|
|
 |
|
| Видеть в Misþyrming спасителей современного блэка, попадателей во всяческие топы, чествуемых всяческими регалиями, может, и не стоит. Но это душевная команда, может, более других жанровых сородичей отдающихся человечески в своей музыке, с довольно универсальным северным обаянием и ненавязчиво выглядывающими влияниями. А "Algleymi" в целом нерядовой альбом, с нетривиальным набором песен почти что на любой вкус. Но выходить на Norma Evangelium Diaboli ему... как-то... странно: чересчур легковесная же работа.
На 2-м своем альбоме после дебюта 2015-го дуэт безоговорочного лидера коллектива инструменталиста Dagur-а Gíslason-а и барабанщика Helgi стал квартетом за счет самостоятельных единиц – гитариста и басиста, также вложившихся в саунд бэк-вокалами. Энергии и гибкости явно прибавилось. Самоотверженная мелодика, часто доходящая до исступленных "верхов", захлебывающиеся эмоциями структура, бьющая через край стремительностью эволюция в трэках – у исландцев все слагаемые нескучного и вдохновенного творчества, пусть их пыл и порождает некоторую небрежность исполнения и скрывает фактическую идейную скромность ритм-секции. Видимо, действительно найти правду характеров и неподдельные эмоции в нынешнем блэке не так просто или таких глубоких мелодий недобор. С последним у Misþyrming полный порядок, рафинированные воздушные гитарные мотивы служат прекрасным дополнением к скоростному тремоло, кренящемуся к диссонансам. Иногда же мелодика вдруг становится запойной, рок-н-ролльной, годящийся поп-панку, что заставило некоторых пожаловаться на недостаток мрака у столь нордичных ребят и в таком стиле, как же так... Нам же это не мешает, в блэке бывает и радостная одержимость, и героическая эйфория, горизонты не то что бы расширились, они и были не узкие. Ритм-секции, на что я уже намекал, похвастаться нечем, все мощно, но стандартно, бас неслышен, а ритмо-паттерны предсказуемы, весь груз ответственности взвалили на гитаристов. И прописаны барабанные дела не шибко грациозно и мощно, тремолово-бластовое варево звучит не очень съедобно. С другой стороны, гитары сами на заднем плане, в их отдаленный чес иногда приходится вслушиваться.
В духе восприимчивых к традиции коллективов у Misþyrming есть более роковые формы без оголтелых темпов ("Og Er Haustið Líður Undir Lok"), что-то вроде нойз-рока в черной оболочке а-ля Nachtmystium (которые вообще нередко вспоминаются, резонируя в вокалах исландцев). Самая гармоничная вещица прячется в конце пути, и она заглавная: навеянная воздушными мелодическими изысками, как мне кажется, трилогии "Memoria Vetusta" Blut Aus Nord "Algleymi" есть кульминация атмосферной линии альбома и наиболее ярко выражает сакральную грусть, это по-своему выдающаяся, богатая вещь. Альбом ненавязчиво дополнен клавишными, такова торжественная постлюдия в "Með Svipur á Lofti" и эмпатически мелодичный инструментал "Hælið". Со стороны текстов все не очень мрачно: имеем щепотку вбросов христианству, довольно прямолинейную картину бесплодности и никчемности Исландии и коррелирующего безысходного самоощущения лирического героя, финал всего – пустота. Все никак не пойму, это новая мода на нытье у блэкарей или их тленобыт и соответствующие пейзажи действительно так угнетающи...
Итак, горячая и страстная музыка, разоблачающая холодную и пустую родину Misþyrming удалась со всеми вытекающими, самоуверенным и нагловатым, но теряющим чувство ответственности музицированием, нахрапистым в целом, но теряющим что-то в частностях продакшеном и полной лирической самоотдачей, что перекрывает многие недостатки.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Подъем исландского блэк-метала по иронии судьбы начался тогда, когда самый известный чернушный экспорт страны окончательно отошел от корней к экспериментам ("продался") и, полагаю, будет справедливо назвать пионерами новой волны музыки льда и пламени квартет Svartidauði. Перенимая у одних влияния в среде мелодических решений, у других что-то в плане имиджа, группа сделала что-то свое, не уникальное (куда там такое в наши дни), но умеренно самобытное и справедливо тронула сердца.
Вокалист Svartidauði по совместительству басист, поэтому как бы необычно это ни было в ортодоксальном блэк-метале, его инструмент очень сильно выдается на фоне гитарной вязи. Это придает немного необычный эффект звучащему целому, но не опровергает вековую архитектурную гармонию жанра. Степенное басовое бурчание как бы не позволяет остальным музыкантам разгоняться, и все увлечены и подчинены этому степенному ритму. Конечно, ребята разгонятся и ритмические мускулы напряжены уже в гонке, тракторное урчание свежо звучит при громовых раскатах тремоло. Не является секретом, что каждая 2-ая впередсмотрящая и перспективная блэк-команда 10-х чем-то обязана Deathspell Omega или их соотечественнику Vindsval-у, и тут прорезаются реминисценции их узнаваемой мелодики. Вместе с тем боле монументальная и атмосферная музыка исландцев человечнее и живее благодаря прямолинейно пульсирующей ритм-секции. И не басом единым славен Svartidauði, драммер Magnús тоже работает на узнаваемость своего стиля и его нервозные перестуки и такой же параноидальный тревожный бластбит не хуже баса оживляют картину, не дают заскучать на эпиках, а другого исландцы предпочли не играть на своем дебютном альбоме. Сцепки гитар, баса, барабанов и даже вокала, как их клеят исландцы не дают заподозрить их в копировании навязших в зубах схем, в том числе от упоминаемой франкофонной конторы. 4 трэка в той или иной степени образец немеханического увязывания элементов в одну цепочку: раскатистые, накатывающие волнами тремоло, звучащие как дыхание бездны, боевитый черный риффинг, диссонирующие смычки, эхо черного авангарда. Гроулинг, который звучит как влитой на записи, с некоторыми, я бы сказал, дополнениями а-ля низкий шрайк идеальное решение, не представляю, как нужно зашориться, чтоб на блэковой записи ждать исключительно скрима и «привыкать» к гроулингу, но хватает и таких пассажиров.
Вторая половина композиций тяготеет к замедлению темпов, установления магистрального обволакивающего черного риффа, нагнетающего кинематографичность без ущерба мраку. Особенно эти таланты (щемящие сантименты) хорошо запечатляются в 4-ом и последнем и самом длинном трэке "Psychoactive Sacraments", после которого никак не избавиться от ощущения, что исландцам не чужда пропаганда наркотиков на безжизненных пустошах острова...
Безусловно, "Flesh Cathedral" – классический зрелый и уже потолочный дебютный альбом, не завязший в штампах, но и не трещащий по швам от оригинальности. Но я лично отчаянно кайфую от уверенного вписанного в музыкальную картину баса, такие вещи и придают музыке Характер. За сим всё.
|
| |
|
|
|
|
|
| О рок-музыке 80-х годов минувшего столетия меломаны моего поколения вспоминают неохотно. Для нас, тех кому тогда было 20-30 лет, это десятилетие в этом плане выдалось неоднозначным. Для кого-то это было время утраченных ориентиров и разрушенных стереотипов, а для кого-то невосполнимых потерь...
Наши кумиры, культиваторы тяжёлой музыки в 70-х, в большинстве своём обманули наше к ним доверие. В некотором роде повезло истинным ценителям музыки Led Zeppelin, их идолы тогда вовремя остановились и навсегда остались героями в умах и сердцах своих верноподданных. Многие же из тех, кто этого не сделал, а перешагнув рубикон десятилетий окунулся в мутные потоки сомнительного мэйнстрима реинкарнированного хард-рока 80-х, оказались вынуждены приспосабливаться к новой среде обитания. Некоторые какое-то время пытались, что называется, не терять лица, однако либо под гнётом сложившихся обстоятельств "сошли на берег", либо всё же были вынуждены принять новые условия игры. Тем самым переступив через собственные принципы и изменив себе, меняли себя. Порой до неузнаваемости.
Каждому желающему чуточку вникнуть в творчество группы Foreigner не составит труда убедиться в скорых результатах своих изысканий. А они, если совсем коротко, примерно таковы. Этот коллектив изначально был заточен на производство музыки для, скажем так, сверх-массового потребителя. Потенциальный покупатель пластинок этой группы мог быть как приверженцем, говоря условно, диско-музыки, так и представителем противоположного фланга, фанатеющим от хард или панк-рока.
Основатель и лидер группы Мик Джонс тонко чувствовал дыхание музыкального рынка и легко подстраивался под его текущую коньюктуру. В этом плане другой не менее авторитетный в составе квартета музыкант, вокалист Лу Грэмм, не всегда придерживался тех же принципов, что не мешало им какое-то время на пару делать локальные шедевры для первых четырёх пластинок For.
А вот далее начались осложнения. И пусть до открытого противостояния и уж тем более до конфронтаций между двумя ведущими членами команды не доходило, всё более увеличивающиеся временные зазоры между последующими альбомами свидетельствовали о не самом благоприятном климате в стане For. Тому, разумеется, могли быть и иного рода причины, как, впрочем, и наметившаяся уже тенденция для именитых коллективов, сформированных ещё в 70-х годах, выпускать одну пластинку в три-четыре года. Словно делая одолжения своим загрустившим поклонникам.
После выхода "4", которым завершился условно ранний этап в истории группы, минуло почти шесть лет. В этот промежуток времени был записан только один студийный LP ("Agent Provocateur", 1984 г.), который уже заметно отличался от того же "четвёртого". С равным чувством нетерпения и тревоги поклонники For. ожидали выхода нового шестого альбома. Но группа вновь не спешила. Лу Грэмм настойчиво предлагал хотя бы в какой-то степени вернуться к ретро-звучанию десятилетней давности. Он предпочитал жёсткую ритм-секцию и острый роковый гитарный саунд. Пока после "Agent..." группа пребывала в затяжном отпуске, Л. Грэмм в январе 1987 г. выпустил свой первый сольный LP "Ready Or Not", в котором показательно продемонстрировал свои стилистические предпочтения.
Мик Джонс рассматривал иное направление. Основной стратег творческого развития For. всё более склонялся к ставшему популярным в середине 80-х формату "синтезаторных баллад". Этот товар охотно покупался по обе стороны Атлантического океана. Здесь бы стоило, наверное, предположить, что романтические душевные порывы вокалиста разбились о скалы меркантильного рационализма гитариста и, как-никак, продюсера и аранжировщика. Однако программа альбома оставляет впечатление некоего подобия компромисса своей сбалансированностью, достигнутой, надо полагать, к взаимному удовольствию сторон. Другое дело, как это воспринималось слушателями.
Не стоит и сомневаться, что для всех участников проекта под названием Foreigner, оба эти фактора были в равной степени важны. При том, что успех маркетинговой составляющей неразрывно связан с уровнем спроса, который пластинка должна была вызвать на музыкальном рынке. Так что все старались как могли.
С точки зрения привлекательности и стилистического равновесия программа LP подобрана и составлена безупречно. Сразу же сильное многообещающее начало с одного из главных козырей в виде зажигательной "Heart Turns To Stone", находящее своё созвучное продолжение в "Counting Every Minute", а завершает этот симметричный ударный цикл финальная "A Night To Remember". Во всех этих трёх номерах с предельным минимумом синтезаторно-клавишного присутствия гитара Мика Джонса - ведущий инструмент. Но более важным звеном в этих ярких хард-роковых композициях следует считать дерзкий искромётный вокал Лу Грэмма.
