Калифорнийцы Warbringer вот уже пятнадцать лет являются одними из главных поставщиков отличного трэшевого мяса новой школы. От отцов-предшественников их всегда отличало великолепное умение, не отрываясь далеко от привычных жанровых рамок, не останавливаться ни перед чем, если нужно нагнать реальной жути на слушателя. Тут всегда имелось место и для бластбитовых разгонов, и для жирнющих риффов, и для по-дэтовому загробно звучащих гармоний. Нашлось всему перечисленному место и на шестом полновесном релизе в их истории, хотя на фоне ранних работ по части скорости и брутальности "Weapons of Tomorrow" несколько сдал. Зато взамен банда начала демонстрировать нормальную для зрелого коллектива тягу к более витиеватому и интеллектуальному построению композиций. Так на альбоме появилось, например, место для локальной версии "One" - "Defiance of Fate" (аналогия справедливая и по части военной тематики лирики, которая для Warbringer, как несложно догадаться, в принципе является любимой). Вот только если "металликовский" герой превращён взрывом мины фактически в овощ, то персонаж из "Defiance of Fate" ещё боеспособен, вооружен до зубов и готов уничтожить кого угодно в борьбе за свои идеалы. Джон Кевилл, вокал которого и без того напоминает самые демонические образы Милле Петроццы, вовсе окончательно мутирует в злодейский блэкушный скриминг, что придаёт и без того с трудом вписывающейся в стандарты пауэр-баллады песне совсем уж звериный оскал. Ещё лучше тема эпичного экстрим-трэша раскрыта в "Heart of Darkness", с её абсолютно сумасшедшими перепадами в интенсивности, от сокрушительного гиперскоростного интро до моментов, которые можно назвать наиболее мелодичными на всём альбоме. И если здесь сходство с Vektor только прощупывается, то, скажем, "Outer Reaches" с пугающе великолепными клавишными "подкладками" - это уже практически "Векторовский" опус со скидкой разве что на куда меньшую психоделическую упоротость.

К сожалению, наряду с композициями выдающимися есть здесь и номера разочаровывающие, сродни "The Black Hand Reaches Out". Несмотря на интенсивный жёсткий вокал, она содержит, по сути, "обычный" трэш, держащийся за морально устаревшие риффы, довольно размеренный, к тому же. А ведь эту песню ещё и выбрали для промоушена альбома, рассчитывая, видимо, на то, что более спокойный номер может заинтересовать сравнительно широкую аудиторию. Но в год, когда уже отстрелялись Havok, Sepultura, Testament, Holycide, худшее, что вообще можно сделать для продвижения релиза - сделать ставку на компромиссный, ощутимо несущий нафталином материал, которого на альбоме, справедливости ради, на два с половиной трека от силы. Но я уверен, что подобные вещи - не более чем побочный продукт постепенной и уверенной эволюции Warbringer: из группы, играющей агрессивно, быстро и тяжело, в исполнителей по-хорошему техничных и разносторонних. Хотя и всё так же агрессивных; название, знаете ли, обязывает.

Jotun  30 май 2020

Вспоминая о голландской дэтовой сцене, меня обуревает практически хтонический ужас от того количества групп и проектов, в которых задействованы бывшие и нынешние музыканты Sinister (коих наберётся уже, наверное, десятка три человек): Supreme Pain, Absurd Universe, Infinited Hate, Neocaesar… Это только то, что я навскидку вспомнил, не прибегая к помощи великого и ужасного Гугла. Ну, и герои сегодняшнего разговора – Houwitser. Отпочковавшись от материнского коллектива в конце 90-х в первый период своего существования “Гаубица” произвела четыре вполне удачных залпа, составив серьёзную конкуренцию для загибавшегося на тот момент от творческой импотенции Sinister. “Damage Assessment” является как раз последним диском перед расформированием орудийного расчёта. Houwitser на нём представляют вполне узнаваемый брутал-дэт европейского розлива, ноги которого растут как раз из творчества Sinister. На протяжении получаса голландцы будут не мудрствуя лукаво утюжить ваши барабанные перепонки и распрямлять извилины на содержимом ваших черепных коробок. Музыкальный материал не несёт в себе никаких откровений, благо он изначально создавался исключительно во славу стиля и не располагает к глубокому анализу. Утробное бульканье Стэна Блонка сыто повествует нам, видимо, о каких-то жутких вещах, ибо тексты в буклете отсутствуют как данность, а на слух разобрать ничего не представляется возможным; Аад Клоостерваард, ещё не разменявший барабанную установку на микрофон, молотит, что обожравшийся метамфетамина дятел; Алекс Паул и Тео ван Екелен последовательно нарезают рифф за риффом, радуя слуховые рецепторы новыми шматами сочного и свежего мяса. Особую пикантность альбому доставляют вставленные между композициями куски из нежно любимого народом незабвенного фильма “Хищник”, что с Арнольдом Шварценеггером. В принципе, “Damage Assessment” представляет из себя весьма неплохой брутал-дэтовый релиз, но в плане питательности данный гуляш явно проигрывает двум своим предшественникам: “Embrace Damnation” (2000) и “Rage Inside The Womb” (2002).

rassol  30 май 2020

Alestorm, выбрав для себя пиратскую тематику, которая отражается и в звучании, и в текстах, и в обложках, и в костюмах музыкантов, обрекли себя на неизбежное болезненное столкновение лбом с рамками жанра, за которые они не смогут выйти, не перекроив полностью всю свою концепцию. Чем, конечно же, вызвали бы гнев фанатов, которые и полюбили Alestorm за тот образ, который у них существует сейчас. Сидеть в «клетке» своего жанра с достоинством, не скатываясь в самоповторы и клише – задача очень сложная. Вот и получается, что на выходе за границы жанра музыкантов ждет недовольство фанатов, а в этих самых границах – творческий кризис. Вот и приходится музыкантам ограничиваться мимолетными вставками в стиле дэт, трэш, ну и иногда мелькают 8-битные вставки. Беря аналогию из этого самого альбома: за пределами твоего корабля – бескрайнее море, а на твоем кораблей тебя сожрут твои же товарищи по команде, ставшие зомби.
Кризис идей, по моим ощущениям, стал явно заметен у группы на прошлом альбоме. На «Curse of the Crystal Cocount» же и вовсе сложно отыскать хоть что-то интересное. Складывается ощущение, что слушаешь тот же самый альбом уже в шестой раз: все те же мелодии и риффы, но перелопаченные ради приличия. Это напоминает дипломную работу, когда студент берет готовый материал и перефразирует, чтобы выдать за что-то свое и новое. А иногда в уши и вовсе врезается отвратительный так называемый «крик миллениала» (на «Treasure Chest Party Quest», «Fannybaws», например - уже на первых двух песнях!). Бывшая когда-то очаровательной несерьезность подачи и общего настроя стала теперь как-то раздражать, особенно в этой неуклюжей попытке закосить под хип-хоп на «Tortuga» (а ведь это удалось гораздо лучше на кавере «Hangover» Taio Cruz с альбома 2014 года). Но справедливости ради стоит отметить парочку более-менее удачных песен: «Zombies Ate My Pirate Ship» и «Wooden Leg Part 2 (The Woodening)». Касательного «Wooden Leg Part 2 (The Woodening)» стоит сказать, что такие ставшие традицией для Alestorm эпические и относительно продолжительные номера удаются группе по-прежнему хорошо. Хорошо хотя бы потому, что группа позволяет себе на них хоть немного экспериментировать.
По итогу, за 6 альбомов гордый и грозный корабль Alestorm порядком поизносился, все прочие обитатели морей давно знакомы с тактикой его команды, поэтому от былого величия остался лишь Shit Boat.

Whiterey  30 май 2020

Grave Digger, безусловно, можно считать легендами германской тяжёлой сцены. Группа существует едва ли не с 1980-го года, и пусть не всегда в рядах музыкантов всё было гладко, пусть были периоды простоя, но сейчас их имя всё еще на слуху. Вполне вероятно, многие современные металхэды начинают знакомство с Heavy Metal именно через их записи, как, например, два десятка лет назад было и со мной.

Не буду врать, моё знакомство с Grave Digger началось благодаря одноименному альбому, вышедшему в 2001-ом году. Меня впечатлила и атмосфера, и мелодика, и бескомпромиссная тяжесть “The Grave Digger”. Взять, к примеру, песни "Son Of Evil" или "The House", которые завораживали и притягивали к себе своим неповторимым драйвом, обаянием и харизмой. И ведь последующие альбомы всё так же содержали в себе немало хитов, богатых на разнообразие и креатив: "Rheingold", "The Last Supper", "Liberty or Death", "Grave In The No Man's Land", "Ocean of Blood" и мн. др.

Очевидно, что движущей творческой составляющей всё это время был гитарист Манни Шмидт, потому что сразу же после его ухода коллектив отбросил все заигрывания с атмосферой, мелодикой и сконцентрировался на возрождении успеха, полученного во времена "Tunes of War". Собственно, что альбом 2010-го, что 2018-го были не столько полноценными произведениями, сколько очередными вариациями на тему песни "Rebellion (The Clans are Marching)". Смешно, но всё это самокопирование даже началось с названия "The Clans Will Rise Again".

"Fields of Blood" не стал исключением, и всё так же продолжает эксплуатацию тем средневековья под аккомпанемент галопирующего ритма от ремесленника Акселя Ритта. Понять, что вы слушаете именно новый альбом Grave Digger было бы невозможно, если бы не обложка и дата релиза в информации из буклета (или файла). Все 12 треков вторичны и серы, за исключением, быть может, "Thousand Tears", которая бы имела все шансы на звание цветка среди сорняков, если бы не была калькой с "Lonely the Innocence Dies".

Самое забавное, что прошло уже 10 лет, а Grave Digger всё так же крепки в своей популярности среди групп второго-третьего эшелона. Удивительно, что можно с таким упорством и настойчивостью петь про Шотландию, и всё еще находить для этого слова. Просто феноменально, насколько однообразно можно создавать одно и то же жужжание, как это делает Аксель Ритт.

Лично для меня "Fields of Blood" стал финальным альбомом в моём долгом путешествии вместе с Grave Digger. Увы, но путешествие это закончилось словно брак, отношения в котором, к сожалению, стали обыденными, а жизнь слишком коротка, что бы тратить её на подобное времяпрепровождение. Никаких надежд на какое-то развитие музыкальных идей в Grave Digger я уже не возлагаю, да и не думаю, что это нужно фанатам коллектива, которые вот уже 10 лет остаются вполне довольными.

