Время от времени всё же приятно услышать не слэм, не бессердечную брутальщину, не смазливую скандинавскую мелодичность, а размеренный, продуманный death metal. Просто death, безо всяких экстремальностей и чрезмерностей. Ибо ориентирующимся на олд-скул баварским молодчикам ни то, ни другое ни к чему. Отлично звучащий и солидный дебютник Vermin (название, конечно, моли бы чуть оригинальнее выбрать) вполне справляется со шпагатом между сложным и лихо закрученным, с одной стороны, и простым и доходчиво-забойным. Однако в то время как Боди и Ко научились играть пристойный дэт, временами исподволь цитирующий то ли Death, то ли Entombed, текстовая (или — лучше — идейная) составляющая оставляет желать лучшего. Она, собственно, столь же оригинальна и просто брызжет собственными идеями как и название банды. Т. е. вообще никак. Кроме того, хотя Vermin и играют на довольно высоком уровне, действительно интересные моменты создают они довольно редко. И чем ближе к концу альбома, тем реже эти моменты становятся.
Тем не менее, я всё-таки склонен считать, что для дебютника «Paradise» добротен и солиден. Для хорошего старта этого вполне достаточно.

Inner-Self  26 май 2011

Болгарско-немецкий проект, собравшийся вокруг некоего талантливого и весёлого человека по имени Xell, играет фолк-метал по ту сторону клишеобразных троллей и размахивающих в угаре кружками и мечами викингов. Сущность проекта — в его экзотическом балканском колорите, в его многоголосии духовых инструментов, электронных поскрипываниях и в ухающих на заднем плане гитарах и ударных. По большому счёту, Xell — это заводной балканский расколбас, который если и впадает в грусть, то грусть эта нежная и светлая. Такие вещи, однако, как «Вика Маргарита» или «Stofftier» заставляют усомниться в серьёзности металлической составляющей проекта. Первая — просто-напросто этакая типичная поп-песня, которую, наверно, мог бы исполнить любой исполнитель на болгарской поп-сцене. Вторая же — исполненный на немецком гимн плюшевым зверям с кривым тактом, которая воспринимается как иронический привет как бандам вроде Rammstein, так и их многочисленным чрезвычайно пафосным подражателям. Прочие пять композиций представляют собой пространные элегии-инструменталы, где команда вокруг Xell дудит в дудки в своё удовольствие, не заморачиваясь вопросами о точной жанровой принадлежности своей музыки. Странно. Интересно. Неожиданно.

Inner-Self  26 май 2011

Первое, что приходит на ум, когда слышишь «Nežinau», прямо начиная с «Ounėm» - это малобюджетный вариант экспериментального неофолка, записанный за один присест в подвале какого-нибудь жилого дома на допотопном оборудовании, включающем электрогитару, бас, допотопную драм-машину и дешевый сэмплер. И тут же, прямо с «Ounėm», приходит понимание, что это не бюджет маленький – это такая идея «большая». Гаражный звук и нагромождение самых разных стилей (от «апокалиптического» фолка, нью-вейва и пост-панка до нойза и индастриала) способны очаровать сразу, если эти идеи вам близки.

Итак, музыка. Ее создатель (судя по всему, за всем этим стоит один человек, Повилас В.) берет грязно жужжащие гитары, запускает монотонный «голый» ритм, использует подручное железо, чтобы изредка громыхало, и мешает все это с зацикленными короткими сэмплами, обилие и непредсказуемость которых придает каждой песне индивидуальность, добавляя столь необходимые «фишки». С фантазией у литовского парня все в порядке, и в дело у него идет все, что вызывает интерес и чувство ностальгии – и винтажные электронные мелодии аля «ТВ-гимнастика» восьмидесятых («Kai Žydi Katės»), и нарубка из каких-то восточных мотивов («Demonai Ir Dovanos Antrukart») на фоне попискивающих саксофонов, и грозная маршевая поступь («Velniop»), и музыка из фильмов («Utopija»). Накачивая «Nežinau» «фишками», музыкант то замедляет музыку (если бы альбом выходил на кассете, можно было бы решить, что это просто пленку зажевало), то переворачивает все ее компоненты, кроме вокала, в обратную сторону, причем незамедлительно наслаивая эти потоки звуков друг на друга. А еще автор «Vilkduja», запертый в подвале и накручивающий ручки оборудования, старательно аккумулирует злость, давая ей вырваться ближе к концу диска – если в начале он находил время на фольклорные плясовые вещи вроде «Dauguma», то финал близок к границам death-industrial, когда говорящими становятся не только названия треков («Velniop [To Hell!]»), но и их нарочито грязное, зашумленное звучание, беспросветное и злое, помноженное на мерный стук ритуальной перкуссии. Зол и вокал – дисторшированный голос силен, уверен и громок (хотя товарищ не стесняется повыть по-кошачьи в «Utopija») и не дает повода подозревать его обладателя в склонности к миролюбию и компромиссам. Очистить «Nežinau» от напускной дешевизны и нарочитой, а на самом деле любовно выпестованной «грязи», добавить подольше «акустики» - и получится образцовый dark folk. Оставить все как есть – получится необычный и интересный диск, слегка ироничный и неожиданный, с каждым новым треком преподносящий сюрпризы. Индустриальный фолк или подвальное кабаре – выбирайте термин сами или просто придумайте новый.

Maeror3  26 май 2011

Совершив неожиданный экскурс в Грецию (диск 2007 года «Alexandreia», более чем обязательный к прослушиванию), Донатас Биелкаускас снова «вернулся» на родную сторону, посвятив новый альбом Donis шестисотлетней годовщине битвы при Грюнвальде. «Kas Tave Šaukia...» стал продолжением, а точнее, развитием альбома «Bite Lingo» - тут тоже за основу взяты старинные литовские военные песни, к Донатасу снова присоединилась певица Раса Серра, чей сильный и красивый голос способен передать эмоции и смысл текстов даже тем, кто литовским языком не владеет.

Четыре года работы, множество приглашенных музыкантов, отточенное исполнение и композиторский талант Биелкаускаса, в наличии которого никто уже давно не сомневается – вот что делает «Kas Tave Šaukia...» видным релизом не только в рамках балтийской фольклорной сцены, но и общеевропейской. Военные песни повествуют не только о скорой победе и готовности ринуться в бой, в них переданы и чувства ждущих дома матерей и жен, скорбный плач по погибшим и молитвы с просьбой защитить и уберечь любимых на поле боя. Соответственно и музыка передает эту палитру эмоций и переживаний – начинаясь с атмосферного intro «Kur Vainelė Vajavoja», отражающего напряжение и собранность солдат за несколько минут до начала битвы, диск продолжается бравурными маршевыми ритмами «Kas Tave Šaukia» (вещь, кстати, не новая, под названием «Zalio Vario» ее можно было услышать на одном сборнике), нервными импровизациями электрогитары (наличие которой поначалу казалось спорным нововведением в музыку Donis), призывной волынкой-дудой и дарк-фолковыми тремя аккордами. Это битва, и битва кровавая, адреналин выбрасывается в кровь мощным потоком, и из-за этой «передозировки» не сразу приходит убеждение, что композиция записана просто превосходно – каждый штрих выверен до мельчайших деталей, каждый инструмент на месте, голос будоражит, ритм заставляет встать и идти, неважно куда. Впрочем, музыка не провоцирует на агрессию. И уже следующая песня, «Tolyn, Namo ...» повествует о другой стороне героических событий – задумчиво поют флейты и свирели, мощный электронный ритм рассыпается звоном колокольчиков, в голосе слышны тревога и ожидание. В «Anksti Rytą» слышны мягкие джазовые импровизации, положенные на бренчание гитары, а следующая песня, «Čiulba Ulba Karvelėlis», стала апофеозом «женской», назовем ее так, части альбома, сосредоточенной на переживаниях и надеждах – здесь Раса поет а капелла, и поет так, что пробирает до костей. Поминальная песнь или молитва сменяется грозным напором «Reiks Joti Vainužėlėn» - две солирующие гитары, акустическая и электронная (выдающая, когда ей неожиданно уступают место все остальные инструменты, чуть ли не хард-рок), сухой треск барабанов, жужжание дуды и ветер в ушах. Боевой поход ненадолго скрасят скрипки и гитарные партии из серии «легенды инструментальной музыки» в «Trijų Seselių Jauns Brolužėlis», но до конца диска «мужская» энергетика, выраженная в бодром ритме, залихватском задоре аккордеона («Ūžia Ąžuolėliai») и взбудораженном настроении с нотками грусти, на которую воин имеет право вечером возле костра, будет преобладать.

