|
|
 |
|
| Идеальную форму выражения своего «Я» демонстрируют музыканты питерской группы Abyssphere в своем новом альбоме «Тени и сны». Слишком смелым было бы сказать, что их музыка уникальна и совершенно неповторима. Просто они нашли идеальный баланс триединства «музыка – текст – исполнение».
В сравнении с дебютным альбомом «Образы и маски» (2008) новый альбом существенно прибавил по всем фронтам: и в технике, и в исполнении, и в текстах, и в записи. Название «Тени и сны» и визуальное оформление представляют альбом как современный неоромантизм, для которого присуще упоение прошлым.
Романтичные колыбели снов подчеркивает радужная игра инструментов. Музыка то капризная, то нежная; то жизнеутверждающая, то беспощадная; то лиричная, то жесткая. Она призвана подчеркнуть и наполнить дополнительным смыслом романтичный текст и волнительное исполнение. Меланхолию альбома выгодно отличает доминирование в каждой песне различных сочетаний муз.инструментов: то это плачущая скрипка и крадущиеся клавиши, то режущие нервы гитары и капризная скрипка, то удаляющиеся клавиши и отмеряющие ритм удары барабанов…
Разнообразие звуковых картин делает музыку обогащенной и эмоционально насыщенной. Не только музыка, но и паутинного содержания тексты песен выигрышно отличают Abyssphere. Тексты, как воспоминания минувших событий, пронизаны грустью о потере идеала и осознанием, что счастье вернуть невозможно.
В центре каждой композиции оказывается очарованная душа «Я-героя», потерявшего рай и нашедшего свой ад. От воспоминания счастья и упущенных мгновений, «Я-герой» плавно подводит слушателя к беспощадной реальности, где на стыке двух миров (прошлого и настоящего), как потрясение, рождается человеческая трагедия. Это потрясение доходчиво передается слушателю. Да и форма подачи душевной истории подкупает тем, что каждый слушатель может прекрасно себе представить все чувства, обуревающие «Я-героя», и примерить их на себя.
Вокалисты, а их двое, с такой психологической отточеностью подошли ко всем эмоциям текста, что им доверяешь. Вокалы не настолько красивы, насколько подкупающе эмоциональны и экспрессивны. И, наверное, экспрессивной правдивости не хватает сегодняшнему слушателю. В пении музыканты демонстрируют не только свои вокальные успехи, но и обезоруживают себя, раскрывая слушателю свой умирающий внутренний мир. Нежный и дрожащий лирический вокал выгодно поддерживает страстный экспрессивный экстрим-вокал. Сочетание вокалов и разных их взаимодействий (лирический служит фоном агрессивному пению, лирический сменяется агрессивным, светлое воспоминание обрамляется лирическим вокалом, а боль экстрим-вокалом и т.п.) наполняют песни страстностью.
Для лучшего восприятия и как дополнительный эмоциональный ряд музыка поддерживает вокалистов. Она не просто расцветет в песнях, но и обогащает звучащие вокалы. Возникает такое ощущение, что для музыкантов музыка становится средством бегства от реальности, где они могут ощутить всю прелесть жизни и проявить себя.
Маленькой фишечкой музыки и пения Abyssphere можно назвать увлеченность проработкой лирических моментов. Там, где маститые зарубежные исполнители замолкают перед лирическим проигрышем, Abyssphere, наоборот, наполняют эту музыкальную нишу исполнением особой драматичности.
Из гармоничного вальса музыкального обрамления, проникновенного исполнения и романтичного текста композиции альбома оживают. В них можно почувствовать слезы, уловить внезапный взгляд... Песни настолько насыщены чувственностью, что походят на катализаторы эмоций.
Интересно, что при всей грусти текстов, исполнения и музыки, как раз грустных эмоций песни не вызывают. Наоборот, они озаряют. Грусть как будто трансформируется в сознании слушателя в нечто лучезарное, как ощущение прикосновения к чему-то прекрасному. То обстоятельство, что композиции альбома не вызывают грусти, а как бы побеждают грусть, делают их уникальными, даря освобождение и высвобождение из оков повседневности в мире ностальгий...
|
|  |
|
|
|
|
|
| То, что после выхода четвертого полноформатника Blood Red Throne все вдруг дружно начинают удивляться, что в Норвегии кто-то в состоянии играть качественный death metal, говорит прежде всего о неком предубеждении по отношению к норвежской сцене. Это, в общем-то, понятно. Норвежская метал-сцена известна прежде всего своими black metal-актами. Но в то же время нельзя забывать о таких самобытных коллективах как Theatre of Tragedy, Tristania, Trail of Tears, которые не имеют каких-либо поползновений в сторону black metal, но вот уже многие годы известны за пределами своей стилистической ниши.
В случае с Blood Red Throne удивление еще более усиливается, ведь идейным вдохновителем и лидером группы является Terje Vik Schei, в музыкальных кругах известный как Tchort. Если и требуются объяснения, то лишь одного факта, что партии бас-гитары на альбоме "In the Nightside Eclipse" Emperor исполнял этот музыкант, достаточно, чтобы понять, какое значение он имеет для норвежской метал-сцены. Да и участие в Carpathian Forest... Так, СТОП! Вот видите, и на меня тоже оказывает влияние норвежская black metal-сцена, и моя рецензия на death metal-альбом скатывается в перечисление регалий лидера Blood Red Throne в норвежском блэк-метале.
При первом же прослушивании альбома "Come Death" бросается в глаза тяготение коллектива к американскому death metal. Причем это ощущение складывается практически из всех факторов: звучание, гроул, лирика и даже оформление буклета (которое напомнило мне "Warkult" Malevolent Creation). Материал альбома вызвал у меня только положительные эмоции, какого-то негатива не было и в помине. Весь альбом складывается в отдельный монолит, и даже кавер на "Disincarnated" Gorguts практически не выпадает из общей картины мирового краха и упадка, отображенного в концепции альбома. Не выпадает еще и потому, что людям, не знакомым с оригиналом, без посторонней помощи и не определить, какой из треков является кавер-версией.
В целом, альбом меня не разочаровал, но и чрезмерных эмоций не вызвал (как это было в свое время с "Affiliated with the Suffering"). Ровный, качественный, профессиональный дэт-метал для настоящих гурманов. Чего-то кардинально нового вы не услышите, но потраченного времени и денег точно не пожалеете.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ранний Velvet Cacoon (первоначальная версия рассматриваемого альбома датируется 2002-м годом) – компромисс между гипно-атмосферностью и ритмичностью. Ни для кого не секрет, что минимальными средствами музыканты создают невиданные по апатической нагрузке, с запредельной атмосферой самоизоляции полотна, но никогда еще подобная музыка не была настолько драйвовой в сомнамбулическом состоянии. Примитивные, очень сдержанные в количестве аккордов гитарные дорожки подкреплены очень харизматичным и запоминающимся драм-программингом (возьмем хоть “A Year of Decembers”), благодаря которому даже в таком, казалось бы, безнадежно монолитном и бесцветном альбоме, можно найти определенную хитовость. Хотя опусы VC декларативно инспирированы наркотическими средствами, сами трипы совершаются в обстановке вполне ожидаемой. Вот такой вот порою неудержимый бег по заснеженным лесам и угрюмое полуживотное озирание кругом (в поисках добычи?) в моменты замедления, как, например, в “Nest of Hate”, и составляет содержание полетов не совсем во сне и совсем не наяву. Правда, буквально рядом можно найти и безмятежное творение, практически колыбельную – “Perched on a Neverending Peak” с таким убаюкивающим союзом вокала и ритма... Но наркотические опыты американцев в блэке - отнюдь не самоцель. Истинная цель - манифестация безжалостной мизантропии, которая принимает такие сладостные формы у Velvet Cacoon. Идеалом служит заявленное в названии последней композиции эмбиент-блэковой части альбома состояние “World Untouched By Mankind”. Воистину подобное искушение могло появиться только в рамках блэк-метала, американцы лишь придали ему уникальную, присущую в таком качестве только им форму. Жалко только, что субъект при восприятии «Dextronaut» неустраним... Впрочем, пик блаженства без особых мук творчества ожидает слушателя во второй части альбома... Там уже ничто не мешает грезам и забытью, а трэки 20, 30 минут... да какая разница, эмбиентный максимум – вот что единственно должно иметь значение для адептов творчества этого коллектива.
