|
|
 |
|
| Последние годы и события подтвердили, что «апокалиптический фолк» (он же «dark folk» и он же, с некоторыми допущениями, «neofolk») вот-вот прикажет долго жить – одни отцы-основатели разбрелись кто куда, застолбив места на территории рок-музыки или же начав наяривать однообразные песенки под пианино, другие сошли со сцены и молчат как партизаны уже несколько лет. Повлиял на это и экономический кризис, и кризис идей – действительно, когда на сцене сменяются один за другим люди с гитарами и скрипками, и начинают петь на один и тот же мотив, совсем как дембеля в поезде «Хабаровск-Москва» терзая свои три аккорда, слушатель невольно заскучает и отвлечется.
Новая кровь, к счастью, еще поступает в артерии жанра, и вливается она тонкими ручейками музыкантов из бурных океанов языческого металла и блэка, многим из которых идеи даркфолкеров всегда казались очень близкими и понятными. Группа, о которой идет речь, Halgadom, свою карьеру начинала на тяжелой сцене, но потом у немцев произошел сдвиг в сторону спокойной, задумчивой музыки с лирикой на родном языке, более понятной и доступной для слушателей за счет того, что не надо больше истошно орать и рычать в микрофон, посвящая очередной гимн Одину и Великой Традиции. Четверка музыкантов с немецкой аккуратностью и упорством выдает незамутненный, чистый, прозрачный folk, к которому и приставку-то «dark» приделать вроде бы некуда, хотя и ловишь постоянно себя на мысли, что истоки этой музыки лежат в работах Sol Invictus, Orplid и Empyrium, прошедших процесс дистилляции. Если нужно будет охарактеризовать альбом «Heimstatt» одним словом, то это будет слово «ровный». Как диск начинается с инструментального вступления «Heimstatt», так и заканчивается красивым и меланхоличным (вещь с настроением и атмосферой, что есть, то есть) треком «Stille» - а между ними с одинаковой долей необязательности расположились семь песен, спетых чистым, опять же, ровным голосом, неподвижно застывшим над светло-тоскливыми переборами гитар, невесомым ритмом и скрипичной тоской, сонное болото которой усугубляет мерно пульсирующий бас и не способны нарушить редкие вскрикивания с угрозами и хоровое исполнение. Вроде бы все в норме, каноны соблюдены, инструменты настроены как надо, и музыканты следят за развитием композиций, – но все равно, уже через десять минут после прослушивания вы, скорее всего, не вспомните ни одной мелодии и не сможете повторить ни одного аккорда. Точнее, сможете, но они все время будут что-то подозрительно напоминать. Ни плохо, ни хорошо – ровно. Бывшие металлисты ничего нового сделать не смогли, лишь активно используют визуальные (черепа, скульптуры, мечи и языческие символы) и музыкальные составляющие стиля, свежесть которых давно находится под вопросом.
|
|  |
|
|
|
|
|
| В маленькой Исландии такое количество музыкальных коллективов, что иной раз кажется, что их больше, чем местных жителей. Sigur Rós, múm, Björk, Amiina, Jóhann Jóhannsson и прочие, в представлении не нуждающиеся, создают очень красивую и необычную музыку, в которой присутствует что-то неуловимое, что объединяет их, создает тот самый исландский саунд: мягкий, задумчивый, грустный и веселый одновременно. Не отстает от своих более известных собратьев Kira Kira, создавая нечто оригинальное, но однозначно идентифицируемое как «исландское».
Первоначально Kira Kira, состояла из одного человека - девушки по имени Кристин Бьёрк. Музыка тогда была немного другой (интересующиеся могут послушать первый альбом, «Skotta»): чуть менее мелодичной, со значительными вкраплениями нойза. Со временем идеи Кристин привлекали последователей, нарабатывался новый материал и сейчас Kira Kira насчитывает семь человек (но это не постоянный состав, скорее клуб по интересам), а к записи готовится третий альбом.
Творчество группы представляет собой попытку показать (причем в буквальном смысле – выступления включают в себя еще и видеоряд, неразрывно связанный с музыкой) мир снов и населяющих его привидений. В первую очередь Кристин ориентируется на свои воспоминания из детства, поэтому музыка получается плавной, чарующей и немного наивной. При этом музыканты не забывают про свое излюбленное занятие – эксперименты со звуками и шумами. В ход идут не только музыкальные инструменты, но и вообще все, что способно издавать звук: детские клавиши, глокеншпиль, труба, синтезатор, гитара, пианино, lapsteel (напоминающее гусли приспособление), трещотки, деревянная коробка с галькой, музыкальные шкатулки, kalimba (африканский щипковый инструмент), жестяные игрушки, тромбон и ноутбук. Несмотря на такое многообразие инструментов и звуков на «Our Map to the Monster Olympics» нет места какофонии и хаосу, наоборот, песни мелодичны, вдобавок у Кристин приятный голос (хотя поет она не так уж и много).
Несомненно, для создания вещей, подобных «Our Map to the Monster Olympics» нужен не только талант, но также фантазия и немалое упорство, ведь уловить тот момент, когда множество самых обычных шумов, скрипов и потрескиваний выстраиваются в мелодию чрезвычайно трудно.
Особенно хочется выделить то, что делая музыку экспериментальную по сути, Kira Kira умудряются легко донести ее до слушателя. И не важно, звучит ли сейчас легкий акустический проигрыш, перезвон колокольчиков под электронный бит или меланхоличное, отдающее пост-роком музицирование, все равно окажешься очарованным волной звуков. Так что довольными должны остаться и сторонники нестандартного подхода к написанию песен и желающие просто отдохнуть и послушать что-нибудь на сон грядущий.
