Исторически Détente является предшественником более маститого коллектива Fear of God, начало которому положила Дон Кросби, уйдя из команды в 1989-м. Хотя дискография Détente насчитывает всего один полноформатный альбом, период существования этой формации отнюдь не был коротким. За шесть лет деятельности коллектив, кроме альбома, вышедшего на тогда уже влиятельном лейбле Metal Blade Records, издал своими силами значительное число демо-лент, из которых сейчас официально переиздана только одна. Знакомясь с дошедшим до нас материалом, невозможно предположить, что выходцы из этой же группы запишут в 1991-м мрачный и степенный «Within the Veil». Détente были характерной «командой 80-х» и в столь рисковые эксперименты не ввязывались. Оставаясь в тени более плодовитых Metal Church и Anthrax, они, тем не менее, сочинили speed-металлический материал, исполненный и записанный на высшем уровне, ни в чем не уступающий дебютным работам перечисленных грандов. По-моему, «Recognize No Authority» и вовсе является одной из лучших записей этого стиля, соперничая не только с общеизвестной классикой, но и с такими сейчас забытыми бойцами speed-металл передовой, как бельгийский Acid или немецкий Living Death. Можно предположить, почему Détente не достигли большего: к моменту выхода их альбома в фаворитах были уже thrash-команды (влияния которых, кстати, не избежала и данная работа). Сходящих с большой арены коллективов вроде Détente, уже не отвечавших веяниям времени, было слишком много. К тому же ни Кросби, ни басист с гитаристом, перу которых принадлежит большая часть музыки, не были сторонниками легкоусвояемого головотрясного материала. Несомненно, эта самая «головотрясность» у Détente присутствует в избытке, однако сочетается с продуманной музыкальной частью и отчаянным, тяжелым настроением. Примерно так, только в более сумбурном и эмоциональном ключе (делаем поправку на год появления на свет) мог бы звучать Holy Mosses’овский techno thrash периода «The New Machine of Liechtenstein». Будь альбом чуть длиннее, он утомлял бы постоянной напряженностью и нервозностью материала, но и за 35 минут успеваешь почувствовать некоторый «перегруз». Это, пожалуй, единственный недостаток, который не позволяет поставить «Recognize No Authority» высший был. Голос Кросби чаще всего мало отличается от высокого пения вокалистов-мужчин, типичного для такой музыки, но местами в нем уже угадываются депрессивные нотки, в будущем знакомые по альбомам Fear of God. Détente не лишен характерной для стиля сырости и «придурковатости», но поклонникам умеренно техничной музыки, да и просто любителям металла 80-х эта группа, я уверен, должна прийтись по душе.

Glop  25 мар 2011

Alter Bridge таки приблизились к тому, что можно назвать их "звездным часом". "AB III", третий, как понятно из названия, альбом знаменитой пост-гранжевой группы с голосистым Майлзом Кеннеди во главе, является на данный момент вершиной творчества группы, той работой, с которой придется сравнивать все последующие.

Вообще, "AB III" звучит отнюдь не как обычный пост-гранж в духе каких-нибудь Nickelback. Здесь вполне металлические риффы соседствуют с не менее металлической ритм-секцией, и все это создает ощущение, что группа решила "пострелять" как следует. И если открывающая композиция альбома, "Slip to the Void", не предвещает особо беды, то уже сингл "Isolation" без зазрения совести взрывается оглушительным, напористым риффом и пронзительным вокалом Майлза. Мелодичные баллады, конечно же, никто не отменял, так что не думайте, что Alter Bridge - это однообразная рифф-молотиловка. Прекрасная, чарующая "Wonderful Life" способна залечить ваши раны, полученные "в бою", и спокойно расслабиться, но лишь для того, чтобы потом встретиться с очередным боевиком - "I Know It Hurts". Таково построение данного диска: передышка - и снова в бой!

И кстати, говоря о композициях "AB III", я не могу не отметить великолепную "Still Remains", которую я считаю лучшей на всей пластинке. В этой песне все на самом высшем уровне: и жесткие риффы, и прекрасный вокал, и запоминающийся, божественный припев. Однако, дорогие друзья, здесь есть чем поживиться и кроме этого шедевра.

Что ж, третий альбом у Alter Bridge получился на редкость великолепным. При желании, его можно записать в современную классику, и это не будет "слишком". "AB III" прекрасен от начала и до конца, и вы будете возвращаться к нему снова и снова, переслушивая наиболее полюбившиеся композиции и открывая для себя что-то новое в еще не совсем понравившихся. Это цельное, мастерски сработанное произведение искусства, а такие "бриллианты" в наше время отыскать очень и очень трудно...

Artur Schadrin  25 мар 2011

DevilDriver наконец-то разродились новым альбомом, получившим незамысловатое название "Beast", и, по сравнению с предыдущими релизами группы, здесь сделан упор на большую мелодичность. Но жесткая молотиловка, конечно же, никуда не исчезла. "Dead to Rights", первая композиция на альбоме, прекрасно вышибет вам мозги стремительным напором замысловатых ударных и риффов. То же можно сказать и про "Bring the Fight", которая начинается в духе классического брутал-дэта, и про "Hardened", размазывающую вас по полу толстым слоем риффа. В общем, вы поняли. Некоторые песни звучат неожиданно мягко, но это не делает их плохими. Совсем наоборот - парни не хотят из года в год выпускать одни лишь свинцовые пули в несчастную башку слушателя: иногда его нужно слегка погладить по головке, перед тем, как ей снова не поздоровится.

Что же касается общего качества материала, то здесь все на высоте: музыканты обладают очевидным мастерством, а их дар нашпиговывать свои пластинки охренительными риффами с каждым альбомом только крепчает. Но ничего особо оригинального вы здесь не увидите, потому что DevilDriver относятся к числу тех, кто предпочитает совершенствоваться в выбранном стиле и не уходить на неизведанные территории.

Artur Schadrin  24 мар 2011

После альбома «Крылья», который был выпущен в 2005 году, группа Catharsis как-то неожиданно ушла в «подполье». После выхода в 2007 сингла «Баллада Земли», фанаты рок-коллектива в радостном волнении, потирая руки, ожидали очередное творение своих любимцев. Но так его и не дождались

И вот, спустя пять лет, на суд людской Catharsis выносит плоды многолетней работы, а именно, «Светлый альбомъ». Почему было выбрано это название, думаю, понятно - извечная тема противостояния света и тьмы. В принципе, сам альбом получился довольно концептуальным, как изначально и было задумано авторами (наверное). Еще один интересный факт – это то, что ребята решили отойти от своей «фишки»: изображать обнаженных девушек на обложке диска, на этот раз поместив туда светлый пергамент с черными кляксами от чернил и пером. Что, к слову, очень хорошо характеризует тематику альбома.

Качество записи тоже претерпело изменения, причем в очень хорошую сторону. Теперь звук записан достаточно грамотно, поэтому в отличие от остальных альбомов, запись которых оставляла желать лучшего, Catharsis звучит приятней. Но во всей этой идиллии слух режут частые вокальные «косяки» Жилякова, а ведь этого можно было и не допускать.

Что касается самих композиций, то трудно выбрать из 10 песен (не считаю "A[О]MEN") по-настоящему хитовую. Все треки очень хороши собой, но не дотягивают до уровня хотя бы тех же «Крыльев».

Немного непонятен выбор названия для одноименной песни «Catharsis». Ведь насколько известно, данное слово означает очищение путем сострадания чужому горю, чего в этой композиции не наблюдается.

И, наконец, лирическая баллада «Верный ангел мой», которая вызвала бурю негативных эмоций, особенно среди любителей творчества группы Queen. Да-да «The Show Must Go On» отчетливо слышен в середине песни, но, согласитесь, этот проигрыш красиво лег на «Ангела». Если же отбросить столь досадный факт, то эту композицию можно назвать одной из лучших в альбоме.