|
| |
|
|
|
|
|
| Симфоническая мощь интро и торжественная декламация никак не подготавливают нас к тому, что перед нами самый что ни на есть ущербный оркестр. Непрезентабельность состава вроде как сразу очерчивает диапазон эстетической ценности... Однако этот малый коллектив обладает невиданными амбициями, которые проступают по ходу этого странного дебютного альбома. Альбом прежде всего не совсем о музыке, он о мироощущении, которое вербализовано. Альбом о вокале. О вариациях голоса, акцентах и интонациях и перекличках с подлинным музыкальном искусством. Urfaust разом перебрасывают мостик от высокой культуры до контркультуры, соединяют стабильную и признанную историю и спорную современность. Где аскетический сырой блэк, там недалеко и море симфонизма, где классическая музыка там на другом конце море разливанное эмбиента. Вокала то много, то совсем нет... IX методично бросается из одной крайности в другую, то вещая горькие откровения голосом мефистофелевского всеведения, то практикует суицидальные вопли явно ненормального человека, то вдруг как зарядит фолкообразные распевы, явно инспирированные добрым европейским пивом.... Гитары минималистичны, одна ленивая фраза сочится тонкой струйкой песка, застилая глаза и опуская в дремоту, ударные бесстрастным перестуком придают медитативной процессии документальный оттенок. Излом и без того неоднозначной схемы альбома происходит на 4-м трэке, когда неспешный рефлексивный метал сменяет терзающая нервы авангардная классика, а затем как ни в чем не бывало – дарктроноообразный скоростной блэк. После этого нет пути назад, к предсказуемости блэк-метала, «Geist Ist Teufel» входит в полосу вневременья и непререкаемой мудрости: тяжелым аутенчичным симфонизмом Urfaust закрывают черный и маломальски структурный раздел дебюта, продолжая абсолютно не темной и без малейшего признака оккультности эмбиентной зарисовкой на 15 минут. И здесь и губа у музыкантов не дура и вкус налицо – этот монументальный диск закрывает эталонная атмосфера – подобная тем, что создавал пионер этого дела Брайн Ино для пустынных аэропортов и которые восприняли The Orb и отразили в своем эмбиент-хаусе. В итоге «Geist ist Teufel» предстаем не местечковым опытом таланлтивых людецй из андеграунда, но произведением вселенского масштаба, словно проходящим через века. Не каждому дано из непролазной лоу-файности блэка возвыситься до артистизма театрального масштаба и так остро ставить вопрос об ответственности вокала, нагружая его нетривиальными эмоциями.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось бы, ну что еще можно сказать в глэме? Стиль отжил свое, пропал, протух и исчез в потоках всякой новомодной ерунды, радуя любителей цветастой старины бессмертными образцами стиля, восходящими к ярким и безумным восьмидесятым. А вот и нет. Не так-то просто добить этот жизнерадостный, размалеванный в диком гриме и увенчанный невообразимой прической трупняк, закинутый в кладовку за ненадобностью в девяностые. Сейчас он снова будоражит общественность, готовясь вырваться из забытья и снова надрать задницу всему миру, как это было в его лучшие годы. Старички-ветераны проснулись, оторвались от заляпанной бутылки "Дэниэлса" и сочных губ очередной группи и, поправив прическу, выползают к микрофонной стойке на радость многочисленным фанатам, которым уже по статусу положено, проливая скупые слезы, вспоминать свою бурную молодость. Но не стариками едиными, опыт заслуженных работников лака и гитары активно перенимает молодежь, и то тут, то там появляются команды молодых глэмстеров. Само собой понятно, что большая их часть – полная туфта, но, что греха таить, туфты и в восьмидесятые хватало. Ну, тогда выход напрашивается сам собой, послать всех салаг к черту и слушать одну классику, потому что все равно сейчас «как тогда» уже не сыграют. А вот и нет, господа любители классики. Тут-то и вышибается дверь чулана, и на сцене оказываются наши сегодняшние гости. Глэмстеры. Настоящие. Волосатые, залаченные как "Мотли", перемазанные кровью, как "Васп", жуткие, дикие, но симпатичные до одури. Скажу сразу: дебютник шотландцев не просто меня поразил, он скинул меня со стула и въехал молотком по голове. «Не умеют играть как раньше» - говорите вы? Да черта с два. Эти парни своей бьющей через край энергией и драйвом рвут на шотландский флаг и ранних "Мотлей" на пару с Ratt и даже, прости Господи, первые альбомы W.A.S.P., не говоря уж о всякой мелюзге. Десять кипящих, искрящихся песен как десять пуль прошивают обшивку избалованного музыкального вкуса, попадая точно в цель, и сметая все на своем пути. Хотя и стрелять не надо – этим ребятам можно сдаться без боя. Такой мелодичности и, вместе с тем, драйва я еще ни у кого из глэмщиков не слышал. Чувствуется, что за это нужно благодарить заметное влияние на музыку Peep Show панк-рока, от которого альбому досталось неудержимая безбашенность, отвязность и всяческое презрение к любой слащавости. Это здесь во всем: в «грязных» гитарах, долбежных ударных и, главное, в голосе вокалиста. Об этом голосе можно хвалебно распространяться часами и не устать, настолько здорово он подходит такой музыке. Среднее арифметическое из голосов Купера, Нейла и Лоулесса: едкое, наглое, издевающееся, вобравшее в себя все лучшее, что было у этих вокалистов. О качестве записи можно было бы и не говорить, но и здесь у Peep Show все отлично. Вообще, у диска только один недостаток – уж больно короткий, как юбка у стриптизерши, но в отличие от той самой юбки, в этом самом случае хочется, чтобы было подлиннее, но это легко и просто лечится нажатием кнопки «риплей».
А ведь это, черт возьми, дебют! Что же дальше-то будет, если ученики и так уже почти превзошли учителей? А по мне, так многих и действительно превзошли. Короче говоря, всем, кто любит глэм – слушать, ловить кайф и радоваться, что нашим кумирам растет более чем достойная смена.
|
| |
|
|
|
|
|
| После продолжительного перерыва "Фильтры" во главе с бессменным лидером группы Ричардом Патриком врываются в современное движение мэйнстрима. Сразу отмечу, что в этом альбоме нет прошлой индустриально-альтернативной тяжести. Материал представлен среднетемповыми композициями в стиле альтернативного рока, и упор сделан на свойственные данному стилю хитовые мелодии с гитарным саундом средней тяжести, хотя пару тяжеленьких треков, типа "The Take", можно нарыть. Отмечу открывающую диск "Soliders of Misfortune", которая олицетворяет лицо всего альбома и показывает всем молодым группам (которых сейчас немало) данного направления, с кого надо брать пример. Вокал Ричарда Патрика звучит очень искренне и идеально подходит под данную музыку. Может быть, если бы данный альбом записала какая нибудь другая группа, я и не обратил бы на него пристального внимания, но "Фильтры" обладают индивидуальностью и их всегда приятно слушать. Ричард и Ко сочинили и записали качественный и мелодичный альбом альтернативного рока, это не откровение конечно, но мне альбом доставил большое удовольствие. Сочетание музыки и вокала очень гармонично воспринимается. "Фильтры" никогда ширпотреб не писали и всегда стояли обособленно от многих представителей тяжелой мэйнстримной индустрии, и уже давно сложилось мнение, что понятия "группа "Фильтр" и "качественная музыка" являются синонимами.
