Этот чилийский коллектив существует аж с 1999 года и позиционирует себя как оккультный дэт-метал, лирика альбомов Unaussprechlichen Kulten в основном вдохновлена литературным наследием американского писателя Лавкрафта.

Рецензируемый альбом «Keziah Lilith Medea» («Кеция Лилит Медея») посвящен трем известным ведьмам, которые подверглись преследованиям за свои чародейские дела. Название представляет собой сочетание трех имен: Кеция (ведьма из истории Лавкрафта), Лилит (демонический персонаж из еврейской мифологии) и Медея (колдунья из греческих мифов, часто изображаемая как жрица богини Гекаты).

Обложку диска создал достаточно знаменитый перуанский художник Хосе Габриэль Сабогал.

Мрачный, депрессивный, тягучий дэт с довольно частыми сменами ритма достаточно сильно давит на уши слушателя своей гнетущей атмосферой, и заставляет полностью в нее погрузиться и проникнуться теми ужасами, которые описываются в текстах.

Несомненно, на творчество чилийцев оказала сильное влияние нью-йоркская школа дэт-метала в лице Immolation и Incantation, также довольно ощутимо и влияние Nile.

По словам самого лидера группы, Джозефа, для музыки Unaussprechlichen Kulten характерно гибридное сочетание классического европейского дэт-метала с особым шведским гитарным саундом, также в ней присутствуют элементы более брутального дэт-метала в духе Suffocation и Gorgasm, старого доброго грайнкора и таких банд как Impetigo, Repulsion, Blood, Necrophagia, Carcass времен "Reek Of Putrefaction" и трэш-метала старой школы.

«Суть дэт-метала состоит в поклонении смерти, независимо от того подхода, которого вы придерживаетесь: сатанинского, антихристианского, оккультистского, эзотерического или, возможно, духовно пустого... просто кишки, испорченность, дерьмо и кровь, но всегда это - поклонение смерти. Дэт-метал никогда не должен иметь альтруистическую, гуманистическую или филантропическую направленность, он должен быть антисоциальным и антигуманным. Дэт-метал не улучшает мир, он направлен против него».

В общем, данная банда – просто находка для любителей олдскула и поклонников таких команд как Immolation, Incantation и Drawn And Quartered. Если вы хотите окунуться в удивительную атмосферу ужасов Лавкрафта и просто насладиться красивым и техничным дэтом, то вам эта команда точно придется по душе.

Elena_Kalistka  21 дек 2019

Порой случается так, что история происхождения того или иного альбома интереснее его самого. Чаще бывает наоборот, когда альбом хорош, а о том как он создавался и рассказать нечего. И совсем редко, когда всё хорошо. Вот одна из таких редких историй.

Произошло следующее. По ходу нелепой пьяной драки, в которую как в омут головой бросился Брайан Робертсон и из которой он вышел с пораненной осколками битой бутылки рукой, квартет Thin Lizzy превратился в трио. Причём, без всякой магии. Двадцатилетний рыжеволосый задира-гитарист был со скандалом выдворен из группы. Скомканный гастрольный тур кое-как удалось завершить, а перед Филом Лайноттом ребром встал вопрос - что и как делать со вторым гитаристом в канун начала студийной работы над новой пластинкой. Искать ли достойную замену горячему шотландцу или положиться на мастерство и опыт оставшегося в одиночестве Скотта Горэма? Как ни пытался Горэм убедить негодующего лидера группы в том, что второй гитарист в силу специфики TL жизненно необходим и, стало быть, Робертсона следует простить, Лайнотт был непреклонен. Развитие той истории приобретало драматический характер...

Объединившись с теперь уже знаменитым и весьма востребованным тогда продюсером Тони Висконти, TL удалось провернуть весьма изящный трюк - от привлекательного, хотя и с простоватым звучанием диска "Jailbreak" и крайне неубедительного "Johnny The Fox", в котором только одна композиция была достойна внимания, совершить рывок и добиться на удивление мощного и фактурного гитарного саунда, которого от группы в тех её обстоятельствах немыслимо было и ожидать. Для самих музыкантов столь позитивный итог был тоже во-многом неожиданным. Не без влияния Висконти, Ф. Лайнотт принял тогда сомнительное, казалось бы, решение - начать студийную работу с одним гитаристом, а там как карта ляжет. В предыдущих альбомах TL С. Горэм в дуэте с Б. Робертсоном лишь условно значился доминирующим гитаристом, однако к началу сессионной работы Скотт пребывал в великолепной форме. С этого момента и разворачивается вся драматургия этой истории...

