Любопытно, перебирая совершенно случайные имена, знакомиться иногда с коллективами, которым не хватило самой малости, чтобы стать знаковыми для своего времени. Jumping Jesus, несмотря на не самое многообещающее для дэт-металла немецкое происхождение, относится именно к таким. Ценитель экстремальной музыки не может не изумиться множеству заимствований и влияний, совмещенных на альбоме немцев. При желании на «The Art of Crucifying» можно найти не только отголоски творчества Carcass и Deicide (что необычным, в общем-то, не кажется), но и классики более мелодичных направлений. Хэви-металлические мелодии у Jumping Jesus соседствуют с бластбитом, а истошный визг, хорошо знакомый поклонникам Хэлфорда или Диркшнайдера – с утробным рыком. Еще семиминутный трек «Cloning the Future» звучит словно микс из Carcass’вского «Necroticism» с Iron Maiden, а уже «Rotten Flesh» - почти образец брутального дэт-металла! Вполне возможно, что музыканты просто копировали в меру своих способностей то, что в грайндкоре и металле знали до них, однако ни одного альбома, напоминающего итоговый результат Jumping Jesus, я до сих пор не слышал. Справедливо можно поставить в упрек работе сумбурность, которая в данном случае, увы, такой музыке не к лицу. Да и чрезмерное злоупотребление бластбитом кажется не осмысленным шагом, а скорее данью моде. Однако не стоит забывать, что материал был издан в то время, когда понятия «умная» и «экстремальная» применительно к такой музыке, как правило, означали совершенно разные вещи, а будущие мэтры техничного металла лишь делали первые шаги. Возможно, с позиции сегодняшнего дня материал Jumping Jesus не покажется передовым, однако необычности ему по-прежнему не занимать. Буду субъективен: такая трактовка немецкого death metal мне гораздо ближе и симпатичней, нежели творчество Morgoth или Incubator.

Glop   1 апр 2011

Признаюсь, довольно тяжело оценивать что-то, серьёзно повлиявшее на твою жизнь. Что-то, бесчисленное количество раз помогавшее тебе пережить проблемы, справиться со своими чувствами. Что-то родное и невероятно близкое тебе по настроению и духу.

Абстрагируясь от моего сугубо личного отношения к данному альбому, нельзя не заметить, что ничего гениального в нём не наблюдается. Тут не наличествуют виртуозные пассажи, тут нет сложных закрученных композиционных структур, вокалист не поражает нас диапазоном своего голоса. Здесь есть нечто другое, что не совсем возможно описать словами, что-то, под что больше всего подходит определение "эмоции". Альбом поражает именно своей искренностью, честностью, которая будет впоследствии самой группой и тысячами клонов нещадно эксплуатироваться и превратится в некое подобие бренда.
Звук, нарочито жирный и живой, с акцентом на ритм-секцию в лице крякающего баса и слаженной фанковатой игры барабанщика, как нельзя лучше подходит такой музыке, и альбом в этом плане разительно отличается от огромного количества современных релизов с вылизанным перекомпрессированым звуком. Предпочту не описывать треки по отдельности, так как считаю, что они наиболее целостны именно вместе в качестве альбома.

Как заметил один из рецензентов, в альбом достаточно непросто "въехать". Недаром довольно часто именно данный альбом (и последующий с ним заодно) многие "поклонники" и так называемые "музыкальные критики" игнорируют, называя "Follow the Leader" лучшим альбомом в дискографии Korn, а он, на мой взгляд, является их наиболее коммерческим и (в результате) самым доступным для восприятия альбомом. Виной тому очень тяжелая, угнетающая атмосфера, нарастающая на протяжении альбома (и достигающая апогея на "Daddy"), усиленная личностной лирикой и примитивистской, местами однообразной, местами извращенной гитарной игрой.

В заключение хочется сказать, что данная работа вполне оправданно заслуживает статуса "шедевра на все времена". Этот альбом проверен годами. Это альбом, который (спорно) послужил родоначальником целого музыкального жанра, ненавидимого многими. Это альбом, который будут помнить еще очень долго. Это альбом, записанный в правильное время и заполнивший нишу в музыке того времени.

meff   1 апр 2011

Этот альбом просто напичкан банальнейшими ню-металлическими риффами, которые все мы слышали уже тысячу раз, причем как у этой же группы, так и у их коллег по цеху. Godsmack, выбрав однажды одну-единственную дорогу, идут по ней уже больше десяти лет, не единого раза не свернув или хотя бы сделав попытку. Их постоянство, переходящее в самокопирование, несет в себе прилежность работника, который год за годом делает одну и ту же вещь, ничего не меняя, совершенствуя лишь внешний вид и качество создаваемой вещи. При этом содержание не меняется, как, впрочем, и форма.

Godsmack - это как раз те самые прилежные американцы, которые четко знают свою задачу: раз в три-четыре года выпускать новую порцию незамысловатого ню-металла. Это принесет хорошую прибыль, потому что люди все равно съедят, так или иначе. И зачем тут заморачиваться, придумывая что-то новое? Вот вам 10 новых композиций, составляющих новый диск "The Oracle"! Начните слушать "Cryin' Like a Bitch" с его молотящими риффами и хэтфилдским вокалом, затем "Saints and Sinners", напоминающую своим риффом кучу других таких же песен. В том же духе проходят "War and Peace" и "Love-Hate-Sex-Pain", хотя последняя способна навести вас на мысль, что группу неожиданно постигло вдохновение. После "What If" вы окончательно заскучаете: оставшаяся часть альбома не воспринимается вообще никак. Наверное, "Good Day to Die" - это композиция с самым избитым гитарным риффом, использованным в миллионе хард-роковых композиций; в общем и целом, это очень паршивая песенка. Как и "Shadow of the Soul": трехаккордная дребедень, явно высосанная из пальца. Печально, но ничего не поделаешь. "The Oracle", инструменталка, завершающая все это безобразие, умудряется на минуточку зайти в дебри чуть ли не трэш-металла, но без вдохновения. Кажется, группа уже просто не знала, что и как ей сделать.

Но в общем и целом, это действительно очень качественная работа, и музыканты выполнили свою задачу, как надо: гитарист побренчал на строе "ре" тошнотворные риффы, барабанщик, недолго думая, взял партии из предыдущих альбомов (к счастью, они великолепно стыкуются с новым материалом), а Салли Эрна вновь поизображал то Лейна Стейли, то Джеймса Хетфилда. Короче, очередной рабочий день прошел удачно и можно расходиться по домам, в ожидании, когда пойдет прибыль. Вот и все.

Artur Schadrin  31 мар 2011

Порой бывает трудно взвешенно оценивать релизы, находящиеся в тени своих более зрелых и успешных последователей. В данном конкретном случае имеется в виду попытка рассмотреть с индивидуальной стороны второй релиз канадской банды Despised Icon, носящий название “The Healing Process”, абстрагируясь от влияния самого успешного во всех планах “The Ills of Modern Man”. “Всё познаётся в сравнении”, - про это в данном случае лучше забыть, и выкинуть из головы все мысли об остальных релизах команды.

Почти всё творчество канадцев есть успешный поиск гармонии между плотным хардкором и техничным дэтом, где, если одна составляющая и угнетает другую, то это идёт лишь на пользу, а не во вред. “The Healing Process” есть само ядро, золотая середина, где уже нет разбрасывания костей дебюта (это не говоря про вокальную линию), но ещё не привита нордическая серьёзность и “метальность” последователя. Цель – добиваться результата не за счёт выхода за рамки, не за счёт крушения неких абстрактных барьеров (об обломки которых так легко спотыкались отдельные банды), а работать на результат в рамках отдельного взятого стиля, развивая его в верном русле. По сути, этим альбомом ребята решили показать, как правильно смешивать “дэт” и “кор”, чтобы на выходе получился самодостаточный, адекватный в пропорциях материал, а не гремяще-ухающая шняга, годная лишь для моша стаи орангутангов.

