стремится к категориям прог-рока. Очередная глава в истории Master's Hammer знаменует собой медленное, но верное движение вперед, равно как и поддержание пламени традиций.

CORONEROUS  14 фев 2018

- “Love us or hate us”
(c) Kreator, 1989.

И вот, спустя 10 лет после опубликования строчек из эпиграфа, Kreator разродились альбомом, который как нельзя точнее под этот самый эпиграф подходит. “Endorama”. Об этом творении сумрачного германского гения можно говорить бесконечно много. Или не говорить вообще. Ровным счётом ничего от этого не изменится – данный диск так и останется уникальным явлением на трэшевой сцене. Он самодостаточен. Мне неведома причина, которая пробудила его к жизни: то ли наличие в составе коллектива действительно неординарного гитариста Томаса Веттерли из Coroner; или же депрессия, которой, по его словам, страдал лидер Kreator во второй половине 90-х? Я не знаю. Впрочем, это несущественно, главное – это результат. А он получился выше всяких похвал. Оговорюсь сразу: да, это Kreator, но это не трэш, и открывашка “Golden Age” это явно демонстрирует. На альбоме мы не услышим привычных для трэша жёсткого колючего саунда, характерной вокальной истерики Милле, высоких скоростей и резких смен ритма. На “Endorama” правит бал в первую очередь атмосфера, создаваемая достаточно прямолинейными гипнотически-среднетемповыми риффами, красивыми мелодиями гитары, гитарного синтезатора (спасибо, Томас!) и мимолётными вкраплениями клавишных. Вся эта богатая звуковая палитра из эффектов и примочек звучит настолько органично и вкусно, что просто диву даёшься, насколько всё ювелирно подогнано друг к другу. Диск ни в коем случае не производит впечатления вымученного “плода тягостных раздумий” – нет, это логическое продолжение “Outcast” (1997 г.), только без непроглядно-депрессивных вещей, типа “Black Sunrise”, который своим настроем убирает половину услышанного мною дума... Альбом “Endorama” – это, скорее, светлая печаль, характерная для готики. И даже наличие сильно нелюбимого мною товарища Тило Вульфа из Lacrimosa на гостевом вокале совсем не портит самое нетипичное произведение Kreator. Гениально, чёрт возьми!

rassol  13 фев 2018

Учитывая огромный поток новой музыки, который грозит обесценить само её существование, приходится серьезно покопаться, чтобы найти что-то действительно интересное. И тем более удивительно находить в этих дебрях группы, уровень и творческий потенциал которых значительно шире рамок той скромной ниши, которую они занимают. Spaceslug демонстрируют размах, присущий в большей степени именитым и заслуженным коллективам в их лучшие годы. Поляки проявляют исключительную работоспособность и действуют как уже состоявшаяся классическая группа, которую отличает качественный и последовательный подход к своему творчеству. Выпустив в 2017 полноформатный альбом “Time Travel Dilemma”, Spaceslug в том же году записали ЕР “Mountains & Reminiscence”. Можно ли считать его дополнением к альбому? Нет, поскольку на этом ЕР представлен полностью новый материал, который по настроению и содержанию заметно отличается от остального творчества группы. Именно поэтому “Mountains & Reminiscence” следует воспринимать как самостоятельный релиз. Более того, по содержанию ЕР получился настолько насыщенным и самодостаточным, что он практически равноценен альбому. Удивительно, что весь материал был записан в студии вживую всего за два подхода!

По сравнению с ранее вышедшими альбомами, на “Mountains & Reminiscence” группа демонстрирует несколько иной творческий подход. В стилистическом плане в музыке появилось намного больше психодела и наметился больший уклон к стоунеру. Композиции стали более энергичными, разнообразными по структуре и содержанию, в них больше места уделено вокалу. Теперь это не думовые броненосцы, а именно песни, что делает их более доступными для восприятия. Ну, по крайней мере такие вещи, как “I Am The Gravity”, с налетом пост-гранжа, и бодрая, пропитанная грувом “Opposite The Sun”. На последнем треке Spaceslug заметно прибавили ходу, разогнавшись до скоростей, которые трудно было от них ожидать, учитывая более ранний материал. При этом парни всё же не забыли о своих корнях и, например, на “Elephemeral” мы слышим в риффах такую масштабность, какой не наблюдалось даже на предыдущих альбомах. В целом ЕР получился достаточно экспериментальным, и в музыке наметились прогрессивные черты. Особенно это касается открывающего трека “Bemused and Gone”, который звучит в совершенно нехарактерной для группы манере. Мне даже трудно его описать, поскольку слышится в нем много различных влияний, но зацепиться за что-то конкретное сложно. Лично мне послышались даже отголоски Pink Floyd и a-ha, густо замешанные на думе и психоделе. Отдельно хотелось бы остановиться на треке “Space Sabbath”, название которого на 100% передает его содержание. Здесь группе удалось отдать дань уважения сразу двум основным своим источникам вдохновения. Представьте, что Black Sabbath улетели в космос. Сама композиция являет собой умопомрачительный гибрид из мутировавшего под кислотой основного риффа Black Sabbath и легендарной киноэпопеи «Космическая Одиссея 2001» Стенли Кубрика. И хоть сами музыканты не позиционирует эту вещь как таковую, считаю, что это один из лучших каверов на Black Sabbath.

Как видите, все песни получились разными, и каждая звучит по-своему. Это одновременно является и плюсом, и минусом, поскольку несмотря на стремление группы достигнуть единой атмосферы, ЕР звучит несколько разношерстно. Но это я уже пытаюсь воспринимать релиз с точки зрения альбома, каковым он все же не является. Так что “Mountains & Reminiscence” - это прекрасная, по-настоящему интересная, очень зрелая и умная работа. Если парни продолжат двигаться в этом направлении, то у них есть все шансы для того, чтобы стать если не знаковой, то действительно значимой группой.

Alias   9 фев 2018

Норвежцев Communic постоянно сравнивают с Nevermore и это вполне резонно: налицо сходство тембра и манеры пения Оддлейфа Стенсланда с уже покойным Уоррелом Дэйном, у обеих групп похожий плотный, басистый, но мутноватый гитарный звук. Но и отличий тоже хватает: степень эмоционального накала в голосе Оддлейфа не столь велика, а техника его игры на гитаре весьма далека от мастерства Джеффа Лумиса, да и любовь Communic к сложному построению композиций, благодаря которому к ним приклеился ярлык prog metal, не был в такой степени присущ вышеупомянутой группе-прообразу.

Переход с Nuclear Blast на AFM Records, по всей видимости, напрямую связан с шестилетней паузой в студийной деятельности, но за это время группе удалось подготовить самую сложную и продуманную работу в своей дискографии. Аж три композиции на альбоме (открывающая диск «The Pulse Of The Earth», заглавная «Where Echoes Gather» и финальная «The Claws Of The Sea») представлены в виде дилогий, а бонусная секция из трёх «живых» композиций с предыдущих релизов растянула хронометраж «Where Echoes Gather» аж до 74-х минут, что, на мой взгляд, в данном случае сыграло против группы…

Диск отлично записан (особенно ритм-секция), вокал Оддлейфа не утратил своего фирменного драматизма, своё яркое лицо группа также сохранила, но, к сожалению, не исчезли и все минусы Communic, главным из которых я лично я считаю перенавороченность. Определённые темы музыканты слишком затягивают, некоторые – очень неудачно сочетают, порой допуская неуместные скачки темпа, в результате чего почти все композиции звучат нелогично и даже коряво. При этом даже яркие вокальные мелодии и гитарные риффы не позволяют «вытянуть» ни одну песню, а уж о хитах на альбоме и вообще говорить не приходится.

Достаточно техничные thrash-запилы порой соседствуют с вяловатыми думовыми замедлениями, которые хоть и оставляют впечатление интересной музыкальной мысли, но, по сути, не запоминаются. Автор музыки и текстов Оддлейф Стенсланд, по всей видимости, не рассматривает возможность сотрудничества с продюсером, который вполне мог бы помочь оформить идеи если не в более компактный, то, по крайней мере, в более стройный формат. А жаль…

Ведь в таком виде альбом оценят лишь немногие, хотя, конечно, он не лишён оригинальности и представляет определённый интерес, особенно для любителей прогрессива, которых не пугают сложные формы. Тем не менее, из плюсов альбома стоит отметить лирическую составляющую, которая у группы всегда была на достойном уровне. В этом плане достаточно удачно вышла 9-минутная «Moondance», да и три «живых» бонуса звучат также очень неплохо, хотя под конец и без того весьма длинного и заковыристого альбома их уместность также весьма спорна…

(Диск предоставлен компанией Фоно).

Educated Scum   9 фев 2018

В случае с этим альбомом все предельно просто: если словосочетание "rage against the machine" для вас - не пустой звук (и не тот звук, что вызывает раздражение), ознакомление с Prophets of Rage становится просто обязательным.

Инструментальному трио из RATM по жизни не слишком-то везет с вокалистами. Первый, Зак де ля Роча, обладал мощной харизмой, но и колоссальным эго, раздавившим, по сути, хребет легендарной группы. Второй, Крис Корнелл, с которым мужики играли в Audioslave, и вовсе был гением своего дела, но внутренние демоны его оказались еще опаснее, доведя до суицида. На "Prophets of Rage", перестраховавшись, Том, Тим и Бред скоординировали усилия сразу с двумя эмси, известными умением работать в команде и достаточно умеренным себялюбием - Чаки Ди из Public Enemy и Би-Риалом из Cypress Hill. Надеюсь, с этими бойцами хип-хоп-фронта никакая беда не приключится...

Отбросив условности, можно смело заявить: перед нами фактически четвертый студийный альбом Ярости народной супротив гнета машинного. Узнаваемый с первых секунд басово-барабанный грув, фирменные пируэты гитары Морелло; арпеджио, подобных которым не найдешь во всем мире. По части речитатива, однако, могут возникнуть вопросы: не слишком ли механистично звучит "кипарисово-враждебный" дуэт, не скудна ли энергетика, поставляемая глотками людей, которым, на минуточку, уже около ста лет, если брать совокупно? Наконец, наверняка отыщутся те, для кого подобный формат без голоса де ля Рочи попросту неинтересен. Хотя по меньшей мере следует помнить, что и мексиканский революсьонеро помимо не самого компанейского характера, имел свои исполнительcкие огрехи - привычку зачитывать одну и ту же строчку по 16-20 раз подряд и сомнительного качества дикцию (легендарное "They rally round the family! With a pocket full of shells! = day wallie round da famowee! Wit a pocket foo of thells!"), так что замену ему, тем более двойную, как минимум стоит оценивать как имеющую право на существование.