|
| |
|
|
|
|
|
| Представляю вашему вниманию команду из Италии, музыка которой довольно непроста технически, в композиционном плане очень притягательна и оригинальна, местами хаотична, местами - прекрасна и легка. Определить принадлежность группы к одному стилю практически невозможно, так как их музыка сочетает в себе atmospheric post-hardcore, ambient, post-metal, progressive! Интересно, не правда ли? Альбом содержит 10 треков, четыре из которых - инструментальные, и при их прослушивании буквально погружаешься в атмосферу посторонних шумов, звуков и спецэффектов. При этом ни один из них не успевает надоесть, настолько велика доля непредсказуемости композиций (эта черта присуща всему альбому), и это очень радует и даже удивляет, если смотреть на то, что средняя продолжительность песен - 7-8 минут, и если кто-то боится утомиться во время прослушивания, могу сказать только одно: времени зря вы не потеряете, это 100%. Что касается треков с вокалом, то вокала здесь два типа, основной - харш, и бэк - чистый, используется все грамотно и к месту, в плане музыки нареканий нет, всё продумано до мелочей, зацикленности на отдельных приёмах не наблюдается, жесткость выстроена гармонично со сменяющей её мелодией, переходы и смены ритма доведены до идеального, и всё это объединяет название "The Long Procession". Да, в принципе, Long, но процесс прослушивания увлекательный. Гениально!
|
| |
|
|
|
|
|
| За что я люблю лейбл Senile Dementia, так это за отличный музыкальный вкус его руководителей. Этот лейбл не отличается большим числом релизов, однако каждый представляет собой качественную и интересную музыку. Это свойство выгодно отличает SENDEM от большинства других российских нет-лейблов, где количество часто превалирует над качеством.
Компиляция посвящена теме постапокалиптической жизни человечества, и пресс-релиз уже дает толчок фантазии. Хотя некоторые моменты в описании дают повод думать, что не все так сурово, и руководство лейбла проявило определенное чувство юмора, когда разрабатывало концепцию данного релиза.
Итак, первая композиция, принадлежащая проекту Dodeccaheedron, напомнила мне одновременно Raison D`Etre эпохи альбома "Enthraled by the Wind of Lonelienes" и некоторые вещи In Slaughter Natives. Как я понял, композиция повествует о войнах человечества: в начале мы слышим звон мечей и крики средневековых армий, далее на звуковой арене появляется стрелковое оружие и свист авиационных бомб. Меняются эпохи, совершенствуется оружие, однако люди не меняются, ими движут одни и те же мотивы. Такие мысли возникли у меня после прослушивания этой композиции.
Далее Insomnia93 с треком, давшим название компиляции. Качественный, мрачный, минималистичный трек выполнен в лучших Cold Meat`овских традициях, однако для меня откровением не стал. Предыдущие творения этого автора звучали, на мой взгляд, гораздо интереснее.
Далее новый трек от Neon Lotus. Отличная композиция, в ней сохранена некая смесь научно-фантастической и мистической атмосферы, за которую я полюбил музыку этого проекта. Воображение рисует подземные туннели, ракетные шахты, заброшенные военные базы, секретные лаборатории. И голос, шепчущий не то из динамиков шлема экзоскелета, не то прямо в голове.
Композиция Neon Lotus плавно перетекает в композицию Ego Ex Nihil - здесь мистико-научно-фантастическая атмосфера усиливается в десятки раз и достигает своего апогея. Хотя трек весьма минималистичен, абсолютно статичен и не имеет каких-либо событий в своей структуре, он полностью погружает слушателя в свой мир. Очень удачным ходом я считаю использование речевых сэмплов, возможно, они и создают такое настроение. В общем, этот трек является одним из моих фаворитов.
Хотя JISM запомнился многим слушателям по IDM-элементам, следующая композиция представляет эмбиентно-шумовую сторону проекта. Искаженный детский голос звучит как галлюцинация, легкие трески и постукивания на заднем фоне полностью обволакивают сознание слушателя. Все это создает ощущение отчаяния и отчуждения от окружающей реальности. Примерно такое чувство рождается, если напиться до невменяемого состояния, когда невозможно встать и открыть глаза. Пожалуй, самый мрачный и депрессивный трек в компиляции.
Далее мы слышим композицию проекта FugaSatanae. Она более спокойна и атмосферна, чем предыдущие треки, поэтому здесь можно отдохнуть и расслабиться, погрузившись в туманы бессознательного.
Примерно такие же впечатления рождает трек Hamaner-Tri. Здесь интересной фишкой мне показались глитчевые моменты ближе к концу, если бы их было больше, думаю, было бы здорово. Однако таких элементов на компиляции мы больше не найдем и продолжим погружаться в глубины эмбиентной музыки.
Ashleshia IX ft Alex Hedin опять нам напоминает о проектах Питера Андерсена, можно провести прямые аналогии с Raison D`Etre и Necrophorus. Качественный и интересный трек, рисующий в воображении проникновение ночью в готический собор и изучение скрытых в нем тайн.
Композиция Deep Frozen Lands выполнена в фирменном стиле проекта, музыка рассказывает нам о суровых ночах в тундре и о том, как тяжело будет выжить в условиях ядерной зимы. Проект уже снискал себе славу "северной" тематикой большей части своих альбомов, поэтому скажу лишь то, что данный трек звучит вполне традиционно для Deep Frozen Lands и представляет его лучшие стороны.
Ownsi Lense звучит весьма загадочно. Странный звук в середине композиции, похожий не то на жужжание мух, не то на искаженный женский голос создает атмосферу запустения и опасности. Воображение рисует пустые города и заросшие травой дороги. Очень хорошая работа.
Ну и последний трек я комментировать не буду, так как являюсь его автором. Скажу лишь, что Alex Hedin удачно его отредактировал (оригинал, который войдет в следующий альбом Asphodela, больше по времени), и как мне кажется, он вполне удачно закрывает компиляцию.
Отдельно хочу написать пару слов об оформлении. Обложка на первый взгляд кажется странной. Однако она мне нравится за счет своей нетипичности - так надоели эти стандартные dark ambient-обложки с изображенными заброшенными заводами/подземельями/абстрактной неведомой бабуйней. Кроме обложки, вы найдете буклет, каждая страница которого посвящена проектам, принявшим участие в компиляции. Фотографии на заднем плане и приятный светло-серый фон максимально способствуют ознакомлению с информацией о музыкантах. В общем, оформление действительно классное, так как отлично сочетает информативность и стильность.
В заключение хочу написать несколько выводов. Во-первых, порадовало качество звука. Во-вторых, расположение композиций так подобрано, что один трек плавно перетекает в другой, словно продолжая его. Безукоризненно соблюдена концепция, все треки отлично сочетаются друг с другом. Поэтому компиляция звучит как единое произведение. И в-третьих, отличное оформление, которое выгодно отличает этот релиз от других подобных компиляций (где только обложка и всё). Надеюсь, SENILE DEMENTIA продолжит нас регулярно радовать хорошей музыкой и прекрасным оформлением своих релизов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сложно писать об этой уникальной группе с красивой, интересной, сложной, и достаточно трагичной судьбой. Особенно, когда душа коллектива, бессменный руководитель и просто удивительнейшего дарования музыкант Хенрик Эстергор (Остергард) недавно покинул этот мир.
Начав как обычная американская команда из колледжа, к 1987 году они выпустили три независимых альбома, материал которых во многом пересекался, но дурное качество записи и отсутствие какого-либо продюсирования не могли ввести в заблуждение относительно огромного будущего, ждущего этот коллектив. Взяв простые риффовые структуры AC\DC, мелодику Scorpions, бешеный драйв европейского хэви (Accept в частности) и чисто американское глэм-металлическое чувство от Ratt и Motley Crue, DL сотворили совершенно неповторимый сплав и разработали свою незамысловатую, но совершенно неповторимую манеру. В любом случае, при огромном количестве клонов великих австралийцев, этого американца датского происхождения и его часто менявшиеся составы нельзя причислить к этому сонму.
