|
|
 |
|
| Этот чилийский коллектив существует аж с 1999 года и позиционирует себя как оккультный дэт-метал, лирика альбомов Unaussprechlichen Kulten в основном вдохновлена литературным наследием американского писателя Лавкрафта.
Рецензируемый альбом «Keziah Lilith Medea» («Кеция Лилит Медея») посвящен трем известным ведьмам, которые подверглись преследованиям за свои чародейские дела. Название представляет собой сочетание трех имен: Кеция (ведьма из истории Лавкрафта), Лилит (демонический персонаж из еврейской мифологии) и Медея (колдунья из греческих мифов, часто изображаемая как жрица богини Гекаты).
Обложку диска создал достаточно знаменитый перуанский художник Хосе Габриэль Сабогал.
Мрачный, депрессивный, тягучий дэт с довольно частыми сменами ритма достаточно сильно давит на уши слушателя своей гнетущей атмосферой, и заставляет полностью в нее погрузиться и проникнуться теми ужасами, которые описываются в текстах.
Несомненно, на творчество чилийцев оказала сильное влияние нью-йоркская школа дэт-метала в лице Immolation и Incantation, также довольно ощутимо и влияние Nile.
По словам самого лидера группы, Джозефа, для музыки Unaussprechlichen Kulten характерно гибридное сочетание классического европейского дэт-метала с особым шведским гитарным саундом, также в ней присутствуют элементы более брутального дэт-метала в духе Suffocation и Gorgasm, старого доброго грайнкора и таких банд как Impetigo, Repulsion, Blood, Necrophagia, Carcass времен "Reek Of Putrefaction" и трэш-метала старой школы.
«Суть дэт-метала состоит в поклонении смерти, независимо от того подхода, которого вы придерживаетесь: сатанинского, антихристианского, оккультистского, эзотерического или, возможно, духовно пустого... просто кишки, испорченность, дерьмо и кровь, но всегда это - поклонение смерти. Дэт-метал никогда не должен иметь альтруистическую, гуманистическую или филантропическую направленность, он должен быть антисоциальным и антигуманным. Дэт-метал не улучшает мир, он направлен против него».
В общем, данная банда – просто находка для любителей олдскула и поклонников таких команд как Immolation, Incantation и Drawn And Quartered. Если вы хотите окунуться в удивительную атмосферу ужасов Лавкрафта и просто насладиться красивым и техничным дэтом, то вам эта команда точно придется по душе.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Порой случается так, что история происхождения того или иного альбома интереснее его самого. Чаще бывает наоборот, когда альбом хорош, а о том как он создавался и рассказать нечего. И совсем редко, когда всё хорошо. Вот одна из таких редких историй.
Произошло следующее. По ходу нелепой пьяной драки, в которую как в омут головой бросился Брайан Робертсон и из которой он вышел с пораненной осколками битой бутылки рукой, квартет Thin Lizzy превратился в трио. Причём, без всякой магии. Двадцатилетний рыжеволосый задира-гитарист был со скандалом выдворен из группы. Скомканный гастрольный тур кое-как удалось завершить, а перед Филом Лайноттом ребром встал вопрос - что и как делать со вторым гитаристом в канун начала студийной работы над новой пластинкой. Искать ли достойную замену горячему шотландцу или положиться на мастерство и опыт оставшегося в одиночестве Скотта Горэма? Как ни пытался Горэм убедить негодующего лидера группы в том, что второй гитарист в силу специфики TL жизненно необходим и, стало быть, Робертсона следует простить, Лайнотт был непреклонен. Развитие той истории приобретало драматический характер...
Объединившись с теперь уже знаменитым и весьма востребованным тогда продюсером Тони Висконти, TL удалось провернуть весьма изящный трюк - от привлекательного, хотя и с простоватым звучанием диска "Jailbreak" и крайне неубедительного "Johnny The Fox", в котором только одна композиция была достойна внимания, совершить рывок и добиться на удивление мощного и фактурного гитарного саунда, которого от группы в тех её обстоятельствах немыслимо было и ожидать. Для самих музыкантов столь позитивный итог был тоже во-многом неожиданным. Не без влияния Висконти, Ф. Лайнотт принял тогда сомнительное, казалось бы, решение - начать студийную работу с одним гитаристом, а там как карта ляжет. В предыдущих альбомах TL С. Горэм в дуэте с Б. Робертсоном лишь условно значился доминирующим гитаристом, однако к началу сессионной работы Скотт пребывал в великолепной форме. С этого момента и разворачивается вся драматургия этой истории...
В 1974 году Фил Лайнотт, основатель и лидер группы, задумал реформировать состав TL. Согласно его замыслу команде требовались два равноценных гитариста. Принятые тогда в состав Скотт Горэм и совсем ещё юный восемнадцатилетний Брайан Робертсон с той поры и определяли звучание группы. Достаточно скоро между ними сложилась необходимая так называемая "химия" для успешного воплощения авторских задумок Лайнотта, как основного автора музыки и текстов. Органично дополняя друг друга, Горэм с Робертсоном от пластинки к пластинке формировали особый гитарный саунд, свойственный лишь этой группе, единственной в своём роде.
И вот дуэт распался. Гитарные партии нескольких композиций (в том числе, и двух собственных) для "Bad Reputation" С. Горэм отрабатывал и записывал в компании с Тони Висконти. Когда сведённые дорожки напористых хард-роковых "Opium Trail" и "Killer Without A Cause" были дополнены ритм-секцией и вокалом Лайнотта, Скотт убедил-таки Фила, что для остроты восприятия оба эти трека необходимо "приправить" хорошими сольными гитарными "специями". И что никто лучше Робертсона это не сделает. Была ли в этом уловка со стороны С. Горэма, чтобы подтянуть к работе над новым LP своего прозябающего в Англии напарника? Вполне вероятно, хотя студийные дела уже подходили к концу. Как бы то ни было, опальный гитарист пулей перелетел через океан в одну из студий канадского города Торонто и уже вдогонку дописал свои сольные партии к этим двум практически готовым номерам. А затем уже вместе, как в былые времена, Горэм и "Робби" (так называли Брайана в окружении TL) привычным тандемом записали все гитарные дорожки к песне Ф. Лайнотта "That Woman's Gonna Break Your Heart", что и сделало её одной из хитовых в программе. Сдержанно-лирическая, проникновенная, с роскошным гитарным дуэтом в завершающей фазе, это была последняя композиция, что группа тогда подготовила для "Bad Reputation". "После всех невзгод, что мы пережили, это была очень важная для нас работа, - вспоминал как-то Скотт Горэм. - Нам необходимо было тогда собраться вновь, иначе мы попросту сгорели бы к чёртовой матери".
Участие Б. Робертсона свелось к заметному результату, но не определяющему качественный уровень музыки того альбома. Рискну заметить, что "Bad Reputation" следовало бы называть "именем Скотта Горэма", вклад которого в эту работу TL переоценить невозможно. В многочисленных разного рода отзывах отмечалось, что из-за отсутствия Б. Робертсона программа альбома ничего не потеряла. От себя добавлю - что в таком случае она бы приобрела, будь беспечный шотландец тогда полноправным участником группы.
Композиции С. Горэма (включая титульную"Bad Reputation") рельефно выделяются на фоне песен Фила Лайнотта неистовым хард-роковым гитарным звучанием, потому и была сделана попытка рассредоточить их вперемежку. Наверное, получилось не очень. И всё же стоит, пожалуй, считать программу этого LP сбалансированной, состоящую из в равной степени крепких номеров. И при этом достаточно разнообразных. И это разнообразие обеспечивают, разумеется, композиции Ф. Лайнотта. Эпическая, с рваным темпом, хотя и с достаточно простой мелодической основой "Soldier Of Fortune" примечательна тем, что через какое-то непродолжительное время навеет Лайнотту идею развить её мелодическую тему и сочинить рок-балладу "Black Rose" для одноимённого альбома 1979 года.
Более сложная с жёсткой аранжировкой "Bad Rep..." с тремя импульсивными параллельными гитарными партиями, с трудом прослеживаемой в этом замесе мелодической линией, которая угадывается лишь благодаря куртуазному лайноттовскому вокалу, естественным для этой пластинки образом через паузу трансформируется в ещё более напряжённую "Opium Trail". И вот таким подобием синусоиды сформирована вся эта 35-минутная программа.
"Southbound" - продолжение излюбленной брутально-романтической темы Фила Лайнотта о решительных парнях, диктующих свои порядки в отдельно взятом городском районе. Тему эту он начал разрабатывать ещё на LP "Fighting" и продолжил в "Jailbreak" ("The Boys Are Back In Town"). Обласканная муз. обозревателями и экспертами, титулованная и самая востребованная тогда в радио-эфирах "Dancing In The Moonlight" c саксофонистом Джоном Хэллиуэллом из Supertramp и с лёгкими сдержанными гитарными пассажами С. Горэма, как в бездну рушится в "Убийцу поневоле" ("Killer Without A Cause") с её неуёмным хард-роком на грани с heavy-metal. Это был ещё один всплеск волны.
И последняя из волн уже не столь накатиста. Начинается с утончённой "Downtown Sundown" и завершается роскошной мелодичной "Dear Lord", ещё одним маленьким шедевром Скотта Горэма. Самое лучшее, что можно было задействовать в качестве завершения.
29 июля 1977 года в релиз был выпущен единственный связанный с этим альбомом сингл "Dancing In The Moonlight" / "Bad Reputation" (14 место в UK Single Chart), а в первых числах сентября и сам LP, достигший 4-го места в UK Album Chart. Фил Лайнотт был категорически против того, чтобы Б. Робертсон фигурировал на обложке альбома. Да и сам Брайан на это не претендовал, он уже не считал себя полноправным участником группы. Но невзирая на это ещё без малого год (!) курсировал в её составе осенью по Штатам, Канаде и весной по Европе. Это были триумфальные гастроли TL с новой программой, залы набивались под завязку, а квартет играл просто божественно.
В июне 1978 года, после очередной стычки с Ф. Лайноттом, Робертсон окончательно и бесповоротно расстался с группой. Тогда же внезапно серьёзно разболелся барабанщик Брайан Дауни и остаток 1978-го для TL был окончательно потерян. Всё это время группа словно пребывала в состоянии анабиоза. До прихода в её состав Гари Мура.
|
| |
|
|
|
|
|
| Честно говоря, для меня удивительно как за каких-то пять лет можно записать и выпустить сразу пять шедевров… Но Анхель и Ко вряд ли нам когда-нибудь раскроют свой секрет вдохновения.