Словно в противовес этим сочным энергичным номерам размещены композиции иного плана. В них практически нет гитары, зато слушателя буквально накрывают плотные слои синтезаторного звучания. Наглядные образцы приторного глэм-рока. Среди них самая обласканная общественным вниманием и самая титулованная в данной программе песня "Say You Will", сконцентрировавшая в себе все параметры коммерчески успешного хита, идеальный образчик для радио-ротаций. В самом начале декабря 87-го года, ещё до выхода LP "Inside Information", сингл "Say You Will" был запущен в релиз как сигнальная ракета, чтобы привлечь максимально большее количество потенциальных покупателей альбома. 6-е место по версии Billboard Hot 100 и отменные показатели в странах континентальной Европы свидетельствуют о том, что с этим синглом у For. всё сложилось как надо.
Далее ещё пара песен по классическим мелодическим схемам группы, но, опять-таки, со стеной синтезаторно-клавишного саунда ("Inside Information" и "Face To Face"). Мне представляется, что поклонники раннего творчества квартета (себя же я к таковым не отношу) были немало озадачены таким обилием синтезаторного наполнения номеров этой программы и столь явному крену к поп-роковой стилистике для молодёжных дискотек.
Ну и, конечно же, баллада. Типично американская, в формате, разработанном ещё в середине 70-х калифорнийцами из Eagles, - "I Don't Want To Live Without You" с меланхолической мелодией и скорбным вокалом Грэмма. Для равновесия в конце программы расположена ещё одна сентиментальная композиция "Out Of The Blue" в духе Дэвида Ковердэйла, только без его привычного сопровождения душевно воркующих гитар. Увы.
Несколько выбивается из этой тщательно продуманной и подогнанной подборки композиция с банальным названием "The Beat Of My Heart". Пожалуй, самый тяжёлый в альбоме трек со сложной и невнятной мелодической конфигурацией, создающей досадное напряжение, переходящее в отторжение с подспудным желанием, чтобы это поскорее закончилось. Нечто похожее, думаю, знакомо всем и каждому.
Для Foreigner эта безупречно студийно исполненная работа, но прохладно в целом принятая сторонниками группы по причинам, не требующим каких-либо дополнительных пояснений, стала последней в 80-х годах. Альбом трудно реализовывался, однако в самом конце десятилетия американская ассоциация звукозаписывающих компаний зафиксировала-таки "золотой", а ещё позднее и "платиновый" статус LP. В рейтинге Billboard 200 "Inside..." поднимался до 15-й пиковой отметки, но этот относительный успех являлся скорее следствием былых достижений группы, однако и он стал последним в истории For.
По инерции квартет ещё какое-то время продолжал совместную деятельность (летний гастрольный тур 1988 года по Европе, в Японии и Австралии), однако затем и М. Джонс и Л. Грэмм занялись своими сольными проектами и на несколько лет Foreigner выпали из внимания мирового музыкального сообщества.
|
| |
|
|
|
|
|
| Удалось ли DSO двинуться вперед, оторвавшись от созданного им болота диссонансной чернухи, что вдохновляет толпы последователей/эпигонов? К счастью и на удивление – да. Альбом близок "Paracletus" в плане баланса закрученности и драйва/грува. Разреженная версия их же вдохновенного прошлого, "The Furnaces of Palingenesia" есть довольно адекватный финт в современной творческой действительности. Записанный живьем в студии на аналоговом оборудовании, разнообразный в манерах, чего там – в среднем более думовый, но начиненный мелкими, но занимательными деталями альбом не роняет имя группы. Французы добавили сдержанных темпов, небольшого минимализма выразительных средств посреди фирменной замороченности, а также нагнали нескромного, триумфального, с эффектом, дарк-эмбиента ("Neither Meaning nor Justice", "Ad Arma! Ad Arma!", "Renegade Ashes") – недолог час живые оркестровки замутят! Моторные гитарные упражнения и уносящийся потоком риффинг тоже никуда не делись, но приемы, используемые французами на этот раз, выводят их из изоляционизма созданного ими мира, доказывают, что их глаза широко раскрыты и мышление не ограниченно. Откуда теперь пришли их инспирации, дьявол знает, но это работает и делает альбом живым и в лучшем смысле современным, а их на голову выше своих учеников.
Происходящее на альбоме мне напомнило 3-й сезон Твин Пикса, эдакое отчасти приближение к зрителю и визуальное, сценарное опопсевание, а на деле не менее, но более глубокий подтекст всего этого. Мелодии-то не менее изощренные, чем раньше, но за счет большей прямолинейности ритм-гитар (никогда не думал, что услышу от них столько палм-мьютинга), нереактивных скоростей, малой доли бластбита, замененного царящего замороченного брейками среднетемпа, французам удалось освежить эффект. DSO хоть и стали тут как никогда заложниками испепеляющей ритмической рефлексии (прерывистости динамики, разнородных сбивок вдоволь), но скупые и тягостные мелодии никуда не делись из арсенала группы, они по-прежнему питательны для мозгов и заполняющи для душ и даже могут неплохо запоминаться. Жаль только, немного затейливого симфонизирующего тремоло ("The Fires of Frustration", "Renegade Ashes"), которое так отчаянно гремело на альбоме 2004 года, в эпоху ранне-авангардного обслуживания яростных религиозных откровений.
По общим негласным законам, которые теперь принимают французы, крайний номер альбома наиболее тривиальный в универсальном смысле, но нерядовой в их собственной Вселенной – некая смурная баллада в духе Тома Уэйтса (вокал Микко вроде как чистый, но надрывный грубый), немногословная, но завораживающая, прямо сокровище прожженных монологов о мироздании.
Рыцари анонимности Deathspell Omega ввели в металическую моду круговерть мрачных диссонансов, и они же наиболее беспроигрышны и практически непогрешимы в дискографии. "The Furnaces of Palingenesia" грамотно организован, очень продолжителен в плане возможностей для своего постижения и просто создан в непостыдном компромиссе между своими амбициями и средними возможностями слушателя. И всё равно слушать его можно бесконечно, как и читать запущенное по случаю 2-е в осмысленном периоде истории группы интервью, первое за 15 лет. "Печи палингенезии" можно наречь лучшим живым неконцертным диском коллектива и понять, что им еще есть что попробовать в своем творчестве.
|
| |
|
|
|
|
|
| Караул! Малоизвестные деятели безыдейного андерграунда (наверное, не вылезая из спален, "Infinite Bedroom" надо было бы) делают невероятно сочную и харАктерную нуаровую музыку на стыке модных, но не то чтоб насмерть затасканных стилей. Француз Steven Le Moan берет самые выигрышные варианты спекуляции на темах городской скуки и ночной меланхолии, но вполне может прикрыться тем, что додуматься могли все, но никто ж не удосужился. Что-то подобное делают местами Thy Catafalque или Manes, но у Netra еще больше жанровых источников и постмодернистского бесстыдства. Как гражданин мира, молодой человек меняет места дислокации как перчатки (Франция - Норвегия - Новая Зеландия), и этот безродный космополитизм прекрасно отражается и в его не сдерживаемых никакими нормами и понятиями экспериментах.
Жесткую "суицидальную" и меланхолическую арт-поп-часть своей творческой натуры музыканты поделил между раздираемой страданием чернушными воплями и сладким голосом а-ля пост-грандж, жанр, засорявший ранее и засоряющий сейчас волны американского радио и чарты. С музыкальной стороны это то энергичный и заряженный мелодиями блэк, то печальная и несущая на себе печать опустошения стерильная электроника. Почти каждый креативный выстрел бьет в цель. Будь это отродье дарк-джаза, выливающееся в атмосферный блэк ("Don't Keep Me Waiting"), электро и (не)счастливый хардкор, мутирующий в блэк электронный на рельсах жесткой перегруженной бочки ("A Genuinely Benevolent Man"). Есть у диска и хиты: электропоп с индустриально-техноидным обострением "Live with It" и приблэкованный электропоп с мощно пульсирующим ритмом и эмбиентом. Начинает и заканчивает маэстро более-менее приджазованными трип-хоповыми номерами. Под трэклистом, кстати, даже даются советы по употреблению альбома, аналогично маркетинговым предписаниям по виски: рефлексия во время вечерних прогулок по городу.
И вся эта душеспасительная субстанция безусловно хороша, но декоративна: смешивая такие стили и в таких пропорциях француз не мог избежать некоей легковесности и легкомыслия, при этом запись не может не отдавать душком рэпа с Soundcloud-а (он уже с подобными сотрудничал), это такое, насколько можно, настолько и отдаленное от олдскульных понятий, которые все же хочется чтить. Ладно ты играешь электро-рок как Manes, пропитываешь своей грустью эмбиент родом из "Perdition City", но оставь в покое эти измученные атрибуты такого отзывчивого на все в последнее время черного метала. А если уж раскрыть свой разум особенно широко, забить на принципы, то трэки Netra проглатываются как леденцы, но послевкусие страдает, эффект недлящийся. Но разве музыка о пустоте не обязана быть отчасти пустой? Кроме того, возможно, стоило делать вещи от 10 минут и больше и прыгать от стиля к стилю уже в них, а то амбиции сливаются, потенциал уходит в никуда.
|
| |
|
|
|
|
|
| Обычным делом стала ситуация, когда от современных релизов не ожидаешь ничего хоть сколько-нибудь целостного и интересного. Тем ценнее сталкиваться с работами молодых коллективов, устремляющих свой взор к временам расцвета жанра. Данный альбом пусть не звучанием, но настроением и наполнением материала отсылает к концу 80-х/началу 90-х, воскрешая в памяти образы Protector и Kreator. Это тяготение техасцев к тевтонскому наследию выглядит убедительно, выливаясь в мощные и хлесткие номера каноничного свойства. Фактор настоящего времени проявляется лишь в звуке, который плотен, объемен и чист. По сути, ничего лишнего и стороннего в рамках этой работы не прослеживается. Стоит отметить технику исполнения, которая присутствует на достойном уровне, пусть это и не требуется в такой степени, но нельзя не почувствовать легкость с которой сыграны все скоростные моменты на хорошем звукоизвлечении. Говорить о каких-то дополнительных деталях не приходится, так как формируется законченная форма монолитного олдскула, где новое не к месту. Кавер-версия на песню с дебюта шведов Merciless встает в общий ряд как своя, а это крайне хороший знак.
|
| |
|
|
|
|
|
| Почти на любом форуме или в любом сообществе, посвящённом музыканту или группе, имеется ветка, посвящённая тому, с какого альбома новичку лучше всего начинать постигать сабж. Есть и другой вопрос подобного рода, который не столь популярен и распространён, но не менее важен – с какой группы лучше всего начинать знакомство с тем или иным жанром, стилем или направлением? С моей субъективной колокольни, если речь идёт о дэтроке, на статус подобной группы претендуют Kommunity FK. 45 Grave с их рок-н-ролльной весёлостью и «черноюморными» песенками-историями в изрядной степени склоняются к хоррор-панку и на эталон жанра, согласитесь, мало тянут, а Christian Death, хотя и являют собой чистый, незамутнённый готик-дэт-рок, слишком болезненны, патологичны и тяжелы для восприятия непосвящённым, не говоря уже о треках наподобие «Prayer», «The Fleeing Somnambulist», «Of the Wound», «Trust» и иже с ними, которые у «нуба» вызовут вполне предсказуемую реакцию: «Это чё, блин, ещё такое???» и к какому бы то ни было року имеют крайне опосредованное отношение. Kommunity FK же в этом случае – беспроигрышный выбор, ибо в комплекте и готическая задумчивость, и напористый панковский драйв, и даже звучание приближено к мейнстримной рок-музыке настолько, насколько это совместимо с верностью канонам жанра.