Что касается остальных песен, то особо придираться к ним не стоит, все сделано хорошо и красиво. В целом этот альбом заслуживает 6 баллов из 10.

Андрей Катран  24 мар 2011

После замечательного "Venus Doom" Вилле Вало вдруг решил, что, мол, хватит с него тяжелых риффов и замысловатых композиций, и обратился к куда более спокойному материалу. Новый, седьмой по счету, альбом группы - "Screamworks - Love in Theory and Practice" - уже с первого прослушивания наводит на мысль, что ничего хорошего ждать тут нельзя. Опять эта слащавость, опять любовные сопли, опять банальные, не запоминающиеся риффы, и только вокал Вилле по прежнему держит марку, поражая слушателя диапазоном и разнообразием в манере пения. Но вот сам музыкальный материал настолько слаб, что совершенно не запоминается. "In Venere Veritals", открывающий трек альбома, навевает скуку уже с первых аккордов. Вышедший синглом "Scared to Death", а также следующий за ним "Heartkiller" настолько сладкие, что прям choko-pie, политый клубничным сиропом. "Я больше не боюсь говорить,что люблю тебя..." поет "напуганный до смерти" Вилле и тем самым вызывает острое желание нажать кнопку "stop" на плеере. "Disarm Me (With Your Loneliness)" - скучнейшая баллада, под которую вы не станете жечь зажигалки, а скорее подожжете самих музыкантов. И так далее. На "Ode to Solitude" группа вдруг решает "дать рока", а Вилле Вало верещит во всю глотку, как "настоящий" рокер. Молодец, парень! Только вот в "The Foreboding Sense of Impending Happiness", завершающей композиции альбома, он начинает косить под Дэвида Гэана, а остальные музыканты устраивают нечто вроде Depeche Mode, только намного, намного хуже.

Полнейшим убожеством этот альбом мешают назвать некоторые светлые моменты (вроде "Ode to Solitude"), но они не способны своим светом скрыть весь остальной мрак этого альбома. Как ни крути, а если б HIM продолжили линию своего предыдущего творения, то, возможно, мне бы не хотелось сейчас конфисковать у финнов инструменты. А так...

Artur Schadrin  24 мар 2011

Ах, как хотелось бы заполучить машину времени в личное распоряжение! Как хотелось бы перенестись в прошлое и найти того, кто придумал, будто образ слезливого слабака куда привлекательнее, нежели привычные признаки мужественности, а песни о том, какая ты тряпка с соответствующей музыкой — то, что следует исполнять на публике. Ах, как бы хотелось взять этого подлеца, и… Впрочем, оставим, пожалуй, нелицеприятные подробности кровавого вайоленса за кадром, перейдя непосредственно к дебютному альбому воронежской группы „Шов”, который и провоцирует возникновение подобных идей. Поименованный „Последней надеждой” диск содержит сорок пять минут музыки, жанровое определение которой подобрать невероятно сложно. Но нет, не из-за того, что воронежцы умудрились стереть границы между различными направлениями, предложив своему слушателю аудиализированный авангард с прогрессивной подливой. Всё дело в том, что из-за тяжёлых гитар и определённых ходов „Шов” стоило бы признать альтроковой командой, однако, примитивность идей и густо размазанные на все три четверти часа пубертатные сопли требуют добавить ещё ярлыки „русский рок” и „эмо”.

Музыкально „Последняя надежда” — минорный рок с утяжелёнными гитарами, в редкие моменты напоминающий Alexisonfire, зато остальной хронометраж заставляет припомнить, что считается форматом на „Нашем радио”. Но совсем не музыка заставляет при прослушивании то и дело заходиться в астматическом кашле, хватаясь ладонью за сердце: всё дело в лирической стороне „Шва”, а так же вокале, которым эта сторона реализована. Что касается текстов, то о них, вероятно, невысокого мнения и сам штатный поэт группы: в буклете его обязанности значатся как „вокал, текстА”, а строка из песни „Мой день” без обиняков сообщает, что „мои стихи так бессмысленны”. Пусть контекст её применения немного иной, но характеризует ситуацию как нельзя лучше, потому что шовные „текста” походят одновременно на монолог подростка у психолога службы поддержки и рифмованные излияния в молодёжных блогах, связанные с несчастной любовью. О вокале разговор и вовсе особый, но не менее печальный. На „Последней надежде” мы можем услышать истеричный скриминг, а так же чистый вокал, самый приемлемый вариант которого — ноющий тенорок, пусть и не самой приятной вариации, но всё же привычный для жанра. Однако, к сожалению, автор приснопамятных текстов, одновременно их же и исполняющий, не брезгует пустить слезу в прямом эфире, что выводится на динамики как мямлящее хныканье, и прибегнуть к женоподобному фальцету, и снабдить свой далеко не блестящий голос скулящими интонациями. Как говорил герой одного популярного ситкома, „я уже на полпути к сексу из жалости”. Если „Шов” рассчитывают на прослушивание из тех же побуждений, то они явно ошиблись: здесь высшим милосердием будет разве что пуля. (Диск предоставлен компанией «ФОНО»)

Arseniy  24 мар 2011

Настоящий воин, как известно, должен быть быстрым, беспощадным и бесстрашным. Украинским музыкантам вполне хватило тридцати с небольшим минут, чтобы донести до слушателя заряд воинственной ненависти, при этом троица обошлась без показного бряцанья оружием и героических сэмплов. Их война, отраженная в восьми песнях (в которых превалирует русская лирика), вообще, кажется, лишена героики – идет бой на стороне ненависти и мизантропии, и времени на позерство и патетику нет. War & Hate Black Death Metal – в эти стилевые рамки можно поместить «Кровь Земли Моей». Разрабатывая эту территорию, участники Myrkvids Draumar выдают музыку относительно быструю, жесткую, при этом зачастую мелодичную (но без перегибов, сами понимаете), эмоциональную. Живые барабаны иногда сбиваются и звучат довольно приглушенно, но когда ритму не хватает нужной мощности и напора, в дело вступают гитары, выдавая лаконичные, пусть не оригинальные, но сильные сольные партии и поддерживающие яростный скриминг и тяжелый гроулинг (которые иногда накладываются друг на друга, образуя примечательный дуэт, как, например, в песне «Нового Ада Огонь») атмосферными, а порой и излишне прямолинейными, качающими риффами. При этом все компоненты композиции не сваливаются в плотный ком из звуков, как это часто бывает. Наоборот, между слаженными партиями инструментов «сквозит» чистый воздух, придающий музыке дополнительный объем, который не слышишь, но явно чувствуешь. Тексты группы, надо отдать должное, представляют собой не стандартные речёвки типа «взвейтесь, развейтесь, оружие в руки, всех мочить», а довольно выразительные и образные произведения, хотя и выдаваемые порой с излишней прямолинейностью, больше подходящей для агитационной деятельности перед возбужденной и мало что понимающей толпой.

Восемь гневных и наполненных ненавистью боевых гимнов, бескомпромиссных и не дающих поверженным (пусть не сейчас, но в будущем обязательно) врагам надежды на милость победителя. И пусть боец, запечатленный на обложке нового альбома Myrkvids Draumar устало склонил голову и отвернулся от сочащегося кровью и озаренного огнем пожарища поля, принявшего очередное сражение в бесконечной войне, мы-то с вами понимаем, что это – всего лишь привал, короткая передышка. Бой будет продолжен в любом случае. Myrkvids Draumar - достойные представители украинской сцены и их новый релиз заслуживает всяческого внимания.

Maeror3  24 мар 2011

Странно (по крайней мере, для меня), говорить такое, но HIM записали просто великолепный альбом, причем я могу с уверенностью назвать его лучшим в их дискографии. И пускай другие с пеной у рта доказывают, что, мол, настоящие "ХИМ" - это "Greatest Lovesongs vol. 666" или знаменитый "Love Metal", однако, в них слишком высокая концентрация приторно-любовной лирики и прочих соплей. С "Venus Doom" же сложилась совсем другая ситуация. Это творения встречает слушателя несвойственной для финнов мрачностью и тяжестью, и вся эта смена "костюма", с розового на более темный, представьте себе, работает!