В альбом "Cool from the Wire" вошло очень много композиций с их первых трёх независимых релизов; эти песни были прекрасны сами по себе и ранее, но гений звукорежиссуры Макс Норман сотворил истинное чудо. Тут сложно выделить что-то одно, альбом ровный, бодрый, красивый, заряжающий позитивом на всю оставшуюся жизнь. И если вы единожды услышите атакующие гимны "Cool from the Wire", "It's Not the Way You Rock", "Put a Spell on You", "Get It Right", пронзительную балладу "Can't Take My Eyes Off of You", душераздирающий блюз "Wastin' My Time" и, конечно, главный хит альбома, громоподобный, очень в духе AC\DC рок'н'ролл "Oh Ruby", то после этого эта группа уже никогда не станет для вас одной из многих. Это прекраснейший образец искреннего и честного хард-н-хэви, и я называю его шедевром на все времена. Жаль, что больше этого уже никогда не будет. Rest in Peace, Henrik, The Great Dane.
|
| |
|
|
|
|
|
| Korpiklaani с завидной частотой радуют любителей своего творчества новыми работами, вот и в этот раз свежей порции долго ждать не пришлось. Подоспел "Ukon Wacka". Что же ждет нас за красивой, наполненной предчувствием ночного леса обложкой?
В музыкальном плане финны идут по проторенной дороге. Их работы - все та же смесь из тяжелых риффов и скандинавской народной музыки, что и в начале творческого пути. Это по-прежнему весело, драйвово и угарно, но теперь уже не выглядит таким откровением, как раньше. На протяжении нескольких последних пластинок Korpiklaani никак не меняют свою музыку, и это уже начинает раздражать. Я не из тех, кто требует постоянных экспериментов со звучанием и стилем, но, черт возьми, пора сделать что-то менее ожидаемое.
Помимо однообразия в рамках последних альбомов, их похожести друг на друга, присутствует и значительное однообразие композиций на "Ukon Wacka". Песни с трудом ложатся в память, тяжело вычленить что-то из общей картины. Справедливости ради стоит заметить, что одна из причин этого, вероятно, финский язык. Все композиции, кроме кавера на Motorhead, написаны на нем. С трудом мне удалось найти лучшие песни. Это "Tequila", заглавная "Ukon Wacka", "Korvesta Liha", "Koivu Ja Tähti".
К качеству записи нареканий нет: все звучит чисто, ни один инструмент не теряется и не смазывается на фоне других.
Альбом явно будет хорошим фоном для веселой попойки на природе, но зная потенциал Korpiklaani, этого недостаточно. В будущем, я надеюсь, финны найдут новые источники вдохновения и будут больше внимания уделять каждой отдельной песне. Короче, с учетом прошлых заслуг и в ожидании новых, более ярких и оригинальных работ, я ставлю 7/10.
|
| |
|
|
|
|
|
| Всякий раз, когда мы упоминаем группу Адаптация AtNica, сразу почему-то на ум приходит Адаптация из Казахстана, и вот тут-то невольно пытаешься поправить собеседника и указать на то, что, дескать, первая образовалась чуть ли не на пять лет раньше. И что играют эти Адаптации совершенно разную музыку, и живут даже в разных государствах, и только по нелепой случайности имеют общее название.
Так или иначе, уже существует некая легенда о том, как два лидера, Ермен Анти (Адаптация) и Сергей Моисеенко (Адаптация AtNica), встретились на одном из фестивалей нашей необъятной Родины и с честью для каждого решили эту непростую, щекотливую проблему. Как быть с названием? И хоть название и придумано воронежцами раньше (в доказательство имеются публикации 1991 года), на уступки все же идти пришлось. Сказался творческий перерыв С. Моисеенко, что на деле стало непростительным. А посему и подписали слово "AtNica", что дословно означает «у победы», для тех, кто не озадачен переводами просто как «этника». Да и к месту, ведь звучание то там, то здесь у воронежцев так или иначе завязано на музыке народов мира (!). В 2009 году на московском «Перекрестке» Адаптация AtNica выпускает альбом с материалом, записанным в разное время и разными музыкантами. Что ж, на мой взгляд, работа неоднозначная, фантазия и «перевоплощения» у группы настолько развиты, что порой оказываешься в некотором недоумении: что это, просто эксперимент с нежеланием «правильно» петь, или эклектическое восприятие Сергея Моисеенко, завязанное на собственном видении своих песен. А посему, заглядывая в статьи, посвященные Адаптация AtNica, не могу не отметить и тот факт, с каким рвением пытаются привязать творчество С. Моисеенко хоть к какому-то стилю всевозможные критики и писаки. В поисках истины найдется такое как арт, прогрессив, русский рок и даже бард-определение. Довольно? Это еще не все, ведь впору лидеру Адаптация AtNica и всей его группе с такими лестными эпитетами встать на пьедестал славы отечественного рок-н-ролла! Но не тут-то было. Оказывается, быть ни на кого не похожим, иметь, получается, свое лицо, даже как-то неприлично. Вот уж оказия.
В свое время Led Zeppelin, каковых так некогда любил и любит С.Моисеенко, экспериментировали от альбома к альбому, и их концертные выступления вы не найдете схожими. Прошли эти уроки мимо, или нет, судить нам. В свое время Аквариум о себе писали: «у Грейтфул Дэд» есть все, у Аквариума нет ничего». Эта формула как нельзя лучше отображает положение дел многих групп сегодня и Адаптация AtNica - не исключение. Хотя в последнем выпуске журнала "In Rock" (стр. 51) некий В. Импалер и прошелся с задушевным издевательством по группе, но все же не смог не признать их песни «Вдалеке небес» и «Шаман» хитами. И слава социальной сети, местонахождению всех прогрессивных и не очень групп. С их парадоксами и «абсолютно непоставленными вокалами», на что, как правило, ссылается и объявляет во всеуслышание нам всем господин В. Импалер. Что ж, видимо, второй альбом группы, над которым так усердно работают "этнические адаптаторы", вызовет, по мнению тех же СМИ, еще не те отзывы, что мы имеем на сегодняшний день. На одном из московских сайтов читаем интервью С. Моисеенко ( http://www.moskva.com/interview), где он достаточно подробно рассказывает, как и почему группа Адаптация AtNica все больше и больше стала уходить в балканско-цыганское звучание. Конечно же, доминантой все же является роково-фузовый саунд гитары, и группу качает от одного стиля к другому, и тем не менее, крен в сторону гуцульско-балканского саунда все больше. Конечно же, хотя какой-нибудь незадачливый меломан и махнет на это, отправив к избитой формуле, что все это, мол, рок-н-ролл, мы все же пойдем другим путем.
Видимо, музыкантам кажется, что под таким именем как Адаптация AtNica можно выпускать все, что угодно. Может, оно и так, но многим, например, по душе их баллады, и никакой уж истерии с балканщиной там нет и в помине. А другие, кто хоть как-то связан с балканизацией, утверждают, что это вообще не та музыка, о которой надо говорить. И что же на выходе, музыканты сами не знают, что они и кто они? Вот тут-то собака и зарыта, и без квалифицированной помощи и диагнозов специалистов им не обойтись. По сути, как показывают их песни, для их лидера С. Моисеенко, с его ветеранским стажем, думаю, не составит труда написать что-нибудь в ретро-стиле, а еще с эйсид-трипхоповскими прибамбасами, да еще так, чтобы это все вкатило не от мира сего новоявленным тинэйджерам.