Вот, вроде бы, одни и те же ходы из песни в песню, но раз за разом выстраивающиеся в поразительной брутальной гармонии звуков – перекрестный огонь вокалов, упругие брейки, шквальная дэт-составляющая и животный кач коровой основы есть тот простой материал, из которого требуется выстроить нечто непростое, давящее на слух, а не на психику. Умеренное дозирование ингредиентов даёт на выходе разнообразие эффектов, а маткоровый флёр вносит здоровую сумятицу в наполнение релиза, не нанося острых порезов полотну. Всё просто, как два банана: хотите ада и канонады – вам в помощь “Warm Blooded” и “Retina”, едва ли не на четверть состоящая из сплошного бластинга; необходима интрига и атмосфера – “Immaculate” даст как жару, так и прохладу акустики; нужна лёгкая промывка мозгов? “The Sunset Will Never Charm Us” и “Harvesting the Deceased” выбьют почву из под ног…

Пусть не на всё случаи жизни, но адреналина ради, - альбом даёт выход эмоциям, попутно заряжая бешеной энергетикой. Пусть ещё техника не достигла заоблачных высот, зачастую представляя собой топтание на месте, пусть Alex Pelletier ещё только пытается сотрясти шаблоны игры на ударных, пусть ещё нет законченных лихих боевиков уровня “The Furtive Monologue”, но одно неоспоримое преимущество “The Healing Process” имеет – 100 % заполнение музыкального пространства. При всех своих положительных чертах и преимуществах “The Ills of Modern Man” и, в особенности, “Day of Mourning” страдали холостыми прострелами гитар, из-за чего на этих альбомах зияли нехилые пустоты, провалившись в которые единожды, можно навсегда расхотеть сталкиваться с этими творениями.

Несмотря на то, что вершиной дискографии группы многими считается ”The Ills of Modern Man” (да и сам я был не прочь восхвалить его в своё время), я посмею высказать мысль, что “The Healing Process” ничем ему не уступает, выглядя пусть менее серьёзным, но подкупая непосредственностью и теплотой подаваемого материала.

MAX DE SADE  31 мар 2011

То, что Dream Theater - команда, активно дающая концерты по всему миру, думаю, факт общеизвестный. Если учитывать данное обстоятельство, то возникает некоторое недоумение по поводу того, что этот DVD-релиз, записанный в далёком 2002 году, пролежал на полке без малого 5 лет и был выпущен только 9 сентября 2007 года. Впрочем, в данном же случае можно сказать, что лучше поздно, чем никогда, поскольку этот концертник запечатлел дебютный для группы приезд в Румынию и Болгарию. И, опять же, в свойственной для группы манере, издающий лейбл растянул данный релиз на три DVD-диска, два из которых занимает концерт в Бухаресте, а третий значится как бонусный.

Но давайте обо всём по порядку. Не скрою, это один из самых любопытных релизов в стиле progressive metal, который я когда-либо держал в руках. Даже его обложка достойна отдельного упоминания, потому как мало того, что она сделана явно с оглядкой на анатомические зарисовки Леонардо да Винчи, так ещё на этой руке 6 (!) пальцев, что безусловно имеет параллели с основным инструментом данного стиля музыки и этой группы в частности - гитарой Джона Петруччи...

Что же до плей-листа данного релиза, то по понятным причинам в его основу лёг двойной альбом "Six Degrees..." и ещё (тогда) не такой далёкий "Metropolis p.2: Scenes from Memory".

Думается мне, излишне говорить о том, что звук, свет и видеоинсталляции здесь сделаны на высшем уровне и потому не подлежат обсуждению. Единственным же минусом релиза я считаю, пожалуй, некоторую похожесть студийных версий выбранных для исполнения песен и их концертные варианты. Музыканты как будто забыли, что импровизация в собственных песнях - один из их главных козырей. Однако по данному пункту исправляют ситуацию песни "Another Hand/The Killing Hand" на пару с "Lines in the Sand", да номера, обозначенные как соло Джордана Рудесса и Джона Петруччи, - вот уж где эта парочка оторвалась на славу, импровизируя так, что любо-дорого смотреть...

Что же касается третьего диска, то, как я и говорил выше, он идёт в данном издании в качестве бонуса. И можете мне поверить - здесь есть, на что посмотреть. Во-первых, это фрагмент шоу группы, отыгранного в Мехико 3 марта 2002 года. Во-вторых, это документальный фильм о коллективе и о каждом из участников отдельно, снятый болгарским телевидением в рамках первого визита группы в Софию с 1-го по 3-е июля 2002 года. И в-третьих, это более чем 50 минут любительской видеосъёмки, сделанной одним из фанатов из немецкого фэн-клуба коллектива...

На основании всего вышеизложенного, я искренне полагаю, что данный релиз обязан присутствовать в коллекции каждого фэна команды, и потому оценка ему соответствующая.

Frostauskas  30 мар 2011

Andy Julia, барабанщик Peste Noire и доброй полудюжины прочих известных и не очень коллективов, временно отложил в сторону палочки, дабы взять в руки микрофон. Его сольный проект получил название Soror Dolorosa («Сестра Скорби» или же "Сестра Боли"), ну а в качестве музыкальных ориентиров были избраны Joy Division, Specimen, The Virgin Prunes и иные пост-панк/готик-рок герои восьмидесятых; в том числе и The Cure (в свете чего не удивительно, что в разреженной атмосфере «Blind Scenes» витают мелодии, в которых вполне может померещиться «Театр Теней» Алисы, ну а у песни «Low End» и вовсе есть нечто общее с цоевской «Спокойной Ночью»). Неторопливая ритм-секция, пусть и с достаточно изобретательными бас-партиями, отрешенно-флегматичная гитара, не сильный, но очень красивый вокал – очень привлекательная в своих композиционных решениях работа, но едва ли способная кого-либо сильно увлечь или удивить, если бы не её главный компонент. Секрет особого воздействия «Blind Scenes» на сознание и подсознание слушателя связан с глубочайшей эмоциональной палитрой, в удивительно тонких связях между ведущими мелодиями и тончайшими оттенками вокала. Перед нами, несомненно, очень личная, во многом даже интимная работа, музыка оголенных нервов, интровертная по своей сути, глубоко проникающая своими «коготками» в самые глубины души. Думаю, этот релиз подойдет не под всякое настроение, однако есть в нем композиция, которая сама по себе способна создать соответствующий настрой - наличием в активе подобного шедевра могут похвастать немногие. Речь идет о венчающей «Blind Scenes» «Broken Wing» - маленькой печальной симфонии, гимне глубокой грусти, душевному опустошению, отчаянию, неумолимо фаталистичной, но вместе с тем умиротворяющей и приносящей спокойствие, звучащей подобно каплям дождя, поздней осенью стучащего в окно. Безумно красивая песня, действительно ставшая главным украшением альбома. Не стоит, впрочем, думать, что среди остальных семи композиций есть хотя бы одна, которую можно назвать «слабой» или хотя бы «проходной». Напротив, все они тесно связаны между собой и идеально дополняют друг друга, словно блоки монументального строения, и не исключаю, что финал альбома не производил бы столь огромное впечатление, если бы не служил логическим завершением целой цепи мелодий\мыслей\образов. Кажущиеся шаблонными треки приобретают неоспоримую индивидуальность, когда приоткрывается их уникальная в своих сочетаниях эмоциональная насыщенность. Не для всех таких утонченных музыкальных интонаций и образов возможно подобрать нормальные эпитеты и метафоры: есть в этом релизе и обманчиво умиротворенная "Low End", и красивая, но "колючая" "Crystal Lane", и действительно болезненная "Soror Dolorosa", финал которой, тем не менее, оставляет надежды на "исцеление". Одна из лучших работ наступившего года, вне всяких сомнений, и единственное, что удерживает меня от наивысшей оценки – непоколебимая вера в то, что для Энди сотоварищи это только начало, и главные творческие вехи у них еще впереди.

Jotun  30 мар 2011

Через два года после предшественника Combichrist выпустили свой третий студийный альбом, с риторическим вопросом в названии "What the Fuck Is Wrong with You People"?
Сразу скажу, что соглашусь с теми, кто считает музыку Combichrist удачной комбинацией различных стилей электронной музыки, нежели представителями какого-то одного направления. Несмотря на то, что Энди ЛяПлегуа и приложил руку к созданию TBM (techno body music), ему хватило ума не использовать на всю катушку данное направление и не выбрасывать «выхолощенные» голые кости техношумов наподобие Soman или Noisuf-X. Однако нельзя не признать, что ЛяПлегуа преуспел в создании практически мелодий из разных шумовых эффектов. Однако это умение он в полной мере развернёт в следующем альбоме.

Послушав этот альбом, можно убедиться в том, что ЛаПлегуа выкристаллизовал наиболее удачную структуру треков, начало которых практически - это в чистом виде TBM, за которым идёт нахлёстывание dark electro, industrial или даже нечто в стиле битов Prodigy. Такие стилевые комбинации не позволяют альбому надоедать при сквозном прослушивании, что иногда происходит с альбомами таких грандов как Hococo. Вообще, как мне кажется, девизом всего альбома, если говорить о музыкальной составляющей, можно назвать «начали за здравие, а кончили за упокой». Треки очень разнообразны, но начинается альбом с милой хулиганской шутки "5 AM (Afterparty)", и танцевальным треком "Electrohead" а заканчивается убийственно мрачным "Deathbed" в стиле dark electro и суицидальным "Are You Connected?".