"Prophets of Rage", безусловно, не ровня монструозному дебютнику Rage Against the Machine, но, имея в запасе хиты минимум на каждой второй позиции трек-листа, выглядел бы вполне конкурентоспособным и двадцать лет назад; а уж нынче рэп-рок подобного уровня вообще не делают, или делают под его видом какие-то снулые треки сродни недавней коллаборации Кендрика Ламара и U2 (Body Count c сильнейшим уклоном в металл я оцениваю все же в другой категории).

Одно не совсем понятно: к чему, при наличии в составе властелина гитары с двумя звукоснимателями, легендарного исполнителя соло на педалях и датчиках, Тома Морелло собственной персоной, обзаводиться еще и живым диджеем? Том сам по себе способен заменить и диджея, и клавишника, и трубача даже, не выпуская при этом из рук родной электроинструмент. Единственное предположение: это позволило потомку кенийского революционера Стивена Н'Гете Нйороге сосредоточиться на "прокачивании" мелодической компоненты музыки, что особенно чувствуется в соло-партиях.

Ну или же наши герои не могли не попытаться трудоустроить еще одного афроамериканца. Сразу три созданных рабочих места; чем ответишь ты, Трамп??

Jotun   7 фев 2018

Дебютный альбом Spaceslug был достаточно хорош для того, чтобы привлечь внимание даже бывалых любителей стоунер-дума. Однако, ему всё же не хватало остроты ощущений и чувства уверенности для того, чтобы убедить всех вокруг в серьезности своих намерений. Этот недостаток был устранен на следующем альбоме. “Time Travel Dilemma” получился заметно более зрелой работой. По сравнению с “Lemanis” этот альбом звучит динамичнее, разнообразнее, да и попросту более естественно. Он начинается ровно там, где закончился “Lemanis”, развивая и доводя до ума идеи, начатые на предшественнике.

Даже несмотря на то, что по большому счету в своей музыке Spaceslug используют набор проверенных приемов, уходящих корнями в далекое прошлое, их трудно упрекнуть в клишированности. Благодаря творческому подходу, выглядит это скорее как самобытная интерпретация жанра. В конце концов, актуальность музыки во многом определяется её качеством. А с этим у поляков всё в полном порядке. “Time Travel Dilemma” получился весьма вдумчивой и сосредоточенной работой. Альбом объединен одним настроением и воспринимается как цельная вещь. В музыке проявилось больше психоделии и атмосферы. Водоворот клокочущих думовых риффов то и дело сменяется более размеренными, вальяжными частями, переходя местами в совсем уж парящие в невесомости проигрыши, как в “Parahorizon”, которая наряду с заглавным треком является наиболее показательной для альбома. Музыку Spaceslug действительно можно уподобить изображенной на обложке гигантской улитке, ползущей навстречу галактикам, минуя черные дыры, и пересекая циклопические газовые туманности в зареве вспышек сверхновых звезд.

Что осталось прежним от предшественника, так это ведущая роль основной мелодии. И если у подавляющего большинства стоунер-думовых групп во главу угла ставится жирный гитарный рифф, то Spaceslug часто выстраивают риффы вокруг основного лейтмотива. В композиционном плане на “Time Travel Dilemma” группа звучит очень собранно, не ударяясь в импровизации и прорабатывая отдельные детали. Благодаря такому подходу массивный думовый монолит обретает скульптурные формы и, несмотря на впечатляющую продолжительность некоторых композиций, в них происходит достаточно много событий, чтобы не заскучать. Да и весь альбом пролетает как-то очень уж незаметно даже с учетом того, что его продолжительность составляет канонические для времен виниловых пластинок 44 минуты.

Что касается качества реализации, то с учетом представленного материала она близка к идеальной. Четкая, сбалансированная, но при этом не вылизанная запись звучит очень натурально и аккуратно. Группе удалось достичь густого, лохматого саунда не прибегая к излишней сырости и грязи. Обращает внимание более проработанный по сравнению с предыдущим альбомом отстраненно парящий вокал, который в значительной мере способствует создаваемой атмосфере. Весьма хорош грамотно прописанный перегруженный бас, который хоть и не лезет вперед, но ведет достаточно интересную линию, чтобы его присутствие не сводилось к простому фону. Вообще примечательно, что в общем миксе каждый инструмент играет равнозначную роль и не перекрывает другой.

“Time Travel Dilemma” получился по-настоящему интересной и самобытной работой, к прослушиванию которой хочется вернуться еще не раз. У альбома есть свой характер. На нем музыкантам удалось развить идеи, начатые на предыдущей записи. Но я думаю, что в будущем Spaceslug могли бы прийти к еще более прогрессивным формам выражения своей творческой мысли. По крайней мере, потенциал для этого имеется.

Alias   7 фев 2018

Не так давно я взялся за перо, потому что был разочарован новым альбомом Кипелова. Будучи любителем power metal с симфоническими элементами, я, как порядочный человек, приобрел официальную цифровую версию новой метал-оперы Эпидемии в максимально доступном качестве, и прослушал её многократно на лучшем из доступного мне оборудования.

Итак... Альбом "Легенда Ксентарона" (как и любой другой) начинается с обложки. Тут она решительно не соответствует как музыкальному материалу, так и сюжету, стилем своего исполнения не вызывает никаких хороших впечатлений. Очень дешёвая и скучная обложка. Не говоря уже об истории с изменением некоторых её деталей. Буклет и визуальное оформление, в целом, хорошие. Будем считать их плюсом. 

В очередной раз неприятно поражает плоскость музыкального материала и его неполноценность. Мне совершенно непонятно зачем использовать диссонансные гармонии и мелодические решения там, где подошли бы так свойственные жанру величественные, эпичные гармонии (например, с основой в виде тех же самых квинтовых аккордов). Взять хотя бы песню "Преображение" - просто отвратительная вокальная линия и некрасивая музыка. В общем, на альбоме преобладает нескладная, опять же - дисгармоничная мелодика. 

Инструментальная составляющая, работа музыкантов, процессы сведения и мастеринга вызывают вопросы, но не будем считать все эти недостатки. Несколько сыровато, но имеет право на существование. 

Вокальные партии на "Легенде..." представлены множеством гостевых исполнителей и, в целом, с ними проблем нет. Однако, постоянно бросается в уши сухость и отсутствие экспрессии и динамики в некоторых из них. Между тем, крупнейший недостаток - это вокал господина Немоляева. Зачем изначально выбрали его? Ведь есть вокалисты с гораздо более эффектным и, так сказать, качественным экстремальным вокалом. Жирный минус.

Смысловое содержание альбома является, скорее, его сильной стороной. Однако, лишь в виде прозы. Стихи же, которые лежат в основе текстов песен, видятся мне слабоватыми и невыразительными. Да и концептуальность в них не всегда улавливается.

Как итог, я считаю что альбом "Легенда Ксентарона" не оправдал внимания и ожиданий слушателей, направленных на него. Конечно, это лишь моё индивидуальное мнение. Я ставлю низкую оценку.

Dr_Death_   7 фев 2018

Оказывается, в Польше помимо сонма всевозможных блэк- и дэт-метал групп, во главе с Vader и Behemoth, присутствует весьма компетентная стоунер-думовая сцена. И Spaceslug видятся мне одними из самых интересных её представителей. В отличие от большинства коллег по цеху, без устали взрывающих косяки во славу Сатаны, это трио устремило свои взоры в бездну космоса. Тема тоже достаточно популярна для жанра, однако для этих поляков космос является источником вдохновения в буквальном смысле. То есть, здесь вы не найдете космонавтов, парящих среди астероидов в зарослях конопли. Увлеченность группы предметом столь серьезна и основательна, что в треке "Supermassive" используется запись последних минут эфира советского космонавта Владимира Комарова, за мгновения до катастрофы при посадке космического корабля «Союз-1»! Хотя лично у меня достоверность представленной записи вызывает сомнения.

В манере игры Spaceslug старательно следуют канонам традиционного стоунер-дума. Условно их музыку можно описать как гибрид заторможенных Black Sabbath и Neurosis, хотя и без депрессивной истерии последних. Звучанию Spaceslug характерен теплый ламповый звук, живая запись и умелое использование традиционных для классического рока (даже не металла) гитарных эффектов. Но что действительно выделяет поляков, так это умение писать интересные мелодии. В отличие от многих подобных групп, эти ребята знают как подгонять запоминающиеся мотивы, а не просто размазывать по трекам правильные думовые риффы. Композиции на альбоме получились продуманными, компактными и в большей степени «песенными» по своей структуре. Кроме того, у Spaceslug весьма характерный вокал, который очень хорошо вписывается в общую картину и чем-то отдаленно напоминает покойного Лейна Стейли из Alice In Chains. Благодаря всему вышеперечисленному, музыка этих любителей звездных скоплений не сливается в заурядный фон и вполне способствует её вдумчивому восприятию.

Надо отдать должное, что уже на первом альбоме музыкантам удалось добиться собственного почерка, который они будут развивать на следующих своих записях. Но альбом, конечно, не безупречен. Его явным недостатком я бы назвал то, что он получился излишне ровным. Неторопливо и с расстановкой наваливая дум, Spaceslug местами звучат слишком уж дидактично и сдержанно. Тем не менее, те острые грани, которых не хватает дебюту, разнообразят музыку Spaceslug уже на следующей работе. А для первого альбома “Lemanis” звучит очень даже хорошо.

Alias   6 фев 2018

Не хочется лезть в дебри истории "как поссорились Филипп Ансельмович с Робертом Флинновичем". Тем более что экс-фронтмен Pantera, сотворив количество дерьма достаточное, чтобы на толерантном Западе его - Фила, а не дерьмо - захотели сожрать живьем (боевое метание зиги на скорость, вопль "White power!", устремленный в толпу, крайне глупое оправдание про "белая сила - это про белое вино, которое мы пили за кулисами", чуть более связная история, сочиненная в дальнейшем, которая, однако, полностью противоречит былине о белом вине), в комментариях стал предельно осторожен, и господина Флинна упоминал лишь посредством жирных, аки подбородок самого Ансельмо, намеков, конкретных имен не называя. Зато Роб, основательно, пардон, хайпанув на своем видео про "Racism in metal", решил, видимо, что его комментарии по следам актуальных политико-социальных событий ужас как интересны обществу, сочинив для нового альбома целую пачку предельно левацких и бесконечно наивных текстов. И уж если невинная "crush homophobia" в исполнении Kreator вызвала у кого-то там смешки и ядовитые выпады, то местные опусы вроде "Bastards" вполне способны запустить некоторых металлистов, в массе своей людей крайне консервативных, прямиком в стратосферу на реактивной тяге.

