В последние несколько лет мелодик дэт-метал настолько приелся, что мне стало чуть ли не физически неприятно его слушать. Не претендую на объективную истину, но с большой долей уверенности могу сказать, что жанр находится в стагнации, он перестал развиваться, стал скучным и однообразным. Сложилось ощущение, что в рамках жанра сказали уже всё, что могли. Лишь иногда встречаются стоящие образчики, которые, хоть и не привносят ничего нового, но мастерски работают с имеющимся жанровым арсеналом. Новый альбом Insomnium как раз из таких.
Однако я бы всё-таки не сказал, что это чистокровный мдм. То тут, то там слышатся отголоски других жанров: некоторые фрагменты отдают атмоблэком, в некоторых местах мелькает дум, а также в большей части песен ощущается привкус прогрессивности. Удивительно, как такие небольшие щепотки специй из других жанров преображают мдм. Также не последнюю роль тут играет фирменная атмосфера Insomnium, которая будто надевает на тебя очки, с помощью которых ты можешь увидеть истинные красоту и грусть природы, как в старом фильме «Чужие среди нас» (но там, конечно, с помощью очков можно было увидеть совсем другие вещи). Музыка наполнена прекрасными мелодиями и цепляющими риффами, плавными переходами от тяжелых фрагментов к легким, мощным гроулом и вполне уместным и приятным чистым вокалом. Лирика, которая в этот раз мне показалась более мрачной, чем обычно, также способствует созданию меланхоличной атмосферы, погружая в экзистенциальные раздумья. Касательно оформления: обложка в этот раз какая-то не очень интересная.
В общем-то, про новый альбом Insomnium больше нечего сказать, кроме итога в нескольких словах: добротная работа от признанных мастеров жанра. Альбом не шедевральный, но он явно надолго задержится в моем плейлисте и даже, наверное, войдет в мой личный топ лучших за этот год.

Whiterey   6 окт 2019

Cегодня расскажу вам о самом первом DVD Saxon, который я увидела в своей жизни.
Данный лайв был выпущен в 2003 году и называется он «The Saxon Chronicles».

На первом диске запечатлено потрясающее выступление группы на фестивале Wacken Open Air 2001, который каждый год проходит в Германии; на втором – представлена подборка официальных клипов ветеранов металла.

Многие упрекают Saxon в излишней пафосности. До американцев Manowar нашим героям, конечно, далеко, но определенная доля правды в этом, естественно, есть. Как говорится, нет дыма без огня.

Откуда-то из тумана выплывает царственной, величавой походкой двухметровый великан Бифф Байфорд в черном кожаном плаще в пол, с длинной гривой серебристых волос. Он окидывает весь зал своим орлиным взором и начинает заигрывать с публикой, выкрикивая зычным голосом:

"Do not stop me, do not try,
Cause I'm a motorcycle man."

А тем временем над сценой, широко распластав крылья, парит огромный орел – главный символ Saxon.

Всё-таки харизма либо дана человеку от рождения, либо нет. И Байфорд – прямое тому подтверждение, поскольку его можно назвать живым воплощением этой самой харизмы. В него сложно не влюбиться, хотя Питер даже в молодости красавцем не был, но с возрастом в нем появился какой-то своеобразный шарм. Возраст ему явно к лицу.

Бифф – просто потрясающий фронтмен, уже замечено не раз, что он сразу находит контакт с публикой. Зрители его просто обожают.
А на тот момент он находился в превосходной физической форме и в прекрасном настроении, его голос звучал необыкновенно мощно и впечатляюще.

В этом вы сможете воочию убедиться, когда посмотрите весь концерт, в который вошло 15 песен, среди которых - как уже проверенные временем старые хиты, так и новые композиции с последних альбомов.

Надо сказать, в этот раз Saxon играли дольше, чем положено - Байфорд демонстративно разорвал заранее озвученный сет-лист зубами и попытался его съесть.

В общем, однозначно, это - один из самых лучших концертников команды, если не самый лучший, и любой поклонник хэви-метала обязательно должен иметь данный диск в своей коллекции.

Elena_Kalistka   5 окт 2019

Говорить о том, что легенды металла Slipknot вернулись - весьма прозрачное наблюдение, но сказать, что новая работа музыкантов вернула жанр в нужное русло, будет довольно точно, ведь по сути “We Are Not Your Kind” стал тем элементом, которого не хватало в последние несколько лет. Пришло время услышать эхо из прошлого, ожидаемого как подтверждение того, что группа способна создавать материал, некогда ставший настоящим прорывом на метал-сцене.

Проблематика групп некогда получивших культовый статус, безусловно, становится некоторой творческой клеткой, в которой кто-то способен существовать, со временем становясь уже неотъемлемостью жанра. Каждая работа Slipknot становится событием, ведь музыканты способны удивлять, всегда создавая материал вне рамок. Можно отметить, в то же время и делая это мейнстримом, тем самым создавая жанровость, угадывая тончайшие временные вибрации - когда-то работы “Iowa” и “Vol. 3” стали эталонами звучания, но при этом, и что немаловажно, неповторимыми.

С очередным новым творением музыканты пробирались на неисследованные территории, поэтому “All Hope Is Gone” 2008 года и “.5: The Gray Chapter“ 2014 и стали довольно особенными, создающими резонанс в метал-сообществе. Новая же работа стала с одной стороны, оглядкой в прошлое, что, безусловно, определяюще - ведь основа это то, с чего и начинается любое великое путешествие. Поэтому настолько явным дуновением прошлого отдаёт уже с первых звучаний, даже по-моему скромному мнению фрагментарно напомнивших дебютник “Mate.Feed.Kill.Repeat.”. Стоит отметить, что музыканты, как истинные творцы, стараются использовать весь накопившийся опыт в каждой работе, поэтому пластинка также получилась свойственной духу времени. Но это было всегда - группа не шла во времени, она его создавала.

Альбом “We Are Not Your Kind” не стал экспериментом, несмотря на то, что группа всегда создаёт неустоявшееся звучание, но получился действительно жанровым, именно тем, что группа когда-то создала и возвела на вершину. В который раз время показывает, что иногда стоит оглянуться и посмотреть какой же путь ты прошёл, и что ещё предстоит впереди.

Антон Пеганов   3 окт 2019

«Cuando la Tierra Toca el Cielo» («Когда земля касается неба») - первое полудокументальное видео испанской команды Tierra Santa, которое увидело свет в 2000 году и изначально было выпущено на видеокассете. В него вошли записи выступлений, фрагменты из гастрольной жизни, в частности, из европейского тура, в который группа ездила вместе с британскими фолк-металистами Skyclad, а также интервью с самими музыкантами.

Сразу скажу, что ничего особо интересного на данном диске вы не найдете, но истинному фанату «Святой Земли» просто необходимо иметь его в своей коллекции. Хотя бы для того, чтобы знать, как все начиналось.

Данный DVD охватывает ранний период существования банды. Качество концертных записей явно хромает, некоторые видео больше похожи на бутлеги. Но, тем не менее, они представляют большую ценность, поскольку никаких других съемок того времени не сохранилось.

Из самых ярких моментов, наверное, стоит отметить выступление Tierra Santa на первом международном фестивале в Испании «Rock Machina 2000». Они принимали в нем участие наряду с такими коллективами, как Vision Divine, Running Wild, Ankhara, Lujuria, Labyrinth, Koma, Easy Ryder, Edguy, Metalium, Mägo De Oz, Virgin Steele и Azrael.

Отдельно, должно быть, нужно сказать об акустическом концерте, который «Святая Земля» дала во Франции. Для парней это был первый подобный опыт.

Также меня очень впечатлило живое исполнение песни «Legendario». В этом клипе от Анхеля просто невозможно оторвать глаз, и невольно начинаешь думать: «Какой же все-таки красивый мужик, черт возьми!». Его длинные волосы цвета воронова крыла ниспадают до самых бедер, которые обтянуты кожаными штанами, а его голос заставляет сердце громко стучать.

Что скрывать, любопытно было посмотреть на молодых Анхеля Сан Хуана и Артуро Морраса, еще стройного Роберто Гонсало.
Парни с таким воодушевлением говорят о музыке, которую они играют… Кто бы мог подумать, что через каких-то 7-8 лет коллектив распадется?

Лично меня просмотр данного видео настраивает на какой-то ностальгический лад… Ведь все так хорошо начиналось… Казалось бы, у этих испанцев был такой огромный потенциал… Анхель был таким техничным гитаристом… И что в итоге ребята сочиняют сейчас?

В общем, пищу для размышлений я вам уже дала. Теперь вам осталось только посмотреть «Cuando la Tierra Toca el Cielo» и сделать свои выводы.

Elena_Kalistka   3 окт 2019

Borknagar любят заставлять себя ждать: о новом альбоме “True North” было заявлено ещё в январе, но выпущен он был только в конце сентября. За это время из группы ушло три человека: вокалист, барабанщик и гитарист – половина состава, при том что в составе всегда были именитые музыканты, а не разовые сессионщики. Было интересно, сможет ли группа «держать марку» и написать материал, не уступающий предыдущим дискам норвежцев.

Сингл “The Fire That Burns”, видеоклипы “Up North” и “Voices”, выпущенные, что называется, для затравки, картину существенно не прояснили – напротив, усложнили её ещё больше. Все эти песни написаны разными авторами и в достаточно разном стиле, в котором, впрочем, всё равно узнаются фирменные ходы Borknagar. Как становится понятно позднее, ещё лучше эти песни раскрываются, если слушать их не по отдельности, а как часть целого, большого диска.

Те, кто волновался, что с уходом Винтерсорга группа потеряет достойного вокалиста, который умеет петь скримингом, могут счастливо выдохнуть. Напоминаю, что каких-то двадцать лет назад Вортекс, ещё молодой и статный, уже вовсю голосил в данной группе – как скримингом, так и чистым пением. Вот и на данном диске у него вполне достаточно партий, чтобы любой притязательный слушатель насытился. Конечно, чистоголосые куски и даже целые песни никуда не делись – но уже здесь к басисту присоединяется (а зачастую солирует) также Ларс Недланд, клавишник, обладатель, как оказалось, тоже немалых способностей. Вместе два певца создают прекрасную узнаваемую атмосферу и отлично «справляются», как-то даже и не скучаешь по третьему, хотя он провёл в группе так много времени. Я так много говорю о вокале, потому как именно он всегда был визитной карточкой группы, эта традиция соблюдается и здесь.

Поговорим о музыкальной составляющей. Если предыдущая трилогия (альбомы "Universal", "Urd" и "Winter Thrice" неофициально считаются трилогией) звучала достаточно монолитно, песни были, при всём их разнообразии, преисполнены единой атмосферы и звучали в достаточно общем и сходном ключе, то на "True North" правит индивидуальность. Треки не сливаются в единую картину, каждая песня имеет своё лицо, свою самобытность. “Up North” – это прекрасная мечта о волшебных краях, “Lights” – рассказ о героях прошлого, “Wild Father’s Heart” – эпитафия для ушедшего отца, “Tidal” и упомянутая “Voices” – некий взгляд на пройденный жизненный путь и попытка осознать себя в этом мире. Любимая тема природы, которая сопровождала группу с первых шагов, на этом диске задвинута на второй план, проступая больше в оформлении и отдельных упоминаниях в песнях. Но в целом настроение альбома более лиричное, более интимное, музыканты дают нам заглянуть себе в душу и рассказывают, что же они ощущают, чем дышат, о чём думают. Или же всё это искусный обман, и это только кажется?

Новые музыканты – Бьорн Рённов на ударных и Йостейн Томассен на соло-гитаре – отлично вписались в состав. Они не участвовали в создании материала, тем не менее партии Томассена служат отличным украшением нескольких песен. Возможно, ему немного не хватает опыта, чтобы так же органично сливаться с общим звучанием, как это делал его предшественник Йенс Рюланд, но и радует он нас чаще. За что и спасибо.