Говорить о каждом треке альбома в отдельности - бессмысленная затея, ибо все они великолепны и обладают своей изюминкой. Начиная с жестких риффов открывающей "Venus Doom", и заканчивая задумчивой "Cyanide Sun", эта пластинка не сбавляет оборотов и даже умудряется подкидывать сюрпризы. Какие? А вы послушайте "Sleepwalking Past Hope", десятиминутную эпическую композицию, с разнообразными мелодиями и низким вокалом Вилле Вало, пробирающим до костей. Или, после стремительной "Dead Lovers' Lane", окунитесь в интимную атмосферу минутной "Song or Suicide", короткой, но великолепной, с вкрадчивым вокалом и акустической гитарой. "Venus Doom" умудряется совмещать в себе множество музыкальных идей и экспериментов, уместность которых ни на секунду не ставится под сомнение. Здесь все на месте и все гармонично, от начала и до конца. И несмотря на присутствие здесь привычной для группы любовной лирики, однако она сведена к минимуму, что, безусловно, является большим плюсом.

После прослушивания этого диска не остается никаких сомнений в том, что Вилле Вало сотоварищи создали свой лучший альбом, в котором элементы их предыдущих пластинок облечены в более взрослую и затейливую форму. Ужесточение саунда и эксперименты в области чуть ли не прогрессива, заставляют задуматься о том, что у HIM определенно есть возможность и, самое главное, талант создавать качественную, несопливую музыку для более взрослой и искушенной аудитории. И несмотря на то, что "Join Me in Death" по-прежнему неплох, я все же предпочту переслушать любой из треков "Venus Doom", потому что именно там, на мой взгляд, можно разглядеть истинный талант этой финской группы.

Artur Schadrin  24 мар 2011

Те, кто посчитал, что выход "Have a Nice Trip" стал началом конца группы Die Apokalyptischen Reiter, может автоматически ставить альбому "Moral & Wahnsinn" шесть баллов (чтобы никому не было обидно) и переслушивать первые три полноформатника немцев. Для всех остальных покупка этого альбома будет приоритетом, как только они увидят обложку с зеленым Fuchs'ом. И это будет отличное вложение капитала. Давайте будем честными: группа Die Apokalyptischen Reiter никогда не записывала откровенно неудачные альбомы. Более или менее, но все номерные альбомы было, по крайней мере, интересно слушать. Новый альбом нисколько не уступает своим предшественникам по всем показателям. Применительно к "Moral & Wahnsinn" первым делом хочется произнести это пошлое, набившее оскомину слово - качественный. Но применительно не к мастерингу, сведению, или профпригодности самих музыкантов. Здесь-то традиционно все в порядке. Слово "качественный" хочется применить непосредственно к самому музыкальному материалу. В каждой ноте, в каждой мелодии, в каждом неожиданном повороте, куда бы нас ни завела эта пятерка лихих всадников апокалипсиса, чувствуется их неуемное желание играть, создавать цепляющую, запоминающуюся музыку. Чувствуется, что им это в кайф. И это ощущение, поверьте, не подделать никакому продюсеру или звукорежиссеру. Прежде всего это заметно по таким композициям как "Hammer oder Amboß", "Moral & Wahnsinn", "Dir gehört nichts", "Wir reiten", "Ein liebes Lied" - в которых вокалист Fuchs умело жонглирует самыми разными чувствами и делает это лишь при помощи интонации своего голоса. И это очень важно, потому как именно голос довольно точно сообщает нам о состоянии человека (о его переживаниях, отношении к фактам, а нередко - и о темпераменте, о чертах характера). Музыканты тоже не отстают и практически каждая песня по окончании прослушивания осядет в голове именно благодаря своей энергетике и нетривиальности. Отсюда возникает ощущение, что альбом был записан быстро, без проблем, с кажущейся простотой. И только после многоразового, внимательного прослушивания раскрываются все новые и новые слои в этом музыкальном полотне и приходит понимание того, сколько труда вложили музыканты в каждую ноту этого произведения. Отдельно хочется сказать и об оформлении альбома, ибо визуальное воплощение группы так же интересно и самобытно, как и собственно музыка, которую они исполняют. После скромно оформленного предыдущего альбома "Licht", обложка "Moral & Wahnsinn" может показаться чересчур карикатурной. Что ж, и правильно покажется. Весь 18-страничный буклет оформлен неким Heile именно в таком ключе - карикатурного коллажа. В общем, как очень точно подметил Jotun - "разве за такой прелестью может скрываться какая-нибудь бяка?". Проверено - не может. Ибо новый альбом "Всадников Апокалипсиса" из Веймара действительно является одним из претендентов на звание лучшего альбома этого года. Без вариантов. И весь скептицизм воинствующих недоброжелателей этот факт не оспорит.

YNWA  23 мар 2011

Предвзятое отношение — штука страшная. Привыкнув к тому, что за вывеской „deathcore”, украшающей русскую группу, количество которых скоро сможет оспаривать цифру, демонстрирующую население Китая, кроется чаще всего непотребная пародия на американские аналоги, реакция на полноформатного первенца москвичей Ease of Disgust вполне может характеризоваться закатыванием глазных яблок ввысь и тихим стоном: „Опять-а-а-ать?”. Однако, стоит придушить подобные душевные порывы: поместить „Chaos” в один ряд с многочисленными порождениями клубной сцены, вызывающими объяснимую идиосинкразию, — оскорбить музыкантов и показать себя дураком. Проведя успешную тренировку на двух миньонах, москвичи выпестовали диск, о котором иначе как комплиментарно отзываться грешно. Корни Ease of Disgust глубоко проросли в классический дэт брутальной выделки, оставив от „-core” лишь уместно размещённые соло и нестандартные ходы с применением чистого вокала. Всё остальное, включая великолепное сочетание гитарного жира, утробного рёва и яростного драйва, вполне может быть воспринято даже далёкими от жанра людьми, потому, что москвичи знают, как удержать слушателя рядом с колонками, извергающими „Chaos”: тестостероновой энергией, заставляющей опорно-двигательный аппарат совершать действия, в просторечии известные как „ноготоп” и „башкотряс”.

Ease of Disgust смотрится выигрышно даже в сравнении с отрелизившимися в том же году группами, которые принято относить к высшему жанровому сорту: материал, что представлен на „Chaos”, не стремится к тому, чтобы нравиться девочкам; не пережёвывает один и тот же удачный брейк, к финалу пластинки превращающийся в замусоленный и наскучивший отрезок; обошлось даже без попыток усложнить то, что того не требует. Группа просто делает так, чтобы по окончании одиннадцатого трека, „Turned To Malice” слушатель и подумать не мог, будто минуло сорок минут, ощущая эти две часовые трети как скоротечные шестьсот секунд. Группа не только ограничилась написанием выдающегося в рамках стиля материала, но и со старанием подошла к его исполнению, дав каждому из музыкантов самовыразиться и тем внести лепту в общее звучание. Как бы слушались эти чрезвычайно плотные, но сохраняющие рельеф каждого риффа гитары, не зиждись они на техничной ритм-секции? Вряд ли бы так убедительно, как выглядит результат, представленный на лонгплее, ведь работа барабанщика, без преувеличения, составляет почти половину привлекательности Ease of Disgust — удары по рабочему наносятся с такой силой и скоростью, что невольно вспоминается Kataklysm. Но если канадцы ничем, кроме ударных на своих последних альбомах похвастаться не могут, у Ease of Disgust есть отличная музыка, в которой талантливые исполнители и проявляют себя. Пока один гитарист затягивает пружину сочных риффов в раскатистых брейкдаунах, чтобы потом рвануть вперёд на очумелой скорости, второй вычерчивает соляки, разбавляющие кач толикой мелодичности. Ну и, конечно, как обойти вниманием здешнего гроулера, нутряной рёв которого контрастирует с визгливыми пубертатными хрипами, свойственными многим дэткорщикам. И отдельно стоит отметить факт, не относящийся к музыке напрямую, но неплохо её характеризующий: группу заметили и на Западе, обласкав положительными оценками специализированной прессы и позволив Ease of Disgust подготовить масштабный европейский тур. Нужны ли ещё доказательства того, что „Chaos” — альбом, необходимый к ознакомлению, хотя бы лишь для того, чтобы понять тенденции современной тяжёлой музыки. (Диск предоставлен компанией «Фоно»)