Диск «Sangre de reyes» («Кровь королей») если не переплюнул своего предшественника по количеству хитов и прекрасных мелодий, то уж точно ни в чем ему не уступает.
Если вы – любитель современного европауэра, то вряд ли данная работа придется вам по душе. Эти испанцы играют скорее протопауэр в духе Running Wild времен «Under Jolly Roger» и «Port Royal». Пожалуй, это – самая первая группа, которая приходит на ум, если уж приходится детище Анхеля с кем-то сравнивать. Бешеная энергетика, запредельные скорость и напор, буквально берущие за душу мелодии, пиратская тематика… Испаноязычная лирика добавляет материалу своеобразный местный колорит, а клавишные, используемые нечасто и всегда к месту, помогают создать соответствующую средневековую атмосферу.
Открывает альбом относительно размеренная «David y el gigante», за которой сразу же следует очень хитовая тема «La ciudad secreta» с быстрыми и мелодичными гитарными пассажами и с запоминающимся припевом.
Забойный боевик «Pegaso» заставит вас бешено трясти башкой, а следующая композиция - «Juana de Arco», посвященная Жанне д'Арк, точно вдохновит на великие подвиги.
Заводная вещица «La sombra de la bestia», рассказывающая о том, что происходит в душе человека, обращающегося в чудовище каждое полнолуние, порадует своих слушателей яркой мелодикой, а после короткой баллады «Dos vidas (Prólogo "La armada")» вас оглушит ураганный номер «La armada invencible».
«El laberinto del Minotauro», эпик в духе Iron Maiden - еще одна из удачных находок группы.
Красивая и очень душевная баллада «El amor de mi vida» («Любовь всей мой жизни»), которую лидер коллектива посвятил своей дочери Ирис, начинается уже по традиции с фортепианного вступления, а надрывный, очень проникновенный и действительно завораживающий голос Анхеля звучит настолько убедительно, что из глаз особо сентиментальной и впечатлительной барышни легко может покатиться слеза…Кажется, что в эту песню он вложил всю свою душу и всю свою любовь… Все-таки есть в голосе Анхеля какая-то необъяснимая магия… Вроде, никакими феноменальными данными он не обладает, а слушать можно бесконечно…
Задорный номер «Mi tierra» - вполне достойное продолжение пластинки, должно быть, под него классно угорать на концертах. А завершает альбом одноименная композиция «Sangre de reyes» - еще одна жемчужина в дискографии коллектива; песня с очень динамичной мелодией и с припевом, который сразу же врезается в память после первого прослушивания. В основе ее сюжета лежит легенда об Одиссее – герое знаменитой поэмы Гомера «Одиссея».
Поэтому если вы являетесь поклонниками творчества немцев Running Wild, если вы живете и дышите Speed Metal, но до сих пор не слышали испанцев Tierra Santа, то спешите!
Бронебойный, крышесносящий, в меру тяжелый и необыкновенно мелодичный, я бы даже сказала, душевный спидак, вам гарантирован.
Запоминающиеся мелодии, проникновенные "стонущие" гитары, чувственные баллады... Короче, это надо просто слышать и видеть... Всем рекомендую.
|
| |
|
|
|
|
|
| Удивительно, но после первого прогона “Purgatory” у меня создалось впечатление, что меня избили и бросили помирать. Необычное чувство в свете того, что встреча с “Beast” три года назад напоминала больше гоп-стоп, причём не сразу понятно, с чьей стороны. Я ныл про нехватку у них дэта после реньюна? Казалось, здесь я его получил сполна, но на проверку это оказался обман слуха, спровоцированный желанием его тут услышать, а также чрезмерным эмоциональным откликом. Даже будучи в эпицентре событий я чувствовал, что возросший объём дэта здесь больше фикция, чем реальность. По факту, это тот же “Beast”, просто более проработанный и с более адекватным, мощным звуком. Если отбросить бронь эмоций: интересных риффов всего несколько штук, а однотипные брэйки не качают и побуждают к активности, но вгоняют в уныние и мотивируют их перемотать. Справедливости ради, DI по части замедлений никогда особо сильны и не были.
Собственно, именно поэтому я хоть и готов поставить сабж выше “Beast”, но никак не рядом с “The Healing Process”, например. Да, звучит мощнее, чем три года назад, но воображение по-прежнему хромает на все конечности, а именно оно, в том числе, делало их альбомы нулевых заметным явлением в дэткоре. Отсюда следует удар по запоминаемости. Соглашусь с тем, что это далеко не первое, на что стоит смотреть у канадцев, но по меркам стиля в 2005-2009-х они создавали довольно цепкие композиции, которые можно было хоть во сне нахрюкивать. Здесь же только амбициозные попытки со скомканным результатом. Ну вот, например, “Moving On” снабдили размеренным темпом и пафосными оркестровками, но не докрутили гитарам соразмерной масштабности, из-за чего попытка сотворить свой эпик получилась натужной (однако же, на общем фоне песня звучит достаточно интересно). “Apex Predator” радует нетипичным риффом и приличным соло, но Decapitated на “Invisible Control” сделали это раньше и лучше. “Dead Weight” соблазняет мелодикой и офигенным басовым соло, но две минуты порядком задолбавшего орева в виде прелюдии перед этим бенефисом ещё вытерпеть надо.
Выходит, остальное хуже? Остальное не замахивается на лавры исключительных треков и просто старается выполнить основную программу. Получается когда как. Лично мой фаворит тут “Vies D’Anges”, решающая вопрос за счёт гротескно-агрессивной подачи, с наименьшим упором на брейки и, следовательно, меньшей же контрастностью, которую канадцам очень сложно здесь преподнести в выгодном свете.
В этом году одна группа из когорты околодэтовых уже смогла удивить, выдав после пары стрёмных дисков внезапно боеспособный релиз. Да, речь про Fleshgod Apocalypse. Despised Icon тоже, казалось, замахнулись на подобный трюк, но очень быстро стало понятно, что уровень “Beast” если и был поднят, то невысоко. Канадцы слишком уж глубоко погрязли в собственных шаблонах, и в попытках выбраться из них пока не видно необходимого рвения.
|
| |
|
|
|
|
|
| Это действительно настоящий альбом. По всем параметрам. Прежде всего по внешним признакам. Судите сами. Роскошный конверт из плотного картона с разворотом, сочные тона красочной обложки, цветное фото во весь разворот с фантасмагорическим авто оранжевого цвета с сигарообразным корпусом. А ещё чёрно-белая вкладка, на которой зафиксировано чудище, представляющее из себя гигантскую зубастую человеческую челюсть на длиннющих обнажённых женских ногах под два метра, от которого в ужасе шарахаются пятеро музыкантов Steppenwolf. Или вот задняя сторона обложки с цветной фотографией в круге. На ней всё те же пятеро крепких мужиков с саркастическими ухмылками на лицах делают вид, что читают раскрытые перед собой книжки.
Сразу признаюсь, что никогда не задумывался о том, как всё это следует понимать. И нужно ли вообще это как-то понимать. И так без малого сорок лет. И только совсем недавно выяснилось, что нужно. И всё это художественное оформление не просто так. Даже прозрачный намёк в самом названии альбома не побуждал меня озаботиться мыслью о его содержании. Я просто слушал пластинку. Её музыка мне нравилась и этого было достаточно.
Шестой номерной альбом и восьмой согласно официальной дискографии группы. И все на Dunhill Rec. И это всё за четыре года. "For Ladies Only" вышел у Steppenwolf в ноябре 1971 года. Однако, над этим LP они работали как никогда долго. Сессионные посиделки в разных студиях Лос-Анджелеса растянулись на полгода, начавшись ещё в ноябре 1970-го. Это, что называется, сухие факты. Или видимая часть айсберга. Всё самое интересное и интригующее, как пела когда-то вечно молодая Алла Борисовна, "под тёмною водой".
Накануне студийной работы случилось обыденное для Steppenwolf событие - из-за ссоры с пианистом Голди Макджоном группу покинул ведущий гитарист Ларри Байром. Замена ему была найдена в лице Кента Хенри (Kent Henry), который ради Steppen. ушёл из состава Blues Image. Знать бы ему тогда...
Работа в студии шла натужно. Лидер группы Джон Кей участвовал в ней с несвойственным для урождённого немца безразличием. Партнёры по составу должно быть уже осознавали, что с ним тогда происходило. Возможно Джон и не скрывал своих намерений уже в ближайшем будущем заняться сольным проектом. И тогда инициативу в свои руки взял один из ветеранов группы барабанщик Джерри Эдмонтон. Начал он с того, что подтянул своего старшего брата Денниса в качестве буксира для застоявшейся группы. Деннис был более известен под своим сценическим именем Марс Бонфайа (Mars Bonfire). Вся практическая помощь от М. Бонфайа, впрочем, заключалась в предоставлении им нескольких своих песен для Steppen.
На заре возникновения этой группы Деннис Эдмонтон являлся ведущим музыкантом (гитарист / вокалист) в The Sparrows, на основе этой заурядной канадской группы, собственно, и образовался Степной Волк с приходом к Воробьям Джона Кея. Деннис занялся сольной деятельностью, однако известен он главным образом как автор множества песен-хитов, которые охотно включали в свои репертуары многие статусные англо-язычные коллективы. Steppen. были первыми в их числе, с ними Марс продолжал поддерживать дружеские отношения ещё долгое время.
Одна из самых примечательных песен программы данного LP с названием "Ride With Me" позаимствована из сольного альбома М. Бонфайа, ещё две ("Tenderness" и "The Night Time's For You") он написал для этой пластинки Steppen. Сразу должен заметить, что это самые жёсткие и креативные номера в программе "For Ladies ...", с обильным рок-гитарным наполнением и брутально-колючим вокалом Джона Кея. Пожалуй, лишь эти три песни М. Бонфайа (а ещё, наверное, будоражащая инструментальная пьеса с загадочным названием "Black Pit" - "Чёрная яма") напоминают нам былое привычное звучание Steppen. Всё прочее содержание пластинки из разряда экспериментального для этой суровой рок-бригады. И вот здесь следует пояснить, что тогда предположительно происходило в стане группы.
Наряду с призывом к брату о содействии, Джерри Эдмонтон выдвинул рабочую концепцию будущей программы, весьма странную и сомнительную для сложившегося образа и соответствующего репертуара Steppen. Однако, коллегиально она была принята, вероятно, за неимением ничего другого. Феминизм - такова была тема этой концепции, под неё и подгонялся материал программы альбома.