В 1974 году Фил Лайнотт, основатель и лидер группы, задумал реформировать состав TL. Согласно его замыслу команде требовались два равноценных гитариста. Принятые тогда в состав Скотт Горэм и совсем ещё юный восемнадцатилетний Брайан Робертсон с той поры и определяли звучание группы. Достаточно скоро между ними сложилась необходимая так называемая "химия" для успешного воплощения авторских задумок Лайнотта, как основного автора музыки и текстов. Органично дополняя друг друга, Горэм с Робертсоном от пластинки к пластинке формировали особый гитарный саунд, свойственный лишь этой группе, единственной в своём роде.

И вот дуэт распался. Гитарные партии нескольких композиций (в том числе, и двух собственных) для "Bad Reputation" С. Горэм отрабатывал и записывал в компании с Тони Висконти. Когда сведённые дорожки напористых хард-роковых "Opium Trail" и "Killer Without A Cause" были дополнены ритм-секцией и вокалом Лайнотта, Скотт убедил-таки Фила, что для остроты восприятия оба эти трека необходимо "приправить" хорошими сольными гитарными "специями". И что никто лучше Робертсона это не сделает. Была ли в этом уловка со стороны С. Горэма, чтобы подтянуть к работе над новым LP своего прозябающего в Англии напарника? Вполне вероятно, хотя студийные дела уже подходили к концу. Как бы то ни было, опальный гитарист пулей перелетел через океан в одну из студий канадского города Торонто и уже вдогонку дописал свои сольные партии к этим двум практически готовым номерам. А затем уже вместе, как в былые времена, Горэм и "Робби" (так называли Брайана в окружении TL) привычным тандемом записали все гитарные дорожки к песне Ф. Лайнотта "That Woman's Gonna Break Your Heart", что и сделало её одной из хитовых в программе. Сдержанно-лирическая, проникновенная, с роскошным гитарным дуэтом в завершающей фазе, это была последняя композиция, что группа тогда подготовила для "Bad Reputation". "После всех невзгод, что мы пережили, это была очень важная для нас работа, - вспоминал как-то Скотт Горэм. - Нам необходимо было тогда собраться вновь, иначе мы попросту сгорели бы к чёртовой матери".

Участие Б. Робертсона свелось к заметному результату, но не определяющему качественный уровень музыки того альбома. Рискну заметить, что "Bad Reputation" следовало бы называть "именем Скотта Горэма", вклад которого в эту работу TL переоценить невозможно. В многочисленных разного рода отзывах отмечалось, что из-за отсутствия Б. Робертсона программа альбома ничего не потеряла. От себя добавлю - что в таком случае она бы приобрела, будь беспечный шотландец тогда полноправным участником группы.

Композиции С. Горэма (включая титульную"Bad Reputation") рельефно выделяются на фоне песен Фила Лайнотта неистовым хард-роковым гитарным звучанием, потому и была сделана попытка рассредоточить их вперемежку. Наверное, получилось не очень. И всё же стоит, пожалуй, считать программу этого LP сбалансированной, состоящую из в равной степени крепких номеров. И при этом достаточно разнообразных. И это разнообразие обеспечивают, разумеется, композиции Ф. Лайнотта. Эпическая, с рваным темпом, хотя и с достаточно простой мелодической основой "Soldier Of Fortune" примечательна тем, что через какое-то непродолжительное время навеет Лайнотту идею развить её мелодическую тему и сочинить рок-балладу "Black Rose" для одноимённого альбома 1979 года.

Более сложная с жёсткой аранжировкой "Bad Rep..." с тремя импульсивными параллельными гитарными партиями, с трудом прослеживаемой в этом замесе мелодической линией, которая угадывается лишь благодаря куртуазному лайноттовскому вокалу, естественным для этой пластинки образом через паузу трансформируется в ещё более напряжённую "Opium Trail". И вот таким подобием синусоиды сформирована вся эта 35-минутная программа.

"Southbound" - продолжение излюбленной брутально-романтической темы Фила Лайнотта о решительных парнях, диктующих свои порядки в отдельно взятом городском районе. Тему эту он начал разрабатывать ещё на LP "Fighting" и продолжил в "Jailbreak" ("The Boys Are Back In Town"). Обласканная муз. обозревателями и экспертами, титулованная и самая востребованная тогда в радио-эфирах "Dancing In The Moonlight" c саксофонистом Джоном Хэллиуэллом из Supertramp и с лёгкими сдержанными гитарными пассажами С. Горэма, как в бездну рушится в "Убийцу поневоле" ("Killer Without A Cause") с её неуёмным хард-роком на грани с heavy-metal. Это был ещё один всплеск волны.

И последняя из волн уже не столь накатиста. Начинается с утончённой "Downtown Sundown" и завершается роскошной мелодичной "Dear Lord", ещё одним маленьким шедевром Скотта Горэма. Самое лучшее, что можно было задействовать в качестве завершения.