Arseniy  23 мар 2011

«Black/Death Metal, — сообщает нам издатель минчан Out of Yesteryear. И значительно добавляет. — Симфонический». «Вот уж хренушки, — думает догадливый слушатель. — Как ни крути, а всё равно дэткор». И правда: зачем обманывать потребителя и сбивать его с толку, когда и сама группа вовсе не пытается примазаться к стану чернометаллических симфогонов? Симпатичная некроабстракция на обложке и невнятная мазня в логотипе, ощерившаяся пупырями и выростами из непредсказуемых частей — и те вопят о своей жанровой ориентации. И, вообще-то говоря, играя на поле симфонического дэткора всё ещё можно добиться нешаблонных результатов, чего не скажешь о внедрении симфонизма в блэк, дэт и их межвидовое порождение. Так как ориентиров в подобном жанре немного, самый заметный из которых — Winds of Plague, белорусы решили не заниматься тиражированием американской модели, и постарались придумать свой вариант. За основу взят сумбурный, хаотичный дэткор, сдобренный иностилевыми вливаниями (например, брейки и коровые сбивки разбавлены почти блэковым бластбитом, очевидно, давшим повод для скоропалительных пресс-релизов) и пестрящий решениями, которые были бы интересны по отдельности, но не собранные воедино. Именно за изящными соло, джентовыми проходами, мошевым качем кроется основная проблема „The Blackness”: альбом кажется перенасыщенным, не позволяя сфокусироваться на чём-то одном, заставляя отвлекаться на тот или иной элемент. Хвалёная „symphonic”-часть, к сожалению, тоже мало способствует целостности — помпезные оркестровки, накладываясь поверх гитарного ядра, придают ещё больший хаос, принуждая задуматься о том, что пары ушей для восприятия Out of Yesteryear явно недостаточно. Более того, „The Blackness” — настоящий парадокс, заключающийся в том, что при свежести идей и интересной реализации их в отдельно взятом виде, слушать диск в целом попросту неинтересно. "Out of Yesteryear", выстраивая вокруг мелодий многометровый железобетонный забор из аранжировок, не заметили, как случайно их же и замуровали. В итоге, скука не одолевает лишь когда группа устраивает полуминутные брейковые марафоны, очищенные от собственных наворотов и увлекающие лишь прямолинейным драйвом. Но стоит взреветь симфонической полифонии или запетлять хитрыми кренделями соло-гитаре, как несчастные нейроны вновь оказываются парализованы инструментальным богатством, начисто теряя основную песенную линию. Если группа решит и дальше продолжать собственные эксперименты, то им стоит тщательнее работать над мелодиями, или же брать примитивным, но действенным грувом, в ином случае старательная работа над деталями и небрежное отношение к основе попросту не сможет вытянуть альбом, как и произошло с „The Blackness”. (Диск предоставлен компанией «Фоно»)

Arseniy  23 мар 2011

Вольготно расталдыкнулись фолькорные металлисты по территории матушки-Руси, куда не кинь — всюду рождённые в косоворотке мущщыны наяривают на электробалалайках, иногда призывая себе на помощь самок в кокошниках. Ну а если кто пометил свой металл заветным четырёхбуквенным штампом на „f.”, но не стал пропалывать лубочную грядку — будьте уверены, голову его давно заполнили образы, навеянные „13-м воином” и книгами в ярких обложках, изображающих рыжебородых варягов с топорами наперевес. Групп, которые изящно миновали эти крайности немного, и вы их знаете: в русском фолк металле, обильно плодоносящем сорной травой, идущей на производство лаптей, жизнеспособная поросль редка, но стволом могуча и потому заметить её не представляет труда. Группа Wolfmare, уютно угнездившаяся в каталоге австрийского CCP Records, видный пример такого явления. Ещё во времена, которые с нынешнего хроноположения кажутся историческими, когда за ними не числилось ни единого альбома, да и название ансамбля отличалось от современного аж на шесть букв, они разительно выделялись среди прочих топтунов клубной сцены ярким представлением своего материала, да и материалом как таковым. Минул почти десяток лет, а к третьему (или второму, если выбрать иную точку отсчёта) альбому ситуация не поменялась: группа следует своим уникальным маршрутом, а единожанровым соотечественникам, чтобы дорулить до этого самого маршрута, ещё долгое время придётся форсировать окрестные канавы.

„Whitemare Rhymes”, появившись на свет, изрядно удивил своей свежестью, разнообразием аранжировок, заставивших даже народную песню, до дыр затёртую западными командами, а так же небанальностью композиторских идей вкупе с выразительностью, вносимой вокалами, от смены которых, натурально, кружилась голова и различными фольклорно-академическими инструментами. Разумеется, подсознательно от „Hand of Glory” нельзя было не ожидать чего-то подобного: уж больно вкусным вышло блюдо, поданное в две тысячи восьмом, грех не алкать добавки, чтобы вконец обалдевшие рецепторы свалились в счастливый обморок. Однако, за два года, разделяющие альбомы, состав команды поменялся: для альбомного слушателя незначим приход и уход концертного мультиинструменталиста, зато смену основного вокалиста, отклонившую вектор Wolfmare от того курса, который можно было ожидать после „Whitemare Rhymes”, сложно не заметить. Алексей Редин покинул группу, унеся с собой атмосферу карнавального веселья, площадной гулянки и традицию пронзительных по настроению баллад („Lady of Darkness” с дебютного альбома Wolfsangel и „Shine”, опять же, с дебютника, но уже авторства Wolfmare). Рекрутированный к микрофону Руслан Анисимов, не обладающий темпераментным чистым голосом Алексея, силён в другом: с ним Wolfmare зазвучали в разы экстремальнее, при том, не растеряв свой богатый фольклорный фон, что придало определённой пикантности, позволив развить идеи не великолепных, но страдающих предсказуемостью „кабацких” номеров предыдущего диска, а более разноплановой и структурно сложной „Web of War”.

Изменения прослеживаются и в лирике альбома, которая, кстати, в отличие от подавляющего большинства металлических фольклористов, самоценна даже в отрыве от музыки: от городских побасенок в стиле вагантов, тексты обратились к миннезингерским традициям. Причём, этот нюанс весьма заметен и без внимательного изучения буклета, достаточно вспомнить, что два года назад группа порадовала слушателя своей вариацией знаменитой „In Taberna” из списка „Кодекса Бурануса”, а сейчас — „Песней Палестины”, написанной не безымянным студентом, а известным поэтом своих лет (а может, не таким уж известным, но у истории, донёсшей нам это имя, свои причуды) Вальтера фон дер Фогельвейде. Рыцарский и боевой пафос проник и в атмосферу альбома, полностью оправдав повышенную брутальность музыки: пусть долгие и размеренные песни разбавлены энергичными и всё ещё сохраняющие былую бесшабашность, но и они не создают ощущения плясок на главной площади ганзейского городка. Вместо этого вещи вроде „Down by the Riverside” и „Heaven” после серьёзных и совсем не весёлых „The Plagued” и „The Keening” вполне можно принимать как передышку крестоносцев, чей боевой дух пытаются поднять многочисленные музыканты или логическое продолжение кельтского похоронного марша кельтскими же поминками с нетрезвым весельем, но пониманием того, что жизнь, пусть и радостная, но не бесконечна.