Альбом "What the Fuck Is Wrong with You People?" - это не только значительный скачок в музыкальном развитии Combichrist, налицо определенное взросление смысловой составляющей творчества. На мой взгляд, ЛяПлегуа перешёл от глумливого шутовства предыдущего опуса к более серьёзной раздаче пинков под зад окружающему миру. Да, лирика прекрасно воспринимается, и не только за счёт того, что Энди отчётливо читает её, и его голос практически не искажён. В альбоме использован приём так называемого snapshot of time (временного среза), когда в треках используются звуки как будто естественного окружения бытовой жизни, голосов случайных людей. Это позволяет наилучшим образом проникнуться настроениями альбома. К примеру, начальный трек "5 AM (Afterparty)" - это не что иное как прокрученная запись автоответчика хулиганского звонка. "Brain Bypass" - минималистичный TBM-трек с акцентом на запись голоса женщины, которая в консультационной манере сотрудника наркологической клиники рассказывает во всех научных подробностях физиологический механизм воздействия кокаина на мозг. Беспросветно депрессивный трек "Deathbed" о душевной пустоте и одиночестве, приводящих к мысли о суициде. "Red" - сгусток ненависти к городу, в котором проходит жизнь героя, и который он представляет себе залитым галлонами крови. Короткий трек "Are You Connected?" не просто о суициде, а о том, какие конкретно вопросы в голове могут стать последний каплей в решении покончить с собой:

In your life are you connected to yourself?
When you die will you be conneceted to yourself?

(При жизни являешься ли ты самим собой?
Когда ты умрёшь, станешь ли ты самим собой?)

Однако в конце альбома всё же звучит достаточно позитивный танцевальный "All Your Bass Belongs to Us", инструментальный трек, который вкупе с простенькой "Electrohead" и дискотечным хитом "Get Your Body Beat" позволяет несколько расслабиться, отвлечься от грустных мыслей, в русле "позволь себе стать немного электроголовым, а ритму пронизать твоё тело и тогда все басы и биты будут твоими!". Ну, что же, временами перезагрузка из metalhead в electrohead бывает полезна. Проверено.

А этому альбому (у меня только обычное издание с одним диском, а не диждипак) ставлю 7, потому что впереди более яркий и ещё более интересный альбом "Today We Are All Demons".

Demon Hunter  30 мар 2011

Трагедия с бас-гитаристом Чи Ченгом не помешала группе собраться и кинуться в бой, в результате чего Deftones неожиданно для всех слушателей выпустили едва ли не самую лучшую работу за все их существование.

Можно удивляться сколько угодно, вспоминая "Around the Fur" (некогда считавшуюся эталоном альтернативного металла) и все последующие диски калифорнийских парней (которые варьируются от замечательных до невнятно-экспериментальных), но "Diamond Eyes" на голову выше их всех. И дело совершенно не в оригинальности и новизне материала. Тут вроде бы стандартный ню-металл с громоподобными риффами в пониженном строе приобретает трагическую окраску, и не в последнюю очередь благодаря яркому вокалу Чино Морено. Послушайте вступительную одноименную композицию: медленная и тяжелая, она сопровождается совершенно великолепным голосом Чино, который поет так, что кажется, будто его душа разрывается на куски, и от этого холодок идет по коже. Но гибкость вокала позволяет этому талантливому вокалисту переходить на сносящий ваш мозг крик, что идеально продемонстрировано в "CMND\CTRL", бодрой металлической песне, под которую так и хочется начать трясти головой и играть на воображаемой гитаре. А потом почувствовать тревожное успокоение на "Beauty School" и "Sextape", которые как затишье перед очередной бурей: Чино начинает стонать в микрофон свои исповедальные тексты, пока музыканты на заднем плане демонстрируют спокойную сдержанность рока. Великолепно!

"Diamond Eyes", хоть и появился исключительно "благодаря" тому, что Чи Ченг впал в кому в результате автоаварии (вообще-то, ребята начинали работать над совершенно другим альбомом, получившим название "Eros"), но тут стоит сказать этому несчастному спасибо. Увы, но как говорит известная пословица: не было бы счастья, да несчастье помогло. И новый альбом Deftones тому доказательство!

Artur Schadrin  29 мар 2011

Trollfest - ну очень веселая группа! До того веселая, что у многих любителей фолк-метала давно уже снискала славу беспросветных полусумасшедших алкоголиков, давно уже утративших всякое чувство меры (если имевших его вообще когда-либо). Не раз и не два слышал я про музыку этих норвежцев следующее: "э-э-э, ну, забавно, конечно, но уж очень шумно и абсолютно безалаберно... Да и насквозь вторично, к тому же". Ну, насчет вторичности материала Trollfest в целом и "Villanden" в частности будет идти речь ниже, а вот о любви этих троллей к нагромождению практически в каждой песне целого арсенала разнородных стилистических приемов следует упомянуть в первую очередь. Словно сороки, эти северные великаны тащат в свое логово все, что "блестит". В этой "берлоге" наличествует целый арсенал колючих бластбитов и бронебойных риффов, которые соседствуют с расслабляющими звуками банджо и аккордеона. Они насыщают свои релизы разухабистыми кельтскими, славянскими, цыганскими, и даже еврейскими мелодиями (очевидно, да этого не скрывает и лидер группы Jostein, что на ужин тролльему племени попадают не только ксендзы да попы, а и раввины, и друиды, и проповедники куда более экзотичных вероисповеданий). В результате всего этого Trollfest становятся похожими не только на уморительную и стебную версию и без того «задорных» Finntroll, но и на съехавших с катушек Gogol Bordello. Если что и цементирует всю наличествующую разнородную музыкальную мозаику, так это витающие надо всеми треками крепкие пивные пары. Если кому-то такое связующее звено кажется недостаточным, то лучше уж и не знакомиться с группой вовсе.

Впрочем, есть конкретно в "Villanden" еще одна деталь, точнее, существо, объединяющее все песни: утка. Да-да, альбом концептуален, и сия почтенная птица (пусть и в более чем оригинальном виде - не иначе, как появился этот образец вследствие порочной связи ее матушки с кем-то из разудалых обитателей ада) недаром помещена на его обложку. И интересует она музыкантов Trollfest отнюдь не только с точки зрения гастрономических предпочтений. Вот, например, почему у утиного кряканья нет эха? Нет, конечно, согласно научным выкладкам, да и недавним исследованиям, эхо у кряканья как раз есть - его можно просто не услышать, да и звуковые волны, отражаясь от поверхности воды, идут вверх, но какое дело до этих выкладок любознательным, но не блещущим классическим образованием троллям? А разве не вызывает уважение способность уток нырять на глубину до шести метров в поисках пищи? Да и манера этих птиц ходить вразвалочку из-за коротких и широко расставленных лап просто умиляет. Короче говоря, целая куча поводов для того, чтобы в очередной момент хмельного угара вставить звуки утиного манка в заглавную песню, да и самим немного покрякать (!) в такт. Если до четвертого трека мне просто было весело, то от такого забавного беспредела я просто сполз под кресло, держась за живот. И в дальнейшем в атмосфере дружеской попойки проглядывают почти гениальные вещи: вот, скажем, мирная застольная "Trinkenvisen", или безумная "Die Kirche und der Mache". Нет, что ни говорите, а Trollfest создают на своих альбомах беспримерно угарную атмосферу.

"Villanden", к величайшему моему сожалению, вовсе не один из тех релизов, которые с каждым прослушиванием нравятся все больше и больше. С третьим, четвертым нажатием кнопки "Play" приходит осознание того, что происходящее уже совсем не так веселит, а вот все огрехи и несуразности композиций проявляются в полной мере. Много сумбура, шума, истерики, да и просто откровенной звуковой каши, усталость от которой явно начинает перевешивать наслаждение от ярких (вне всяких сомнений, ярких!) мелодий. Нет, еще немного - и я влеплю этому альбому шесть, а то и пять баллов, как он, может быть, и заслуживает... Хотя, лучше задвину-ка я его в дальний ряд дисков на полке, да переслушаю месяцев эдак через шесть под соответствующее настроение и соответствующие крепкие напитки. Очень надеюсь, что "утиная" магия вновь сможет поразить и воодушевить меня, в противном же случае вернусь в этот раздел исправлять оценку...