29 июля 1977 года в релиз был выпущен единственный связанный с этим альбомом сингл "Dancing In The Moonlight" / "Bad Reputation" (14 место в UK Single Chart), а в первых числах сентября и сам LP, достигший 4-го места в UK Album Chart. Фил Лайнотт был категорически против того, чтобы Б. Робертсон фигурировал на обложке альбома. Да и сам Брайан на это не претендовал, он уже не считал себя полноправным участником группы. Но невзирая на это ещё без малого год (!) курсировал в её составе осенью по Штатам, Канаде и весной по Европе. Это были триумфальные гастроли TL с новой программой, залы набивались под завязку, а квартет играл просто божественно.

В июне 1978 года, после очередной стычки с Ф. Лайноттом, Робертсон окончательно и бесповоротно расстался с группой. Тогда же внезапно серьёзно разболелся барабанщик Брайан Дауни и остаток 1978-го для TL был окончательно потерян. Всё это время группа словно пребывала в состоянии анабиоза. До прихода в её состав Гари Мура.

МихаилБогданов  20 дек 2019

Честно говоря, для меня удивительно как за каких-то пять лет можно записать и выпустить сразу пять шедевров… Но Анхель и Ко вряд ли нам когда-нибудь раскроют свой секрет вдохновения.

Диск «Sangre de reyes» («Кровь королей») если не переплюнул своего предшественника по количеству хитов и прекрасных мелодий, то уж точно ни в чем ему не уступает.

Если вы – любитель современного европауэра, то вряд ли данная работа придется вам по душе. Эти испанцы играют скорее протопауэр в духе Running Wild времен «Under Jolly Roger» и «Port Royal». Пожалуй, это – самая первая группа, которая приходит на ум, если уж приходится детище Анхеля с кем-то сравнивать. Бешеная энергетика, запредельные скорость и напор, буквально берущие за душу мелодии, пиратская тематика… Испаноязычная лирика добавляет материалу своеобразный местный колорит, а клавишные, используемые нечасто и всегда к месту, помогают создать соответствующую средневековую атмосферу.

Открывает альбом относительно размеренная «David y el gigante», за которой сразу же следует очень хитовая тема «La ciudad secreta» с быстрыми и мелодичными гитарными пассажами и с запоминающимся припевом.

Забойный боевик «Pegaso» заставит вас бешено трясти башкой, а следующая композиция - «Juana de Arco», посвященная Жанне д'Арк, точно вдохновит на великие подвиги.

Заводная вещица «La sombra de la bestia», рассказывающая о том, что происходит в душе человека, обращающегося в чудовище каждое полнолуние, порадует своих слушателей яркой мелодикой, а после короткой баллады «Dos vidas (Prólogo "La armada")» вас оглушит ураганный номер «La armada invencible».

«El laberinto del Minotauro», эпик в духе Iron Maiden - еще одна из удачных находок группы.

Красивая и очень душевная баллада «El amor de mi vida» («Любовь всей мой жизни»), которую лидер коллектива посвятил своей дочери Ирис, начинается уже по традиции с фортепианного вступления, а надрывный, очень проникновенный и действительно завораживающий голос Анхеля звучит настолько убедительно, что из глаз особо сентиментальной и впечатлительной барышни легко может покатиться слеза…Кажется, что в эту песню он вложил всю свою душу и всю свою любовь… Все-таки есть в голосе Анхеля какая-то необъяснимая магия… Вроде, никакими феноменальными данными он не обладает, а слушать можно бесконечно…

Задорный номер «Mi tierra» - вполне достойное продолжение пластинки, должно быть, под него классно угорать на концертах. А завершает альбом одноименная композиция «Sangre de reyes» - еще одна жемчужина в дискографии коллектива; песня с очень динамичной мелодией и с припевом, который сразу же врезается в память после первого прослушивания. В основе ее сюжета лежит легенда об Одиссее – герое знаменитой поэмы Гомера «Одиссея».

Поэтому если вы являетесь поклонниками творчества немцев Running Wild, если вы живете и дышите Speed Metal, но до сих пор не слышали испанцев Tierra Santа, то спешите!
Бронебойный, крышесносящий, в меру тяжелый и необыкновенно мелодичный, я бы даже сказала, душевный спидак, вам гарантирован.
Запоминающиеся мелодии, проникновенные "стонущие" гитары, чувственные баллады... Короче, это надо просто слышать и видеть... Всем рекомендую.