"So give us all your faggots, all your niggers, and your spitzs
Give us all your Muslims, the so-called terrorists
We'll welcome 'em with open arms and put 'em in our mix"

Что до музыки, Pоб пообещал альбом по звучанию куда более мягкий и мелодичный, в сравнении с предыдущими, и обещания в целом сдержал. Мне, конечно, безумно жаль былые эпичность и монументальность саунда и об́щей композиции, здесь проклевывающиеся разве что в могучем припеве "Beyond the Pale", но, быть может, игра стоит свеч? Мне очень нравится постановка гитарных партий, в частности, в заглавном опусе - в их звучании есть некий экзотико-мистический привкус, энигматичность, если хотите, которая вполне могла бы стать достойной заменой былым эпичным тональностям. Проблема в том, что Machine Head не смогли остановиться вовремя и, для начала, слишком затянули альбом, а затем провели через стадию отбора некоторое количество чудовищно неудачных идей.

Во-первых, что с "Triple Beam"? Ладно, текст идиотский, но подача... Это что, ответ Роба на слова Ансельмо про ненависть к "the negro-era of Machine Head" (под которой подразумевается период выпуска "The Burning Red" и "Supercharger"; опять же, не факт, что Флинн не врет и не искажает оригинальную реплику)? Мне кажется, время ностальгии по ню-металлу еще не пришло, а уж тем более по ню-металлу с откровенно "школьной" подачей, с раймом на уровне видеоблогера из ЮТуб.

Во-вторых, "Bastards", вызвавшая рекордное количество шлепков ладонью по лбу. Вокальный, господи прости, вайб, делает эту песню шедевром юмористического рока; тем забавнее, на каких серьезных щах она написана и исполнена. Так мама орет в трубку сыну "неопоздайнаработупокормикошкунаденьшапкунаулицехолодно". Быть может, Флинн хотел сымитировать кантри, но получилось в итоге то, что уже окрестили "MH сделали свою "Lulu".

В-третьих, Флинн, за годы ора на связках основательно "посадивший" вокал, уже толком не может ни петь, ни кричать, и за каким чертом его сиплый голос иногда пускают а капелла (например, "Kaleidoscope") - вопрос к хворой фантазии исполнителей.

В-четвертых, неужели вам действительно настолько понравилась "Bastards", что вы решили, по сути, повторить ее в более мрачном ключе в качестве финала альбома ("Eulogy")?

Реакция на "Catharsis" в целом сокрушительно негативная, и одними лишь оскорбленными фанатами Pantera это не объяснить. А ведь в глубине "души" это хороший альбом, весьма смелый и разнообразный, причем разнообразие включает в себя отнюдь не только идиотские эксперименты, по-настоящему судить данный релиз нужно, оценив пропасть между чудесной акустической балладой "Behind a Mask" и монументальным боевиком "Heavy Lies the Crown", или же обскурной "Catharsis" и прямолинейной, почти по-дэтовому напористой "Grind You Down". Но, к сожалению, когда я думаю о новичке Machine Head, вспоминаю прежде всего до смешного плохие треки, натужный вокал и сумасшедшую затянутость действа. Итоговый балл еще наверняка будет корректироваться в ту или иную сторону, но пока что мне скорее грустно от осознания того, что подо всей этой массой показушных лирических потуг и композиционной избыточности похоронена по-настоящему интересная запись.

Jotun   5 фев 2018

Думаю не окажусь далеко от истины, предполагая что из всех метал-певиц Аннеке ван Гирсберген – одна из самых уважаемых и любимых слушателями. Её волшебный голос не меркнет с годами, а благодаря разнообразию творчества, мастерской игре и удачному выбору музыкантов для сотрудничества едва ли не каждый раз воспринимается внезапным откровением. Интеллигентный солнечный имидж, вдобавок к множеству музыкальных достоинств, делает отношение поклонников к артистке ещё более тёплым. Так что провал первого альбома новой группы этой дамы VUUR ощущается особенно неожиданной и обидной подставой.

А это самый настоящий провал – не на уровне «ничего особенного», а до степени «что ж так плохо-то?» Музыка заявлена как прог-метал и действительно демонстрирует некоторые проговые приёмы композиции. И исполнено-то всё здорово, и звук с низко настроенными гитарами и вибрирующим басом актуальный, однако, увы, музыканты слепили из банальных риффов и гармоний скучные и безликие композиции, которые не вспомнить даже после нескольких прослушиваний. И даже не из-за того, что они одинаковые – скорее, одинаково никакие. Колоссальную роль голоса ван Гирсберген, талант которой вытягивает альбом на хоть сколько-нибудь приемлемый уровень, подчёркивает концовка «Rotterdam»: Аннеке поёт практически ту же тему, что играет гитара, но звучит в миллион раз трогательнее и эмоциональнее. Хотя и здесь не всё радужно: на мой взгляд, такой музыке с таким звуком голос Аннеке абсолютно не идёт. В «The Fire» её партия парит над звуковым пейзажем и создаёт классную сюрреалистическую картину, но в большинстве песен сочетание вокала с музыкой в лучшем случае озадачивает – и не в хорошем (прогрессивном, если позволите) смысле. Нельзя, конечно, сказать, что весь материал совсем плох – мне, например, кроме только что упомянутой «The Fire – San Francisco», понравилась «Days Go By – London», да и во многих песнях есть приятные эпизоды, но вообще, с точки зрения композиции, альбом откровенно слаб.

В словах помимо символических ассоциаций с городами пульсирует тема свободы – не то что настойчиво, а даже навязчиво: фраза «In this moment we are free» повторяется за альбом раз пятнадцать, а если запикать слово free как таковое, то любой рэпер снимет кепку! Кстати, по поводу свободы: в одном из недавних интервью Аннеке (да, я знаю, что в группе много других музыкантов, но, извините, без имени вокалистки этот альбом вообще никого бы не заинтересовал), отвечая на вопрос «А что для тебя вообще значит свобода?», призналась, что в тихой Голландии люди несвободны из-за необходимости ориентироваться на чужое мнение слишком во многих вопросах. Так вот не покидает ощущение, что именно от оглядки на каноны этот альбом пострадал, и вместо того, чтобы написать хороших песен, решили музыканты сделать «классный прогрессив-метал». Отсюда такая безыдейность. А ещё «vuur» - это по-нидерландски «огонь», тот, который ещё и страсть, и драйв. Таковых в записи тоже не ощущается. Итого – одно из главных разочарований 2017 года и, возможно, худший альбом в карьере Аннеке.

Acallabeth   4 фев 2018

Для фанатов команды Пиви Вагнера выход нового альбома всего лишь через год после предыдущего релиза стал очень приятной неожиданностью, ведь после ухода основного генератора идей последних пятнадцати лет Виктора Смольского будущее команды было весьма туманным. К счастью, эти опасения не оправдались, пришедший на смену Смольскому гитарист Маркос Родригес отлично вписался в команду, обеспечив преемственность звучания и уровень игры, к которому привыкли фанаты коллектива. При этом, он достойно выполняет не только задачи ведущего гитариста, но и бэк-вокалиста, чем существенно обогащает общее звучание группы.
В новом альбоме музыканты из Rage продолжили взятый ранее курс на возвращение к более прямолинейному звучанию в духе первых своих работ, что, во многом, объясняет такую оперативность в работе над новым релизом. Большая часть песен на альбоме написана по золотой формуле классического heavy metal'a, которую Пиви Вагнер за более чем 30 лет своей музыкальной карьеры довёл до совершенства. В результате, альбом получился достаточно тяжелым и мелодичным, а каждая песня в отдельности отлично проработана в плане аранжировки, композиции, партий каждого инструмента и вокальных мелодий. Отдельно стоит отметить работу ударника Василиоса Маниатопуса, чьи ритмы идеально вписываются в контекст и регулярно сменяют друг друга, освежая звучание на протяжении каждой песни.
Так же как и предыдущий релиз, "Seasons of the Black" достаточно разнообразен по звучанию. На нём есть и скоростные агрессивные боевики, такие как заглавный трэк, есть и более вдумчивые среднетемповые песни, например, "Blackened Karma", в которой автор рассуждает о влиянии поступков людей на их собственную судьбу. Несмотря на достаточно серьёзную тематику большинства песен, на альбоме есть и трэки написанные в неожиданно весёлом ключе, что немного диссонирует с их мрачным содержанием, как, например, песня "Justify", где описывается смертная казнь через смертельную инъекцию и поднимается проблема оправданности такого сурового наказания.
Также немного выбивается из общей тематики альбома песня "Septic Bite", посвященная тираннозавру - самому опасному доисторическому хищнику. Видно, уж очень нравится фронтмэну Rage эта гигантская рептилия, чья кость имеется у него в коллекции, о чем он сам рассказывает в предисловии к песне. Похоже неспроста Виктор Смольский, будучи гитаристом и композитором Rage, в одном из своих интервью посетовал, что Пиви Вагнер иногда пишет тексты песен на одному лишь ему близкие и понятные темы, без учёта атмосферы и настроения, заложенной в музыке.
Всего в альбоме 11 трэков, но после них слушателей ждет бонусный диск, для которого Rage перезаписали шесть песен со своего первого альбома и ЕР, записанных в те древние времена, когда группа еще носила название Avenger. Многие более молодые поклонники коллектива могли даже и не слышать о существовании этих релизов, а ведь материал там очень достойный. Выбранные для бонусного CD песни отлично вписываются в стилистику основной части альбома, а благодаря качественной записи и сведению дают уникальную возможность оценить классический материал Rage во всей красе.