Забегая вперёд, замечу, что с выходом пластинки на группу обрушился шквал критики. Её, пластинку, окрестили сексистской за тексты отдельных песен, но особенно за то самое оформление конверта, которым я так восхищался. Оставим в покое тексты, в которых я, честно признаюсь, мало что понял, но, что примечательно, ничего откровенно сексистского не усмотрел. Разве что одна из композиций названа прямо в лоб - "Jaded Strumpet" ("Изнурённая потаскуха"). Должно быть по тем временам это было слишком...
Другое дело - оформление конверта. Тут было над чем поразмыслить. И действительно, тот самый оранжевый автомобиль ручной работы некоего местного "кулибина" весьма конкретно напоминает гигантский фаллос на колёсах. Да и название у этого чуда, как оказалось, никак не двусмысленное - Dickmobile. Любопытно, что припаркована эта хреновина не где-нибудь, а на Голливудской Аллее Славы. В понимании современников это являлось изощрённым кощунством. В этой же связи становится понятным суть группового фото с задней стороны конверта. Музыканты углубились в чтение беллетристики пикантного содержания (к примеру, в руках барабанщика Дж. Эдмонтона книжка про Белоснежку и, стало быть, семерых гномов). Отсюда и саркастические ухмылки. А чёрно-белое изображение манекена с громадной челюстью на вкладке вовсе не нуждается в пояснениях.
Если же абстрагироваться от всех этих внешних факторов и обратиться непосредственно к музыке, то здесь тоже можно обнаружить немало интересного. Звучание у Steppen. заметно смягчилось, если рассматривать программу альбома в целом. Отдельные номера в их исполнении ближе к фьюжн-року и даже прогрессиву, чем свойственному группе приблюзованному психоделическому харду. Это заметно уже по стартовому треку - титульной стержневой композиции "For Ladies Only". Если мысленно удалить главный компонент этой рок-сюиты - изящную инструментальную четырёх-аккордную вставку пианиста Голди Макджона на "Хаммонде", то по-существу останется обычная незамысловатая песня в умеренном роковом звучании. Какого-то определяющего смысла в этом инструментальном четырёхминутном фрагменте я не вижу, однако, композиция впечатляет. И сразу же следом созвучная с "For Ladies..." песня "I'm Asking", в основе которой два аккорда с тяжёлым риффом а-ля Кит Ричард (если вспомнить "Jumpin' Jack Flash" "роллингов") и вокалом бас-гитариста Джорджа Биондо.
Отмечу такой характерный для этой пластинки Steppen. момент - в качестве авторов композиций здесь задействованы все музыканты квинтета. Кто-то больше, кто-то меньше. Это было по-настоящему коллективное творчество. Тот же Биондо запомнится ещё и своей "In Hopes Of A Garden", коротенькой меланхоличной балладой с нейтральным текстом. Мягкая, трогательная, словно колыбельная с вкрадчивым вокалом Джорджа. И без Джона Кея. Что примечательно и символично - в последнем номере программы. Четвёрка будто бы прощается со своим лидером...
И тот факт, что всего одна композиция Дж. Кея ("Shackles And Chains") обрела своё место в этом LP, свидетельствовала о многом. Группа приблизилась к некоему рубежу в своей истории. Возможно музыканты уже всё знали наперёд. А может быть и нет. Нам, нынешним, этого знать не дано.
В феврале 1972 года было официально объявлено о роспуске Steppen. На самом деле распад начался раньше. В феврале произошла остановка, а торможение наметилось ещё в ходе работы над "For Ladies..." Перевернулась очередная страница славной, но до обидного короткой истории американской группировки с канадскими корнями. Как мы знаем - не последняя. Джон Кей действительно займётся сольной карьерой и даже запишет две неплохие (по отзывам критиков) пластинки. Но, видимо, что-то у него пойдёт не так, как ему поначалу представлялось, и через пару лет (в 1974 г.) он реанимирует Steppen. с новым ведущим гитаристом в составе. Но это уже другая, новая история группы.
А альбом "For Ladies Only" останется как свидетельство той, прежней их жизни. Вот он лежит сейчас передо мной, изданный на АВС Rec. ещё в том, 1971-м. С заметно потёртым конвертом из плотного картона. С криво ухмыляющимся Джоном Кеем в солнцезащитных очках и прячущим свою улыбку за книжкой про Белоснежку и её семерых гномов Джерри Эдмонтоном... Вот тот самый разворот, на котором красуется сигарообразный Dickmobile ядовито-оранжевого цвета...
Но это я, похоже, повторяюсь...
|
| |
|
|
|
|
|
| Любители фолка, эпоса и мифологии получили прекрасный подарок – ассорти из лучших песен бэнда МореЖдёт.
Не успеешь удивиться бодрому вступлению – как тебя уже пленил голос морской сирены, поющей хрустальным голосом гимн о Гильгамеше, шумерском герое многочисленных эпосов.
Следующая песня обращается уже к славянским легендам – и как же гармонично звучат не существовавшие в ту эпоху гитарные риффы, волшебные соло и бодрые ударные!
“ПойМояДевочка” – наверное, это те самые слова, которые хотелось бы повторять до бесконечности, едва услышав песни МореЖдёт. Академический вокал здесь становится еще богаче, меняется темп от безумно быстрого до медленной, тягучей гитарной игры.
Не прошли мимо и скандинавской мифологии – лаконичный и вместе с тем философский текст песни “Рагнарек” исполняется в два голоса, и к Морской Деве добавился мужской рык викинга, что делает песню заминающейся не только за счёт прорывного припева, но и за счёт неожиданного дуэта.
В страшной сказке “ОнТебяЛюбил”, открывающейся звуками темной колыбельной, необычно было вдруг услышать кажущееся здесь чужеродным слово “телефон” - но даже история о незамеченной любви становится захватывающей, чем не современная сказка о заколдованной принцессе, заточенной в замке из собственных пустых мечтаний?
Есть ли очень личные, практически внутрисемейные “легенды”. “Янтарь” – нежное и грустное посвящение маме, оставившей на память янтарные бусы. Проходят времена и даже целые эпохи – и только они освещают жизненный мрак героини.
После этой нежной композиции звучат вдруг неожиданно жестко гитары, возвещающие о начале новой песни – о деве Лореляй, поющей над Рейном, да о море, ждущем моряков, чтобы погубить их.
Довольно неожиданная трактовка названия группы? Что ж, в таком случае, завершающий трек окончательно расставляет все точки над i – в “ЖдуТебя” в тумане не разглядеть белых парусов, не услышать за шумом волн родного голоса, взывающего не то к путешественнику, пропавшему без вести, не то к самому пленившему его глубокому темному морю.
Группу можно смело порекомендовать любителям мифологии разных стран, поклонникам группы Nightwish, а также тем, кто зачитывался в свое время похождениями Синдбада-Морехода, опасаясь дикого моря – и, вместе с тем, восхищаясь им.
Море ждет новых слушателей, желающих погрузиться в его бесконечно глубокую музыкальную пучину.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бывает, что песни рождаются легко, как будто из ничего: напеваешь что-то себе под нос, и вдруг понимаешь, что вот он – новый хит.
А есть песни, рождение которых проходило в муках творчества. И не потому, что нечего сказать. А потому, что сказать хочется очень многое, что не уместится в рамки пусть даже и шестиминутного трека.
Когда группа Dreamsense работала над “Ocean”, так много было идей и стремлений, как сделать идеальную песню – дневник своей жизни, пронесенный сквозь года, с тех самых времен, когда даже группы как таковой не существовало. Но уже билась отчетливая мысль: “Ocean” должен существовать. Его просто не может не быть.
Хрустальная мечта, наконец, исполнена – и душа открыта каждому, кто осмелится нажать “Play” и погрузиться в этот глубокий океан, где вместо холодной соленой воды – слезы, а вместо водорослей – тянущие на дно воспоминания. Тонуть или пытаться спастись? И возможно ли вырваться из этой пучины, убежать от накрывающих тебя тяжелых черных волн?
Всего два куплета и столько же припевов – но какой бескрайний, бесконечный океан отчаяния льется из динамиков колонок и наушников на слушателя. Волна из крика боли накатывает в последний раз – чтобы резко оборваться, не утихая, не успокаиваясь, а просто перестав существовать, так и не завершившись, как следует.
Пусть это не привычный поклонникам группы симфоник-метал, но это песня-откровение, песня-исповедь, написанная и спетая не ради того, чтобы выбросить очередную музыкальную новинку на потеху публике, а чтобы высказаться, и при этом быть понятым. Не в этом ли суть настоящего творчества и секрет таинственного “Ocean”?
|
| |
|
|
|
|
|
| Любителям качественного sympho-black определенно придется по вкусу релиз проекта Absence Betrayal ‘Difference’. Достойный конкурент нечасто отжигающим в последнее время Dimmu Borgir и Cradle of Filth, он по-своему агрессивен и мрачен, но не с дешевым пафосом, часто присущим этому жанру, а с продуманной лирикой и бархатистой тьмой в каждой ноте.
Альбом ‘Difference’ отличают сложные аранжировки и развитые музыкальные темы, не дающие заскучать из-за длительности песен. В течение пятиминутных треков можно услышать и чопорные спокойные вступления, и постепенные нарастания основного мотива, и кинематографичные симфо-вставки, и шероховатые гитары, отличающие эту группу от сотен других.
Примечателен и вокал: сложно поверить, что и бас, и скрим здесь – это один человек. При этом планка альбома не опускается до невнятной каши из криков и визга, иначе пропала бы чудесная поэзия текстов песен.
Звучит всё это очень объемно, многослойно и по-настоящему чарующе, эмоционально и в то же время зловеще, как и подобает симфо-металу. Не менее удивительно, что по сути это личный проект вокалиста группы, Андрея Баранова, который и сделал данный альбом таким тонким и многогранным, позволив себе показать миру настоящие эмоции, не скованные тесными рамками жанров.
Итак, перед нами – не просто симфо-метал, а Музыка с большой буквы, пропитанная тончайшими эмоциональными оттенками. Многие песни на альбоме приближаются к порогу шедевральности, поэтому группу можно порекомендовать всем любителям красивой тяжелой музыки и качественного экспериментального вокала.
|
| |
|
|
|
|
|
| Совсем скоро один из лучших альбомов готического и симфонического металла отпразднует своё двадцатилетие. В честь юбилея хотелось бы ещё раз вспомнить чем он примечателен, и почему в среде фанатов коллектива данный опус считается одним из лучших.
Начиная как всегда с обложки, хочется выразить только уважение ко всем людям приложившим руку к её созданию. Она красива, она передаёт атмосферу музыки, когда её видишь хочется поскорее ознакомиться с самим содержанием. К великому счастью, качество музыки ни разу не уступает качеству своей обертки, а местами и превосходит, так что человека столкнувшегося с визуальным оформлением ждёт приятный сюрприз.