Elena_Kalistka  15 дек 2019

Удивительно, но после первого прогона “Purgatory” у меня создалось впечатление, что меня избили и бросили помирать. Необычное чувство в свете того, что встреча с “Beast” три года назад напоминала больше гоп-стоп, причём не сразу понятно, с чьей стороны. Я ныл про нехватку у них дэта после реньюна? Казалось, здесь я его получил сполна, но на проверку это оказался обман слуха, спровоцированный желанием его тут услышать, а также чрезмерным эмоциональным откликом. Даже будучи в эпицентре событий я чувствовал, что возросший объём дэта здесь больше фикция, чем реальность. По факту, это тот же “Beast”, просто более проработанный и с более адекватным, мощным звуком. Если отбросить бронь эмоций: интересных риффов всего несколько штук, а однотипные брэйки не качают и побуждают к активности, но вгоняют в уныние и мотивируют их перемотать. Справедливости ради, DI по части замедлений никогда особо сильны и не были.

Собственно, именно поэтому я хоть и готов поставить сабж выше “Beast”, но никак не рядом с “The Healing Process”, например. Да, звучит мощнее, чем три года назад, но воображение по-прежнему хромает на все конечности, а именно оно, в том числе, делало их альбомы нулевых заметным явлением в дэткоре. Отсюда следует удар по запоминаемости. Соглашусь с тем, что это далеко не первое, на что стоит смотреть у канадцев, но по меркам стиля в 2005-2009-х они создавали довольно цепкие композиции, которые можно было хоть во сне нахрюкивать. Здесь же только амбициозные попытки со скомканным результатом. Ну вот, например, “Moving On” снабдили размеренным темпом и пафосными оркестровками, но не докрутили гитарам соразмерной масштабности, из-за чего попытка сотворить свой эпик получилась натужной (однако же, на общем фоне песня звучит достаточно интересно). “Apex Predator” радует нетипичным риффом и приличным соло, но Decapitated на “Invisible Control” сделали это раньше и лучше. “Dead Weight” соблазняет мелодикой и офигенным басовым соло, но две минуты порядком задолбавшего орева в виде прелюдии перед этим бенефисом ещё вытерпеть надо.

Выходит, остальное хуже? Остальное не замахивается на лавры исключительных треков и просто старается выполнить основную программу. Получается когда как. Лично мой фаворит тут “Vies D’Anges”, решающая вопрос за счёт гротескно-агрессивной подачи, с наименьшим упором на брейки и, следовательно, меньшей же контрастностью, которую канадцам очень сложно здесь преподнести в выгодном свете.

В этом году одна группа из когорты околодэтовых уже смогла удивить, выдав после пары стрёмных дисков внезапно боеспособный релиз. Да, речь про Fleshgod Apocalypse. Despised Icon тоже, казалось, замахнулись на подобный трюк, но очень быстро стало понятно, что уровень “Beast” если и был поднят, то невысоко. Канадцы слишком уж глубоко погрязли в собственных шаблонах, и в попытках выбраться из них пока не видно необходимого рвения.

MAX DE SADE  15 дек 2019

Это действительно настоящий альбом. По всем параметрам. Прежде всего по внешним признакам. Судите сами. Роскошный конверт из плотного картона с разворотом, сочные тона красочной обложки, цветное фото во весь разворот с фантасмагорическим авто оранжевого цвета с сигарообразным корпусом. А ещё чёрно-белая вкладка, на которой зафиксировано чудище, представляющее из себя гигантскую зубастую человеческую челюсть на длиннющих обнажённых женских ногах под два метра, от которого в ужасе шарахаются пятеро музыкантов Steppenwolf. Или вот задняя сторона обложки с цветной фотографией в круге. На ней всё те же пятеро крепких мужиков с саркастическими ухмылками на лицах делают вид, что читают раскрытые перед собой книжки.

Сразу признаюсь, что никогда не задумывался о том, как всё это следует понимать. И нужно ли вообще это как-то понимать. И так без малого сорок лет. И только совсем недавно выяснилось, что нужно. И всё это художественное оформление не просто так. Даже прозрачный намёк в самом названии альбома не побуждал меня озаботиться мыслью о его содержании. Я просто слушал пластинку. Её музыка мне нравилась и этого было достаточно.

Шестой номерной альбом и восьмой согласно официальной дискографии группы. И все на Dunhill Rec. И это всё за четыре года. "For Ladies Only" вышел у Steppenwolf в ноябре 1971 года. Однако, над этим LP они работали как никогда долго. Сессионные посиделки в разных студиях Лос-Анджелеса растянулись на полгода, начавшись ещё в ноябре 1970-го. Это, что называется, сухие факты. Или видимая часть айсберга. Всё самое интересное и интригующее, как пела когда-то вечно молодая Алла Борисовна, "под тёмною водой".

Накануне студийной работы случилось обыденное для Steppenwolf событие - из-за ссоры с пианистом Голди Макджоном группу покинул ведущий гитарист Ларри Байром. Замена ему была найдена в лице Кента Хенри (Kent Henry), который ради Steppen. ушёл из состава Blues Image. Знать бы ему тогда...