Jotun  29 мар 2011

Данный "Хельхейм" был зачат в Бергене в 1992 году и, к чести его создателей, проявляет активность и поныне, имея за плечами целую россыпь весьма и весьма примечательных релизов. Сегодня речь пойдет о второй полновесной работе этих сумрачных викингов, выпущенной лейблом "Solistitium" в далеком уже 1997 году. Помнится, в свое время дебютник "Jormundgand" этого коллектива произвел весьма мощное и козырное впечатление, многим особенно запомнился невероятно верещащий, острый и отчаянный грай вокалиста, который буквально прошивал музыкальную ткань ледяными иглами. Посему, вторая пластинка ожидалась не сказать чтобы с трепетом, но с определенным предвкушением уж точно. И норвеги не подвели. С момента выхода альбома минула уже уйма времени, а он и сейчас слушается как говорится "на ура". Уже классно задуманная и исполненная вводная клавишно-струнная зарисовка дает однозначно понять, что далее следуют не хухры-мухры, а серьезный и выстраданный материал. Материал, который на поверку оказывается Материалищем с большой буквы. Да, "Хельхейм" исполняет викинг металл, но это отнюдь не та ставшая сегодня стандартом гундосая фоновая жвачка, под которую принято хлестать лагер с камрадами. Это в меру сложная, продуманная и пропущенная через опаленные страстью сердца сумрачная музыка, которая требует внимательного и серьезного к себе отношения. Знаменитый "григхалленовский" шелестящий звук с тугой серединой и с должной вызвучкой деталей сходу настраивает на нужный лад - будет атмосферно. И полотно действительно атмосферно - гудящий соленый ветер фьордов, хвойный сумрак сосновых боров и леденящая поступь инеистых великанов уверенно заполняют жизненное пространство слушателя. Музыка получилась очень образной и аутентичной, чуть ли не живописующей. Налицо так называемый "эффект присутствия". Холодный и агрессивный, скоростной и довольно звонкий металл явно черного отлива рельефно оттеняется благородными проходами с должной умеренной патетикой и с героически сдержанной, по мужски скупой мелодикой. Весьма продолжительные опусы разворачиваются основательно и весомо, с грозной неотвратимостью. Местами проникаешься ими настолько, что начинаешь поневоле верить, что этим суровым напевам действительно прорва лет, и их напевали у костров еще в косматые времена политеизма. Музыканты явно выложились по полной, показав себя при этом как одаренными композиторами, так и мастеровитыми исполнителями, играющими раскованно, незашоренно, с полной отдачей. Очень сыгранной оказала себя ритм-секция, взяв на себя функцию армированного и стройного каркасса композиций. Особенно хорош барабанщик со своими искусными сбивками, стремительными дробями да в целом весьма находчивой и насыщенной молотьбой. Классно отработал и гитарист, наваяв по северному скованные, но оттого не менее пробирающие рисунки, да при этом четко вписав их в общую сюжетную канву. Обаятелен и вокалист - его грай утратил ювенильный надрыв, но обрел при этом тестостероновую ребристость, временами густо и насыщенно перетекая в патетичный (без пафоса впрочем) тенор. Прибавьте ко всему этому лаконичные, но хуковые аранжировки, и вы получите очень и очень впечатляющий, атмосферный и запоминающийся релиз. Музыканты поступили мудро, решив обойтись без навязчивого хмельного народничества и без прилипчиво-доступных, поверхностных мотивов. Вместо этого они пропитали песни духом того, что когда-то было, при этом творили от сердца, с должной вдохновенностью и, как результат, снискали должное признание, заставив несколько потесниться признанных авторитетов северной скальдической традиции. Nord fro Angrep.

Kurgan  28 мар 2011

Описываемое норвежье трио имело в середине девяностых прописку в городе Сарпсборг и не имело ничего общего с более знаменитым черно-языческим тезкой и соплеменником из города Берген. Бергенский Helheim здравствует и поныне, а интересующий нас сегодня Helheim сарпсборгский благополучно развалился в 1996 году, оставив после себя две демо кассеты и посмертную ипишку "Fenris", выпущенную набиравшем в те годы обороты значком "Necropolis Records". Эта пластинка с весьма симпатичным Фенрисульфром на обложке и со свастикой из волчьих голов в обрамлении цитат Ницше да Вагнера в буклете прошла малозамеченной металлической прессой тех лет, а ныне и вовсе является полузабытой. А жаль - музыканты были явно не обделены талантом. Безымянное клавишное ледяное интро, и "Сила греха" взрывается вьюжной шрапнелью. Холодный и искристый черный металл Helheim очень здорово и бесшовно спаян с индастриальной эстетикой. Конечно же, на ум сразу приходят незабвенные Mysticum, исповедовавшие схожий симбиоз стилей. Эти коллективы роднят как нарочито неживое, синтетическое программирование ударных, так и крайне уместное и харизматичное использование клавишных секвенций. С первого же полновесного трэка группа демонстрирует весь свой арсенал - насильственные, но классно мелодичные гитары, взмыленный темп, отчаянный моченый грай ныне покойного вокалиста да общая головокружительно-северная атмосфера, усугубляемая толковыми клавишными делами, которые берут на себя главенствующую роль во время чисто электронных интерлюдий, вплетенных в канву каждой композиции. Получается убедительно, арсенал бьет точно в цель. Пусть темп да гитарный коленкор и несколько видоизменяются от песни к песне, но общая повествовательная фабула уверенно движется в проложенном фарватере. Это механический драйв, пронизывающий холод клавиш да напор экзальтированного черного металла. Эта пластинка видится довольно индивидуальной и с глубины сегодняшних дней, а в середине девяностых была и вовсе чуть ли не уникальной со своей неординарной трактовкой черного металла. Минувшие со дня выпуска пятнадцать лет показали, что талант и вдохновение с честью выдержали испытание временем. Бессмысленно, конечно, и самонадеянно давать какие-либо рекомендации, но, в виду того, что эта работа никогда не переиздавалась, было бы вовсе не лишним какому-нибудь профильному лейблу, скажем "Frostscald Records", поразмыслить над возможностью переиздания этого классного во всех отношениях материала.

Kurgan  28 мар 2011

Вышел! Наконец-то! С середины осени, когда было объявлено о том, что In Extremo занимаются новым альбомом, я жил ожиданием этого дня. Иногда оно отходило на второй план, но, так или иначе, постоянно согревало меня надеждой на великолепный (как и всегда у этих немцев) результат творческой деятельности. Для всех нас In Extremo – это больше чем группа, это символ, это непреходящий знак качества музыки. Наверняка, каждому есть, что вспомнить в связи с песнями этой группы: она радовала нас во времена побед и жизненных подъемов, заставляла поверить в себя и бороться в периоды неудач. Именно потому, что это не просто группа, а целый пласт нашей с вами истории, я так ждал появления "Sterneneisen". Разумеется, было очень приятно, когда в конце декабря прошлого года сообщили о том, что выход альбома, до того планировавшийся в начале апреля, сдвинут на целый месяц вперед.

Музыканты предварили появление своего нового произведения двухпесенным синглом "Zigeunerskat", появившимся за неделю до "Sternenisen". Также были опубликованы видео-ролики, рассказывающие о работе над новыми песнями и, без сомнения, подогревающие слушательский интерес.

Вообще, с момента выхода в 2008 году "Sängerkrieg" с группой произошло несколько важных и знаменательных событий: появление третьего по счету концертного DVD; смена ударника (теперь вместо Der Morgenstern у In Extremo стучит Specki T.D – Флориан Шпекард, молодой музыкант, аж на пятнадцать лет младше своего предшественника; "Sternenisen" – его дебют на альбомах группы); юбилей, грандиозно отпразднованный двухдневным фестивалем в старинном замке в Эрфурте. Возможно, все это отразится на музыке группы, как-то повлияет на нее. Ну что ж, довольно предисловий – перейдем к самому альбому!

Изображение замечательного биплана на обложке лично мне навевает мысли о путешествии и приключениях; надеюсь, что эта ассоциация найдет свое отражение на альбоме. Кстати, перед выходом "Sterneneisen" группа провела фотосессию в костюмах времен первых аэропланов и братьев Райт. Поэтому, надо полагать, тема покорителей пятого океана и воздушных путешествий действительно будет представлена на диске.

Открывает альбом звучавшая еще на сингле "Zigeunerskat". Эта песня начинается с партии барабанов, как бы подчеркивая появление нового ударника. Такой же прием (начало композиций с ударных) мы встретим еще несколько раз на альбоме. Надо признать, что работа Specki T.D оставляет очень приятное впечатление. Чувствуется рука настоящего профессионала. По мнению некоторых слушателей, он привнес утяжеление звучания в альбом. Мне кажется, это не так.