Учитывая то, что отечественная рок-сцена переживает не лучшие времена, и различной музыки настолько много, что порой теряешься в догадках, а нужно ли столько, и как среди суррогата отыскать нужный бриллиант, не оказавшийся заурядной стекляшкой - задача не из легких. И это к вопросу о «штучности» товара. Похоже, сами же рок-музыканты отучат зрителей ходить на собственные концерты. И я тут даже не о группе Адаптация AtNica, выживет лишь тот, за кого проголосуют рублем, а платить у нас не любят. В умах останется то, без чего не сможет жить неокрепшая душа слушателя, пронеся все это через годы. И если, к примеру, взять песню Адаптация At Nica «Яд», то откроется картина некой средневековой страсти, с ее раем и адом, закрученной винтом, как бокал выдержанного вина, и влитым в сознание оптимистического воскрешения, в "скорой помощи", на пути перехода от одной жизни к другой. И чего, спрашивается, не увидишь с перепугу на этом тернистом пути... Или, скажем, фламенковая «Ветер Каррары», правда, ничего общего не имеющая с тем каррарским мрамором, из которого изваял своего Давида Микеланджело, нет и быть не может, а посему, смотрим на карту и видим, - песня на испанский лад, а город-то в Италии, ну да ладно, так ли это важно. А между тем, в песне известная молитва, испанская культура, правда, на балканский манер, но все же звучит, и как! Задаешься вопросом: не Пако де Люсия или Аль ДиМеола ли сыграли на гитаре в этой песне?
Теперь о текстах. Для этой группы текст имеет особое значение. Они порой непонятны ("Ищи мое солнце"), порою юмористичны ("Шаман"), образны ("Место"), но главное - в них есть какой-то остаток на домыслие. Хочется еще как-то покопаться, где-то добрать. Такова песня «Для вина и любви». Не совсем понятно, что именно хотел сказать автор, то ли это пацифистская притча залихватского цыгана, то ли это философские ухищрения на тему ницшеанского Заратустры. Видимо, журналистское образование Моисеенко не дает покоя, говорят, эту песню могли украсить трубы, но именно пронзительная игра сессионного скрипача-виртуоза решила задачу и раскрепостила композицию своими узнаваемыми нотами хава-нагилы. Так или иначе, все не передать. Я рекомендовал бы послушать, альбом «Для вина и любви» включает культуру различных народов и музыкальных стилей, авторам однозначно тесны рамки какого-то одного из них. Что ожидать от последующих альбомов Адаптация AtNica? Поживем - увидим. Но то, что воронежская Адаптация AtNica - не котенок с улицы Лизюкова, это однозначно. |
| |
|
|
|
|
|
| Kiss me kiss me kiss me!
Your tongue is like poison
So swollen it fills up my mouth…
Между "ледяной трилогией" и "Disintegration" The Cure записали 3 альбома. Они менее популярны и в чем-то проигрывают вышеназванным, но один из них – данный, я хочу отметить рецензией.
"Kiss Me Kiss Me Kiss Me" – двойной альбом (для издания на CD одним диском была убрана песня "Hey You", шедшая под номером 8. После ремастеринга в 2006 году песню вернули на прежнее место), вышедший в 1987 году. Меланхолия и депрессия закончились на "Pornography", Роберт Смит поиграл в группе Сьюзи Сью, в настроении группы произошли перемены, которые вылились в легкие, полупопсовые-полутанцевальные песни на "Head on the Door" и продолжились на этом диске.
4 песни с диска вышли в качестве синглов: «Just Like Heaven», на которую был снят клип, «Why Can’t I Be You?», «Catch» и «Hot Hot Hot!!!», многие песни с альбома играются группой на концертах.
Почему же диск так хорош? Ответ прост – песни. Открывающий трек «The Kiss» с тревожным басом в начале и «I wish you were dead» в конце отсылает нас к раннему творчеству, «Fight» – оптимистичная и позитивная песня о том, что нужно бороться и не сдаваться (кто бы во времена "Pornography" мог подумать, что у Смита будут позитивные и обнадеживающие песни?) является прекрасным завершением альбома, а между ними – песни о любви, которые легко и приятно слушать.
Возможно, из-за количества песен альбом воспринимается не так легко и не всем он будет по душе, но ознакомиться с ним стоит обязательно.
So when the hurting starts
And when the nightmares begin
Remember
You can fill up the sky
You don't have to give in
You don't have to give in…
|
| |
|
|
|
|
|
| Сибирь... Мороз... Непроходимое нечто... Идеальные темы для группы, играющей doom в Барнауле, тем более, зима там весьма отличается от представлений жителей пристоличных областей. Однако парни из барнаульской команды The Extinct Dreams решили поступить немного иначе, выбрав в качестве темы для полноформатника некое "Потустороннее сияние", которое по старинной привычке в российском роке и метале называется символизмом. Разумеется, лирикой это назвать язык не очень поворачивается. Однако, что есть, тому и рады. Неожиданно сведение и мастеринг сделаны весьма грамотно, каждый инструмент чётко слышен, что меня лично очень радует. Если говорить конкретно о музыкантах, то стоит отметить вокалистов: один рычит гроулом, причём весьма неплохо, а вот второй певец ртом использует чистый вокал. Тут стоит заметить, что, видимо, музыканту кто-то сказал, что он красиво поёт. И, как всегда, наивный человек поверил. Искренность, с которой он фальшивит, выводя свои соловьиные трели, подкупает, но не даёт сбить с толку, ибо диссонанс чувствуется. Тут нужно сказать, что стиль группы можно охарактеризовать как смесь death-doom в лице британцев MDB и типичнейшего русского рока с его зачастую слащавыми попсовыми гармониями. Тут вам и пение под акустические переборы, и использование интервалов, которое типично для именитых британцев, завывания, чтобы душа сначала "развернулась", а потом, конечно же, "свернулась", и даже попытки сделать нечто психоделическое. Единственное, что порадовало на диске, помимо сведения, это два инструментала, треки 1 и 3. Вот они действительно удачны.
Любителям типично русского всего рекомендуется.
Диск предоставлен компанией “Backfire Productions”.
|
| |
|
|
|
|
|
| Очень символичное вступление: звуки метели и чьи-то шаги по снегу. То ли идет целая группа людей, то ли это одиночка, блуждающий в поисках пути снежной ночью. Явно "блуждают" в поисках своего оригинального музыкального стиля и сами участники Fester.
"Winter of Sin" удивляет, прежде всего, преобладанием умеренных среднетемповых композиций с достаточно плавным развитием событий. Тем сложнее воспринимается на таком фоне яростный надрывный скрим "Тигра" Матисена, который временами почти один в один снимает то Томаса Линдберга, то соотечественников-блэкстеров, а местами словно предугадывает особенности вокала Микаэля Станне в первом альбоме In Flames. Ведь подсознательно такого рода "пение" куда больше вяжется именно со скоростной и хаотичной музыкой. Еще сильнее удивляют (и даже восхищают) гитарные соло: внятные, плавные, воздушно-мелодичные. Как же не вяжутся они с банальным риффингом, который проповедовали Fester! Причем проповедовали наверняка по причине неразвитых композиторских навыков, а проще говоря - по причине банальной нехватки фантазии. Бывают, конечно, и у ритм-гитариста редкие удачи, но в целом его работа тянет разве что на оценку удовлетворительно: ну что это за "хэви-дэт" без цепляющих мощных риффов? Еще одним выигрышным билетом для релиза мог бы стать больший акцент на бас-гитару – ее редкие выходы на передний план (как в «Liberation») перекрывают почти всю беззубость аккордов. Но бас, увы, прочно загнан на задний план. Нужно ли говорить, что "Winter of Sin" абсолютно не запоминается после первых прослушиваний? А хватит ли у вас терпения для многократного переслушивания альбома – тот еще вопрос.
На следующем альбоме Fester несколько продвинутся вперед – еще лучше станут гитарные соло, больше пространства захватят крайне редкие на дебютнике клавишные вставки, чуть оригинальнее станут риффы. Однако даже "Silence" так и не принесет группе хоть сколь-нибудь широкую известность, что для норвежских дэтстеров, в общем-то, закономерно. А причина этому одна – при мощном потенциале команды из этой страны подводит слабая реализация. Вот и Fester, будучи в некотором смысле одной из передовых дэт-групп, так и не сделали ни одного решительного шага за рамки жанра.