Как уже было сказано выше, здешние вещи делятся на две условные категории: задиристые околопанковые боевики, местами отдающие хардкором («Fuck the Community», «Bullets»), и романтичные, мечтательные вещицы, тем не менее, не утрачивающие своей грязноватости и грубовато-чувственного шарма («Unknown to You», «We Will Not Fall», «Nothing Yet», «No Fear»). Особняком стоит стремительно-угрожающая композиция «Tribulations» со зловещим «вампирским» полухрипом-полушёпотом и атональная, близкая к индастриалу «Incompatible Disposition» со всевозможными баночками-скляночками (скорее живыми, чем синтезированными), собачьим лаем и женскими криками на заднем фоне (впрочем, делающими эту вещицу скорее забавной, чем пугающей). Что-то подобное этому треку можно было в своё время наблюдать у «Nihilist Spasm Band» с поправкой на полное безразличие к ритму. А вот в «Anti-Pop» вокализы Патрика Маты звучат андрогинно и даже в меру нечеловечески. Стоит ли удивляться, что эта работа столько лет не покидает флешку в телефоне вашего покорного слуги?
В общем, вот такой мастхэв для каждого готопанка. Как бы высоко современная «готическая и индустриальная музыка», по выражению анонимного автора написанной в пресном «телеграфном» стиле краткой биографии коллектива, ни летала, почитатели данной сцены не должны забывать тех, кто учил её ползать.
|
| |
|
|
|
|
|
| Некогда известная в среде русских олд-готов «Лунофобия» начинала свой творческий путь с творчества в пост-панковском ключе, имеющего крайне опосредованное отношение к готической сцене. Это, однако, отнюдь не тот пост-панк, которому свойственны урбанистично-«серые» минималистичные мелодии и отстуканные драм-машинкой мало отличимые друг от друга ритмы. Не побоюсь заявить, что «панка» здесь даже чуть больше, чем «поста». Кстати сказать, помимо лёгкого ироничного пост-панка и панк-рока в его наиболее «интеллигентном» изводе, здесь присутствуют также классический рок-н-ролл («Инженер») и джаз («Музыка для масс»). Сдаётся мне, что неспроста эти композиции помещены в конец альбома, хотя и не позиционируются сколь-либо явно как бонус-треки.
Так или иначе, очевидно, что группа ориентируется не на зарубежных представителей жанра, а на отечественных исполнителей того толка, который на этом портале, в большинстве своём, не котируется. Из чего-то мало-мальски похожего в музыкальном плане приходит на ум «Пикник» времён «Дыма», но с более «шутливым» вокалом, или олдовые отечественные панки «Чудо-Юдо», которым придали на порядок больше утончённости и интеллигентности. К слову о мужском вокале – голос Сергея «Сап-Са-Дэ» Бельца навевает ассоциации не то с Фредом Адрой, не то, прости Господи, с небезызвестным нам всем Андреем Князевым. Также обращают на себя внимание характерные для многих отечественных панк-исполнителей кривляющиеся интонации, на последующих детищах группы исчезающие ввиду несоответствия их концепции. Местами музыкальное полотно также смутно отдаёт чем-то балаганно-цирковым. Впрочем, в данном случае музыкантам это только на руку, чего не скажешь о последующем их творчестве. За вычетом же всего вышеперечисленного это примерно та же «Лунофобия» что и на позднейших работах, но, так сказать, ещё не выпрямившаяся в полный рост. Более того: открывает альбом болезненно-мрачноватый трек «Лето прожито» с утяжелёнными гитарами, маниакальным лидирующим вокалом Сергея и даже надрывными бэками Миши Кормана, в котором уже отчётливо просматривается зародыш грядущих «лунофобских» интонаций; в тексте – насаженные на забор кричащие головы, умирающие лютики, мёртвые ветви и прочая символика подобного рода.
В основной же массе своей здешние тексты варьируются от абсурдно-гротескных полуисторий-полупритч («Он твой», «Красивый дом», «Музыка для масс») до милой озорной бессмыслицы в духе битловского «Моржа», цоевских «Огурцов» и поэз «Оптимального Варианта» (кто в танке, есть такая широко известная в узких кругах группа русского рока) («Искусство для искусства», «Саранча», «Трава», «Инжнер»). Не обошлось здесь и без влияния сибпанка – умиротворяющая и весьма продолжительная по здешним меркам баллада «Старые песни» обыгрывает всевозможные советские нетленки («Бери букварь, лети домой» – «Бери шинель, пошли домой») и не только их («Когда не больно, не смешно /Лететь сквозь сумерки в окно» – «Ему и больно, и смешно, /А мать грозит ему в окно» (А.С. Пушкин), «Смотри, не обломай перо» (А.Я. Розенбаум – «Гоп-стоп»)). Впрочем, интертекстуальность исподволь вплетается и в другие здешние вещицы: «Всё, что ты есть» – «Шумел камыш, сгорали дни» («Шумел камыш, деревья гнулись…»), «Инженер» – «Он не панк, он не хиппи, он не хэви-металлист» («ДДТ» – «Мама, а я любера люблю»). Очевидно, что это ни разу не плагиат, а художественные приёмы и поэтические находки. Не чужды Сап-Са-Дэ (к слову, известному также на литературном поприще) и другие постмодернистские штучки, например, обыгрывание романтических штампов родом из Золотого-Серебряного веков («Вот, так, mon cher», «Ты видел свет хрустальных сфер», «Я желаю любить исключительно вас» и прочие аналогичные пассажи). А фрагмент «Свеча угаснет на ветру, /А я сгорю и не умру» невольно отсылает к хрестоматийной детской задачке-обманке, суть которой в следующем: горело столько-то свечей, из них погасло столько-то, сколько свечей осталось?
Подвожу итог: не шедевр всех времён и народов, но внимания заслуживает. Безусловно, эта простодушная, но яркая и душевная работка – важная веха в истории отечественной некоммерческой музыки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Признаюсь честно, каждый раз в голове не укладывается как альбом, в котором 1-й трэк 18 минут, а последний 12, может не превышать стандартную продолжительность. Не иначе как в середке напихано всякой мелочи... Впрочем, несоразмерность и произвол не чужды Стиву Пикоку, он же Ephemeral Domignostika, его стезя - хаотический блэк наисовременнейшего толка. Схемами своего творчества и методом организации материала он обязан Deathspell Omega, содержание свое. До чего же цельные мелодисты эти DSO, осознаешь после прослушивания "Valis". Вроде Калифорния не чужда рафтингу, вот и Стив организует свои шумовые пьесы как сплав по горной реке с порогами, шиверами/перекатами и водопадами. Так вот мятежно, беспорядочно, истерично ведет автор по своему материалу, угловатая хмурость с двумя эмбиентовыми передержками.
Основные трэки – синонимы к слову "непостоянство", в них поминутный "вызов гармонии", неуловимые, порою едва съедобные риффы, максимально заостряющие грани, толкающие материал к грани с антимузыкальностью. Если когда-то хотелось оправданно заподозрить в блэкарях маткоровые помыслы, то это тут, однако ударка и вокал сертифицированно чернометальные. Стабильно параноидальный, едущий материал иногда только оформляется в сравнительно более удобоваримые формы, лучше всех с задачей зубастой доступности справляется крайний трэк "S.T.A.R.S.E.E.K.E.R.", где можно услыхать и здоровые атмосферные вайбы и мелодичную панк-блэкуху, можно сказать, Стив продрался к слушателю сквозь собственных тараканов в голове. Хотя сам он считает, что диссонансные территории мало освоены и отказ их изучать есть легкий путь – да, позор всему блэку до DSO и дэту до Gorguts. Однако диссонирующий максимализм тоже неплохо загоняет музыку в рамки, тут даже пассаж с акустикой не помогает. Или же когда на 13-ой минуте неожиданно полностью пропадает гитара, чтобы вернуться с более атакующими орудиями. Так или иначе, подвергнуть сомнению громадный креативный прыжок, который совершил музыкант, придумав все эти сюрреальные, причудливые и бесконечно шумовые риффы, как никогда близко подойдя к тому, что могло бы быть math black metal, совесть не позволяет. Или, если возвести ближе к первоистокам, это всё есть фри-джаз, выполненный в лесопильно-стучащих техниках.
Утверждается, что материал был записан в 2010-м году. Если так, Mastery тем более визионерский проект, развивший в своем ключе великие идеи диссонирующего черного арта еще во времена его расцвета у первопроходцев. Ставя такому альбому высокую оценку, вы постулируете, что границы вашего эстетического восприятия расширены, а дозволенное практически безгранично. "Valis" - белая ворона даже в эпоху извращения изращенного, уникальный, ожесточенно индивидуалистский опыт.
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть еще самобытные музыканты, которые бережно переносят подходы прошлого в сегодняшнюю реальностью. Концепт one-man band в былые времена, например, в эпоху блюза и известный лично мне по черному исполнителю Abner Jay-ю, замечательно усвоен многими андерграундными деятелями и в первую очередь самыми большими мизантропами или принимающими таковую позу – блэк-метал-музыкантами. Но записывать пачку инструментов раз за разом, править ошибки – слишком большой творческий комфорт. Попробуй-ка сыграть всё сам и одновременно. Да еще и сымпровизировать всё играемое. Стив Пикок, известный так же как Ephemeral Domignostika, бросает вызов себе и выходит из зоны пресловутого комфорта. Гитара естественно самое большое богатство проекта, она генерирует сырющую и удовлетворительную мелодику. Не разгадал как функционируют малый барабан, бочка и хай-хэт исключительно при работе ногами, но видео неопровержимы. Ударка не выходит за пределы отработанных схем: немного скованно и косноязычно чередует бочку с малым барабаном, или уходит в уверенный сдержанный бластбит без сбивок, чего в принципе не было и у Дарктрона с полноценной занятостью 2-х участников.
Параллельно с сырым блэком встречаются донельзя атмосферные, но в ином смысле ретро-вэйвовые зарисовки ("Gate of Shields", "Gate of Uncreation", "Gate of Vexations"), при этом вышеназванный блэк предстает или в хищном околодарктроновском стиле, с тем же максимальном эффектом при тотальной экономии выразительных средств ("Void Supernal", "End Supernal"), или в заторможенном трансовом виде ("Hidden Supernal", "Throne Ascension", "Depth Ascension") – восхитительное и, что удивительно, ни разу не бредовое сочетание. Стильно, без нонсенса. Мастермайнд Ephemeral Domignostika не так давно выпустил почти что революционный пласт под вывеской Mastery, и следы того опыта (безумный строй и диссонансные тенденции) заметны и в свежайшем релизе. C технической стороны Стиву помогли такие компетентные в звуке и звукозаписи люди, как Greg Wilkinson (Brainoil) и James Plotkin (O.L.D., Khanate).