Donis давно вошел в ту стадию своего существования, когда каждый новый альбом признается лучшим в дискографии проекта – и, может быть, по этой логике, следующее творение музыканта также назовут верхом его творчества. Но пока что диск «Kas Tave Šaukia...» заслуженно получает это звание. Событие в мире фолк-музыки.

Maeror3  25 май 2011

Достаточно сложно описать и систематизировать весь спектр чувств, которые возникают при прослушивании этого альбома. Вообще, нет более тяжелого и неблагодарного занятия, чем написание рецензии на один из своих любимых альбомов, так как очень сложно не скатиться в откровенное лобзание и восхваление сего творения. Еще труднее доходчиво объяснить, чем же альбом интересен и в чем его главные достоинства, не прибегая ко всем этим: "хороший саунд", "отличная игра музыкантов", "великолепное оформление" и прочим словосочетаниям-паразитам, когда автор не может толком рассказать о том, что сам чувствует. Но что поделать?

Альбом "Hunky Dory" не имел шумного успеха, как последовавший за ним "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", но именно эта запись заложила фундамент для взлета в стратосферу карьеры британца, который произошел на следующий год. Для того чтобы описать "Hunky Dory" в нескольких словах, я возьму слова из первого сингла альбома - "Changes": "Just gonna have to be a different man, Time may change me, But I can't trace time". Эту песню можно считать своеобразным описанием всего творчества Боуи, с его постоянными сменами музыкального стиля, манеры поведения и прочих действий, говорящих о его переменчивой натуре. Но я привел эти строки из песни применительно именно к этому альбому, так как "Hunky Dory" является одним из самых разноплановых и полярных в творчестве англичанина. Но все же это не главное. Главное - это сами песни! Достаточно просто перечислить названия нескольких песен из этого альбома, таких как "Changes", "Oh! You Pretty Things", "Life on Mars?", "Kooks" и "Queen Bitch", чтобы понять насколько хорош "Hunky Dory". Сложно выбрать жемчужину диска, но для меня ей стала "Life on Mars?" - сколько бы я ни слушал этот гимн разочарованности в реальности, каждый раз у меня мурашки бегают по спине в момент, когда Боуи начинает петь припев. Что-то внутри меня поднимается и это далеко не рвота, а то, из-за чего и стоит слушать музыку - ради чувства, когда все кажется не столь важным, все отходит на второй план, и главное теперь - вот эта песня и этот осязаемый момент, когда кажется что больше ничего и не нужно. Боуи проявил себя здесь и как талантливый автор: только за эти строки из "Life on Mars?" можно многое простить ему в будущем:

"But her friend is nowhere to be seen
Now she walks through her sunken dream
To the seat with the clearest view
And she's hooked to the silver screen
But the film is a saddening bore
'Cause she's lived it ten times or more"

Но и помимо этих песен, вышедших синглами, здесь есть еще и драйвовая "Queen Bitch", навеянная творчеством The Velvet Underground, песни, где Боуи отдает дань уважения и почтения своим кумирам Энди Уорхолу и Бобу Дилану. В общем, четвертый полноформатник Боуи не просто не надоедает, его хочется слушать и слушать. И для меня он гораздо важнее и интересней других хрестоматийных альбомов Дэвида Боуи вместе взятых. Прямо прикипел душой к нему. Чего и вам желаю.

"Эй! Рок-н-ролльщики, смотрите в оба!
Обернитесь и столкнитесь со странными
Переменами!
Очень скоро вы немного повзрослеете"

YNWA  24 май 2011

Наиболее частая претензия к музыкальной продукции под вывеской «Сговор Кавалер» («не дотягивает до уровня Sepultura») мне представляется нелепой изначально. И в самом деле, зачем бы, спрашивается, братьям Кавалера при поддержке Марка Риццо и Джо Дюплантье/Джонни Чоу по прошествии стольких лет пытаться войти в ту же реку и, силясь реанимировать былую популярность в рамках своей прошлой стилистики, создавать заведомо вторичный и по большому счету малоинтересный продукт? Братья, очевидно, пошли другим, куда более правильным путем: они стали играть материал, музыкально ориентированный на кумиров их юности (группы ’80-х, игравшие на стыке хардкора и прото-трэша), причем играть оный с куда более явным и намеренным примитивизмом (но ни в коем случае не архаично!), чем это делает Soulfly — другой, более старый коллектив Кавалеры-старшего, куда входит и Марк Риццо. (Еще одно отличие от Soulfly — полное отсутствие элементов этнической музыки.) И не менее очевидно, что окончательное мнение публики о новообразованном составе должен быть сформировать именно второй альбом, о котором, собственно, и пойдет речь.

Удалось ли музыкантам создать нечто свежее, оригинальное и интересное, не впадая в унылый самоплагиат? Определенно да! Некоторые опасения вышеуказанного свойства, имевшиеся у меня до прослушивания «Травмы от удара тупым предметом», после оного развеялись как дым. Ощутимых самоповторов я не услышал; напротив, явно наличествует элемент новизны — изменился звук (чуть приглушенный по верхам по сравнению с дебютом, но по-прежнему предельно разборчивый и «качевый»; всё тот же сопродюсер и звукоинженер Логан Мейдер (ex-Machine Head) выполнил свою работу практически безукоризненно), чуть изменился стиль — возврат к трэшкоровым корням в современном ключе стал еще более очевидным и прямолинейным, и каждый музыкант по отдельности теперь меньше занят демонстрацией собственного профессионализма, а больше работает на музыкальную идею в целом. Особенно отмечу Марка Риццо — этот гитарист, ранее не вызывавший у меня по большей части ничего, кроме скептически-кривой ухмылки, сегодня поистине творит чудеса: такого обилия берущих за душу, по-настоящему мелодичных, нешаблонных и, что самое главное, предельно уместных соло нет, пожалуй, больше ни на одном альбоме с его участием.