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом как раз-таки не годится для ознакомления с творчеством ирландцев, так как не похож ни на полные юношеского максимализма и задора ранние альбомы, ни на напичканные электроникой пополам с сатирой яркие альбомы 90-х, ни на зрелые и коммерчески выверенные работы 00-х. Скорее, это самостоятельная глава в истории ирландской четвёрки, представляющая собой студийно-живой отчёт о путешествии группы по США в рамках тура The Joshua Tree Tour 1987-1988 годов, когда после выхода одноимённого альбома на группу обрушилось настоящее признание.
Являясь логическим продолжением "The Joshua Tree", альбом пропитан духом Америки, со всеми её достоинствами и недостатками, героями и антигероями. И это отразилось на звучании и на текстах. Ни на одном альбоме U2 не найдёшь блюз-рок в таком количестве – вернее, не найдёшь вообще. Присутствуют каверы на Боба Дилана, Би Би Кинга, Битлз, хендриксовский вариант "The Star Spangled Banner" в качестве вступления к "Bullet the Blue Sky". Живые версии композиций с предыдущих альбомов звучат ярче и выразительнее студийных вариантов (для U2 это закономерность, какой альбом ни возьми). Хотелось бы
выделить "Van Diemen's Land", исполняемую Эджем, заводную "Desire", "I Still Haven't Found...", исполненную с церковным хором Voices of Freedom, позитивную "Angel of Harlem", а также Би Би Кинга и его великолепную гитару в "When Love Comes to Town". Но больше всего меня поразила "Heartland" – своей умиротворяющей мелодией, переливающейся солнечными бликами игрой Эджа, и чувственным вокалом Боно, воспевающим красоту утренних\закатных пейзажей (в фильме, по крайней мере, был отображён закат).
Вообще, гораздо больший интерес представляет DVD "Rattle and Hum", так как изрядно американизированный альбом не вместил многих прекрасных композиций, исполнявшихся группой в тот период. Да и повествование выстроено весьма грамотно: минимум диалогов, максимум музыки, каждый кадр информативен, скоротечен и не зануден. Выясняется, например, что Ларри - преданный фанат Элвиса Пресли. В целом – светлая и умиротворяющая работа, носящая экспериментальный характер.
P.S. Завершив тур, группа оказалась на распутье – продолжать почивать на лаврах или попробовать новый саунд, благо на дворе 1989 год. И после долгих споров U2 отправляются в Берлин – записывать такое, что и самым преданным фанатам не снилось. Но это уже совсем другая история.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Мы спустились в ад и вернулись обратно, чтобы выпустить эту работу».
Behemoth подошли с душой к созданию своего нового DVD «Evangelia Heretika». Судите сами: несколько документальных фильмов, интервью с участниками, клипы и процесс работы над некоторыми из них, и целых два концертных сета.
Первый DVD включает в себя два концерта: в Варшаве 25 сентября 2009 года и Париже 17 февраля 2008 года. Начать просмотр я посоветовала бы с концерта в Париже, который был проведен еще до выхода альбома «Evangelion». С первых же секунд на вас обрушивается лавина мощного звука, драйва и агрессии. Зубодробительные риффы, бешеные ударные и злой вокал Nergal’a не отпускают до самого конца. Основу представленного материала составляют альбомы «Demigod» и «The Apostasy», разбавленные материалом с более ранних работ, таких как «...from the Pagan Vastlands» и «Summoning ov the Ancient Ones».
Сет-лист варшавского концерта, проходившего 25 сентября 2009 года, сильно не отличается от парижского, если не считать наличие композиций с последнего альбома поляков. Порадовало наличие «Wolves Guard My Coffin», а исполнение последней песни «Lucifer» выше всяких похвал. Также хотелось бы отметить потрясающий гроул Ориона, который вносит некую свежесть в подачу материала.
Минус - обработка изображения. Можно было обойтись без добавления шумов и некоторых фильтров. И от всплывающих названий песен тоже можно было избавиться. Кому надо – посмотрит трек-лист.
Два документальных фильма «Evangelia Nova»(56 мин) и «De Arte Heretika»(55 мин), представленных на втором DVD-диске, – просто кладезь для фанатов. Единственный минус – фильмы на польском языке (правда, с английскими субтитрами). Вы увидите, как музыканты ведут себя за сценой, их общение друг с другом и фанатами, интервью, а также целую кучу приколов. В общем, оба фильма вышли очень веселыми; настроение поднимают отлично. Приятным дополнением служат 8 клипов Behemoth, выпущенных за период существования группы, и процесс работы над ними.
Оформление релиза выполнено качественно. 16-страничный буклет с фотографиями приятно держать в руках.
Итог: достойная работа, хотя и не без изъянов. Ценителям Behemoth – мастхэв!
|
| |
|
|
|
|
|
| «46 Grave»? Пожалуй! И в данном случае такой броский ярлык вовсе не обиден для молодой команды. Речь ведь идет не о бездумном заимствовании идей, неизбежно становящихся непривлекательно-вторичными, а лишь о преемственности поколений. Все-таки жанр пост-панка, да еще и на грани с дэт-роком, в наше время разрабатывается не таким уж и большим количеством групп, пик творчества множества из которых, к тому же, пришелся на 90-е, а то и 80-е годы. А вот Fangs on Fur, едва только начав, уже заткнули за пояс многих маститых предшественников, не говоря уже о конкурентах. Не знаю, в каком аналоге знаменитого «Бэткейва» они набирались сил для столь убедительного рывка, но был бы сам не прочь в нем побывать!
Итак, «FOF», шестнадцать треков с каноничной продолжительностью от минуты до четырех. Вокал F-Girl классически небрежен, но потрясающе выразителен. Помимо следования заветам Дины Кансер из 45 Grave, в нем есть нотки, характерные для Сьюзи Сью времен «A Kiss in the Dreamhouse» - послушайте хотя бы «F-Boy F-Girl». Пустяковая, казалось бы, вещь, но как спета! Не верьте наивному имиджу перезрелой девчушки-потаскушки – это настоящий суккуб. Цементируется материал драйвовыми ударными (с преобладающей гипнотической перкуссией) и в меру плотной гитарной игрой, но без специфической «тяжести», свойственной проектам Евы Ортис или же поздним работам Christian Death. Зато гитарные пассажи не лишены выразительной мелодичности – с одной стороны, это немало разнообразит материал (так как немало тут и жестких “ведьмовских” песен а-ля «Cigarette»), с другой – они выгодно контрастируют с присущей жанру хаотичностью и отрывистостью исполнения. При этом Fangs on Fur не чужды ироничному подходу к собственной музыке – тут электрогитара становится пересмешницей утонченной «испанской» акустики ("En el Fuego de Tus Ojos"), а красивой инструментальной композиции задает темп кваканье лягушек («Africa»). Самое главное, что тонкая грань, отделяющая подобные эксперименты от натужного смехачества, к счастью, перейдена не была. Поэтому американцам легко удается добиться должного уровня напряжения, постоянно подогревая интерес к происходящему, и буквально приковывая вас к динамикам безупречной трагикомической атмосферой. Поэтому, сколь невинным не казалось бы зрелище, не расслабляйтесь: Fangs on Fur – не какие-нибудь постмодернисты-неудачники, и если на сцене висит ружье, то выстрелит оно всенепременно, и прольется тогда «Blood on the Sand». Идеальный альбом для знакомства с современным положением дел на дэт-рок сцене.
|
| |
|
|
|
|
|
| Буду честен – первого альбома «Янтарных слез» я не слышал, ничего о нем сказать не могу, так что громкие заявления о том, что «Ключ к декабрю» - это «долгожданный второй альбом самой известной российской pagan / doom metal группы, по праву считающейся одной из лучших на отечественной pagan metal-сцене» воспринял с некоторым недоверием. В конце концов, принято считать, что второй альбом в дискографии каждого исполнителя и коллектива – один из важных этапов карьеры, именно по нему видно, выдохся ли очередной «гений» после своего дебюта или же готов и дальше удивлять и радовать.