Работа в студии шла натужно. Лидер группы Джон Кей участвовал в ней с несвойственным для урождённого немца безразличием. Партнёры по составу должно быть уже осознавали, что с ним тогда происходило. Возможно Джон и не скрывал своих намерений уже в ближайшем будущем заняться сольным проектом. И тогда инициативу в свои руки взял один из ветеранов группы барабанщик Джерри Эдмонтон. Начал он с того, что подтянул своего старшего брата Денниса в качестве буксира для застоявшейся группы. Деннис был более известен под своим сценическим именем Марс Бонфайа (Mars Bonfire). Вся практическая помощь от М. Бонфайа, впрочем, заключалась в предоставлении им нескольких своих песен для Steppen.

На заре возникновения этой группы Деннис Эдмонтон являлся ведущим музыкантом (гитарист / вокалист) в The Sparrows, на основе этой заурядной канадской группы, собственно, и образовался Степной Волк с приходом к Воробьям Джона Кея. Деннис занялся сольной деятельностью, однако известен он главным образом как автор множества песен-хитов, которые охотно включали в свои репертуары многие статусные англо-язычные коллективы. Steppen. были первыми в их числе, с ними Марс продолжал поддерживать дружеские отношения ещё долгое время.

Одна из самых примечательных песен программы данного LP с названием "Ride With Me" позаимствована из сольного альбома М. Бонфайа, ещё две ("Tenderness" и "The Night Time's For You") он написал для этой пластинки Steppen. Сразу должен заметить, что это самые жёсткие и креативные номера в программе "For Ladies ...", с обильным рок-гитарным наполнением и брутально-колючим вокалом Джона Кея. Пожалуй, лишь эти три песни М. Бонфайа (а ещё, наверное, будоражащая инструментальная пьеса с загадочным названием "Black Pit" - "Чёрная яма") напоминают нам былое привычное звучание Steppen. Всё прочее содержание пластинки из разряда экспериментального для этой суровой рок-бригады. И вот здесь следует пояснить, что тогда предположительно происходило в стане группы.

Наряду с призывом к брату о содействии, Джерри Эдмонтон выдвинул рабочую концепцию будущей программы, весьма странную и сомнительную для сложившегося образа и соответствующего репертуара Steppen. Однако, коллегиально она была принята, вероятно, за неимением ничего другого. Феминизм - такова была тема этой концепции, под неё и подгонялся материал программы альбома.

Забегая вперёд, замечу, что с выходом пластинки на группу обрушился шквал критики. Её, пластинку, окрестили сексистской за тексты отдельных песен, но особенно за то самое оформление конверта, которым я так восхищался. Оставим в покое тексты, в которых я, честно признаюсь, мало что понял, но, что примечательно, ничего откровенно сексистского не усмотрел. Разве что одна из композиций названа прямо в лоб - "Jaded Strumpet" ("Изнурённая потаскуха"). Должно быть по тем временам это было слишком...

Другое дело - оформление конверта. Тут было над чем поразмыслить. И действительно, тот самый оранжевый автомобиль ручной работы некоего местного "кулибина" весьма конкретно напоминает гигантский фаллос на колёсах. Да и название у этого чуда, как оказалось, никак не двусмысленное - Dickmobile. Любопытно, что припаркована эта хреновина не где-нибудь, а на Голливудской Аллее Славы. В понимании современников это являлось изощрённым кощунством. В этой же связи становится понятным суть группового фото с задней стороны конверта. Музыканты углубились в чтение беллетристики пикантного содержания (к примеру, в руках барабанщика Дж. Эдмонтона книжка про Белоснежку и, стало быть, семерых гномов). Отсюда и саркастические ухмылки. А чёрно-белое изображение манекена с громадной челюстью на вкладке вовсе не нуждается в пояснениях.

Если же абстрагироваться от всех этих внешних факторов и обратиться непосредственно к музыке, то здесь тоже можно обнаружить немало интересного. Звучание у Steppen. заметно смягчилось, если рассматривать программу альбома в целом. Отдельные номера в их исполнении ближе к фьюжн-року и даже прогрессиву, чем свойственному группе приблюзованному психоделическому харду. Это заметно уже по стартовому треку - титульной стержневой композиции "For Ladies Only". Если мысленно удалить главный компонент этой рок-сюиты - изящную инструментальную четырёх-аккордную вставку пианиста Голди Макджона на "Хаммонде", то по-существу останется обычная незамысловатая песня в умеренном роковом звучании. Какого-то определяющего смысла в этом инструментальном четырёхминутном фрагменте я не вижу, однако, композиция впечатляет. И сразу же следом созвучная с "For Ladies..." песня "I'm Asking", в основе которой два аккорда с тяжёлым риффом а-ля Кит Ричард (если вспомнить "Jumpin' Jack Flash" "роллингов") и вокалом бас-гитариста Джорджа Биондо.