MetalGhost  31 янв 2018

Как-то так вышло, что и бледностью заснеженной обложки и стандартной для тяжелого металла тематикой лирики (противостояние одиночки и социума в разных проявлениях) альбом с порога намекает на то впечатление, что в итоге выносишь из прослушивания. А именно — что "Богом данное право" это, наверное, самый ровный и, с позволения сказать, дежурный релиз германских Тыкв... во всей дискографии? Похоже, так и есть. Достаточно вспомнить предшествующие выходы группы — "7 Sinners", что напирал на непривычную от немцев в новом веке агрессию и, с другой стороны, разноплановость в сонграйтинге, будучи похожим на амбициозную попытку группы собрать все силы и выдать на гора нечто громкое и ядреное, и альбом 2013 "Straight Out of Hell", отмеченный более расслабленным подходом, включающим попытки обыграть наследие вплоть до 80-х и клише хеппи-пауэра, но именно обыграть, где-то помирив с современностью, а не самым наивным образом воспроизвести. "My God-Given Right" же представляет собой скорее концентрированное понимание того, как звучит "современный Helloween", не отклоняющийся в ту или иную сторону, а держащийся строго центральной дорожки. И если уж искать аналогии, то более всего услышанное тут походит на "Rabbit Don't Come Easy", с которого, однако, срезали излишнюю "хэппишность", из-за который "Кролик" приобрел у многих металхэдов имидж пластинки совсем уж несерьезной, а также придали более компактный и концентрированный вид.

Формально критерий разнообразия здесь, впрочем, выполнен — "My God-Given Right" содержит и традиционный скоростной power ("Battle's Won", "Creatures in Heaven"), и среднетемповый грузовой мрачняк ("Swing of the Fallen World"), и занимающий положенное место балладный номер. В строю также — куда без них — фирменные для поздних Хэллов облегченные мажорные вещи с жизнеутверждающими текстами, нетипичный тяжеляк ("Claws") и попытка эпика в завершение. И можно смело заявлять, что уровень у пластинки для "корифеев" вовсе нестыдный, с пачечкой добротных хитов, не раскрывающих группу с какой-то неожиданной стороны, но знакомые фишки обыгрывающих всё же без тягостного ощущения "повторения пройденного" по сотому разу. Пожалуй, именно ощущение легкости и невымученности в подходе более всего идет на пользу восприятию альбома, компенсируя некоторый недостаток яркости и отсутствие любого рода откровений.

При этом, к безоговорочным удачам можно отнести где-то около 60% материала альбома при умеренно строгом подсчете. И броские вещи, расставляющие акценты, разбавлены грамотно распределенным по полотну альбома не раздражающим проходняком. "Heroes" здесь выглядит наиболее близкой к зачислению в "современную классику", а также вещью, написанной не только на голом умении, а будто в более вдохновенном порыве, позволившем объединить пусть нехитрую, но концепцию лирики, и характерный для традиционного металла набор кубиков (рифф-куплет-бридж-припев-соляга) в единый монолит, подкупающий завершенностью и увенчанный впечатывающимся в мозг припевом. "Lost in America" несколько понижает ставки, представая облегченной, совершенно не напрягающей вещицей про туровые приключения музыкантов, однако же в этом амплуа песня чертовски убедительна, от неё исходит искренний, не наигранный задор и позитив (не люблю это слово). "Swing of the Fallen World" и "Claws" не просто разбавляют "сахар", это удачные, законченные вещи, и утяжеление группы в последней показывает (не в первый, впрочем, раз), что Хэллам не составляет труда сыграть тяжелее себя самих, в рефрене ("I sink my claws / into your flesh...") дав слушателю почувствовать даже вполне неподдельную злобу. Ну а если запрос попроще — просто дайте мне хороший power — то "Creatures in Heaven" для вас, здесь и с хэппи-составляющей не переборщили, и классный бридж переходит в припев вполне себе залихватски.

Бонус-секция альбома не удивление не демонстрирует какого-то провала в качестве: брак вполне достоин стать в один ряд с боевыми единицами альбома, и даже немного обидно, что "Wicked Game" и "Nightmare" не заменили, к примеру, не самые убедительные "Russian Roulé" и "Living On The Edge" из основы. Эпик, закрывающий альбом, концептуально оправдан, но сам по себе не слишком удачен, без борьбы уступая длинным вещам с предыдущих двух пластинок. Наполнение лирики на "My God-Given Right" имеет сквозной темой всякого рода противоборство и противодействие личности-одиночки ограничениям, навязанным установкам, нужде, чуждым интересам коварных политиканов и капиталистов, общественному мнению и т.д., в последней песне добираясь даже до постапокалиптических видений мира после ядерной катастрофы, где одинокий герой бредет сквозь мертвые города, осознавая ужас того, куда завели людей их распри и мечтая встретить хотя бы одно человеческое существо на своем пути. Впрочем, пессимизм — не самая характерная черта лирики на альбоме, и за исключением пары вещей мы чаще встречаем здесь тексты в духе мягкого back to the roots, не претендующие на особенную глубину, и стандартные для тяжелой группы топики преподносящиеся с разной степенью серьезности, включая и полушутливые номера ("If God Loves Rock ‘n’ Roll" и др).

По плюсам альбома пройтись действительно хотелось, даром что минусы вполне очевидны. И частности (вроде самоплагиата "Power" / "My God-Given Right") тут даже не важны — значительнее то, что нынешний Helloween, увы, не создает того ощущения, которое создавали первые четыре диска с Дерисом. Ситуация выходит двоякая — группа движется уверенно своим курсом, не пропахнув нафталином, не оставляя за собой дорожку высыпавшегося на ходу песка, но стоит поставить в плейлист что-то с "My God-Given Right", а следом — с "Мастера" или даже "Better than Raw", как слышишь ощутимый контраст. Где оно, то сочетание матерости, драйва, мрачноватых тонов, ненавязчивого юмора, осененное присутствием нашедшего разноплановые воплощения композиторского таланта? Helloween свернули на другую дорожку, и, должно быть, так было нужно — выдавать то же, что было при Грапове и Куше всё равно, вероятно, не вышло бы при всем желании. Для группы наступила новая музыкальная реальность, а нам, слушателям, ничего не остается, как формировать свое отношение к тому, что есть, если, конечно, группа еще интересна. Были ведь и те, кто, разочаровавшись переходом Тыкв на светлую сторону, забил на Helloween еще после "Кролика", оставив между делом без внимания достоинства этого альбома. "My God-Given Right" также не лишен своих достоинств, но отмеченная ровность пластинки во многом показательна — она выставляет вещи в ничем не замутненном виде, и исключает ситуацию, когда та или иначе неожиданная находка способна поправить положение дел, и на эффекте неожиданности больше слушателей примет и заценит пластинку. Здесь таких финтов нет — группа не уронила себя, но представленный материал всё же удовлетворяет прежде всего, если учитывать ближайший контекст — контекст предшествующих альбомов, контекст почтенного возраста группы, контекст возможных опасностей — что альбом мог бы получиться неприятно сахарным (см. "Rabbit..."), затянутым и перегруженным (см. "Legacy"), что, наконец, группа иссякнет и вовсе не напишет ничего хитового, ведь, как известно, ничто не вечно под луной. Само по себе ценно, что мы слышим знакомые нотки Helloween, а услышав, облегченно выдыхаем — спокуха, всё на месте. Но вспомнишь те же диски из девяностых — и ощущается легкая грусть. Ведь что остается — ладность да добротность. Опыт и мастерство, которые не пропьешь. Пара-тройка ярких новых номеров, что осядут в живых сетах. Достаточно хороший альбом, наконец, привлекательность которого во многом относительна. Достаточно ли этого для Helloween? Решает каждый для себя.

here and there  30 янв 2018

Последнее время NDH-сцена настолько перенаселена и однородна, что есть серьёзный риск потеряться в списке её представителей. Однако есть группы, которые не просто уверенно выделяются на общем фоне – они ведут вперёд целый жанр, непостижимым образом умудряясь разнообразить его, добиться аутентичного и запоминающегося звучания, и немцы Stahlmann как раз из их числа.

Stahlmann прочно обосновались на международной музыкальной сцене всего за 7 с небольшим лет – неплохой срок для группы, начинавшей “с нуля”. Удивляет и частота выпуска нового материала (что, кстати, не сказывается на качестве работ). Таким образом, первый полноформатный одноимённый альбом группы вышел аж в 2010 году.
Несмотря на привычные 1-2 года перерыва между альбомами, пятый полноформатник Stahlmann, получивший название “Bastard”, поклонники группы ждали долго и мучительно: релиз откладывался несколько раз. Когда же наконец появился сингл “Bastard / Nichts Spricht Wahre Liebe Frei”, я осознала, что этого релиза стоит ждать сколько угодно.

Первое, что поражает при прослушивании “Bastard”, это глубина. Тяжёлые, “тягучие” мелодии, многослойные аранжировки, уже классическая манера Мартина Зоера “закольцовывать” тексты вокруг одного слова или одной строчки – всё это делает альбом комплексным и запоминающимся. Мне импонирует то, как структурно выстроены композиции, как грамотно расставлены паузы и акценты. Это делает альбом “вкусным” – с каждым прослушиванием ты находишь новые составляющие, будто собирая мозаику.

Не могу не выделить симфоническую составляющую “Bastard” – она является наиболее заметной чертой именно этого релиза, благодаря которой “Von Glut zu Asche” и “Schwarz und Weiss” получились невероятно эпичными. “Nichts Spricht Wahre Liebe Frei” стала настоящим откровением - истинная симфония, невыносимо печальная и вечная.
Стоит также отметить, что группе удаётся не изменять себе. Так, “Dein Gott” и “Judas” – это “чистый” Stahlmann, мелодия развивается “по прямой”, мы слышим жёсткие и “сырые” гитары, “рваные” аранжировки.

Интересно составлен и трек-лист альбома: первые три, я бы сказала, классические для группы композиции - “Leitwolf”, “Judas” и “Bastard” - совершенно не готовят слушателя к тому, насколько многослойной, зрелой и, как я уже сказала, глубокой является эта работа на самом деле.