Подводя итог – группа написала отличный материал, снова порадовала, не ударила в грязь лицом. Крепкая работа взрослых и опытных музыкантов, ни разу не «отписка» и не следование каким-либо трендам. Borknagar всегда были со своим лицом, даже когда работали в полностью акустическом ключе (см. "Origin") или писали «злой» материал (это я сейчас о "Quintessence"). Сейчас у группы достаточно музыки, чтобы каждый мог найти для себя что-то, что близко сердцу. Рекомендую сделать это прямо сейчас, осень отлично подходит для северной музыки.

George Ramm   2 окт 2019

КЛАССИКИ ЮЖНОГО РОКА.

Сразу же оговорюсь. LP "Gimme Back My Bullets" не из самых сильных у Lynyrd Skynyrd. Общепризнанно, что предшествующие ему два ("Second Helping", 1974 г. и "Nuthin' Fancy", 1975 г.) поинтереснее были. И продавался "Gimme..." тяжело, лишь спустя пять лет (20 января 1981 г.) он был сертифицирован как "золотой", хотя уже в 1976 году переиздавался везде и всюду. В то время, как оба предыдущих за примерно такой же срок стали "платиновыми" (по 1 миллиону и более реализованных экз.). Но, во-первых, взялся я за него потому, что знаю этот альбом давно и лучше, чем все прочие от этой команды. А во-вторых, "Gimme...", как никакой другой LP Lynyrd Skynyrd, наиболее показателен в представлении так называемого "южного рока". И это медицинский факт.

На "Second Helping" LS записали песню "Sweet Home Alabama", которая в своё время принесла группе признание и широкую известность. Она стала своего рода неофициальным гимном южных штатов Америки. Незатейливая, казалось бы, песенка - и такой громкий успех! А дело всё в том, что пик популярности этого сравнительно нового поджанра рок-музыки пришёлся как раз-таки на 1973-74 г. г., и "Sweet Home Alabama" оказалась на этом пике и по сути эталонным образцом "южного рока". В "Gimme..." подобных песен пять из девяти в программе. И я бы не сказал, что все они так уж существенно уступают "Алабаме". Но, как гласит народная мудрость: каждому овощу свой срок.

Ещё одним фактором относительного проседания этой пластинки возможно стали невероятно сжатые сроки, в которые она была записана. Только представьте себе, что за три сессионных дня (скорее, за трое суток) в студии Record Plant, Лос-Анджелес (7 - 9 сентября 1975 г.) было записано четыре (!) песни. Три из которых из категории "южного рока". Разумеется, в студию группа явилась уже с готовым материалом, времени на раскачку и какие-то творческие метания у музыкантов просто не было. Любопытно, что 8 сентября LS отутюжили и записали сразу две композиции, одна из которых - кавер-версия известного американского музыканта J..J. Cale "I Got The Same Old Blues" - буги-блюз со слайд гитарой Гэри Россингтона и губной гармошкой (сессионный музыкант Ли Фриман). Вторая же, "Double Trouble", сработана словно по лекалам первой, до неприличия похожа мелодически на "I Got The Same..." со слегка изменёнными размером такта и стилистическим форматом. Это уже рок-буги с впечатляющим гитарным тандемом и бэк-вокальным женским трио. Бэк-вокал - несомненная изюминка "Double Trouble", а сам номер из числа лучших в программе этого альбома. С теми же самыми бэк-вокалистками, там же в Лос-Анджелесе, была записана и самая тяжёлая композиция в этом LP. "Cry For The Bad Man" - здесь уже настоящий хард-рок, густой блюзовый саунд с ведущей гитарой Россингтона и эл. органом Билли Пауэлла, что для этой пластинки прямо-таки экзотика. Мощная, напряжённая вещь, выбивающаяся из общей программной канвы, но делающая саму эту программу не столь однообразно-нудной.

А вот "Every Mother's Son" как раз из таких "программных". В основе кантри с примесью соула, фьюжна и чего-то там из фолка, под акустические гитары Коллинса и Россингтона, исполненная "квадратом" в четыре аккорда, да под клавишные Б. Пауэлла. Канонический пример истинного "южного рока". Как и "Searching". Как и "Roll Gypsy Roll". Но эти уже из ноябрьской сессии в Мейконе.

После трёх суток заточения в студии под неусыпным надзором продюсера Тома Дауда (Tom Dowd), секстет LS вырвался на волю для продолжения гастрольного тура. Надо заметить, что в том, кажущимся бесконечным, гастрольном марафоне группа пребывала без малого год сразу после завершения студийной работы над LP "Nuthin' Fancy". Романтика странствий, вольница и ощущение нескончаемого праздника привлекала музыкантов куда сильнее, чем утомительные и скучные студийные будни. Долгое время LS мотались и по Европе, где не брезговали выступать на разогреве у рок-бригад такого же как и они статуса. Как, допустим, у голландцев Golden Earring, довольно популярных в те годы на континенте жёстких рокеров. Тот период их гастрольного вояжа был насыщен многочисленными загулами, дебошами и скандалами. Причём, застрельщиком всего этого как правило являлся лидер группы Ронни Ван Зант; В результате эти весёлые американцы обрели не только вполне заслуженную популярность, но и сомнительную репутацию отчаянных забияк и нарушителей общественного европейского порядка. Как итог - команда потеряла одного из трёх гитаристов (Эд Кинг), а продюсер Эл Купер (Al Kooper), тот, что сотрудничал с LS уже несколько лет и выпустил с группой все их предыдущие пластинки, отказался от продолжения работы с ними. Тогда-то состав команды с полуострова Флорида и сократился до шести человек, этим составом и был записан новый альбом.

Том Дауд имел контракт с Atlantic Rec., но обладал привилегиями продюсировать один-два проекта, которые с Atlantic отношений не имели. LS же были связаны контрактными обязательствами с MCA Rec., но "чужого" продюсера приняли доброжелательно. О чём свидетельствовало рабочее название их нового альбома "Ain't No Dowd About It".

Что примечательно, но при слабой в целом реализации "Gimme..." в категории Albums Chart в Европе (Франция, Швейцария, Финляндия и некоторые др. страны), а так же в Канаде этот LP достигал самых верхних строчек, в каких-то входил в первую пятёрку (Норвегия, Швеция), а вот в Великобритании не поднимался выше 34 места. И, что было неожиданно, добрался всего лишь до 20-го в Штатах. При этом альбом содержал в себе пару треков с претензиями на хиты: "Double Trouble" и, конечно же, титульную "Gimme Back My Bullets".

Среди иных причин имела место и такая: продюсер Т. Дауд, работавший с такими звёздами, как Эрик Клэптон, Род Стюарт и др., не сумел оказать должной помощи музыкантам LS в работе над исходным материалом. То ли в силу своей занятости с другими проектами, возможно из-за загруженности группы на гастролях, у лидеров Ронни Ван Занта (он отвечал за тексты) и гитариста Аллена Коллинса (основного композитора) неважно обстояли дела с генерацией новых идей, и в студии Capricorn им всё приходилось делать с нуля. Потому на фоне LP "Nuthin' Fancy" новая пластинка в целом выглядела не слишком убедительно, при том, что стилистически программа "Gimme..." более соответствовала концепциям группы.

В середине 70-х годов "южный рок" всё ещё продолжал вызывать живой интерес у поклонников рок-музыки и многие коллективы той когорты всячески старались удержаться на волне этого интереса. Получалось у всех по-разному, однако такие имена как The Marshall Tucker Band, Outlaws, Little Feat, Wet Willie, а также группы из Джэксонвилла, условной столицы "южного рока" - The Allman Brothers Band, 38 Special, Blackfoot и, конечно же, Lynyrd Skynyrd были среди фаворитов. Могучие мужики в шляпах с кокардами и завёрнутыми по-ковбойски полями, в кожаных сапогах со звенящими шпорами и в безрукавках с гитарами наперевес, собирали толпы поклонников. Их непритязательная музыка, без пафосных изысков, но понятная всем и каждому жителю американских провинций будет востребована ещё несколько ближайших лет. Среди наиболее активно продвигающих "южный рок" были музыканты LS. Лидер-композиция "Gimme Back My Bullets" ("Верни мне мои пули") станет одной из стержневых на всех их выступлениях того недолгого уже отрезка времени, отведённого этим парням.

13 марта 2006 года Lynyrd Skynyrd были торжественно введены в Зал славы рок-н-ролла (одновременно, кстати говоря, с Black Sabbath).

МихаилБогданов   1 окт 2019

Украинцам по каким-то причинам очень хорошо удается блэк-метал. Слушая очередную годную украинскую блэк-метал группу, невольно ловлю себя на этой мысли. Сложно сказать почему так. Возможно, потому что…не знаю в общем. Впервые White Ward попались мне на глаза в 2017 году, когда вышел их альбом "Futility Report", которому из каждого угла пели дифирамбы. Вполне заслуженно, я считаю. Такие интересные группы в блэк-метале появляются нечасто, поэтому White Ward быстро оказались на острие украинского блэка, о чем свидетельствует внимание как СНГ-слушателей, так и западной публики. И вот, музыканты представили новый альбом, который я очень ждал.
Звучит "Love Exchange Failure" несколько иначе, нежели его предшественник. В первую очередь в уши бросается сама фактура звука: он мне показался более сырым, более блэковым, более холодным и мрачным, в то время как "Futility Report" звучал более чисто и жирно, тяготея к звучанию прогрессивных блэкарей, а-ля поздние Enslaved, поздние Shining, Borknagar и т.д. Такая перемена в звуке в общем-то не идет альбому во вред, даже, я бы сказал, именно такое звучание во многом способствует созданию той меланхоличной атмосферы, которая, очевидно, и задумывалась музыкантами.
Касательно качества содержания. Перед нами дарк-джазовый блэк-метал. Если прошлый альбом так можно было назвать с натяжкой, так как саксофон выполнял там скорее функцию приятного и экзотического для жанра дополнения, то здесь наличие дарк-джаза, я считаю, очевидно. Использование саксофона в металле не ново, для блэк-метала в том числе, однако скрещивание такого нуара с блэк-металом я не упомню, сколько бы ни пытался. Конечно, скорее всего, я просто не знаю о таких проектах (а хотелось бы узнать). Саксофон на данном альбоме фигурирует заметно чаще, чем на прошлом, что меня несказанно радует. Относительно же металлической части могу сказать, что не всем доволен. Зачастую переходы от меланхоличного дарк-джаза к скоростному атмо-блэку происходят, на мой взгляд, довольно резко, что создает впечатление некой инородности по отношению друг к другу этих двух элементов. Также немного разочаровал экстрим-вокал, который звучит очень уж монотонно и скучно, как будто скороговорки читает. Скримить же тоже можно с выражением! В остальном же, металлическая часть представляет собой добротный атмосферный пост-блэк-метал с кучей красивых мелодий и крутых риффов. Дарк-джазовые фрагменты порадовали меня больше всего, они прекрасны. Также приятно порадовало наличие нескольких приглашенных вокалистов, которые придают альбому больше красок и создают более яркий контраст между блэковыми и дарк-джазовыми частями. "Surfaces and Depths", практически полностью дарк-джазовый трек с проникновенным женским чистым вокалом, стал для меня одним из лучших треков на альбоме. В общем-то здесь нет откровенно слабых песен, разве что "Shelter" я отдельно переслушивать не стану, но вкупе с остальным альбомом она звучит вполне органично и хорошо работает на атмосферу.
В общем, как говорится в одном несмешном меме: «Слушайте маму и блэк-метал». White Ward – одна из тех групп, которые, я считаю, задают вектор развития жанра, не дают ему кануть в лету и наскучить (плевок в сторону джента).