Отмечу такой характерный для этой пластинки Steppen. момент - в качестве авторов композиций здесь задействованы все музыканты квинтета. Кто-то больше, кто-то меньше. Это было по-настоящему коллективное творчество. Тот же Биондо запомнится ещё и своей "In Hopes Of A Garden", коротенькой меланхоличной балладой с нейтральным текстом. Мягкая, трогательная, словно колыбельная с вкрадчивым вокалом Джорджа. И без Джона Кея. Что примечательно и символично - в последнем номере программы. Четвёрка будто бы прощается со своим лидером...

И тот факт, что всего одна композиция Дж. Кея ("Shackles And Chains") обрела своё место в этом LP, свидетельствовала о многом. Группа приблизилась к некоему рубежу в своей истории. Возможно музыканты уже всё знали наперёд. А может быть и нет. Нам, нынешним, этого знать не дано.

В феврале 1972 года было официально объявлено о роспуске Steppen. На самом деле распад начался раньше. В феврале произошла остановка, а торможение наметилось ещё в ходе работы над "For Ladies..." Перевернулась очередная страница славной, но до обидного короткой истории американской группировки с канадскими корнями. Как мы знаем - не последняя. Джон Кей действительно займётся сольной карьерой и даже запишет две неплохие (по отзывам критиков) пластинки. Но, видимо, что-то у него пойдёт не так, как ему поначалу представлялось, и через пару лет (в 1974 г.) он реанимирует Steppen. с новым ведущим гитаристом в составе. Но это уже другая, новая история группы.

А альбом "For Ladies Only" останется как свидетельство той, прежней их жизни. Вот он лежит сейчас передо мной, изданный на АВС Rec. ещё в том, 1971-м. С заметно потёртым конвертом из плотного картона. С криво ухмыляющимся Джоном Кеем в солнцезащитных очках и прячущим свою улыбку за книжкой про Белоснежку и её семерых гномов Джерри Эдмонтоном... Вот тот самый разворот, на котором красуется сигарообразный Dickmobile ядовито-оранжевого цвета...
Но это я, похоже, повторяюсь...

МихаилБогданов  12 дек 2019

Любители фолка, эпоса и мифологии получили прекрасный подарок – ассорти из лучших песен бэнда МореЖдёт.

Не успеешь удивиться бодрому вступлению – как тебя уже пленил голос морской сирены, поющей хрустальным голосом гимн о Гильгамеше, шумерском герое многочисленных эпосов.

Следующая песня обращается уже к славянским легендам – и как же гармонично звучат не существовавшие в ту эпоху гитарные риффы, волшебные соло и бодрые ударные!

“ПойМояДевочка” – наверное, это те самые слова, которые хотелось бы повторять до бесконечности, едва услышав песни МореЖдёт. Академический вокал здесь становится еще богаче, меняется темп от безумно быстрого до медленной, тягучей гитарной игры.

Не прошли мимо и скандинавской мифологии – лаконичный и вместе с тем философский текст песни “Рагнарек” исполняется в два голоса, и к Морской Деве добавился мужской рык викинга, что делает песню заминающейся не только за счёт прорывного припева, но и за счёт неожиданного дуэта.

В страшной сказке “ОнТебяЛюбил”, открывающейся звуками темной колыбельной, необычно было вдруг услышать кажущееся здесь чужеродным слово “телефон” - но даже история о незамеченной любви становится захватывающей, чем не современная сказка о заколдованной принцессе, заточенной в замке из собственных пустых мечтаний?

Есть ли очень личные, практически внутрисемейные “легенды”. “Янтарь” – нежное и грустное посвящение маме, оставившей на память янтарные бусы. Проходят времена и даже целые эпохи – и только они освещают жизненный мрак героини.

После этой нежной композиции звучат вдруг неожиданно жестко гитары, возвещающие о начале новой песни – о деве Лореляй, поющей над Рейном, да о море, ждущем моряков, чтобы погубить их.

Довольно неожиданная трактовка названия группы? Что ж, в таком случае, завершающий трек окончательно расставляет все точки над i – в “ЖдуТебя” в тумане не разглядеть белых парусов, не услышать за шумом волн родного голоса, взывающего не то к путешественнику, пропавшему без вести, не то к самому пленившему его глубокому темному морю.

Группу можно смело порекомендовать любителям мифологии разных стран, поклонникам группы Nightwish, а также тем, кто зачитывался в свое время похождениями Синдбада-Морехода, опасаясь дикого моря – и, вместе с тем, восхищаясь им.

Море ждет новых слушателей, желающих погрузиться в его бесконечно глубокую музыкальную пучину.