В итоге, “Bastard” – это серьёзная, монументальная работа Stahlmann. Свойственное жанру звучание этой группе, по-моему, вообще не знакомо, ведь даже “плоские” сэмпловые вставки (как, например, в “Leitwolf” и “Judas”) имеют под собой монолитную основу, создаваемую большим количеством разнообразных элементов.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

JaneSad  29 янв 2018

Новый альбом Металлики ждали целых 8 лет. Ждали... и ненавидели. Посудите сами: ежегодные обещания выпустить альбом в "ближайшие месяцы", головокружительные (своей смехотворной пафосностью) заверения о "более 700 риффов для нового альбома", внезапное заявление вокалиста Джеймса Хэтфилда о том, что они, оказывается, всё это время "даже не начинали" работу над альбомом, и, как вишенка на торте, топовая история про потерю Кирком Хэмметом своего злополучного айфона с теми самыми хвалёными 700 риффами. Казалось бы, всё, дальше уже ехать некуда. В то время как другие группы спокойно и без лишней суеты представляли искушённой публике свои новые работы, Металлика продолжала заниматься какой-то ерундой. И когда все уже думали, что выход альбома снова откладывается на неопределённый срок, Метла неожиданно заявила: альбом-таки выйдет во второй половине 2016-го года, что, собственно говоря, и подтвердилось 18 ноября.
Вначале были синглы. Первый из них (а всего их было три) - быстрая и агрессивная песня "Hardwired", которая неплохо справлялась с ролью "открывашки" альбома и синглов, была коротка (по меркам Металлики) и не сильно интересна по части лирики. "Не Шекспир", - как прокомментировал эту композицию сам Хэтфилд в одном из интервью, и с ним трудно не согласиться. Далее (еще через месяцок) слух порадовала интересная "Moth Into Flame", отличившаяся задорным припевом и цепляющей мелодической линией. Лирика в чём-то перекликалась с небезызвестной песней Металлики "The Memory Remains" и рассказывала о людях, увлечённых погоней за славой, которая рано или поздно сводит их в могилу. В клипе на данную песню эту тему забавно символизировали мотыльки, яростно бившиеся об экран телевизора, в котором транслировалось выступление музыкантов. К "Hardwired", кстати, тоже был снят соответствующий клип (эти клипы вообще были сняты аж к каждой песне) на "радость" всем зрителям-эпилептикам. Третий сингл, "Atlas, Rise!", имел куда более запутанное построение песни и еще более занятную лирику, в которой осуждались/высмеивались/утешались люди-Атланты, взявшие на себя слишком много (под этим можно даже музыкальных и диванных критиков понимать, текст как бы намекает). В клипе же просто показывались забавные отрывки из рабочих будней группы в студии звукозаписи.
Если подвести промежуточный итог, то получится, в принципе, что все эти песни довольно схожи с материалом предыдущего, спорного альбома группы - "Death Magnetic" (разве что "Мотылёк в огне" внушал фэнам умеренный оптимизм). Все сразу стали думать (и ваш покорный слуга в том числе), что остальные песни на свежеиспечённом альбоме окажутся в том же духе, то есть будут, мягко говоря, без откровений, но в результате все... ошиблись.
После открывающих альбом "Hardwired" и "Atlas, Rise!" эстафету подхватывает монотонная "Now That We're Dead" с инфернальной риторическо-вопросительной лирикой и затянутым клипом, отражающим замысел неоднозначной обложки альбома. На мой взгляд, одна из наименее интересных песен (как раз из-за чрезмерной затянутости и однообразности), хотя наименее интересная - не значит плохая. Тем более что ударник группы, Ларс Ульрих, пытается за счёт своей игры сделать песню немного разнообразнее, но общее положение всё же не спасает. Следом за "Moth Into Flame" альбом продолжает идейный наследник композиций "The Call of Ktulu" и "The Thing That Should Not Be" - "Dream No More", повествующий, собственно говоря, об очередном пробуждении Ктулху. Музыкально песня - что-то вроде смешения классической "The Thing..." со звучанием альбомов "Load/Reload". Вообще, треков в духе "Load" и "Reload" на альбоме предостаточно - это и есть одна из главных неожиданностей его звучания. Клип на песню выполнен в кислотных оттенках и слегка отдает артхаусом. Чтобы его понять, лучше прочитать одно из интервью с Хэтфилдом, где он сравнивал легендарное лавкрафтовское чудовище с современными СМИ, от которых "в какой-то момент тебе становится безразлично, ты будто цепенеешь". Непонятно, правда, тут только то, почему Хэт утверждает, что Ктулху своим ужасным взором может обращать людей в камень. Что это за легенда такая, если в рассказе Лавкрафта ничего подобного не было?
Завершает первый CD аж трёхдискового издания полубаллада-полуэпик "Halo On Fire". Это не чистая баллада, а скорее нечто в духе "The Unforgiven II" (тихий куплет, громкий припев), только потяжелее. Лирика о соблазне, искушении пороком и страхе перед тьмой. Сюжет клипа - об искушённной в боевых искусствах девушке, раз за разом возвращающейся на арену для боёв, чтобы победить всех соперников, несмотря на боль и увечья. На той же самой арене выступает и сама Metallica, тем самым как бы проводя определённую параллель. А ещё в этом клипе очень тепло показаны взаимоотношения группы и её фанатов, которые окружают "арену", танцуют и подпевают вокалисту, а в конце поднимают бурю оваций и обнимают его.
Второй диск открывает маршевое вступление песни "Confusion". Эта грустная среднетемповая композиция - о синдроме посттравматического стресса у людей, переживших какое-либо страшнейшее событие в жизни, в данном случае - войну. "- Father, please come home! - Shell shocked all I've known! - Father, please come home!" - с горечью восклицает Джеймс. Клип тем не менее показывает нам не мужчину, а женщину-солдата, которая не может свыкнуться с обыденной офисной жизнью, вспоминая ужасы войны. Тема двойничества хорошо отражена здесь (ну прямо как в анализе какого-нибудь произведения Достоевского или Гоголя), особенно в концовке, когда две сущности (войны и мира) сталкиваются лицом к лицу.
Далее следует стёбовая песенка "ManUNkind". Стёбовая, потому что клип на эту песню - своеобразная пародия на блэк-метал группы 80-х, устраивающие "чернушную показуху" на сцене на потеху озверелой публике. Как дополнение к этому яркому образу - голова свиньи, насаженная на кол (явная отсылка к "Повелителю мух" Уильяма Голдинга, символизирующая поклонение дьяволу), и перерезание вен на руках в конце, чтобы и без того осатаневшая публика, почуяв запах крови, пришла в окончательное неистовство. "Слепой ведет слепого" - таков диагноз человечеству, словно почерпнутый из одноименной картины Питера Брейгеля Старшего. Звучит сама песня опять-таки очень по Load-овски/Reload-овски, нравится это кому или нет. А интро, где басовая линия выведена на первый план, придумано нынешним басистом Робертом Трухильо в память о давно погибшем басисте Клиффе Бёртоне. При прослушивании оного действительно улавливаешь нотки, возвращающие нас к исполнению Клиффа на классических альбомах группы.
"Here Comes Revenge" - о мести, как понятно из названия. Причем о мести за убитого ребёнка, судя по строчке "Litlle grave, I'm grieving" и по отрывку из интервью с Хэтфилдом, где поднималась тема убийств детей и подростков в Америке. В песне чередуются громкие, шумные и тихие, пугающие моменты, например в куплетах, когда герой под зловещую аранжировку клянётся отомстить своему врагу, хотя и понимает, что ярость убивает его самого в первую очередь. "Мини-мультфильм" с животными в главных ролях соответствующим образом иллюстрирует тему жестокости, паранойи, безумия, преступления и наказания в финале.
"Am I Savage?" из-за своего названия сразу наводит на мысль о том, что будет под стать каверу "Am I Evil?", исполняемому Металликой ещё с самой зари карьеры. Но и тут слушателей ждёт неожиданность. Начинается песня в стиле баллады, то есть медленно и спокойно, но затем резко утяжеляется и идёт в среднем темпе, время от времени преподнося необычные ходы и особо тяжелые, "проседающие" риффы во второй половине. Можно сказать, что и некоторый оттенок блюза в настроении песни имеется. Текст в духе "Of Wolf And Man" c "Черного альбома" - две стороны человека: обычная и звериная, вырывающаяся изнутри. Клип, как говорят в народе, "жиза". Нам показывают нормального человека на фоне обезличенных людей-манекенов, который вынужден жить по правилам общества: соблюдать правила приличия, заботиться о семье, мирно сосуществовать со своими друзьями и коллегами по работе и т. д. Но при такой скучной и безэмоциональной жизни рано или поздно наступает момент, когда захочется завыть аки волк и начать вести себя так, как хочешь лично ты. Этим и занимается главный герой клипа, но только в те моменты, когда его никто не видит, а когда наступает пора выйти в люди, он снова надевает на себя маску обезличивания и покорно подчиняется обыденному течению жизни. Если коротко, клип и песня довольно интересные, пусть это и совсем не тот "Am I Evil?", который ждали от группы.
"Murder One" - панегирик, посвященный почившему в конце 2015-го года Лемми Килмистеру, лидеру группы Motorhead, крестному отцу всего рок-н-ролла и просто очень душевному мужику. Несмотря на ожидания слушателей, песня написана не в стиле боевичка Motorhead, а в размеренном, среднем темпе, но, как по мне, всё равно интересна, если не поддаваться ложному первому впечатлению. Текст переполнен отсылками к названиям песен Лемми, а клип представляет собой довольно стильный мультфильм, рассказывающий историю становления Килмистера как музыканта.
"Spit Out The Bone" - самая скоростная песня на альбоме и одна из самых запоминающихся. Явный реверанс в сторону классических "Battery", "Damage, Inc." и пр. Клип и лирика - о мире победивших технологий, где человек, бездумно проводивший всё свое время с различными гаджетами, навсегда уничтожен машинами, которые сам же и создал. Тема стара как мир, но до сих пор чрезвычайно актуальна, не правда ли? В песне множество переходов и соляков, а длится она довольно долго - 7 с небольшим минут (впрочем, большая часть здешних песен в этом отношении ей не уступает). В этом, как мне кажется, кроется и главный недостаток данной трэш-композиции. Некоторые моменты, например с замедлением музыки ближе к концу, можно было бы и вырезать, без них песня ничего бы не потеряла. Тем не менее трек всё равно приятно порадует слух "старого" трэшера.
На этом и заканчивается второй диск, а на третьем слушатель может найти "обновленную" версию песни "Lords of Summer" (которая звучит лучше и разнообразнее, чем та серая, затянутая и невыразительная, что выходила задолго до альбома), а также парочку неплохих каверов на песни Deep Purple и Iron Maiden, и отличное попурри на песни Ронни Джеймса Дио времен Rainbow. Далее следует ряд "живых выступлений" группы с их всемирными хитами, но всё это уже не особо интересно, поэтому останавливаться подробно на них не стану.
Итак, альбом получился занятным. Весьма занятным. Главные его плюсы - качественное сведение звука, разнообразие в треках и наличие гармоний вкупе с красивыми мелодиями, особенно на фоне "Магнетика", который в плане разнообразия был как одна широкая железобетонная стена с редкими красивыми "изгибами" (две баллады - "The Day That Never Comes" и "The Unforgiven III"). Из минусов - длина некоторых треков, участники группы обещали, что песни будут по большей части короткими, но слова своего не сдержали. Короткие здесь только "Murder One" (5:45), "Hardwired" (3:09) и "Moth Into Flame" (5:50). Остальные - от 6 с лишним минут и больше. А ещё традиционный инструментал на альбом "не завезли", но и без него дела обстоят довольно неплохо. К прослушиванию рекомендую!