Whiterey  30 сен 2019

Всё-таки моя любовь к испанским и аргентинским бандам не знает границ, и я постоянно откапываю какие-то новые или старые, но уже хорошо забытые команды.

Но о Tren Loco никто, собственно, и не забывал, потому что оный коллектив уже несколько десятилетий подряд стабильно выпускает альбомы. Позднее творчество этих парней, надо признаться, меня мало вдохновляет, а вот дебютник очень даже хорош.

Материал, представленный на данной пластинке, отличается серьезной продуманностью – такое редко можно встретить на первом студийнике молодой группы. Качество записи вполне себе сносное для того времени, а высокий и пронзительный вокал Карлоса Кабрала не может не вызывать восхищения.

Бесспорно, аргентинцам удалось записать сильный, интересный и достаточно разнообразный альбом, на котором нашлось место как убойным боевикам, так и чувственным балладам; не обошлось, конечно, и без влияния старого-доброго рок-н-ролла. При этом музыканты умудрились не выйти за рамки стиля спид-метал.
Самые лучшие вещи на диске, на мой взгляд, это: открывающий задорный хэви-металлический номер «Tempestades»; великолепная балладная вещь «Ella (Se mueve en silencio)», которая прекрасно демонстрирует удивительные вокальные возможности Кабрала; напористый рок-н-ролльный боевичок «Piso al taco»; и очень красивый медляк «Némesis (La vengativa)».

Остальные композиции, в общем-то, тоже не сильно им уступают, и несмотря на то, что они не особенно врезаются в память, прослушала я их всё равно с большим удовольствием.

Короче, если вы – поклонник олдскульного хэви-спида и NWOBHM, вам эта банда должна покатить.

Elena_Kalistka  27 сен 2019

Об этой интересной банде я узнала чисто случайно – за это нужно сказать большое спасибо Анхелю Сан Хуану из Tierra Santa, который принял гостевое участие в записи композиций «Sólo son rosas» и «Las orgías de Ramses, el grande» с другого альбома этих испанцев – «El poder del deseo» (2003).

Но речь сегодня все же пойдет не о «Святой Земле», а о группе, которая играет в таком удивительном стиле, как Heavy Erotic Metal. Что же это, собственно, за стиль такой? Финны HIM изобрели «Love Metal», а эти ребята пошли еще дальше… Но за таким интригующим названием, кроме излишне откровенных, провокационных обложек с обнаженными женскими телами, как оказалось, ничего больше не стоит. И если Tierra Santa все окрестили испанскими Iron Maiden, то Lujuria можно по праву называть испанскими W.A.S.P., потому что между этими двумя группами действительно много общего: тематика песен, ярко выраженная приглэмованность материала, которому, без сомнения, присущ рок-н-ролльных дух и задор. Даже вокалист Оскар Санчо, как мне показалось, пытается подражать Блэки - его грубоватый голос с заметной хрипотцой вряд ли можно назвать выдающимся, но определенную изюминку музыке коллектива он всё-таки придает. В общем, поклонникам американских «сексуальных извращенцев» данная команда должна прийтись по душе.

Альбом «Enemigos de la castidad» лично я считаю самым лучшим творением Lujuria, ничего лучше они до сих пор так и не записали. Весьма неплохие мелодии, иногда проскальзывают даже виртуозные гитарные соло, свидетельствующие о том, что в группе играют далеко не новички, а достаточно опытные музыканты. Но главный недостаток как конкретно этой пластинки, так и всего творчества этих испанцев в целом – отсутствие ярких хитов. Слушать их студийники приятно, но вот в памяти, к сожалению, ничего из услышанного не откладывается.

Из самых удачных вещей на альбоме стоит отметить рок-н-рольный забойный номер «Lección de sexo», композицию «No soy carne de cañón» с мощными хоровыми подпевками, тему «María Martillo (Una santa)» с очень красивыми клавишными и, пожалуй, единственную песню, которая может претендовать на звание хита - «Merece la pena», благодаря своему запоминающемуся припеву. На этом, пожалуй, и всё.

Тем не менее, ознакомиться с творчеством данной команды я всё же советую. Если вы являетесь фанатом таких групп, как W.A.S.P., Swedish Erotica, Lizzy Borden, Twisted Sister, Mötley Crüe, Skid Row, Lujuria вам тоже наверняка п онравится.

Elena_Kalistka  26 сен 2019

С прибытием. Экипаж Slipknot доехал до шестой остановки из прошлого тысячелетия спустя 5 альбомов, 20 лет, 4 временных распада и потерю 3 участников. Весьма плодовито для группы, регулярно впадающей в спячку. Начиналось ведь туманно: в 1999 году она еле дотянула до выпуска первенца. Группе исполнилось почти 4 года, но после встрясок состава, 2 демо-записей и первой полной работы не было уверенности, что жизнь в музыкальной индустрии будет по плечу. Вспыхнуть и угаснуть аки Sex Pistols в 70-х - вот всё, чего ждала девятка.

Не всё творчество Slipknot мне кажется интересным, но что вызывает симпатию, так это их путь. 9 мужиков в костюмах из фильмов-ужастиков отстояли право на жизнь такого образа, но 20 годами ранее некоторые продюсеры считали идею дурацкой. Чем занят народ в коллективе, чей размер вдвое превышает "стандарт" рок-групп? Зачем эта клоунада?

Хорошо, что парни протаранили эти сомнения. В конце концов, так двигают историю. Философ Галилео Галилей пострадал за убеждение, что Земля круглая и вертится, но истина встала на его сторону. Как встала на сторону Volvo и Saab, когда полвека назад они добавили ремни безопасности в стандартное оснащение своих машин. Люди искренне полагали, что автомобиль с ремнями не может быть безопасным (иначе зачем они там?), но говорят, за это время так спасли миллион жизней.

"Слипы" не переворачивали представления и никого не спасали, пусть. Они показали, что хоть в отдельно взятом случае вокалист, два гитариста, два перкуссиониста, барабанщик, басист, сэмплер и ди-джей в тяжелой рок-группе - это прикольно и не по-дурацки. И оригинально. Если миллион похожих песняров и появился на свет, то не в нашем измерении.

Коллективу из "некрутого" аграрного штата Айова повезло с Кори Тейлором. В 97-м он заменил первого вокалиста Андерса Колсефни на человека, который через стихи оформил, может, основную тему группы - жизнь в противостоянии. На репетиции песни "All Out Life" Клоун Крэхан не просто так живо записал случайную фразу Тейлора "we're not your kind", и настоял на таком заглавии альбома. "Мы вам не подобны" - это весь Slipknot одним предложением.

Наполнение, наоборот, не совсем логичное. Внутри творятся странные странности. Например, отсутствует эта "All Out Life" (её припасли для японского издания). Когда группа сообщила, что не включит песню, которая дала диску имя, у меня подпрыгнули брови. Ведь какой припев: "Старое - не значит мёртвое / Новое - не значит лучшее / Не обижайтесь / Я устал быть правым во всём, что говорил". Это как альбом "All Hope is Gone" без песни "All Hope is Gone", или "Psychosocial" - вздор и самодурство. Клоуна к ответу!

Ладно, пускай. Энергичный боевичок стал у группы маяком, которым она той осенью сигнализировала, что спустя 4 года после предыдущего "5: The Gray Chapter" в студии правда варят новые мелодии. И длится это больше года. Наварили много и решили, что трек-лист новой работы без заслушанной "All Out Life" не оскудеет.

Альбом мог поспеть раньше, если б не очередной личностный упадок Кори Тейлора. Участник #8 оживал полтора года после развода со второй женой в 2017-м, но не только это. Бедняга растолстел, был вынужден ремонтировать колени, спину, и ходить к психологу на поиски утерянного "Я". "We Are Not Your Kind" застал вокалиста другим - бодрым и готовым поливать свинцом всё что его раздражает. Музыка не всегда бывает хорошей терапией, но хорошая терапия может быть музыкальной.

6 альбом въехал в дискографию Slipknot как улучшенный "Vol. 3: The Subliminal Verses", что-то вроде этого. По словам Тейлора, "безнадёжный альбом" (2008) и "серый альбом" (2014) - скорее сборники сильных песен. Создавая AHIG, группа ругалась и навредила интересности материала, тогда как на GC собирала песни из того что было, и потеряла мощную подачу концертной группы. Я помню, подобное говорилось про предыдущую пластинку - что она духовно продолжает каноническую "Iowa", - но в этот раз верится больше.

Когда музыканты отталкиваются от старых работ, пытаются их вопроизвести, в этом улавливаешь оправдание самоповторов. И правда, здесь почти всё, что "слипы" оттачивали больше 20 лет: тяжелые гитары и акустические, яростный Тейлор для куплетов и певучий Тейлор для припевов, перерывы на интерлюдии, и так далее.

Slipknot невозможно представить без Кори. Дядя бросил курить, укрепил голос, и по-моему, хорош как никогда: рычит как убеждённый металлист, плюётся словами как прирождённый рэпер, пишет давящие тексты. Чем делает еще мрачнее нелёгкую музыку.

Слова - половина тяжести WANYK. В Тейлоре-сочинителе столько злости и яда, что на девятерых хватит. Кажется, личные проблемы последних лет превратили его в живого мертвеца. Иногда Кори так выворачивает душу, что другого ощущения и не остаётся. Например, как в "Not Long for This World": "Так решай, скажи, как мне умереть / Потому что меня уже нет". И потом продолжает под неторопливый рифф: "Величайший вывод, который я когда-либо делал / Когда проснулся и сказал "хватит" / Так плохо еще никогда не жилось".

В "Nero Forte" Кори поёт: "Вы обескровили меня досуха, пользуетесь мной", позже добавляя: "Я дохрена чумовой / Я в своём зените - чего вы хотите? / Наверное, пора посмотреть / Если вы заблудитесь в аду, мира не найдёте". Об этом он и пел 20 лет, и всё же как можно в 45 переживать то, что в 25? Очень вряд ли, что Тейлор - самый несчастный человек на Земле, но... Нарочно так не придумаешь. Это слова человека, который не раз видел жизнь со стороны задницы.

А как представить Slipknot без Джима Рута и Мика Томпсона? Гитарный дуэт терзает клюшки как в лучшие дни: есть добротный трэш-металльный чёс ("Nero Forte"), тяжелый бас открытых струн ("A Liar's Funeral"), старомодные брейкдауны на пару с грувом ("Red Flag" и "Oprhan"). Но не хватает соло-партий. Из-за этого альбом трудно считать правда металлическим. Объяснение Рута - он был так занят структуированием песен, что не отвлекался на соляки, - еще одна странность WANYK. Не нашлось времени за 3 года работы?

Многослойность, задумки всё-таки это возмещают. Электронное интро "Insert Coin" содержит слова "I'm counting all the killers" из заключительной "Solway Firth", как бы предупреждая слушателя, что будет в конце. А потом включается "Unsainted", где лос-анджелесский хор Angel City Chorale поёт основную мелодию. Чёрт побери, профессиональный хор в Slipknot! Почему раньше не догадались? В следующей "Birth of the Cruel" ди-джей Уилсон начинает бодро раздавать хип-хопа своими вертушками, и так далее.

Да и патриарх Крэхан добавил любопытного. Например, "Spiders" - его пера дело. Клоун сочинил клавишную мелодию в необычном для группы размере 7/4, и чтобы сделать композицию еще чудаковатее, Рут добавил скрипящее, кривое соло, которое издевается над слушателем. В другом месте альбома этот ход звучал бы глупо, но "Spiders" знает своё дело. Сначала пытаешься сосчитать, сколько раз повторяются такты, а потом тебе суют соло в каком-то пост-панковском стиле из 80-х. Но каким-то образом "Пауки" собирают весь альбом вокруг себя. Молодец, Клоун. Что бы они без тебя делали?