Exceptional  29 май 2020

Страшно даже представить колоссальность пройденного Integrity пути за тридцать последних лет, от мелодичного, но однозначно хардкорного панка в духе Gorilla Biscuits до того жанрового микса, что представлен на их последнем на данный момент студийнике, под сочным и красивым названием "Howling, for the Nightmare Shall Consume". Здесь нашлось место для широкого спектра влияний, от олдскульного британского хэви образца Satan и Blitzkrieg, минуя трэш-металл и ди-бит, вплоть до материала в духе ранних Dissection и даже Carcass. В инструментальном миксе на сей раз определили моменты даже для эпизодических ролей ситара, тамбурина и скрипки, да и хронометраж некоторых композиций берёт очень смелые, по меркам неунывающей банды Двида Хэллиона, высоты - пускай и не рекордные.

Голос самого Двида с годами становится всё менее похожим на былой яростный надсадный ор, мутируя в нечто близкое блэкушному скриму, но в остальном он верен себе: и в энергичности и плотности подачи, и в апокалиптически-оккультной тематике текстов. Собственно, содержимое лирики всегда отделяло Integrity от подавляющего большинства боевых единиц металкора старой школы, да и новой, в которую, к тому же, наши герои не вписываются ещё и в музыкальном плане (хотя попытки мимикрировать были: тут одна только "Hated of the World" чего стоит!). Зато сочетание полного смурных мелодий инструментала, надрывного вокала, лирического посыла и даже оформления рождают ту очаровательно мрачную атмосферу, которую не найти ни у одной подобной группы.

Интро и следующие за ним четыре безупречных боевика, работающих на балансе скорости, напора и неслащавой мелодичности, заставляют верить в твёрдую десятку для релиза. (И да, на всякий случай: "Die With Your Boots On" - не кавер "Утюгов".) Проблемы начинаются, когда альбом минует первую треть и стартует раздел, вмещающий три условных эпика. С одной стороны, они удачно разбавляют "Howling... " монументальными инструментальными пассажами, эдакой вариацией бессмертной классики Manilla Road в чёрно-красных тонах. С другой, мужики не всегда управляются с адекватным заполнением этих шести-семи минут, сбиваясь на затянутые интро, странные паузы в, по идее, кульминационных моментах композиций, либо прерывая стройный ход мыслей впихиванием не самого подходящего риффа. Другой вопрос, что даже весь этот набор грехов не становится фатальным, ну и вообще здесь ни одного действительно провального трека вы не найдёте - по крайней мере в основной программе из одиннадцати произведений. Ну а для Integrity как команды, никогда не перестававшей совершенствоваться, этот сочинительский опыт в будущем может принести очень жирные плоды - например, чтобы поразить немногочисленных поклонников песней действительно монструозной во всех возможных смыслах. Может статься, когда-нибудь и своя "Hearts Alive" у них появится.

Jotun  29 май 2020

Единственный альбом нью-йоркских «лузеров» сыграл по разным направлениям. Он может выглядеть одинаково приемлемо как в актуальных рамках 90-х, так и в качестве прямого наследника нью-йоркского панк-бума в лице Ramones, New York Dolls и The Heartbreakers. Своё же название группа получила после присовокупления инициалов «Большого яблока» к песне The Stooges – и подобно большинству из своих вдохновителей, NY Loose прожили недолго, но весьма активно и отнюдь не бесполезно. После нескольких лет клубных скитаний, подаривших немало синглов и мини-альбомов, нью-йоркцы, наконец, созрели и до полноценного лонгплея.

«Year of the Rat» полон постоянных оглядок на «отцов»: есть тут, к примеру, та же откровенно «студжевская» «Spit» - самый популярный номер группы, благодаря саундтреку к фильму «Ворон». Или «Sunday Morning» The Velvet Underground, которая в руках NY Loose хоть и не заиграла новыми красками, но в общий настрой вписалась гармонично. Подобное самопозиционирование, несмотря на убедительную аутентичность его методов, не спасло группу от духа времени – «Год Крысы» оказался не лишён вполне коммерчески сильных по своему потенциалу треков, которые удивительным образом сгруппировались во второй его половине. «Song for Margo», «Hide» или «Trash the Given Chance» при должной раскрутке вполне были способны добавить в тощую копилку популярности группы лишнюю сотню баллов, нежели та же «Spit», а вокалистка Бриджит Уэст оформила бы свой вклад в «женское» лицо альтернативного рока, которое в ту пору имело явные черты одной взбалмошной шотландки.

Хоть альбом и был выпущен на диснеевском Hollywood Records, и была у группы своя «принцесса», но конец у этой сказки не оказался мультяшно-счастливым - «корона» панк-рока в то время перекочевала на противоположное от Нью-Йорка побережье, а NY Loose так и остались мимолётным, но достойным наследником своего времени – со всеми шансами на признание со стороны любителей Hole, Nymphs и L7.

Tomahawk  29 май 2020

King Gizzard & The Lizard Wizard - из числа тех групп, которым, чтобы существовать, необходимо постоянно видоизменяться. Не то чтобы их стилистические эксперименты обладали смелостью, на которую способны какие-нибудь Ulver, но на данный момент в их дискографии царит приятнейшее жанровое разнообразие, которое "Infest the Rats' Nest" расширил элементами трэш- и стоунер-металла. Пожалуй, металхэдам стоит иметь в виду, что австралийцы не отказались и на этот раз от фирменного микротонального звучания - все струнные инструменты настроены так, что разница между двумя соседними ладами составляет не полтона, как в стандартном строе, а четверть. Так что саунд альбома зайдёт далеко не всем - особенно тем, кто ждёт от трэша широкого звукового спектра и определённой претенциозности звучания. С другой стороны, King Gizzard благодаря этому ни с кем не спутать, а собственно материал на диске подобран отличный.

"Infest the Rats' Nest" рисует картину дистопичного будущего, в котором человечество, основательно загадив родную планету, рвётся терраформировать и покорять соседние. Венеру и Марс в первую очередь, причём Красная планета предназначена гражданам уж как минимум обеспеченным (судя по "Mars for the Rich"). Хотя не самый весёлый исход этой затеи австралийцы спойлерят ещё в самой первой песне, завляя "there is no Planet B". Экспедиция на Венеру, которой посвящена трилогия " Venusian 1/Perihelion/Venusian 2", очевидно, заканчивается гибелью обоих космических кораблей, да и с марсианской высадкой, судя по финальной "Hell", всё отнюдь не прекрасно. Под стать мрачной картине текстов мрачна и музыка - причём отдаю должное её выразительности, ведь в самом финале, где события приобретают воистину Doom'овский оттенок, всё понятно и без слов. Материал при этом достаточно прямолинеен и не изобилует техническими изысками в исполнении. Это своеобразная попытка ревизии ранних деньков жанра, апеллирующая к первым релизам Metallica, Megadeth, Exodus и даже Venom - а следовательно, и Motorhead впридачу (грех не процитировать мой любимый коммент по этому поводу на YouTube: "как будто парни - горячие фанаты Лемми Килмистера, но им только сейчас рассказали, что он ушёл из Hawkwind и основал другую группу"). Всё это еще и помножено на творчество Black Sabbath их ударной пятилетки 1970-1975, так что временами музыка уходит в монолитнейший стоунер-дум. Абсолютного пика эта сторона альбома достигает на "Superbug", где одновременно присутвуют и лучший рифф всего релиза, и лучший припев - да и вообще сама композиция стала одной из лучших в ушедшем году. Впрочем, не сказать, чтобы она так уж сильно превосходила любой здешний трек чем-либо кроме хронометража. Лаконичность отлично послужила австралийцам в целях создания монолитного и агрессивного релиза, атакующего ушные раковины с мощностью орбитального лазерного оружия.

Отличная, на самом деле, получилась прогулка. Даже жаль немного, что в следующий раз стилистическая основа музыки австралийцев вновь претерпит метаморфозы. С другой стороны, тут они и выложились сполна, оставив за собой фактически выжженную... Землю.

Jotun  29 май 2020

Саратовские террористы-прогрессивщики всегда были страшным и непонятным зверем, их идеи были странными, явной хитовости на их релизах никогда не пробегало, а треки они шинковали хитрые, техничные и агрессивные. Не изменили они себе и сегодня. Новейший EP группы “Убитый телефон” (вы тоже вспомнили сейчас свою первую Nokia или Siemens, которые служили вам верой и правдой, и служили бы ещё лет триста, если бы в один прекрасный день вы не прикупили себе свой смартфон или просто чуть более упёртую и крутую кнопочную модель?) – это свойственный мистеру Друкнроллу шведский стол из трэша, дэта и прога, уделив которому слишком много времени или внимания, можно запросто сломать мозг и разочароваться во всём и вся.

Пятнадцать минут звучания трёх треков с “Dead Phone” напомнит забывшим о теореме Ферма и о том, как быть вечно юным, а заглавная вещь расскажет о том, как наши телефоны следят за нами и порабощают наши желания, волю и основные инстинкты. Указанные в пресс-релизе группы-ориентиры абсолютно не раскрывают специфику собственного творчества Druknroll, а оно хаотично, шизофренично и даже психоделично. Пикалки кнопочных телефонов в “Dead Phone” и другие электронные эффекты в остальных треках создают атмосферу всеобщей истерии, психоза и довлеющего мрака, что было характерно для Voivod конца 90-х или для Waltari, но вряд ли имеет отношение к Dark Tranquillity, Soilwork или тем более Children Of Bodom.

Их новая какофония снова выходит усилиями украинцев из Metal Scrap, и этот музыкальный дисбаланс вновь дополнен интересным видеоклипом. Перефразируя советскую киноклассику, можно сказать, что если человек – маньяк, то это надолго, и видео “Dead Phone” доказывает это. Пребывающий на первом плане в клипе вокалист Ужас со своей колоритной байкерской внешностью и неслабыми габаритами мог бы выиграть конкурс зверских двойников Пухляша из Little Big, а по харизме он не уступает не только Пухляшу, но и фронтмену Crematory Феликсу.

Маньяки бывают разные и их маньячества и извращённые фантазии – тоже, вот и Друкнролл после псевдолюбовной истории прошлого клипа решил выйти на следующий уровень и показать, что маниакальны могут быть не только люди или гаджеты, но маниакальна и сама реальность (ага, в мире и так столько всего непонятного и странного, а тут ещё эта таблица умножения… А теорема Ферма это вообще клиника и мыслительный поезд под откос).