Откровенно проходных песен на альбоме не замечено; меньше других, запоминаются, пожалуй, чрезвычайно эмоциональная, но не слишком выразительная “Lynch Mob” и немного скучновато-предсказуемая “Killing Inside”. Лучшими же композициями, мне кажется, являются мелодичнейшая “I Speak Hate” (фигура речи «изрекаю ненависть» — здесь определенно не пустой звук), ультразабойная “Psychosomatic” и “Electric Funeral” (шикарный скоростной кавер на одну из самых «больных» и леденящих песен Black Sabbath) из числа бонусов и, конечно же, главный хит альбома, просто обязанный быть включенным в новейший сет-лист группы, “Genghis Khan” — сколько раз ни слушаю эту песню, столько раз по коже бегут мурашки (текст, что вообще свойственно лирике Макса, довольно незатейлив: наводивший благоговейный ужас на современников предводитель монгольских племен, завоевавших огромные территории в Азии и Европе, в своих устремлениях руководится, по Максу, преимущественно местью за ущерб, причиненный врагами ему и членам его семьи в его детские и юношеские годы; но вот от прослушивания музыки перед глазами действительно возникает нечто огромное, древнее, хищное и кровожадное). Словом, на этот раз Cavalera Conspiracy действительно заявили о себе во всеуслышанье; превосходная, знаковая работа.

Отдельной похвалы заслуживает стильное, полностью черно-белое оформление с эпизодическими красными «вкраплениями»: издание категории deluxe edition (CD+DVD) выполнено в виде 3-панельного диджипака, посередине которого вклеен буклет с фотографией музыкантов на первой странице.

Damien  24 май 2011

В 2011-м году Peste Noire выдали на-гора нечто, получившее от них самих саркастичное имечко "Мусор в чистом виде" ("Мусор, как он есть"). Подготовка к этой провокации была как никогда тщательной и продуманной, начиная с обложки, на которой изображена мерзопакостная пародия-издевка над "Свободой на баррикадах" Эжена Делакруа, и заканчивая текстами, в коих, кажется, не была обойдена вниманием ни одна из сторон жизни современной Франции (достается на орехи даже Марианне - небезызвестному национальному символу Франции). Собственно, изучению одного лишь кавер-арта этого релиза можно посвятить немало времени, обнаружив там, в числе прочего, выпивающего господина, очень похожего на небезызвестного Сергея Евгеньевича Троицкого (более известного, как Паук), нескольких знаменитых и мертвых французов (причем, мертвых как на обложке, так и в действительности), "человека с лицом унитаза", и даже кое-кого из небезызвестных участников нашего форума (правда, по всей видимости, было использовано достаточно давнее и неудачное его фото).

Какие-либо музыкальные аналоги тому, что предстает перед нами на данном релизе, привести очень непросто, даже если обратиться к предыдущим работам группы: очень уж все тут неоднозначно. Компоненты стилистического пирога перемешаны очень тщательно, и метаморфозы даже одной отдельной композиции предугадать практически невозможно. Лишь один раз, в треке "J’avais rêvé du Nord", когда нежный и проникновенный мотив акустической гитары сменился оголтелой долбой, я позволил себе саркастическое "я так и знал!". В остальном - никакой предсказуемости, но при сохранении неизменной органичности, будь то шансон, неуловимо преображающийся в ска-панк, как в "Casse, Pêches, Fractures et Traditions" или же среднетемповый блэк, положенный на механистичный танцевальный мотивчик, как в "Cochon Carotte et les sœurs Crotte". Партитуру двадцатиминутного шедевра "J’avais rêvé du Nord" и вовсе хочется распечатать в формате А1, а лучше А0, и повесить на стенку, дабы всегда помнить о гениальности, заключенной в простоте. Хотя, эта самая "простота" не исключает появления: а) отличного гитарного соло (даже двух), б) трогательной партии сопрано, в) того самого акустического проигрыша (после прослушивания которого, по идее, все те, кто забросил игру на гитаре, должны начать в панике рвать волосы на голове), и даже г) почти маткоровых диссонансов в финале. Даже если бы на альбоме была только эта композиция, "L'Ordure à l'état Pur" следовало бы признать несомненной удачей. Но ведь их здесь целых пять, одна другой краше, и длятся они в сумме более часа - этого уже никому не покажется "мало". И весь этот жанровый винегрет очень удачно оттеняет финальная "La condi hu" - на удивление размеренная и прямолинейная, но ничуть не менее привлекательная, нежели ее показательно авангардные соседи. Она однозначно подчеркивает: вовсе не в удачных жанровых заимствованиях, или, по крайней мере, не только в них, лежит секрет успешности творчества Peste Noire. Наоборот, это их выработанный и отточенный почерк мастеров декаданса не исказить никакими экспериментами - они лишь делают музыкальную палитру насыщенней.

При всей показной клоунаде этого альбома основной его посыл остается убийственно серьезным, и оставался бы таким, даже если бы Famine de Valfunde кукарекал в финале каждой песни (а не только в конце посвященной сатирическому уничижению национальных символов "Casse, Pêches, Fractures et Traditions", при упоминании "галльского петуха"). Да и мысли после знакомства с релизом в голову лезут невеселые: если уж это - "чистый мусор", то как тогда назвать все то, что в последнее время сплошным потоком льется на слушателей с "тяжелой" сцены? Но в данном конкретном случае поводов грустить нет: по крайней мере, хоть кто-то продолжает беречь знамя нетривиальной и качественной музыки, пусть даже и вручив его в руки гологрудому чудовищу.

Jotun  24 май 2011

Смерть-метал разной степени брутальности американцы штампуют в таких неимоверных количествах, что даже для предварительного прослушивания диски приходится отбирать с максимальной строгостью. Говоря прямо, сия пластинка изначально никак не смотрелась фаворитом среди многих сотен своих соседей по прилавку музыкального магазина. Название у банды бесхитростное, если не сказать хуже, и скорее характерное для дэтстеров отечественного разлива; обложка по штатовским меркам также весьма посредственная, маэстро Пар Олофссон явно не перенапрягся за время её создания; буклет скучен до зевотных позывов. Не внушал позитива и год выхода альбома, всё-таки пять лет по меркам техно-брутала – срок если и не критический, то уж точно весьма солидный. Короче говоря, экстерьер так себе, явно не из чемпионских.

Аргументов, всё же заставивших меня, вопреки логике, послушать альбом, оказалось два. Первый – привязка группы к дичайше авторитетному в соответствующих кругах лейблу Unique Leader (Deeds of Flesh, Decrepit Birth, Gorgasm, Disgorge, Beheaded и ещё с десяток весьма достойных бригад). Второй (и главный) – присутствие в составе этого техасского «Беспощадного» таких персонажей, как Клинт Эпплханц и Джеймс Кинг, в прошлом участников ажно самих Origin, небезосновательно считаемых многими, в том числе и вашим покорным, одними из безусловных флагманов мирового technical brutal death metal’а. Для тех кто «в теме» – доводы вполне себе достаточные и убедительные.
В итоге, услышанное меня отнюдь не разочаровало, но и шаблонов на британский флаг, прямо скажем, не разорвало. Получилась своеобразная лайт-версия Origin. «Лайт» в данном случае означает не «облегченная», а скорее «упрощённая». Акценты несколько смещены от гипертрофированной техничности в сторону агрессивности и прямолинейности, причём в данном случае это не несёт негативного оттенка. Иными словами, альбом предназначен в большей степени не для эстетов и любителей витиеватых гитарных экзерсисов, а для обычных хэдбэнгеров, пуще прочего ценящих возможность жёстко угореть под бронебойные скоростные ритмы. Продолжая тему сравнений с Origin, можно сказать что с их шедевральным, почти безукоризненным «Antithesis» рецензируемая работа, конечно же, не сравнится, но вот с более ранними альбомами пободаться может вполне.

Напоследок хотелось бы отметить традиционно превосходное для Unique Leader качество записи, а так же присутствие на шестом треке небезызвестного Алекса Уэбстера. Хотя чем конкретно знаменитый «каннибал» украсил звучание этого альбома, для меня осталось нерешённой загадкой.