Итак, второй альбом – его некогда «продолжатели дела культовой белорусской группы «Gods Tower»» (интересно, когда уже перестанут так называть каждый второй коллектив, не поленившийся обозвать себя «языческим»?), а теперь самостоятельные и самобытные творцы начинают красивым атмосферным интро, во время которого под ногами странника скрипит снег, над его головой кричат птицы, а путь его простирается по заснеженной равнине. Сразу же обращаешь внимание на звучание синтезатора – его партии лаконичны, отчасти сказочны, в меру эпичны и далеки от стандартной фоновой «размазни», коей грешат многие коллеги по сцене. Клавиши обеспечивают и нужный объем «симфоничности», выступая деликатными хоралами и оркестровой мощью тогда, когда в ход идут тяжелые и грузящие монотонные риффы, технически безупречные и мелодичные гитарные соло, а вокалист начинает петь в два голоса, то выдавая задумчивые рассуждения, то переходя на сиплый гроул. По всему видно, что участники коллектива начали борьбу с терминами вроде «последователи» и «продолжатели дела» и стали работать над собственным уникальным звучанием, что не только выглядит разумным ходом, но и звучит весьма интересно. Из того, чем «Янтарные слезы» еще приятно удивили, кроме клавишных и гитарных соляков, которые ближе к концу не только не выдыхаются, но и набирают обороты – это, прежде всего, гусли. Вот, казалось бы, самый народный инструмент, но паганисты в массе своей с ним дел предпочитают не иметь. Здесь же они представлены во всей красе, но в меру, без лубочной истерии на народном творчестве. Их кристально-чистые переливы оттеняют заторможенную поступь дэтовых риффов и дополняют гулкие раскаты ритма. Еще интересны разного рода эффекты, из-за которых некоторые партии гитар имитируют рожки и прочие духовые инструменты («От Солнца Прочь») или приобретают загадочную размытость («Тихим Ручьем»). Ну а с неожиданной неофолковой композиции «Печаль Седых Холмов» начинается финальная и лучшая часть диска, после прослушивания которой хочется повторить все восторженные отзывы и подписаться подо всеми выданными группе авансами от слушателей и критиков. Хочется, однако, рассказать и о самой слабой стороне «Янтарных слез» – это тексты. Я, конечно, не филолог, но больше всего они напоминают записки одухотворенного подростка на последних страницах школьной тетради. Односложные предложения, банальные рифмы из цикла «тебе-мне», рубленые избитые фразы, псевдофилософия… я уже молчу о непонятном обилии запятых в текстах, размещенных в буклете, это уже натуральный кошмар учителя русского языка. За это – одну звездочку долой. За все остальное – высший балл.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пришло время поговорить о данной группе, стиль которой можно охарактеризовать как прогрессивный дэткор с элементами металкора. Узнал о существовании сей формации сравнительно недавно (примерно полгода назад), чем был несказанно обрадован, так как сочетание вышеописанных составляющих по сути уникально, но обо всем по порядку.
Музыка Artifacts in Motion в основном строится на сложных отрывистых структурах, как и положено core-направлению, и очень качевых брейкдаунах, развитие которых предсказать порой невозможно, и звучит это дело довольно брутально. Но парни не зацикливаются на каче и жестоком рубилове, а наоборот, разбавляют месиво очень красивыми меланхоличными мелодическими вставками, которые, кстати, очень к месту, и вместе с четкими отточенными риффами слушаются на ура. По сути дела, это сочетание и является уникальным. Треки как на подбор, правда, хотелось бы выделить "Concealed" (на который снят хороший клип), красивый инструментал "Prelude for Implication" и "Zerohour", но это не значит, что остальные треки хуже, в каждом из них есть что-то своё, оригинальное. Относительно звука можно сказать, что он доведён до степени идеального, никакой каши здесь вы не услышите (за что отдельное спасибо лейблу), так что можно слушать, не напрягаясь. И напоследок стоит отметить, что это отличный альбом отличной банды, желаю им успеха в дальнейшей деятельности и новых побед. Спасибо за внимание!
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый полноформатный альбом Skinlab, группы из Сан-Франциско, лабающей в стиле groove /angry metal. Уже на на первых двух демо группа начала совершенствовать свой жесткий, сокрушительный саунд, и благодаря помощи небезызвестного Robb’a Flynn’a (Machine Head), приложившего руку к записи дебютника, мы слышим некий гибрид, звучащий в духе Machine Head, – плотные, жесткие гитары, сногсшибательные барабаны и рычащий цепляющий вокал Steev’a Esquivel’a. В качестве продюсера выступил легендарный Andy Sneap (Arch Enemy, Machine Head, Napalm Death).
Обложка альбома сразу говорит, что нас ждут боль, злость и ненависть. Уже с первого забойного трека "When Pain Comes to Surface" может сложиться впечатление, что альбом будет исполнен в духе Machine Head. Ан нет, последующие композиции ставят все на свои места. Группе удалось, как говорится, "выплавить", "выковать" свой мощный метал-саунд. Музыка команды берет простотой структуры – два-три качёвых рифа, растянутых на всю композицию, как правило, без сольной партии. В целом, альбом исполнен в среднем темпе, и скоростных композиций, на мой взгляд, не хватает, кроме хитовых "When Pain Comes to Surface","Race of Hate" и "Paleface".
После выхода дебютника последовали масштабные туры по Америке и Европе вместе с вышеупомянутыми Machine Head и др. грандами метал-сцены. Пресса и критика также тепло отозвались о дебютном релизе. 10 лет спустя Century Media решили переиздать этот альбом в честь юбилея. Обновленное издание содержит полностью пересведенный оригинальный альбом и бонус-трек на одном диске, и 10 демо-песен с на другом.
Ну что ж, хорошая во всех отношениях дебютная работа Skinlab.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как сказал бы по поводу этой группы один рецензент: "дэт-метал из Норвегии... экзотично, не правда ли? Его можно ожидать откуда-нибудь из США, на худой конец, из Швеции, но не из страны фьордов же!". Так вот, Molested - редчайший случай для Норвегии - были увлечены не просто дэтом, но его брутальной разновидностью. Особенно интересно, что основателем этого "мясокомбината" стал никто иной, как Øystein Garnes Brun, известный больше как лидер авангардных блэкарей Borknagar. Собственно, Molested существовали ровно до той поры, пока для Бруна в творчестве не стали ориентирами мелодичность и атмосферность.
Но на данном альбоме мелодий и атмосферности не так уж и много. Бесспорно, что "Blod-Draum" в определенной степени бестолков. Скажем, Erlend Erichsen (также участвовавший в Gorgorot) явно выдает бластбиты не тогда, когда этого требует логика и структура композиции, а тогда, когда ему хочется это делать. Стоит ли говорить, что очень многие ускорения темпа на данном альбоме попросту неуместны? Нет, можно сколько угодно пафосно писать и говорить о "нечеловеческой ярости кровожадного зверя", но если бы Эрленд был умереннее в своих порывах, альбом бы только выиграл. Соло похожи на звуковую имитацию припадков эпилептика, зато в целом к гитарному саунду ни малейших претензий нет - он умеренно "сырой", в лучших традициях брутального жанра. Особенно интересно рождение в дебрях этого "бензопильного" ритма неожиданных и своеобразных мелодий, как, скажем, в начале "Along the Misty Morass". Жаль, правда, что она так внезапно обрывается, и не обыгрывается в дальнейшем. Лирика далека от садистских зарисовок - путешествия, битвы, мифологические и оккультные мотивы. Про гроул Ойстейна можно сказать просто: он великолепен! Ну и самое главное, лучшее на "Blod-Draum" - ничто не сковывает музыкантов в их творчестве - поэтому альбом, несмотря ни на что, способен увлечь очень надолго. В таком разрезе апогеем безудержной креативной энергетики стало появление скрипки в "Following the Growls". Звучит мелодия просто великолепно! Да и сама вставка производит просто сногсшибательный, без преувеличений, эффект - ведь элементы этнической музыки кажутся здесь не более уместными, нежели в каком-нибудь альбоме Deicide. После трех-то последовательно брутальных треков! Потрясающе! Ну а заглавный инструментал и сейчас звучит параноидально, а уж пятнадцать лет тому назад, уверен, многих заставила покрутить пальцем у виска и прекратить воспроизведение альбома. Варган, скрипка, механистичный бластбит... Северное безумие в чистом виде, куда уж там Finntroll! Вот он, национальный колорит, которого так не хватает дэт-группам, откуда бы родом они ни были.