И можно ли вообразить группу без моего любимого Джои Джордисона? Я всегда был поклонником его сочного, насыщенного стиля. Д.Д. не любил оставлять друзей в одиночестве: много бас-бочек, много бласт-битов, много тарелочек... Даже стало неловко, когда я вспомнил, что никакого Джордисона тут нет. Жутко страдавшего от воспаления спинного мозга #1 исключили перед "The Gray Chapter", и при не очень хороших обстоятельствах. Ударник Джей Вейнберг хорошо стучит, но думается, Д.Д. был изобретательнее. Военно-маршевые барабаны в "Nero Forte" и "Orphan" - явный привет Вейнберга своему предшественнику, отсылка к классическому "The Blister Exists".

И басиста Пола Грэя, покинувшего этот мир в 2010-м, тоже неплохо заменил Алессандро Вентурелла. Сверхносатый перкуссионист Крис Фен продолжил процесс трансформации Slipknot. Сейчас #3 судится с группой из-за доходов и отчислений, и тоже вычеркнут из её жизни. Всё-таки климат в Slipknot, наверное, чаще был сложным, чем спокойным. Даже давнишние участники не смогли уйти мирно. Но силы, которые 20 лет пытались порвать группу изнутри, всё-таки слабее тех, что её удерживают. Как сказал в одном интервью Клоун, "ядро группы - это три игруна на струнах и барабанщик". И с ядром всё в порядке.

* * *

Тейлор с Крэханом считают WANYK шедевральным, только... С этим тяжело согласиться. На мой вкус, пластинка просаживается в "Critical Darling", "Orphan", и даже в треках, которые ураганят как следует - например, "Solway Firth". Но этот гад странный, по-хорошему странный. Это классический, местами причудливо перекошенный Slipknot. Избавьтесь от клавишной "Spider", хоровой "Unsainted", убаюкивающей "What's Next" ради "расово-верного" звучания, и станет скучновато. Но они здесь, и это славно.

Еще не могу согласиться, что здесь жизнеутверждающее начало. Не только личные переживания Тейлора стали топливом альбома. Группа согласна со своим вокалистом в критике отношений, которые разделяют людей. "Мы вам не подобны" - это творческий отпор тем, кто тратит время на споры друг с другом, вбивает клинья и вместо объединения устраивает полную общественную атомизацию. Slipknot - вроде бы группа, где все друг за друга, спиной к спине, но не похоже, чтобы это распространялось на уволенных музыкантов. Чую противоречие...

Для меня это первый Slipknot, который воспринимается альбомом в полном смысле. Предыдущие 5 - скорее как сборники, где бывало злобно, качево, мелодично, а бывало не очень. На "We Are Not Your Kind" я ощутил нечто большее - клей, который соединяет части в одно целое. Может, это потому что я не застрял в прошлом и мне всё равно, в какую сторону изменился звук. Они ведь недалеко ушли от 1999-го. Просто стали утончённее, профессиональнее. И хоть чуть-чуть, но перестали злиться друг на друга. 9 спорящих человек - разрушительная сила для самих себя. Но 9 человек, работающих заодно - вот что превращает пальцы в кулак.

Да здравствует старый, но вечно молодой Slipknot. Такой, как сейчас.

АрсенийПахомов  26 сен 2019

Как все мы знаем, в 2008 году испанцы Tierra Santa официально объявили о прекращении студийной и концертной деятельности, и с этого времени коллектив фактически считался распущенным.

В мае 2010 года стало известно о подписании контракта группы со звукозаписывающей компанией Maldito Records, и именно на этом лейбле и вышел восьмой по счету полноформатник команды - «Caminos de fuego» («Пути огня»).

Естественно, поклонники ждали выхода этой пластинки с огромным воодушевлением и очень надеялись, что Tierra Santa вернутся к своим корням и не запишут «Mejor morir en pie» № 2. Но их надежды, увы, не оправдались, и альбома-возвращения не получилось.

Почему группы обычно распадаются? Ведь на все есть свои причины. Вот и эти испанцы, получается, выдохлись, растратили свой творческий потенциал и стали играть какую-то вторичную нудятину. Время идет, люди меняются. И в Анхеле, видимо, что-то изменилось – изменилось его внутреннее мировосприятие, и он стал видеть и ощущать мир несколько по-иному. С годами бунтарства в нем поубавилось, и тот напористый хэви-спид, который он с удовольствием нарезал в юности, стал ему уже неинтересен. Теперь ему больше по душе - спокойный и размеренный хард-рок.

Но давайте все же не будем далеко уходить в философские дебри, а вернемся непосредственно к самому альбому.

Но, честно говоря, про этот диск мне и сказать особо нечего. Если бы меня попросили назвать самый неудачный альбом Tierra Santa, но мой выбор, безусловно, пал бы на «Caminos de fuego».

Хитов на пластинке нет от слова «совсем», но есть две более-менее сносные вещицы - не просто так их, наверное, и поставили в самое начало. Это – заглавная композиция «Caminos de fuego», повествующая о борьбе добра и зла, ангелов и демонов, и сразу следующая за ней «La leyenda del holandés errante» («Легенда о странствующем голландце»), рассказывающая о знаменитом корабле-призраке, который не может пристать к берегу и обречён вечно скитаться и бороздить морские просторы. Без этой песни сейчас не проходит ни одно выступление команды.

Проникновенная баллада «Reina De Egipto» («Королева Египта») посвящена последней царице эллинистического Египта – Клеопатре.

А дальше диск можно вообще не слушать, потому что ничего интересного вы все равно не услышите.
К лирике, как всегда никаких претензий нет – темы в ней затрагиваются достаточно злободневные и серьезные, а вот с музыкальными идеями – большая беда.

В номере «Arde Babilonia» прослеживается связь со Священным писанием, как, собственно, и в вещах «Ejércitos De Las Tinieblas» («Армии тьмы») и «Eterna Y Sagrada» («Вечный и священный»). В последней рассказывается об осаде христианской святыни, великого града Иерусалима и его падении.

Теме свободы также отводится важное место. Ей посвящены такие композиции, как баллада «Libre», название этой песни и переводится буквально как «Свобода» и «La Voz Del Destino» («Голос судьбы»).

Но, как я уже сказала, тексты песен лучше читать отдельно.
Поэтому лучше сэкономьте свое время и насладитесь еще раз более ранними работами коллектива, например, такими, как «Tierras de leyenda» или «Sangre de reyes». Вот от них вы точно получите невероятный кайф.)

Elena_Kalistka  25 сен 2019

Есть странное правило, по которому группа может бесконфликтно существовать около десяти лет. На этой роковой границе случаются распады, исходы ключевых участников, выпуск слабых альбомов, стилистические выверты и тому подобное. Не то чтобы такое развитие событий обязательно в 100% случаев, но сценарий это очень распространенный, причем уровень коммерческого успеха и творческой состоятельности тут ни при чем, и обласканные критикой звезды-миллионеры делают то же самое, что подпольщики с одной единственной демкой, получившей в фэнзине две звезды из десяти.
Музыкантам Sabbath к 1977 году было всего лишь около тридцати, они были богаты, знамениты и за то, чтобы оказаться на их месте, контракт кровью подписали бы тысячи их неудачливых коллег. Но слава и большие деньги, ВНЕЗАПНО обрушившиеся на незрелую психику провинциальных парней несколькими годами ранее, привели к тому, что Sabbath полным составом вкрутились в алкогольно-наркотический штопор, переругались между собой и впали в творческий кризис. Насчет последнего, наложилось еще и то обстоятельство, что за пять лет Айомми, Батлер, Осборн и Уорд выдали столько великолепной музыки, что источник вдохновения просто иссяк. Отдых от графика «альбом-тур» и более умеренный образ жизни могли бы помочь, но нет.
Вечно бухие, ненавидящие друг друга, четыре участника оригинального состава, при поддержке клавишника Дона Эйри, пять месяцев в муках рожали альбом, который фактически прикончил группу и стал последней совместной работой на два десятка лет.
После всего вышесказанного можно решить, что "Never Say Die!" это какой-то «плевок в вечность», но на самом деле он скорее расфокусирован и нелеп, чем как-то одиозно плох.
Sabbath отказались от «мрачной» концепции и соответственно своего прото-думового звука. Перед нами самый легковесный и мажорный альбом группы. Явную скудость идей попытались прикрыть усложнением формы – отсюда синтетические клавишные, духовые аранжировки, вокальные многоголосья и прочие приемы из арсенала прогрессивных групп той же эпохи. В некоторых моментах "Never Say Die!" удивительно напоминает современные ему альбомы Uriah Heep, такие же легкие, синтезаторные и потерянные, этакий «симфо-поп-фолк-хард-арт-рочок ни о чем».
Так и выходит, что с группой, записавшей "Paranoid", коллектив, записавший "Never Say Die!", несмотря на идентичный состав, имеет мало общего. Ключевые фигуры Sabbath - Айомми и Батлер, на альбоме как-то не слышны и незаметны, они не разучились играть, но играют совсем-совсем по-другому, не как люди, с чьих пальцев в мир пришли "Children of the Grave" или "Sabbath Bloody Sabbath". Зато уже почти ускакавший на просторы сольной карьеры Осборн, за счет уникальности своей вокальной манеры, не дает забыть как называется группа, которую слушаешь.
Если бы диск в самом деле, как и планировалось, вышел с другим певцом, это могло прибить Sabbath так, что никакой "Человек с Серебряной Горы" не помог воскреснуть.
Первая песня альбома - это более-менее хит, скоростной «боевик», но как и у всех (кроме "Paranoid"!) попыток Sabbath поддать газку, да выжать скорость, результат выходит неуклюжим. Вдобавок Оззи забирается на верха своего специфического голоса, отчего звучит напоминая мультяшного злодея.
"Johnny Blade" хоть и повествует об уголовнике, залита клавишными, как торт сиропом, а "Junior’s Eyes" – красивая и мелодичная, и абсолютно не Саббатовская песня. Автобиографическая "Hard Road" – средней руки ритмичный хард-рок с потусторонне бездарными хоровыми подпевками, при записи которых Батлер смеялся над потугами Айомми петь.
Дальше альбом ни шатко, ни валко тянется, и вот джазовому "Breakout" (натурально джазовому, с духовой секцией!) удается разбудить задремавшего слушателя, но просыпаешься скорее с мыслью «што случилось?!», чем «что за чудесная музыка?». Легенда гласит, что инструментальной композиция вышла потому, что Оззи забастовал петь под такой аккомпанемент.
Венчает же всё "Swinging the Chain", спетая Биллом Уордом, о которой нельзя сказать ничего плохого (и хорошего тоже) кроме того, что место ей на сольном альбоме Уорда.
В целом, музыку, которую наворотили на "Never Say Die!" участники Sabbath (не без помощи Эйри), нельзя назвать плохой, бездарной и т.п. Не те люди, чтобы явную лапшу навешать на фанатские уши. Но при его прослушивании создается ощущение, что это некий сборник набросков для сольных альбомов Оззи, плюс несколько песен разных групп, на которых Осборн выступал гостевым вокалистом, «добитый» до полного хронометража сольными номерами Билла Уорда.

Mike Barlow  24 сен 2019

СЕРЕДНЯКИ ЮЖНОГО РОКА.