Slayer114  23 май 2011

Жив ещё doom metal, и судя по новому альбому проекта участников группы Katatonia, умирать не собирается. Если “Rain without End” вобрал в себя всё лучшее из первых двух альбомов Katatonia, то про “A Thin Shell” можно сказать то же самое относительно первых двух альбомов October Tide. Мелодичность и проникновенность «Бесконечного Дождя» впитали атмосферу и напор “Grey Dawn”, образовав на выходе продукт высшего качества.

Новый альбом October Tide, по сути, продолжает линию предыдущего опуса “Grey Dawn”, песни более динамичны, чем на “Rain without End”, максимально приближая звучание к doom-death. Общий саунд более аскетичен; как и на втором альбоме, нас не балуют обилием акустических вставок и резких смен ритма. В основе музыки по-прежнему лежит не умолкающая ни на секунду тоскливо-мелодичная соло-гитара. Немного задвинутый на задний план рифф время от времени всё же берёт власть в свои руки, но ровно настолько, насколько нужно, чтобы не превратить альбом в вязкое месиво.

Вокал особых изменений не претерпел, хотя на этот раз место у микрофонной стойки Ренксе уступил некоему Тобиасу Нетзеллу. По-прежнему, мощный и выразительный. Я не являюсь большим любителем гроулинга, но для такой музыки это именно то, что нужно.

Главным же отличием и, несомненно, большим плюсом по сравнению с предыдущим альбомом являются отличные мелодии, коих здесь в избытке ("Grey Dawn" в этом плане всё же послабее). Композиционно все песни очень сильны именно развитием музыкальной мысли, а не бесконечным повторением одной и той же мелодии. Что и делает музыку разнообразной и заставляет слушать альбом снова и снова.

Отличный альбом, закономерное развитие идей «Бесконечного Дождя» и «Серого Восхода». Гармоничная и интересная работа. Почти шедевр.

Grey Stone  23 май 2011

После выхода в далеком 2008-м дебютного ЕР "Perceptual Confusion" многие стали с нетерпением ожидать от этого датского коллектива полноформатного релиза. Но ждать пришлось ни много, ни мало, а почти целых три года. И вот, наконец-то, на радость всем поклонникам техничного модерн-метала в свет вышел LP под названием "Edge of the Obscure".

Сразу после небольшого интро на слушателя обрушивается шквал неистовых риффов, переполненных драйвом и энергией. Все это сопровождается чистым и харш-вокалом, придающими музыке немного контрастности. В результате, слушатель незаметно погружается в неведомый музыкальный мир, наполненный всевозможными футуристическими образами и картинами, и не дающий возможности ни на секунду оторваться от происходящего. Скоростные риффы и космическая атмосфера в своем сочетании придают звучанию немного схожести со швейцарцами Sybreed.

Композиции, ко всему прочему, обильно приправлены цепкими мелодиями и местами неожиданными сменами ритма. Из них хотелось бы выделить "Pulse within the Paradox" и "Face Deletion" с предыдущего ЕР, которая претерпела небольшие изменения в своем звучании, а также завершающий инструментальный трек "Ledge of Oblivion", который захватывает своей невероятной атмосферой отчаяния, создаваемой удивительными клавишными.

Самой сильной стороной этого альбома являются мощный саунд и отличный вокал, не дающие ни на секунду заскучать слушателю. Кроме этого, нельзя не отметить наличие интересных гитарных пассажей и захватывающих переходов.

В заключение можно отметить, что "Edge of the Obscure" оправдывает возлагаемые на него ожидания и является очень интересным и сильным с музыкальной точки зрения релизом.

Clarity  22 май 2011

История Black Sabbath в последнем десятилетии миллениума сделала новый виток. Выпущенный в 1990-м году отличный альбом "TYR" был первоначально холодно встречен критиками и фанатами, в результате чего группе пришлось отменить часть выступлений в Великобритании и даже не заглянуть в США. В то же время на концерте в Миннеаполисе Джизер Батлер присоединился на сцене к Ронни Джеймсу Дио для исполнения "Neon Knights". Оба музыканта выразили заинтересованность в воссоединении "второго состава" Black Sabbath. Тони Айомми выдворил вокалиста Тони Мартина и басиста Нила Мюррея из группы и вернул в нее Дио с Джизером. Из-за травмы Кози Пауэлла в состав был возвращен и Винни Эппис. Четверка записывала новый альбом в конце 91-го - начале 92-го в знаменитой студии Rockfield Studios. Диск вышел в июне 1992-го и получил устрашающее и звучное имя "Dehumanizer".

Оправдывает ли альбом свое название? Определенно. Магическая атмосфера "Heaven and Hell" и "Mob Rules" оказалась утраченной навсегда, уступив место метафорическому мрачному отражению действительности 90-х. Лживые телепроповедники, запредельный эгоцентризм человечества, раздумья о том, что придет после смерти, и появление нового бога - бога из машины - Дио настроен донельзя скептически и не собирается щадить зарвавшихся "хозяев планеты". Это делает "Dehumanizer" одним из самых темных альбомов Black Sabbath и роднит его с ранними работами - особенно с дебютом, как в плане лирики, так и музыкально. На мой взгляд, коллективом был найден безупречный рецепт возврата к думу вкупе с современным тяжелым звучанием, а финальный компонент в виде вокала Дио сделал этот коктейль уникальным.

Открывающую "Computer God" я бы назвал "Black Sabbath 22 года спустя", чувствуется преемственность этих первых песен со знаковых альбомов. Песня была написана Джизером еще в 86-м для сольного проекта, но так и не была выпущена. Агрессия, безысходность и небольшой спокойный кусочек - в песне есть все, чтобы подготовить слушателя к тому, что будет дальше. А дальше начинается настоящий тайфун - думовая "After All (The Dead)", на которой голос Дио просто выжигает уши внимающего, динамичная "TV Crimes" и снова неспешная, пессимистично-футуристическая "Letters from Earth". Мощнейшие боевики "Master of Insanity" (эту песню Джизер также написал чуть ранее и приберег до лучших времен), "Time Machine" и "Sins of the Fathers" заставляют кровь слушателя кипеть, и чтобы остудить ее, звучит холодная "Too Late" с проникновенной лирикой. Казалось бы, чего еще ждать и желать от этого безумного альбома, но лучший номер был оставлен напоследок. Это песня с незамысловатым названием "I". Немного затянутое вступление призвано усыпить бдительность слушателя, чтобы затем обрушить на него убийственный сверкающий и громогласный платиновый эталон хэви-метала. Разрушительная мощь этого номера настолько велика, что заставляет переслушивать его снова и снова. Я считаю это самой агрессивной песней, когда-либо записанной Black Sabbath. На ее фоне закрывающая "Buried Alive" серьезно меркнет и видится единственной проходной песней на альбоме.

"Dehumanizer" был с восторгом принят слушателями, пробившись в топ-40 в Великобритании и достигнув 44 места в американском чарте Billboard 200. Его музыкальное наследие велико - вместе с "Painkiller" от Judas Priest он явил собой лучшие образцы переживавшего закат хэви-метала, если так можно выразиться, лебединую песнь жанра. Наследие могло быть и шире, если бы очередной раскол в группе не привел к уходу Дио, который продолжил развитие идей в сольном проекте, выпустив, тем не менее, куда менее успешные диски.