Aleksei Rokk   9 дек 2019

Бывает, что песни рождаются легко, как будто из ничего: напеваешь что-то себе под нос, и вдруг понимаешь, что вот он – новый хит.

А есть песни, рождение которых проходило в муках творчества. И не потому, что нечего сказать. А потому, что сказать хочется очень многое, что не уместится в рамки пусть даже и шестиминутного трека.

Когда группа Dreamsense работала над “Ocean”, так много было идей и стремлений, как сделать идеальную песню – дневник своей жизни, пронесенный сквозь года, с тех самых времен, когда даже группы как таковой не существовало. Но уже билась отчетливая мысль: “Ocean” должен существовать. Его просто не может не быть.

Хрустальная мечта, наконец, исполнена – и душа открыта каждому, кто осмелится нажать “Play” и погрузиться в этот глубокий океан, где вместо холодной соленой воды – слезы, а вместо водорослей – тянущие на дно воспоминания. Тонуть или пытаться спастись? И возможно ли вырваться из этой пучины, убежать от накрывающих тебя тяжелых черных волн?

Всего два куплета и столько же припевов – но какой бескрайний, бесконечный океан отчаяния льется из динамиков колонок и наушников на слушателя. Волна из крика боли накатывает в последний раз – чтобы резко оборваться, не утихая, не успокаиваясь, а просто перестав существовать, так и не завершившись, как следует.

Пусть это не привычный поклонникам группы симфоник-метал, но это песня-откровение, песня-исповедь, написанная и спетая не ради того, чтобы выбросить очередную музыкальную новинку на потеху публике, а чтобы высказаться, и при этом быть понятым. Не в этом ли суть настоящего творчества и секрет таинственного “Ocean”?

Aleksei Rokk   9 дек 2019

Любителям качественного sympho-black определенно придется по вкусу релиз проекта Absence Betrayal ‘Difference’. Достойный конкурент нечасто отжигающим в последнее время Dimmu Borgir и Cradle of Filth, он по-своему агрессивен и мрачен, но не с дешевым пафосом, часто присущим этому жанру, а с продуманной лирикой и бархатистой тьмой в каждой ноте.

Альбом ‘Difference’ отличают сложные аранжировки и развитые музыкальные темы, не дающие заскучать из-за длительности песен. В течение пятиминутных треков можно услышать и чопорные спокойные вступления, и постепенные нарастания основного мотива, и кинематографичные симфо-вставки, и шероховатые гитары, отличающие эту группу от сотен других.

Примечателен и вокал: сложно поверить, что и бас, и скрим здесь – это один человек. При этом планка альбома не опускается до невнятной каши из криков и визга, иначе пропала бы чудесная поэзия текстов песен.

Звучит всё это очень объемно, многослойно и по-настоящему чарующе, эмоционально и в то же время зловеще, как и подобает симфо-металу. Не менее удивительно, что по сути это личный проект вокалиста группы, Андрея Баранова, который и сделал данный альбом таким тонким и многогранным, позволив себе показать миру настоящие эмоции, не скованные тесными рамками жанров.

Итак, перед нами – не просто симфо-метал, а Музыка с большой буквы, пропитанная тончайшими эмоциональными оттенками. Многие песни на альбоме приближаются к порогу шедевральности, поэтому группу можно порекомендовать всем любителям красивой тяжелой музыки и качественного экспериментального вокала.

Aleksei Rokk   9 дек 2019

Совсем скоро один из лучших альбомов готического и симфонического металла отпразднует своё двадцатилетие. В честь юбилея хотелось бы ещё раз вспомнить чем он примечателен, и почему в среде фанатов коллектива данный опус считается одним из лучших.

Начиная как всегда с обложки, хочется выразить только уважение ко всем людям приложившим руку к её созданию. Она красива, она передаёт атмосферу музыки, когда её видишь хочется поскорее ознакомиться с самим содержанием. К великому счастью, качество музыки ни разу не уступает качеству своей обертки, а местами и превосходит, так что человека столкнувшегося с визуальным оформлением ждёт приятный сюрприз.

Основой для концепции альбома стала повесть Клайва Баркера “Кабал”, сюжет которой строился вокруг убийцы, нашедшего убежище в Мидиане — городе монстров, маньяков, и прочих личностей подобного толка. В песнях с альбома не прослеживается единая линия повествования, а сам Мидиан, за исключением финальной композиции, является скорее антуражем для местных лирических героев. Тем не менее, альбом не напоминает сборник слабо связанных между собой номеров, всё выдержано в едином ключе и композиции плавно перетекают одна в другую.