|
| |
|
|
|
|
|
| Снимаю шляпу перед этими мужиками хотя бы за их упорство - начав еще в 1991-ом году, свой дебютный альбом Deteriorot смогли записать и выпустить лишь десять лет спустя. Впрочем, в данном случае дата релиза не играет никакой роли – «In Ancient Beliefs» абсолютно индифферентен к эволюции дэт-метала как жанра в девяностых годах. И пусть вас не настораживает заявленный в составе клавишник - его роль в записи этого альбома сведена к минимуму: синтезаторы выходят на передний план лишь в средине «Manifested Apparitions of Unholy Spirits» (кстати, очень мощно и умеренно пафосно), в остальных композициях их желательно искать с микроскопом в руках, заранее настраиваясь на провальный результат таких поисков. Однако не стоит считать Deteriorot совсем уж дремучим «олдскулом» - это уже полностью оторвавшийся от трэш-корней тяжеленный материал, наполненный могучими, грязными и тягучими риффами, взрывающийся каскадами бластбитов, наполненный техничными соло, зачастую весьма парадоксально вплетенными в канву композиций (инспирированы они, несомненно, внимательным изучением полубезумных пассажей Трея Азагтота). В «In Ancient Beliefs» есть понемногу от целой плеяды классических дэт-метал групп: при желании, кроме Morbid Angel ,тут можно услышать отголоски творчества Carcass, бронебойный риффинг Bolt Thrower, ярость God Macabre и Carnage, вырастивших свой стиль из ростков грайндкора, потусторонняя мелодика Nocturnus, хищническая целеустремленность ранних Enthombed, осязаемый мрак Gorement. Вместе с тем, в прямом цитировании группу обвинить практически невозможно. И пусть такая метафора будет крайне сомнительной, учитывая антихристианскую направленность коллектива, но «In Ancient Beliefs» - это своеобразная дэт-металлическая Библия, 10 «Евангелий» «Нового Завета», написанных по мотивам творчества авторов «Ветхого Завета». Как и в настоящей Библии, в этих песнях воспеваются жестокость, зверство, бессмысленное кровопролитие, ужасающие жертвоприношения и мистические ритуалы, но особое внимание уделено миру призраков и той тонкой грани, которую им нужно перешагнуть, чтобы материализоваться в нашем мире. Жутковатый альбом, но очень достоверный.
Ни одна из представленных композиций не может быть безболезненно удалена с диска - все они самодостаточны, полноценны, и максимально дифференциированы в довольно узких пределах музыкальных построений, которые избрали для себя американцы. И если первые треки слушаются без особого воодушевления, то для описания последних четырех цензурных эпитетов уже не хватает. Пожалуй, вместо того, чтобы пытаться выпутаться из хитросплетений превосходных степеней сравнения, стараясь похитрее зашифровать в них названия различных половых органов, лучше просто направлю вас к этому релизу. Пусть в нем и нет ничего нового, но все старое собрано и обработано максимально бережно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Данная работа - сплит с группой Neurosis, хотя, на мой субъективный взгляд, оную всё же не следует относить к типу сплит-дисков в общепринятом смысле. Скорее, этот "продукт" - плод сотрудничества музыкантов, пути которых однажды пересеклись в рамках одной из многочисленных музыкальных сцен Большого Яблока. Сами Neurosis к тому моменту уже давным-давно завоевали себе культовый статус далеко за пределами Америки. Что уж, в таком случае, говорить о Jarboe La Selle Deveraux (таково полное имя артистки - прим. авт.)? При всём при этом, типичным для Neurosis этот диск не стоит называть, поскольку музыканты создали здесь некий достаточно гармоничный симбиоз из собственных навыков, творчества тех же Swans и ещё доброй половины сопутствующих стилей, таких как post-rock, ambient и psychodelic.
...это один из тех релизов, о внутреннем содержимом которого много говорить никак нельзя, поскольку в данном случае наилучшим из вариантов будет просто одеть наушники и погрузиться почти на час чистого времени в параллельную вселенную, заботливо созданную для нас руками музыкантов... Но всё же я попробую сделать какой-никакой анализ. Итак.
Работа однозначно концептуальна. И эта концепция (порой незримой нитью) пронизывает все составляющие диска. Взять хотя бы обложку - оная безусловно символична, поскольку пчелы (вернее, их яд) могут как сильно травмировать человека, так и излечить его от других, более серьёзных недугов. При этом, как все знают, если пчела пользуется жалом (исключительно в целях самообороны), то после этого она погибает... Вообще, темы жестокости, зла и насилия, кои сами по себе являются человеческими пороками, на этом диске явно доминируют и как никогда хорошо раскрывают сущность отдельно взятого индивида и человечества в целом.
Практически то же самое касается и музыкального содержимого. Выше я уже упоминал в общих чертах направленность работы, но лучше (и правильнее) сказать так: это до безумия давящие на сознание сладжевые тянущиеся мотивы, пробуждающие своими рваными нотами в нашем мозгу все человеческие страхи или говоря ещё проще - это страдание, воплощенное в музыкальной форме.
И, безусловно, одна из главных и ведущих ролей здесь отведена вокалу Jarboe: с её болезненным и одновременно женственным голосом, варьирующимся от нежного и тихого пения до истерических воплей полных ненависти, певица целиком и полностью может погрузить слушателя в черные бездны подсознания, где теряется всякое понятие логики и рассудка. И потому я считаю, что с поставленной задачей она справилась на "отлично"...
Лирика. В общепринятом смысле этого понятия то, о чем здесь поёт Jarboe, вовсе не может называться песнями. Нет, скорее это надрывные до боли истории о садистских изнасилованиях, людской ненависти, одиночестве, душевных муках и горьком отчаянии... На самом деле, всё это легко объясняется, если учитывать крайне тяжелое детство певицы и не менее тяжелую юность, когда она решила претворить в жизнь лозунг "Sex, drugs & rock'n'roll" и только Michael Gira, разглядевший в ней талант, спас её от неминуемой гибели на улицах...
А теперь давайте подведём итоги всему вышесказанному. Я смело могу поставить диску высшую оценку, но при всём при этом так же утверждаю, что мнения об этой работе могут быть крайне разнополярными: либо альбом, фигурально выражаясь, "покатит", либо нет. Третьего не дано.
|
| |
|
|
|
|
|
| Классика не стареет! И кто бы чего ни говорил, ни писал, группа Джона Бон Джови к классике хард-рока в полной мере относится! И альбом "These Days" - прямое тому подтверждение.
На мой взгляд, диск очень качественный, записан, как говорится, "на профессионализме". Да, много коммерческих баллад. Но каких!? Такие песни как "Diamond Ring" способны, наверное, затронуть сердце каждого! Чувствуется, что ребята очень хорошо поработали над этим альбомом. Если сравнивать с другими, чувствуется дух предыдущей работы "Crossroad", где очень грамотно были соединены лучшие суперхиты с новыми работами и продолжение "Keep The Faith", на мой взгляд - одного из лучших альбомов Bon Jovi 90-х. "Одного из", так как вторым таковым является именно "These Days", который четко отображает то, чем была группа в 90-х, да и куда далеко ходить, чем она осталась сейчас. Что тут много писать, большинство песен с этого диска давно уже стали суперхитами! Начинается альбом энергетически-многообещающе - амбициозным "боевичком" "Hey God", плавно "переходя" в фирменную "бонджовийскую" вещь "Something for the Pain", а потом в любимую мою песню из этого альбома - одноименную "These Days". Следует отметить, что все это "блюдо" разбавлено такими "элитными" напитками-баладами как "This Ain't a Love Song", "Lie to Me", "My Guitar Lies Bleeding in My Arms", "(It's Hard) Letting You Go", "Hearts Breaking Even" и уже упомянутым шедевром "Diamond Ring"! Иными словами Джон, Ричи, Десмонд сотоварищи создали очередной альбом-шедевр, пройти мимо которого для любого поклонника рок-музыки просто непозволительно!