Основой для концепции альбома стала повесть Клайва Баркера “Кабал”, сюжет которой строился вокруг убийцы, нашедшего убежище в Мидиане — городе монстров, маньяков, и прочих личностей подобного толка. В песнях с альбома не прослеживается единая линия повествования, а сам Мидиан, за исключением финальной композиции, является скорее антуражем для местных лирических героев. Тем не менее, альбом не напоминает сборник слабо связанных между собой номеров, всё выдержано в едином ключе и композиции плавно перетекают одна в другую.
На “Midian” группа в определённом смысле находилась на своём пике: в составе Cradle of FIlth на момент записи были уже как проверенные в группе музыканты, так и талантливые новоприбывшие участники, при этом коллектив уже имел свой узнаваемый стиль и на горизонте вырисовывались достаточно четкие пути дальнейшего развития (которые, к сожалению, сначала оборвались после рассматриваемого альбома, а потом творчество группы и вовсе приняло абсолютно другие формы).
По сравнению с предыдущими альбомами, материал на “Мидиане” стал проще для переваривания, менее требовательным к слушателю, что некоторыми неравнодушными воспринялось в штыки, как деградация группы. К счастью, альбом не только перенёс некоторые наработки с предыдущих релизов, но и довёл до максимума один очень важный параметр: увлекательность. Каждая песня имеет своё выраженное лицо, свои уникальные моменты, которые расставлены в разных частях песен и не дают скучать. Что не менее важно, песни здесь заставляют работать воображение, создают в голове образы, которые плотно заседают в памяти.
Слабые места в инструментальной части альбома практически отсутствуют, гитаристы выдают жирный, мощный риффинг и отличные соло в уместных моментах, а клавишные навевают “призрачный” ореол на протяжении всего альбома, что создает уникальное настроение, которое можно назвать атмосферой “Замка с приведениями”. Ритм-секция прекрасно выполняет свою роль, создавая каркас для других инструментов. Представленная лирика написана на высоком уровне, если вы знаете английский достаточно хорошо, то должны оценить. Звук на “Midian” немного приглушённый, но к материалу подходит, так что тут в принципе всё в порядке.
К композиционному развитию тоже нет никаких претензий, всё слушается плавно и естественно. Говоря о структуре, часто вместо традиционных припевов на “Midian” выступает определённый инструментальный проигрыш, либо грань между припевной/куплетной частями и вовсе размывается, что на удивление не повредило ни одной песне на альбоме.
По моему мнению, ключевой ингредиент, который сделал “Мидиану” имя, это всё-таки вокал. Дэни Филт к четвёртому полноформатнику окончательно раскрыл возможности своего голоса, что вылилось в целую палитру разнообразных выразительных средств: высочайшие визги, гроулинг, речитативы, глубокий низкий чистый голос, надрывные крики, всевозможные сипения, скрипы, шёпоты, и плавные переходы между ними. При этом стоит отметить не только разнообразие, но и выверенное построение вокальных партий. Всё идеально продумано, определенный тип голоса появляется там, где это необходимо в песне. Акценты в текстах расставлены в нужных местах, создавая ощущение будто бы лучше быть и не могло. Наблюдать это можно на примере “Saffron's Curse”, которая вживую звучит значительно хуже из-за отсутствия маленьких деталей, вроде произношения некоторых слов и переходов с крика на гроулинг (ну и из-за того, что её вживую в принципе трудно вывезти с техникой пения как у мистера Филта). Вышеописанное великолепие достаточно сильно влияет на запоминаемость материала и желание его переслушивать, а разных вокальных “хайлайтов” на альбоме достаточно много, от вступления "Amor e Morte", до визга во второй половине "Death Magick for Adepts" и последующей партии, напоминающей крики ведьмы, читающей заклинания; от невероятных куплетов в “Cthulhu Dawn”, до грязных гроулов в “Lord Abortion”. Помимо Дэни, отличился и приглашенный гость — Даг Брэдли, известный по роли Пинхэда в “Восставших из ада”. Его реплики отлично вписались в музыку, что не может не радовать как обычных слушателей, так и фанатов культовой серии фильмов.
Говоря о женском вокале, ему тут отвели меньше хронометража чем на предыдущих релизах, но опять же, он появляется в тех местах, где это оправдано композиционно.
Все вышеперечисленные аспекты образуют цельное полотно, которое интересно слушать от и до, и которое обладает невероятной реслушабельностью при своей относительной простоте. Альбом может служить отличным примером того, как нужно выстраивать песни чтобы их было интересно слушать, как прописывать вокал, как создавать атмосферу в конце концов. А атмосфера тут такая, что иногда хочется уехать жить в тот самый город монстров.
Альбом заканчивается на “Tortured Soul Asylum” — песне, напрямую имеющей отношение к городу. Повествование идёт от лица человека, который одержим Мидианом и ждёт, когда к нему, как это было в книге (и в фильме), придёт кто-то оттуда и заберёт его в место, где он будет среди своих. Постепенно он осознаёт, что это всего лишь иллюзии и вместо Мидиана его ждёт лишь жизнь в реальном мире, где он продолжит принимать обезболивающие и бороться со своими галлюцинациями. Последние полторы минуты песни с отчаянным криком в конце показывают слушателю крах воображаемого города и конец великолепного альбома. Одна из лучших закрывающих песен в металле, и лучшая в карьере Cradle Of Filth.
|
| |
|
|
|
|
|
| "In Cauda Venenum" - "Яд в хвосте" - долгожданная и, пожалуй, самая сильная работа моих любимых шведов Opeth со времён их потрясающего "Heritage" (2011), обозначившего выход из дэт-метал периода в творчестве коллектива, и окончательный (как знать, как знать...) уход Микаэля от экстрим-вокала в сторону оттачивания и расширения своих "чистовокальных" возможностей.
Новый альбом подобен многоэтажному и сложносоставному торту с фирменной горьковато-сладкой ядовитой начинкой, настолько концентрированному, что для понимания вкуса нужно немалое количество чая - которым, в данном случае, является время, потраченное на прослушивание материала. Из-за навороченности и концентрированности, он совершенно не годится для фонового прослушивания - его надо слушать специально, полностью отдаваясь процессу.
И если в двух прошлых работах группы была какая-то недосказанность, отдельные номера были немного "вымученными", какие-то вещи можно было (о ужас!) промотать, то новый альбом, несмотря на неоднородность аранжировок (от "дедушкиных" секвенсоров, до джента и джаза) - цельный и затягивающий, как болото из сиропа. На разных стадиях прослушивания воспринимался то как сольник Микаэля (чрезвычайное обилие и насыщенность вокальных партий), то как настоящая рок-опера.
Уникальность альбома ещё и в том, что это первая работа Opeth, лирика которой написана на шведском языке, и вокруг этого, в том числе, строилась мелодика будущих песен. Совершенно незнакомый язык даёт полную свободу образов.
Радуют и различные "пасхалочки" - битловское "When I was younger, so much younger than today..." (слышно которое, правда, только в английской версии альбома, записанной в угоду маркетингу), зацикленный дружный смех (опять же, как в битловском "Сержанте"), реверберация бочки и рабочего барабана в последней вещи, как в "When the Levee Breaks", дублирование гитарного соло голосом, как настоящий Гилмор - и прочая, и прочая...
И да - "Minnets Yta" - это одна из самых красивых рок-баллад современности!
В общем, настоятельно рекомендую запастись временным чаем, и наслаждаться, наслаждаться...
|
| |
|
|
|
|
|
| Данный юбилейный релиз, состоящий из двух CD и одного DVD, был выпущен в начале 2007 года в честь десятилетия коллектива.
Собственно, ничего особенного от подобных сборников ждать не приходится, и покупают их обычно самые преданные фанаты, скорее чисто для коллекции.
Эта компиляция тоже, пожалуй, не стала исключением – стандартный набор хитов за все десять лет существования группы разбавила лишь пара новых треков: «Volver al edén», «Que nunca se acabe esta noche» и «Tú vas al norte y yo al sur».
Вероятно, они должны были войти в очередной, так и не увидевший свет альбом Tierra Santa, но, может, оно и к лучшему, что этот полноформатник так и не успел выйти в связи с распадом команды. Потому что уж больно занудные и вымученные эти треки, в стиле предыдущей пластинки «Mejor morir en pie» (2006). Все мы прекрасно знаем по какому пути пошли Анхель и Ко после реюниона, поэтому всё это было более чем предсказуемо.
И совсем неудивительно, что группа вскоре взяла таймаут, потому что новых идей парням явно не хватало.
Но давайте всё же не будем о грустном. Материал, репрезентированный на DVD, лично меня очень даже порадовал.
Правда, большую часть этих видео мы уже могли наблюдать на самой первой документалке группы «Cuando la tierra toca el cielo» (2001), а также на бонусном DVD к альбому «Apocalipsis» (2004), но здесь ранние записи представлены в более хорошем качестве.
Из новых клипов стоит упомянуть «El canto de la sirenas», «Rumbo a las estrellas» и «Hoy vivo por ti».
В качестве бонуса поклонникам предложена достаточно большая фотогалерея.
В общем, мой вердикт таков: истинным фанатам Tierra Santa обязательно нужно иметь данный альбом в своей коллекции, а все остальные могут спокойно проходить мимо – всё равно они ничего не потеряют.
|
| |
|
|
|
|
|
| Десятый, юбилейный, альбом коллектива в репрезентации очередного оттенка коричневого стал первым без Бардитуса, и это определенно некоторым образом стерилизовало жанровое пространство их поиска. Не совру, если скажу, что именно внеметалические искания составляют сердцевину трэков, изворотливый, по старой памяти жужжащий метал обрамляет все диковины. В целом же это первый полностью камерный альбом бельгийцев, пространства сужены, действо лишено какого-либо размаха, стадионы такой музыке не нужны и противопоказаны. Мне постоянно представляется какая-то таверна/трактир/паб, посетители которого, люди постарше, уже определились, чего им нужно от жизни и искусства.