На “Midian” группа в определённом смысле находилась на своём пике: в составе Cradle of FIlth на момент записи были уже как проверенные в группе музыканты, так и талантливые новоприбывшие участники, при этом коллектив уже имел свой узнаваемый стиль и на горизонте вырисовывались достаточно четкие пути дальнейшего развития (которые, к сожалению, сначала оборвались после рассматриваемого альбома, а потом творчество группы и вовсе приняло абсолютно другие формы).

По сравнению с предыдущими альбомами, материал на “Мидиане” стал проще для переваривания, менее требовательным к слушателю, что некоторыми неравнодушными воспринялось в штыки, как деградация группы. К счастью, альбом не только перенёс некоторые наработки с предыдущих релизов, но и довёл до максимума один очень важный параметр: увлекательность. Каждая песня имеет своё выраженное лицо, свои уникальные моменты, которые расставлены в разных частях песен и не дают скучать. Что не менее важно, песни здесь заставляют работать воображение, создают в голове образы, которые плотно заседают в памяти.

Слабые места в инструментальной части альбома практически отсутствуют, гитаристы выдают жирный, мощный риффинг и отличные соло в уместных моментах, а клавишные навевают “призрачный” ореол на протяжении всего альбома, что создает уникальное настроение, которое можно назвать атмосферой “Замка с приведениями”. Ритм-секция прекрасно выполняет свою роль, создавая каркас для других инструментов. Представленная лирика написана на высоком уровне, если вы знаете английский достаточно хорошо, то должны оценить. Звук на “Midian” немного приглушённый, но к материалу подходит, так что тут в принципе всё в порядке.
К композиционному развитию тоже нет никаких претензий, всё слушается плавно и естественно. Говоря о структуре, часто вместо традиционных припевов на “Midian” выступает определённый инструментальный проигрыш, либо грань между припевной/куплетной частями и вовсе размывается, что на удивление не повредило ни одной песне на альбоме.

По моему мнению, ключевой ингредиент, который сделал “Мидиану” имя, это всё-таки вокал. Дэни Филт к четвёртому полноформатнику окончательно раскрыл возможности своего голоса, что вылилось в целую палитру разнообразных выразительных средств: высочайшие визги, гроулинг, речитативы, глубокий низкий чистый голос, надрывные крики, всевозможные сипения, скрипы, шёпоты, и плавные переходы между ними. При этом стоит отметить не только разнообразие, но и выверенное построение вокальных партий. Всё идеально продумано, определенный тип голоса появляется там, где это необходимо в песне. Акценты в текстах расставлены в нужных местах, создавая ощущение будто бы лучше быть и не могло. Наблюдать это можно на примере “Saffron's Curse”, которая вживую звучит значительно хуже из-за отсутствия маленьких деталей, вроде произношения некоторых слов и переходов с крика на гроулинг (ну и из-за того, что её вживую в принципе трудно вывезти с техникой пения как у мистера Филта). Вышеописанное великолепие достаточно сильно влияет на запоминаемость материала и желание его переслушивать, а разных вокальных “хайлайтов” на альбоме достаточно много, от вступления "Amor e Morte", до визга во второй половине "Death Magick for Adepts" и последующей партии, напоминающей крики ведьмы, читающей заклинания; от невероятных куплетов в “Cthulhu Dawn”, до грязных гроулов в “Lord Abortion”. Помимо Дэни, отличился и приглашенный гость — Даг Брэдли, известный по роли Пинхэда в “Восставших из ада”. Его реплики отлично вписались в музыку, что не может не радовать как обычных слушателей, так и фанатов культовой серии фильмов.
Говоря о женском вокале, ему тут отвели меньше хронометража чем на предыдущих релизах, но опять же, он появляется в тех местах, где это оправдано композиционно.

Все вышеперечисленные аспекты образуют цельное полотно, которое интересно слушать от и до, и которое обладает невероятной реслушабельностью при своей относительной простоте. Альбом может служить отличным примером того, как нужно выстраивать песни чтобы их было интересно слушать, как прописывать вокал, как создавать атмосферу в конце концов. А атмосфера тут такая, что иногда хочется уехать жить в тот самый город монстров.

Альбом заканчивается на “Tortured Soul Asylum” — песне, напрямую имеющей отношение к городу. Повествование идёт от лица человека, который одержим Мидианом и ждёт, когда к нему, как это было в книге (и в фильме), придёт кто-то оттуда и заберёт его в место, где он будет среди своих. Постепенно он осознаёт, что это всего лишь иллюзии и вместо Мидиана его ждёт лишь жизнь в реальном мире, где он продолжит принимать обезболивающие и бороться со своими галлюцинациями. Последние полторы минуты песни с отчаянным криком в конце показывают слушателю крах воображаемого города и конец великолепного альбома. Одна из лучших закрывающих песен в металле, и лучшая в карьере Cradle Of Filth.