Pandiscordian Necrogenesis являет блэк в самом минималистическом, голом, непафосном виде, но не за одно это мы славим американца, так как сделано всё некоряво, с толком и вкусом, и знанием задач жанра. По меньшей мере от человека с драм-сетом имени ограниченных возможностей не ждешь темпового разнообразия, глубины музыкальных изысков и одинаковой силы всех формирующих саунд элементов. Партизанская многофункциональность в черном ремесле и колоритные эмбиент-пейзажи с винтажным ароматом – что еще можно хотеть от человека, который "и швец, и жнец, и на дуде игрец", и всё это в едином пространственно-временном континууме без заранее выработанного сценария.
|
| |
|
|
|
|
|
| Кризисные явления в истории любого музыкального коллектива - дело обычное. Тем более, если творческая летопись его исчисляется уже вторым десятком лет. А если этот коллектив ещё и, что называется, с именем и на виду у широкой музыкальной общественности, той самой, что готова любой случившийся пустяк воспроизвести как громкую, а ещё лучше скандальную сенсацию...
С началом студийной работы над новой пластинкой внутри группы The Who и вокруг неё обнаружилось столько самых разных пустяков, что впору было начать беспокоиться за её дальнейшее благополучие.
После выхода в релиз предыдущего их LP "The Who By Numbers" (октябрь 1975 г.) минуло почти два года. Завершив многомесячный масштабный тур музыканты взяли отпуск и разбрелись по своим углам. Было самое время отдохнуть и от того гастрольного безумия, и друг от друга, тем самым хотя бы ненадолго приглушить напряжённость межличностных отношений, уже готовых в любой момент прорваться наружу. Пит Таунсенд закрылся дома в кругу семьи и не давал никаких интервью, занимаясь написанием новых песен. В сентябре 1977 года вышел второй (по некоторым данным третий) его сольный альбом "Rough Mix", на этот раз совместный с Ронни Лэйном (Pete Townshend & Ronnie Lane). И Роджер Долтри к тому времени закончил свой третий сольник ("One Of The Boys"). Собственным проектом был занят и басист группы Джон Энтуисл. За проведённое таким образом время музыканты неизбежно отдалились друг от друга и успели утратить единство и общность цели.
Наконец в сентябре 1977-го они собрались вместе, чтобы совершить ряд разминочных выступлений, однако выяснилось что барабанщик Кит Мун явился на сбор в отвратительной морально-физической форме - наркотики и алкоголь ощутимо отразились на его состоянии. Тогда же было объявлено, что The Who временно приостанавливают концертную деятельность, незамедлительно приступая к записи новой пластинки.
Однако, и студийная работа никак не складывалась. Первые дни в Ramport Studio проходили вяло, никто не хотел работать, все ждали вечера, когда можно было слегка употребить. Именитые продюсеры Глин Джонс и Джон Эстли, в своё время сотрудничавшие и с "битлами", и с "роллингами", и много с кем ещё, с трудом справлялись со строптивым квартетом. С дисциплиной были большие проблемы, собрать вместе весь состав практически никогда не удавалось. Как правило П. Таунсенд находился в студии с кем-то одним из партнёров, редко с двумя. Кит Мун же был совершенно неуправляем, он просто не считался с расписанием сессионного графика, а порой вообще исчезал на неопределённое время. Состояние его здоровья всё больше вызывало тревогу, в ходе записи Мун подчас забывал свои партии. В конечном итоге в композиции "Music Must Change" Кит накуролесил так, что при сведении звука записи его барабанных партий были полностью удалены. В концовках отдельных вокальных фраз Роджера Долтри можно услышать отрывистый звон тарелок, и только. Стоит заметить, впрочем, что это достаточно сложный номер с дискретной мелодической структурой и обилием инструментала, и заметное отсутствие ударных можно расценить как некий оригинальный аранжировочный эксперимент.
Более того, оказываемое давление на неадекватного порой барабанщика со стороны продюсеров чаще имело обратный эффект, К. Мун намеренно делал всё наоборот. Запись альбома постоянно прерывалась по самым разным причинам. А они чередой следовали одна за другой: проблемы с голосовыми связками и операционное вмешательство у Р. Долтри; бытовая травма руки у П. Таунсенда; нелепый перелом руки у сессионного пианиста Джона Бандрика, которому пришлось искать замену в лице известного клавишника Рода Арджента (экс-Zombies), а пока его ожидали, время было упущено... Все эти невзгоды сопровождали The Who зимой 1977-78 годов.
Нередко Пит Таунсенд оставался в студии один и тогда никто и ничто не мешало ему предаваться экспериментам с синтезаторным звучанием, этим он тогда был глубоко увлечён. Многие композиции из программы "Who Are You" изначально были задуманы лидером группы для будущего проекта "Lifehouse" (научно-фантастическая рок-опера, некое подобие модернизированного продолжения "Tommy"). После относительно аутентичного LP "The Who By Numbers" в новой пластинке Таунсенд практически все номера намеренно напичкал разномастными партиями синтезаторов, электро- и акустическими клавишными, оригинальным гитарным звучанием , а ещё он подтянул к созданию программы LP своего тестя, известного в английской столице композитора и аранжировщика Тэда Эстли (ещё один Эстли!), который снабдил несколько композиций (в частности "Love Is Coming Down" и "Who Are You") звучанием акустической струнной секции.
Программирование синтезаторов, а затем финальное сведение всех готовых записей в единое целое, забирало у П. Таунсенда много и времени и сил. Но оно того стоило. Музыка The Who обрела необычайно яркий и насыщенный колорит, но аранжировки композиций при этом неизбежно усложнились, некоторые даже слишком. Причём настолько, что при их прослушивании неизменно возникало ощущение перегруженности отдельных фрагментов ("Sister Disco", "Guitar And Pen").
В этой связи особую функцию обрела самая оптимальная, пожалуй, песня альбома "Trick Of The Light" Джона Энтуисла. Здесь почти классический хард-рок с насколько это возможно минимальным присутствием всех этих таунсендовских инноваций. Композиция эта, словно разделительная полоса на автобане, пролегла между вышеперечисленными номерами и ощутимо снизила градус прог-арт-роковой напряжённости. В "Trick Of The ..." трио инструменталистов не стали мудрить и отыграли своё как того требует классика жанра.
Из-за разного рода задержек, простоев и прочих неурядиц The Who выбились из графика и были вынуждены оставить Ramport Studio. В марте 1978 г. они возобновили сессионную работу в RAK Studio, где раз за разом возникали проблемы с неисправным оборудованием. Продолжавшему заниматься саморазрушением Киту Муну последовало последнее предупреждение от Таунсенда выгнать его в конце концов, на какое-то время это образумило барабанщика. В апреле группа вернулась в привычную обстановку Ramport Studio и вышла на финишную прямую этого всех утомившего процесса.
По одной из версий пластинка "Who Are You" была задумана П. Таунсендом для возможного сближения, если уж не примирения, двух, казалось бы, совсем непримиримых лагерей британской рок-музыки того времени - пассионарного прогрессивного рока и оголтелого панк-рока. Возможно инициаторов этого весьма сомнительного предположения впечатлила история, которая отчасти нашла отражение в титульной композиции программы "Who Are You". История, которую в красках однажды поведал сам Пит Таунсенд. Непростой, надо заметить, выдался тогда у Пита денёк. Вот его краткое содержание.
После 13-часовой разборки с Алленом Кляйном (бывший менеджер The Beatles и The Rolling Stones), пытавшимся за спиной у П. Таунсенда скупить его авторские права на песни The Who, зарегистрированные в издательстве с чудовищным названием Eel Pie Publishing, в тот же знаменательный вечер произошла случайная встреча Пита с участниками панк-группы Sex Pistols (гитарист Стив Джонс и барабанщик Пол Кук). Эти двое сами подсели к его столику в одной из забегаловок, где лидер The Who коротал вечерок после А. Кляйна, и признались чуть ли ни в любви к музыке Пита и к самой группе. Для Таунсенда это стало невероятно приятным откровением. Затем в компании с панк-рокерами у него состоялся ночной марафон по подобным лабазам английской столицы. А закончилось всё тем, с чего, собственно, и начинается сакраментальная "Who Are You".
Таким образом, инцидент с пронырой-Кляйном явился поводом для рождения одной из знаковых песен в истории группы. Пит пояснил, что она "скорее о потребностях в новых друзьях, чем какой-то нахрапистый вызов". Однако, по словам Таунсенда, Роджер Долтри своим излишне агрессивным пением исказил изначальный посыл, вложенный им, Питом Таунсендом, в текст этой композиции.
Альбом "Who Are You" вышел в релиз только 18 августа 1978-го и стал заметным событием того рок-музыкального года. Даже на опутанных панк-роковой паутиной Британских островах в категории UK Albums Chart он поднялся до 6-го места, а в Северной Америке, где LP издавался на MCA Rec., его ждал ещё больший успех: по версии Billboard Pop Albums, пластинка добралась до 2-го места!
Без особых надежд планируемый квартетом гастрольный тур не состоялся в связи со смертью Кита Муна (7 сентября). Наивный бунтарь, беззлобный хулиган, отчаянный пофигист, совесть и душа The Who... Он до последних своих дней оставался в составе, проходя интенсивный курс лечения и до конца надеясь, что сумеет выкарабкаться. В группе его поддерживали, как могли, хотя уже задолго до его кончины понимали, что Кит обречён. Со стороны ведь всегда виднее...
Его уникальная энергозатратная техника работы на ударной установке была по достоинству отмечена уже в 1982 году, когда Кит Мун был введён в Modern Drummer Hall of Fame, на тот момент став всего лишь вторым барабанщиком, удостоенным такой чести.
"Мы потеряли нашего великого комедианта, - обращался с официальным заявлением к СМИ от имени группы Пит Таунсенд, - нашего славного мелодраматического артиста, который, наверное, был самым неординарным, особенным барабанщиком в роке, готовым поджечь себя, если бы потребовалось, чтобы публика повыпрыгивала из своих кресел..."
Только летом 1979 года The Who отправились на гастроли в США с новой программой, хотя справедливости ради следует отметить, что лишь четыре композиции из "Who Are You" когда-либо звучали на выступлениях группы ("Sister Disco", "Music Must Change", "Trick Of The Light" и, собственно, "Who Are You"). В составе уже был новый барабанщик Кенни Джонс (экс-The Small Faces), а так же Джон Бандрик, внештатный клавишник The Who. Это был первый большой гастрольный тур группы без Кита Муна.
Как покажет время, с уходом этого маленького неистового барабанщика, закончится целая эпоха в истории The Who. Большая и славная.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как показывает практика, желание перезаписать старый материал – вещь весьма щепетильная. Чаще всего трудно назвать успешными попытки музыкантов придать новое измерение своей же классике. Боюсь, что в случае с Mortiis тот же случай. “Spirit of Rebellion” является новой версией альбома 1994 года “Ånden som Gjorde Opprør”, уже давно перешедшего в разряд классики. Именно с этим альбомом пару лет назад Mortiis решил воскресить и вернуть на сцену свое раннее творчество 90-х, т.н. Era 1. На тот момент все это выглядело очень многообещающе, заставляя с нетерпением ждать новую студийную работу. Но в итоге гора родила мышь.
Дело в том, что оригинальный альбом и так являлся самодостаточным и завершенным творением с собственной неповторимой атмосферой, ощущением древности и уникальным андеграундным духом. На “Ånden som Gjorde Opprør” всё было на своих местах, и для того, чтобы альбом как-то улучшить… Не знаю. Возможно, в данном случае уместно было сделать глубокий ремастер или ремикс. Но Mortiis решил записать альбом заново. Был ли смысл переписывать неоспоримую классику? Скорее нет, чем да, так как получилось плохо и неубедительно.