Начиная с этого диска, особенно трудно понять концепцию и как она влияет на музыкальное содержимое. Это посвящение вяленой рыбе с намеком на обычную ее сочетаемость с любимым напитком коллектива (который плещется в начале “Dorstige Vis”)? Или какой-то очередной историко-культурологический очерк, к которым так тяготеет родившийся в семье историка Midgaars? Что бы оригинальное и многозначительное не скрывалось за обложкой, к счастью, оно живо разноображивает музыкальные приемы. Вылазки в регги, блюз, серф, блюграсс удаются ребятам замечательно, при этом у них это не звучит натужным авангардизмом и провокационным нарушением норм, это естественное развитие их нестандартно-темной, мутной (в хорошем смысле) природы. Эксцентрические, деликатно танцевальные пассажи в заглавном трэке, пляжные каскады в "Aldi Iacta Est", тягучая испанская пьеса "Comata" c флюгельгорном, перечень вкусностей не исчерпан. Инструментальные рок-пассажи, навеянные модами минувших лет, перемежаются с приблюзованными металическими эскападами и мастеровитым юрким и сухим метал-риффингом блэкового происхождения, эхом не такого и далекого прошлого команды. В точках особенного экспериментального накала ("Comata") соседствуют уже и бластбит и психоделическая "квакушка". Без главного арт-обрыгана Бельгии (ему, кстати говоря, альбом и посвящен) вокальная сторона дела несколько выхолощена и чрезмерно аристократична, хоть фирменные выкрики в стиле "сердитый бомж" и повсеместны, а обывателю дополнительно сластят жизнь запевные моменты. Midgaars продолжает находиться в креативном дурмане, не увязая ни в чем надолго, а музыканты наиточнейше реализуют его странные фантазии на тему жанровых изысков. На этом диске бельгийцы отчетливее всего на короткой ноге со всей гитарной традицией, ничего не отвергают, но и не теряют своего, теперь уже не столь и деклассированного лица. "Herval Herval" – показательный трэк для Lugubrum Trio: на первых порах это калейдоскоп и инвентаризация идей, прошедших через этот альбом, а потом апогей блюзового транса. Вот к такому почти стариковскому залипанию для тех, кто никуда не торопится, и тяготеет группа в свои поздние годы. И в этом для слушателя может быть кайф не меньший, чем от дарктроновских пугалок или технарских замесов с джазом.
Альбом нонконфомистский даже по меркам экспериментально-блэковой сцены, и ценно, что ничего не спародировано, нет натужного эпатажа, все транслируется аутентично и с уважением к первоисточнику, с которого музыканты напились креатива. Скажете, это потому что блэк-метала не осталось?
|
| |
|
|
|
|
|
| Любителям экстремально-атмосферной периферии Clair Cassis представлять не нужно: известно, что это проект, родившийся после распада эксцентричных одиночек Velvet Cacoon. Только теперь к извечному безжизненному дуэту Джоша и Анджелы добавился живой барабанщик. Не бог весь какой по своей игре, но на это в стиле, который исповедуют ребята, наплевать. Напротив, их манера взывает к укуренному/уколотому/унюханному примитиву, что прилежно и настукивает d.Marvin. Clair Cassis появился в пору расцвета блэкгейза, но ничего общего с оными соплями не имеет, несмотря на статус поп-версии Velvet Cacoon. Это по-своему и трушный, и эстетичный релиз.
Похожие как 2 капли воды дебюты альбома, вальяжно меняющиеся аккорды, стабильный хлюпающий бластбит, задвинутое на 2-й план почти карикатурное карканье – харизма из СС так и прет. Ее, однако больше, в торжественных меланхоличных подделках под дум, которыми музыканты разбавляют свои черноватые трэки. Их медленные, годящиеся для медленных танцев (вальс), пассажи изящны столь же, сколь и названия композиций. Самыми верными эпитетами будут соблазнительный и даже чувственный, и это не профанация жанра. Не последнюю мелодическую роль играет на записи и бас, акценты которого раскрашивают музыку и делает ее более цепляющей (он чуть не ведущий инструмент в "Pearls & Pinesmoke", в "Hazelhearted in the Seaparlour" теплая басовая тема подчеркивает рефрен). Вообще это очень комфортный релиз с более романтическим местом действия: водные просторы, побережья, с помощью которых группа дистанцируется от суеты и глубже увязает в бархатной мизантропии. Лирика мыслится лидером группы живописью словом, и он накидывает образы задушевным скрипучим скримингом. Особенно последняя тема с этим самым незабываемым рефреном: "Under the sea is the sea is a lighthouse a lighthouse a lighthouse... " – если есть что-то более гипнотическое и чилл-аутное в этом жанре, хотелось бы знать. По мере развития своего творчества группа начинает гнать и вовсе экстравагантный салонный блэк с вниманием к атрибутам роскоши: на эту тему послушайте хотя бы роскошную "Olive Ink Seahorse" с крайнего EP.
Сделать лайт- и поп-версию базовой и тогда уже экс-группы у орегонских ребят получилось. Незатейливая в средствах, но довольно оригинальная по эффекту, "Clair Cassis" станет достойным экспонатом в коллекции, показывающим, как блэк может не усугублять эмбиент агрессией и слиться с ним наркотической и ностальгической дреме. Группа пребывает в творческом молчании уже почти 10 лет, но подобные таинственности к лицу и в природе этих людей...
|
| |
|
|
|
|
|
| Эта страничка – собрание откровений. Здесь можно прочитать о несгибаемом тру-блэке, который нарезают румыны, а позже магия опускающей с небес на землю фразы «Ничего абсолютно нового эта пластинка Вам не подарит» развеивается в пух и прах называнием третьего по счету альбома этой уникальной группы дебютным.
Альбом в свою очередь продолжает серию экспериментов в блэке, которые не только не лишают исходный стиль атмосферности, но преумножают ее. Черты некоего суховатого техно-дэта прорезаются в творчестве румынов, что добавляет оттенков в море разливанном сдвоенных тремоло, бластбита и довольно неоднозначном хищном скриме. Технической остротой Negură Bunget походят на Abigor и американцев Weakling, но ламповость и природность звучания, тяга к братанию гитарного жужжания и фолковых переборов, а также эпизодические хоралы скорее роднят их с ранним Ulver-ом (на это намекает и перевод крайней вещи диска на английский "Wolves Are Calling in the Forest"). Воздушное богатство, полагаю, свое, нашептанное Трансильванией.
«'n crugu bradului» – настоящий этнографический музей в звуке: в нем есть залы фолкового гитарного шаманизма, воздушной релаксации, этнически маскирующейся перкуссии и пастушьих высокогорных дудок (наименьший). Конечно, на данном этапе это такие полупрофессиональные вылазки, опыты энтузиастов, и в совершенные произведения искусства, как на «Om», они не отливаются, много в них изощренной грубости и неровных углов. Зато звучание отдает лучистой аутентичностью, зримо осязаемой связью с почвой, водой и воздухом, на котором оно взращено. Песни неодномерные композиционно, захватывающие авантюрным потоком черного метала, охлаждающие авангардными рублеными фразами гитар, завораживающие содружеством эмбиента и фолковым орнаментализмом. Гитары очень разнообразны даже для блэк-метала с амбициями (что тут звучит своеобразный техно-блэк, думаю, сомнению не подлежит), ну а Negru заявляет себя как один из ведущих драммеров жанра (наряду со, скажем, Александром фон Миленвальдом), параллельно со скоростным бластингом, фаршируя свою игру нетривиальными аппликатурами. Клавиши обезличенны своей атмосферной функцией, но в последнем трэке эдаки контрастно врываются психоделическим завыванием. Да и вообще воображение румын уже здесь разомкнуто настежь, этого только и не хватало добавить к инструментальному перфекционизму. Но вот в последней вещи можно бы крантик эмбиента подзакрутить…
Альбом при всей прогрессивной начинке излишне не мудрит (этому противодействует и внушительная доля черно-металической классики и этнический компонент) и сохраняет примитивное очарование первично в заголовках композиций. Румынам нужно будет развить аутентичность и немного сгладить техницизм, вдохнуть еще больше пространства и универсальной мудрости/красоты, чтобы получился такой безусловный и цельный гигант «Om». Многоуважаемый Kurgan был неправ, когда обозвал шедевр подступами, но это уже другая история и дебаты по соотношению тьмы и художественности.
|
| |
|
|
|
|
|
| Они не собирали мега-залы, под завязку забитые беснующимися фанатами. На их выступления в большинстве своём приходила эстетствующая публика, предпочитающая камерную обстановку, и такой публики по-определению не могло быть много. К тому же после выхода триумфального "Crime Of The Century" прошло слишком мало времени и тот альбом, как и сама группа, не успел ещё обрести свои грядущие титулы. Хотя все предпосылки для этого имели место быть. Но вместе с тем никого не удивило бы, сведись тогда всё к творческому выгоранию молодого квинтета. Судьба, однако, уготовила для Supertramp иное развитие событий.
Всё началось с того, что из-за травмы руки у гитариста Роджера Ходжсона им пришлось досрочно завершить Crime Tours North American Leg. Это повлекло за собой недовольство со стороны руководства A&M Records, которое вынудило группу этот непредвиденный простой заполнить подготовкой новой пластинки. Музыкантам ничего не оставалось, как начать сессию в одной из студий Лос-Анджелеса, хотя к этому они были совсем не готовы. После напряжённого гастрольного графика новые идеи не желали приходить в головы лидеров и авторов всего репертуара Supertramp Рика Дэвиса и Роджера Ходжсона - группа нуждалась в передышке. А между тем, времени на всё им было отпущено в обрез - всего-то несколько недель вместо привычных нескольких месяцев.
Их спасло тогда то, что в запасниках Supertramp скопилось много нереализованного ранее материала сомнительного качества. А ещё прекрасные отношения со звукоинженером Кеном Скоттом (Ken Scott), который "отполировал" их предыдущий "Crime..." и чьё участие в работе над новым LP в качестве со-продюсера вселяло надежду, что и эта поначалу казавшаяся обречённой пластинка всё же зазвучит.
Ещё в марте 1975 года четыре ранее неизданные песни ("Sister Moonshine", "Lady", "Just A Normal Day" и "Another Man's Woman") были озвучены группой в лондонском Hammersmith Odeon и даже записаны британской ВВС. От безысходности их решено было взять за основу, при том что эти полуфабрикаты воодушевления у самих музыкантов не вызывали. К тому же и репетиции поначалу были затруднены. Да и в целом ситуация, сложившаяся тогда в студии, была далека от идеальной. Музыкантам не нравилась обстановка, не нравился материал, который у них получался. Новые композиции "Ain't Nobody But Me" Дэвиса и "The Meaning" Ходжсона обозначили ещё одну уже по "Crime..." наметившуюся, но пока ещё не настолько острую проблему, чтобы начать бить во все колокола. Творческие разногласия между двумя лидерами Supertramp в конце-концов обнажились и дали о себе знать. История, которая стара как мир. И если по жизни эти двое сохраняли вполне себе товарищеские отношения, то в творчестве Рик и Роджер проявились как убеждённые антагонисты. О былом духовном единении первых лет существования Supertramp остались одни воспоминания.