Van Taig  22 май 2011

В свое время (когда я запоем читал различные журналы о тяжелой музыке) название этой чешской команды намертво врезалось мне в память. Krabathor... Что это за зверь такой, думалось мне. Счастью моему не было предела, когда в какой-то палатке с аудиокассетами я увидел заветный логотип этой восточноевропейской банды. Примчавшись домой, предварительно купив кассету, я немедленно воспроизвел в магнитофоне этот альбом. И ни ужасающее качество записи на этой кассете (точнее, перезаписи), ни дребезжащий динамик моего магнитофона фирмы "Mekasonic" (перепаянного несчетное количество раз) не смогли испортить мне кайф от прослушивания этого релиза.

И вот прошло около 15 лет, и в руках я держу компакт-диск "Only Our Death Is Welcome...". Испытал ли я наслаждение, прослушав дебютный альбом Krabathor через столько лет? Да, определенно! Испытает ли чувства, подобные моим, любой среднестатистический поклонник дэт-метала? Тот еще вопрос. У многих ведь была подобная ситуация, не правда ли? Когда при прослушивании альбома, который слушал еще в юном возрасте, начинаешь буквально дышать тем воздухом из прошлого. У современных поклонников стиля, для которых Bring Me the Horizon или там Job for a Cowboy - короли дэт-метала, дебютник Krabathor вызовет лишь ухмылку. Да и правда, чем тут восхищаться? Стандартный среднетемповый дэт-метал-альбом, коих выходило за эти годы видимо-невидимо. Но те, кого не интересует количество татуировок или модный прикид и прическа, найдут в этой записи много интересного и запоминающегося. Атмосфера альбома, саунд, слаженная работа музыкантов на протяжении всей записи - это лишь несколько привлекательных сторон этого дебюта. Конечно, Krabathor - группа второго, а то и третьего эшелона на дэт-метал-сцене, но за этот альбом команда заслуживает исключительно положительных оценок, ибо материал предельно честный и искренний. Это сразу же чувствуется - когда музыканты играют с душой и искренне любят то, что делают. Это не подделает никакой звукорежиссер. "Only Our Death Is Welcome..." - еще один альбом из начала девяностых, когда плохих альбомов в стиле дэт-метал, наверное, и не делали. Старомодный, но от этого еще более привлекательный. Такое уже больше не выпускают...

YNWA  21 май 2011

Коленца и па, откидываемые некогда злостными "Напалмами" на втором их альбоме, заставляют навострить уши и изумиться. Однако не в самом положительном смысле. Под стать содержимому обложка альбома: такое оформление обычно намекает на исключительную авангардность и прогрессивность материала — либо на такую же его диффузность и полное отсутствие внятных мыслей. Лично мне трудно толком оценить «Zero to Black» объективно. С одной стороны, некогда трушный коллектив, лишившись гитариста и басиста, переформировался и основательно пересмотрел свою музыкальную позицию. С другой стороны, соответствовать заявленному пафосу — дело не такое простое, как может показаться. Группа двинулась от своего мрачного и злого кроссовера в сторону более зрелого трэша, впитала некоторые элементы как раз входящего в зенит альтернативного рока и гранжа, а также пустилась на эксперименты с фанком. Результат, однако, не такой яркий как Mordred или Faith No More, или даже не такой бесшабашный как у Re-Animator. В этот раз, я бы сказал, у Napalm получился невразумительный клон более-менее спокойных песен Death Angel: не переставая время от времени ворочать угловатыми железными риффами, они разбавляют их слэпом, фанком, различными сэмплами и снабжают свои композиции немного плаксивым вокалом.

Разумеется, это уже не группа, выпустившая лишь за год до того «Cruel Tranquility», уже по составу это другой коллектив. Тем не менее, столь резкая смена концепции выбивает лично меня из колеи и заставляет капитулировать перед вторым и последним альбомом группы с намерением вслушаться в этот странный продукт ещё раз. Возможно, это действительно неплохой образчик практиковавшегося в то время некоторыми частями сцены фанк-трэша?

Inner-Self  20 май 2011

Эта группа, видимо, должна была быть чем-то вроде супер-банды с юга Германии. А дело это относительно лёгкое, благо матёрые трэшеры в южных провинциях повывелись. Так что пятёрка закалённых в боях ветеранов провинциальной сцены бодро взялась за дело и выдала на гора добротный альбомец, стилистически находящийся где-то между трэшем и добрым немецким пауэром. Ash Inheritance играют в меру агрессивно, в меру мелодично и, к сожалению, в меру оригинально. Кроме гитарного соло на «Killing with Style» на первом и последнем альбоме формации ничто не является на самом деле плохим, но вот буйства Tankard или Destruction, или даже целеустремлённости Paradox парням как-то не хватает. Видимо, проект собирался покорить широкие народные массы, но так и не разобрался до конца — чем. Поэтому и звучит «Devastated by Fire» непозволительно сдержанно: проблема либо в скромной продукции, либо в ритм-секции из нюрнбергских Mechanix, принёсшей свои «проблемки» и в супер-группу.

Не хочу, однако, чтобы создалось впечатление, что этот претенциозный супер-проект вообще ни на что не годится. При всех минусах, слушается альбом довольно приятно, вся середина наполнена довольно убедительным олд-скул-материалом — будь то железные «Next to Die», «Masters of Lies», «Straight to Hell», «Enflamed in Anger» или клишеобразная, но душевная металлликоподобная «Whistle in the Dark». Так что попытка сдобрить унылые музыкальные ландшафты своим видением мелодичного трэша, в конечном итоге, всё же зачётная. Крепкий середнячок.

Inner-Self  20 май 2011

Нью-йоркцы Napalm ничем особенным не выделялись среди легионов команд своего времени, объявивших войну сопливой глэмовой размазне 80-х годов. Даже их колючий, угловатый трэш / кроссовер, как того и следовало ожидать для нью-йоркской сцены, простоват, но по-хардкорному прост и заборист. То, что они делают, довольно легко поддаётся сравнению — это, в общем-то, Nuclear Assault, только похуже прописанный и без яркого вокала Коннели. Те же прямолинейные риффы, накрученные на тугой стержень басовых партий, пронизывающий весь альбом от начала до конца. Ни оригинальных ходов, ни мурашек по коже Napalm на своём первенце подарить публике не смогли (а может, и не собирались вовсе). Однако сегодня ничем, кроме оформления Эда Репки, не примечательный «Cruel Tranquility» вполне способен порадовать всех ценителей и ценительниц олд-скула и трушности именно своей аутентичностью. Да, вот так играли трэш на восточном побережье США, без лишних выкрутасов, straight into your face. В этом смысле «Cruel Tranquility» - это что-то вроде наглядного материала, собрания общих мест.

В общем и целом: на дебютнике Napalm не было ничего, что смогло бы подвинуть тогдашнюю сцену, это правда, но самозваным археологам и западающим на олд-скул проходить мимо него ни в коем случае не рекомендуется!