Но даже без закапывания в глубины, возможно, бессмысленного и глупого анализа, „Hand of Glory” трудно воспринять равнодушно. Рецепт не изменился: Wolfmare предлагают нам песни, в которых легко сплетаются до полудесятка вокальных линий, оттеняющих и дополняющих друг друга — в одной песне могут прозвучать разом и хоровые распевки, и скриминг, и женский вокал, уровень которого заметно вырос с прошлого диска; так же как гобой, что более привычен для изысканного и помпезного барокко, вполне может соседствовать с вистлом, непременным атрибутом любой деревенской попойки на берегах Альбиона. Растаскивать же „Hand of Glory” на составляющие современных жанров попросту бессмысленная затея — металлический каркас группы вобрал в себя отовсюду, от мелодик дэта до дума и пауэра, немного отсырев в гитарах, что лишь прибавило очарования этой кипучей смеси. И в этот раз получившийся коктейль выглядит сбалансированно, не вышибая из седла своей экспрессией, звуча цельно и избавившись от сумбура, присущего прошлым работам. И вот ещё курьёз, который осознаётся по мере приближения „Hand of Glory” к финалу и вполне резюмирующий вышесказанное: русская группа расправилась с западноевропейским фольклором значительно лучше, чем сами жители соответствующей части континента. По крайней мере, лишь десяток групп из тех, что находятся на слуху и принадлежат к многажды озвученному жанру, сможет потягаться с петербуржцами по насыщенности и умелому сонграйтингу, что уж говорить о возможности конкуренции со стороны увязших в перуноярильном болоте сородичах.

Arseniy  23 мар 2011

В не таком уж далеком 2008 году интеллигентные на вид парни из Иллинойса произвели на свет шедевр, имя которому "The Common Man's Collapse", альбом который нехило меня вставил тем же летом и не отпускает до сих пор. Причем некоторое время мне пришлось въезжать в сие творение, потому что неподготовленному слушателю альбом вполне может показаться сплошной какофонией. Если вы не переносите гроул и скрим, темп выше 120 ударов в минуту является для вас запредельным, а структура песен, не состоящих из куплета-припева, для вас чужда, то можете дальше и не читать. В противном случае, настоятельно рекомендую вам данное творение.

Прежде всего группа заинтересовала меня названием. Я как ярый фанат классиков progressive death Cynic сразу же обратил внимание на альбом (у "Циников" имеется песня с аналогичным названием). Как я позже узнал, совпадение не случайно. Но не буду заострять на этом внимание, перейду, собственно говоря, к музыке.

Если пытаться загнать альбом в жанровые рамки, то тут точно, без капли раздумий, стоит вставить слово progressive! А дальше уже тяжелей, но я склоняюсь к тому что это deathcore или ломовой metalcore без соплей.

Описал бы я это дело как коктейль из следующих ингредиентов: мощный, сочный и на удивление "чистый" - если можно употребить это определение - гроул, надрывный, добротный скрим (весь вокал заслуга одного человека, причем взглянув на него, вряд ли скажешь, что этот парниша может выдавать столь брутальные звуки), техничные и агрессивные барабаны с обилием кардана, а так же на удивление мелодичные гитары, которые лично у меня часто вызывают ассоциации с The Fall of Troy.

Ритм-секция создает очень мощный, плотный фундамент звучания альбома, редко где даже сегодня мне доводилось слышать столь крепкий и в то же время приятный звук, особенно если учесть, что материал далеко не из легких. Слушается на редкость ненапряжно, мне кажется, что мастеринг альбома просто превосходен.

При всем объеме музыкальной информации и сложной конструкции песен - альбом на удивление короткий. Тридцать три с лишним минуты, учитывая инструментальное интро. Но, как мне кажется, это идет только на пользу, потому что каждая композиция полна сменами ритма, темпа, размера, и вообще звучания (особенно в этом плане парни преуспели в песне "Sever the Voices"). Витиеватые гитарные соло перемежаются железобетонными брейками, а иногда присутствуют и мистические клавишные вставки. В однообразии группу обвинить просто невозможно.

Песни хитовыми назвать можно с большой натяжкой, уж больно они не тянут на мэйнстрим (хотя кто-то скажет наоборот, но я не думаю, что песни получали широкую ротацию, а клипов и вовсе не выходило). Но если бы меня попросили назвать пару ярких треков, то я бы не раздумывая ответил: "It's Not Safe to Swim Today" (название кстати, весьма забавное), и "We Bow in It's Aura". На мой взгляд, эти песни самые интересные, хотя это лишь субъективное мнение.

В общем, подводя итог: один из моих любимых core-альбомов, в котором я выделяю интересные музыкальные ходы, мощное звучание в сочетании с хорошим звуком, прекрасную технику музыкантов и отличный харш-вокал.

protagon1st  22 мар 2011

Девин Таунсенд является весьма продуктивным и разносторонним музыкантом, на счету которого, в рамках разных проектов, уже 17 полноценных альбомов. Но многие считают именно «Terria» лучшей его работой. Почему? Давайте попробуем разобраться.

Как уже отмечалось, на этом альбоме присутствуют элементы множества музыкальных стилей, но это разнообразие ни в коем случае не является самоцелью. Девин просто использует ту музыкальную палитру, которая лучше всего передает его чувства в данный момент. Звучание стандартное для Таунсенда. Стены звука никуда не делись, а на заднем плане огромное, даже для Девина, количество клавишных и всевозможных сэмплов. Именно они и создают невероятную глубину звука, а отличное качество записи позволяет расслышать каждую деталь.

«Terria» не является прогрессивом в обычном понимании. Это, скорее, сложнейшая метало-симфония, состоящая из множества элементов, каждый из которых в отдельности относительно прост. Некоторые из этих элементов в сами по себе звучат дисгармонично, но, дополняя друг друга, создают совершенно целостную картину. Кажется, что на этом альбоме нет ни одной лишней ноты.

Концепция «Terria» посвящена природе. При прослушивании возникает желание ощутить свободу от городского шума, толп людей, бесконечной суеты, где несмотря на изобилие событий, развлечений и общения, уж очень мало искренности и первозданной красоты. Хочется окинуть взглядом горы, леса, реки, вдохнуть чистейшего воздуха и просто побродить в одиночестве среди всего этого великолепия.

Первые 3 композиции, наиболее агрессивные на альбоме, являются катализаторами процесса очищения от накопившейся усталости, боли и разочарования. Но борьба на этом не заканчивается, она продолжается в течении всего альбома. Борьба между душой и разумом, разрушением и созиданием, эйфорией и депрессией, яростью и полным умиротворением. Именно в самом центре этой борьбы, по середине между двумя противоположностями и появляется то состояние, о котором уже столько всего сказано в разные времена. И не важно как Вы это называете – благодать, нирвана, дзен или остановка мира. Это то, что напоминает нам о единстве всего сущего, о нашем общем доме. «Terria» - это музыка обновления и трансформации, музыка весны.

Понять и по-настоящему прочувствовать эту работу трудно, хотя здесь нет ни сверхсложной техники, ни гипертяжести, ни монотонности, ни аморфности. Но чем глубже Вы погружаетесь в этот бездонный океан эмоций, тем четче проявляются контуры, скрепляющие монолит этого шедевра.

Счастливого пути домой!