На стыке 60-70-х годов минувшего века в юго-восточных штатах Америки возникло явление, вызванное бурным ростом и развитием целой плеяды вновь образовавшихся рок-команд, игравших тяжёлую музыку с местным специфическим колоритом, со временем получившую название "южный рок" (southern rock). Впрочем, уже ближе к концу 70-х само это понятие начало размываться и терять свой первородный смысл. Некоторые представители первой волны "южного рока" начали сбавлять обороты (Black Oak Arkansas, The Allman Brothers Band), кто-то, пережив серьёзные потрясения в своей истории, вольно-невольно терял связь с прошлым (Lynyrd Skynyrd). А вот более молодые группы, культивировавшие поначалу "южный рок" в его изначальном понимании, со временем, в силу разных причин, начали дрейфовать от родных берегов в разных стилистических направлениях. Выражалось это напрямую - исполняемая этими коллективами музыка преобразовывалась и обретала формы, весьма от southern rock отдалённые (Molly Hatchet, Doc Holliday, Louisiana's Le Roux). К последним можно причислить и Blackfoot.

Было принято считать, впрочем, что самый что ни на есть настоящий так называемый "южный рок" исповедовали южане с полуострова Флорида. Не маститые техасцы ZZ Top, или чуть менее известные составы из Луизианы или соседней Джорджии, а именно флоридцы. С их перманентной ротацией в многочисленных (порой огромных, по 7-8 человек) составах, где непременно присутствовали двое-трое парней с избыточным весом. Blackfoot по всем своим параметрам в подобную категорию не вписывались. Стабильный изначальный квартет (если не вспоминать кратковременную кадровую чехарду в начале 70-х) подтянутых музыкантов. Трое из которых - этнические индейцы разных племён. И все трое из Флориды. И только гитарист Чарли Харгретт был белым северянином из Нью-Йорка. Что, впрочем, никак не мешало этим парням иметь добрые приятельские отношения с музыкантами Lynyrd Skynyrd и даже временами интегрироваться в состав LS в периоды возникавших у земляков затруднений. Как и в ходе гастрольных поездок по стране, когда такие возможности возникали.

Однако, после выхода крепкого и успешного LP "Strikes" (1979 г.) таких возможностей у Blackfoot не осталось. Группа сама отправилась в затяжной гастрольный тур по Северной Америке и Европе, где, кстати, приняла участие в двух представительных рок-фестивалях и выходила на одну сцену со Scorpions и некоторыми другими звёздными составами. А в канун 80-го года музыканты Blackfoot посчитали за честь выступить на разогреве у легендарных британцев The Who, когда те совершали свой гастрольный вояж по США. Ради этого группа даже приостановила работу над новым альбомом в Subterranean Studio, что в Ann Arbor, неподалёку от Детройта, в то время столицы американского автопрома.

Справедливости ради надо признать, что сами Blackfoot как правило выступали в провинциальных городах и на небольших концертных площадках. Статус группы не позволял им собирать стадионы и мега-залы. Даже в обойме представителей southern rock, эта четвёрка пока что считалась крепким середняком, не более.

Они рубили свой яростный и бескомпромиссный хард-рок, в котором к 80-му году уже мало что оставалось от того канонического "южного рока", носителями которого Blackfoot как бы то ни было продолжали считаться. Стилистические метаморфозы в их музыке главным образом были обусловлены подписанием соглашения с компанией ATCO Records, с которой группа связала себя ещё до LP "Strikes".

В "Tomcattin'" в музыке Blackfoot наметился ещё более заметный крен в направлении хард-рок / буги-блюз. Хотя в целом программа альбома всё же выдержана в рамках, обозначенных ещё в предыдущем альбоме, с акцентом на британский вариант исполнения. Новый альбом был записан в первой половине 1980 года и содержал в себе 10 стандартных номеров, пять из которых ("Warped", "On The Run", "Dream On", "Every Man Should Know (Queenie)", "Reckless Abandoner") стилистически похожи как родные братья. Внимательный слушатель непременно уловит однотипность мелодической схемы у всех этих песен - словно нащупав удачную тему для одной, Рики Медлок и его команда несколько раз интерпретировали её, где-то изменив размер такта, где-то добавив пару-тройку других риффов, чуть иначе усилиями Чарли Харгретта исполнив сольную гитарную партию, и вот вам ещё четыре новых песни. Но даже не это обстоятельство связывает эти композиции столь очевидно, как вокальная составляющая. Вокал Р. Медлока - это проблемная зона Blackfoot. И проявляется она на большинстве номеров этой пластинки. И не только этой.

Дело в том, что диапазон голосовых возможностей лидера и единственного вокалиста группы ограничен одной октавой. И даже в её пределах Рики по большей части использует средние и верхние ноты. Причём, верхние применяет на фальцете и обертонах, а вот нижнее "до" ему не даётся совсем. В концовках каждой фразы многих песен Медлок спасается обертонами или "вибрацией" голоса с резким затуханием, словно ему не хватает объёма лёгких, чтобы вытянуть даже не слишком продолжительную фразу. Это вовсе не означает, что Рики так себе вокалист и взялся не за своё дело. Подобная манера пения тоже имеет право на существование, почему нет? Не исключено, что такова природная физиология его голосовых связок и ничего уже здесь не исправишь. А возможно сказалась давняя история, когда в 1974 году Р. Медлок попросту сорвал голос. Тогда в группу был даже приглашён "чистый" вокалист Патрик Джуд (Patrick Jude). Со временем голос у Рики восстановился, однако, прежний ли его это голос или изменившийся и ставший таким, каким мы его слышим здесь и сейчас? Та история случилась ещё до выхода первой пластинки Blackfoot. Такая манера вокального исполнения свойственна концертным выступлениям, может быть именно поэтому группа много и охотно гастролировала. Музыканты, и прежде всего сам Р. Медлок, куда более уверенно и раскрепощённо ощущали себя на сцене, чем в академической студийной обстановке. И что характерно, своей экспрессивностью и доступностью выступления Blackfoot были привлекательны прежде всего для обывателей из глубокой провинции, а исполняемые группой песни практически один к одному соответствовали их студийным аналогам. Эти парни не считали нужным усложнять себе на сцене жизнь спонтанными импровизациями. За крайне редкими исключениями.

Альбом "Tomcattin'" не содержит в себе хитов, здесь ровная рабочая программа без очевидных слабых мест. Но при этом каждая из сторон пластинки начинается и завершается выделяющимися на общем фоне треками. Уже в стартовом "Warped", задающим боевую тональность всей программе, можно уловить очевидные компоненты британского хард-рокового звучания. "Gimme, Gimme, Gimme" - отчаянный рок-н-ролл. Программная композиция, без которой в будущем не сможет обойтись ни одно концертное выступление группы. И в принципе имеет все основания считаться хитом.

Отмечу "In The Night". Это хард-блюз-роковый номер, опять же, с акцентированным британским звучанием. Одна из самых тяжёлых композиций в этом альбоме. Блюзовая тема и в песне с сельскохозяйственным названием "Spendin' Cabbage" со слайд-гитарой Чарли Харгретта и вполне себе достойным вокалом Рики Медлока под размеренные блюзовые гитарные пассажи. Судя по всему, блюз - самая приемлемая для вокальных возможностей Рики мелодическая форма. Завершает же программу "Fox Chase" с оригинальным вступлением, где Shorty ("Коротышка") Medlocke (легендарный дед Рики Медлока по материнской линии, чистокровный индеец-чероки из племени Чёрная нога) выдаёт приветственную тираду и наигрывает на губной гармошке (fox chase - это одна из часто употребляемых мелодий на губной гармошке). После чего группа разряжается огненным рок-буги с вибрирующим вокалом Рики Медлока. Простая, но симпатичная вещь на двух аккордах в духе ZZ Top.

По завершении студийной работы над Tomcattin'" квартет без промедлений отправится в тур с новой программой и вплоть до следующей студийной сессии будет колесить по Европе и Северной Америке. В 1981 году Blackfoot запишут возможно сильнейший из своих LP, но он станет и последним для этого состава, как бы подведя черту под лучшим периодом в истории группы.

МихаилБогданов  24 сен 2019

В самом начале 90-х в испанской Риохе - той самой, что славится своими вкусными и ароматными винами, несколько друзей - Анхель Сан Хуан (вокал и гитара), Артуро Моррас (гитара) и Роберто Гонсало (бас) создали банду Privacy, которая через 6 лет сменила свое название на Tierra Santa, что в переводе с испанского означает «Святая Земля».
В то время парни фанатели от групп NWOBHM, и в особенности от Iron Maiden.

В 1997 году они самостоятельно записали и издали дебютный альбом «Medieval».
Материал, представленный на нем, был явно сочинен под сильным влиянием этих знаменитых британцев.

Достаточно большая продолжительность композиций, преобладание среднетемповых вещей и вещей с частой сменой ритма и сложной структурой, обилие эпиков – это, пожалуй, главные отличия данной пластинки от всех последующих дисков команды. Этот альбом стоит как бы немного особняком. Но проба пера, нужно сказать, вполне удалась, и первый блин не вышел комом.

«Medieval» принес группе два безусловных хита – задорную и распевную песню «Tierra Santa», которая до сих пор часто исполняется на концертах, и ураганный боевик «Nunca más».
Также весьма приятное впечатление оставляют такие номера, как «Leyenda», «Hijos del odio» и «Vikingos».

Анхель, без сомнения, как вокалист, выложился на этой пластинке на все 100%. Наверное, ни на каком другом альбоме команды его голос не отличается такой чистотой и звонкостью.
Не будучи тенором, он довольно успешно берет очень высокие ноты, а на низких радует слух своим бархатистым, мягким баритоном.

В общем, этот диск конечно, далеко не шедевр, но если вы хотите узнать как всё начиналось, и почему этих ребят в прессе часто называли испанскими Iron Maiden, то просто послушайте эту пластинку и сами всё поймете.