Inner-Self  20 май 2011

Парадокс, но «сибирский метал» (а именно так характеризуют стиль своей музыки создатели Kamlath) в случае «Stronger than Frost» исполняют люди, имеющие весьма посредственное отношение не только к Сибири, но и к России вообще. Интернациональный проект, зародившийся все же в умах наших соотечественников, что не может не радовать, собрал в свои ряды не абы кого, а людей известных и уважаемых – за гитары вместе с Максом Константиновым отвечает Майк Вид (King Diamond, Mercyful Fate, Candlemass, etc), барабанит Деннис Лифлэнг (Within Temptation, Epica, Lita Ford, etc), а «вокальное бремя» несет Марко Беневенто из The Foreshadowing. К тому же, сводилось все не «во глубине сибирских руд», а совсем даже в Италии. Команда профессионалов подошла к процессу создания ответственно, результатом чего стал очень качественный, отлично звучащий, профессиональный релиз, способный надолго задержаться в проигрывателях слушателей и претендовать на интерес со стороны составителей разного рода чартов. Правда, что-то исконно сибирское, пресловутый «русский дух» найти здесь сложно (недавний дебютник «Вitterness of the Years That Are Lost» коллектива Who Dies in Siberian Slush тему раскрывает гораздо нагляднее, так что интересующимся рекомендую обратиться к нему) – из «доступных» атрибутов только проливной ливень, открывающий диск, да порывистый ветер, сметающий мелодии и голоса в финале «From Siberian Deeps». Между буйствами стихии – выполненная по канонам dark metal (то есть на стыке жанров, от атмосферного дума до дэта) техничная и эмоциональная, не слишком сложная, брутальная или «грузящая» музыка, в которой все крутится не столько вокруг громыхающих ударных, жестких плотных риффов низко настроенных гитар или меланхоличных «соляков», сколько вокруг вокальной части. Неплохие тексты Марко поет сильным и красивым голосом, опять же, довольно эмоционально, с чувством, отчего создается впечатление, что дебютник Kamlath должен прийтись по вкусу даже романтичным девочкам, не способным «переварить» ничего, кроме love metal`а – это, однако, не оскорбление, а просто констатация универсальности музыки, ее ориентации на более массового слушателя, при этом сложно обвинить коллектив в усредненности и потакании вкусам аудитории, они просто нашли возможность сделать свою музыку интересной для большого количества людей. Как и положено, альбом слушается на одном дыхании и производит впечатление, будто также, единым порывом и был записан, но за этим кроется большая и упорная работа музыкантов, которые вложили души и время в запись «Stronger than Frost». Очень сильный и качественный релиз, заслуживший звания одного из главных открытий нынешнего сезона.

Maeror3  20 май 2011

В этом обзоре мы будем вести речь о третьей работе знакового французского коллектива Misanthrope, который уже давно приобрел статус музыкального достояния у себя на родине. При взгляде на дискографию команды нельзя не отметить, что три первых полноформатника вышли в свет с разницей всего лишь в год, что характеризует музыкальных творцов из страны изысканного прогрессива как амбициозных и уверенных в себе деятелей. Главное, что качество работ нисколько не страдало от таких сроков, напротив, уровень материала с каждым посещением студии неизменно рос. Странным кажется лишь то, что ударные на "1666...Theatre Bizarre" программируемые, хотя на предыдущих и последующих работах за них отвечают барабанщики из плоти и крови. Но стойкого привкуса пластмассы удалось избежать за счет развернутых аранжировок, когда количество прямолинейных партий (выдающих отсутствие живого ударника) оказывается невелико. Тонкие мелодические пассажи с самого начала альбома погружают нас в мир, где властвует атмосфера театральной раскрепощенности. Видно, что была проделана большая работа по созданию гармоничных звуковых фигур, красивых и одновременно богатых внутренним содержанием. Развитие событий в канве каждой отдельно взятой композиции происходит вполне естественно и легко, наделяя музыку столь недостающей другим группам искренностью. Экспрессия также нагнетается посредством вокальных партий, несущих в себе душевный надлом и в тоже время остающихся потрясающе изысканными (тут и основной харш, граничащий со скримом, и проникновенный чистый вокал в меланхоличных отрезках, и, конечно, некие пассажи, переходящие в область, близкую с плачем, когда требуется обозначить яркий душевный порыв). Нетипичность "1666...Theatre Bizarre" в немалой степени обусловлена также разветвленными басовыми партиями, когда грамотно расставленные акценты соседствуют с тонкими струйками эффектных проходов. Ну а гитары тоже нельзя обвинить в статичности, хотя в ряде моментов аккуратность изложения говорит о некоторой скованности, но не в ущерб общей звуковой картине (все гитарные приемы достаточно ровные и взаимосвязанные, но иногда им недостает некоторой толики настоящего гармонического безумия). В целом, альбом получился достаточно монолитным и эстетичным во всех аспектах, а незашоренность творческих идей и наличие яркой индивидуальности делают его вдвойне привлекательным. Мечтательность и грусть не чужды рецензируемому релизу, как не чужды ему умеренная сложность построений и красота мелодического полотна.

CORONEROUS  20 май 2011

Испанские головорезы из Cerebral Effusion подошли к работе над своим третьим полноформатником со всей мыслимой и немыслимой серьезностью (как известно, именно третий альбом является наиболее показательным в плане широты творческих возможностей того или иного коллектива). Было решено создать монолитный продукт с бесчеловечным звуковым содержимым, что подтвердило бы заявку басков на участие в кровопролитном состязании с умельцами из Штатов. На этот раз команда оказалась под покровительственным крылом Стива Грина и его небезызвестной брутальной конторы Comatose Music, что базируется на родине той музыкальной модели, которой из альбома в альбом остаются верны Cerebral Effusion (US-way style). Для создания будоражащего сознание визуального оформления был ангажирован мастер профильных обложек Марко Хасманн, который подготовил убойнейший кавер-арт в традициях гнилостно-экстравагантного подхода. С самого начала альбома на слушателей обрушивается плотная и тяжелая (как упавший на голову лом) лавина отточенного до блеска хирургических ножей брутального дэта. Все структурные элементы, словно детали в бесперебойном мощном двигателе, донельзя отлажены и подогнаны к друг другу с потрясающей сноровкой. Вихревые разгоны под стук плотного рабочего сменяются жирнейшими ритмовыми прокачками, не переходящими, правда, на территорию слэмминга. Ударник Eihar способен выбить всю гниль из любителей модернового дэта своими комплексными стенобитными партиями (недаром он так же качественно избивает установку в Gory Delivery, которые тоже разродились полноформатником в 2010-м). Сочный гуттурал от Cosme (также ответственного за удушение басовыми канатами) подобен звуку едущего на полном ходу бульдозера, когда заляпанный кровью щит машины уже маячит перед твоим носом. А гитары на "Impulsive Psychopathic Acts" - это просто шик, скажу я вам. Такого давящего риффового наката с высококалорийной основой еще поискать. На всем протяжении альбома гитары нарезают отборнейшие (истекающие жиром и кровью) шматы каркасных конструкций, выстреливая молниями флажолетов в окружающее пространство. Никаких соло, только штурмовой натиск брутальной ритмики с высокоорганизованным наполнением. Cerebral Effusion следуют по стопам Gorgasm, Disgorge (USA) и Internal Suffering, создавая серьезную конкуренцию Condemned и Putridity. Рецензируемый лонгплей - это просто "глыба", мимо которой не может себе позволить пройти любой уважающий себя брутальщик.

CORONEROUS  19 май 2011

За время своего существования doom metal, как и любой стиль музыки, стараниями своих адептов претерпел столько изменений, что теперь и не знаешь даже, как реагировать на термин «traditional doom metal», которым издатель характеризует дебютный альбом итальянской команды Fangtooth. Правда, тут же, в пресс-релизе, упомянуты в качестве ориентиров Candlemass и Trouble, группы, названия которых в рецензиях зарубежных обозревателей на этот диск присутствуют чаще, чем упоминание о самих виновниках торжества, что способно расставить все по своим местам.