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбомы, похожие на этот, ныне выходят не часто. Думаю, The Faceless - одна из лучших групп современной тех дэт-метал сцены. За горами современных тех дэт-групп “Безликие” имеют свою интересную, узнаваемую фишку, огромный композиторский талант. У вокалиста мощный гроул, подчёркивающий и дополняющий энергетику альбома, иногда срывающийся в харш, правда, тут есть пара не значительных минусов. Во-первых, харш записан довольно тихо, а во-вторых, звучит он несколько «поверхностно», неглубоко. Ну да ладно. Хочу отметить качественную игру Майкла Кини. На альбоме он радует слушателя вкуснейшими риффами и мелодичными соляками, пару раз поёт чистым вокалом в припеве. Отлично дополняет работу Майкла своим интересным ритмом второй гитарист Стив Джонс. К сожалению, игру басиста Брэндона задвинули на задний план, и бас почти не слышно, но, тем не менее, в паре моментов он проскальзывает. Очень хороша игра ударника Лайла Купера: дэтовая долбёжка приходится в меру и к месту, присутствуют интересные сбивки и ритмы. Гитарная партия «Planetary Duality I: Hideous Revelation» очень напомнила Meshuggah, но это не делает песню хуже. Отдельно какую-то песню выделить не могу, так как все проработаны и сыграны на славу. В общем, альбом обязателен к прослушиванию, даже если вы не любитель такого стиля, он вас равнодушным не оставит. Очень рад, что есть музыканты, которые занимаются не только спортом (Brain Drill, например), но и думают о музыке, рождают интересные мелодии. Ставить меньше десятки было бы преступлением. Браво, господа, браво!
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом хороший, иными словами, "в духе того времени". Первый из "Уайтснейковских", который я начал активно, так сказать, слушать - целиком. Почти все песни - СУПЕР, но в том-то и дело, что "почти". Вырисовывается фирменное звучание группы, по которому их песни сейчас наиболее узнаваемы. Следует вспомнить, что диск впервые выходил в двух версиях ("европейской" и для аудитории США).
Отмечу "Slide It In", xитовую "Slow An' Easy", прекрасную классическую балладу 80-х "Love Ain't No Stranger", а лучшая, на мой взгляд, песня - последняя на диске, "Guilty of Love". Хотя давать наивысшую оценку этому творению не спешил бы. Альбом далеко не совершенен, но уже наблюдаются хорошие тенденции по улучшению качества "уайтснейковской" музыки. Короче говоря - "семерка", другими словами "очень хороший альбом, но чего-то не хватает" - точнее и не придумаешь!
Стоит добавить, что это "что-то" уже появилось в последующих работах легендарного Кавердейла.
|
| |
|
|
|
|
|
| Более двадцати лет в строю это не хухры-мухры. И более двадцати лет - только затхлые подземелья андерграунда, никаких поползновений в мейнстрим, никакого стремления к признанию, никакого кокетства. Таковы Inquisition. За что им честь и хвала. Под самый занавес первой декады третьего тысячелетия этот одержимый дуэт взволновал поклонников выходом пятого полноформатного альбома с предсказуемо заковыристым названием и с ожидаемо прямолинейной, обскурной начинкой. Похоже, что время действительно не властно над колумбийцами - пустив по боку все современные веяния и заморочки, Дагон и Инкубус упоенно херачат вязкий дедовский олдскул с отчетливым козлиным духом. Явственно ощущается, что весь представленный козырный материалищще инспирирован не столько жгучей ненавистью и слепой озлобленностью (хотя, безусловно, хмурой отмороженности от людского и мирского здесь хоть отбавляй), сколько упоением от музыки древних кумиров да десятилетиями ночных нечестивых бдений и безостановочного взгляда в запредел. Музыкантам в кайф сочинять, в кайф репетировать, в кайф записываться, в кайф слушать свои же опусы, и этот задор гарантировано передается и слушателям. Поневоле начинаешь сопереживать сумрачным и угрюмым виражам творческой мысли музыкантов, а посему релиз цепляет. Цепляет здорово. Композиции не сказать, чтобы прям уж жгучи и незабываемы, но довольно увлекательны и заставляют вслушиваться в свой хмурый минор и в рельефные сюжетные повороты. Это несколько прямолинейный, но с определенной изюминкой, размеренный черный металл с легко узнаваемым, сугубо "инквизиторским" почерком. Барабаны на этот раз несколько более активны, чем ранее, но, даже несмотря на их настойчивость и подчас стремительность, в целом пластинка воспринимается скорее размеренной и вменяемой благодаря вязкой гитарной работе. Грубые и скупые на эмоции мазки гитарных риффов с едва проблескивающей мелодикой пропитывают грубый холст ритм секции черно-бурой гаммой ритуальной архаики. Грубую и угловатую композицию потусторонних пейзажей и натюрмортов триумфально венчает и детализирует харизматичное ребристое горловое (полу)пение Дагона. В масть и звучание - явно олдовый подход без автоматики и прочих новомодных финтифлюшек придает классную взъерошенность и расхристанность материалу. Все здесь по делу, все без суеты и без ненужных телодвижений. Лишь лишенная наносного и сиюминутного выжатая суть. Мрачный, грубый и мощный черный металл старой закалки. Рекомендуется без исключения всем. И в то же время никому.