“Dead Phone” маниакален, и это самое точное и определённое, что можно сказать об этом релизе. С такой страстью и животным неистовством терзать музыкальные инструменты, заставляя их “родить” новую универсальную формулу бытия может только законченный извращенец и психопат или гениальный на всю голову Шнитке-Прокофьев. Не возьмусь утверждать, что мистер Друкнролл состоит в прямом родстве с кем-то из них, но ему явно этого бы очень хотелось, и он не жалеет сил для того чтобы убедить всех в том, что это не просто его фантазии и воспалённое чсв, а жёсткий и не поддающийся никаким сомнениям железобетонный зуб реальности.

Если вам стало слишком тихо и спокойной на самоизоляции, самое время отдать свои ушные раковины на съедение “Убитому телефону”, который ожил и теперь направляется к вам, чтобы превратить вашу жизнь в бесконечный, разрывающий душу и разум, шум с массой музыкальных “пасхалок”, гармонических нестыковок и математических парадоксов. Рекомендовать такое типичным трэшерам в шортах и бейсболках, это значит обречь их на муки стилистических диссонансов и неразрешимых дилемм, посоветовать Druknroll любителям мелодэта равносильно тому, чтобы подарить школьнику подписку на “Вестник философии” или на журнал “Главбух”, а вот если вам близки идеи и поиски Девина Таунсенда или Meshuggah, то стоит попробовать лизнуть и этот аккумулятор. И да, кажется, мой телефон тоже следит за мной и замышляет что-то недоброе! Они среди нас, Druknroll прав!

Aleksei Rokk  29 май 2020

Вписать своё имя в историю рока невероятно трудно, особенно если только об этом и думать. Думал ли о чём-то подобном Дэвид Ковердэйл, если рассматривать этот вопрос сквозь призму двух первых его самостоятельных альбомов? Казалось бы, о чём тут ещё думать, если своё имя в историю к этому времени ты уже вписал. Но стоит чуть пристальнее присмотреться к этим двум его пластинкам, как невольно закрадывается мысль - похоже, что всё-таки думал...

Итак, не дожидаясь итогов "разбора полётов" британскими музыкальными журналистами и критиками по дебютной своей работе, что вышла в релиз в феврале 1977 г., Ковердэйл занялся делами более важными. Он вплотную приступил к подготовке программы следующей своей пластинки. Да и что ему ещё было делать? Своей группы у него не было, а времени как раз-таки в избытке. К началу апреля 77-го был подобран и состав музыкантов. Оставив часть сейшнменов, что работали с ним над "White Snake" (гитарист Micky Moody, пианист Tim Hinkley и скрипач Graham Preskett), и пригласив бас-гитариста Алана Спеннера (Alan Spenner) и барабанщика Тони Ньюмэна (Tony Newman), Роджер Гловер, вновь взявшийся выполнять функции продюсера, и Д. Ковердэйл собрали всех рекрутов в лондонской AIR Studios. На этот раз им хватило и десяти рабочих смен - слишком уж дорого стоило студийное время в Лондоне, чтобы понапрасну им разбрасываться.

Забегая чуть вперёд, замечу, как и предыдущий диск Ковердэйла, "Northwinds" вызовет немало полярных толкований, на сей раз, впрочем, есть с чем сравнивать. Но всё это будет ещё не скоро, новая пластинка повстречается со своим слушателем только через год - в марте 1978-го. Критика же в основе своей будет сводиться к усреднённому мнению, суть которого такова - этим своим LP Д. Ковердэйл если и сделал заметный шаг вперёд, то главным образом как исполнитель своих песен. В композиционном плане не всё так однозначно и ещё больше вопросов будут вызывать тексты.

То, что как автор музыки Ковердэйл не блистал особым талантом и не обладал богатой фантазией, всем нам давно и хорошо известно. За что бы он ни брался, будь то рок-н-ролл, блюз, баллада или некий микст, мелодически всё у него выходило очень близко, словно ему были отведены определённые рамки. Не то, чтобы всё получалось под копирку, но где-то рядом. И две эти его сольные работы наглядное тому подтверждение. С появлением в его жизни Whitesnake ситуация чуть улучшится, но прежде всего за счёт мастерства музыкантов, главным образом гитаристов.

Но пока мы рассматриваем "Northwinds" и диск этот в этой связи наиболее показателен. Едва ли ни каждая композиция Дэвида своей мелодической схемой связана либо с чем-то из его недавнего прошлого, либо найдёт свой отклик в скором будущем, уже в репертуаре группы Whitesnake. Как пример: "Only My Soul" - это вариация уже известной песни "Blindman", лидера программы предыдущего LP Ковердэйла. Обратный пример: номер "Queen Of Hearts" найдёт своё отражение в "Child Of Babylon", одной из знаковых композиций альбома "Come An' Get It" (1981 г.) гр. Whitesnake. А, скажем, "Time And Again" будет созвучна с "Here I Go Again" из их альбома “Saints An' Sinners” (1982 г.). Согласитесь, даже в названиях некоторых из этих перечисленных песен наблюдается что-то общее.

Что же касается текстов, то на этот раз Дэвид вообще ограничился лишь одной, но, по всей видимости, актуальной тогда для него любовной темой. И если принять во внимание, что инструментальная составляющая абсолютно всех номеров программы была заточена под доминирующий вокал Ковердэйла, то значимость песенной лирики как правило в таких случаях возрастает в разы. В этом компоненте недавний дебютный его лонг-плей был куда разнообразнее и интереснее. Не стану, впрочем, приписывать автору дурной вкус, тут дело скорее в том, что тема любовная - самая простая и ни к чему не обязывающая тема, над которой не стоило слишком заморачиваться.

Нет в программе "Northwinds" и песни-фаворита, как, допустим, та жа "Blindman" в "White Snake". Как нет, впрочем, и откровенно слабых вещей, что, возможно, даже весомее для уровня пластинки в целом. Можно было бы назвать сразу три-четыре вполне достойные композиции, однако, при относительно равном, пусть даже и среднем уровне программы, любой выбор из достаточно ограниченного трек-листа - дело рискованное и неблагодарное.

И всё же пара песен выбивается из общего ряда. Это два крайних номера "Keep On Giving Me Love" и "Breakdown". В меру жёсткие, с ведущей гитарой Мики Муди (не случайно в обоих случаях он в соавторах с Ковердэйлом), активной ритм-секцией и напряжённо-экзальтированным вокалом Дэвида, время от времени срывающимся на фальцет. "Ты мне сказала, что святая вода обжигает тебя, а священник забыл те слова, что должен был произнести. Кажется, что для тебя самое главное - самолюбование отражением в зеркале и никаких обещаний в любви..." - таков лейтмотив в "Keep On Giving...". В "Breakdown" текст достаточно сумбурный и ухватить стержневую мысль в этом номере вряд ли возможно: "Мой рок-н-рольный выстрел не в состоянии испепелить твою душу и плоть. Послушай того человека, забирай деньги и беги..."

"Northwinds" - этот опус на шесть с лишним минут очевидно из числа сильнейших в альбоме. Блюзовая баллада с привычно проникновенным вокалом Ковердэйла, тёплым и чистым, под собственный аккомпанемент на пианино. Следует отметить несколько сольных проигрышей гитары и клавишных, а в концовке душевный бэк-вокал. "Я заберу с собой солнце в каждый дождливый день, Господи. И призову северные ветра разметать все вставшие на моём пути тучи. И тогда всё встанет на свои места, песня останется прежней. Но меня не оставляет чувство, что я получил билет в один конец и теперь я сижу один в пустом поезде..."

Образно говоря, программа этой пластинки представляет собой некую модель гамбургера: две крепкие хрустящие горбушки (боевые композиции в начале и конце) содержат между собой шесть слоёв всевозможной снеди в виде переложенных сыром, луком и помидорами аппетитных котлет или сочных пластов бекона.

Настоящий соул, почти госпел в "Give Me Kindness" с обильным смешанным бэк-вокалом, духовой секцией, обеспечивающей острые джазовые всплески. Практически отсутствует гитара, мелодическая линия выдерживается многочисленными клавишными, а вариативность вокальной эквилибристики Д. Ковердэйла на допустимом пределе его невероятных возможностей. Одна из самых впечатляющих партий Дэвида и не только в рамках этой программы. Думаю, не мне одному очевидно, что этот номер - неприкрытый реверанс американским почитателям творчества Ковердэйла. Судя по всему, за зыбкими британскими рок-пейзажами Дэвиду уже виделись пока ещё иллюзорные, но такие манящие рок-миражи.

Меланхоличная блюзовая "Time And Again", под собственный аккомпанемент на эл. пиано Ковердэйла, с привычной для данной программы схемой - вялое сонное начало с нарастающим ближе к финалу крещендо и внезапно затухающим вокалом Дэвида на финишной черте. Ничего неожиданного и в тексте: "Никогда не думал, что возможно такое, Когда я тебя обнимаю, я знаю, что хочу остаться, что здесь моё место. В сладостном согласии с женщиной, которую люблю..."

Подобная ей и "Say You Love Me". Кстати говоря, эта песня была записана и подготовлена ещё для дебютного диска Ковердэйла, но по каким-то причинам не выдержала конкуренции и в программу "White Snake" не прошла. Здесь Дэвид вновь аккомпанирует себе на клавишных, но на сей раз совместно с активной ритм-секцией, бэк-вокалом и сольной партией саксофона, присутствие которого насколько неожиданно, настолько и необязательно. Концовка с бурным инструменталом, убедительной сольной партией М. Муди на гитаре и вездесущими бэк-вокалистками. Текст же банален до неприличия: "Скажи мне, что любишь меня, что нужен тебе. Я не в силах жить без тебя..." В таком вот роде.

Наконец "Queen Of Hearts" (в тексте "Королева черв") - блюз-роковая, преобразовывающаяся в джаз-роковую пьесу с суровым гитарным наполнением и занятной сольной дорожкой Мики Муди в средней части. Завершение уже в блюз-джазовом оформлении с роскошным вокалом Дэвида при активной поддержке бэк-вокалистов. "Если бы я мог окунуться в хрустальную тишину после нашего с тобой слияния в любви. Для того, чтобы сказать тебе, что ты нужна мне здесь, где звёзды сияют над головой..."