Прежде всего, необратимо разрушена былая атмосфера, которая требует особо чуткого подхода, являясь определяющим элементом на подобных работах. А ее нет. Неприятно удивляет плоский и совершенно искусственный звук. Альбом звучит дешево и безжизненно. Что особенно странно, учитывая современные технические возможности и многолетний музыкальный опыт норвежца. Кроме того, полностью изменилась подача. Сохранив основную мелодию оригинала, Mortiis забил какими-то племенными, пластмассовыми барабанами всё свободное пространство. А попытка накрутить помпезность в ряде случаев выглядит натянуто, да и просто неубедительно. Даже сохранившиеся оригинальные мелодии в такой обработке сделались какими-то игрушечными, лишь отдаленно напоминая о том, какой чудесной вещью изначально был этот альбом. Также появился налет индастриала, что неудивительно, учитывая какую музыку Mortiis играл последние 20 лет. В принципе, при грамотном подходе индустриальные эффекты могли бы лечь на изначальный материал, но в представленном контексте такое дополнение лишь вызывает сумбур. И порой совершенно непонятно, что же автор хотел больше сыграть – Dungeon Synth или Industrial.
К сожалению, “Spirit of Rebellion” стал разочарованием. Особенно с учетом того, что в концертном исполнении всё это звучало более мощно и намного гармоничнее. Лично меня очень впечатлила именно концертная подача старого/нового материала. Поэтому, вероятно, более приемлемым был бы вариант выпустить живую версию старой классики в современной аранжировке. Остается надеяться, что Mortiis не разочаруется вновь в своем творчестве, связанном с Era 1, и однажды мы сможем услышать более убедительное продолжение той, ныне уже баснословной, эпохи.
|
| |
|
|
|
|
|
| Финский коллектив со своим порядком вещей, Oksennus любит демки, шифроваться, минимализм, повторения и, наконец, анафоры. "Sokea idiootti" (вроде бы "Слепой идиот") как будто считается лучшим их альбомом не в последнюю очередь потому, что на нем звучит ЭТОТ БАС. Солирующий, отважно ведущий за собой весь шатер. Техничная, мелодичная до высшей степени харизмы игра персонажа, скрывающегося за литерами O.K. – словно своя, отдельная разновидность эзотерики в дэт-метале. Запись удивительно свежо звучит, это безумная, но систематизированная подземная музыка, в которой все элементы складываются в причудливые, но нерушимые гармонии наваждения. Приблэкованная зашумляющая гитара, рельефные переливы баса, не только танцевальные, но и закольцовывающиеся в олигофренические мантры, то шалящая бластбитом, то начисляющая сбивка за сбивкой в неспешном эпике ударка – это очень интенсивная психоделия с валом вязкого, липкого звука, давящая частностями, расшатывающая сознание. Непроницаемый хриплый рык и щепотка чистого горделивого вокала под богослужение укомплектовывает этот странный микс. Благодаря ведущей роли басиста, весомая доля вклада гитариста и лидера шайки K.K. – текстурная, шумовая, колдовство гитарными эффектами. Центральное полотно "Sokea idiootti" на 10 минут – "Eksoftalmus" с ударным стриптизом барабанщика, без конца совершающим пробежки и громящего медь, мелодичным басом и гитарный нойзом, напоминает бухую репетицию Aluk Todolo. Заготовленное напоследок блюдо "Ekstinktio", возможно, более других передает все красоты группы: медленный таинственный гитарно-басовый зачин, думообразное развитие со скупой мелодикой, оттененное ритм-секцией, кульминация, выраженная в харизматичном басовом риффе и нагнетаемом шуме гитары, бас в финале закрепляет свое шаманское предназначение... финны точно взяли вдохновение за жабры! И запись в целом реально смахивает на порезанную на трэки репетицию с большой долей произвольности движения.
Локальный, очень скромный феномен Oksennus достоин всякого уважения и почитания, эти необычные финны гнут свою линию, хотя вся разобщенность их курса и линии никакой не подразумевает. Но они положительно нонконформисты и в тренды, пусть даже подземные, не собираются. И все-таки чудесно, что когда включаешь такую условно дэтовую группу, она не считает себя обязанной оправдывать ваши жанровые ожидания и вообще обслуживать какие-то стереотипы. Где-то задумчиво-ритуальный, где-то бесшабашно-заводной материал с ламповым звуком сюрреальной ворожбы, хорошо, когда монолитность саунда дополняет универсализмом мышления. Лично я на это падок, чего уж скрывать.
|
| |
|
|
|
|
|
| Печально за сонмы экстремальных коллективов, всю жизнь остающихся заложниками своих традиций, тянущих лямку тру- энд олдскул-… или же непростых формаций, раз за разом воплощающих в своем творчестве удачную формулу, но тем радостнее откровения откуда не ждали, преображение музыки коллектива хоть на один альбом. Такая радостная участь постигла финнов Convulse неожиданно, без фанфар, без громких заявлений, заигравших дэт-метал, лишенный клише, мыслящий и разворачивающийся свободно. Короткий, но емкий альбом увлекает за собой с первых ностальгических проигрышей, устанавливающих правила игры на следующие 30 с лишним минут. Его в большей степени инструментальная природа явно навеяна 70-ми, утяжеленным арт-роком, авантюрным почерком его героев, страстью путешествовать в звуке. Мысля же метальными категориями и вешая ярлыки, следует признать, что дэт финнов согрешил со стоунером, озорные импульсы и мелодические особенности которого несложно заметить как минимум в ассортименте примочек. Атмосфера совершенно "нездешняя", триповая (но драйвово-), ритм-гитара где-то вообще грувовая (это красная тряпка для пуристов), мелодии воздушны, свежи и пластичны, ритм-секция, в частности ударник разгуливается как в прежние времена, стильным грувом, зажигательной сбивочной техникой или напротив чеканным милитари-ритмом. Вот так порывы сдавливаются годами, но в конце концов правда открывается, и избитый стиль начинает играть новыми красками. С все тем же дремучим хриплым гроулом, он оттеняет перемены и позволяет не забыть о своем прошлом в ходе припоминания чужого. Разбавляет его вокальную гегемонию шепот, полноголосно чистый вокал звучит в одной только "Ever Flowing Stream".
Козырь "Cycle of Revenge" – многообразие форм без ощущения аляповатости и мешанины. Каждый следующий номер чем-то да щегольнет: то барабанным замесом с воздушной гитарной мелодикой, то утопленным в дилэе с овердрайвом зачином, который разворачивается в захватывающее гитарное действо с рукотворным брейкбитом, а то племенными комбинациями с томами в качестве основы для шумового джема. Как видите, барабаны тут кой чего определяют!
Минус один – краткость хоть и сестра таланта финнов, но она же и враг погружения. Паре-тройке трэков явно недостает хронометража, чтобы полностью нырнуть в преображенный музыкальный мир. Ну и эклектизма в частностях диск не избежал: зачем-то начинается с характерного стоунер-вступления, а потом уходит в безыскусный дэт-трэш, не свойственный общему стилю альбома.
Про сам же диск "ничего удивительного" сказать язык не поворачивается, это тонкий, умный, но не заумный альбом сдержанного, органичного экспериментаторства, не выходящего за рамки здравого вкуса. Он хорош не только для дэта, но и для ряда других стилей, разноудаленных от него. Skeleton Of God, другие дэтовые олдскульщики, на своем пласте 2008-го года также заигрывали с подобной эстетикой, но Convulse дают поп-версию, песенно-ориентированный вариант их более громоздкого и тяжелого для усвоения и навязчивого укуренного материала, что в данном случае никак не минус.
|
| |
|
|
|
|
|
| К 1977 году уровень самооценки музыкантов из Status Quo, одной из самых стабильных британских команд десятилетия, вырос настолько, что достаточно солидный, казалось бы, статус и вполне обоснованная их популярность на островах и в континентальной Европе уже не грели им души и сердца. Как, впрочем, и всему менеджменту. А непосильная до поры цель пробиться на заветный американский рынок уже обрела форму навязчивой идеи-фикс. С выходом достойного номерного альбома "Blue For You" (1976 г.) и двойного концертного "Status Quo Live!" (1977 г.), который в штабе группы рассматривался не иначе как кандидатский вступительный взнос для вхождения в элитный клуб британского рок-н-ролла, прохладное безразличие к S.Q. на американском континенте расценивалось как некое досадное недоразумение. И теперь его самое время устранить. Между тем, насколько успешно менеджмент группы продвигал бренд S.Q. в Европе, настолько бездарно он это делал за океаном. Свои очевидные недоработки и просчёты руководство вознамерилось компенсировать за счёт будущих усилий музыкантов.
Планируемый очередной студийный альбом должен был стать тем тараном, что проломит-таки наконец эту стену отчуждения. И для воплощения в жизнь этой задачи были проделаны некоторые подготовительные мероприятия. Первым делом решено было нанять продюсера, без которого группа как-то справлялась последние пять лет. Пайп Уильямс оказался ровесником музыкантов и близким им по духу парнем, в недавнем прошлом сейшн-гитаристом и с небольшим опытом работы в качестве продюсера. В его послужном списке значился лишь один серьёзный клиент - певец Грэм Боннет (будущая рок-звезда Rainbow, Michael Schenker Group, Alcatrazz). Именно свежий альбом Г. Боннета и стал тем решающим аргументом, что определил выбор продюсера.
Фрэнсис Росси позднее вспоминал, что необычное звучание гитар в том самом альбоме привлекло его внимание, а ещё чистота и качество звука. Работая самостоятельно (начав с "Piledriver", 1972 г.), музыканты S.Q. как правило ориентировались на собственные восприятия той своей музыки. То есть главное, чтобы самим нравилось. Этим и довольствовались. Тем более, что понимание у европейской аудитории их музыка находила. Чего, увы, оказалось недостаточно для пресыщенного американского потребителя. Пайп Уильямс как должное воспринял выдвинутые ему условия. Всё сводилось к тому, что ему с группой следовало подготовить альбом, который бы вписывался в американские стандарты.
В целях удешевления процесса студийной работы и из-за непомерных английских налогов записывать пластинку решено было в Швеции, в Studio Bohus в Гётеборге. Сессионная работа началась 16 августа 1977 года, в день когда умер Элвис Пресли.
Дабы потрафить северным американцам Колин Джексон, менеджер S.Q., навязал Фрэнсису Росси относительно недавний хит Джона Фогерти "Rockin' All Over The World", который соответствовал сразу нескольким критерия отбора. Песня всё ещё была на слуху (сольный LP "John Fogerty" вышел в 1975 году и "Rockin' All Over... ' была заглавной в нём) и при должной обработке должна была непременно вписаться в стилистические рамки группы.
С неё, собственно, и начались студийные будни. Уже в сентябре песня была готова и вброшена в реализацию отдельным синглом, предварительно должным образом проанонсированным. Неудивительно, что в UK Single Chart "Rockin' All Over..." достиг престижного 3-го места ещё до выхода LP.