|
| |
|
|
|
|
|
| Лично мне не совсем ясно, почему столь серьёзный релиз прошёл ещё незамеченным на просторах Darkside. Тем не менее, хотелось бы отметить, что по моему субъективному мнению, группа давно заслужила место в высшем эшелоне современного black-метала! После великолепного "Kolossus" группа продолжила развивать выбранную линию и выпустила просто великолепный альбом. Скептические ухмылки в сторону того, что "Калессины" участвуют в отборочных конкурсах на Евровидение или выступают с А.Рыбаком можно опустить, ибо отношения к тому, что мы слышим на альбоме, это не имеет никакого. А что мы слышим? Великолепно исполненный black-метал. При этом высшей пробы. Безукоризненная техника и звук, величественные гармонии, мистическая атмосфера, вокал просто монументален и достаточно эмоционален. В музыке команды нет места глупому позёрству и играм в true&evil, есть напор и эпичность, и при этом музыканты умудряются синтезировать всё это настолько грамотно и гармонично, что забываешь про то, что в колонках играет black-метал, рушатся рамки стилистики! Даже так называемая «коммерческая» (хотя black вообще трудно назвать коммерческим стилем) «The Dragontower» совершенно не ломает общую концепцию и восприятие альбома. Да какая, к чёрту, коммерция!? На альбоме Вы толком не услышите ни одного клавишного пассажа (по крайне мере, я не помню). Лишь очень редко они проскальзывают в некоторых аранжировках, но не заостряют на себе внимания вообще. Группа создаёт величественную и холодную атмосферу настолько органично и профессионально, что начинаешь жалеть время, потраченное на переслушивание непонятного шлака, желая найти искренность, профессионализм и эпичность в одном «лице». Один из лучших альбомов года в своём жанре, наряду с Ihsahn «After» и Solefald «Norron Livskunst». Только без претензий на прогрессив и авангард, конечно.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Eye of the Beholder" стал первым синглом с монументального альбома калифорнийской четвёрки "...And Jsutice for All". Ну, это потом он, конечно, стал монументальным, а тогда, в первый год своего существования вызывал весьма неоднозначную реакцию как у фэнов, так и у критиков (особенно, у критиков).
Композицию под названием "Eye of the Beholder" ("Глаза Смотрящего") никак нельзя назвать хит-синглом или внести в число популярных песен Metallica. Вышла на отдельном сингле она благодаря тому, что участники квартета (или их менеджмент) посчитали, что эта песня "должна хорошо зазвучать на радио". В итоге, среднетемповый трэш-металлический номер о "свободе и слова, и мысли" не задержался в сетках радиовещания, и добрался до 27-го места в британских хит-парадах. Композиция была исполнена 114 раз за время турне "Justice Damaging '88-'89", а ближе к концу оного была вовсе исключена из сет-листа группы. Впредь участники Metallica к ней больше не возвращались (за исключением известного "Justice Medley" и редких джемов). По слухам, Ларс недолюбливает эту вещь, впрочем, не вижу причин, за что. Если брать во внимание ударную партию, то она одна из самых простых на альбоме, к тому же, зная привычку Ульриха упрощать свои партии на концертах...
В общем, в рамках альбома "...And Justice For All" - довольно средняя вещь, но благодаря своей непопулярности она вызывает сейчас больший интерес.
По традиции, на вторую сторону миньона был помещён кавер. Снова взыграла любовь группы к командам NWOBHM и они записали композицию "Breadfan" группы Budgie, которая вышла у британцев на альбоме "Never Turn You a Back Friend" 73-го года. Это уже вторая песня Budgie, которую записывают металликовцы. Первой была "Crash Course in Brain Surgery", которая выходила годом ранее на знаменитом EP "Garage Days Re-Revisited $5.98".
Что ж, надо отдать должное. Metallica переиграла "Breadfan" очень достойно. Я бы даже сказал, ничуть не хуже оригинала. Во многом благодаря новаторскому мышлению металликовцев, которые добавили в свою версию новое гитарное соло и замечательную интерлюдию, в оригинале сопровождаемую акустической гитарой и мелодичным распеванием Бёрка Шелли, заменили на инструментал, ведомый лиричной гитарой Кирка Хэмметта. Ну, и конечно же, абсурдистское "Mummy, where`s Fluffy?" в конце трека.
Надо сказать, в концертном варианте песня изрядно проигрывает студийной версии, например, отсутствием интерлюдии, но это не мешает ей по сей день исполняться группой на концертах и заводить толпу.
|
| |
|
|
|
|
|
| Так получилось, что первым альбомом группы Nasum, который я услышал, был "Helvete". То есть, следующий за этой записью, которая вышла 18 апреля 2000 года. Одна из причин того, почему я приобрел эту запись - от альбома "Helvete" я пребывал в диком восторге. Тем сильнее было мое разочарование от прослушивания его предшественника. Не надо мне сейчас с пеной у рта объяснять, что: "Это грайнд, чувак - ты не врубаешься!" или "Иди послушай Мадонну, у нее все понятно!". Я, так сказать, "в теме". Но прослушивание этого альбома не доставило мне особой радости по ряду причин. На первый взгляд, особого отличия в этих двух альбомах группы нет, но вот что я скажу. Действительно цепляющими и зубодробительными треками на этом альбоме являются: "A Welcome Breeze of Stinking Air", "Shadows", "Corrosion", "Multinational Murderer's Network", "Sixteen", "Alarm", "Resistance", "The Professional League", "Words to Die For", "Sometimes Dead Is Better". Все эти треки объединяет одно - продолжительность за 2 минуты или около того. То есть, те композиции, которые длятся более продолжительное время и имеют какую-никакую, но структуру. Вот тогда музыка Nasum расцветает всем своим буйством красок. Но эти минутные шквалы портят все впечатление от них. На альбоме "Helvete" практически такая же структура, но там эти короткие взрывы агрессии настолько органично вплетены в канву всего того, не менее безумного действа, что диву даешься. На "Human 2.0" же этого и в помине нет. Складывается ощущение, что эти минутные огрызки были наспех втиснуты в альбом. В любом случае, композицию "You Suffer" Napalm Death им не переплюнуть в своей бескомпромисности и быстроте (и лаконичности).
Даже для такого специфического жанра как grind core эта запись не самая удачная. Не так она меня зацепила, как более позднее творчество этого шведского коллектива. Жаль, а что поделаешь? Послушайте и, возможно, вы со мной не согласитесь. Я спорить не буду. Сколько людей, столько и мнений.
|
| |
|
|
|
|
|
| До того ажиотажа, который производят в металлической среде своими релизами Dimmu Borgir или Cradle of Filth, Sonic Syndicate, конечно же, далеко, масштаб фигур не сопоставим, но определённый резонанс «We Rule the Night» всё-таки вызвал. При этом, уяснить причину его возникновения едва ли проще, чем доказать теорему Ферма. Если понять возмущение апологетов «истинного металла» применительно к тем же «Бургерам», начавших со вполне себе труёвого блэка, и лишь затем скатившихся в губительную пучину пафоса и симфонизма, ещё как-то можно, то определить, чем не угодил толпе шведский звуковой синдикат, решительно невозможно. На роль знаменосцев труЪ-движения ребята никогда не претендовали, благо желающих и так пруд пруди. Более того, коллектив изначально позиционировался как сугубо коммерческий, продюсерский проект, основная цель которого – изготовление и последующая продажа музыки для тинэйджеров, считающих, что слушать Джастина Тимберлейка и Леди Гага не есть круто, но, одновременно, достаточно мягкой и толерантной, чтобы родители, снабжающие этих тинэйджеров карманными деньгами, особо не протестовали. Любые рассуждения на тему того, насколько плох или хорош такой подход – не более чем пресловутые разговоры в пользу бедных.