Marooned  28 янв 2018

Практически никем не замеченный дебютный полноформат проекта Deer Hollow – это, как ни странно, один из наиболее любопытных релизов прошедшего года. Авангардный прогрессивный металл – то, чем умело оперирует трио, дающее прикурить целому сонму групп, так или иначе вращающихся на той же сцене.

В основе содержания пластинки идет материал, напоминающий нечто среднее между «Remission» Mastodon и ранними альбомами KEN Mode; дополняет трек-лист инструментальный пассаж «Nobody Deserves This», явно отсылающий слушателя к работам в духе free jazz. Как ни странно, завершающая композиция из общего полотна работы никак не выбивается, являясь при этом свидетельством того, что музыканты тяготеют и к инструментальной музыке тоже. Добрая половина альбома не содержит вокальных партий вовсе, но и в их отсутствии слушателю совершенно не удастся заскучать – разнообразные партии гитар и барабанов делают музыку Deer Hollow не то что непредсказуемой, но, по крайней мере, в немалой степени оригинальной. Именно поэтому данный релиз хочется рекомендовать тем, кто уже давно не мыслит узкими рамками конкретных жанров, воспринимая адекватно право на существование вот таких экспериментальных альбомов. Позитивно воспринимать, кажется, не хочется только как раз режущие слух вокальные партии гитариста – благо, как было сказано выше, их на альбоме не так уж и много.

crabvpi13  23 янв 2018

Свежий альбом Леонида Новикова сотоварищи, каковой всегда, собственно, и была группа para bellvm, достоин быть названым новым началом для этого знакового коллектива, без которого уже невозможно представить себе развитие русской «тёмной» сцены. Удивительно при этом, что всю свою творческую жизнь – будучи музыкантом, журналистом и арт-директором клубов – Новиков работал с российской и мировой готической сценой, никогда в неё серьёзно не окунаясь, заходя, фигурально выражаясь, в эту чёрную воду лишь по щиколотку. Действительно, para bellvm никогда не позиционировали себя готик-рок группой, тяготели к чистоте самовыражения, питерской романтике и определённой внесистемности, что коллективу вполне удавалось. Другой вопрос, что эта независимость стилистики – на некоторых своих старых вещах группа Новикова, например, формально звучит как оголтелый русский рок – и жизненной позиции порой не играли группе на руку. Тем не менее, para bellvm всегда оставался узнаваемым, стихи Леонида в большинстве случаев были действительно стихами, а не просто текстами, а его голос – одним из главных слагаемых фирменного саунда группы. Новый альбом, работа над которым была завершена в ноябре 2017 года звучит как тяжело, но счастливо рождённый и любимый ребёнок. Группе, прошедшей через очередные кадровые изменения и ныне являющейся питерско-московской, есть что сказать, звучит она свежо и ярко, а новые песни вполне могут конкурировать с лучшими номерами прошлых лет.

«Голод» – мощный, суровый и злой (самый злой на диске) хит, открывающий альбом. Сразу обращает на себя внимание узнаваемая бас-гитара Михаила Карпова, лидера московских CHILDREN OF THE GUN, который сегодня является полноценным участником и аранжировщиком para bellvm. Оба коллектива связывает долгая и примечательная взаимная история. Когда-то Леонид, уже в те годы дерзкая и харизматичная локальная рок-стар, стал одним из первооткрывателей совсем ещё юных COTG, организовав их первое выступление в Питере. Через пару лет ребята снискали себе заслуженную славу одного из самых аутентичных и крутых групп ортодоксального русского готик-рока, течения, так и не ставшего в нашей стране мэйнстримом и затем выпустили отличный альбом. Сегодня именно лидер «чилдрен» ответственен за оформление почти классического объёмного готик-рокового звучания нового альбома para bellvm. И этот звуковой образ мне действительно нравится, учитывая тот факт, что песни Новикова сами по себе от этого лишь приобрели новое качество, достойную свежую огранку. Кстати, такой же подобной достойной огранкой для альбома является и замечательная обложка авторства американской художницы Kristin Kwan.
В «Саламадре», пожалуй, лучшей вещи альбома, поётся, как мне кажется, в том числе и о том перерождении, которая переживает сегодня группа. Именно в этой песне в полной мере раскрывается символика битвы, земной и небесной, а также призрачного метафизического воинства, которой, более или менее явно, проникнут почти весь альбом.

Новая жизнь, вечная мантра,
Там, где в кострах поёт саламандра.
В ярких садах около рая
Где мы горим – и не сгораем.

«Чужая любовь» с участием нежноголосой нимфы Анны Лыхмус неожиданно напомнила лирические медляки БИ-2. Тем не менее, наличие подобного шлягера совсем не портит альбом, а лишь обогащает его потенциальным эфирным хитом, который точно разобъёт не одно девичье сердце: да, Новиков – сердцеед.

Среди приглашённых гостей на альбоме присутствует и модный Игорь Шапранский, пересадивший не столь давно своё сибирское древо СРУБ на болотистую питерскую почву, и вполне гармонично вписавшийся в местную музтусовку. Песня «Валентинов день» с его участием – пожалуй, более всего мелодически напоминает типичный para bellvm, однако звучит неожиданно грозно, индустриально, совершенно лишена гитар, однако воодушевляет вокальным мужским дуэтом.

Завершающая альбом одноимённая песня – это тот самый его «тихий и бешеный ритм», трагичный и трогательный гимн сердцебиению жизни. И не смотря на то, что мне более близка первая часть альбома, которая отличается творческой агрессией и упоением битвой, в «Сердцебиении» больше и музыки как таковой, и сурового вайба питерского одиночества.

Новый альбом стал для группы свежей главой давно начатого романа, новым образом уже вполне сформировавшегося мифа, который продолжает честно творить свой собственный чувственный и образный мир. Великолепный альбом для слушателей любого возраста.

Автор Алексей Шептунов

Blindman  23 янв 2018

Никогда не забуду свое знакомство с этим альбомом. Это были школьные годы, я очень легко поддавался меланхолии, и то, что я услышал, произвело на меня колоссальное впечатление. Прелесть "Believe in Nothing" заключается еще и в том, что и сейчас он по-прежнему актуален, он звучит как гимн личным переживаниям, он наполнен несколько нервозной атмосферой, что отличает его от других творений великих англичан.

Стиль на этом альбоме можно охарактеризовать как меланхоличный MTV-рок 2000-х годов, с фирменным парадайсовским холодом и духом пессимизма. Это уже не "Host", но еще и не "Symbol of Life" - вот в таком интересном временном промежутке оказался этот альбом. Меня, с одной стороны, очень расстраивает то, что по словам Грега этого альбома для него не существует, но с другой стороны радует то, что и Ник, и Грег неоднократно высказывались за его пересведение. Поживем - увидим!

Я поклонник исключительно modern-направлений в современной тяжелой музыке, поэтому мне очень нравится подход Paradise Lost к исполнению на этом альбоме - меланхоличные мелодии прямолинейны, нет соло (в традиционном смысле этого слова), если лишь пассажи, издалека напоминающие о корнях группы, но лишь очень издалека. Мой любимый барабанщик группы - Lee Morris, очень нравится его бэк-вокал, на "Fader", например.

Альбом звучит, как дар из 2000-х годов. Лично я с теплой ностальгией вспоминаю великолепный клип "Mouth", который днем и ночью тогда крутили по MTV. Никаких недостатков записи (если таковые имеются) я не заметил, а если бы и заметил, это бы нисколько не помешало прослушиванию этого холодного шедевра.

На альбоме есть самый настоящий гимн - это "Mouth". На мой взгляд, эта песня задает атмосферу и создает настроение всему альбому. Когда я её слышу, мне каждый раз кажется, что это в первый раз, но не покидает ощущение того, что я знаю её всю жизнь. Те эмоции, которые она дарит - бесценны. "Mouth" звучит как квинтэссенция творчества группы, она просто великолепна. Кроме того, хотел бы особенно выделить "Illumination" - "I know too much", в эти строки Ник вкладывает столько боли, что веришь ему сразу, не возникает даже никаких вопросов. Хочется переслушивать снова и снова, ради этого тембра и интонаций. Несмотря на множественные высказывания самой группы на тему альбома, мне кажется что в момент выпуска музыки (или книги), она словно становится общей, становится общим достоянием поклонников и группы. Именно поэтому с "Believe in Nothing" у меня будто бы отдельный маленький мирок - для меня не существует негатива по поводу него, для меня есть только блестящая пафосно-пессимистичная лирика, холодный голос Ника и сладкая меланхолия, напоминающая о счастливом времени, когда я смотрел клип "Mouth" и даже не догадывался, что стану поклонником этой группы в будущем.

В творчестве группы данный альбом для меня стоит особняком. На мой взгляд, у Paradise Lost вообще нет двух похожих друг на друга альбомов. Каждый привнес в творчество что-то новое, чего не было раньше, при этом им удалось уникальное - абсолютно каждый альбом звучит, как Paradise Lost. Группа ни на одном релизе не потеряла собственного лица. Как я уже писал выше, "Believe in Nothing" уже далеко от "Host", но еще совсем не близко к мрачному "Symbol of Life". Именно это и вызывает у меня уважение и трепет - диск одновременно похож на все альбомы группы, и при этом не похож ни на один. Наверное, по эмоциям я бы всё же сравнил его с "Host", моим вторым любимым альбомом группы, но тот оставляет ощущение пустоты, а этот - света, несмотря ни на что.