К тому времени, как пластинка под названием "Northwinds" поступила в продажу, много воды утекло. Уже был сформирован первый состав Whitesnake, официально, впрочем, группа была заявлена только в январе 1978 года. В апреле Дэвид Ковердэйл и его новые партнёры запишут первые свои четыре композиции, которые отдельной пластинкой в формате ЕР выйдут в июне 1978 г. А в сентябре того же года будет готов первый большой LP "Snakebite" со смешанной программой, в которой к четырём трекам Whitesnake с ЕР будут добавлены четыре номера из "Northwinds" ("Keep On Giving Me Love", "Queen Of Hearts", "Only My Soul" и "Breakdown"). И пусть в официальном каталоге группы Whitesnake в качестве полноправного дебютного LP значится "Trouble" (1978 г.), мы-то с вами знаем как начиналась "Белая змея" и с чего она начинала.

МихаилБогданов  28 май 2020

Удачно скооперировавшись с Майком Паттоном в рамках Dead Cross, гитарист Майкл Крейн сумел выбить местечко на контролируемом Паттоном значке Ipecac Recordings для своего нового проекта, незатейливо, зато провокационно обозванного Cunts - чур, не путать с токийской бандой под тем же названием, уныло косплеящей Сэта Путнема.

Как в составе гениальных Sun City Girls отродясь не было ни одной девчонки, так и в команде "Мохнатки" ни одной настоящей мохнатки не сыскать. С другой стороны, мужики сходу сделали заявку на лучшую обложку года, хотя бы чем-то визуально подкрепив громкое имечко. Что до исполняемой ими музыки, то на "Cunts" мы получили сиквел "Dead Cross" - сиквел, которого никто не ждал, и, подозреваю, не просил. В отсутствие громких имён в составе мужики поставили довольно низкую планку качества исполнения, зато оторвались по полной. Изначально можно подумать, что всё это - некий низкобюджетный полуримейк-полупародия на раннее творчество Venom с Bathory - ну и на Motorhead заодно. Жаль, конечно, что мужики не мочат со всей дури, перемежая скоростное рубилово абсолютно дурацкими среднетемповыми кусками с аморфными инструментальными текстурами, но трэш, содомия, имперский угар во мгле ада - вся вот эта тема раскрыта. Ближе к середине становится очевидно, что у "мохнаток" тут свой, абсолютно уникальный мир, где они, подставляя достаточно случайный околомузыкальный контент, оттягиваются по полной на тему веществ, транссвеститов, гомосексуальных семей и прочей скандальной повестки дня. Где-то на "Cholos on PCP" даже нойз-рок, являющийся в здешнем материале всё же основным компонентом, растворяется в абсолютно кислотном звуковом полотне, из которого в случайном порядке вылазят обрывки фраз и странные шумовые этюды. Да и после неё релиз лишь временами возвращает хотя бы относительную вменяемость. "Кантам" решительно по барабану, чего ты там ждёшь от их музыки - они сами частенько не знают, чего бы такого ещё с ней сотворить. И слышно, кажется, как надо всем этим, кхм, полотном, витает довольный дух Джи Джи Аллина с мордой, перемазанной в дерьмище.

С другой стороны, у "мохнаток" абсолютно честное контркультурное НЕмузло. Они играют полную фигню, но никак не маскируют этот факт: ни за столбом бластбитов, ни за монотонным шумом и гулом, ни за чудовищным перегрузом инструментов, ни за скоростью звукоизвлечения, ни за наносной грязищей. У них даже микс хотя и провальный, но разборчивый. Так что если кто-то знакомый понтуется тем, какое бескомпромиссное музло он там слушает, или, боже упаси, играет, можете смело тестировать его этим релизом: вывезет ли он такое имя группы, такую обложку и материал? Ответ "нет" выдаст позера. Ответ "да" - унылого позера. Лишь ответ "да это ж моя группа" - желательно на английском - заслуживает уважения.

Jotun  27 май 2020

Мне лично довелось узнать об этом релизе благодаря топу десяти "лучших металл-альбомов всех времён", составленному экс-барабанщиком Black Sabbath Биллом Уордом. Я понимаю, что Биллу, возможно, хотелось лишний раз поддержать творчество своего кореша Майка Паттона, да и зарисоваться перед молодым поколением мохнатиков: дескать, я не какой-то там старпёр, застрявший в шестидесятых-семидесятых со своим нафталиновым музыкальным вкусом - смотрите, у меня тут свежайший альбом в подборочке! Но, поставив на "Dead Cross", Уорд, к сожалению, сел в виртуальную лужу. Для начала, этот релиз изначально не чистокровно металльный по своей задумке. Дейв Ломбардо и Паттон, начавшие сотрудничество ещё в рамках Fantomas, заявляли свой свежий проект в качестве ностальгической дани уважения группам, игравшим кроссовер хардкор-панка и трэш-металла в восьмидесятых и сильно повлиявшим на их музыкальный кругозор. В ранних Mr. Bungle действительно хватало общего с DRI или S.O.D., или даже с Cryptic Slaughter, но "Dead Cross" уходит в совершенно ином направлении. Думаю, вопросы тут нужно прежде всего адресовать гитаристу и басисту проекта - Майклу Крейну и Джастину Пирссону соответственно. Известные по участию прежде всего в нойз-рок и пост-хардкор коллективах, они моментально начинают уводить музыкальное русло релиза в ту же сторону. Ритмика ломается, на поверхность лезут совершенно упоротые мелодии вперемешку с перемалывающим уши хрустом диссонансов. Риффы напоминают скорее творчество гаражных блюз-рокеров, плотно сидящих на кислоте. Ну и, конечно же, кавер на легендарную "Bela Lugosi's Dead" от отцов готик-рока Bauhaus. Странноватый выбор для заявленной направленности, не находите? Так что тех, кто пришёл сюда за прямолинейным угаром, сочными аккордами и скоростью, мне откровенно жаль. Им едва ли стоит углубляться дальше второго трека.

Справедливости ради, альбом сведён так, что гитара с басом как раз надёжно задвинуты на задний план, зато барабаны и вокал максимально выдвинуты "вперёд". И Ломбардо поначалу демонстрирует очень даже высокочастотную долбу; но, видимо, расслышав-таки, что играют и поют партнёры, и он переходит в наигрывание достаточно рандомных ритмов, изредка сбиваясь на почти бластбит. Исполнение Паттона, конечно, тоже ни капли не соответствует "старой школе". Майк, ничтоже сумняшеся, трамбует в крайне скромный, не доходящий даже до тридцати минут хронометраж весь багаж своих вокальных приёмов, накопленный за тридцать лет. Тут и адские фальцеты, и псевдооперное пафосное пение, и чистейшая поп-эстрада в подаче, и хриплый скриминг, и гортанное булькание, и чёрт знает что ещё, причём часто тут даже никак не маскируется факт применения мелодина - или чем там ещё Паттон маркировал ноты для своих вокальных мелодий. Собственно, ради перфоманса фронтмена с этим опусом и стоит ознакомиться. Хоть в металле, хоть в кроссовере, хоть в психоделик-нойз-трэш-пост-хардкоре ценность этого релиза весьма сомнительна, но зато, по меньшей мере, скучным его не назовёшь - если настоящая дань уважения заключалось в акте чистосердечного музыкального вандализма, то здесь "Dead Cross" попадает в цель.

Jotun  27 май 2020

Долгое время стилистическое определение "атмосферик сладж-металл" оставалось одним из самых ненавистных и гонимых в музыкальном андеграунде. Фанатам сладжа и без того хватало разборок между теми, кто возводил корни жанра к stoner/southern-сцене, теми, кто видел истинный образец в брутальном нойз-роке, вдохновлённом Melvins, и, скажем, производителями радикально замедленного грайндкора финского образца. Так ведь ещё и добавились высоколобые любители всех этих ваших Айзисов с Пеликанами, дeятельность которых ещё и освещалась профильной прессой куда активнее творчества каких-нибудь Eyehategod! Тут нужно сказать, что термин "пост-металл" уже достаточно был затаскан в музыкальной прессе в девяностых - и по самым разным поводам; лично видел подобное определение касательно Kyuss, например. (При этом тех же Neurosis частенько обзывали "арткором".) Поэтому когда начала сравнительно массово производиться музыка, наиболее подходящая под этот ярлык - пост-рок с перегруженными гитарами, собственно - многим показалось, что необходимо ещё и некоторое уточняющее определение. Так и появился тот самый "атмосферик сладж", внёсший, как это обычно бывает, лишь новые раздоры.

Но теперь я готов утверждать, что услышал всё же полноценный, настоящий атмосферный сладж: вот прямо здесь, на "A Dawn to Fear" от шведов Cult of Luna. Несмотря на определённую размытость звучания инструментальных партий, "расфокусированное" их сведение и моменты относительного затишья, здесь царит брутальный перегруз всего на свете под диктовку постоянно замедляющих и без того неторопливое развитие событий ударных партий и абсолютно монолитных, предельно грубо очерченных риффов, медленно, но верно погружающих в сущее болото - то самое, где дерьмище вперемешку с бетоном. Намёк на "правильные" мелодии отсутствует даже в тех самых спокойных проигрышах, на деле рождающих лишь новые потоки диссонансов. Никакого тебе полёта, никаких космических ландшафтов той же "Вертикали": сплошное волочение по землище, щедрое растянутое аж на восемьдесят минут. Ну и да, судя по жуткому сипу, сопровождающему надрывный ор Йоханнеса Перссона, его голосовым связкам вот-вот наступит совершенный окончалипсис. Но это уже проблемы (надеюсь) грядущих концертных выступлений. Конкретно здесь этот эффект лишь добавляет достоверной кошмарности происходящему.

Если есть потребность сложить впечатление об альбоме по какой-то конкретной композиции, то пожалуйста: пятнадцатиминутный колосс "Lights on the Hill" к вашим услугам. Музыкально, пожалуй, наиболее запоминающийся, да ещё и словно пересказывающий события всего релиза, передающий его структуру в миниатюре. И уж, безусловно, если не хватит сил её преодолеть - на весь "A Dawn to Fear" и замахиваться не стоит. Да, погружение в этот асфальтово-серый звуковой монумент - занятие откровенно мазохистическое, но на моей памяти давненько уже не никто не обставлял аудиальные пытки настолько основательно, выстраивая целый лабиринт разнородных музыкальных фраз - с одинаково пессимистичным, впрочем, исходом.

Jotun  27 май 2020

Сайд-проекты давно перестали быть редкостью, но они всегда вызывают особый интерес у слушателей. Как правило, музыканты решают попробовать поработать в новом для себя жанре, в этом ведь и задумка: материал для сайд-творчества – это то, что не вписалось в рамки основной группы или проекта. Такая практика особенно распространена в метале, ведь этот жанр принято считать «узким», в нем не так много места для «маневренности».