Участники Sonic Syndicate совершенно справедливо не заморачивались подобными дилеммами, предпочитая продолжать спокойно и профессионально делать свою работу. Они последовательно демонстрировали свою полную и безоговорочную приверженность генеральной линии, так что, единственный верный в данной ситуации вывод заключается в том, что если кто-то и ожидал услышать на их четвёртом полноформатнике сырой кровожадный брутал-дэт, то это не более чем его личная проблема восприятия окружающей действительности. Музыканты исполнили ровно то, что и были должны, модерновый мелодик-дэт-метал, и сделали это, как всегда, на высочайшем уровне (а у кого-то были сомнения?). Правда вот, содержание дэта, как и вообще метала (и прежде-то не особо высокое), на сей раз сократилось до совсем уж эфемерных величин. Но это, как говорится, уже совсем другая история, и, попросту говоря, частности, не способные испортить общего, исключительно благоприятного впечатления.
Так что слушайте качественную музыку от профессионалов своего дела, а спорить о «честности» предоставьте дуракам.
|
| |
|
|
|
|
|
| С первых же секунд открывающего трека "The Final Silence" звериный рык Джонни Хэдлунда, будто бы находящегося в агонии, наводит на мысль, что баллад на этом альбоме не будет. Так оно и есть. К счастью.
После довольно впечатляющего дебютника "Where No Life Dwells" по праву считающегося основополагающим альбомом шведского дэт-метала, команде Хэдлунда нужно было не уронить поднятого флага и на втором полноформатнике выдать материал хотя бы не хуже своего первенца. С этим, надо сказать, скандинав справился на все 100%. Не думаю, что кто-то будет спорить, что этот альбом стал настоящим эталоном для шведского дэт-метала, ибо все составляющие налицо: громкие, даже можно сказать страшные риффы и вызывающие мурашки по спине соло, вкупе с утробным, но все-таки читаемым вокалом. "Shadows in the Deep" наполнен запоминающейся атмосферой, которая окутывает вас, как туман. "Countess Bathory" - идеальный пример этой всепоглощающей сырости тумана, когда до рассвета еще так далеко, и нескончаемая ненависть ("Never Ending Hate") начинает разъедать изнутри. Стремительная "The Immortals", практически дум/дэтовая "Shadows in the Deep", старшая сестра "Before the Creation of Time" - "Onward into Countless Battles" - все это жемчужины альбома, который по праву может считаться лучшей работой Unleashed. Это не означает, что оставшиеся альбомы группы хуже. Нет, они просто были уже другие, записанные после "Shadows in the Deep", и на них всегда будет падать тень этого альбома-монолита. Один из лучших образчиков не только шведского («стокгольмского») дэт-метала, но и дэт-метала как такового. Переиздание 2007 года снабжено буклетом-раскладкой в виде постера-обложки альбома и несколькими ранними фотографиями группы.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как-то неожиданно реанимировались шведы The Crown. Практически незамеченным прошел и их новый альбом "Doomsday King". Долго я листал буклет к нему и все никак не мог найти знакомую физиономию Johan Lindstrand'а. "Что за дела?" - думал я. Вроде и имя его в составе значится, а с микрофоном запечатлен не он. Только после усиленного шевеления мозгами я понял, что пострадал из-за своей невнимательности. Вокалист-то тоже Johan, да вот только не Lindstrand, а Stalhammar. Значимость реюниона тут же упала в моих глазах, ибо Johan Lindstrand был довольно незаурядным вокалистом и, можно так выразиться, гвоздем группы. Вообще, распад The Crown в 2004 году на пике формы я принял за злую шутку, но потом, когда была сформирована One Man Army and the Undead Quartet, понял, что все далеко не так радужно, как я успел надумать. Ну да ладно...
Что же новый альбом? А ничего такого сверхъестественного. Качественный, хорошо записанный, в меру мелодичный, в меру скоростной, в меру дэт-метал. Тезка-вокалист хорош, но ничем особо не отличается от сонма коллег по профессии, количество коих не поддается подсчету. Благо, костяк группы, отвечающий за музыкальную составляющую, остался неизменным, и это-то и вытягивает альбом до нужного качественного уровня. На первых секундах титульная «Doomsday King» своим колокольным звоном напоминает классическую "Slowly We Rot” Obituary, но по истечении 30 секунд с «флоридскими» аналогиями прощаемся, и начинается «Швеция» - все мелодично, все "по-шведски". Самым лучшим треком и самым запоминающимся, прежде всего, отличной игрой Janne Saarenpaa, я бы назвал «The Tempter and the Bible Black» и… все. Ну, при некотором расстройстве памяти, на ум может прийти «He Who Rises in Might - From Darkness to Light». 16-страничный буклет, оформленный в темно-сине-коричневой гамме, приятно порадовал наличием на каждом развороте фотографий. В остальном же, этот альбом - 45 минут неоднократно пройденного материала, причем как самой группой, так и ее последователями. Но против качества не попрешь. Да и к чему привередничать. Оценка 6 баллов для таких вот альбомов и придумана - нормальная, грамотная работа. И ничего более… Увы.
|
| |
|
|
|
|
|
| 14 августа 1989 года вышел альбом Morbid Angel "Altars of Madness" - альбом-веха, альбом, ставший не просто классикой жанра и одной из отправных точек в развитии тяжелой музыки. Этот диск еще раз доказал, что для записи гениального альбома не нужен "крутой" продюсер, дорогущая студия и сотни полировщиц с фабрики "РотФронт". И то, что классикой жанра необязательно должен быть альбом, совершенный во всех отношениях и со всех сторон. Да что там... Запись эта - далеко не идеал, но она действительно цепляет, дает все то, ради чего мы слушаем подобную музыку... Чего-то я слишком пафосно начал, не правда ли?