Годы спустя Р. Ходжсон рассказывал популярному музыкальному изданию "Sound": "Crisis?..." для нас стал означать больше, чем для всех прочих просто название очередной нашей пластинки, потому что он действительно был кризисным альбомом. Он мог стать даже лучше, чем "Crime Of The Century", но не стал, у нас в студии было слишком много негатива. Нам действительно не нравилось то, что мы делали, в конце концов у нас получилась некая поделка, которая многим даже нравилась. Но для нас этого было недостаточно". Однако, уже позже Ходжсон где-то как-то проговорился, что на самом деле "Crisis?..." являлся его любимым альбомом у Supertramp.
Набор из десяти разномастных, казалось бы, композиций не содержит в себе очевидного фаворита с претензиями на хит. Но вместе с тем сложилась на удивление компактная, ровная и целостная программа. Дэвис и Ходжсон, две очень разные музыкальные личности, чьи прямо противоположные творческие принципы скорее вопреки, чем благодаря, способствовали появлению привлекательных гармоний, в равной степени и отталкивающихся и стремящихся друг к другу. На этом противоречии возникли "Just A Normal Day" и "A Soapbox Opera", невероятно душевные новеллы. Меланхолический блюз "Just A Normal Day" для этого альбома вещь просто уникальная - со струнной секцией Ричарда Хьюсона и трогательными клавишными Дэвиса, обеспечившими инструментальный сегмент композиции, но главное, с завораживающей вокальной эстафетой Рика и Дэвиса. Редкостный пример единства противоположностей. Но свой позитив привносит и соседство таких казалось бы разных по стилистическому изложению номеров, создающих острый динамический контраст, как "Sister Moonshine" утончённого Ходжсона и "Ain't Nobody But Me" тяжеловесного Дэвиса.
Программу LP стоит, пожалуй, считать концептуальной, если проникнуться в тексты песен и вывести в итоге общую формулировку. Каждая из песен - это отдельная история, а в эпицентре этого калейдоскопа событий мечущийся мужчина, этакий собирательный образ, который с разной степенью успешности преодолевает рушащиеся на него проблемы. Как иллюстрация к этому тезису - лицевая обложка альбома. Ещё одна очевидная связь с названием.
Даже на виниле ещё лет сорок тому назад программа альбома звучала великолепно, в чём несомненная заслуга Кена Скотта, в разное время сотрудничавшего с Pink Floyd, Procol Harum, The Jeff Beck Group, Duran Duran и много с кем ещё. Это он активировал идею внедрить в полифонию пластинки "звуковой дизайн". Он же её и воплотил. Даже по тем временам это уже не представлялось чем-то необычным, но этой работе Supertramp несомненно добавило вистов. С этого, собственно, и начинается данная программа - беззаботное насвистывание на летнем уличном фоне, за которым следуют тревожные ритмы "Easy Does It", плавно переходящие в "Sister Moonshine" со своеобразным вокалом Роджера Ходжсона под аккомпанементы его акустической гитары.
В Supertramp, как и в некоторых других командах с двумя равнозначными вокалистами (в Barclay James Harvest, к примеру, или в Status Quo), практиковалось такое строгое условие - на лид. вокале как правило был автор композиции. Рик Дэвис вокалистом был далеко не выдающимся, но в "Poor Boy", где он в качестве разминки в самом начале имитирует звуки горна, поёт просто отменно. Должно быть медленный фокстрот, что является мелодической основой этой песни, этому способствует, но и сам Рик очень хорош. Как хорош, впрочем, и Роджер Ходжсон в "The Meaning" с началом, которое так и тянет назвать "пинкфлойдовским" (эти парни свои эксперименты с шумовыми-звуковыми эффектами начинали ещё в конце 60-х годов, правда, несколько иного рода). При этом его капризно-истеричный вокал с невероятно насыщенным, как ни в каком другом треке этого LP, гитарным сопровождением и вкрадчивым саксофоном Джона Хэллиуэлла, как небо от земли отличается от по-спортивному хладнокровного пения Дэвиса.
Несмотря на неважный поначалу коммерческий результат, "Crisis? What Crisis?" пробился в Тор 20 британского UK Album Chart и в Тор 50 американского. Авторитетный Billboard 200 вывел пластинку на 44 наивысшее место. Британская газета "Record Mirror" включила эту работу Supertramp в свой годовой список лучших альбомов 1975 года.
Порой закрадываются сомнения в искренности музыкантов, когда они делятся воспоминаниями о сопровождающих их работу над пластинкой разного рода негативных моментах. Но если всё так и было, то на качестве получившегося лонгплея это отразилось весьма благотворно. Видимо, так тоже случается. Это был по-настоящему зрелый альбом, возможно даже апогей гармонии творческих усилий Дэвиса и Ходжсона, как бы критически сами они ни относились к тому, что и как они делали.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что может быть лучше возможности прикоснуться к андерграунду СНГ 90-х, особенно если это конкретное порождение времени и места имеет еще и арт-составляющую. Украинский дэт-коллектив Brainstorm переродился в более синкретическую формацию Graal, оброс составом и более подвижным и пестрым саундом. Укуренным, джазанутым, ностальгирующим по ретро-... С творческим наследием порвано не было: 2 трэка Brainstorm были переосмыслены в новой эстетике и перезаписаны для этого релиза.
Итак, "Sigullum Naturae", чудесное порождение агрессии, арт-роковых влияний и психо-фолкового мироощущения. Песни выстроены по принципу потока сознания, смена музыкальных сцен свободно-ассоциативна, экзотические решения быстро завладевают вниманием и также проворно ускользают, растворяются в теле этого непростого музыкального текста. Однако слушается перформанс с легкостью, нашептанной природой. Это такая авангардная оргия слоев звука. Пружинящий бас, достаточно вольно гуляющие по трэкам ударные, щедрые на сбивки, примоченная гитара, творящие мощные антуражи и расширяющие сознание / раздвигающие горизонты слушателя клавишные и очаровательная флейта, снижающая энтропию – все это слагаемые неортодоксального и глубоко по-своему злобимого... все-таки блэка. Не обошлось тут и без явного технарского дэта, его ломаных суховатых схем, при том, что Atheist вспоминается и в джазовых вихрях. Со стороны прог-рока в конце "My "Total" Vision" очень веет Camel и вовсе не из-за флейты, оно, это влияние, опознается по гитаре а-ля Энди Латимер. Заурядных вокальных партий на альбоме не сыщешь: то это трансовое бормотание, то задумчивая декламация, скрим вовсе не доминирует здесь. Но все наблюдения о музыке Graal излишни, окромя главного: она удивительно атмосферна и мистична, то, что было намечено в творчестве Brainstorm, развернуто на полный метр и широкий экран тут. Кстати, насчет крупных форм, по "вине" кассетного формата и того рипа его, что чаще доходит до нас, вполне обычные по продолжительности трэки мыслятся более амбициозными и концептуальными пьесами. По содержанию, впрочем, они ими и являются.
Каждой "иной" группе 90-х нужен такой альбом, как "Sigullum Naturae" наших сегодняшних героев или... правильно, "Kai pilnaties akis užmerks mirtis" Anubi, загадочный релиз на нечистом звуке, с неисчерпаемым потенциалом открытий (солидным багажом клавишных аллюзий) и бархатно-уютной ноктюрнальной атмосферой.
|
| |
|
|
|
|
|
| Период первичного накопления творческого капитала у литовцев Anubi, так, позволю себе выразиться смело, сенсационно прогремевших на авангардной темной сцене, довольно бесхитростен. Годы ранние, за это почет, но то, чем они занимаются на этой демке – любительское дуракаваляние, записанное на 4-х дорожечный магнитофон, робкие и плохо оформленные попытки психоделического оккультного метала. Шепоты и страхи, записанные как на шабаше, с какофоничными, словно расстроенными гитарами суть не очень нарядный эмбиент, завернутый в извращенную оболочку пленкосношательства. Ритуальные риффовые структуры в зачаточном состоянии, но неплохи, из них вполне могло бы что-то получиться. Например, коммерческие похоронные марши. Сдавленный гроул на "песнях" группы словно обусловлен желанием не поднимать шума, остаться незамеченными на локациях. Стандартный блэкарский трэк всего один – "Menulio paslaptis": это где привычный нашему уху чес и наваливающие сырые ударные. Интересней "Keista ateitis", напомнившая мне аккордовой последовательностью песенку нововолной группы Devo: бывают, как говорится, странные сближения...
Однако ребята уже сейчас кое-как позиционируют себя для мира, о чем говорит перевод названий всех трэков на английский. Мне было бы странно, что это кому-то интересно. В целом литовцы дают состоятельную параллель наиболее обскурным рыцарям Темных Легионов в их наименее доступных формах. "Когда б вы знали, из какого сора..." вырастают будущие знаковые творения, но этапы взросления и творческой эволюции никто не отменял: от страшилок у костра до полноценного музыкального театра.
|
| |
|
|
|
|
|
| Поводом для написания этой рецензии стала предыдущая, где рецензент поставил альбому незаслуженно, на мой взгляд, низкую оценку и, что важнее, слабо это аргументировал. Дебютник группы Amplifier под тем же названием является идеальным примером современного прог-рока, потому что содержит в себе сложные композиции с очень красивыми, запоминающимися мелодиями. Это не такое уж простое сочетание. Вспомните последний альбом Dream Theater, который вы бы напевали себе под нос. У британцев (правда, этническое происхождение фронтмена Сэла Баламира – это отдельная тема для разговора) из «Усилителя» на их первом альбоме с этим никаких проблем нет. Все песни – хиты, особенно хорошо запоминаются гитарные риффы, одновременно жёсткие и мелодичные. Сложные моменты тоже застревают в памяти, например, грандиозный переход в треке “On / Off”. Начинающийся с мягкого гитарного перебора, ближе к концу он просто взрывается, символизируя то самое переключение гитарного усилка. Нойз в начале и конце “The Consultancy” звучит очень гармонично. Вокал тоже отличный, как заметил рецензент альбома "The Octopus", мало на что похожий. У Баламира не очень большой вокальный диапазон, но зато приятный баритональный тембр голоса. Тексты тоже непростые, там есть простор для интерпретаций.