"Sternenisen" звучит не тяжелей, чем его предшественник – "Sängerkrieg". По сравнению же с более ранними работами группы ("Mein rasend Herz" или "Sunder ohne Zugel") этот альбом вообще помягче. По крайней мере, на мой взгляд. Нет таких грузных, железобетонных, будто вырубленных топором гитарных риффов как, например, в "Krummavísur", "Poc Vecem" или "Mein rasend Herz". Боевики менее жесткие, более скоростные, иногда со вставками инструментальных проигрышей. Среди баллад (деление на «боевики» и «баллады» для In Extremo весьма условно, слишком оригинальная музыка) присутствуют как средневековые композиции, в частности, "Zauberspruch No. VII", так и песни с более современным звучанием, например, "Siehst du das Licht".

Оценивая новую работу Айнхорна и компании, можно провести немало параллелей с их альбомом 2008 года. Помимо сходного уровня тяжести звука необходимо отметить подобное композиционное построение альбомов: примерно одинаковое количество песен, похожесть ощущений, рождаемых ими. Ну и какое-то неуловимое, эфемерное и призрачное сходство чувствуется даже на подсознательном уровне. Тем не менее, "Sängerkrieg" в свое время я слушал, пожалуй, с большим удовольствием. Но причиной этому вовсе не слабость материала на "Sterneneisen", а банальные внешние факторы. К сожалению, очень тяжело абстрагироваться от них при составлении своего мнения о музыке.

Читая о параллелях между последними работами нашей любимой группы, вы могли подумать, что я пеняю на однообразие музыки, но - спешу отринуть такое абсурдное предположение - это не так. Каждая песня самобытна, оригинальна и легко узнаваема. Композиции, самодостаточные сами по себе, вместе создают еще более прекрасное полотно. Несмотря на то, что искусственных переходов от одного трека к другому нет, создается впечатление, будто они перетекают друг в друга, органично продолжая альбом.
Оценка качества записи в последнее время превращается в сущую формальность. На самом деле: XXI век на дворе, давно прошли времена, когда музыкантом приходилось записывать вокал, сидя на коленях в ванной. Вот и на этом диске все отлично звучит и слышится, несмотря на обилие инструментов. Особенно мне понравилась доносящаяся будто откуда-то издали партия женского бэк-вокала в композиции "Zauberspruch No. VII".

Лирика альбома весьма разнообразна: наряду с традиционными для In Extremo средневековыми мотивами ("Zauberspruch No. VII" - древнее эстонское заклинание против зависти и недоброжелательства), темами свободы ("Zigeunerskat", в чем-то перекликающаяся с "Frei zu Sein" с предыдущего альбомом немцев), призвания музыкантов (заглавная "Sterneneisen"), любви ("Ich vermiss dich" и "Unsichtbar"), встречаются также философские песни ("Siehst du das Licht") и эдакие песни-притчи ("Gold"). Центральным образом, появляющимся в нескольких песнях, является звезда. Она символизирует и стремление к добру - в композиции "Siehst du das Licht", и саму группу - в "Sterneneisen". Вопреки моим ожиданиям, летательные аппараты на этом диске отсутствуют. Единственное место на альбоме, где обложку можно как-то связать с конкретным отрывком текста – в песне "Sterneneisen", поскольку текст посвящен жизни бродячих музыкантов, а самолет походит на повозку этих самых менестрелей, только воздушную. Взгляните на биплан с обложки: вряд ли Красному Барону понадобятся бочонок пива, подзорная труба и флаг с семиконечной (по количеству музыкантов) звездой, так что этот самолет определенно символизирует жизнь группы.

Теперь, чтобы составить окончательное мнение об этом альбоме, давайте вернемся на пару лет назад, к моменту выхода "Sängerkrieg". Тогда многие поклонники критиковали группу за уменьшение песен со средневековой и фолковой окраской. Медивал-элементов не стало больше и на этой пластинке. Напомню, на "Sängerkrieg" была одна композиция, звучавшая стопроцентно средневеково – акустическая "Requiem". На "Sterneneisen" таких песен нет совсем. На мой взгляд, это не такой большой недостаток. Творчество In Extremo образца 2011 мне тоже вполне нравится, и я не вижу смыслу увеличивать долю волынок и прочих цистр на следующих работах группы. Ну, разве что немного.

Чуть-чуть расстроил меня другой момент. На альбоме нет абсолютных хитов уровня, например, "Liam". Нет песен, с первых аккордов которых вихрь музыки захватывал бы слушателя и уносил его душу вдаль. Альбом хорош, песни одинаково хороши, но так хочется шедевра!

Тем не менее, попытаюсь выделить наиболее понравившиеся мне композиции. Это "Siehst du das Licht" и, пожалуй, "Schau zum Mond", под вступление которой так и представляешь себе огненный диск солнца, погружающийся на закате в воды бескрайнего озера. Но, пожалуй, эта оценка песен не окончательна, ведь по мере следующих прослушиваний мое ухо будет улавливать новые аспекты музыки.

Резюмируя вышесказанное – альбом удался. Это красивая, интересная, самобытная музыка, объединённая в одно монолитное творение. "Sterneneisen", я уверен, займет достойное место в дискографии наших любимых немцев. Будем ждать их новых работ. Хотелось бы, чтобы новый альбом вышел более радостным, более летним. Чтобы собравшись в прекрасную погоду на природе, мы могли бы насладиться, может быть, более веселой и раздолбайской пластинкой In Extremo. Этот же, такой необходимый нам в конце зимы альбом получает от меня заслуженные 9/10.

Man0waR  28 мар 2011

"Relentless Reckless Forever" - это настолько посредственный альбом, что даже как-то стыдно за Лайхо и компанию, обещавших в каждом интервью чуть ли не лучшую работу за всю историю группы. Но обещания обещаниями, а на деле все оказалось намного грустнее. "Дети Бодома", кажется, переживают настоящий кризис, потому что начиная с "Are You Dead Yet?", их не перестают упрекать во вторичности материала, отхода от своего классического звучания и бессмысленных экспериментов. Вот уже два альбома подряд попадают мимо цели, и вся надежда была на реабилитацию на новой пластинке. Увы и ах, этого не произошло.

Открывающий альбом трек, "Not My Funeral", совершенно ничем не удивляет. Да, там есть крепкий, цепляющий рифф, но на этом все заканчивается. Сквозь шум из гитар, синтезатора и ударных Лайхо рычит какую-то очередную ерунду (см.название песни!), и все это не производит ровным счетом никакого впечатления. Последующие треки - от "Shovel Knockout" до "Cry of the Nihilist" - это такая одна затянутая композиция, вызывающая зевоту и больше ничего. Местами там можно за что-то ухватиться, но уже через секунду ты вновь падаешь в пучину непонятного и скучного шума. "Was It Worth It" неожиданно пробуждает у слушателя интерес, опять-таки, благодаря неплохому, бодрому риффу, но впоследствии и здесь возникает вопрос: что это было? Грустно, товарищи, грустно!

После всего, что произошло между мной и этим альбомом, я вдруг начинаю понимать, что есть у "Relentless Reckless Forever" один неоспоримый плюс: послушав этот альбом, начинаешь ценить предыдущие "недооцененные" работы группы, которые до этого были обруганы (даже мной). Оказывается, треки из "Are You Dead Yet" и "Blooddrunk" намного более качественные и запоминающиеся, чем здесь. В них даже есть своя изюминка. Но, вместе с тем, приходит и ощущение того, что с выходом нового диска Children of Bodom окончательно сдулись, и им больше нечего предложить своим фанатам. И вот это по-настоящему страшно...

Artur Schadrin  28 мар 2011

Дебют Андрея Аркадича на «тяжёлой» сцене. Признаюсь, когда первый раз слушал этот альбом, он оказался не таким уж страшным, каким я ожидал его услышать. Но, в принципе, особо восхищаться здесь тоже нечем. Этот состав не может похвалиться мастерством тех, кто скоро придет им на смену, впрочем, здесь ещё и нет таких скоростных и тяжелых песен, как в следующих альбомах. Про стиль альбома сказано уже неоднократно – размеренный такой, не очень торопливый хард-н-хэви, причем весьма тривиальный. Про многочисленные заимствования также замечено выше, а куда тут без них? Ограниченность вокальной линии ведет к однообразности аранжировок, как было тут замечено, «к девятой песне появляется чувство того, что слушаешь одну очень длинную мелодию, которая то ускоряется, то замедляется». Плюс ко всему, Андрей Ковалёв тут ещё не полностью отошел от того стиля, в котором сочинял и пел песни до Пилигрима, и как результат – на этом альбоме проскальзывают близкие к эстраде минорные лирично-напевные моменты. Кое-что больше напоминает тяжёлую попсу.