Markos  22 мар 2011

Изначально Pazuzu задумывался как сайд-проект Protector'a и Silenius'a, более известных по своему творчеству в Summoning (если не принимать во внимание вокальную карьеру Silenius'a в Abigor). Однако наибольшим вкладом вышеназванных музыкантов оказался не в том альбоме, о котором сейчас пойдёт речь, а на дебютном "And All Was Silent...". Что касается "Awaken the Dragon", второго творения, вышедшего под вывеской шумерского демона, то львиная доля работы над материалом в этот раз пала на плечи Raymond Wells'a, впоследствии ставшего единственным участником проекта. Это не могло не отразиться на музыке Pazuzu, почти переставшей ассоциироваться у меня с Summoning, но теперь почему-то навевающей ассоциации с немецкой ethno doom metal'ической группой Betray My Secrets и небезызвестным детищем Ritchie и Candice - Blackmore's Night. Впрочем, это мои сугубо личные ощущения, граничащие с шуткой, и всерьёз я бы их воспринимать не советовал.
А теперь, забудьте обо всём, что окружает вас сейчас и напоминает о современном мире - многоэтажных панельных домах, шуршащих об асфальт колёсах автомобилей, назойливо пиликающих телефонных трубках. Теперь вы перенеслись туда, где есть только таверны с деревянными вывесками, наполненные зеваками рыночные площади, кишащие разбойниками мрачные вековые леса и окружённые крепостными стенами готические замки. Вы становитесь свидетелем заката цивилизации, внешне напоминающей западноевропейское Средневековье. И хотя ещё не происходит никаких катаклизмов, тень рока уже нависла над раздробленными королевствами, близится конец света. Знают ли об этом снующие по узким и тёмным улочкам бюргеры, или же это ведомо только мне и вам? Это уже не важно, ибо пробуждение древнего Дракона неотвратимо близится. И хотя Конец Эпох ещё не настал, а возня мало о чём подозревающих горожан и крестьян ещё продолжается, не забывайте об этом.

Подводя итог, я не называю "Awaken the Dragon" шедевральным творением, но всё же считаю лучшим произведением в своём специфическом стиле и рекомендую его всем тем, кто давно искал нечто на стыке folk'a, dark ambient'a и dark wave'a.

BlackSpirit  22 мар 2011

Однажды в 2010 году за мой доблестный фототруд Бельф подарил мне фирменный диск «Победитель всегда остается один». Я положила его в письменный стол и долго не слушала, да и не хотелось, я ведь не один раз видела Путь Солнца вживую. Да, граждане, долгое время у меня было положительное отношение к команде, пока я, наконец, не послушала студийку… И от моей симпатии не осталось и следа!

Кто хоть раз был на концерте, согласится со мной – энергетике команды можно только позавидовать, они просто рвут зал на части! Но куда это все испаряется во время студийной записи?! Или условия студии не позволяют создать драйвовую музыку? Да быть такого не может, а как же тогда убойные студийные релизы трэшеров? Кстати, да, я не зря про трэш упомянула, ибо со слов музыкантов, они играют пэган-трэш метал, причем первыми в России заиграли такую музыку. Ох, и вновь амбиции, сопутствующие всем группам Бельфа… А кстати, петь о славянах может кто угодно, хоть Борис Моисеев, но от этого музыка пэган-металом не становится. Да, граждане, как вы уже догадались, каких-либо музыкальных признаков пэгана в данной работе нет.

Складывается впечатление, что музыканты договорились о конкретной дате записи, но забыли, а вспомнили случайно и записывали «на бегу», чтобы не отодвигать выпуск альбома. Другого объяснения этой музыкальной каше я не могу найти. Нам в уши льётся монотонная, несмотря на быстрый ритм, музыка, от которой совсем не хочется угарать; гитарные соло безлики и почти везде одинаковы, вокал звучит напряжённо и будто в стороне, при этом за редким бэк-вокалом основного не слышно. Что касается самой музыки, то я бы не сказала, что есть какая-то новизна или оригинальность, вполне себе средненький материал, я бы назвала его «спокойным трэш-дэтом». Для плясок без футболки после трёх стаканов пива – самое оно.

sad_frau_wolf  22 мар 2011

Дети озера Бодом выпустили откровенную халтуру. Это самый настоящий провал во всех смыслах. После не слишком удачного "Blooddrunk", где хотя бы были запоминающиеся песни, я возлагал большие надежды на этот альбом. Но он оказался полным провалом даже по сравнению с предыдущим. Ни одной запоминающейся песни. Ни одной. В самих композициях отсутствует какая-то цельность, они словно грубо сшиты из отдельных фрагментов, самих по себе техничных, но плохо сочетающихся друг с другом. Гитара Алекси выдает замечательные проигрыши, но никакой смысловой нагрузки они не несут. Такое чувство, что музыканты записывали альбом нехотя, кое-как, лишь бы что-то выдать, все равно "пипл схавает". Их немало критиковали за самоплагиат, обычно я не обращал внимание на это, но здесь он просто кричит о себе. Ритмы напоминающие "Are You Dead Yet" и "Hate Crew Deathroll" не различит разве что глухой. Единственная хорошая композиция - кавер на Эдди Мерфи, это Лайхо и Ко сделали на отлично, попсовая композиция звучит вполне себе металлево.
Об их текстах говорить тем более нечего, начиная с "Are You Dead Yet" они уже не имеют практически никакого смысла, какие-то размытые депрессивные образы, оды суициду (звучат крайне фальшиво, у тех же Nocturnal Depression тексты гораздо убедительнее при всей их примитивности), еще нечто напоминающее мысли каких-то маньяков, наевшихся галлюциногенов. От былой концепции Собирателя Душ и озера Бодом не осталось ничего. Некое подобие Reaper'а висит на обложке, но не имеет к их творчеству уже никакого отношения.

В последнем интервью Лайхо выглядел не лучшим образом, может, вредные привычки стали убивать его музыкальный талант? Если они продолжат ту же линию, то я буду слушать только их каверы, все же технику игры на гитаре Лайхо пока не пропил, чего нельзя сказать о композиторском таланте.

Cenzor  22 мар 2011

Сложно найти человека, увлекающегося тяжелой музыкой, и никогда не слышавшего при этом имена Mnemic (где участвует Гийом Бидо) или Aborted и Soilwork (где за ударной установкой восседает Дирк Вербюрен). А вот о команде, где эти двое семь лет работали плечом к плечу, известно куда меньшему числу меломанов. Меж тем, "взрослели" Scarve в то же время, что и Gojira, и обе группы немало повлияли на развитие друг друга, хотя, в конечном итоге, выкристаллизовавшийся стиль "Годжиры" оказался более тяжелым, но и не таким истерично-импульсивным. О влиянии Scarve на юную французскую экстремальную поросль можно сказать всего два слова: оно огромно. Даже давно уже превратившиеся в самостоятельную боевую единицу Hacride до сих пор черпают многие идеи у творцов "Irradiant". Более того, с приходом Гийома Бидо в Mnemic последние тоже основательно "скарвились" - скажем, "открывашка" к их третьему альбому "Passenger" - «Humanaut» - это, по большому счету, классический боевик Scarve, только сжатый в два раза. Вместе с тем, сложно отрицать сильнейшее влияние, которое оказали на французов безумцы Meshuggah (между прочим, соло в исполнении гитариста этой группы Фредерика Тордендаля можно услышать в композиции "Asphyxiate"). Однако, при всей своей психопатичности и истеричности, эта команда куда более гуманна по отношению к слушателю. На "Irradiant" регулярно находится место и для относительно спокойных проигрышей, и для чистого вокала (увы, звучащего достаточно убого). Возможно, Scarve и хотели бы добиться противоположного, но очевидно, что безысходная зацикленность ритмических рисунков, свойственная их шведским учителям, им глубоко чужда. Причем, как правило, убийственную размеренность музыки нарушает именно ударник: следить за его игрой - сплошное удовольствие. Почти уверен, что и в Soilwork, и в Sybreed, и в Aborted Дирк играл (играет), тайком позевывая от скуки - именно в первой своей группе разгоны/замедления/вспышки гнева Вербюрена действительно непредсказуемые, оглушительные и абсолютно сумасшедшие в своей энергетике, потому и служат главным украшением музыки. С небольшим отставанием бас и гитары следуют по направлению, заданному драммером, обыгрывая при этом зачастую абсолютно невероятные сочетания тактов и размеров, каким то чудом балансируя на грани низвержения в (анти)-музыкальный хаос. И где-то за этой стеной звука уже начинает мерещится довольное лицо самого Девина Таунсенда... Единственное, что разочаровывает - широкие музыкальные горизонты и неограниченный полет мысли со временем словно начинают вызывать головокружение у музыкантов Scarve - отсюда и неизбежное возвращение к более привычным (и даже набившим оскомину благодаря сотням подвизающихся на смежных полях модерн-металлических групп) формам.