Paradise Lost, как лидеры (на мой взгляд) тройки PL, Anathema и My Dying Bride, не похожи ни на кого, и поэтому на звучание альбома повлияла личная жизнь музыкантов (Ник признавался, что жестко сидел на таблетках), странная политика лейбла (группа была поставлена в жесткие рамки), и общее направление музыкального телевидения тех годов. При этом, поставленные в такие жесткие условия, группе удалось записать жемчужину, которая, как хорошее вино, только улучшается с годами.

Для меня - великий альбом. У The Cure есть знаменитая "холодная трилогия", и если бы она была и у Paradise Lost, я включил бы в нее "Believe In Nothing", "Host" и "paradiselost". Великий альбом великой группы.

spamer_007  22 янв 2018

Не осталось на свете групп чьих альбомов я бы действительно ждал. Summoning были "последними из могикан". Ожидание было довольно долгим - после выхода их последнего альбома "Old Mornings Dawn" прошло почти 5 лет. Планка была задрана так высоко, что ждать чего-то меньшего нежели шедевра не представлялось возможным. Достоин ли новый опус такого статуса? На мой взгляд - нет.
Да, это тот же самый Summoning, та же волшебная атмосфера, то же неповторимое звучание (по звуку, кстати, да и по цвету обложки - это смесь предыдущих двух альбомов). И, если ничего не слышать из предыдущего творчества группы, то, возможно, "With Doom We Come" вас зацепит и унесёт с головой в Средиземье. Сам по себе, в "сферическом" музыкальном вакууме, альбом приятен на слух, он неплохо создаёт настроение для фантазий и его с удовольствием включаешь фоном. Но разве этого мы ждали 5 лет?

После порядка пятнадцати прослушиваний я так и не обнаружил на нём мощных хитов. Все песни идут ровным серым строем под однообразное жужжание гитары, им не хватает кульминации, взрыва. Композиции составлены практически по одной схеме ("берём какой-то более-менее интересный отрывок и повторяем его 3-4 раза, разбавляя иногда одинокой флейтой или пианино"), звучат примерно в одной тональности, сливаются в однородную массу. Одну песню сложно отличить от другой. А самой яркой из них так и осталась та, что нам предложили для разогрева - заглавная "With Doom I Come". Да, в каждой композиции есть что-то, что цепляет слух, но как же этого мало! Оно либо размазывается на 10 минут, как жалкие остатки паштета по неприлично большой булке, либо повторяется до самого конца без сильных изменений в структуре. Без какой-либо фантазии и вдохновения. На мой взгляд, альбом вымученный и сырой, ребята искусственно растягивали скудный изначально материал, чтобы "было что продать". Об этом же говорит невнятная и безыдейная обложка.

Из плюсов я бы выделил чёткий красивый вокал и очень грамотное сплетение инструментов - чувствуется профессионализм и опыт. Также местами встречается многоголосое пение и исторически интересные фразы из уст героев Средиземья. Наиболее полюбившиеся мне песни: "With Doom I Come", "Silvertine" и "Barrow-downs". Остальные же - просто симпатичные середнячки из стандартной обоймы Summoning. Но это всё же Summoning и этот уровень сам по себе высок. Так что, кладу этот альбом на одну полку с самым слабым на мой взгляд альбомом группы "Oath Bound", и ставлю ему 7/10. Жаль! Но спасибо и за это.

Terror Zone  26 янв 2018

За последние годы бескрайние просторы дикой Сибири взрастили несколько действительно ярких, интересных проектов, благодаря которым можно говорить о постепенном формировании самоcтоятельной сибирской сцены. Одним из таких проектов, несомненно, является Ultar, чья дебютная работа “Kadath” получилась достаточно интересной и амбициозной, чтобы привлечь внимание шведского лейбла, взявшегося за выпуск альбома.

И Ultar действительно есть, что сказать слушателю. Первый шаг группы получился уверенным. Сибиряки не стали размениваться и, рискуя потерпеть фиаско, сразу же замахнулись на концептуальный формат. Содержание альбома “Kadath” вдохновлено повестью легендарного Г.Ф. Лавкрафта «Сомнамбулический поиск неведомого Кадата». Откровенно говоря, сегодня этим мало кого удивишь, поэтому нужно брать умением и изобретательностью. А с этим у группы всё в порядке. Нет, альбом конечно же не идеален и может вызвать ряд замечаний, однако он обладает рядом характеристик, которые позволяют назвать его удачным, а дебют Ultar - состоявшимся. Несомненным плюсом является то, что, имея определенную связь и логику, все композиции альбома прекрасно воспринимаются и по отдельности, благодаря чему при прослушивании не возникает ощущения затянутости и излишней претенциозности, чем порой грешат концептуальные опусы.

Что касается жанровой принадлежности, то я бы не сказал, что это на 100% пост-блэк. Традиционного блэкового чеса здесь тоже предостаточно, и в большинстве случаев базовая основа композиций все еще близка изначальному блэку. Конечно, это не черная ярость в чистом виде. Оправдывая приставку «пост», вьюга из гитарных тремоло и отчаянных бластбитов то и дело перемежается мечтательными пассажами, наполненными созерцательной атмосферой в духе Alcest. В такие моменты возникает ощущение, прекрасно переданное на картинах маринистов XIX века, когда в разгар свирепой бури сквозь плотную завесу туч пробивается смутный свет солнца, даруя надежду на спасение. Правда надежда эта обманчива, так как очень скоро мы вновь погружаемся в яростный вихрь. Умение уловить и передать в своей музыке такие пограничные моменты лично я считаю творческой удачей. Вообще, “Kadath” получился достаточно разнообразным по настроению альбомом. Имея в своей основе ощущение мистического путешествия, музыка достаточно хорошо передает ощущение «смены декораций» и пространств, скажем так. От клокочущей ярости в "Nyarlathotep" и "Azathoth", через умиротворение "Shores of the Sleeping Seas", к ощущению катарсиса и обретения в одноименной названию альбома композиции "Kadath" цели всего путешествия.

В плане реализации альбом тоже весьма хорош. Парням удалось нарулить достаточно густой и массивный гитарный звук, хотя и не без отдельных прорех в общем звуковом полотне, скажем так. Нарекания только вызывает туговатая ритм-секция, которая местами звучит неуклюже и излишне тяжеловесно. Здесь я имею в виду само звучание в общем миксе. К несомненным удачам альбома следует отнести очень мощный, эмоциональный и хорошо поставленный вокал. Я бы даже сказал профессиональный, если такое определение применимо к данному жанру. Скримить тоже можно художественно, что в полной мере демонстрирует вокалист Ultar. А это, откровенно говоря, встречается в блэке не так уж часто.

Подводя итог, можно говорить о том, что “Kadath” получился достойной работой и звучит как минимум не хуже западных аналогов. Конечно, альбом не потрясает устои экстремального металла, и в нем можно найти ряд заимствований. При первом прослушивании данная запись вызвала у меня ассоциации с Wolves In The Throne Room и The Great Old Ones. Однако, мне кажется, что это обусловлено, в первую очередь, некоторой зажатостью музыкантов, присущей многим дебютам. Определенная скованность всё же ощущается. Но уверен, что если группа проявит больше авантюрности, добавит немного свинга и углубит работу над мелодиями и аранжировками, следующие работы станут еще более интересными и по-настоящему захватывающими. Потенциал для этого у музыкантов есть.

Alias  20 янв 2018

По правде сказать, наверное именно этот альбом Katatonia имеет наибольшие шансы понравиться любителям какого-нибудь modern metal'a. Именно его можно послушать в фоновом режиме, среди других популярных групп, и сказать что "он ничего так, качает - не то что остальная их нудятина!"
В этом смысле прав тот, кто скажет что этот альбом "попсовый".
Но сильно ошибётся тот, кто сказав подобное, возьмётся таким образом утверждать о бессодержательности "The Great Cold Distance".
Похоже, что понять этот диск можно только ретроспективно. Здесь нет мрачной злобы первых работ группы, нет тоскливых устремлений "Discouraged Ones", нет глухих трагических просьб "Tonight's Decision". Нет отчаянного метания среди фантасмогорических надежд, как в "Last Fair Deal Gone Down", и нет страха, укрытого раздражением, как в "Viva Emptiness". Именно здесь происходит последняя попытка музыкантов детализировать свои интимные переживания, ожидая найти персональный отклик. Это тот альбом, слушая который и смотря в себя, перебирая душу по частям, плавно понимаешь, что всё это не значит, и никогда не значило ничего и ни для кого, кроме тебя. А теперь и тебе из всего "большого холодного расстояния" осталось сделать только последний маленький шаг, чтобы присоединиться к большинству.
У Katatonia нет слабых альбомов и есть много очень сильных альбомов, но вероятно именно в отношении "The Great Cold Distance" существует больше всего причин назвать его лучшим альбомом в дискографии группы, если такой вообще можно выделить. Он не самый сложный, он не самый простой, но он тот, в котором скрыта квинтессенция среднего периода творчества группы, продлившегося с 2001 по 2009 год. А "Journey Through Pressure", вероятно, самая депрессивная композиция за их авторством.

Ambaristaron  20 янв 2018

Бетонные джунгли раскинулись на лиги вокруг, муравейники из стали и стекла прошивают серость осколками бликов, червоточины подземных кишок (что несут внутри своих охваченных тектонической перистальтикой стен то мечущихся по расписанию металлических червей (что проглатывают человечьи массы да блюют ими при каждой остановке), потоки нечистот, потоки существ, пытающихся от оных отличиться) изъели асфальтовую почву и железобетонные корни.
Менестрели этих мест возводят в звуке храм окружающей действительности и палитра их не столько скудна, сколько необходима и достаточна. Рвутся в пропитанный испарениями бурлящей органики, заточенной в мертвые коконы улиц, переходов и зданий, тяжкие и грузные риффы царей-гитар (весь этот альбом, в общем-то, ода этим правителям метал-владений), что не утруждают себя пышностью речей, но наполняют весом подлинной истины каждое идеально подобранное слово в лаконичных фразах своих. Герцог-бас, родич монархов, не столь заметен, но вездесущ и своей неброской, но кропотливой работой закладывает для деяний старших членов своей династии необходимый фундамент. В эти дни особые хвалы гигаваттами возносятся к почтенным ушам мейстеров звука, огранивших алмазы монарших речей столь уверенно, как никогда ранее. Печалит лишь одно - монархи, как свойственно их кругу, зачастую шагают в лаконичности своей за черту скупости и жадности; два десятка минут, чудовищно мало! Но что поделать, всё имеет свой финал, который весьма часто наступает безжалостно и несправедливо. И тогда… Львиным ли рыком оглашал ты лабиринты камня, крысой ли рылся в испражнениях больного городского организма – итог твой будет единым: блюдо к пиру муравьев да червей, подлинных властителей этих мест, пожирающих и бездумных.