Elena_Kalistka  23 сен 2019

Есть работы, культурно-историческое значение которых так велико, что их самих оценивать уже не получается. В современном мире столько музыки, то напрямую вдохновленной, то косвенно инспирированной классическими альбомами Black Sabbath, и вообще ставшей возможной лишь потому, что полвека назад четыре юных раззвездяя из Бирмингема добрались, наконец-то до студии, что сам дебютник группы почти не подлежит анализу.
Тем не менее, можно попробовать отрешиться от контекста и послушать «Black Sabbath» просто как пластинку, а не как краеугольный камень и основу основ тьмы «мрачных и тяжелых» жанров и субжанров.
При таком прослушивании становится очевидно, что рассказы Оззи о том, что «Sabbath начинали как джаз-блюзовая группа» - не кокетство эксцентричного вокалиста, а сущая правда. В основе музыки группы действительно лежит блюз. Пусть и вывихнутый, искалеченный и искореженный, но все-таки блюз. Надо еще понимать, что блюз - это не Крис Ри и даже не Гэри Мур, а музыка, которая во времена оных считалась «опасной» и довольно смело исследовала «темную сторону». Отношения многих классиков жанра с Богом и вторым, другим парнем были столь же запутаны, как их биографии. Впрочем, я отвлекаюсь…
Так же заметны и джазовые корни инструменталистов - импровизационная природа части альбома, которому, по «гамбургскому счету», недостает цельности замысла и тяжести звучания (всё это появится уже через несколько месяцев на безоговорочно великом “Paranoid”). Сырое качество записи, которая была сделана буквально на бегу, при наличии целых двух (не самых выразительных) кавер-версий не дают назвать альбом ультимативным шедевром.
Но даже такой неидеальный “Black Sabbath” стоит нескольких терабайтов музыки от тех музыкантов, кто им вдохновлялись. Потому что тут есть ПЕСНИ, без которых наш мир был бы другим. Это и заглавный эпик “Black Sabbath”, столь мрачный и величественный, что полвека его ничуть не состарили, а отчаянный вопль Оззи “O, Oh, no, no, please God help me!" замораживает кровь прямо в венах. Это психопатическая джига "The Wizard", на которой губная гармошка Оззи звучит более зловеще, чем сто церковных органов. Это драйвовая "N.I.B." с ее пропущенным через квакушку басом. И это замогильная акустика "Sleeping Village", в которой музыканты делают шаг на территорию какого-то странного ведьмовского фолка, заодно пронеся на рок-альбом варган.
Музыканты группы не прочь удариться в соло, и даже тем, кто в принципе равнодушен к импровизациям (как, например, я сам), «блуждания» Айомми, Батлера и Уорда среди только что изобретенных музыкальных приемов, не кажутся скучными. Батлер вообще выглядит «серым кардиналом» группы. Не будучи сам музыкантом, я не берусь судить о технической стороне дела, но он точно не из тех басистов, которые нужны только для того, чтобы расписывать партии барабанщику…
22-летний Оззи поет тут в нижнем регистре своего странного голоса, и хотя высоких требований к вокалу (которые у наших критиков часто сходятся с теми, которые предъявляют на эстрадных отделениях муз-училищ) он, пожалуй, не выдерживает, более подходящее к музыке Black Sabbath пение вообразить не получается. Замогильный, зловещий (а еще «гнусавый» и непоставленный, ага…) вокал Оззи – фишка альбома и группы вообще.
Своим дебютом Black Sabbath сделали первые наброски того, что ныне мы называем doom metal. А это, как известно, не только минор, пониженный строй и тягучий темп. Это еще мрак и ужас, тоска и обреченность, вещи, которые витают в воздухе и трудно поддаются какому-то техническому разбору. Либо они есть, либо нет. У Black Sabbath они есть.
Отношение музыкантов Sabbath к их собственной «темной» концепции – история известная. По официальной версии всё это было «чисто по приколу» и дальше увлечения фильмами ужасов дело не заходило, а от настоящих культистов музыканты якобы «сатанинской» группы шарахались и заказывали отцу Оззи изготовить кресты в качестве оберегов. На вопрос о черной магии злоязычный Осборн отвечал, что предпочитает "Млечный путь" (Milky Way, как и Black Magic – марки конфет). Но все эти анекдоты не разрушают темную, колдовскую атмосферу альбома.
Дух божий, как известно, витает, где хочет.
Ну, так и тот, другой парень, сам выбирает к кому заглянуть на вечеринку, и кого вдохновить на написание шедевра, потребовав взамен душу.
Судя по тому, как будет развиваться и карьера, и жизнь всех четырех авторов “Black Sabbath”, что-то такое с ними случилось в крошечной Regent Sound осенью 1969 года.

Mike Barlow  23 сен 2019

Несмотря на то, что возвращение на сцену thrash-металлических героев 80-х разного калибра уже лет 10 как стало трендом, нового альбома британцев Xentrix, уверен, многие ждали с большим нетерпением. И хотя они уже не раз возрождались лишь для непродолжительной концертной деятельности, а в 2010-м даже замутили неоднозначный heavy/thrash-проект Hellfighter и выпустили один альбом (правда, с вокалистом позднего состава), фэны мечтали услышать новый материал, но всё же в старом, классическом ключе.

Увы, в процессе его написания из состава в который раз выпал капризный вокалист/гитарист Крис Эстли и нехило подставил группу, которая вновь оказалась на грани распада… Но в итоге его место занял Jay Walsh, гитарист groove-thrash’еров Bull-Riff Stampede, «Bury The Pain», наконец, материализовался и, по большому счёту, оправдал все ожидания. На альбоме почти не осталось groove-фишек в духе последнего альбома «Scourge» уже далёкого 96-го года, да и heavy-фрагментов, которыми был насыщен вышеупомянутый проект Hellfighter, также не так много. Одним словом, Xentrix вернулись к классическому стилю их лучшего альбома «For Whose Advantage?»!

Уже по бутлежным записям новых композиций можно было судить, что группа не только взяла правильный музыкальный курс, но и смогла представить все свои коронные фишки в максимально качественном виде. Ведь, как когда-то писал о группе Алексей «Злодей» Сидоров, «появись Xentrix на 10 лет раньше, мы бы сейчас не знали, кто такие Metallica». Весьма громогласное заявление культового журналиста, тем не менее, недалеко от истины, ведь группа явила собой крайне интеллигентный, разнообразный и супер-профессиональный thrash metal, и именно поэтому, невзирая на распад группы, фэны помнили и ждали её по сей день.

Xentrix никогда не ставили во главу угла мега-скоростной угар в духе их немецких коллег по цеху, но, оставаясь в рамках стиля, варьировали темп и строили очень грамотные, продуманные и, что самое главное, запоминающиеся композиции. Заковыристые риффы, звонкие соло, акустические вставки и классический thrash-драйв – все ингредиенты изысканного олдскульного блюда и в этот раз соблюдены в нужной пропорции, и «Bury The Pain» можно смело назвать претендентом на лучший релиз года в данном жанре, а песню «There Will Be Consequences» - эталонным боевиком, которому могут позавидовать даже перехваленные в последнее время классики жанра.

Даже подходя к материалу со всей строгостью, могу сказать, что ровно половина альбома – абсолютные шедевры классического thrash-metal чисто американского разлива (Metallica-Testament-и т.д.), четыре песни также удобоваримы, хотя и содержат незначительные шероховатости в виде не самых удачных бриджей. Ну, а по-настоящему неудачный трэк всего один – грувовая полу-баллада «The Truth Lies Buried» получилась вялой и безжизненной (а ведь песни подобного типа у Xentrix когда-то получались блестяще – вспомним хотя бы «Shadows Of Doubt»), и не может порадовать ни какими-то цепляющими риффаками, ни вокальными мелодиями, на которые новый вокалист, увы, просто не способен.

А это, увы, и есть главный минус этого отличного альбома… Ведь голос Криса Эстли, который для многих является неотъемлемой частью группы, при всей его простоте, отличался не только ехидной хэтфилдовской хрипотцой, но и умением брать ноты. Если вспомнить первую демку ещё под названием Sweet Vengeance, там можно услышать в его исполнении даже высокие ноты. Джей Уолш, конечно, достаточно харизматичен, тембр его относительно похож на Криса, мясистая хрипотца, вроде бы, тоже радует, но владение своим голосом, увы, абсолютно не впечатляет. Даже простые мелодии (да и не такие уж частые) в припевах ему даются с огромным трудом, и его вокал звучит ужасно дубово и сильно портит ряд трэков. И хотя стилистика не требует от певцов особых талантов, всё же от нового фронтмена такой группы, как Xentrix, такой халтуры слышать не хотелось бы. Ведь разница налицо – живьём Крис исполнял те же самые песни намного более уверенно.

Так или иначе, господин Эстли вновь хлопнул дверью, фэнам приходится иметь дело с тем, что есть, и на том спасибо. Ведь в остальном «Bury The Pain» не вызывает никаких нареканий, и будет переслушиваться многократно благодаря тому, что чисто музыкально он весьма интересен, звук в меру модернизирован именитым Andy Sneap’ом, артворк Dan’а Goldsworthy выполнен в лучших традициях культового художника Ed Repka, а такие композиции, как заглавная, сложная и интересная «Bury The Pain», вышеупомянутая мега-хитовая «There Will Be Consequences», и не менее угарные «Bleeding Out», «Let the World Burn» и «World of Mouth» можно с натяжкой назвать новой классикой как Xentrix, так и стиля thrash metal вообще! Ну, и заключительный, довольно энергичный, хотя и не идеальный трэк «Evil By Design» интересен тем, что представлен в виде «студийного лайва»! А это заявка на то, что группа сплочена и готова к новым достижениям.

А ведь Xentrix, увы, можно назвать одной из самых недооценённых групп, ведь они реально достойны гораздо большего. Композиторского таланта у основного автора Криса Хаварда до сих пор хватает, творческое лицо британцы сохранили, а «новая мода» на thrash metal хоть и имеет некий, весьма локальный масштаб, всё же может дать этому камбэку хоть какой-то коммерческий смысл. Хотя, по большому счёту, группе придётся ещё долго зарабатывать признание, которого они заслуживают. Да и то при условии, что больше не будет никаких неприятных сюрпризов с составом, а концертная и студийная деятельность будут достаточно активны.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum  23 сен 2019

На создание третьего альбома у австралийцев Vanishing Point ушло аж 5 лет. За это время в состав влились клавишник и басист, слегка подрос уровень продакшна, а в плане стилистики группа взяла ориентир на более темповой (но и слишком стандартный) европавер. С одной стороны, альбом звучит более ровно, а также радует несколькими яркими хитами, с другой – музыка стала гораздо больше насыщена клише, которые могут разочаровать тех, кто ожидал от группы значительно более сложного материала, раз уж на австралийцев навесили этот громогласный, но не совсем адекватный ярлык «progressive».

По сути, чисто паверных, скоростных трэков на альбоме добрая половина, в числе которых есть и совсем банальные («Insight»), и вполне цепкие (как открывашка «Hollow» или мой фаворит «If Only I», который даже слегка отдаёт задором ранних Blind Guardian!). Две баллады и заезды в мелодичный хард-рок в паре трэков звучат нарочито коммерчески, но порой тоже радуют приятной мелодикой (например, проходной и скучный трэк «Season Of Sundays» буквально спасён сильным, ярким припевом).

Самыми удачными, на мой взгляд, у австралийцев получились среднетемповые мелодик-хэви трэки, которые с натяжкой можно сравнить с подобными композициями золотого состава Stratovarius – это «My Virtue», «Live To Live» и «Somebody Save Me». При этом все композиции содержат прогрессивные элементы, а почти половина имеет хронометраж около семи минут, но на самом деле они ориентированы скорее на запоминающиеся вокальные партии, чем на сложные, ломаные ритмы, характерные для классического progmetal. Каждый раз, когда группа пытается что-то слегка наворотить, это получается весьма неубедительно (например, такие тру-проговые вставки не совсем красят композиции «A Life Less» или уже упомянутую проходную «Insight»)

Красивый вокал Сильвио Массаро – это, конечно, главный козырь группы, одаряющий её особой притягательностью и сглаживающий значительные технические и продюсерские косяки, которых, увы, многовато. Думаю, именно качество звука, не дотягивающее на этом релизе до мировых стандартов, во многом стало для Vanishing Point неутешительным вердиктом и не позволило завоевать более широкую аудиторию. Гитары достаточно сырые, техника игры весьма средняя, а аранжировки также не столь богаты – эпизодические бледные оркестровки и вкрапления электроники не впечатляют, а клавишник Леонард Копилас, записавший с ними лишь этот единственный альбом, хоть и блеснул рядом неплохих пианинных тем, в основном, эксплуатировал дешёвенькие фоновые синтезаторные звуки.

Ну, и длительность альбома в 79 минут также не играет на руку австралийцам, ведь даже самый яркий материал за это время может утомить любого благосклонного к группе фэна, и сокращение двух-трёх трэков могло бы стать ещё одним плюсом этого, по сути, очень неплохого альбома. Хотя, на мой взгляд, он уступает предшественнику по идеям, наверняка многие поставят его на первое место в дискографии австралийцев, оценив растущий профессионализм и динамичность материала. Далее же группа продолжала расти, но, к сожалению, за исключением отдельных хитовых композиций, музыка становилась всё более скучной. Поэтому для ознакомления с Vanishing Point «Embrace The Silence», пожалуй, наиболее предпочтителен.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum  23 сен 2019

При прослушивании второго альбома австралийцев Vanishing Point внутри всякий раз просыпается продюсер – мол, вот бы сделать гитары поплотнее, барабаны помощнее, разнообразить клавиши, здесь увеличить темп, эту музыкальную тему сократить… В общем, стоит сказать честно – группу можно назвать лишь середнячком. Но, тем не менее, помимо ряда пионерских недочётов у коллектива есть главный козырь, благодаря которому этот альбом время от времени хочется переслушивать не без удовольствия – а именно вокал.