Вердикт таков: этот альбом однозначно рекомендуется любителям неглупого современного экстрима, замешанного на базе индастриал-трэша, модерн-дэта и мат-метала, и столь же однозначно противопоказан тем, у кого даже при упоминании названия Meshuggah появляются рвотные позывы. Love it or hate it - как раз об этом альбоме, третьего не дано.

Jotun  22 мар 2011

Как часто, натыкаясь на отечественную группу, на виске начинает пульсировать вена, а в голове всплывают кровожадные мысли: „Давить! Давить! Давить!”. Причём, удивительная закономерность: существуют эти группы не в глубоком подполье, напротив, они довольно успешно издаются на крупных лейблах („мажорных” по меркам СНГ) и, судя по всему, находят своих почитателей. За годы вынужденного соприкосновения с русской рок-сценой вполне предсказуемо вырабатывается бинарная логика по отношению к её продукции, полутонов тут не бывает: или группа достаточно хороша, чтобы обратить на неё внимание, или она запредельно ужасна. Крайне редко выпадает случай, когда все доводы разума говорят в пользу того, что сейчас нужно именно „давить!”, но что-то внутри противится этому акту метафорического насилия.

К чему эти разговоры? Да вот к тому, что In Motion и стали подобной оказией. Вроде бы всё говорит не в их пользу: неумелый, не поставленный вокал, да ещё и на английском языке с берёзово-дубовым произношением; далёкая от гладкости техническая реализация — казалось бы, ну всё, выводи коровушку во чисто полюшко, да стреляй промеж глаз… Ан нет, не подымается табельное ружжо, есть в In Motion нечто, что не позволяет привести приговор в исполнение. Искренность, с которой пензенцы подходят к своей музыке искупает доводы, касающиеся техники. Да, изобретательностью тут не пахнет и на Западе любая группа, избравшая своим стилем современный хард-рок (конечно, это можно назвать „альт-роком”, а In Motion считает, будто их жанр — некий „modern rock”, но на самом деле это всё тот же хард-рок, просто преломлённый через призму XXI века), разумеется, оставит их далеко позади… Однако, „Life’s Engine”, несомненно, создавался людьми, горевшими энтузиазмом и желанием играть музыку ради самой музыки, и потому здесь есть драйв, определённый шарм, ради которых вполне можно закрыть глаза на все „косяки”.

Но всё это сработает лишь в том случае, если знакомства с In Motion не избежать, в любом другом — вряд ли кто-то предпочтёт эту группу зарубежным вариантам музыки, которая должна исполнить роль отдушины от „тяжёлых” жанров, но при том хранить рок’н’ролльную энергию. Вряд ли кто-то ради собственного удовольствия приговорит себя к шестидесяти минутам, в течение которых группа сможет предложить несколько музыкальных идей, повторенных дважды, а то и трижды. И пусть вокалист выводит „my baby” достаточно проникновенно для того, чтобы сразить наповал всех девчонок Пензы, для штурма столицы им стоит приготовить что-нибудь более убедительное. По крайней мере, основной шаг уже сделан: In Motion трудно поставить в один ряд с полчищем „скотогрупп”, осаждающих сцену рок-клубов и социальные сети своим непотребным творчеством. (Диск предоставлен компанией Irond)

Arseniy  22 мар 2011

Мне не раз приходила в голову мысль, что два этих датских чудища однажды встретятся на совместной работе. У них и помимо страны слишком много общего – оба one-man-band’а делают ставку на беспросветную всеохватывающую атмосферу и строят её на предельно минималистичной музыке, обоим при этом не чужды неожиданные композиционные решения, плюс музыка и Grívf, и Sol напрочь лишена человеческих чувств и настроений. Всё это более чем уместный повод сказать своё слово вместе, и вот – силами молодой украинской конторы выпущен полновесный сплит-альбом, что импонирует мне больше типичных для нашего времени семидюймовок. А так как издание пришлось прямо под новый год, то погибающий Ясень Мира на обложке вполне сойдёт за праздничную ёлку для экзальтированных мракобесов, хехе.

Музыкант Isar, стоящий за Grívf, практикует очень нетипичное и на первый взгляд даже абсурдное сочетание музыки и лирики. Творчество он посвящает мистической и мировоззренческой составляющим скандинавского язычества, его тёмной стороне. А его музыка – сыгранный по всем канонам стиля Funeral Doom Metal, гнетущий, холодный и отрешённый. Тем страннее, что во многом даже более аскетичный, чем собратья по жанру, Grívf легко порождает должные мысли и видения. На Iss формация несколько отходит от своего характерного звучания, смягчает давящий и перегруженный звук гитары, оставляя её ровно столько, чтобы музыка могла по-прежнему считаться металлической. Iss воплощает видение Grívf Рагнарёка, не последней битвой Богов, но сошествием вечной мерзлоты – затем и новое звучание, ещё более отстранённое и стылое, ведущее группу к границам Ambient. Тревожные клавиши, воющее эхо грузной гитары и скупые акустические переборы. Ужасающая красота бескрайней пустоши, скованные льдом фигуры-тени бывшей жизни да белое безмолвие… Одно но – Isar в погоне за концептуальностью переборщил с отрешённостью, и не факт, что сразу получится прочувствовать всю атмосферу в таком раскладе.

Формацией Sol заведует мультиинструменталист Emil Sol Brahe, вещающий о повальном разложении, смерти души и человечества и тому подобных добрых, разумных, вечных делах. Тему он раскрывает посредством олдскульного Doom Death Metal, уходящего корнями к древним бандам вроде Winter или Beyond Belief, и само собой, от такого подхода бессмысленно ждать вялотекущей тоски и заунывности. Ржавые риффы и ледяные мелодические проигрыши Sol таят в себе лишь первородный ужас и гнетущий, беспросветный мрак. А с характерным шершавым, очень грубым по нынешним временам звуком, эта музыка вовсе воспринимается как тяжёлый удар по жбану проржавевшей лопатой могильщика с неизбежным дальнейшим припечатыванием надгробием – где уж тут грустить? На “The Great Plague Imperium” Emil следует уже проторенным прошлыми альбомами путём, экспериментируя разве что с интерлюдиями – эпических клавишных эпизодов за ним раньше не наблюдалось. И ни в эмбиентных, ни в металлических моментах Sol не запаривается с аранжировками, не утруждает себя акцентами и штрихами. И это один из тех редких случаев, когда за мощнейшим потоком эмоций до них просто нет никакого дела – насколько просто, настолько же и эффектно.

Как раз таким, как “Iss / The Great Plague Imperium” и должен быть сплит-альбом, к которому приложены душа, талант и усердие всех участников и который показывает общие настроения авторов – безжизненные заледенелые просторы Grívf и триумфальное шествие пожинающей плоды жатвы Смерти у Sol (логично было бы поменять банды местами). Пути этих мракобесов вновь разделяются – Isar временно оставляет Grívf в стороне (но не закрывает), чтобы сосредоточиться на пении в далеко не лучшей Folk Metal банде Faanefjell, и зачем ему это, остаётся неизвестным. Emil Brahe же заканчивает четвёртый альбом Sol. Так что ценителям минималистичного леденящего душу мрака остаётся насладиться отличным сплитом Grívf / Sol. На редкость отличным.