Музыканты и П. Уильямс переложили этот ставший нетленным кавер-хит легендарного ветерана уже давно к тому времени распавшихся Creedence Clearwater Revival в более утяжелённом варианте с двумя (редчайший для S.Q. случай!) лидер-гитарами в отдельных его фрагментах и при активном участии клавишных Энди Бауна. Эта мини-пластинка с незатейливой вариацией Д. Фогерти должна была стать приманкой для привередливой заокеанской публики, однако сингл затерялся на необъятных просторах Северной Америки и даже не нашёл своего отражения в местных рейтингах. Менеджмент группы, однако, пошёл до конца и название кавера (единственного, кстати говоря, на пластинке) преобразовалось в название всего альбома, вышедшего в ноябре того же года.
Этот слегка ироничный тон обусловлен моим неоднозначным отношением к этой работе S.Q. Вообще-то программу этого лонг-плея я бы даже посчитал посредственной и малоинтересной, если бы не одно "но"... За этой краткой частицей русской речи кроется всего-то одна единственная песня, столь же короткая, однако во-многом меняющая характеристику всего альбома. Это "For You" Рика Парфитта.
В моём восприятии одна из самых привлекательных композиций в богатейшем творческом наследии группы. Но с этой жемчужиной, выбивающейся из общего ряда всех номеров программы "Rockin' All Over...", в ходе записи гитаристам пришлось изрядно повозиться. К достаточно простой, казалось бы, мелодии этой романтической песни долгое время не получалось подобрать сольную гитарную партию. Её следовало скорее даже не наиграть, а сконструировать. И тогда за гитару взялся Пайп Уильямс. На пару с Ф. Росси они увлечённо джемовали в четыре руки. Неизвестно, сколько времени продолжался тот их своеобразный battle, но совместными усилиями они добились-таки того созвучия, что стало истинным украшением "For You". Есть, впрочем, ощущение, что основу этой изящной гитарной дорожки проложил П. Уильямс. Фрэнсис никогда подобным образом не играл, не его это почерк. Трогательная запоминающаяся мелодия с проникновенным вокалом Р. Парфитта, позитивный текст, излучающий восторженный оптимизм молодого влюблённого человека.
Удивительное дело, но ватная тема любовных отношений красной линией прочерчена почти через всю программу альбома. За малым исключением. Должно быть и это являлось одним из условий, которых обязаны были придерживаться музыканты. Потому, как никогда ранее в таких объёмах S.Q. к подобной тематике не прикасались.
Однако, всё это не сработало. Альбом не оправдал тех надежд, что на него возлагались. Пресыщенный американский рынок вяло отреагировал на все старания музыкантов английской группы. Должно быть у какой-то части заокеанской аудитории LP S.Q. и нашёл отклик, но не в тех масштабах как ожидалось. А проведённый следом за релизом альбома гастрольный тур по Штатам и вовсе закончился плачевно - группа едва смогла покрыть расходы жалкими доходами. Видимо, ещё и поэтому позиции, которых придерживались музыканты в отношении к этой своей работе, были крайне противоречивыми. Ф. Росси называл LP "паршивым альбомом". С ним был солидарен бас-гитарист Алан Ланкастер: "Когда Пайп Уильямс начал нас продюсировать, всё пошло не так". Рик Парфитт напротив считал пластинку достаточно привлекательной. И понять его, наверное, можно, хотя другая его программная песня ("Rockers Rollin'"), исполненная в привычном для группы формате буги-рок, только на этот раз в неожиданном танцевальном стиле, всего лишь бледная тень его же "For You".
П. Уильямс и пятеро участников группы, надо признать, честно исполнили то, что были вынуждены исполнить. В своём звучании они ощутимо продвинулись вперёд, а ещё попытались разнообразить стилистику и аранжировки песен, использовав многие имевшиеся в своём арсенале формы - от умеренного хард-рока ("Hard Time", "Hold You Back") до унылого буги-блюз-рока ("Who Am I"). Если вынести за скобки "For You", все остальные номера укладываются в секторе между этих двух флангов - модифицированный гитарный буги-рок разной степени интенсивности, приправленный клавишными, где-то чуть больше, где-то меньше.
При желании из этой массы можно выделить разве что "Baby Boy", своеобразную "колыбельную" для взрослых мальчиков от Фрэнсиса Росси. Этакая исповедь престарелого ловеласа, на склоне лет пришедшего к мысли, что лучшие годы его бурной жизнедеятельности остались в раннем детстве.
Резюме: в творчестве этой уважаемой группы были, но, что много важнее, будут альбомы и посильнее и поинтереснее. Теперь-то мы это знаем.
|
| |
|
|
|
|
|
| Очередной альбом на излете пост-трэшевых времен, когда даже одни из самых интересных и техничных коллективов с трудом находили себе место. Перед нами команда из Детройта с единственной полноформатной работой, зато какой. Применительно к местной сцене можно сказать, что никаких серьезных прорывов детройтские банды не совершили, тем ценнее находить такие едва поблескивающие из глубокого андеграунда жемчужинки как Carbide. «Spiral Termination» вобрал в себя немало влияний, но представляется альбомом не пестрым, а скорее сбалансированным. Здесь превалирует среднетемповое повествование с грамотными акцентами, где нет резких поворотов и найдется место в том числе прожилкам американского пауэра. Немаловажным моментом является положение в общем миксе басовых партий, которые прекрасно прописаны и всегда четко прослеживаются. Аналогии определить не так просто как это могло показаться, но все же выделю некоторые сходные черты с творчеством Intruder. Что касается шреда, то опять же наблюдаем случай сбалансированного и в тоже время яркого солирования. Как следует из моего повествования, слабых мест у Carbide не много, но говорить о действительно нетленных хитах тоже не приходится. Тем не менее, имеем дело с очень крепким и талантливым артефактом трэшевой эпохи.
|
| |
|
|
|
|
|
| Мне нравятся и эти грувовые риффы, и этот реставрационный трэш-металический пафос и драйв. Всё хорошо в правильных руках. Саунд Pig Destroyer остается современным и актуальным, не скатываясь ни в какой стыд. Некоторые считают Insect Warfare эталоном современного грайнда, я же слышу там прилежное продолжение звучания ранних Напалмов. То ли дело наэлектризованный всяким бытовым психологизмом в текстах и тревожной медийностью через сэмплы и электронику, воистину злободневный материал PD. Новоприглашенный ударник Адам Джарвис из Misery Index напитал альбом дьявольской энергетикой, техникой он явно не хуже Брайана Харви, а может и превосходит его. Мощнейшие грохущие бласты, пулеметные дроби на малом барабане, деятельные бас-бочки – ударная кухня заряжена лучшими ингредиентами. Баса по традиции нет, только на "Head Cage" они наконец сдались и добавили жира и округлости в звучание. Эта запись считается наиболее приближенной к грайндовым основам (по меньшей мере из позднего). И зная, каких каверов чуваки поназаписывали на бонусном диске, можно не сомневаться, что панковские взрыв-пакеты до минуты и чуть больше будут поддерживать огонь, олицетворять душу альбома, а пузатые затейливые риффы на базе трэша и пост-трэша, а иногда даже чего-то и подумовее – его фундамент, дородное тело. И там, и там есть своя харизма и смысл. Лаконичные высказывания на сверхзвуковых словно разыгрывают карту пауэр-вайоленса, умудряясь прыгать от бластовой агонии к математизированным построениям через серию сбивок, в длинных номерах ребята по-другому распределяют усилия, выкраивают время для неторопливого грувовых джемов барабанщика и гитариста ("Baltimore Strangler", "The Diplomat", "Valley of the Geysers"), иногда доводя вязкость риффов до сладжевых образцов, но слишком ненадолго, чтобы их можно было заподозрить в сочувствии подобным настроениям в рамках регулярного альбома. Всего в меру, никогда не быть увлеченным чем-то в полную силу – вот метод "Book Burner". Хотя вот без трэшевых заготовок никуда не сдвинешься, но это классика, святое, библия риффмейкерства.
Психопатически-психологические тексты J.R. Hayes – возможно, то, в чем он всегда будет ближе нью-металу, чем грайнду – как всегда освежающи и увлекательны. Не иначе как эти истории оживают на наших глазах в дайджесте повседневного психо-хоррора, калейдоскопическом грайндкоре, не успевающем наскучить вам своей сюжетной изощренностью. Как писал старина Necromancer, "Особо видится мне применение здесь всех популярных сейчас стилей музыки, которые способствуют удивительной забористости песенок". Без этого группу сложно представить, но жанровой идентичности буквой и духом от этого в них не убывает. Трэки слышатся мне как сводки происшествий, местное провинциальное ЧП, на самом деле текстуально они довольно абстрактные, это скорее мрачный чарующий символизм, доносящийся истошно и сквозь менее поэтичную вязь мяса. "Automatic porn / Drug ritual" ("The Bug").
Конечно, группа изменяет себе: разрастается (некоторые считают, что напрасно), J.R. Hayes жиреет по-американски и теряет остроту вокала, сторонние влияния иногда хотят вынести вперед ногами основу, но с разницей в 5 лет Pig Destroyer выпустили 2 ярчайших диска, которые сочтет за честь иметь в своей дискографии любая бригада жанра. Балл отыму только за то, что в трэк-листе чего-то не хватает, полагаю, турбоударной или достаточно экспериментальной концовки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если бы Джими Хендрикс вел более здоровый образ жизни и дожил бы до седин, он мог бы принять гостевое участие на диске Clotted Symmetric Sexual Organ. Но ребята пока справляются сами. Чего я вспомнил главного гитарного виртуоза психоделической эры? Наверное, потому что заглавие крайнего диска эксцентричных японцев похоже на игру слов на базе названия дебютного диска Джими и переосмысляет его в типичном для себя ключе. Так-то никто не удивляется дэт-н-ролловым делам середины 90-х, у японцев примерно то же самое, только вбухано немного хаоса, стены звука, фидбэка, космических джемов (скрипов и шарканий гитары, грозных базовых фраз), во время которых хочется валяться с косяком и считать звезды. С заводными хард-роковыми риффами в экстремальной музыке в Японии в 2001 году вообще было хорошо, чему свидетельством "Imaginary Soundscape" Sigh, у C.S.S.O. больше примоченности и стоунерского шика, хорошо прослушивается бас, которым в обычном грайндкоре часто жертвуют, традиционный грув в ударных. И при этом, конечно, по всем фронтам ущемлена экстремальность. Хиппи-мировоззрение расслабило и обеззлобило. Порою рок скатывается в ленивый бластбит с воплями, но ненадолго, так как в следующем трэке припасена новая "квакушка". Теплая и ламповая психоделия в заглавном трэке убивает весь грайндкор на корню. Таким образом, альбом, конечно, вдыхает свежий воздух от нафталиновых психоделических дел, но одновременно выталкивает базовый жанр из альбома. У пауэр-вайоленсовой бригады Gasp с их галлюциногенным диском 1998 года задача решена куда более интересно и без жертвования экстремального компонента, у C.S.S.O. на «Экскрементах» сытая и комфортная версия дэт-н-ролла или стоунера с несколькими реминисценциями хаоса. Японцы себя в определенном смысле не оправдали. Чувствую себя обманутым вкладчиком в акции ООО "Джей-грайнд".
|
| |
|
|
|
|
|
| Имя Sore Throat всегда будет упоминаться наряду с Extreme Noise Terror, Напалмами и Carcass-ом, мол это пионеры и ранние из ранних и... (конкретно эти) панковейшие из неметалических грайндкоров. Чего угодно можно услышать в Больном горле, но только не металической амбициозности, основательности и стремления быть профессионалами по своим меркам. Йоркширцы как вечные дети 1977-го, заражены школьной идеей бедного идейного панка, надругательства над устоями, которым агитационный надрыв важнее музыкальных норм и тем более красот. Не зря же они берут колор и шрифты, да и сами фразы из сокровищницы британской анархии, только на сей раз хотят дать под дых суровым коллегам по цеху, причем тяжелее и брутальнее их. По альбому, который лучше назвать компиляцией, ибо никакой объединяющей силы между этими "песнями" нет, то короткие хаотические фразы под кривую долбу, то более развернутые телеги с какими-то невнятными риффами. Тотальная грязь и неоформленность, антитехничность и полное отсутствие интереса в музыкальном развитии. Иногда правда, звучит сносный дибит ("We'll March Against the Nazis", "Insecurity - Maturity"), но c обрыганским гроулом, и грехи музыкантов искупляются хотя бы драйвом и оголтелостью. Органичнее всего у них выходит довольно консервативный панк, пусть и с ожесточенной вокальной подачей ("Silver Kerching"). Ну и парочку шуток-пародий удачны: "The Kill (ing)" (c фразой: Napalm Death fuck off!) и "Napalm Attack", cтебущая манеру той же группы.