"Altars of Madness", как ни крути, альбом эпохальный. Начиная с культовой обложки и логотипа, придуманного Pete Sandoval’ом, и заканчивая эталонным сырым звучанием, отдающим заброшенным склепом. Trey Azagthoth, Pete Sandoval, David Vincent, Richard Brunelle - этот адский квартет взял и записал дебютник, сразу взлетевший в историю тяжелой музыки. Что же такого особенного в этом альбоме? Знаете, все. Да, он не совершенный, но это несовершенство его только красит. «Immortal Rites“, “Blasphemy“, “Maze of Torment” - в этих классических дэт-боевиках больше ярости, силы и огня, чем в подавляющем большинстве дэт-метал записей последнего десятилетия. Если вы, слушая ту или иную группу, ловите себя на мысли, что где-то это уже слышали, то скорее всего, именно здесь, на этом альбоме, так как его влияние заметно и по сей день. Ничего нового я не сказал и не скажу, но это тот случай, когда и говорить-то не надо - надо слушать. Этот альбом должен быть у любого уважающего себя поклонника тяжелой музыки, ну или хотя бы он должен быть с ним знаком. Все чаще рука тянется к нему, туда, на полочку, где он помещен между альбомами «Cause of Death» и «Eaten Back to Life», такими же эталонными альбомами конца 80-х -начала 90-х, такими же неоднозначными, противоречивыми и спорными для одних и непререкаемыми для других.
Если вам "Altars of Madness" не понравится, что ж... миллионы поклонников дэт-метала особенно не будут горевать.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пока чертовски «быстрая» "Почта России" доставляет мне последний на данный момент альбом Death Angel "Relentless Retribution", решил в очередной раз послушать "Killing Season", и надо сказать, чем большее количество раз я ставлю его в проигрыватель, тем больше мне этот альбом нравится.
Собственно говоря, Death Angel - эта филиппино-американская трэш-метал группа из города Конкорд, что в Калифорнии, имеет в своем активе довольно впечатляющие альбомы (дебютный "The Ultra-Violence", классический "Act III", да и реюниюн-альбом "The Art of Dying" тоже был довольно качественный) и по праву считается одной из лучших представителей Bay Area-сцены. Но в связи с распадом в начале 90-х группу успели подзабыть, и за последние 5-6 лет Death Angel сделали довольно впечатляющий скачок из забвения во второй эшелон трэш-метала.
"Killing Season", вышедший 26 февраля 2008 года, не обманул ожидания поклонников, и группа действительно выдала скоростной, агрессивный, лаконичный и качественный материал, который, я думаю, сразу же нашел своих слушателей. Все тот же скандирующий вокал Марка Осегуеды, который, если бы было желание, мог восстание поднять и разрушать все на своем пути, с таким-то голосом. Переклички гитаристов тоже не дадут заскучать. Конечно, Роб и Тэд - не Сатриани и Вай, но со своим делом они справляются на пять баллов; дают, так сказать, копоти. Еще можно выделить само звучание коллектива - от этой записи не веет нафталином. Современный саунд, конечно, с реверансом к звучанию их прошлых работ конца 80-х, но и без чрезмерной ностальгии. Nick Raskulinecz проделал отличную продюсерскую работу и альбом звучит современно, но без фанатизма. Этакий модерн-трэш. И это не упрек, а комплимент. Сам "убийственный" материал разбавлен довольно приятными акустическими фрагментами ("Lord of Hate", "Dethroned", When Worlds Collide", "Resurrection Mashine"), дающими передохнуть от бешеной энергетики основного костяка композиций. Главный номер альбома - "Dethroned", на который было снято довольно неплохое видео, безусловно, стоит того, чтобы быть услышанным. А такие скоростные трэш-боевики как "Sonic Beatdown", "God vs. God", "Carnival Justice" вызовут желание чего-нибудь (или кого-нибудь) разбить, смять, раскрошить и сломать.
Отличный качественный трэш-метал-альбом от самобытной группы с Западного побережья. Рекомендую для утреннего пробуждения и придания бодрости на весь оставшийся день.
|
| |
|
|
|
|
|
| Новый сольный альбом прославленного вокалиста Dream Theather - это напичканный хитами тяжелый и мелодичный прогрессивный метал с оттенками шведского гетеборгского дэта, модерн-металла и альтернативы. На вступительной композиции "One More Time" появляется вокал а-ля Soilwork или Dark Tranquillity, который периодически возникает в куплетах многих других треков альбома, добавляя мощи и напористости всему диску. Выделю такие хиты как "Just Watch Me", "Euphoriс", "I Tried". Видно, что Джеймс шагает в ногу со временем и не стыдится экспериментировать, создавая прогрессивные винегреты типа "Статического Импульса", которые довольно вкусно получаются. Гитары плотны, ритмичны и мелодичны, клавишник Гиллори уверенно выполняет свою прогрессивную задачу. Команда у Ля Бри высшего класса, и записано все, конечно, безукоризненно. При прослушивании альбома я получил гораздо большее удовольствие, чем от последнего альбома "Театра", - сольник Джеймса зацепил сразу же, своей тяжестью, напором, хитовыми ритмичными мелодиями и фирменными припевами Ля Бри. Ничего, в принципе, мега-сложного и шедеврального он не создал, главные достоинства я уже описал, и тем не менее, свежесть музыки чувствуется. Так как в данном стиле наблюдается определенная стагнация, и многие прогрессивщики не оправдывают ожиданий, данный релиз явно можно окрестить альбомом года в своем стиле, такова объективная реальность. Джеймс оправдал ожидания и даже удивил.
|
| |
|
|
|
|
|
| Серьёзный коммерческий прорыв знаменует одно из двух: либо группа прыгнула выше головы (если играет не первый год) и сумела записать, как минимум, крепкую, серьёзную работу, либо она, напротив, забила на все свои заморочки и стала делать музыку для масс. Хотя есть масса оговорок. Полноформатник Oomph! как раз идёт с оговорками - его нельзя считать в полной мере коммерческим прорывом, ведь он случился ранее, с появлением в ротации "Augen Auf!", но то, что он закрепил успех предыдущего альбома - несомненно. Поставили на конвейер выпуск клипов: на "Glaube Liebe Tod" их четыре, плюс два с синглов. "Умф" стали регулярно светиться на ТВ, в общем, статус звёзд стал действительно глобальным. И всё бы хорошо, если бы не странный факт: "Glaube Liebe Tod" - самый слабый альбом группы, не считая сыроватого дебютника, и мнение это достаточно распространённое.