Стоит ли удивляться, что именно две лиричные баллады стали лучшими песнями на диске - романтический «Пилигрим» и грустная «На Небесах» оставляют очень приятное впечатление. Последняя как раз наиболее близка к сольному стилю Андрея Аркадича, в плане не очень характерной для тяжелых жанров драматичной текстовой зарисовки на бытовую тему – такое чаще встречается в авторской песне, шансоне, и прочих похожих жанрах. Отдельное спасибо гитаристу за пронзительное соло, оно словно рвется вверх, вслед за этими душами погибших.

Но вот чем дальше Пилигрим отходит от этой лиричности, тем слабее становятся песни. Та же «Трудно Быть Богом» радует именно какой-никакой мелодичностью, даже в голосе Ковалёва (о чудо!) слышны нотки печали, видимо, очень уж музыкантам книжка понравилась. «Не Демон Не Ангел» запоминается по той же причине, хотя к концу диска откровенно достают припевы из повторяющегося многократно названия песни.

Вот и всё. Остальные песни вызывают куда меньше положительных эмоций. Недоработанные «Крылья Гнева»… Ведь явно хотели сделать забойный хард с рок-н-рольным духом, вот и мотив соответствующий, и классическое клавишное соло после гитарного. Но скомкано как-то вышло, увы… «На Линии Огня» почему-то напомнила более ожесточенную версию «Не демон...» начисто лишенную мелодичных моментов. Ну, местами качает неплохо, это да. «Индустриальная троица» в середине – «Проклятая Любовь» оказалась той самой тяжелой попсой; «Хищники» и «Поздно» как два брата-близнеца - ударные такие раскачивающие боевики, но не более. В тексты тут лучше вообще не лезть – жуть. «Поздно», кстати, взята из сборника стихотворений поэта Андрея Ковалева (да и не только она). Это к вопросу о том, сильно ли стихотворное творчество мэтра отличается от текстов его группы. «Если Ты» и «Сиротинушка» - тот же тяжпоп, только не такой вязко-индустриальный, а наоборот, более резвый, да ещё и с уклоном в фолк.

Что до патриотических песен, то, если закрывающая альбом «Русь Святая» показалась более менее искренней и в меру лиричной, то та самая открывающая «Слава России!» - это скорее что-то в духе предвыборной агитации очередной партии «такая-то Россия»… увы, в плане подъёма чувства патриотизма такие песни как раз-таки ни действуют никак. Ну, разве что, веселят избирателей.

Такой вот вышел первый блин. Видимо, крайне недовольный его звучанием (а как раз с момента выхода альбома на Ковалева и посыпались все шишки, да и сыплются по сей день), Мэтр вновь обновил состав...

Кстати, бонусом к альбому идёт баллада «Дом». Красивая вещь с необычным и трогательным мотивом, переборы струн на электрической гитаре, как на акустике, придают звуку гранджеподобную вязкость. На фоне большинства песен альбома она кажется лучом света сами помните где. В чём секрет? Просто автор – не Ковалёв.

ex-Sentinel  28 мар 2011

"British Steel" - шестой альбом британской рок-группы Judas Priest, выпущенный лейблом Columbia Records 14 апреля 1980-го года. Состав вновь поменялся за счет барабанщика: вместо Леса Бинкса (Les Binks) за ударные сел Дэйв Холланд (Dave Holland), ранее стучавший в Trapeze.Также пришел новый продюсер - Том Аллом (Tom Allom), известный по работе звукоинженером Black Sabbath и продюсером Strawbs, и успевший уже поработать с группой над лайвом "Unleashed in the East" (1979). Запись проходила в поместье Tittenhurst Park - прямо в доме, принадлежащем Ринго Старру (Ringo Starr) - в течение всего февраля 1980-го года.

Альбом встречает нас не только истинно стальным названием, о котором впоследствии Скотт Йен (Scott Ian) из Anthrax скажет: "Even the title... how does it get more metal than that?", но и впечатляющей цельнометаллической обложкой (бритвенное лезвие с логотипом группы, которое крепко держит чья-то ладонь, а чуть ниже виден кожаный напульсник с заклепками), передающей основные черты содержимого: лаконичность, бескомпромиссность, стильность и мощь - "British Steel" в полной мере унаследовал качества своего "предка" "Killing Machine".

С предыдущей работой "Британскую сталь" роднит и манера пения Роба Хэлфорда (Rob Halford) - довольно низко и крайне напористо, с редкими заходами в "ультразвук". Зато по-другому зазвучали партии ударных: Холланд больше полагается на грубую силу, в отличие от Бинкса, и в связи с этим ритм-секция стала еще более монолитной и мощной. Стоит отметить интересные звуковые эффекты: на "Metal Gods", например, гремят посудой и бьют кнутом. Саунд стал жестче и тяжелее и отнюдь не теряется на фоне стартовавшей в то время Новой Волны Британского Хэви-Метала (New Wave of British Heavy Metal).

Удар - и альбом открывает короткая (менее 3 минут) и стремительная "Breaking the Law" c простым и цепляющим риффом, переходящая в просто-таки ураганную "Rapid Fire": ритм-секция как с цепи сорвалась, в куплетах Хэлфорда сменяет суровый рифф, в середине песни - скоростные соло, а под конец Роб радует вокальным "взлетом". Далее идет среднетемповый гимн "Metal Gods" с отличным басом, двумя риффующими гитарами и пронзительным соло, становящаяся все более и более мощной в конце. Двухгитарным цепким риффом нас встречает ритмичный боевик "Grinder", где нас снова радуют короткими соло-пробежками. "United" - среднетемповый гимн, перекликающийся в чем-то с "Take on the World" с предыдущего альбома, "Living after Midnight" - ударная и развеселая песня, не уступающая в зажигательности лучшим произведениям Slade или Aerosmith. В "You Don't Have to Be Old to Be Wise" и "The Rage" мы наконец-то услышим гитарные переклички, а вторая еще и начинается с короткого бас-соло и малость напоминает регги. Завершает альбом "Steeler" - довольно необычная песня со специфичной гитарной игрой, идущей вразрез с тем, что мы слышали на альбоме.

"British Steel" - одна из важнейших работ в жанре хэви-метал, которую стоит послушать каждому. Альбом не стареет, недаром его высоко оценили, например, Фил Ансельмо и Микаэль Окерфельдт - люди уже не НВБХМ-поколения.

Гончий  27 мар 2011

Звучание Cocteau Twins трудно спутать с кем-либо. Узнаваемый стиль Робина Гатри и неповторимый голос Элизабет Фрейзер - отличительные черты группы, создавшей такой жанр как дрим-поп. Но свой уникальный стиль эти безумные шотландцы нашли немного позже, дебютник же вызывает много разных ассоциаций - где-то проскальзывают нотки Joy Division (хотя у какой группы начала восьмидесятых, играющей в подобном и смежных стилях, их нет?), в какие-то моменты ждешь вокала Роберта Смита, настолько порой музыка напоминает ранних The Cure, но в первую очередь на ум приходят первые работы Dead Can Dance - соратников Cocteau Twins по лейблу 4AD. При всей непохожести есть что-то неуловимо похожее в двух Лизах - Джерард и Фрейзер.

В целом альбом выдержан в мрачных и холодных тонах. Открывающая "Blood Bitch" - тревожные партии гитары, однообразие драм-машины, надрывный голос Лизы Фрейзер - сразу демонстрирует, чего ждать от альбома. "Wax and Wane" выдержана в аналогичном стиле - вообще, первые четыре песни, хоть и являются довольно интересными, воспринимаются, скорее, как одно целое, разве что "But I'm Not" запоминается чуть лучше остальных. Но следующие за "Blind Dumb Deaf" три песни по-настоящему интересны и, насколько это применимо к Cocteau Twins, хитовы.

"Shallow Then Halo" с завораживающе-непонятным (впрочем, как и всегда) текстом Лизы - настоящий шедевр! Под стать ей и следующая "The Hollow Men" - это две самые мрачные песни альбома. Завершает эту "великолепную тройку" заглавная "Garlands" - пожалуй, самая хитовая вещь альбома. Закрывает альбом "Grail Overfloweth" - неплохая вещица, не более того.

Зачастую дебютные альбомы хочется рассматривать как некую "пробу пера" и, соответственно, немного необъективно подходить к их оценке. "Garlands", откровенно говоря, не дотягивает до лучших альбомов группы - но сам по себе он очень и очень хорош. И дело не только и не столько в нескольких по-настоящему сильных песнях - при том, что по сравнению с "яркими" последующими альбомами Cocteau Twins дебютник смотрится несколько блекло, но только на "Garlands" есть мрачная пост-панковая атмосфера, утерянная в последующих безумных и прекрасных "трансформациях" стиля.