Sore Throat как продукт инфантильный, без перспектив взросления, жил ровно 3 года с 87-го по 90-й и никаких ривайвалов тут быть не может, из формата творчества легко вырасти и то, что музыканты уходили преимущественно в хэви и дум, о многом говорит, в частности о несерьезности их намерений в те далекие годы или же просто лишний раз подтверждает таковые домыслы. Иногда в последнем дне/параше привлекает какая-то стильность, фишка "так хорошо, что даже плохо", но Sore Throat всем этим уловкам чужды.
|
| |
|
|
|
|
|
| 15 августа 2003 года Tierra Santa выступили на испанском фестивале Lorca Rock. Это шоу практически в полном объеме вошло в состав лайва «Las mil y una noches» (2004), а оставшаяся часть песен, которая на диске элементарно не уместилась, была издана на бонусном DVD, который прилагался к альбому «Apocalipsis».
Ну что скрывать, видео, конечно, смотреть гораздо приятнее, чем слушать аудио. Но истинным поклонникам группы не помешает иметь в своей коллекции и то, и другое.
В этот концертный альбом вошло всего 20 песен, и практически все из них – бессмертные хиты. Данный лайв, наверное, стал своеобразной квинтэссенцией творческого потенциала этих испанцев, он показывает их с самой лучшей стороны. То, как Анхель и Ко там зажигают, просто не поддается никакому описанию. Это – самый настоящий безбашенный хэви-металический угар, невероятная мощь в причудливом сочетании с удивительной мелодичностью и душевностью исполняемых композиций. Это - воистину настоящее мастерство. Несомненно, был у этих ребят талант…
В общем, если хотите услышать и увидеть Святую Землю в период ее расцвета и самой высокой популярности, то обязательно приобретайте этот концертник – вы совершенно точно не прогадаете.
|
| |
|
|
|
|
|
| ФОРМУЛА УСПЕХА.
У каждого времени свои герои.
Этот расхожий тезис применим давно и повсюду, но как правило ситуативно. Причём, независимо от степени значимости ситуации: от событий эпохальных, как то полёт в космос, до обыденно-повседневных, что-то типа бабушку через дорогу перевести. При чём здесь Nazareth, возможно спросит кто-то? Объясняю на отдельно взятом примере.
За пятнадцать месяцев (с мая 1973 г. по август 1974-го) Naz. выпустили три полновесных и, как показало время, достаточно успешных альбома. Это может быть и не то же самое, что в космос слетать и вернуться, но что-то героическое в этом тоже есть.
Роджер Гловер взялся продюсировать слегка подрастерявшийся квартет, будучи сам ещё на тот момент бас-гитаристом действующей группы. Минувшей осенью 1972 года раздираемые внутренними конфликтами Deep Purple колесили по Северной Америке с гастролями, Naz. выступали у них на разогреве. Вы можете себе представить и соизмерить репертуары тех и других? Есть свидетельства, что "назаретовцы" выплывали тогда за счёт каверов. Дэн Маккафферти как-то раз сам проговорился, что по ходу тура они днём успевали отрепетировать пару-тройку чужих песен, чтобы вечером исполнить их уже на сцене. Порой всего один единственный раз. При этом сами музыканты вполне себе осознавали, что это путь для полу-профессионалов. Группа, претендующая на признание, а не только банально зарабатывающая деньги, действовать таким образом могла себе позволить разве что в самом начале своей муз. деятельности. Naz. уже вряд ли можно было считать новичками рок-сцены, однако две не слишком убедительные пластинки и смутные перспективы на ближайшее будущее вынуждали их всерьёз задуматься - а не начать ли всё заново? И вот тогда на помощь подоспел Роджер Гловер.
Среди десятка номеров программы LP "Razamanaz" группа дважды воспользовалась кавер-версиями. И музыканты и их продюсер отдавали себе отчёт, что делать кавер с записью на виниле, это не то же самое, что исполнить его на концерте. Даже предельно прочувственно. Чтобы не повторяться следом за автором, а показать тот или иной кавер с иной, возможно даже более привлекательной стороны, как минимум необходимо обладать некой индивидуальностью. С этим у парней из Naz. должно быть ещё имелись вопросы, а вот с чем вопросов не было, так это в плане приобретённого ими опыта использования чужих песен.
С планом же по новому LP все они изрядно рисковали. Слишком мало времени минуло с момента выхода в релиз "Razamanaz", чтобы с учётом реакции на него с этим планом всё устаканилось. Надо заметить, что в тот отрезок времени (лето - осень 1973 года) Naz. пребывали под ощутимым давлением. Поддавливала компания, с которой у группы был заключён контракт, муз. пресса и околомузыкальная общественность всё ещё иронизировали по поводу стилистической размытости их ранних пластинок. И даже совершенно иного рода музыка последнего диска ещё не означала, что со стилистическими форматами в группе определились. Не в лучшем расположении духа находился и Р. Гловер после болезненного разрыва с Deep Purple.
"Loud' n' Proud" видится мне работой ещё в большей степени экспериментальной, чем краеугольный "Razamanaz". И дело тут всё в тех же каверах. Судите сами. При на удивление короткой программе пластинки (всего-то чуть более получаса) объём звучания кавер-версий в ней составляет почти половину этого времени. О чём это говорит? Главным образом о неуверенности музыкантов и их продюсера в достоинствах собственного материала. При условии, конечно же, что тот материал был в должной мере наработан. А с этим, похоже, не всё было гладко. С другой стороны все они были заряжены на то, что как надо справятся с чужим материалом. И это в то самое время, когда стремительно развивающийся прог-рок (как, впрочем, и всё ещё цветущий буйным цветом тяжёлый рок во всех его проявлениях) диктовал в той первой половине 70-х железное правило, что лишь собственный муз. материал будет являться залогом успешности исполняемой коллективом музыки, а стало быть и творческого роста этого коллектива. Стоит вспомнить хотя бы Pink Floyd.
Но вот авторитетное издание "Melody Maker", в своё время анализируя "Razamanaz", отмечало: "Возможно многим группам полезно знать, что чья-то одна чужая, но хорошо исполненная песня, является куда более важным опытом, чем несколько посредственных своих". Этим, возможно, и руководствовались Naz. в тот непростой для них период становления.
Нужное умение адаптировать чужую композицию под некую модель, если уже не концепцию, своей пластинки cполна проявилось у музыкантов Naz. в "Loud 'n' Proud". Так и произошло с сентиментальной балладой канадской певицы Джони Митчелл "This Flight Tonight", которая из слезливой исповеди брошенной женщины преобразовалась в искромётный рок-н-ролльный номер. Надо думать, текст этой песни вошёл в определённый диссонанс с весёлым инструментальным сопровождением, но это было уже не столь важно - в Канаде "назаретовский" вариант "This Flight..." был принят на "ура".
Самым же наглядным и убедительным проявлением студийного экспериментирования группой со звуком и аранжировками выразилось в ещё одном кавере "The Ballad Of Hollis Brown". Предположу, что идея использовать этот подзабытый номер Боба Дилана под подобного рода эксперимент принадлежала Р. Гловеру. Кому, как ни ему могла прийти мысль внедрить в звучание этой эпической сюиты fuzz-bass под громоподобное размеренное громыхание ударных в духе Джона Бонхэма. Полная иллюзия тяжёлой поступи некоего механического колосса. Давящая инфернальная атмосфера, нагнетаемая ритм-секцией и сопровождаемая ею от первой до последней секунды этого затяжного эпоса, со стопроцентным попаданием соответствует его сюжетному содержанию. Ничего подобного в ранней истории Naz. не было и не будет, хотя опыт никак не выглядит неудачным. Просто это был не их путь.
Видимо Роджер Гловер для себя тогда уже сделал вывод, что выковать из этой четвёрки рок-аристократов калибра Led Zeppelin или Uriah Heep у него вряд ли получится. Он просто отпустил ситуацию и предоставил этим парням возможность делать то, что у них выходит лучше всего, не требуя от них слишком многого. Хотя с "Ballad Of Hollis..." у группы вполне получилось.
Кто глубоко погружён в раннее творчество этой группы, тот давно, должно быть, сформировал для себя особое мнение о ней как таковой, как и своё понимание её музыки тех давних лет. Мнение неопровержимое, как теорема Пифагора, и незыблемое, как египетские пирамиды. С этим и живёт. Попробуй с таким поспорь. Когда-то я и сам был из таких. Но не вспомню уже с какого момента те мои твёрдые, казалось бы, убеждения в какой-то части начали преломляться, размываться, расползаться... Возможно, это возрастное, как уверяет медицина. Между тем, к музыке Naz. я отношусь всё так же трепетно, разве что чуть более цинично.
Вернёмся к "Loud 'n' Proud". Собственно, в остальном квартет уверенно продолжил движение в фарватере, проложенном предыдущим их диском. С одной небольшой поправкой - хард-роковый формат "Razamanaz" преобразовался в более лёгкий рок-н-ролльный. Первая сторона "Loud'..." (все пять номеров) являет собой воплощение удачно найденной группой, приемлемой и успешной для неё стилистической формулы, которой она будет пользоваться ближайшие 7-8 лет. Незамысловатая, но бодрая энергоёмкая музыка, затягивающая своим первородным драйвом и позитивом, с характерным вокалом Дэна Маккафферти, с этой его перманентной "простуженностью" в голосе. И когда уже безразлично что там у него в текстах.
И вот теперь я подступаюсь к главному, к попытке выразить свои сиюминутные сдержанные впечатления относительно содержания side one пластинки, на фоне тех моих восторженно-непосредственных эмоций сороколетней давности. Итак, стремительный риффинг стартовой "Go Down Fighting", в которой здесь и сейчас я улавливаю некие панк-роковые мотивы, эстафетой передаётся следующей за ней "Not Faking It", где он (риффинг) на стадии припевов преображается в раскатистый рок-н-ролл, с акцентированной бас-гитарой под управлением Пита Эгнью. Далее самое интересное - убойная связка из двух лихих песен ("Turn On Your Receiver" / "Teenage Nervous Breakdown"), от которой когда-то мне и моим единомышленникам просто головы сносило. С завораживающей, как мне тогда представлялось, сольной дорожкой Мэнни Чарлтона на гитаре, немного старомодным способом а-ля Джордж Харрисон в "Turn On Your..." и неистовой "Teenage Nervous...", этой динамической смесью буги и разудалого рока, с яростной ритм-секцией, диктующей тональность всей композиции до самого донышка.