Приятный баритон Сильвио Массаро, немного напоминающего Рэя Олдера из Fates Warning, плюс грамотно построенные вокальные партии (и ритмически, и мелодически) и их аранжировка (обработка вокала, нужное и уместное количество бэков и т.д.) делает песни достаточно запоминающимися, а при грамотном продакшне они бы могли звучать на порядок лучше. Несмотря на это, «Tangled In Dream» я назвал бы самой удачной и самой разнообразной работой австралийского коллектива, и его двухдисковое переиздание, выпущенное по лицензии на Фоно – хороший повод ознакомиться с этим достаточно интересным альбомом.

Стилистику Vanishing Point можно обозначить как melodic progressive metal или даже neo progressive metal, ведь, по сути, никаких супер-наворотов австралийцы не демонстрируют, а самый заковыристый проговый франмент в «I Will Awake», по иронии судьбы, звучит крайне вымученно и даже неуместно. Но при этом и самый лучший трэк как альбома, так и всей дискографии, «Never Walk Away» имеет продолжительность более восьми минут. И хотя можно было сделать из него более компактный хит, песня хороша и в таком виде, в основном, благодаря блестящим мелодиям. Начиная от почти готических куплетов, далее через пред-припев, уже к самому припеву композиция как бы идёт по восходящей как в нотном, так и эмоциональном плане.

Добрая половина альбома также весьма неплоха, особенно его среднетемповое и довольно хитовое начало в виде открывающих композиций «Surreal» и «Samsara», но вот по части медляков тут явный перебор. Несмотря на то, что все песни отличаются одна от другой по настроению, а вокальные партии хороши практически везде, вся вторая половина 67-минутного альбома страдает от явного недостатка динамики и не совсем удачных аранжировок. Особенно это касается самой, пожалуй, слабой композиции «Bring On The Rain» со странным барабанным ритмом, которая могла бы быть более приемлема в укороченном акустическом варианте. Также слишком затянуты «The Real You» (которая, правда, приятно радует «зеппелиновскими» мотивами), или «Father (7 Years)» с неплохим атмосферным вступлением в духе Pink Floyd.

Бонус-диск также достаточно интересен: на нём представлены два неплохих японских бонуса с более поздних альбомов, в том числе приятная акустическая баллада «The Endless Road»; новая, утяжелённая и переанжированная версия «Samsara II» – сыгранная и записанная гораздо лучше, но довольно спорно спетая; два кавера – весьма интересная и неожиданно паверизированно-темповая перепевка Pink Floyd’овской «On The Turning Away», которая шла хидден-трэком на японском издании диска и также кардинально металлизированная «Separate Ways» от Journey. Ну, и под конец слушателя ждут 5 трэков с акустического сета, увы, полу-бутлежного качества, причём, две из которых – с откровенно слабого дебютника, но при этом среди них отмечу неожиданно-убаюкивающую версию изначально драйвово-паверной «Hollow».

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum  23 сен 2019

Если мы смешаем в равных пропорциях симфо-пауэр, фолк-метал и попсу, то получим тот самый Débler, о котором сегодня пойдет речь.

Собственно, этот испанский коллектив существует уже достаточно давно – аж с 2006 года, только до последнего времени о нем ничего не было слышно.

Всё резко изменилось после того, как в группу пришел новый вокалист – Рубен Кельсен – сладкоголосый юноша эльфийской внешности. Ясное дело, что смазливый фронтмен – это уже 50% успеха. С тех пор популярность команды быстро стала расти, и за последние пару лет ребята уже успели настрогать целых три альбома.

Диск «Somnia» вряд ли станет для вас неожиданным открытием, но и желания плеваться после его прослушивания он тоже, по идее, не должен вызывать.

Прекрасное качество записи, достаточно интересные аранжировки, в целом, неплохие мелодии, среди которых попадаются и хиты. «Nada nos podrá parar», «Mar de lágrimas», «Sentencia final» слушаются с живым интересом, очень хороши две баллады – «Cuando las estrellas dejen de brillar» и акустическая «Rosas color marfil», первая из которых была записана с участием Айлин – экс-вокалистки готик-метал группы Sirenia.

Но всё равно как будто чего-то не хватает. Да и слишком уж слащаво поет Кельсен, слишком уж попсово звучит его голос. Вполне возможно, что с другим вокалистом этот материал смотрелся бы более выигрышно.

Но придется всё же оценивать то, что имеем. А имеем мы такой средненький альбомчик, который вполне сойдет для разового прослушивания, но на большее вряд ли сгодится.

Elena_Kalistka  22 сен 2019

После реюньона испанской группы Tierra Santa прошло уже почти 10 лет, и за этот достаточно долгий период времени музыканты успели выпустить всего три безликих пластинки. Представленный на них материал настолько скучен и посредственен, что одну из них трудно отличить от другой.

Альбом с пафосным названием «Mi nombre será leyenda» («Мое имя будет легендой»), возможно, и не плох в плане текстов, но в музыкальном плане – это полный провал. Недаром композиции с этого полноформатника сейчас на концертах уже не исполняются – не пользуются они у народа спросом.

Совершенно не запоминающиеся, вымученные мелодии – на этом диске нет вообще ничего, что бы хоть как-то напоминало о славном прошлом этих знаменитых испанцев. Никакого хэви-метала на этом альбоме вы не найдете даже под микроскопом, а вот посредственного харда здесь навалом.

Тем не менее, на общем фоне несколько выделяются две баллады: философская «Más allá de la vida» («За пределами жизни») и «Sólo se vive una vez» («Ты живешь только один раз»), посвященная проблеме гендерного насилия, в которой осуждается любое насилие в принципе. На этом вдохновение, к сожалению, Анхеля покинуло, и когда оно теперь к нему вернется – никому не известно.

Заглавная композиция «Mi nombre será leyenda» на хит точно не тянет. Когда группа исполняла ее вживую на концертах, я частенько ее путала с песней «La leyenda del holandés errante» с предыдущего альбома.

Хардовая вещица «Héroe» («Герой»), на которую, кстати, был снят клип, тоже никаких особых эмоций у меня не вызвала.

Тема «El Cielo Puede Esperar» («Небеса могут подождать») призывает нас задуматься о том, как больно терять того, кто незаменим, и как трудно заполнить эту пустоту.

Композиция «Perdido en el Paraíso» («Затерянный в раю») повествует о человеческой судьбе; она рассказывает о том, что все в этом мире относительно: вы можете подумать, что у вас все ясно, но это может оказаться всего лишь иллюзией.

Песня «El Último» («Последний») рассказывает о последних минутах жизни умирающего, сообщает нам его последние мысли. Вся жизнь проносится у него перед глазами.

Если первую половину альбома еще можно хоть как-то осилить, скрипя зубами (большей частью из-за глубокой философской лирики), то за вторую уж лучше вообще не браться - все настолько грустно и уныло, что уж лучше бы я этого вообще не слышала.

Кстати, один любопытный факт: номер «Si Estas Allí» («Если ты там») – кавер на песню группы Sátira, в которой когда-то играл клавишник команды Хуан Антонио Сан Мартин, а ее автором является его брат и по совместительству продюсер и звукоинженер Tierra Santa - Хавьер Сан Мартин.
Видимо, своих собственных музыкальных идей у Анхеля и Ко не хватило, вот они и решили порыться в старых архивах.

В общем, очень не рекомендую начинать свое знакомство с творчеством Tierra Santa с этого студийника - полное разочарование вам гарантировано 100%.

Elena_Kalistka  22 сен 2019

Реализация LP "Deceptive Bends" ещё только набирала обороты, а 10сс в расширенном составе уже отправились в затяжной и напряжённый гастрольный вояж. Помимо Э. Стюарта и Г. Гоулдмэна, а также барабанщика П. Бёрджесса, в тот состав тогда вошли новобранцы: Рик Фенн (Rick Fenn), клавишник Тони О'Мэлли (Tony O'Malley) и ещё один, на этот раз поющий барабанщик Стюарт Тош (Stuart Tosh, экс-Pilot). И уже на ранней стадии гастролей (16-20 июня 1977 г.) были сделаны концертные записи по репертуару трёх крайних на тот момент альбомов группы, составившие программу 2LP "Live And Let Live". Уже в октябре этот концертник поступит в продажу, а 10сс всё ещё будут мотаться по миру, продвигая свой студийный альбом 1977 года. Той же осенней порой в составе группы произошла замена клавишника, и вместо загрустившего по дому Т. О' Мэлли был принят бывший участник глэм-роковой формации Cockney Rebel Дункан Маккей.

Этой же шестёркой группа уединилась в Strawberry Studios, что в Доркинге, знакомом уже части музыкантов 10сс городке южнее Лондона, чтобы погрузиться в таинство студийной работы над новым альбомом.

21 июня 1978 года первый сингл был готов и обнародован. Как окажется в дальнейшем, это будет самый успешный миньон 10сс (1-е место в Великобритании по версии UK Single Chart, а ещё в некоторых странах Европы, и даже Австралии с Новой Зеландией). Не исключено, что столь значительный успех "Dreadlock Holiday" во многом предопределил судьбу будущей пластинки "Bloody Tourists", его концепцию и векторность. "Dreadlock Holiday" стал очередным чарттоппером 10сс, хотя и выдержан в легкомысленном стиле реггей, что вызвало определённое недоумение у наиболее радикальных почитателей этого коллектива.

Небольшое лирическое отступление. Из собственного олд-скульного опыта глубоко убеждён, что "освоить" музыку 10сс с ходу-налёту и на раз-два "въехать" в тонкости их творчества невозможно. Тем более, если вы ещё и не сторонник таких музыкальных "светил", как The Beatles, Пол Маккартни, Эрик Клэптон, Джордж Харрисон или Джефф Линн. 10сс - команда того же порядка. Впервые услышав их лет сорок тому назад, до сих пор продолжаю оставаться под магией свежести и современности их звучания. При кажущейся легковесности, гламурности, а порой даже приторной слащавости каких-то их вещей, нельзя не признать, что музыка этой группы объёмна и многогранна. Особую весомость композициям 10сс придают тексты. Интеллектуалы Стюарт и Гоулдмэн крайне редко опускались до примитивной банальщины, почти каждая их песня содержит в себе какую-либо идею или даже историю. Предыдущим их альбомам были присущи острый юмор (иногда злой), тонкая ирония (нередко самоирония) и сарказм (подчас весьма открытый). В "Bloody Tourists" планка качества текстов, их стоимости и значимости, поднята ещё выше. Не стоит, впрочем, это как-то увязывать с расширением состава - основные креативные усилия, как и прежде, приложены испытанным творческим тандемом Стюарт - Гоулдмэн.

Однако, решение продюсеров (а это, опять-таки, эти двое) сделать в качестве the opener программы этой пластинки титулованный номер "Dreadlock Holiday", мне видится спорным. По причине стилистической особенности этого трека. Куда более подходящей для столь ответственной задачи была бы следующая за ним композиция "For You And I", роскошная лирическая баллада с плавным вступлением, что было бы естественно для начала программы, с классическими, узнаваемо-характерными для этой группы мотивами. Но здесь, вспоминая о текстах, приходится принимать во внимание ту самую концепцию, и в этом смысле "Dreadlock..." как раз-таки то, что надо. Это стоит признать. Грэм Гоулдмэн в большей степени "вложился" в эту песню, он же здесь и лидер-вокалист, а история в этом хите достаточно серьёзная. Она о мытарствах самоуверенного "белого" туриста на острове Ямайка, у которого случается череда проблем с местным населением. Не слишком весёлый сюжет на фоне утончённого поп-реггей. Ещё одна любопытная история, но уже иного рода в "Shock On The Tube" - захватывающая сексуальная фантазия оказалась всего лишь сновидением прикорнувшего в вагоне поезда метро мужчины. Объектом воплощения этой фантазии оказалась его привлекательная соседка-попутчица.