Новый проект Деро Гои (фронтмена OOMPH! и What about Bill?) и Криса Хармса (фронтмена Lord of the Lost) Die Kreatur начинался так же. Музыканты познакомились на одной из вечеринок, где оба выступали в качестве ди-джеев, а позже, осознав, что имеют похожие взгляды на музыку, объединились для работы над сайд-проектом. В студию они пришли уже подготовленными: у каждого был кое-какой материал, который Деро с Крисом и пустили в работу. Получился не просто сборник песен – получилась полноценная группа, объединенная продуманной концепцией как визуально, так и в смысле звучания. Они заключили контракт с лейблом-гигантом и осенью планируют целый тур с заездом в Россию. Неплохо для сайд-проекта, да?

Говоря о самом материале, стоит сразу предупредить: Die Kreatur отличился смелостью… остаться в рамках метала. Звучит странно, хотя, это неудивительно, ведь ни Крис, ни уж тем более Деро не славятся тягой к самоповторам, многие годы оставаясь в условных рамках жанра и по-своему формируя его нынешнее звучание. Другое дело, что это метал в своем полном спектре поджанров, подходов и интерпретаций.

«Panoptikum» начинается с «DIE KREATUR», и это заявка. Комплексно структурированная, мощная, максимально контрастная, она задает настроение всему релизу. У Деро и Криса уже были совместные работы для их основных групп, но здесь мы слышим, насколько же интересное сочетание составляют их голоса, и как необычно при этом раскрывается голос каждого из них. Такой же контрастностью отличается «Benutz Mich». Обе композиции звучат жестко и резко.

Плотная и «вязкая» «Kälter Als Der Tod» более размеренна, она «сгущает» мрачную атмосферу релиза. Меня зацепила ее мелодия, она очень проникновенная. Кстати, если говорить о проникновенности, признаюсь: «Durch Die Nacht» безоговорочно украла мое сердце. Песня заметно выделяется на общем фоне своей лиричностью, легкостью и слегка «космическим» звучанием. Очень красивая композиция, очень.

«Schlafes Braut» я про себя назвала «грустной историей одинокого шарманщика» (и от ощущения, что слушаю песню Tanzwut, отделаться так и не смогла). Продуманная до мелочей, сказочная, она явно стала интересным опытом для обоих музыкантов. Примерно такой же концепции, но при меньшем размахе придерживаются «Glück Auf!» и «Gott Verdammt».

Вот чего я никак не ожидала услышать на релизе, концепцией которого были выбраны темные улицы (и такие же дела) на улицах 19-ого века, так это танцевальных композиций. Хотите представить индастриал-вечеринку того времени? «Zwei 100%» к вашим услугам.

Не обошлось и без реверансов в сторону основных групп. Так, «Mensch/Maschine» - это дань уважения к наследию OOMPH!, тогда как «Was Mir Am Wichtigsten Ist» с латинскими мотивами (я сейчас не шучу и не выражаюсь метафорически, если что) и рваным «сырым» ритмом – это явный «трибьют» Lord of the Lost. Обе композиции узнаваемы, но в то же время идеально вписаны в концепцию «Panoptikum».

Что же мы получаем в итоге? Мы получаем поистине свежий и прогрессивный взгляд не только на метал, но и на музыку в целом. Смелые и свежие решения позволили Деро и Крису создать нечто характерное, узнаваемое и настолько интересное, что хочется расслушать каждую композицию до мелочей. NDH, индастриал, готика, средневековый метал, латинские мотивы, черты нео-прогрессивного рока – всё это есть в «Panoptikum». Мне нравится, что, хотя тональность релиза можно назвать больше повествовательно-экспериментальной, в нем есть душа.

Так что, существуют ли вообще ограничения для смелых и талантливых?

JaneSad  27 май 2020

- Олдскульный хэви-металл!
- Откуда?
- Из Ботсваны.
- Ботсваны?
- Ботсваны.
- Ботсваны?
- Да, из Ботсваны. Ну, это там, где пустыня Калахари, река Лимпопо, гумба-гумба, Бесси, мать её, Хед. Ботсвана!

Хвала Интернету, ибо без его помощи эти ребята имели бы крайне мало шансов достучаться из своей задницы мира в нашу задницу мира. Географический фактор всё ещё имеет весомую роль, и остаётся только догадываться, насколько популярными стали бы Skinflint, имей они доступ к нормальным концертным аренам и адекватной музыкальной инфраструктуре в целом, начиная от хороших промоутеров и заканчивая толковыми клипмейкерами. Учитывая, какое дно сейчас выстреливает шестьюдесятью миллионами просмотров на ЮТьюбе, имея миленькую Мальвину на вокале, остаётся только догадываться, как много можно было бы выжать из толковой банды, с, на секундочку, сексуальной мулаткой за ударной установкой (кстати говоря, помимо всего прочего, кавер-арт альбома - тоже плод её трудов).

Музыкально "Nyemba" - эдакий ретро-хэви с элементами дум-металла и блюз-рока. Cream, ранние Black Sabbath, Iron Maiden (эдак до "Powerslave") и даже Manowar - вот чьи следы без труда можно обнаружить в материале Skinflint. Трио не выпячивает свои этнические корни музыкально, но вот тексты - это просто находка. Шаманизм, переселение душ, древние африканские племенные боги, человеческие жертвоприношения - всего этого в лирике альбома более чем в достатке, плюс озвучивается это прекрасным злодейским голосом, похожим на раннего Тома Арайю (без уходов в фальцет, но зато маниакальные смешки Джузеппе Сбраны звучат бесподобно). Я понимаю, что кадровый голод наверняка чувствуется, и, опять же, в условной Скандинавии ребятам было бы проще найти толкового ритм-гитариста - а то риффы на "Nyemba" большей частью вполне себе заурядны. (С другой стороны, Skinflint обошлись и без откровенного плагиата "классиков", чем частенько грешили на более ранних трудах.) Зато всё остальное у африканцев выполнено достойно: и солидные мелодии имеются, и великолепные ностальгичные соло с "квакушкой", и жирнющий бас, по счастью, выходящий на передний план на некоторое время в каждой песне, и упомянутый выше вокал. Хороший нафталиновый тяжеляк, которому чуть-чуть не повезло с адресом производства.

Jotun  26 май 2020

Refused длительное время являлись достаточно заурядным шведским панк-коллективом. Конечно, их второй студийник, "Songs to Fan the Flames of Discontent", демонстрировал понимание группой того факта, что жанр не остановился в развитии в 1977-м году, но даже на нём сложно было увидеть предпосылки к чему-то революционному.

По счастью, эти мужики относились к тому разряду "бунтарей", что считали протест, выражаемый собственно музыкой, важнее любой идеологии, которой заряжалась лирика. С точки зрения Refused, современный им панк давно уже стал частью приемлемого мейнстрима с точки зрения инструментальной формы, а о чём там кто поёт - многие даже не вслушиваются. "We need a new noise", - решили ребята, и на релизе, амбициозно озаглавленном "The Shape of Punk to Come: A Chimerical Bombination in 12 Bursts" (горячий привет Орнетту Коулману с его "The Shape of Jazz to Come"), приступили к изобретению этого самого нового шума. Среди ингредиентов были замечены и пост-хардкор, который сам по себе усилиями Fugazi и The Nation of Ulysses стал штукой достаточно непредсказуемой и эклектичной, и джаз, и техно, и фолк, и споукен ворд (последний - скорее в роли эдакого клея, скрепляющего все треки общим посылом). В "Tannhäuser / Derivè" Refused продемонстрировали даже знание академической музыки, ввернув, помимо прочего, инструментальную цитату из "Весны Священной" Игоря Стравинского. Спорным остаётся вопрос, повлиял ли "The Shape of Punk to Come" на выходившие примерно тогда же работы Botch и The Dillinger Escape Plan, но уж во всяком случае в плане музыкальности этот релиз однозначно уделывает заокеанские творения. Как и в случае многих других жанров, там, где американцы сделают ставку на техничность исполнения или брутальность содержания, скандинавам важнее выдержать атмосферу и привнести мелодику. Этот релиз и сейчас слушается вполне здорово: на лихих сюжетных поворотах композиции не теряют ни грува, ни драйва. Даже ведущий инструмент не играет такой уж значимой роли: гитара спокойно может замениться синтезатором, а то и даже аккордеоном - без малейшего ушерба музыкальным достоинствам и плотности звучания. При этом ни вокал, частенько уходящий в полноценный скриминг, ни довольно высокий общий темп не мешают материалу хорошо ложиться на слух. Например, "New Noise" по частоте привлечения в разнообразные саундтреки вообще устанавливает немыслимые для данного жанра рекорды - впрочем, начинка, удачно цепляющая интересы обширной аудитории альтернативного металла, тому способствует, но какова тут гитарная мелодия, при всей её незамысловатости!

Говорят, что этому альбому не удалось сделать то, что сотворил со своей "Формой Джаза" Орнетт: дать начало новому полноценному субжанру, меняющему представление о границах возможностей жанра в целом. Да, пост-хардкор со временем выродился, и что-то столь же прогрессивное, разнообразное и смелое в способах самовыражения в нём найти сложно. Но влияние релиза легко проследить у самых разных групп и исполнителей, от Celldweller до My Own Private Alaska. И уж совсем невозможно представить, как смогли бы без него появиться Enter Shikari, проапргрейдившие саунд Refused для нового тысячелетия - нечто, что по злой иронии судьбы не смогли сделать сами шведы после не столь давнего воссоединения. Британцы даже переняли у своих наставников крайнюю политическую озабоченность лирики с левацким уклоном; правда, до создателей "The Shape of Punk to Come" в плане стойкой приверженности идеалам им далеко. Самим Refused в своё время стало так тошно быть частью капиталистического шоу-бизнеса, что группа, дав несколько скандальных хулиганских выступлений в 1998-м, распалась как раз тогда, когда их шедевр, благодаря "сарафанному радио", наконец-то начал находить свою аудиторию.

Jotun  26 май 2020

Несколько лет успеха, славы, постоянных туров и, особенно, наркотиков всё же сделали своё дело – Брет Майклз и СиСи Девилль не нашли компромисса на словах и попытались найти его на кулаках, после чего последний был выписан из группы. Иронично, что происходила данная сцена за кулисами на вручении премии MTV 1991 года - вскоре Poison и родственные им коллективы на подобные мероприятия в ближайшем будущем звать перестанут. На место же СиСи был рекрутирован молодой талант Ричи Котцен, с которым и был записан "Native Tongue".