Oakim  12 янв 2018

Чтобы увидеть всю красоту Норвегии не стоит брать экскурсионный тур по стране, садиться в туристический автобус и ехать по стране с десятком "зевак". Всё что нужно, это остаться наедине с природой этой страны и пользуясь обычным междугородним транспортом, искать настоящую красоту самому. Благо, в Норвегии её полно, достаточно только сойти со скучной туристической тропы. А если поездка в "страну фьордов, ледников и троллей" не входит в Ваши планы, то альбом "Winter Thrice" поможет вам хотя бы чуточку ощутить подлинную красоту этой северной страны. Уже более двадцати лет Borknagar выпускает альбомы, один другого краше, но в 2016 году группе удалось записать пластинку, которая, бесспорно, стала настоящим бриллиантом в дискографии группы. Сейчас, по прошествии двух лет, об этом можно заявлять достаточно уверенно. Дело даже не в том, что на альбоме собрался такой впечатляющий состав музыкантов. Этим уже никого не удивишь. Тем более, что Borknagar частенько ассоциировался с "супергруппой" - столько через её состав прошло, действительно, самобытных и известных музыкантов. Дело в том, что они смогли вместе сделать. Первое, что бросается в уши при прослушивании, это, конечно, потрясающие вокальные линии, красивые гармонии, что неудивительно, когда у тебя в составе есть такие вокалисты, как Andreas Hedlund, Simen Hestnæs, Lars Nedland и Kristoffer Rygg. Ну, или Vintersorg, ICS Vortex, Lazare и Garm, кому как больше нравится. Вокальная манера Garm'а, привнесла в и без того богатую голосовую палитру альбома еще и чувство ностальгии. Прошло уже больше двадцати лет, когда он исполнял партии вокала на дебютной пластинке…
Но ностальгия ностальгией, а даже за последние десять лет звучание Borknagar изменилось и превратилось в уникальное сочетание авангардного, "черного" и симфонического металла, но без присущей этой смеси претенциозности. Никакого самолюбования. Поэтому неудивительно, что на альбоме большинство песен имеют четкую подпись бессменного участника и основного композитора группы Øystein G. Brun'а. Это касается и общей компоновки материала, риффов и прочих синхронизаций и таймингов. Лично для меня, этот последний альбом несколько выбивается в лучшую сторону от двух своих предшественников. Многогранный, полный нюансов и разных направлений, доступный и сложный для восприятия одновременно, альбом, действительно, завораживает. Да, для подобных ощущений, конечно, нужна определенная атмосфера (это я к тому, что сидя в наушниках в вагоне метро заворожить вокальными гармониями довольно сложно). Несмотря на то, что в музыкальном плане тут нет никаких сюрпризов (поклонники "Universal" и "Urd" могут рассматривать "Winter Thrice" как последнюю часть трилогии), то, как группа нашла способ включить всех четырех исполнителей в один и тот же микс (и сделать это гармонично) достойно самой высокой похвалы. Послушайте хотя бы титульную "Winter Thrice". Насколько органично вплетен в единое полотно вокал Garm'а, Vintersorg'а и Vortex'а. Удивительно, но несмотря на такой богатый выбор вокалистов, к записи "Erodent" был привлечен еще и Pål Mathiesen - вокалист Susperia.
Следует отметить, что благодаря своей атмосфере, мощному, и, я бы даже сказал, "богатому" звуку, "Winter Thrice" - не альбом, который раскрывается перед тобой после первого прослушивания. Это происходит также из-за едва заметных намеков на предыдущие релизы, хорошо скрытых под густой завесой звука и вокала. Взять, к примеру, "When Chaos Calls", повествующую о хаосе, когда кругом стены волн и бездна воды. В ней можно найти отголоски "Empiricism" (особенно, это касается партий клавишных). Раз уж речь зашла о лирике, надо упомянуть и её. Название альбома отсылает к северной мифологии и в голове сразу всплывают нужные ассоциации – Ragnarök, конец времен, миф о смерти всего мира. В скандинавской мифологии такой миф, как правило, сопровождают зима. Три зимних цикла убивающих природу и приближающих конец всего сущего. Это основная, сквозная тема, проходящая сквозь пластинку. Но, несмотря на довольно мрачную и темную тематику альбома, наступившая тьма порой заставляет встряхнуться и именно на контрасте с тенью, позволяет ощутить красоту жизни. В лирике Øystein G. Brun'а ("The Rhymes of the Mountain", "Winter Thrice" и "Erodent") мрачные тона преобладают еще и потому, что во время записи альбома, после долгой болезни умер его отец… «Horizons that hosts no scenery / Starless, unending skies / Wakes the beastly void / Starless, unending skies / The dance of stardust stills…». Хочется отметить и превосходную работу баса Vortex'а - его басовые линии постоянно пульсируют на альбоме, проходя сквозь него красной нитью. А вообще, каждый член группы находится здесь на своем месте и в своей лучшей форме. Даже барабанщик Baard Kolstad, который, несмотря на свою молодость (относительно участников группы, 25 лет), в том числе и благодаря музыкальному образованию демонстрирует отличный уровень игры. Это можно услышать сразу же в открывающей альбом "The Rhymes of the Mountain». Постоянный художник группы, Marcelo Vasco и в этот раз в оформлении использовал дерево – символ жизни, семьи, истории и эволюции, под которым мы видим разожженный огонь. Одновременно, на обложке он поймал тьму и зафиксировал мрачную, холодную и туманную атмосферу альбома. В общем, на "Winter Thrice" сохранен характерный для группы музыкальный баланс между black, progressive и folk-металом. Добавим сюда прекрасные вокальные аранжировки, отличноее оформление, толковое сведение и мастеринг, за которые ответственен Jens Bogren и получим один из лучших альбомов года. А уж для Borknagar и последних лет пятнадцати…

YNWA  10 янв 2018

Это, безусловно, личное. Чтобы по достоинству оценить данный релиз, нужно быть не любителем конкретного музыкального жанра, а преданным фанатом летописания популярной игровой вселенной Magic the Gathering, в особенности текущего десятилетия истории мультиверсума. Скажем так, не зацепи меня обложка и название диска, я бы, даже не взглянув на очередного представителя неинтересного для меня направления, без тени сомнения прошёл бы мимо. Но заветное слово "Eldrazi", всколыхнуло во мне приятные воспоминания об одной из лучших находок компании Wizards of the Coast за последнее время. Эльдрази. Непозноваемые, немыслимые, пугающие обитатели неизведанных измерений мультивселенной, уходящие корнями (или, все-таки, щупальцами) в лавкрафтианский миф, захватили в своё время умы очень многих игроков в MTG. Эти циклопические создания, изменчивые и абсолютно чуждые не только человеческому сознанию но и самому привычному миропорядку, наводили ужас не только на персонажей игры, но и на самих игроков, поражая последних колоссальной мощью и ошеломляющей иномирностью. Козилек, Уламог, Эмракул — легендарные титаны эльдрази, ведущие свои выводки через миры, закрывая преображающейся тенью светила и опустошая планеты; именно их кошмарную сущность решился запечатлеть на диске дерзновенный автор. Само собой, фанат мимо такого подарка судьбы пройти не может.

Далее необходимо напомнить, что лично для меня разные деткоры и дженты — пустой звук, и разбираюсь я в них чуть менее, чем никак, поэтому, если какой-то специалист в данной области вознамерится со мной спорить, я не буду протестовать и выслушаю его аргументы с готовностью. Данная пластинка напомнила мне работы Fleshgod Apocalypse только с заменой симфонизма на таинственные космические клавиши-семплы в духе Mussorgski. На месте смены ритма, хрусткие перекаты ударных, типично-джентовые низкие, елозящие риффы и присущая жанру монотонность. Про монотонность эту необходимо сказать отдельно: услышав первую песню, а за ней вторую, третью и далее, можно сначала подумать, что первая случайно просто попала на повтор и ходит по кругу. Но, смею заверить, это не так. Просто весь небольшой в общем-то альбом представляет собой своеобразную инструментальную симфонию на тему межпространственного кошмара, и это накладывает отпечаток. Ходы и мелодии одни и те же, с небольшими вариациями, которые извиваясь, словно щупальца
безликого Уламога, утягивают слушателя в бездонную пучину. Меняется ритм, меняются оттенки, но центр остаётся неизменным. Для любой другой музыки это было бы преступлением, но для данного жанра, это естественная среда обитания. Тот момент, когда замысловатые ритмические структуры становятся чем-то сродни амбиентному фону, когда мозаика мельчайших деталей превращается в большое однотонное полотно. И как фон "Rise of the Eldrazi" идёт превосходно, пульсируя и мерцая подобно губчато-пористой поверхности гигантской Эмракул. Отсутствие вокала альбом отнюдь не портит, напротив, любые рычания и вопли звучали бы здесь нелепо: безмолвие и нарочитая искусственность ударных добавляет густоты в атмосферу, напоминая столь любимый геймерами саундтрек Quake 2 от Sonic Mayhem — факт добавляющий минимум один балл в оценку проекта. Здесь правит та же отрешенность и нечеловеческая логика, но в отличие от ржавых железяк, киборгов и потоков лавы со Строггоса, лучшим воплощением атмосферы Зендикара станет образ высящегося выше облаков титана Эльдрази, одним движением раздвоенной в области локтя ручищи с неестественно-длинными пальцами сметающего с лица планеты целые города.

Я не стану настойчиво рекомендовать "Rise of the Eldrazi" любителям жанра и тяжёлой музыки вообще, потому что, вероятно, и в деткоре и в дженте они смогут найти более любопытные образцы, но вот если вы фанат MTG и эльдрази для вас не просто набор букв, то ознакомиться с творением юного Джулиана я всячески советую. Настроение он угадал удивительно точно.

Nerferoth Drake  10 янв 2018