В общем, если вам нравится прогрессив, особенно современный, проходить мимо этого альбома – преступление. Тем более потому что, imho, на втором альбоме группа сдала свои позиции, а после третьего ничего интереснее, кажется, у них не вышло.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ситуация с “Cruelty and the Beast” чем-то схожа с ситуацией с “…And Justice for All”, где при высоком качестве материала качество звучания просило об эвтаназии. Не столь важно, что характер проблем в обоих случаях разный, важно то, что мало кому нравится, но все привыкли, несмотря на периодически повторяющееся нытье о фантомном басе и детских ударных. Cradle of Filth, что отрадно, сами понимали косяк ситуации, и спустя 18 лет объявили об исправлении багов “Cruelty”. Ещё более отрадно, что они не стали перезаписывать альбом с нуля, а решили его пересвести и ремастировать. Ход правильный, в том числе и потому, что перезапись часто воспринимается довольно туго фанатами, а против пересведения вякнули единицы. Это неудивительно, так как если второй вариант направлен на точечные корректировки и латание отдельных дыр, то перезапись просто начинает всё с чистого листа, работая по заданным шаблонам. А итог – небо и земля, что не всем по душе. На то, что, вообще-то, оригинал никто ни у кого не отнимает, часто закрываются глаза.
Но даже такой подход был далёк от панацеи и нёс свои риски, так как ткань альбома представляла собой такое хрупкое полотно, что его можно было уничтожить одним неудачным надрезом. Тут я даже отчасти готов был согласиться с теми, кто считает, что дешёвые ударные есть зло во благо. Да, звучат, как известная субстанция, зато остальному не мешают. Основную тревогу вызывало то, что в звучании последних четырех альбомов британцев делался акцент как раз на мощные ударные, и если бы группа держалась такого же курса и при пересведении, то результат был бы скверным. “Cruelty” с барабанами “Aversa” – лучше хрен мне отрежьте. Оптимальным вариантом был бы взгляд в сторону 2008-го, с его характерно мелкой, сухой дробью.
То, что Cradle of Filth проделали работу с любовью и почтением к своему наследию становится видно сразу. Баркер наконец-то звучит так, как подобает такому ударнику, его инструмент хоть и сдал в хлёсткости (вот это характерное “ладошкой по попе”), но прибавил в плотности и громкости, избежав при этом зашкала. Бас взбодрился и теперь являет себя намного чаще и не только в моменты гитарного затишья, а сами гитары чуть потеряли в остроте, но это неизбежная побочка уплотнения звука в целом. Клавиши оказались вроде нетронутыми, но в отношении их ощущение двоякое. С одной стороны, их как будто выделили в миксе, они звучат более выражено, акцентировано, с другой, общий тренд альбома на сглаживание острых углов в угоду более обстоятельного, плотного звучания немного задвинул их назад. И вот конкретно это я мало одобряю и осмелюсь выразить частное (и, разумеется, никому ненужное) мнение, что как раз им можно было бы придать больше громкости. Удельный вес “кнопок” тут и так ниже, чем у, например, “Dusk…” и “Midian”, их значимость тоже едва ли дотягивает до уровня названных (Лектер очень скромный человек, судя по всему), поэтому от некоторого крена в эту сторону релиз точно не проиграл бы, а возможно даже и выиграл. Можете это считать это единственной претензией, потому что других я не имею.
Казалось бы, всё теперь просто и очевидно: “Cruelty and the Beast” здесь наконец-то звучит подобающе своему материалу, и ему смело можно ставить заслуженно высокую оценку. Но какая-то, не знаю даже, внутренняя объективность, что ли, не даёт это сделать, намекая на то, что “Re-Mistressed”, по сути своей, является работой над ошибками. Да, проделанной с умом и старанием, но ведь есть разница, между изначально отлично сделанной работой и работой, ставшей таковой после “пересдачи”. Особенно, когда разница между ними аж в два десятка лет. Как бы там ни было, спасибо группе за этот долгожданный подарок.
|
| |
|
|
|
|
|
| Группа Archontes по праву считается одними из первых (если не первыми) музыкантами, кто начал играть в России power metal. После выхода в 2004 г. «Book One: A Child Of Two Worlds», в творчестве коллектива настала тишина. После сингла «Колыбельная» в 2011 г. и песни «Back in the Game» в 2012 г. группа не представила своим слушателям ничего. И многие расстроились и подумали, что творчеству и существованию коллектива пришел конец, что не могло не огорчать. Но вот, 17 мая 2014 года Archontes явил миру альбом «Когда-нибудь и никогда». Это первый в истории альбом группы с русскоязычными текстами. Сразу же после первого прослушивания альбома у меня осталось неописуемое словами чувство восхищения и восторга. Я переслушивал альбом снова и снова, вслушиваясь в тексты всё глубже и глубже. Слова меня поразили до глубины души и иногда, откровенно говоря, вызывали слёзы на глазах… Но о всём поподробней дальше.
Итак, начну с иллюстрации альбома. На обложке изображен летательный аппарат Леонардо да Винчи. Выглядит обложка скромно и даже как-то просто, без особого изыска. Вначале я не мог понять к чему это вообще, но при общении с Романом Гурьевым (на тот момент являвшимся гитаристом группы) он мне объяснил, что эта картина олицетворяет несбывшуюся мечту, что аппарат так и не взлетел… «Когда-нибудь и никогда»… И всё стало ясно.
Теперь перейдём непосредственно к композициям. Альбом открывает интро «Вальс опавших листьев». Спокойная клавишная мелодия вызывает чувство спокойствия и умиротворения. Прямо когда закрываешь глаза, воображение рисует картину словно ты находишься в лесу, в осеннюю пору, вдыхаешь в легкие прохладный воздух, видишь как с деревьев опадают желтые, огненно-оранжевые, красные листья, они летят к земле и кружатся в чудесном, медленном вальсе…
И спокойное интро плавно переходит в песню «Дай забыть мне». Композиция начинается с жесткого, забойного, качающего риффа и вызывает невольное покачивание головой, сразу же слышится фирменный звук Романа Гурьева. Текстовая составляющая песни рождает в моём разуме картину о человеке, который устал от всего в жизни, который хочет начать жизнь сначала, с чистого листа. Человека терзает память, воспоминания прошлого, смерть близких людей, предательства друзей… Человек боится, что всё, что произошло с ним раньше, может повториться вновь… Сильная композиция.
«Выдох и вдох» продолжает сюжетную линию предыдущей песни. Человек борется с прошлым и страдает от прожитых воспоминаний, но понимает, что прошлое не изменить, каким бы тяжелым оно не было, но зато есть шанс исправить то, что еще возможно и не натворить новых ошибок. Альбом продолжает «Дом сумасшедших», одна из моих любимых песен. Сюжет композиции в принципе продолжает предыдущие песни, подчеркивая, что человеку тяжело и страшно жить в этом мире, что он замкнулся и ему плевать, что над ним смеются окружающие, ибо ему так лучше. Очень сильная и серьезная песня, припев вообще для меня стал цитатой.
«Призрачный свет»… Очень цепляющий за душу текст, медленная и меланхоличная мелодия, я бы даже сказал с готическим оттенком. Песня о том, как человек с наступлением ночи наконец-то получает хоть на время душевный покой, сбегает от рутины и суеты. Но он не до конца умиротворяется, ибо в памяти всё равно всплывают былые воспоминания, всплывают лица, которых уже нет, желания, которые уже не свершатся. Человеку грустно, но он не боится что и его смерть заберет, он боится, что могут исчезнуть из памяти те, кто сказал ему «Прощай»…
Дальше идет песня «Хлеба и зрелищ». Актуальнейшая тема, которая гласит о проблеме человечества в целом в этом гниющем мире, где нет морали, а деградация пустила корни, как раковые клетки. Песня о том, что люди увязли по самые уши в обмане власти и чиновников, но свято верят в то, что говорят по телевизору и не хотят изменить свою жизнь в лучшую сторону. Забойная композиция, прям пробуждает боевой дух. Композиция «Стены из грёз» с лирическим текстом, но не с лирической мелодией. Каждый человек хочет встретить свою идеальную вторую половину, рисует её в своем воображении, но порой в этой жизни Судьба сводит не совсем с таким воображаемым идеалом, и вместо того чтобы принять друг друга какими мы есть, идти навстречу друг к другу, поддерживать, мы пытаемся друг друга изменить под свои шаблоны, потакая своим внутренним потребностям. И из-за этого разрушаем, а не строим свою жизнь. Поучительная композиция, заставляет задуматься.
Дальше заглавная песня «Когда-нибудь и никогда», самая моя любимая композиция не только с альбома, но и со всего творчества группы. Цепляющая мелодия, которая с первых нот заседает в мозгу и там остается навсегда. Очень сильный и серьёзный текст, поучительный. Каждое слово заставляет серьезно задуматься. Тяжело передать все ощущения… Когда ты молод, ты полон амбиций, идей, тебя прямо распирает всего. Ты терпишь ошибки, но всё равно идешь к цели, к мечте. Но со временем, когда неудач становится больше, то ты отступаешь от своей мечты, и как бы относишься к ней уже со смехом, «чуть не всерьёз». Годы летят и все мечты, в которые так свято верил раньше, превращаются уже в не «когда-нибудь», а в «никогда»… И лишь годы спустя понимаешь, что «когда-нибудь» и «никогда» поменяет местами Судьба. Скажешь «когда-нибудь», а в ответ «никогда». Сколько раз я не прослушиваю эту песню, я понимаю как очень правдиво она многое описывает в моей жизни…
«Колыбельная»… Эту песню я до сих пор не могу слушать без слёз… Душераздирающий текст, который вводит в ужас и страдания. Такой текст может написать лишь тот человек, который поистине потерял очень близкого и родного человека. Я не буду писать подробно, кто знает, тот и так поймет о чём песня. Даже сейчас, печатая эти строки, у меня на глаза наворачиваются слёзы… В сочетании с меланхоличной музыкой получается мрачная и одновременно захватывающая песня, которую слушаешь вновь и вновь…
Песня «Снова в игре», пожалуй, самая оптимистичная на альбоме. Повествование идет о том, что автор (и группа в целом) снова возвращается в игру, в строй, несмотря на долгий ступор. Несмотря на то, что пережито много тяжелых событий, нужно жить дальше, но не забывать и помнить былое. Нужно творить и создавать. «Назло судьбе, я снова в игре! Пусть жизнь увеличила ставки вдвойне. Я был на дне, и путь мой во тьме, но вновь возвращаюсь, смотрите - я снова в игре!» Бодрая, даже веселая, хоть и с нотками печали, песня.
И завершает альбом акустическая композиция «Перед рассветом». Спокойная акустическая гитара с как всегда замечательным текстом создает красивую балладу. Песня рассказывает о всей теме альбома в целом, о том как человек в ночи, перед рассветом, размышляет о жизни, что было и прошло, о тех, кого потерял. Он верит, что даже после смерти он не уйдет в небытие, а уйдет в мир, где все близкие и родные люди, и тогда наступит настоящий покой и умиротворение… Но это будет нескоро… Надо продолжать жить… Продолжать творить и не забывать о прошлом, и чтить память ушедших в мир иной.