Именно творческий карт-бланш, выданный Ричи, обособил этот альбом во всей дискографии «ядовитых», и дело не только в отсутствии Девилля. В какой-то степени, на «родном языке» здесь заговорил сам Котцен, отвергнувший все предшествующие ориентиры группы – при нём на первое место вышел привычный для Ричи современный блюз-рок. При большом желании, этот альбом можно рассматривать как ожидаемый, хоть и немного резкий поворот после более осмысленного "Flesh & Blood". Но, как ни крути, попрать планку коммерческого блюза, заданную в ту же эпоху Aerosmith и Cinderella, не получилось – "Native Tongue" банально скучен. Скучен он по причине заурядной: в нём катастрофически не хватает тех простых, но нужных мелодий, на которых Poison вывозили в свет самые натуральные хиты. Зато чего в избытке, так это техничности и блюзового антуража – материала для работы достойного, но из которого Poison не смогли высечь ничего, кроме пары хитов и нескольких просто хороших песен. В принципе, именно пара из «Stand» и «Until You Suffer Some» и остаётся единственным напоминанием об альбоме в нынешние времена, кочуя по многочисленным best of-сборникам группы.

Подобный полумёртвый статус "Native Tongue" в глазах Poison, очевидно, объясняется и личными мотивами - отношения между Котценом и старыми членами группы постепенно разлаживались на протяжении всего периода их сотрудничества, а вишенка на торте взаимной неприязни оказалась весьма пикантной – как оказалось, Ричи вовсю затевал с невестой барабанщика Рикки Рокета.

Tomahawk  26 май 2020

Эфемерность стилистических границ в музыке - это, безусловно, неиссякаемый источник для разного рода недоразумений и споров. Невозможно препарировать каждую нотку, с уверенностью заявляя: "так, господа, вот эта ля-бемоль однозначно имеет трэшевую природу, но вот следующая фа-диез уже совершенно точно дэтовая". Никто и никогда не собирал международные конференции, на которых оговаривались бы жанровые границы. И, что делает ситуацию ещё более запутанной, после повальных экспериментов по гибридизации за последние 30 лет разные музыкальные компоненты перемешались ещё сильнее. Но что самое скверное, иногда, в силу тех или иных причин, стилистическое определение остаётся, но вот группы под ним собираются уже совершенно иного пошиба, нежели ранее.

Например, эмокорщики, металкорщики пост-хардкорщики девяностых натурально охренели бы, покажи им ухоженных парней со стильными стрижечками, что будут ассоциироваться с их сценой десять лет спустя. А уж доведись им услышать музыку последних... Впрочем, давайте пока представим, что на календаре у нас 1995-й год. До недавних пор металл и хардкор-панк кооперировались, порождая субжанры исключительно отбито-скоростные, от которых частенько даже музыкальные "родители" открещивались: краст, трэшкор и грайндкор. Prong и Helmet были из числа первых групп, показавших, что, даже не изменяя идеологии и не слишком облагораживая звучание, можно доносить подобную музыку до большего круга слушателей: достаточно лишь замедлиться и набраться грува. А с улиц бедных рабочих районов, в жителях которых прежде всего видели свою аудиторию металкорщики, к тому времени всё чаще доносились биты хип-хоп-музыки, инкорпорирование элементов которой в жанровый микс ещё и сулило расширение аудитории за счёт обитателей чёрных гетто.

Но в момент, когда на горизонте восходили светила Biohazard и Downset, далеко не все гнались за привлекательностью музыкальных форм для широкого слушателя. Deadguy как раз из тех ребят, что уже не хотели играть тупо-быстро-громко, но и терять в экстремальности не желали ни грамма. Среди всех стилистических уродцев, что расцвели в темнейших глубинах американской инди-сцены, наши герои выбрали себе в ориентиры мат-рок (обеспечив, нестандартность как общих структур композиций, так и музыкальных форм и размерностей в частности) и нойз-рок (отвечавший в их миксе за грубое грязное звучание и угловатые риффы, славшие ко всем чертям все каноны созвучности и "правильности" построения). В их материале немало общих черт с музыкой Laughing Hyenas, Unsane, Today Is The Day, The Jesus Lizard, но нет сомнений, что наибольшее почтение у "дэдгаевцев" вызывал Гена Роллинз образца незабываемого 1984-го года, и, соответственно, всех релизов Black Flag той поры. Ну, кроме "Family Man", конечно. Даже эти парни были не настолько отмороженными, чтобы пытать слушателя споукен-вордом.

"Fixation on a Coworker" так и остался единственным полноформатом Deadguy, да и его вместимость едва перевешивает 30 минут. За эти самые полчаса слушателя силком тащат сквозь поля вязких риффов под весьма изобретательные, богатые на сбивки и ритмические модуляции ударные партии. Скоростные фрагменты вряд ли продлятся дольше сорока секунд, да и во время их звучания каким-то образом ощущение крайней скованности, неповоротливости музыки остается в силе. Гитары изредка вспарывают пространство характерными лязгающими диссонансами, но абсолютно не злоупотребляют этим приёмом. Ровно так же не злоупотребляет вокальным экстремизмом парень с говорящей фамилией "Сингер". Его голос звучит более злобно, чем стандартный панковский "лай", но никакого стремления вывернуть связки наружу он не демонстрирует - что, впрочем, не означает, что на "Fixation on a Coworker" можно найти вокальные мелодии в полном смысле фразы. Впрочем, тут любые мелодии звучат крайне своеобразно, и даже неприятно для неподготовленного уха. Нечто подобное им можно услышать, например, на наиболее экспериментальных релизах Napalm Death (у которых, к слову, в "Greed Killing" встречаются рифф и ритмический рисунок, весьма похожие на музыкальные фразы из середины здешней "Pins and Needles").

В отличие от молодёжи нового века протестовавшей против родителей, запрещавших вдевать в чёрные кеды розовые шнурки, металкорщики старой школы всегда могли пояснить за политическую и социальную повестку дня доступным языком (разве что кроме Integrity, отличавшихся тягой к религиозной тематике, оккультизму и паранормальщине). Deadguy, например, горели по антикорпоративизму, обсуждая вред, наносимый большими капиталистическими игроками демократическим ценностям, ну и препарируя сам образ корпоративного сотрудника как проявление рабства в его современной форме. Сомнительно, чтобы тексты песен кого-нибудь когда-нибудь реально чему-то научили или сподвигли на реальный протест, но как минимум слышать такую лирику уже интересно.

Deadguy часто пытаются определить в отцы маткора, на что они откровенно, уж извините, не надрочили. Этих парней вообще больше интересовала суровая монументальность форм, чем количество нот, в них заложенных. Они пытались научить новое поколение музыкантов тому, как можно звучать сурово и бескомпромиссно, но не вызывая у слушателя поток крови из ушей. За это, в общем-то, и любимы.

Jotun  25 май 2020

Ровно шесть лет назад в своей рецензии на “Tibi Et Igni” я задавался вопросом: “Как же реагировать на некоторое изменение музыки Vader в нынешнем тысячелетии, конкретно с альбома 2011 года?” Что ж, беспощадный Хронос дал ответ на мои терзания. И ответ этот звучит: “Никак”. Видимо, ничто не вечно, и даже топливо в ядерном реакторе пана Вивчарека стало заканчиваться. А вышеупомянутый “Tibi Et Igni” является, похоже, последним всплеском музыкального вдохновения у лидера поляков, что показали никакие, в принципе, вообще не нужные, вышедшие вслед за ним, “Iron Times” и “The Empire”. Нарочито олдскульный имидж с кожей и заклёпками смотрится откровенно смешно и карикатурно, да и смягчение саунда и “очеловечивание” музыки на пользу группе не пошли. Свежее “Одиночество в безумии” на протяжении без малого получаса своего звучания всячески пытается доказать слушателям, что у Vader есть ещё порох в пороховницах, для этой цели даже привлекли Уэса Бенскотера, который рисовал обложку для “De Profundis”. Но, поезд, похоже, безвозвратно ушёл. Альбом отчаянно старается мимикрировать под славное боевое прошлое коллектива: вот “Shock And Awe”, “Into Oblivion” и “Stigma Of Divinity” своей гипертрофированной долбой апеллируют к апофеозу звучания бас-бочек в “Litany” и нечеловечески истязающему барабанные перепонки “Impressions In Blood”, а начинающаяся с бодрого трэшевого риффа “And Satan Wept” уместно смотрелась бы на часто незаслуженно критикуемом “Necropolis”. Имеется, как и на всех последних дисках Vader, откровенно-трэшевая композиция, в нашем случае - это “Emptiness”. Наверное, вы думаете, что диск польских ветеранов дэтовой сцены мне не понравился, и я его ругаю? Нет. Из всей богатой дискографии группы материться и плеваться желчью меня заставил только “Welcome To The Morbid Reich”. Просто “Solitude In Madness” пуст и ничего кроме отчаянной попытки показать, что, мол, “Рано нас списывать в утиль! Мы ещё магём!” не имеет в своём активе ничего. Это очередной, бездушный, качественно изготовленный альбом Vader образца второго десятилетия двадцать первого века. Ни больше, но и не меньше.

rassol  25 май 2020

Творческий союз между тогда ещё вокалисткой After Forever Флор Янсен и гитаристом тогда ещё вполне активных и деятельных прог-паверщиков Pagan's Mind Йорном Вигго Лофстадом сложился в 2007-м году. Примерно тогда же были записаны демо для всех одиннадцати композиций и тексты, из которых впоследствии изменилась только лирика для заглавной песни. Проект оказался заморожен на целое десятилетие, но, на самом деле, на его приём это повлияло скорее положительно: музыка здесь звучала бы абсолютно нафталиново что в две тысячи седьмом, что в две тысячи восемнадцатом, зато кое-кто из участников дуэта заработал куда большую популярность.

Янсен заявляла музыкальную направленность проекта как нечто, ориентированное на творчество Foo Fighters, Skunk Anansie и Halestorm. Сходство итогового материала с кем-либо из перечисленных получилось достаточно отдалённым, так что фанатам Скин или Лззи Хейл вовсе не обязательно немедленно отправляться искать релиз для ознакомления. Но всё-таки определённое представление о музыке сложиться может. Northward исполняют старообрядный хард-рок, помноженный на некий усреднённый образ альтернативы девяностых. Лофстаду удалось зарядить релиз замечательными отвязными соляками, которых и Motorhead не постыдились бы, но вот основные мелодии и риффы на диске получились далеко не такими впечатляющими, а где-то даже откровенно наивными. Что-то просто моментально выветривается из памяти, как "Буря в Стакане", например, а песня "Big Boy" вообще включила в себя, наверное, все дурацкие штампы коммерческих хитов тридцатилетней давности.