В чём проблема? По музыке это всё тот же старый добрый "Умф" - NDH, индустриальный рок, сдобренный электроникой. Но сделано в тот раз было словно через не хочу. На альбоме мало хитов ("Gott ist ein Popstar", "Menschsein", пожалуй, единственные песни, которые держат высокую планку), некоторые могли бы стать ими, если бы аранжировки были пересмотрены ("Dreh dich nicht um" здесь представляет образец подобного запоротого хита, когда удачное танцевальное начало уничтожено убогим, примитивным припевом). Половина же песен просто безлика. И сдаётся мне, не последнюю роль в этом сыграло уменьшение электроники, без которой Oomph! чувствуют себя не в своей тарелке.
Но нет худа без добра. Если на этом альбоме инструментальная часть хромает, то вокал, напротив, хорош. Партии стали более разнообразными, запоминающимися. В музыке ребята экспериментировали не так сильно, можно выделить лишь приближенный к стилистике танго "Die Schlinge" и совершенно нетипичный для них трек "Eine Frau spricht im Schlaf", который, впрочем, вышел на любителя.
В общем, Oomph! выпустили сероватую пластинку, но достаточно крепкую, чтобы не стать провальной. Однако именно она убедила поклонников коллектива, что ожидать новых, нестандартных для своего жанра работ уже не стоит.
|
| |
|
|
|
|
|
| Инструментальные пост-роковые американцы наконец-то записали свой новый альбом. Если сравнивать его с дебютом, то сразу можно отметить, что композиций на альбоме стало гораздо больше, и музыканты пошли еще дальше в мелодическом и эмоциональном плане. Это все тот же качественно записанный и насыщенный гитарными эффектами и приемами меланхоличный инструментальный пост-рок, который вобрал в себя целый ворох цепляющих и красивых мелодий. Группа снова работает без клавиш, три гитариста (не считая басиста и ударника) по-прежнему создают неповторимую, уникальную монолитную атмосферу, которая никуда не делась после дебюта, а наоборот, укрепилась. Мелодичный и хрустальный гитарный саунд снова разбавляется жесткими гитарными вставками, которые обостряют атмосферу до максимума, а главное, плавно и умело. Работа ударника также выше всяких похвал. Тут снова нет проходных вещей, но все же выделю "Below the Sky" и "Thirty-Six Silos" - просто шедевры стиля. Те, кто ждет каких-то шедевров от таких групп как Anathema, или новых инструментальных творений от Opeth, как альтернативу могут попробовать прослушать данный опус, не пожалеют, это уж точно. После дебюта, на котором была установлена очень высокая планка, к новому альбому, понятное дело, уже были завышенные требования и большие ожидания, которые мастера из Огайо оправдали с лихвой. Данный альбом сразу становится классикой жанра, вознося флаг стиля до небывалых высот.
|
| |
|
|
|
|
|
| Cyber industrial metal? Ну… допустим. Жирные такие риффы, скоростная, довольно-таки разнообразная ритм-секция, много «чистого» вокала. А вот электроники не слишком много, по крайней мере, меньше, чем можно было ожидать, учитывая заявленную «космическую» тему. Звук, запись – как в лучших домах. Сравнивать эту вещь с лучшими образцами modern и alternative metal, конечно, можно, но…
Я являюсь сторонником той точки зрения, согласно которой альбомы отечественных команд следует оценивать на порядок строже, чем их зарубежных коллег. Поэтому всегда скептически относился к Digimortal. Новое их творение не смогло меня разубедить. Хотя следует признать – это очень качественная музыка. И первое впечатление было весьма приятным – мощно, цепляет, есть парочка припевов, которым хочется подпевать, хорошие гитарные соло. Этого впечатления хватает ровно на половину альбома, потом нарастает чувство… нет, не разочарования... обыкновенности, вот. Нельзя сказать «серость», не буду обижать музыкантов, они старались и заслуживают уважения. Судя по лирике, которую местами можно назвать душевной, с творческим потенциалом у ребят всё в порядке. В отличие от меня, кстати. Потому что я не могу сформулировать, в чем же заключается «ложка дегтя»! Альбом хороший. Хороший, но обыкновенный.
|
| |
|
|
|
|
|
| Американская группа из городка Акрон, штат Огайо, играющая инструментальный пост-рок, наполненный светлым меланхоличным настроением, 3 декабря 2006 года записала свой первый опус с одноимённым названием. Группа состоит аж из 3-х гитаристов, басиста и ударника. Вся потрясающая минорная атмосфера альбома передается с помощью целой массы изящно сыгранных гитарных мелодий и эффектов, которые и создают всю атмосферу, клавиши ребята не используют. Минорные гитарные проигрыши и пассажи мастерски сменяются жесткими гитарными отрезками, в которых гитара имеет очень рваный звук. Отмечу особую, оригинальную атмосферу альбома и музыки в целом, которая свойственна только этой группе. Не скажешь, что мелодии сложные, и что музыканты виртуозы, но они так умело используют возможности гитар, - целая масса гитарных эффектов (в группе все-таки не зря 3 гитариста), которые не сливаются в кашу, а создают вкусный пирог, где каждый эффект на своем месте. Как итог, мы имеем качественно сыгранный инструментально-минорный пост-рок с просто потрясающей атмосферой. Штат Огайо давно известен как прекрасный источник инструментальной музыки, и If These Trees Could Talk с удовольствием присоединяются теперь к числу своих братьев по музыке из штата Огайо, таких как Six Parts Seven, Silencio, Mortimur и множество других. Использование различных эффектов и приёмов делает их звучание уникальным и неповторимым. Особенно выделю композицию "The Friscalating Dusklight", она просто великолепна, но при этом на альбоме нет ни одной проходной вещи, все звучит как единое целое. Со временем это творение станет классикой жанра. Высший балл.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как там у известного автора было в «Бойцовском клубе»: «Самосовершенствование — онанизм, саморазрушение — вот то, что нам нужно». Примерно по такому принципу Питер Стил, вокалист и басист Type O Negative, и жил некоторое время своей жизни. Наркотики, алкоголь, секс – рок-н-ролл! Интересно, что многие люди в подобных развлечениях нашли бы радость или по крайней мере удовольствие, но Питер искал лишь спасение. Спасение от ненависти к себе и попытка найти радость в жизни. Однако, не помогало.
Этот альбом стал концентрацией всего мрачного, скорбного и разрушающего, что было в Type O Negative и самой натуре Питера. Ничего похожего у них не было до и не будет после.
Открывает альбом мрачнейшая "White Slavery". Низкий, отрешенный вокал Питера, гудящие думовые риффы, заунывное, холодное соло в середине, – под эту песню сложно представить себя в другом месте, кроме как на полу ванной в передозном полумраке. Ее линию продолжают "Everyone I Love Is Dead" и "Who Will Save the Sane?" (единственная вещь с альбома, которая мне так и не полюбилась). В таком порядке они не зря – по степени уменьшения мрачности. Интересно, что песни на альбоме перемежаются короткими интро, названия которых ясно повествуют нам о том, какие органы страдают от злоупотребления наркотой, а сами интро, собственно, и рассказывают историю о передозировке кокаином и смерти персонажа.