Напоследок хочу сказать, что этот альбом – очень сильная как в музыкальном, так и в текстовом плане работа. Для меня этот альбом не просто очередной метал-альбом, а именно песни, которые учат и заставляют задумываться о жизни, о своих поступках. По праву считаю этот альбом своим самым любимым в русскоязычном металле. Для меня это великолепная и величайшая работа профессиональных музыкантов. Я благодарю их за столь замечательный альбом. Отдельная благодарность автору текстов, лидеру, основателю, бессменному участнику и вокалисту Андрею Федоренко. Хочу сказать, что Андрей не только замечательный музыкант, но и отличный человек. Я желаю ему и его семье крепкого здоровья, долгих лет жизни, творческого вдохновения, и чтобы он и дальше продолжал радовать своих поклонников замечательными песнями. Желаю удачи ему и всей группе в целом!
|
| |
|
|
|
|
|
| Кибернетический меланхолик-рок Manes жив! В отличие от Ulver, они не смогли беспрерывно существовать весь XXI век, но и возродившись не утратили мастерства электронных вывертов и мелодраматический накал. К счастью, их гитарный трип-хоп не столь бесстрастен, как, например, у Notwist, но навык создавать хиты примерно тот же.
"Slow Motion Death Sequence" можно бы расценивать как возврат к идеальным пропорциям благородных метала и электроники, достигнутым на "Vilosophe", но скорее всего здесь достигнута только цепляемость последнего. Проникновенность, в чем привычно заключается прелесть свежего альбома норвежцев, начинается со здорового эмоционального вокала, поддерживаясь далее на всех инструментальных уровнях. Электронный бит, осложненный щелчками и шорохами глитчевой эпохи, геометрически правильные мелодические рисунки клавиш, далекие, приглушенные трели соло-гитары – ингредиенты вроде и незатейливы, но смешать их в нужных комбинациях могут, кажется, только Ulver и наши герои, причем Manes делают это доступнее, с откровенным интеллектуальным поп-шармом. Подачей трэки иногда слегка напоминают мне наиболее песенные даунтемпо-номера электронных гигантов мейнстрима Underworld ("Dirty Epic", "Stagger"), что, безусловно, большой комплимент. Блэкерские времена далеко позади, реставрации болотного мрака не предвидится. Хрупкие, ненавязчивые приглушенные гитары в куплетах затем взрываются дисторшеном, усиливая харизму эмоциональных тирад вокалиста. Конечно, Manes мастера деталей, выделенных как бы невзначай, без этого таланта такие альбомы, как "Slow Motion Death Sequence", не пишутся.
Единожды как эхо юношества прозвучит запильный тремоло-пассаж ("Night Moves"), но больше нет. Зато в голосах решительности ни капли грубости и экстремизма, как у лучших, несопливых и непозорных в конце концов альтернативщиков. Asgeir Hatlen как основной вокал диска столь же мощен, как и 16 лет назад. Конечно, участие Энни Мерфи (уже оттачивавшей свое пост-блэковое мастерство у соотечественников Blutmond) в записи альбома с такими трип-роковыми декорациями не может не навести на мысли о другой Анне – Аннеке ван Гирсберген, но это говорит лишь о взятии определенных высот выразительности теперь и в женской категории. Тематика лирики абстрактная, как и должно, но темы смерти и негативной энергии есть постоянные места в поэтическом царстве Manes.
Последний диск норвежцев – не компиляция, какая-то логика здесь прослеживается, когда с 4-его номера более отмороженные электронные и убитые эмоционально вещи чередуются с более гитарными и психологически более легкими. Самая выделяющаяся песня – самая неэлектронная, почти ушедшая в ненавистный мне пост-грандж "Last Resort", где в эмоциональном напряжении достигнуто равновесие ведущих мужского и женского голосов. Самая легкая и разгрузная – “Building the Ship of Theseus”, но и тут меланхолия неизживаема.
Невольно или целенаправленно сравнивая "Vilosophe" и "Slow Motion Death Sequence", приходишь к выводу, что последний определенно современнее, менее металичен, и яркость теперь полностью заслуга электронного инструментария. Прежний идеал красоты в содружестве тяжелых конструкций и цифрового украшательства недостижим, но новые электронные наработки и блистательный поп-компонент, не растерявший эмоциональные ресурсы, позволяют альбому почти не уступать наследию.
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй альбом пионера металического easy listening-а во Франции укрепил репутацию Neige как необыкновенного таланта на рубежах метала и интеллигентной поп-музыки. 2010-й был годом без Amesoeurs и Peste Noire, но отсутствие конкуренции ничуть не мешает Alcest-у быть в форме самому по себе и тщательным образом просчитывать классическую гармонию. Француз в части концепции, по сути, ничего из ряда вон выходящего не сделал – всего лишь заметил, что black metal можно низвести до категории light и в этом качестве скрестить его с отрадой британцев начала 90-х – шугейзом, а также если взять чуть пораньше – и второй половины 80-х – дрим-попом. Общие атмосферные основания этих двух манер несомненны – тем более, когда наглядно отображены на таком альбоме, как "Écailles de lune". Придумывать особо нечего не надо, нужно было лишь добиться формального совершенства. И Neige виртуозно соединяет атмосферные пласты, кропотливо добивается рафинированного гитарного звучания, мастерски и попросту красиво строит вокальную работу и при этом избегает занудства и безжизненности. Длина композиций диска обнаруживают основательность автора, а эволюция манер по ходу альбому – четкие эстетические задачи.
Если двухчастная одноименная песня вполне может удовлетворять понятию пост-блэк за счет достаточного количества "черных" элементов, таких, как мягкое тремольное жужжание, атмосферный бластбит и скрим, то чем дальше в меланхолию, тем тоньше не только метал, но и рок. "Percées de Lumière" – некий рубеж и одновременно эталон амбивалентного рока с постоянной игрой света и тени. Один из лучших трэков того далекого уже года (да и перед последующими держащегося уверенно) содержит: пафос британской Анафемы, отголоски депрессивно-суицидального мировоззрения французов (наиболее отчетливо – в раннем Peste Noire) и интернациональные рецепты блестящего атмосферного попа. Но после этого манифеста песенно-шлягерной фактуры через эмбиентную интерлюдию Neige переходит к более аморфному творчеству, поднимая градус медитативности. И уже с чистой совестью можно сказать, что "Sur L'Océan Couleur de Fer" лишена и ритма, если не считать ритма ностальгии. Не знаю, какая еще песня лучше передает элегические воспоминания, мотивы щемительного прощания с чем-то идеальным, чем эта. Это ничто иное как пушкинское "И вновь я посетил", только в своем персональном контексте. Без Cocteau Twins, настаиваю, у Neige обошлось еще меньше, чем без шугейза.
Сольно Neige довинтил гайки, недовинченные в Amesoeurs, и так сложилось, что записал мой любимый шугейз-альбом (не знаю, что со мной не так, но английские работы золотой поры меня стабильно не цепляют как следует и раз за разом оставляют равнодушными). Тут же, как и у бравых французских солдат скримо-ордена, у которых хардкоровая истерия компенсирует недостатки пост-рока, Стефан Пу слаботяжелыми гитарками подретушировал сиропную сущность этого вновь приобретшего привлекательность для творцов и слушателей шугейза.
|
| |
|
|
|
|
|
| Самыми известными продолжателями-подражателями Пристов, наверное, являются немцы Primal Fear - вокалист группы Ральф Шиперс никогда собственно и не скрывал, что Роб Хэлфорд всегда был его кумиром.
Но, оказывается, для некоторых испаноязычных команд творчество Judas Priest тоже служит главным ориентиром.
Так аргентинская банда Patan, которая существует аж с 1991 (!) года, всегда была неравнодушна к творчеству этих знаменитых британцев. Фронтмен группы Ренцо Фаваро даже побрился налысо, чтобы быть похожим на Хэлфорда. Но, как говорится, дурацкое дело не хитрое.
Первые три студийника группы как-то прошли мимо меня, в том числе из-за не очень хорошего качества записи. Что скрывать, многие аргентинские коллективы этим грешат.
А вот с альбома «Conquista» Patan вполне можно начинать слушать. Пожалуй, на сегодняшний день это – их лучшая работа.
Хотя запишут ли парни что-то более гениальное – это еще большой вопрос, поскольку на своей крайней пластинке «6», которая увидела свет в этом году, музыканты неожиданно заиграли какой-то медленный и тягучий хард в духе Rainbow и Black Sabbath. Посему неизвестно, куда их еще вывезет кривая.
Но давайте все-таки вернемся к анализу четвертого полноформатника банды.
На этом достаточно крепком и ровном альбоме есть парочка, если не хитов, то очень неплохих и запоминающихся композиций. Это - мощный трек «Mienten», идущий под номером один; среднетемповая мелодичная тема «El camino»; и великолепная баллада «Guerrero de luz».
Хотя бы ради этих вещей стоит познакомиться с данной работой. А так не исключено, что вам еще что-нибудь приглянется.
|
| |
|
|
|
|
|
| В свое время об этой классной банде я узнала благодаря гостевому участию Анхеля Сан Хуана из Tierra Santa в записи композиции «Sombras del ayer» с дебютника Zenobia «Luchando hasta el final» (2005).
Но сегодня всё же речь пойдет о другом альбоме, который я считаю самым удачным в дискографии данного коллектива.
Диск «Alma de fuego» буквально напичкан хитами и отличными мелодиями, крайне сложно выделить какие-то отдельные треки. И если дебютная пластинка получилась у испанцев какой-то безликой и немного смазанной, то второй студийник удался на славу.
Тон всему альбому сразу же задает крышесносящая открывашка «La tormenta», за которой следует забойный номер «Ícaro» с запоминающимся припевом.
«Alma de fuego» - стопроцентный хит, и вряд ли кто-то будет с этим спорить.
Среднетемповая тема «Dentro de mí» также ласкает слух, а после нее вас ждет самый настоящий щедевр в лице «Lo Llevo En La Sangre». Кстати, на эту песню было снято видео.
Еще один заводной боевичок «La traición» прочно врезается в память с первого прослушивания.
Завершающая диск композиция «Enterrado en vida» тоже чудо, как хороша, и оставляет крайне приятные впечатления.
Поэтому советую познакомиться с творчеством этой команды всем поклонникам качественного пауэра. И начать можно как раз с этого студийника.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.