На самом деле, если оценивать только с музыкальной точки зрения, на релизе выделяются только идеальный боевик-"открывашка" "While Love Died", чудная пауэр-баллада "Paragon", эпичный финал - собственно, "Northward", да, может быть, степенная "Get What You Give". Так что всё просто: если вы не фанатеете от вокала Флор, то можете смело пропускать альбом, взамен загрузившись, например, отличным "Vicious" от Halestorm всё того же 2018-го года выпуска. Если ситуация обратная, то, потенциально, зацепить вас может абсолютно любая песня с релиза (ну, надеюсь, кроме Биг Боя - этот опус откровенно глуп). Госпожа Янсен выпускает весь свой вокальный арсенал в рамках эстрадного и рокового исполнения - классическое сопрано, как и, к счастью, гроул, которым Летучая Голландка активно забавлялась на "ревамповском" "Wild Card", остались за бортом. Даже больше, чем вокальные мелодии, впечатляют эмоции, которые Флор вкладывает в каждую строчку - будто бы действительно вновь переживая породившие её эмоции или события у микрофонной стойки. Как ни крути, с чужими текстами настолько достоверно всё передать у неё едва ли получится (хотя, если честно, ну какие там особенные эмоции или настроение в свежих холопайненовских виршах?). Расцветает даже проходная, казалось бы, коротенькая балладка "Bridle Passion", на которой Янсен ещё и поёт в дуэте с сестрой Ирен.

Итог прост: среднего пошиба рок-альбомчик с отличным вокальным сопровождением. Оценка достаточно высока, но включает в себя все мыслимые фанбойские бонусы и надбавки.

Jotun  24 май 2020

Само понятие невыпущенного альбома становится словно мёдом для целого роя «мух» из мифов, слухов и вполне оправданного любопытства. Но это для имён крупных и самодостаточных – Джефф Бек, Deftones, Prince... Для «особей» же поменьше, но, к своей удаче, оказавшихся на крупном лейбле, последствия становились более печальными. Плохое финансирование, смена приоритетов в мейнстриме, внутренние проблемы, потеря интереса со стороны лейбла – причин для откладывания плёнки на полку оказывалось великое множество, что для карьеры подобных групп чаще всего означало «занавешенные зеркала» и «памятный камень».

Не избежали подобной участи и Electric Angels. Во время записи второго альбома, лейбл настойчиво «рекомендовал» группе назвать его «New York Times», на что музыканты регулярно отвечали категоричным «нет»… Подобная упрямость не была прощена, что, вкупе с общим снижением интереса к хард-року, привело к разрыву контракта в 1991 году. Долгое же время единственным напоминанием об Electric Angels оставался одноимённый альбом, но, спустя 16 лет, сданные в архив плёнки были реанимированы и выпущены под символическим названием «Lost in the Atlantic».

Первое сомнение – стоит ли оценивать подобного «призрака из прошлого» по меркам полноценного альбома? С одной стороны, никто теперь не узнает, что из представленного материала могло войти в окончательный вариант лонгплея, и сколько из него подверглось бы доработке. С другой - все записанные песни отражают тот вектор развития и имеют множество точек соприкосновения. Итак, что можно было бы сказать о «New York Times», выйди он действительно в 1992 году. Первое: вместо ожидаемого крена в сторону более приблюзованного звука в стиле небезызвестных в ту пору Quireboys, «ангелы» вдруг обосновались на позициях стандартного хард-рока. Второе: неожиданно проснувшиеся пауэр-поповые гены подарили несколько номеров, которые вполне могли бы оказаться в портфолио тех же Enuff Z’Nuff - «War is Over», «Postcards From My Heart», «Def Generation», «Hung Up on a Pin Up Girl» и «Cheap Lipstick on a Million Dollar Face». Однако, кроме них, и явно выделяющейся «Color of Hate», никаких других отклонений замечено не было – потенциал «потенциального» «New York Times», как незатейливого, но достойного хард-рок-альбома остался нетронутым. Причём, достойного настолько, что не грех задуматься – а уж не логичнее было выпустить подобное ещё пару лет назад? Всё-таки, имея на руках таких «сингловых» кандидатов, как стадионная «New York Times», запоминающаяся «Lies My Father Told Me» или баллада «Wish I Could Fly», закрепиться в мейнстриме, а, следовательно, и в памяти «пипла», было бы гораздо проще. Впрочем, подобные рассуждения отнюдь не направлены на умаление значимости того же дебютника, с которым образ Electric Angels продолжит ассоциироваться даже несмотря на то, насколько хорошим мог БЫ получиться альбом последующий.

Tomahawk  24 май 2020

21 год минул с тех пор, как Ханси Кёрш и Джон Шаффер выпустили первый релиз под вывеской "Demons & Wizards". Конечно, ему не сыграли на руку завышенные ожидания фанатов пауэра: обе основных группы участников проекта, что Blind Guardian, что Iced Earth, в период середины-конца девяностых находились на абсолютном пике своего творчества, и от альбома ожидали чего-то крышесносящего. Однако "Something Wicked in the Middle-Earth" не получилось; та работа вообще отличалась особым угрюмым настроением и своеобразным подходом к написанию материала, в котором чувствовался отнюдь не только фирменный почерк Шаффера, но и нечто очень схожее с музыкой Ронни Джеймса Дио, что сольного, что в союзе с Black Sabbath, и даже следы классического дума ранних Trouble. Как фанату Blind Guardian, релиз показался мне недостаточно мелодичным, разнообразным и эпичным, как поклоннику Iced Earth - недостаточно напористым, жёстким, и, опять же, не слишком-то эпичным, в том плане, что монументальным концептуальным композициям места не нашлось.

Осознание того, сколько там было на самом деле потрясающих произведений, причём достаточно разнообразных с точки зрения подхода к их написанию и построению, пришло лишь после солидного временного отрезка. За это время Demons & Wizards вернулись в строй лишь однажды, в 2005-м, с концептуальным альбомом по "Тёмной башне" Стивена Кинга. BG и IE появлялись в поле зрения чаще, но результаты показывали преимущественно не самые впечатляющие, а уж направление их творческого развития и вовсе не воодушевляло. Тем приятнее осознавать, что, без малейших изысков окрещённый "III", неожиданно-нежданный новичок проекта и по звучанию, и по содержанию демонстрирует отрадную приверженность той самой стилистике оригинала. Хотя "Diabolic" своим интро заставляет заподозрить, что мужики решили поэкспериметировать с модерн-роком, а потом ненадолго уходит куда-то в современные прог-металлические сферы а-ля Sons of Apollo, уже средина той же композиции даёт понять: нет, мрачноватый и сравнительно неторопливый хэви-пауэр никуда не делся, как и мощный вокал Кёрша, как и прописанные, в основном, им же многоуровневые бэки. Ну а в концовке трек переходит уже к откровенному фан-сервису, многократно отсылаясь к "Heaven Denies" - первой "полноценной" совместной песне наших героев - что в повторённом сверх меры припеве, что в мрачном атмосферном эпилоге. Зато Ханси и Джон успели хорошенько потроллить верующих представителей своей фан-базы, поболтавшись на перевёрнутых крестах в клипе на данную композицию.

Ну а в дальнейшем альбом предпочитает обходиться как без сюрпризов, так и без навязчивых отсылок к прошлым магически-демоническим трудам. У "тройки" от "единицы" (ну и "Touched by the Crimson King" заодно) лишь два фундаментальных отличия. Во-первых, релиз наконец-то радует набором монументальных композиций с замысловатой мелодикой. Не уровня "Dante's Inferno", конечно, но всё же. И если восьмиминутную "открывашку" растягивали что есть мочи, то "Timeless Spirit" уже вполне честно отрабатывает свои девять минут, как и финальная "Сhildren of Cain" - правда, уже целых десять. Во-вторых, практически все оставшиеся песни воспринимаются как интерлюдия, разбитая между этими пиками. Нет, здесь есть освежающие вторжения акустической гитары или клавишных, встречаются классные припевы, как в "Wolves in Winter", но в целом эти главы между собою дифференцированы очень слабо, держась нескольких схожих гитарных рисунков. Среди них нет выразительной баллады образца "Fiddler on the Green", или мощного боевика, сравнимого с "Blood on My Hands", чего-то атмосферно-прогрессивного разряда "Winter of Souls" или грувового эпика, потомка "The Whistler", просто потому, что эти песни не слишком отличаются ни музыкальными составляющими, ни вокальными мелодиями, ни хотя бы ритмикой и темпом, преимущественно неторопливым. При этом общий хронометраж смело уходит к семидесяти минутам, так что даже просто одолеть диск с одного захода может быть непросто.

С другой стороны, три действительно хороших композиции суммарно занимают аж сорок процентов всего времени - вот вам и относительная польза мегаломании. Но, если честно, даже вне их рамок материал звучит куда осмысленнее - с мощным гитарно-риффовым стержнем, без нелепой эклектики и полифонической инструментальной мешанины - в сравнении с любой из недавних работ Blind Guardian или Iced Earth, так что я, на самом деле, четвёртую часть Demons & Wizards желаю услышать куда больше, нежели новые откровения упомянутых "отцов".

Jotun  24 май 2020

Дамы и господа, свершилось. Это оно. Мы наконец-то нашли его. Сомнений быть не может: перед нами – то самое, полумифическое недостающее звено между хард-роком конца 80-х и гранжем 90-х. Сторонники теории зарождения жанра в ходе разумного сотворения оного Куртом Кобейном посрамлены и покидают поле боя, рок-эволюционисты торжествуют и глумятся – но что же обычные, непритязательные любители тяжелой музыки? Тех в своё время ждал сюрприз, ведь за необычной, психоделической обложкой скрывается музыка, похожая и одновременно очень непохожая на всё то, что было прежде.

Изменения заметны с первых секунд. Нет отныне выспренного, обильно умащенного мягким синтезаторным звуком романтизма 80-х – ему на смену пришло жирное и агрессивное звучание гитар, вновь занявших центральное место в музыкальном полотне. Вместо стихов о любви – тексты о наркотиках, изгоях общества и прочих актуальных проблемах, вместо очередного сладкоголосого патлача – Лэйн Стенли со своей неповторимой манерой исполнения, когда атональное блеяние перемежается с пронзительным и мощным вокалом. Музыка стала проще, прямолинейнее и ближе к реальности, но романтическое наваждение 80-х, развеявшись, уступило место тяжелому наркотическому мороку. Им тут пропитано решительно всё, и грязное, нездоровое звучание гитар, вкупе с атональным вокалом и подчас невеселой мелодикой, довершают общую картину.