А что мы имеем на сегодня? Рок-н-ролльный натиск всё так же силён, но уже не столь горяч. Аутентичные мелодические схемы песен с предельно простым, едва ли ни примитивным инструментальным воплощением. Впрочем, усилиями одной гитары едва ли можно было достичь большего. Со временем группа всё это откорректирует, наладит, отшлифует и последующие работы Naz. зазвучат как надо. Но не в "Loud ' n' Proud". Концовка этой части программы совсем удручающая. Финальная "Free Wheeler" ("Вездеход") производит впечатление "напрасного громыхания", с затянувшейся сверх всякой меры сольной гитарной партией в завершении. Закрадывается мысль, что М. Чарлтон умышленно тянул время, чтобы таким нехитрым методом добавить минуту-другую к этой неприлично короткой по продолжительности звучания стороне LP. Здесь мне недостаёт душевности, словно группа на выступлении обращается к огромной стадионной толпе, но ни к кому из этой толпы в отдельности.
Такая вот невесёлая, прямо скажем, картина. Но, что есть, то есть. Спасение альбома в его side two с "Балладой о Холлисе Брауне", кавер-версией Джони Митчелл, выходившей отдельным синглом с невероятным успехом, в конце концов с величественной балладой "Child In The Sun", где роскошный вокал Маккафферти органично сочетается с бэк-вокалом и "вкусную" сольную партию выдаёт гитара М. Чарлтона.
Что бы там ни было, но в своё время пластинка имела хорошую прессу и устойчивый успех, прежде всего коммерческий, что в тех условиях было немаловажно. "Loud 'n' Proud" разом издавался ещё и на Vertigo в Европе и Японии, на Philips в Южной Америке, чуть позже на A&M Rec. в Северной. Ещё позднее неоднократно на Mountain Rec. Очевидно, что этот альбом не дотягивал до уровня "Razamanaz", но являлся важной стадией в становлении Nazareth, одного из самых колоритных представителей британского рока в 70-х годах минувшего столетия.
|
| |
|
|
|
|
|
| Конец 1990-х - начало 2000-х – крайне интересное время для олдскульного дэта. Поиск новых художественных средств, повальная альтернативизация, только ленивый не попробовал себя в манящих то хардкоровых, то альтернативных/нью-областях. Не стала исключением и такая непростая группа, как Wicked Innocence, и вот тут актуален вопрос, пожертвовала ли она своей самобытностью, внедряя более мейнстримовые и молодежные элементы в саунд, или они замечательно ужились в экспериментальном профиле команды. Состав особо не поменялся, только ушел басист, это не рейдерский захват группы, это что-то случилось внутри. Барабанщик Трэвис Джирон во взятом до выхода "Worship" интервью обещает, что вот вы думали, что на "Всемогуществе" полно странностей, а они еще не начались и рамок нашей творческой свободе не видать. А вдруг пуританская Юта, где по заявлению того же музыканта в диковинку любой экстрим-метал, совратила их вплести пост-гранджа, от которого рукой подать до христианского рока, в свой нетривиальный дэт. Неожиданно доминирующим вокалом, красной нитью проходящим через все композиции, стали гранжерские или пост-гранжерские напевы не то под Эдди Ведера, не то под Лэйна Стэйли, а дополнительным штрихами стали гуттурал, стандартный гроул и изредка декламация (иногда сразу 3 вида вокала существуют почти единовременно). Brutal (post)grunge можно сказать. То есть, неглубоко копнув, можно действительно сказать, что это вроде запустили синхронно записи из 2-х стилей. Но по-настоящему пропущенными через себя эти приемы ощущаются только, когда чистый вокал на грани скрима и переходит в гроул и обратно, наиболее воодушевленные, несдержанные, захлебывающиеся эмоциональные места. Завершая или почти завершая многострадальную тему гранжа: в конце концов многие вышли из этого и определенная ностальгия по 1991-1993 в 1999-ом и позже вполне иметь право быть и быть замешенной в чьи-то эксперименты.
На самом деле музыка в жертву принесена не была, она осталась авантюрной, мятежной и завернутой, приверженной флажолетам, активно вспоминающей своим слэмовые корни, буксующей и со знанием дела притормаживающей перед новым импульсом к развитию. Общей чертой многих трэков является ускорение и усиление напряжения ближе к финалу. Однако соотношение вокала с музыкой стало еще настолько свободным и так повысив абстрактность последней, что местами вокально-инструментальный синтез реально едва работает, но дело лучше с каждым прогоном альбома. К этому быстро не привыкнешь, но результат акклиматизации интересный. Если вам претит понимать и принимать агрессивный монтаж влияний (иногда техника вокала меняется на полпредложения, а иногда голоса сосуществуют в многоголосой мешанине) то вполне можно пообедать мясной частью, благо там все наваристо, жирно, флажолеты пищат, брейкдауны прижимают к земле, бас бурчит, даже вытесняя гитары… WI в целом верны выбранному источнику развития своего стиля, и реверансы в иные стороны нечасты, но случаются как бы невзначай в середине и конце трэков (фанковые ритмы во 2-ой половине "Jealous And Self-Conscious", cтоунерские интонации в финале "Minus The Body"). Белая ворона и откровение даже в рамках этого диска – акустическая вещица "G.O.D." с флейтой, напоминающая в общих чертах "Gone" Phlebotomized, но более эклектичная, торжественная.
Из инструменталистов всю запись напролет радует де-факто лидер бригады, текстописец и барабанщик: мужик вовсю насыщает запись электризующими дробями тарелок, вворачивает неожиданные заполнения, а вот привычных жанров бластов услышим по минимуму. Определенно Трэвис один из самых интересных драммеров 90-х в жанре. Что до текстов, то лирика группы стартует с повествования о Розуэлльском инциденте и далее углубляется в онтологические размышления о предназначении, взаимовлиянии прошлого, настоящего и будущего, сущности могущественных сил... команда ищет!
Принимая "Worship" во всем многообразии противоречий и дерзновенных свершений, считаю целесообразным заключить с ним плохой мир нежели вести хорошую войну, как часто любят делать, например, на МА и что я попробовал сам в случае с Cryptopsy ’08 (и не сказать, чтоб очень жалею). Симпатией к этой сумятице я точно проникся, "а вы смогли бы"?
|
| |
|
|
|
|
|
| Природа искусства вообще и лучшего искусства в частности такова, что самые каноничные произведения той или иной эстетики, мировоззрения, жанра не могут не быть сложнее, синтетичнее, чем однозначное, неразвивающееся нечто. Так и с культовыми японцами, дуэтом Catasexual Urge Motivation, вооруженными драм-машиной и страстью кровопролития и изучения соответствующих импульсов с помощью дэтграйндового жира. Дело в том, что с вместе с досье кровавых перверсий на скоростях указанного стиля С.U.M. не могут обойтись без тягучих, прессующих риффов под дум (что-то очень пещерное и эзотерическое как diSEMBOWELMENT), а драм-машина в свою очередь придает событиям неслучайный аромат индастриала. В "Bleeding for Spermqueen" жирная бочка олицетворяет уже хардкор-техно-мотивы, тут уж ни дать ни взять gore-дискотека. Отсюда "The Encyclopedia Of Serial Murders" не просто аутичный андерграундный альбом для всяких психопатов и извращенцев, но движушная материя, стильный продукт, шедевр мрачного саунддизайна. Громаду звука составляют грозные риффы с мясистом грувом, холодный кибернетизм ритм-секции и самый главный инструмент – живописно переплетающиеся вокалы, утробное булькание и шепчущий скримец, создающие симфонию болезни ровно как пионеры. Вместе с тем Tomoaki Kanai в свое время пояснял, что с грайндом дескать публика попутала, у нас тут больше кровавого дэту с грайндовыми влияниями, и в этом есть немалый смысл, когда вслушиваешься в гитары. Возвращаясь к пионерам, следует заметить, C.U.M. близки Impetigo возмужавшего периода, на что намекает и каверок "Defiling the Grave". Техноидность же добавляет японцам ритмической жесткости, концептуального единообразия и, можно сказать, наукообразности. И облегчает восприятие, так как подчас появляется ощущение биг-бита вроде гитарных опытов The Chemical Brothers и The Prodigy, только пропущенных через призму документалок и худфильмов про серийные деяния.
Группа на этом культе состоит из гитариста-вокалиста, его брата-лирика, сессионного басиста и электронного питомца – гордости группы, драм-машины по имени Cyber EMF. Лидер бригады заявляет, что они осознанно индустриально обесчеловеченная банда, не рок-н-ролл ни в коем виде и что он диктатор и хочет контролировать в творческом процессе всё (хм, как и в лирике). Отдельного респекта заслуживают названия композиций, это благородные, почти философские сентенции на тему, напоминающие тезисы докладов на конференцию, причем не практическую, а скорее теоретическую, с психологическим уклоном: "Mutilation, Rape and Serial Murder as Modern Metaphor", "Mass Murder, The Only Way to Become God", "Murder Is Art, Accepted by Many Artists", "What Was the Spark That Touched Off a Murder", "Campaign for Legalize Murder"...
Ныне C.U.M. (и аббревиатура-то какая удачная) размениваются на сплиты и компиляции, а в середине позапрошлого десятилетия братьям Kanai было суждено записать стройный альбом, как многотомник Фрейда, и систематизировать лозунги, девизы и афоризмы на тему популярной профессии, постигать, так сказать, мотивы, практики и философские итого. Да, этот альбом так же завязан на гротеске, как и философия его создателей. К счастью, при этом он довольно неоднобокий (не как концепция) и недюжинно атмосферный (не как тьма выкидышей стиля).
|
| |
|
|
|
|
|
| Вообще-то данное видео изначально вышло бонусом к альбому «Apocalipsis» (2004), но через год его переиздали отдельно под названием «Rumbo a las estrellas».
На диске представлена та часть концерта (всего 6 композиций) с фестиваля Lorca Rock 2003, которая не уместилась на DVD «Las mil y una noches» (2004), два клипа – «Rumbo a las estrella» и «El canto de las sirenas» (позднее они вошли в состав юбилейного бокс-сета «1997-2007»), а также интервью с группой, документальные материалы и фотогалерея.
Описывать концерт я не вижу смысла, потому что он просто восхитительный. «Тысяча и одна ночь» – один из моих самых любимых лайвов, который я засмотрела буквально до дыр. В свое время он произвел на меня огромное впечатление. Безумный драйв, потрясающая энергетика, необыкновенно слаженная игра харизматичных музыкантов и прекрасный Анхель…
Здорово, что ребята решили нам продлить удовольствие… Несомненно, это переиздание стало для фанатов группы самым настоящим подарком.
Что касается интервью, то оно достаточно длинное (14 с лишним минут), но, к сожалению, видео сжато и из-за этого теряет в качестве. Тем не менее, я посмотрела его с большим интересом.
Галерея состоит из фотосессий, сделанных специально к альбому «Apocalipsis», далеко не все снимки из нее дублировались на DVD «1997-2007».
В общем, если вы – поклонник Tierra Santa, и вам достался "Апокалипсис" без бонуса, то скорее ищите и приобретайте данное видео.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.