-langsyar-  27 мар 2011

Наверное, не будет преувеличением сказать, что "Darkly, Darkly, Venus Aversa" является в какой-то степени возрождением знаменитых Cradle of Filth. Ведь после череды не слишком удачных альбомов, казалось бы, уже нечего ждать от группы, которую "колбасит" то в сторону готического метала, а то и в откровенную попсу. Альбом 2008 года, "Godspeed on the Devil's Thunder", слегка поправил положение, частично вернув нам тех самых "крейдлов", которых мы любим. Оставалось только дождаться того момента, когда англичане окончательно возьмутся за ум и предложат материал, равносильный их раннему, классическому творчеству. И вот вам, пожалуйста: "Darkly, Darkly, Venus Aversa", не являясь, по сути, очередным шедевром группы (после "Midian" 2000 года), умудряется завоевать наше сердце уже с первой композиции, "The Cult of Venus Aversa". Начинаясь с таинственно-мелодичного вступления, сопровождаемого женским голосом, бормочущим "Я - Лилит"... и так далее, эта композиция не заставляет вас долго ждать "взрыва" в виде жесткого синтезаторно-гитарного риффа, барабанной долбежки и фирменного визга Дэни Филта. Кажется, здесь все на своих местах. На протяжении практически всего альбома можно найти великолепные, цепляющие моменты, напоминающие о старых временах, когда таковых моментов было в разы больше. Но тут есть свои жемчужины. За исключением "открывашки", чувство чуть ли не сексуального удовлетворения способны вызвать "The Nun with the Astral Habit", "The Persecution Song" и "Deceiving Eyes". А божественная "Lilith Immaculate", в которой идеально абсолютно все, начиная с торжественно-цепляющего риффа и заканчивая женским вокалом? Да, эта песня что-то вроде вашего оргазма, и после него остается только расслабиться. К сожалению, на этом все лучшее, что есть на этом диске, заканчивается. Завершающие альбом треки, а в особенности "Forgive Me Father (I Have Sinned)", неожиданно наводят тоску. В них, ей-Богу, есть что-то от не слишком удачных "Nymphetamine" и "Thornography", а в указанной мной песне "пахнет" чуть-ли не поп-роком для MTV.

Увы, но творческой потенции группы хватило не на весь альбом. Но того, что есть в нем замечательного, вполне достаточно для того, чтобы не списывать "крейдлов" со счетов. Понятно, что золотые деньки уже позади и так далее, но "Darkly, Darkly, Venus Aversa" хотя бы частично да позволяет нам вспомнить настоящих Cradle of Filth, тех самых, которые когда-то наводили шороху своими по настоящему жуткими творениями. Боже мой, сколько же времени прошло, а?

Artur Schadrin  27 мар 2011

До некоторых пор проект Hagl таился в тени, по причине занятости стержня группы, Сварма, в иных, добившихся большей на тот момент известности, актах. Несмотря на то, что в голове Сварма Hagl уже имел неплохую для андерграундного обитателя дискографию, обычному слушателю была доступна лишь скудная часть свармовых творений. И вот, освободившись от побочной музыкальной деятельности, Сварм достаточно быстро достиг взаимопонимания с лейблом Casus Belli Musica, после чего, в перерывах от неожиданно активной концертной жизни принялся потрошить собственные закрома, и пробой стал диск „Nearer to Victory”, ценность которого оказалась лишь архивной. Вслед за запасами две тысячи пятого года, последовало извлечение из кладовых заложенного туда в две тысячи восьмом тюка с надписью „Irminsul”, который оказался более сохранным и интересным в содержимом.

Как оказалось, три года разницы могут серьёзно повлиять на все альбомные аспекты: батьке-Сатане Hagl более не салютуют, перейдя к ариогностической патетике; музыкально же тверичи отодвинулись от девяностнической схемы блэк-металла, не давая более поводов проводить аналогии между собой и Darkthrone. Да и от самих себя Hagl сепарировались, так что искать сходства между „Irminsul” и его предшественником — тратить время втуне, хотя некоторые особо выдающиеся моменты отметить следует. Запись, хоть и сохранила подпольную сырь, стала рельефной, яркой, позволяя различить каждый инструмент и мускулистые гитарные риффы в особенности, — материал, представленный на „Irminsul”, требует характеризовать его трэш/блэком с незначительным влиянием дэта старой школы, а потому именно риффы образуют костяк альбома, оставив тремоло лишь в качестве редкого мелодиеобразующего фактора. Вокал также прибавил в читаемости и, в целом, повторяет работу Сварма на молотховой „Непоколебимой вере”: всё тот же хриплый выкрик, позволяющий разобрать лирику без обращения к вспомогательным пособиям, что скорее плюс, в связи с выросшей адекватностью текстов.

„Irminsul” оставляет ощущение, что в отличие от предыдущей работы, Сварм не просто решил издать давно задуманный материал, но и значительно поработал над его целостностью и актуальностью. Теперь техническое несовершенство альбома смотрится эдаким шармом напоказ: дескать, мы знаем, что гитары звучат ершисто и отнюдь не гладко, ну так вы ещё и без модного ухода в фейд на концах песен перебьётесь — хвосты обрубаются резко, как топором. И вот уже подобные огрехи, включая очаровательно запинающуюся бочку в нескольких песнях, начинают играть на атмосферу, когда мелкое раздолбайство оттеняют технично выполненные соло и гитарные интермедии, густо раскиданные по ирминсульным просторам. Винтаж для любителей поностальгировать о временах, когда отечественные блэк-группы ещё не отполировали свой звук до состояния лица Софии Ротару после -дцатой подтяжки, но не заставляя забредать в памяти к тем дремучим полянам, где идея превалировала над музыкой. Да и, говоря о цельности, следует отметить, что „Iriminsul” ощущается именно альбомом, а не замшелой демо-записью, где соединились песни, чьё вынужденное соседство вызвано потребностью набрать материала на оговорённый хронометраж. Здесь же (если не брать в расчёт наличие торчащей бельмом на глазу „Cults of the Ancient Ones”, что значительно выделяется своей англоязычностью, а также откровенно глупым текстом) такого впечатления не возникает. Так или иначе, причина интересоваться, что же ещё отыщется в свармовых чуланах, имеется, а вот будет ли найденное, если можно так выразиться, издато подобно „Irminsul” — зависит от самого творца и его желания публиковать свои находки и далее. (Промо предоставлено Casus Belli Musica)

Arseniy  26 мар 2011

И вот он, наконец-то, выпущен и благополучно добрался до меня, с интересом ожидавшийся последователь «Killing Peace». Обкатав программу предыдущего года альбома (а с 2008-го или 2009-го с новым гитаристом), Onslaught, видимо, трезво оценили свои концертные успехи и выдали новый альбом примерно в том же духе. Эксперименты после относительно успешного воскрешения банды ни к чему, а может быть, эти суровые британские дядьки просто решили не заморачиваться, если молодая, равно как и старая публика хавает новый Onslaught только так, да ещё и добавки просит. В общем, «Sounds of Violence» продолжает вываливать на публику тот же высококачественный модерновый, состоящий из довольно простых, но цепких риффов и не особо хитрых структур, грув-трэш, который можно услышать у поздних Exodus и Slayer. Тематически новый альбом — это тот же микс из сатанизма и милитаризма, знакомый нам уже по «Killing Peace». Новый гитарист Энди Россер-Дэвис добавляет перца своими соло, да Сай разбавляет время от времени своё остервенелое визжание грозным рыком. Расхваливать песни по-отдельности большого смысла нет, в каждой есть что-то своё, интересное (насколько можно считать интересным это высококачественное повторение текстовых и музыкальных клише — вопрос отдельный). Открывается и закрывается альбом штурмовыми номерами «Born for War» и «Suicideology», лично я проблем с этим не имею, но имею таковые с до ужаса предсказуемыми intro и outro.
В общем, чрезвычайно зажигательное и бодрящее повторение пройденного, хотя пройденного и не самой бандой. А это уже сугубо личный вопрос придирчивости - придётся ли новое творение ветеранов по вкусу. Трэш современной марки, который можно вполне рекомендовать, несмотря на некоторые слабые места и определённую предсказуемость.