Wolden  21 мар 2011

Завершать главу драматичным эпизодом, обрывать ее на самом интересном месте – отличный прием для поддержания интереса к книге (этот же прием характерен и для многих сериалов). Интрига, знаете ли, помноженная на извечную человеческую любознательность – отличное средство для привлечения повышенного внимания к своему творению. Другое дело, когда оказывается, что ожидавшаяся с таким нетерпением следующая глава/серия по сюжету почти наверняка оказывается абсолютно несвязанной с событиями предыдущей. И тогда вместо авантюрного романа мы будем иметь лишь сборник недосказанных историй, сказок, финал которых не услышит уснувший малыш. Вот так и с "A Higher Place": мало того, что этот альбом имел все шансы звучать гораздо лучше и убедительней, если бы музыкальные наработки Born of Osiris были положены на более традиционную прогрессив-дэтовую основу, нежели будучи впихнутыми в прокрустово ложе дэткора, так еще и лаконичность представленных композиций абсолютно не придает внятности материалу. Играй эти парни нечто прямолинейное и простодушное в духе Suicide Silence – и их двух-трехминутным зарисовкам цены бы не было. Но тут мы имеем дело с музыкой, искрящейся ярчайшими мелодиями, изобилующей техничными ходами, парадоксальными сбивками, не чуждой заимствований из смежных стилей. И при таких задатках – ни одной полноценной картины, скорее, набор иллюстраций для книги «Как мы доказали, что дэткор – тоже искусство». Ни одной слабой композиции, но и ни единой, вызывающей действительно мощный всплеск эмоций. Про вокал достаточно знать хотя бы то, что будучи в определенном смысле очень специфичным, отвращение вызвать едва ли способен: Ronnie Canizaro и Joe Buras’у, по счастью, абсолютно чужды протяжные истеричные вопли на одной ноте. Инструментальная же сторона «A Higher Place» гораздо занимательней. Клавишник, гитарист и ударник, конечно, стараются изо всех сил, но у кого-то создаваемое ими пестрое, лоскутное полотно вызовет умеренные восторги, а у кого-то – и приступ эпилепсии от частой смены ярких картинок. Однако определенный задел на будущее у Born of Osiris уже был сделан: во всяком случае, даже люди, критично отнесшиеся к данному альбому, наверняка взяли на заметку этих американцев, как творцов потенциально интересного, и уж точно единственного в своем роде прогрессивно-технично-мелодичного дэткора.

Jotun  21 мар 2011

Знаете, первое, что приходит на ум после прослушивания нового творения от алкофиннов - ну и накуролесили же ребятки. Избыточность, амелодичность, дерзость, и так и хочется добавить: НЕ ПЕРЕВАРИВАЕТСЯ все это и не воспринимается как единое целое. Но одно точно - равнодушным к данному альбому мало кто останется.

Создается впечатление, что смотришься в кривое зеркало их старых великолепных работ (хотя они тоже были слеплены по принципу "всего побольше, значит покруче", но там все органично сочеталось и звучало). А тут... простите за сравнение, все, словно драные тряпки Риппера, свисают и болтаются кто в лес, кто по дрова. И что же это? Попытка удивить, попытка далее развивать великую идею финского МДМ, или попытка сделать что-то из ряда вон прогрессивненькое? Попытка явно крайне неудачная и, что самое обидное, непрофессиональная (несмотря на навороченность) и просто-напросто некачественная. Кишка тонка, ребятки. И, спрашивается, к чему весь этот огород и гитарный онанизм?

Но есть и маленький лучик в темном царстве. Стоит отметить такие песни как "Shovel Knockout" или, как уже упоминалось, "Northpole Throwdown". В первой отрадно то, что присутствует теперь уже столь ностальгическая мелодика былых времен, хотя и не без доли самоплагиата. И этот самоплагиат, как это ни горько осознавать, гораздо круче их нынешних новаторств и, если хотите, словно глоток свежего воздуха. "Northpole Throwdown" - простая, искрометная и лаконичная, как бальзам на душу, истерзанную звуковым хаосом предыдущих песен. Весьма необычно и ярко звучала перекличка Лайхо и Вирмана в "Not My Funeral". Да и, пожалуй, все. Если "Бладдранк" был тревожным звоночком, то новый полноформатник можно разве что с набатом сравнить.

Дорогие вы наши господин Лайхо и ко, сырой фарш уплетать ложками или обсасывать неразмороженные пельмени нет никакого желания, да и невкусно как-то.

SkullCrusher  21 мар 2011

Если кто не знает, The Organization – это то ли просто остаток небезызвестной группы Death Angel после ухода Марка, то ли новая группа некоторых участников этой американско-филиппинской мафиозной группировки, где они пытались найти себя заново. И хотя трэшем на этом псевдо-дебютнике не пахнет, имя Death Angel, маячащее на заднем плане, можно вполне считать знаком качества. Как выяснилось, Роб Кавестани может не только время от времени подпевать, но способен вытянуть и целый альбом. Причём весьма неплохо. Сохранив все те элементы, которые столь выгодно выделяли коллектив на калифорнийской трэш-сцене – энергию, мелодичность, хлёсткие риффы и искромётные соляки – The Organization, видимо, поняли, куда дует ветер на штатовской музыкальной сцене и стали местами напоминать такие достойные акты как Soundgarden, Mother Love Bone или даже то, что выдали Metallica на «Load» в 1996-м году. И это вполне комплимент. А саундгарденовский «Badmotofinger» (1991) приходит в голову, когда слушаешь «Lift», из-за отвязной гитарно-саксофонной какофонии.

Короче, «Организация» - это довольно симпатичное, но коммерчески неудачное продолжение или новое хард-роковое начало Death Angel, которое почитатели и почитательницы этой группы вполне могут на досуге послушать и получить при этом массу позитивных эмоций.

Inner-Self  21 мар 2011

Никогда не верьте рецензиям, отзывам и описаниям, которые пишут профессиональные критики. Потому что они лица заинтересованные. Никогда не верьте рецензиям, отзывам и описаниям, которые пишут непрофессионалы. Ибо они необъективны. В поисках информации об этой молодой американской команде, я перечитал несколько отзывов и узнал потрясающие вещи. Что Stygian - неудачный клон Metallica; что они играют трэш… или хэви… а может быть и дэт; что находятся под влиянием Pantera и As I Lay Dying.

Значит так. Некое призрачное сходство с «Load\Reload» можно заметить, только если специально задаться такой целью. И уж тем более нет тут ни дэта, ни металкора. Есть грув, есть хэви и трэш в гомеопатических дозах. Есть потрясающий своим напором и эмоциональностью вокал, в котором чувствуются нотки то блюза, то альтернативы (не обошлось, к сожалению, и без характерных для мазафаки плаксивых интонаций). Есть очень глубокое и одновременно мягкое гитарное звучание, создающее вместе с яркими партиями бас-гитары плотный среднетемповый кач, временами разнообразящийся слегка банальными, но исключительно приятными соляками. Есть мрачновато-агрессивное настроение, не угнетающее, но заряжающее слушателя энергией. Смачно записанные ударные, и вообще, отличное качество записи, воспринимаются уже как само собой разумеющееся.

На закуску - «My Regret», тяжелый драматичный медляк в духе Iced Earth и «Fever Slide», лиричная акустическая баллада с очень красивыми клавишами в финале. После прослушивания в голове остаются звучать припевы из первого трека и «My Regret», хотя удачных мелодий здесь немало. Риффы не запоминаются, и надо сказать, довольно шаблонны, маленькая такая ложка дегтя.

Оригинальности особой нет, да и не нужно. Свежо, интересно. Да, вот именно так, не оригинально, но слушается свежо. Послушайте сами и не верьте рецензиям. Мне верить можно.

Chaplain Godefroy  21 мар 2011