Закрывающий первую сторону пластинки номер "The Anonymous Alcoholic" - это настоящий блок-бастер. Случай из жизни "завязавшего" со спиртным мужика, оказавшегося на вечеринке у своего босса и приударившего за его женой. Ведущему вокалисту Э. Стюарту пришлось изрядно поднапрячься, чтобы до неузнаваемости изменённым голосом "поведать" всю эту историю от лица незримого наблюдателя. В какой-то степени в этом ему способствовал тягучий, размеренный блюзовый мотив, значительно эту задачу ему упростивший. Диско-бит - оригинальная инструментальная вставка в середине композиции, означающая зажигательную сценку на танцполе, когда трезвый как дитя герой песни отплясывает с женой босса. А в самой концовке этого эпизода, когда босс заявляет заигравшемуся гостю что увольняет его, звучит сакральная фраза "рассказчика": "So you head for the ba-a-r-r-r...", которой всё сказано.

Вторая сторона LP начинается с "Reds In My Bed", где на лид-вокале барабанщик С. Тош. Случай для 10сс нетривиальный, редко когда в качестве ведущего вокалиста мы у этой группы можем услышать кого-либо иного, кроме Эрика и Грэма. Красивая мелодия Эрика Стюарта с текстом Стюарта Тоша, с акцентированными клавишными, сопровождающими эту композицию, одну из сильнейших в программе, от первых до последних аккордов. Суровая тема холодной войны с очевидным намёком на "этих красных", однако герой этого сюжета с куда большим удовольствием променяет "поле сражения", куда его всячески пытается вовлечь некий толстяк из департамента, на постель с горячей дочкой комиссара под блюз, проникающий извне через окно в его комнату.

В "Life Line" Грэма Гоулдмэна, где он и лид-вокалист, с первых же строк возникает тревожное сюжетное напряжение: "Десять тысяч миль отсюда до того, кто является твоим другом. Кто он, твой друг, на другом конце телефонной линии? Телефонная линия, она как спасательный круг". Изящная мелодия, переборы акустической гитары, глубокий философский подтекст, лейтмотив которого: телефонная линия - подчас это линия всей жизни.

Меланхоличная "Tokyo" укладывается в концепцию альбома. Мягкая, мелодичная, с тонким дальневосточным антуражем, насколько музыканты смогли его прочувствовать и этой своей музыкой воспроизвести. "Old Mister Time" - вот она истинная классика 10сс! И не стану скрывать, что эта композиция - мой фаворит всей программы "Bloody...". Здесь сплав всех сильнейших качеств группы и, что примечательно, именно в этой короткой рок-сюите наконец-таки звучит та самая "фирменная" сольная гитарная дорожка Эрика Стюарта, ярко и убедительно, как он это умеет. Увы, единственная во всём альбоме. Душераздирающая повесть о старике-отшельнике с загадочно-мистической концовкой. Великолепная, впечатляющая связка музыки с проникновенным вокалом Э. Стюарта и сюжета.

Финальная "From Rochdale To Ocho Rios" Грэма Гоулдмэна, как и стартовая, оформлена в карнавальных латиноамериканских ритмах под сдвоенный вокал. Таким образом, программа закольцевалась на reggae-style, подтверждая тем самым концептуальность альбома, заданную его названием. Однако, игривость и беспечность мелодии этой песни обманчива. Они лишь маскировка для ещё одной совсем не весёлой истории из суровой прозы жизни, неприглядной, нередко жестокой, свойственной бедным тропическим регионам. По крайней мере так там обстояло дело в 70-е годы минувшего столетия.

"Bloody Tourists" был невероятно популярен в Европе, Японии и Австралии. А вот в Северной Америке в категории Albums Chart не выбирался из второй полусотни (США - 69 место, Канада - 74-е).

В Союзе пластинки 10сс всегда пользовались спросом. Иметь в своей домашней фонотеке как минимум два-три альбома этой группы было престижно для каждого уважающего себя меломана. К тому же выгодно. Стоимость (как и весомость) любого альбома 10сс (разве что, кроме двух самых первых) была эквивалентна стоимости сильнейших альбомов Black Sabbath, Yes или Pink Floyd. Беда этой выдающейся команды заключалась в том, что век её активной творческой деятельности оказался слишком короток - какие-то десять лет. То, что было потом, я даже не рассматриваю - это слишком мелко и незначительно в сравнении с тем их десятилетием. Очень жаль, что сейчас о 10сс мало кто помнит.

МихаилБогданов  16 сен 2019

Всем привет, с вами я, MetalFlesh, и в этот раз речь пойдет о знаменитых Pestilence и об их новом (ну или не очень) альбоме. В двух словах – альбом удался.

Как всегда, голландцы решают выдать что-то такое, от чего захочется прыгать и бегать. Вот и на этот раз, слушая альбом "Hadeon", хочется делать что-то похожее - весьма короткие и непродолжительные треки очень даже этому способствуют, вызывая в голове путаницу - а не на Obscene Extreme ли собрались музыканты? Однако это ощущение быстро проходит - ведь чего-чего, а стилистику и жанровые рамки никто не отменял, о чем Pestilence не забудут нам при случае напомнить. Зато всё по олдскулу, так-то.

Обращает на себя внимание мягкий, но плотный саунд альбома, создающий этакий уют для тех, кто постарше, гармонично скрестив звук с энергетикой альбома как раз для тех, кто помоложе. В Сети вовсю гуляют отзывы, мол, этот альбом один из самых удачных и бодрых за всю историю группы... ну, с чем, собственно, трудно не согласиться. Самое главное в этом альбоме то, что разнообразия тут хоть отбавляй, а музыка не страдает ни затянутостью, ни самолюбованием, ни излишним перегрузом. На языке так и крутится одно слово - браво!

... А всего-то и надо было добавить баса и сократить длительность песен. В итоге мы имеем более чем классную поделку, интересную, необычную, а самое главное, отвечающую практически всем своим требованиям и запросам слушателей. Потрясающий уровень органичности и естественности музыки достигается... я не знаю с помощью чего, но достигается точно! Ну и конечно, как же не сказать про шикарные соляки в каждой песне. Сразу вспоминаются лохматые 90-е и суровые поздние 80-е, когда соло играли так, что аж мурашки по коже. И, самое главное, нет ни лишнего пиликания, ни сумасшедших и неуместных заигрываний с совершенно не подходящими для этого стилями музыки. Еще раз: браво.

Вердикт: тот случай, когда разговоры про то, что старикам пора на пенсию, более чем неуместны. Всё четко, грамотно, с умом и даже с душой. Автором данной писанины сей альбом рекомендуется всем и каждому. Несмотря на то, что релиз все-таки не шедевр, и (пока что!) не классика.

MetalFlesh  15 сен 2019

Десять лет назад. Черный массивный силуэт, отразившийся по ту сторону полированного стекла за плечами зазеркального меня, прошептал (слегка шепелявя из-за грубо разрезанных уголков рта), что спустя какой-то десяток лет Korn останутся единственной действующей группой моей юности, которая будет верна знамени той музыки, которая принесла им имя и армию фанатов. Зазеркальный я скривился в гримасе: «Давай-ка, расскажи, мы еще не отмыли полы от рвоты с непереваренными кусочками "Untitled" и тонкими нотками зловония прозреваемого на горизонте дабстепа». Черный силуэт подернулся рябью оскорбленного пророчества, поедая тусклый, слабеющий в отражении свет. Я улыбнулся, щелкнул выключателем, и черный силуэт заполнил собой всё вокруг, став пустотой, вместившей в себя без остатка имеющееся в её распоряжении ничто.
Korn решили больше не терять голову, и второй альбом подряд устраивают упоротым фанатам беспросветный праздник жизни, на этот раз уверенно возглавляемый девчушкой в красном платье, пляшущей по заполненным цифрами клеткам, всё ближе и ближе к краю обрыва. А что за краем? За краем рай, в котором только и разговоров, что о "Follow the Leader", "Issues", "Untouchables" и "Take a Look in the Mirror", и, говоря о нынешних Korn, неизбежно приходится быть честным с самим собой в части формулировок: «самокопирование и стагнация» или «верность стилю и преданность фанатам»; у обоих объяснений происходящего на этом альбоме найдутся убедительные доказательства и тебе остается просто выбрать, вполовину полон или вполовину пуст твой стакан. Обложка иронично сует аргументы в руки критикам: вот же, смотрите, пустота, пустота внутри, давайте, ругайте. А музыка гасит свет и в возникшей посреди тьмы панике освобождает ваши руки (и карманы заодно) от бремени какой бы то ни было аргументации.
Акцентированный дребезжащий бас, втаптывающие риффы, непрерывно эволюционирующий вокал Дэвиса, избавившийся от слабых мест во всех своих проявлениях, скэт, волынки, интерлюдии, немного NIИ в закрывающем треке. Вечная неувядающая классика, втиснутая в 44 минуты, пролетающие мимо ревущим экспрессом. Ничего принципиально нового от Korn сегодня уже никто не ждет. Более того: ничего принципиально нового Korn сегодня уже никто не простит. Они превратились в ню-металлическое воплощение Slayer, группу-икону, по которой равняют остальных в жанре, которая всегда демонстрирует КАК НАДО (что весьма кстати на фоне свежевыпавшей в мир поделки от куда более раскручиваемой, но куда менее талантливой группы с логотипом, пародирующим корновский), и которая будет неминуема распята за предательство, если вдруг обронит путеводный факел.
Сегодня. Korn выпускают 13-й альбом. В пятницу, 13-го. Единственная действующая группа моей юности, которая осталась преданной музыке, приведшей меня под её знамя.
Я улыбаюсь и щелкаю выключателем.

Oakim  13 сен 2019

События - есть постоянно проходящее во времени… И казалось бы, ещё не так давно момент открытия был явлен, но вот уже пронеслось столько всего, а неумолимые германцы Rammstein в который раз показывают насколько качественно нужно делать тяжёлую музыку. Долгожданный полноформатник с одноимённым названием по сути подтвердил их статус одних из лидеров тяжёлой сцены, и в то же время показал музыкальную укореннёность группы, говорящую о том, что даже по прошествии стольких лет музыканты не растеряли умение создавать прекрасный материал.

Как я уже и сказал, новый релиз Rammstein - это всё тот же знакомый многим звук. Нет, конечно же, это не “Reise, Reise” или же “Rosenrot”, скорее группа более позднего образца, периода релиза 2009 года, или же сингла “Mein Land”. Германцы стали звучать, если так можно выразиться, более добрее, музыкально скрылась та агрессивная составляющая, но это покрывало под которым, конечно же, скрывается тёмная фантазия Тилля Линдеманна, купирующая самым естественным и сокровенным, что есть в каждом человеке.

С музыкальной стороны альбом построен не только на хитовой простоте - безусловно, пульсирующие композиции "Radio" и "Deutschland" отдают ей, но в большинстве своём работа получилась действительно свободной от сложившегося музыкального образа группы. Да, это те же Rammstein, но в то же время способные сотворять в рамках жанра нечто новое, ну а про качество представленного можно и не сомневаться. Das ist gut!

Альбом "Rammstein" воистину понятен в своём музыкальном виденьи. Это образ, который отражается с той действительности, где существуют создатели, видя окружающее и воплощающие его, как наглядность происходящего, пускай и в несколько ярком проявлении. Ведь что как не искусство способно показать, что есть человек, настолько многогранный, но всегда ведущий борьбу со своими пороками? Пластинка германцев, как и всегда, говорит о самом тёмном, что есть в каждом из нас. Это тонкая грань, способная однажды поглотить безвозвратно.

Антон Пеганов  11 сен 2019