Inner-Self  26 мар 2011

Залихватский и совершенно больной на голову грайнд из Чехии. Жирный, с ощутимой death-составляющей, хрюкающий, глумливо крякающий и сыто порыгивающий — по большому счёту то, чего стоило бы ожидать, к примеру, от таких заслуженных деятелей бескультурья как Carnal Diafragma. Кстати, да, астрономический мотив на обложке действительно напоминает. Да и содержимое примерно такое же. Но — с таким вкусным бонусом как различные фольклорные прибамбасы типа духовых инструментов, всяческих свистелок и виолончели, которые значительно разнообразят это анти-музыкальное месиво и придают ему ещё больший заряд молодцеватости и безбашенности.

Компашка, называющая себя Spineless Fuckers существует, кажется, относительно недолгое время, и горизонтов, на самом деле, не раздвинула, но нещадно бодрит и вдохновляет. Посему — советую всем, кто временами способен сойти с накатанной и полной уже не смешных клише дороги gore grind'a.

Inner-Self  26 мар 2011

Конец 80-х годов! Зарождение немецкого спид-пауэра! Не знаю, как у вас, но для меня это самый важный период в музыке, ведь кто же сейчас не знает о Helloween, Gamma Ray, Blind Guardian? Все эти группы внесли свои новшества в жанр, и умалять их значение мало кто осмелится.

У каждой группы дебют получается разный. Некоторые идут по правилу "первый блин комом", другие вообще выпускают свой лучший альбом в истории, а кто-то делает что-то среднее между этими двумя. У Blind Guardian дебют получился неплохим. "Battalions Of Fear" - альбом, в котором все-таки припряталась жемчужина, которая выделяется на фоне других - это "Majesty". Но вообще, на мой взгляд, не всем песням уделили должное внимание. "Guardian of the Blind", "Run for the Night", "Battalions of Fear", "Wizard's Crown" (ранее "Halloween") - из этих песен очень сложно выбрать какую-нибудь самую-самую. Эти песни полны драйва, того, который уже больше нигде нельзя увидеть, только на дебютниках. Если посмотреть на "Tales of the Twilight World" или "Somewhere Far Beyond", то песни там все же зажигательные, но все равно чего-то не хватает... Или взять Helloween с их "Walls of Jericho" и сравнить с их последующими работами, то та же ситуация - что-то не то. Вообще, если вдруг у вас внутри появилось столько энергии, что можно идти спасать мир, попробуйте послушать что-нибудь отсюда, вот тогда-то вся прелесть сей работы и будет видна. Ну и забыли про инструменталы. Тут их сразу три. Инструменталы получились довольно-таки неплохими, но ничего сверхъестественного, все-таки главная ценность альбома не в них.

Вывод: для людей, не знакомых с творчеством Blind Guardian или спид-пауэром вообще, не рекомендуется.

ein schwein  26 мар 2011

В 80-е годы глэм был в самом расцвете сил, тогда еще слушать Motley Crue, Twisted Sister, ну или как в нашем случае Kiss, было далеко не в диковинку. Все вышеперечисленные группы задавали тон всему глэм-движению. В 90-е годы эти группы поделятся своим местом со Skid Row и Poison, но толку от этого не будет никакого, всепоглощающая волна гранжа сметет на своем пути их всех.

Но вернемся от гранжевых 90-х к глэмовым 80-м. А конкретнее, к альбому Kiss "Asylum". Уволив капризного Винни Винсента ("Lick It Up"), Kiss наняли другого гитариста, Марка Ст. Джона ("Animalize"), которого они тоже выгнали и решили взять к себе гитариста Брюса Кулика, которого они все-таки не уволили. Если сравнить "Asylum" с "Animalize" или "Lick It Up", то можно заметить, что звучание стало более агрессивным, но немного приглушенным, в итоге получаем "золотую середину" между "Lick It Up", где звучание гитар и вокала было уж чересчур заглушено, и "Animalize", где звук был гладким и прилизанным (ковер на обложке не просто так изображен). А если сравнить "Asylum" с двумя предыдущими работами Kiss по качеству материала, то тут альбом делает резкий скачок вперед. Ни одной проходной композиции здесь вы не найдете. Главный хит альбома, "Uh! All Night" - песня, которую можно охарактеризовать, как "грязную", как по звучанию, так и по содержанию. Также стоит отметить композиции "King of the Mountain", "Any Way You Slice It", "I'm Alive" и "Tears Are Falling" - песни, которые тоже могут претендовать на звание хита. Остальные же треки тоже не стоит игнорировать, как я уже говорил, проходного материала здесь вы не найдете.

"Asylum" - один из альбомов Kiss глэм-металлического периода, который наряду с "Crazy Nights", "Revenge" и "Psycho Circus" делает имя Kiss, как одной из групп глэм-метала, на которой и держится жанр.

ein schwein  26 мар 2011

Подняться на высокую гору, встать на край бесконечно глубокой пропасти, раскинуть руки в стороны и запеть. Запеть! Во весь голос, во весь дух, не щадя себя, до хрипоты, до шума в ушах, не прекращать, пока бежит по жилам горячая кровь и стучит в груди непокорное сердце. Но даже там, среди бескрайних просторов, будет тесно этой песне, ведь каждая пропасть имеет дно, но нет ни дна, ни края у распахнутой души.

И петь обязательно нужно на родном языке. Как бы ни были прекрасны песни чужих краёв, как бы тщательно не был изучен чужой язык, ничто не заменит той неповторимой мелодики, того внутреннего огня, который может раскрыться только в устах истинного сына своего народа. Как жаль, что следуя моде и стремясь расширить число своих слушателей, многие поют по-английски и не понимают, от какого сокровища отказываются.

Ведь что делают Cuatro Gatos? Подумаешь, мелодичный heavy metal с элементами power и обилием клавишных. Что в этом особенного, чем бы они отличались от сотен прочих? Ответ прост. Родной язык. Испанский. Произнесите это ещё раз – «испанский!». Уже в самом этом слове кроется удивительная мощь. Восхитительный, исполненный чарующей красоты и иступленной страсти мужской вокал и мелодии, в которые позволяют всему этому чуду раскрыться и показать себя. Вот и всё.

Фух. Теперь можно перевести дух и постараться проявить объективность. Это сложно, испанцы постарались на славу. Впрочем, один недостаток очевиден – сладенький женский голосок очень неуместно звучит на фоне описанного выше эпического великолепия. Про музыку – как я уже сказал, heavy power, тяжести ровно столько, чтобы поддержать эмоциональное напряжение, но не более. Гитарные и клавишные соло, в меру сложные. Очень качественная запись.

P.S. Cuatro Gatos – Четыре Кошки??? Интересно, что это значит?

Chaplain Godefroy  25 мар 2011

Современная Америка — родина дэткора, одного из популярных и агрессивных направлений на тяжелой сцене. Неудивительно, что последнее время на прилавках магазинов лежат не “ножки Буша”, а диски команд, играющих в таком стиле.

Представляем вашему вниманию новый альбом от американской прогрессив-дэткор группы Born of Osiris.Музыканты выпустили новую пластинку под названием “The Discovery”. Как и в прошлый раз, название альбома носит философский характер и отлично запоминается.

Обложка «The Discovery» - это качественная графическая работа с глубоким смыслом: тема созвездия, знаков зодиака, образ человека внутри атома — всё это заставляет задуматься о смысловой нагрузке альбома.

У большинства вокалистов в направлении “дэткор” существует одна общая “болезнь”: в крике исполняющего практически невозможно разобрать слова. Но, похоже, у Born of Osiris есть “таблетка” от неё. Вокалист группы — Ронни Кэнизаро неплохо постарался на записи альбома, слова прекрасно распознаются и различаются друг от друга.

Музыка находится на высшем уровне, она не только технична, но и интересна. По ходу прослушивания альбома я часто задавал себе вопрос: “Как такое можно было придумать?”. Видно, что музыканты использовали возможности инструментов на “полную катушку”. Но самой главной фишкой являются электронные сэмплы, которые не только отлично дополняют каждую песню, но и делают её индивидуальной. Группа соединила несовместимое в одно целое, это очень смелый и успешный эксперимент.

Первый трек под названием «Follow the Signs»приятно удивляет и будоражит сознание: техничные гитарные партии, сильный вокал и энергичные барабаны, а главное электронные сэмплы! Без сомнений, этот трек можно назвать визитной карточкой альбома. Наверное, группа хотела удивить слушателей не только качеством исполнения своих композиций, но еще кое-чем другим, и ей это удалось.

Песня «A Solution» — это спокойная электронная композиция с чистым вокалом. Услышать такое от группы, которая позиционирует себя как «прогрессив-дэткор» удаётся не каждый день.

Несмотря на все плюсы нового альбома, в нём есть минус: он быстро надоедает, а необычные приёмы игры на инструментах повторяются и перестают удивлять.Так что коллективу ещё есть, куда стремиться.

Matt  25 мар 2011