И вот, после интерлюдии с говорящим названием "Печень" в дело вступает главный номер этого диска – одноименный, одиннадцатиминутный…я даже не знаю как назвать... эпический звуковой ряд, что ли. Саундтрек к концу света, если хотите. Если бы Всадники Апокалипсиса пришли на эту планету – эта песня точно была бы у них в плеере. Поистине апокалиптическая вещь, которую я без зазрения совести лично для себя называю лучшей песней, когда-либо написанной этой группой. Сочетание несокрушимой мощи, давящего мрака и невероятного грува просто размазывает по стенке. Из единого ряда выпадает разве что "Creepy Green Light" – ее настроение, скорее, будет ближе к предыдущему альбому бруклинцев "October Rust", но при этом это одна из самых сильных вещей на альбоме. Хочется описать ее лишь двумя словами – готично и торжественно. Без иронии. Странно, что песня не слишком популярна, даже среди фанатов Four Dicks from Brooklyn. А вот идущая за ней "Everything Dies", написанная в характерном ключе группы (с резкой сменой настроений - от светлой грусти до давящей скорби), стала, пожалуй, одним из главных хитов Type O всех времен.
Последнее интро («Легкое») переводит нас в финальную часть альбома. "Pyretta Blaze" и "All Hallows Eve" тоже не стали мега-хитами, однако любовь и одобрение фанатов заслужили. Завершается сие действие треком-попурри на незабвенных The Beatles, большим поклонником которых Пит был всю свою жизнь. "Day Tripper", "If I Needed Someone" и "I Want You (She's So Heavy)" звучат в думовой обработке очень даже недурно и ставят жирную точку в данном звуковом полотне.
«К черту совершенство. Не надо его добиваться. Надо развиваться. Пусть фишки ложатся как ложатся». Звук. Некоторые могут обругать альбом за его звучание – шершавое, с крупнозернистым звуком гитар и ударными, выбивающимися на общем фоне. Ощущение, что ты скорее слушаешь отлично сведенный лайв, нежели студийный альбом. Но по-другому он бы просто не звучал. Ни в коем случае.
«Все что ты любишь, все чем дорожишь – будет выброшено на помойку истории». А вот это уже не относится к творчеству Питера Стила. Его наследие будет жить очень долго. Таких людей не забывают. Мир музыки еще не скоро поймет, какого музыканта он потерял.
|
| |
|
|
|
|
|
| Помнится, как-то в одной из своих рецензий на более позднее творчество этого норвежского коллектива, уважаемый господин old man, касаясь исполняемого группой стиля музыки, употребил интересный слоган: "бензопильный black metal". Во-первых, с данным утверждением я не могу не согласиться, и во-вторых, данный термин применим к stuff-у этих парней, начиная именно с этого (второго по счету) демо. Что же следует понимать под этим термином? А понимать следует то, что звук здесь действительно очень плотный, тяжелый и дышит мизантропией и абсолютным безумием в буквальном смысле этого слова. На передний план выдвинуты гитарные и вокальные партии, которые создают некое подобие стены звука, тогда как ритм-секция (к слову, здесь музыканты использовали толково запрограммированную драм-машину) задвинута как бы на задний план, причем всё те же партии ударных изредка напоминали мне что-то вроде автоматных очередей...
Далее. Данное демо интересно также тем, что содержит перезаписанную в лучшем качестве (несколько странное понятие для стиля black metal в его изначальном смысле, не правда ли?) вещь "Age of Destruction", а также подобие эпика под названием "Fimbulvinter". В этом месте следует сделать оговорку о том, что термин "epic" употребим в данном контексте не в смысле того, что данный номер похож на вещи шведов Enslaved или ими подобных, а в том плане, что те почти 13 минут, что он длится, преспокойно могут ввести слушателя в транс, и обладающий богатым воображением потенциальный потребитель этого "продукта", слушая этот трек, вполне может ощутить сковывающий все члены и пробирающий до костей холод чащи зимнего леса...
Повторюсь, это всего лишь вторая демка на тот момент ещё малоизвестного коллектива, но прогресс в музыкальном и композиционном аспектах здесь очевиден. Посему, я не вижу причин для того, чтобы не поставить этой работе ту оценку, которой она вполне заслуживает.
|
| |
|
|
|
|
|
| После прослушивания данного произведения не может не возникнуть мысли, что в отчуждённой во многих смыслах Исландии время остановилось, и по сей день там середина 90-х годов, период, в который шедевры блэк- и викинг-метал выходили один на другим.
Первый альбом Falkenbach за последние 6 лет почему-то никак не настораживал. Сложилось в моей голове убеждение, что есть что-то незыблемое, непоколебимое, стабильно радующее любителей хорошего викинга, и это – наш славный малый Vratyas Vakyas. Однако при ознакомлении с интро (как ни странно, называющимся “Intro”), мысленно возвращающим в 2003 год, к почти идентичному вступлению к «Vanadis» (а также фоном, похожим на эффекты из III акта игры Diablo II), возникло смутное ощущение, что идеи у нашего исландца германского происхождения кончились, и услышим мы то же самое, что и в 1996-2005 гг. Мы в действительности услышим ту же музыку. Не штамп, но ту же музыку, с той же атмосферой, неповторимым скандинавским духом, фирменными приёмами исполнителя и, конечно же, его голосом, голосом, будто звучащим из 90-х. Потрясающее ощущение, далее же альбом слушается на одном дыхании, словно глоток свежего воздуха. А ведь он действительно таков. В начавшиеся суровые 10-е годы XXI века редко можно встретить с душой сделанный, добротный викинг, особенно, когда такие мэтры как Enslaved совсем отошли от своего стиля, отец-основатель жанра Куортон покоится с миром в Валхалле, а Moonsorrow и Myrkgrav уже достаточно давно ничего нового не выпускали.
Конечно, на альбоме нет шедевров уровня «Baldurs Tod». Хотя… Всё же это дело вкуса. Просто растворитесь в «Time between Dog and Wolf» и верните (или представьте, что вернули: актуально для не заставших тот период в сознательном возрасте, в т.ч. и для вашего покорного слуги) себе старые-добрые времена, когда хорошая музыка из Скандинавии часто и регулярно нас радовала.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.