Итальянцам, назвавшимся в честь глубоководной рыбины и черпающим вдохновение в творчестве Роберта Говарда, Лавкрафта, а также из древних мифов (откуда полезли и глаза Бога, и всякие плачущие нефилимы), в целом удалось воссоздать «традиционное» звучание думовых «классиков». Основу основ задают гитарные риффы, то медленные, вязкие и неповоротливые, то быстрые, плотные и массивные, да рельефно выписанный бас, – не сказать, что есть какие-то особенные изыски и запоминающиеся моменты, скорее грамотная ученическая работа, в которой проявлено безграничное уважение к основам стиля, нежели что-то большее. Не обходится без дэтовых запилов и вполне себе хардроковых «соляков», можно заметить также, что Fangtooth питают симпатии к музыке Motorhead, а толику эпичности, замешанной на сказаниях о богах и разных мифических существах, черпанули полной ложкой с альбомов Manowar и иже с ними. Эпические нотки, кстати, возникают ближе ко второй части диска, где-то в районе «Father» проклевываются зерна глобального замысла (и приятные голоса сирен), который музыканты пытаются развить в дальнейшем, умудряясь удивить чуть ли не партиями фламенко в начале «Martyr». Правда, все попытки серьезно разнообразить музыку быстро исчезают по той причине, что сами участники группы словно боятся отойти в сторону от канонов. В этом ничего плохого нет, просто по большей части их музыка звучит однообразно и скупо, как-то камерно и зажато. Способствует этому ощущению и звучание ударных, которые вроде бы и есть, а вроде бы и Бог с ними, и, особенно, вокал, – вероятно, это самая слабая сторона альбома. «Чистые» партии записаны на почтительном расстоянии от микрофона, отчего голос звучит по-квартирному, к тому же его носитель не особенно старается попадать в ноты и как-то бороться с излишней крикливостью, которая вместо здорового пафоса вызывает лишь усмешку. И еще Fangtooth противопоказаны паузы, – стоит только им сбавить обороты и начать перестраиваться на новый ритм, как все составляющие их музыки начинают расползаться во все стороны и катастрофически скучнеть. Можно и не дождаться, когда итальянцы вновь соберутся с силами и начнут заполнять колонки плотным риффингом, еще более быстрым, чем пару минут назад.

Ожидания, не сильно завышенные, не обманули – действительно, (слишком) канонический и (очень) олдскульный doom. Другое дело, что упомянутых ранних Candlemass слушать все-таки интереснее, а в случае с Fangtooth мы имеем (пока что, ибо потенциал есть) дело с в меру добротной, но обезличенной работой, из которой при желании можно было сделать конфетку, но сами музыканты наступили на горло своей песни и остались просто «последователями».

Maeror3  19 май 2011

Незаслуженно обойденный вниманием дарксайдовских рецензентов релиз из Канады, чьи дэтовые группы (в особенности, сформированные из франко-канадцев) славятся своей техничностью и остротой подаваемого материала. Если кто не в курсе, Archons - детище троих музыкантов из распавшейся группы Descend Into Nothingness, так что профессионализма и сыгранности ребятам не занимать.

Перерождение в новую группу явно отразилось на лирической составляющей (остросоциальной, за что респект дэтовой группе) и оформлении (низвергаемая толпой статуя знакомого всем Ильича). Музыка - нечто на стыке техно-дэта и популярного в массах шведского мелодик-дэт-метала. Наиболее похожая по саунду формация, невольно приходящая на ум - Arsis (кстати, их прославившийся своей навороченностью альбомец "We Are the Nightmare" вышел почти одновременно с рецензируемым, что так и заставляет их сравнивать). Только вот в отличие от американцев, материал у Archons получается более запоминающимся и не таким пафосным и замудренным, что ли. На мой взгляд, у Archons куда более успешно получается оставаться в высшей степени техничной группой и при этом сохранять мужественную мелодику. Если у Arsis на "WATN" правит балом соло-гитара, тут и там нагло и назойливо лезущая в уши слушателя, то здесь соло куда более сдержанны, мелодичны и появляются только там, где они действительно нужны. Ничего лишнего. Отдельное спасибо технарю-барабанщику, который своей игрой делает, в общем-то, среднетемповую музыку мощной и напористой.

Отличное качество записи, отточенность действительно классного материала, причем уже на дебютнике - все позволяет говорить о том, что группа стремится занять лидерство в дивизионе мелодичного техно-дэта. "Арсису", Quo Vadis и прочим уважаемым господам однозначно придется подвинуться.

Slammer4000  19 май 2011

Зачастую промо/демо-релизы отличаются некоторой незавершенностью, неполноценностью и некоторыми другими дефектами, что в их случае простительно. К ним относятся с интересом и, быть может, уважением, как к историческому периоду в жизни группы. Однако есть среди них и такие, что крепко врезаются в память по причине присутствия в них той самой "искорки", которая потом разжигает пламя полноформатных работ. Если говорить более конкретно, то дебютный ЕР "Баронессы" с логичным названием "First" из ряда тех работ, которые, несмотря на свой вид и предназначение, по праву достойны уважения за их выразительность, яркость и качество исполнения.

Надо сказать, что звучание альбома весьма сырое, однако это не несет негативной окраски. Наоборот, эта сырость вкупе с бодрой ритмической составляющей делает музыку очень драйвовой. Все инструменты хорошо слышны, в особенности лид-гитара, которая исполняет свои отдельные партии и своеобразные соло. Раз уж я сказал про драйв, то не могу не отметить наличие атмосферных моментов, которые делают композиции весьма разнообразными. Появляются "спады" и "подъемы" ритма, что сильно добавляет выразительности и эмоциональной окраски трекам. По поводу выразительности отдельно хочу отметить вокал - грязный и кричащий, он как нельзя лучше подходит к такой музыке. Его работа в завершение трека "Rise" просто великолепна. Говоря о настроении альбома, приходит на ум слово "воодушевление" - именно это чувствуется от прослушивания такой музыки.

Отдельного упоминания заслуживают и тексты. Вся лирика на тему природы, причем порой с ярко выраженным "аграрным" оттенком. Забавно, но от этого лично мне ЕР нравится еще больше, воображение рисует лето, леса, поля и так далее. Совместно с воодушевлением, о котором я сказал выше, создается очень позитивная атмосфера.

В итоге: дебют "Баронессы" представляет собой очень лаконичное и содержательное "представление". Товарищи из Джорджии превосходно показывают свое творчество с таких положительных сторон как драйвовость, эмоциональность, выразительность и мелодика. Идеи, изложенные на этом ЕР, развиваются в дальнейшем творчестве "Баронессы", поэтому работа обязательна к прослушиванию для знакомства с группой. Объективной оценкой считаю 9, делая поправку на формат и направленность релиза.

SaIr  18 май 2011

После роспуска Candlemass в 1994 году Лейф Эдлинг решил поэкспериментировать и создал новую группу, получившую название Abstrakt Algebra и выпустившую одноимённый альбом в 1995. Основу стиля составил всё тот же мелодичный дум-метал, который принёс известность Candlemass, дополненный сэмплами и клавишными и временами вызывающий некоторые ассоциации с индастриалом.