Но где же тут связь с хард-роком? Корни группы не дадут соврать – начинали Alice In Chains как именно что хард-роковая группа, и часть записанного в те годы материала перекочевала в измененном виде на обозреваемый альбом. Показательнейший пример – тяжелая "Bleed the Freak", что начинается с тягучего гитарного проигрыша. Эта песня до самого припева звучит, как хрестоматийный хард-рок, но вот дальше внезапно превращается в то, что уже вполне можно назвать альтернативой. Хардовое соло – и вновь мрачный и тягучий проигрыш, где-то на задворках которого слышны издевательские смешки. И таков весь альбом - знакомые, но разные жанры здесь сплавлены в необычную, но непротиворечивую и убедительную комбинацию, впоследствии вдохновившую столь многих.

Плохих песен на этом альбоме просто нет. Прямолинейные в своей грубой брутальности "We Die Young" и "Man In a Box", чуть было не попавшие в саундтрек самой Doom 2, сменяются драйвовой и весьма оптимистичной (по меркам группы) "Sea Of Sorrow", вслед за которой идёт тягучая, уже описанная мной "Bleed the Freak". Эта тягучесть присутствует и в психоделической "I Can’t Remember", и в "Love, Hate, Love", что с подобным названием вполне могла бы быть любовной балладой, но вместо этого является самой длинной композицией альбома. По-настоящему эпическая в своей мрачности, она навевает мысли о восхождении на неприступный пик, на вершине которого ждёт очередной сюрприз – пронзительный крик Лэйна, сопровождаемый риффами, которые потом промелькнут еще очень много где (на том же "Dehumanizer" Black Sabbath, например). Невероятная вещь.

С "It Ain’t Like That" начинается вторая половина альбома, с ней же возвращается и бодрый гитарый драйв, радовавший в первых его треках. А вот мрачность никуда не уходит, регулярно напоминая о себе, как например зловещим проигрышем, что начинается сразу после обманчивого вступления. Но так лишь до поры – в драйвовой, радующей, очередным крутым соло "Sunshine" её уже нет и в помине (если не считать текста), а в игривой "Put You Down" нет и психоделии, а есть лишь задорный, прифанкованный рок.

Даже песни из конца альбома, куда по традиции суют материал второго сорта, очень и очень хороши – тут тебе и наркоманская "Confusion" (звучит, как ранняя версия хита "Rooster", между прочим), и "I Know Somethin’", где вновь заметна граница между хардом и альтернативой, и завершающая "Real Thing", тоже пришедшая из иных времен и не стесняющаяся своей напористой агрессивности. Каждой песне здесь есть, что сказать, везде виден талант и (что не менее важно) интерес участников группы.

"Facelift" однозначно можно отнести к числу самых знаковых альбомов не то что гранжа, а тяжелой музыки вообще. Ознакомиться с ним стоит решительно каждому, вне зависимости от того, считает человек гранж новым словом в тяжелой музыке, или напастью, убившей глэм (но мы-то знаем, что его убили алчные временщики из лейблов). Ведь так ли важен жанр, если музыка говорит сама за себя?

Гепард  24 май 2020

Покинув в 1993 году Iron Maiden, Брюс Дикинсон всеми силами пытался доказать прежде всего самому себе, что он чего-то стоит как независимый музыкант и многого может добиться, не прикрываясь авторитетным именем своей бывшей группы. В отличие от начинавших сольную карьеру экс-вокалистов других успешных команд, Дикинсон не хотел двигаться проторенной дорогой. Его альбомы середины 90-х – это безудержный эксперимент. Удачный ли? Ну, это как посмотреть. Именно на долю “Skunkworks” пришлось больше всего критики. Альбом не понятый большинством и, к сожалению, канувший в небытие. Сегодня о нем мало кто вспоминает, а зря.

Если “Balls to Picasso” уже был одной ногой в альтернативном роке, то на “Skunkworks” Брюс полностью погрузился в альтернативу. Судя по всему, легендарный вокалист хотел продемонстрировать, что он не старомодный косный металлист, а вполне может писать «актуальную» на тот момент музыку. И может это делать не хуже, а то и лучше многих, кто тогда был на слуху (в итоге так оно и вышло, но не все смогли оценить это по достоинству). Даже выбор в качестве продюсера «крестного отца гранжа» Джека Эндино говорит о том, что Дикинсон очень хотел вписаться в модный тренд. Увы, новым стартом для сольной карьеры вокалиста этот альбом не стал. Основной потенциальный слушатель среди фанатов Iron Maiden альбом не понял и не принял, а у любителей альтернативы уже были свои фавориты, и им был не интересен какой-то престарелый металлист родом из другой эпохи.

Тем не менее, если не привязываться к жанровым клише, то в музыкальном плане “Skunkworks” получился классным. Мелодически это очень сильный альбом. С точки зрения техники и композиционных решений вроде ничего революционного, но сами песни и мелодии получились просто загляденье. Каждая вторая песня – хит. “Space Race”, “Back From the Edge”, “Inertia”, “Solar Confinement”, “Inside the Machine”, “Octavia”, “Innerspace” – фактически больше половины альбома состоит из боевиков. И хотя, справедливости ради, в некоторых песнях присутствуют однотипность, отличные, небанальные мелодии легко вытягивают весь альбом. Как композитор Дикинсон показал себя на голову выше большинства гранжевых музыкантов той эпохи. Наверное, причина кроется в обширном профессиональном опыте и более широком творческом видении. И хотя в плане эстетики и звука “Skunkworks” находится на стыке гранжа и альтернативы, подход к сочинению здесь во многом «хэви-металлический», так как упор сделан, прежде всего, на мелодии и гармонии. В отдельных песнях Брюса заносит в совсем уже неожиданные широты. Не знаю случайно или нет, но “Headswitch” мне очень напомнила хит Ministry “Jesus Built My Hotrod”. А вязкая “Strange Death In Paradise” это чистой воды дум-метал!

Несмотря на то, что для записи “Skunkworks” Дикинсон полностью обновил лайн-ап, набрав молодых и неизвестных музыкантов, к инструментальной части альбома нареканий никаких нет. Состав прекрасно справился с изобретательными аранжировками, к которым наверняка приложил руку Джек Эндино. В плане звука, как легко можно догадаться, альбом не подкачал. Звук очень объемный, густой и при этом словно бархатный. С точки зрения саунд-дизайна проделана великолепная работа. Очень удачный и интересный микс особенно выгодно смотрится в моменты, когда мягкие моменты в куплетах и припевах плавно и едва ли не вкрадчиво переходят в более жесткие. Такой «плавный контраст» и обманчивая мягкость вообще являются отличительной особенностью “Skunkworks”.

Главным и единственным минусом видится мне то, что альбому не хватает целостности и завершенности. Он больше производит впечатление сборника отличных песен, записанных в одно время. И если добавить пару лишних треков, или наоборот убрать – на восприятии альбома это почти никак не отразится. Понимание того, как писать песни в новом для него ключе у Дикинсона присутствовало, а вот придать структуре альбома завершенную форму получилось неубедительно… Тем не менее, альбом однозначно заслуживает внимания слушателя. У него есть своя харизма и настроение. Более того, он один такой – единственный в своем роде в принципе. И хотя налицо желание Брюса Дикинсона вписаться в модное на тот момент течение и коммерческий расчет, эксперимент получился очень творческим.

Alias  23 май 2020

На тридцать пятый год своего существования группа Mayhem доползла-таки до записи аж шестого своего полноформатного альбома. Если задуматься, всё самое интересное в её истории случилось ещё до выхода первого: самый мизантропичный металл восьмидесятых, песня про бензопильный кишкотрах, безумный "концертник" "Live In Leipzig", вышибивший себе мозги первый вокалист Dead (оправдавший своё прозвище), по отмороженности соревнующийся аж с самим Джи Джи Аллином, та самая фотка раскрошенного черепа, гитарист, зарезанный Варгом Викернесом. В общем, после этого оставшиеся в живых "беспредельщики" вполне могли бросить музыку и зарабатывать сугубо на автобиографиях, но банда всё же собралась после короткого хиатуса и завершила работу над "De Mysteriis Dom Sathanas". И, надо же такому случиться, он оказался действительно гениальной пластинкой.

После неё все причастные так или иначе осознали, что больше судьбу искушать не стоит, потому переформатировавшийся множество раз Mayhem приступал к студийной работе очень редко, и каждый раз пытался выдать материал с абсолютно новой концепцией. Но всё хорошее кончается, и вновь встретившихся в рамках одного состава Аттила, Некробутчер и Хэллхаммер решили приступить к занятию, которое иначе как подведением жизненных итогов не назвать.

"Daemon", если брать только вокальные партии, несомненно черпает вдохновение в том самом "De Mysteriis Dom Sathanas". Узнаются все фирменные техники Аттилы, от отчаянных чистых запевов до совершенно упоротых завываний болотного шамана, которым так смешно в своё время пытался подражать Маньяк на "Wolf's Lair Abyss". При этом саунд, очень плотный для блэк-материала, явно делался по канонам "Химеры". Крайне низкая вариативность, часто даже откровенная монотонность в рамках отдельной композиции навевает ассоциации с около-индустриальщиной "The Grand Declaration of War". При этом "нормальных" мелодий на релизе не отыскать, материал полон диссонансов и "неправильных", буквально вывернутых наизнанку гармоний, по примеру двух своих непосредственных предшественников в дискографии. Материал однозначно радует абсолютной бескомпромиссностью и отмороженностью. При этом первая половина альбома подавляет очень скоростным материалом, с почти не затыкающимся бластбитом, но начиная с "Aeon Daemonium" упор всё больше делается на композиции размеренные, почти ритуальные, медленно зарывающие слушателя во всё новые слои затхлой землицы. Форма, иными словами, соблюдена. А вот что там с содержанием?

Содержание, сказать по правде, ничем особенным не порадовало. В отличие от классики, когда каждая песня обладала особенными, индивидуальными чертами, здесь всё вполне однообразно, разные партии и музыкальные фразы из тех или иных композиций вполне взаимозаменяемы. Ровно такие же потрясающе злые, монолитные, техничные, но абсолютно скучные, однообразные и бездушные релизы в наше время производит польская Mgla, но если там это фирменная фишка и основа самоидентификации, то от всегда отличавшихся переизбытком эмоций и страстей Mayhem слышать такое даже немного обидно.

Jotun  23 май 2020