Звучание альбома было сделано жёстким и напористым, каждый инструмент хорошо слышен, барабаны отлично сочетаются с басом, а гитары и клавишные создают своеобразные картины. Исполнительское мастерство всех музыкантов на высоком уровне, особенно же хочется отметить барабанщика, который вносит разнообразие в, казалось бы, довольно обычные ритмы. Итогом работы группы стал альбом, проходных песен на котором просто нет, но можно выделить несколько наиболее впечатляющих композиций:

"Stigmata", которую вполне можно назвать хитом, и в которой мы можем наблюдать новшества, внесённые Эдлингом в музыку - шумы на дальнем плане композиции, клавишные в моментально запоминающемся припеве и искажённый вокал;

"Nameless", построенную на интересном риффе и почти сразу вызывающую в памяти Black Sabbath - согласованное звучание мощного баса и гитары напоминает работы британского квартета середины семидесятых годов, а вокал ближе к концу начинает приобретать скорее блюзовый оттенок;

"Bitter Root" – наверное, лучшая песня всего диска: простой, но очень драйвовый гитарный рифф, также мгновенно оседающий в памяти, немного ломаная ритмика, впечатляющий вокал Матса Левена в медленной части и скоростной взрыв после неё - продуманная и сбалансированная композиция;

"April Clouds", в которой на передний план выведен уже орган, темп заметно снизился (в духе групп, играющих фьюнерал-дум), а вокал представлен на этот раз не страстной манерой предыдущих песен, а натужным дыханием и безжизненным шёпотом, что делает атмосферу музыки печальной и совершенно безысходной;

И, наконец, многочастную пятнадцатиминутную "Who What Where When", в которой объединены и почти трэшевое вступление, и разрежённый звук двух гитар (причём одна из них отрывисто играет аккорды, а другая выполняет больше шумовую роль, издавая скрежет, перемещающийся вокруг слушателя), и часть в блюзовом размере, содержащая одно из немногих соло на этом альбоме. Эта композиция оставляет ощущение некоторого сумбура и скорее соединения разнородных элементов, чем постепенного развития, но тем не менее, слушается интересно, и о возникновении скуки речь даже не идёт.

Великолепный и своеобразный альбом, который, к сожалению, не получил большой известности. Очень удачный эксперимент Лейфа Эдлинга, который может понравиться не только фанатам дум-метала, но и любителям других стилей.

Millord  18 май 2011

Пятый альбом Benighted in Sodom формально развивает идеи предыдущего творения Матрона Торна «Hybrid Parasite Evangelistica», но при этом старательно выискивает во мгле нигилизма свой путь, оглядываясь больше на наработки молодой пост-роковой смены, предпочитающей задумчивые и созерцательные звуковые пейзажи (впрочем, американские блэкари вообще редко занимаются изучением матчасти и клонированием первооснов, заложенных «северными варварами»). Посвященный любящим прогуляться по коридорам американских школ с дробовиком в руках психам, «Reverse Baptism» погружает в пучину отчаяния…причем именно «погружает» и именно «в пучину». Добивается этого Матрон просто – гитары настроены выдавать медитативные зацикленные тремоло в промышленном масштабе, тяжелый риффинг убирается совсем на задний план, выталкивая вперед рваные сольные партии, ритм пробивается агрессивными скоростными бластбитами и в остальном не всегда заметен, электронный эмбиент, блуждавший тенями на предыдущем диске, изгнан за ненадобностью. Результат необычен и заставляет вспомнить японцев «Mono» и их ранние альбомы, в которых стена неподвижного звука часто обрушивалась на слушателя, погребая под обломками. Автор Benighted in Sodom, следуя этой логике, долго накручивает себя зыбким гитарным гулом, распаляясь до того, что ненависть к жизни прорывается сквозь медикаментозный заслон потоком плотного шума и полным отчаяния надсадным криком, издавая который, Торн постарался, чтобы его слова не просто осели строчками в буклете, а были понятны всем и каждому. И все-таки «Reverse Baptism» звучит как «альбом-размышление», работа зрелого музыканта, пытающегося не просто вытолкнуть слушателя из объятий рассудка и хорошего настроения, а стремящегося скорее предупредить о чем-то мрачном, что скрыто в повседневном мире. Отсюда и необычно звучащая (в альтернативно-МТВишном стиле), но превосходно бьющая по нервам песня «Try to Forget Us», и экспериментальная дилогия «Ocean», в рамках которой автор играет со стилями, балансируя на грани чистоты и грязи и рассуждая о вечности, к которой каждый может приблизить себя при помощи лезвия, вновь «любезно» вынесенного на обложку диска зримым напоминанием о том, что все в наших руках, в том числе и смерть. Сильно, эмоционально, зло…и красиво. Заставляет проникнуться интересом и потратить время на внимательное неоднократное прослушивание. Пятый и лучший полноформатник Benighted in Sodom.

Maeror3  18 май 2011

«..Do you ever think about the otherside?..»

Нетривиальный проект Fear of God был организован вокалисткой Дон Кросби на обломках трэшевой формации Détente. Представляется затруднительным провести какие-либо параллели с творчеством коллектива не только в границах трэша, но и тяжёлой музыки в целом, — на трагично-депрессивном поприще авангардистских изысканий группы наличествуют инвазии психоделии, прогрессива и гранжа. Максимально близкими соратниками по стилевой ориентации следует считать Sacrilege периода «Turn Back Trilobite» и аналогичных по мирооощущению Moon of Sorrow и Depressive Age, но материал Fear Of God не в такой степени тягуч и тяжеловесен, как у первых и не столь эфермерно тонок, как у вторых. В первую очередь, интригует именно уникальность и нехарактерность выбранного коллективом направления, а в процессе основательного углубления в сферы «Within the Veil» («По ту сторону вуали») его музыкальное видение впечатляет своей атипичностью.

Свернув с исследованного вдоль и поперёк спид-металлического курса, команда, ведомая парой Кросби-Карлино (Майк — бывший гитарист далёких от авангардных устремлений Abattoir), обратилась к исследованию космоса «иной» личности, акцентируя внимание на различных пароксизмах душевных терзаний, депрессии; социальная же проблематика различных сфер человеческого существования, зондируемая практически каждым коллективом на ниве трагичного thrash metal, обрела ещё более насыщенный оттенок рефлексии. Сама Дон Кросби, будучи харизматичной, талантливой, скандальной, и как водится, учитывая опасное сочетание достаточно редких качеств вкупе с приверженностью к музыке, являлась обладательницей непростой судьбы. Основной вектор лирической компоненты Fear of God представляет собой отражение её фантасмагорического видения мира. Манера пения Кросби — образец угасающего остервенения и измождённой отрешённости, рождающая ассоциативный ряд с голосом прошедшей через всё преступницы или проститутки.

Атмосфера альбома — напряжённая вкрадчивость, то и дело оборачивающаяся агрессией и отстранённость, порой граничащая с депрессивно-психоделическим трансом. На «Within the Veil» главенствуют пропитанные диссонансами гитарные партии с жестокими механистическими паттернами ударных, обилие сэмплированных фраз, стоны, всхлипы, ядовитые шептания и истерические напевы вокалистки, то с жалом сарказма, то с нотками беспросветного отчаяния. За маревом шизофренических миазмов сквозит трогательная эмоциональность, но глубоко каталепсичная и ледяная. Здесь нет места психозам и вселенской скорби, — будучи жёстким и ампутирующим иллюзии релизом, «Within the Veil» не навязывает слушателю самокопание и суицидальные порывы.

Иррациональная работа, наполненная туманными образами миропонимания и местами биографичных переживаний ныне покойной Дон Кросби, творческое наследие которой так и осталась по ту сторону скрывавшей её мир вуали. Музыка высокого градуса атмосферности, представляющая значительный интерес для любителя нестандартной и попросту нетривиальной музыки не только в рамках thrash metal.

Umbrella  18 май 2011