Кстати, маленьких парадоксальных радостей хватает и на второй половине альбома. Так что неведомо, и может, оно и к лучшему, сколь много мы потеряли с распадом Molested. Зато понятно, что приобрели - группу Borknagar.
|
| |
|
|
|
|
|
| Разросшийся из oneman-проекта (начало которому было положено в 2003 году) до полноценной группы из пяти человек коллектив «Who Dies In Siberian Slush» хоть и обитает в Москве, музыку исполняет самую что ни на есть сибирскую – безысходную и образную (под стать названию), суровую и опустошающую, совсем как порывы зимней вьюги, но также и красивую, пропитанную по мужскому скупыми эмоциями. После нескольких демо музыканты подготовили дебютный диск «Вitterness Of The Years That Are Lost», собрание выверенного и грамотно поданного материала, жесткость которого обусловлена тяжелыми death`овыми запилами гитар, а все остальное выполнено аккурат в рамках funeral doom, обильно сдобренного не только угрюмым, весьма своеобразным рыком и голосами приглашенных вокалистов из других команд, но и интересными клавишными зарисовками, которые слегка растапливают холод этой непростой музыки.
Поначалу создается впечатление, что «Вitterness Of The Years That Are Lost» - это продукт алкогольной горячки. Рюмка водки на столе, благодарности участников коллектива алкоголю как источнику вдохновения, да и лица этих людей, запечатленные на развороте буклета, словно подсказывают, в каких условиях создавались композиции. Шутки шутками (надеюсь, музыканты не обидятся), но настроение «Leave Me» и впрямь напоминает горькое похмелье – близкий человек ушел, причем не просто, а насовсем, ничего вернуть нельзя, можно только впасть в забытье, напиться и угрюмо реветь пьяным медведем в микрофон, в то время, как рядом топчется на месте раскатистый барабанный ритм да лязгают гитары. Однако чем больше слушаешь эти песни, тем сильнее проникаешься их настроением, оказываешься с ним на одной волне и понимаешь, что это не ты, добрый такой критик, смотришь на огрехи музыкантов сквозь пальцы – это огрехов, собственно говоря, здесь и нет. При том, что большинство композиций звучит очень похоже (варьируется лишь скорость ритма), каждый раз создатели находят что-то, чтобы зацепить слушателя – музыка вроде бы и монотонна, и даже в сон может потянуть, но ты упорно обращаешь внимание на периодический шепот, разложенные по стереоканалам звуки, смену мелодий, нервозные диссонансы, эмоциональные, а зачастую и истеричные партии гитар, внезапно ломающие весь ход повествования, а также фиксируешь многочисленные синтезаторные эффекты (вроде хора в «Завещании Гумилева»), которые всегда приходятся к месту. Тексты (за их расшифровкой лучше обратится к буклету) тоже неплохи, во всяком случае, легко уделывают многих коллег по сцене – к тому же, не каждый может похвастаться, что знает, кто такой Гумилев, так что еще и ликбез какой-никакой получается. Когда же никто из участников «Who Dies In Siberian Slush» не ревет и не шепчет отстраненно в микрофон, мы слышим несколько инструментальных композиций – таких же скупых, сдержанных, наполненных воем пурги. Особенно удачна в этом плане «An Old Road Through The Snow», акустическая, и вроде бы бесхитростная вещь, которая вмерзает в память и остается там надолго.
Один из тех редких в наше время альбомов (особенно относящихся к funeral doom), после прослушивания которого не жалеешь потраченного времени, совсем даже наоборот. Он наваливается своей тяжестью и долго не отпускает, но все равно, когда музыка перестанет играть, вы, стряхнув пелену липкой безысходности, почувствуете удовлетворение.
|
| |
|
|
|
|
|
| Стоило лишь шестому полноформатнику канадцев выйти в свет, как волосато-бородатые металхэды, навострив виртуальные перья, начали писать исполненные гнева послания, проклиная Cryptopsy на чем свет стоит. Используя вместо чернил яд, капающий из собственных уст, эти самые "волосато-бородатые" весьма качественно обгадили "The Unspoken King" на всех ортодоксальных сайтах и во всей зашоренной специализированной прессе. Причем они были настолько яростно-убедительны в обличении всех грехов "продажных" канадцев, что до прослушивания альбома я пребывал в полной уверенности, что музыка на нем застыла где-то на грани безмозглого дэткора Suicide Silence и сверхэмоционального ню-метала от Slipknot. Клавишницу, очевидно, взяли для стрип-шоу во время концертов, ну а Фло Мунье, видимо, использует теперь при игре только одну руку. Надо ли говорить, насколько я был ошарашен, когда услышал "Worship Your Demons"? Хотя, если трезво подумать, то именно эта песня - один из свойственных релизу маленьких обманов, где вместо изящных джазовых "квадратов", характерных для маткора, мы слышим достаточно бестолковые смены ритмов, где вся эстетика гитарных партий похоронена под монолитом воплей Мэтта и взрывами ударной агрессии Фло Мунье. Иначе говоря, хотели маткор, а получили достаточно спорный вариант хаотичного хардкора. Но и это не есть плохо! Ведь стартовый трек - всего лишь первое подтверждение того факта, что Cryptopsy, вопреки наветам критиков, вовсе не спешат использовать уже готовые жанровые паттерны, идя собственным путем проб и ошибок. И даже неубедительно плоский саунд определенно работает на канадцев, как бы странно это ни звучало! Конечно, учитывая явный упор Cryptopsy на техническую компоненту в музыке, им бы совсем не помешал бронебойный звук, скажем, новоявленных коллег по жанру из The Faceless. Но с другой стороны, на таком фоне уместней смотрится и пресловутый "позорный" чистый вокал, и за партиями бас-гитары, у тех же "Безликих" прочно похороненных на заднем плане, уследить легче. Мелодии... Убежден, что на предыдущем альбоме "Once Was Not" их было куда больше, просто сам материал был гораздо сложнее, - в такие джунгли можно было бы поместить целый симфонический оркестр, причем немногие ощутили бы его присутствие. Вот где мелодий действительно прибавилось, так это в гитарных соло - и они по-настоящему радуют слух.
И вновь касательно наиболее ужасных вещей, и прежде всего, немыслимого для бывших "брутальщиков" "чистого" вокала... Cryptopsy попытались немного скрасить факт присутствия этих партий почти обязательным присутствием омерзительного бэк-вокала, на фоне которого "попсовые" припевы звучат куда более выигрышно, пусть и достаточно странно. Не буду оригинальным, и отмечу "Leach" как песню, в которую такой подход наиболее умело интегрирован... А вот клавишные - еще один маленький обман! Во-первых, на том же "Once Was Not" их было не меньше, но без шестого участника, ставшего (точнее, ставшей) для группы пятым колесом, Cryptopsy в тот раз сумели обойтись. Во-вторых, такое тщательное затирание клавишных в финальном миксе наводит на мысль, что канадцы так или иначе пытались пойти на попятную, подав этот релиз фэнам в несколько более выгодном (читай: более брутальном) свете. Эх, поздно было уже пить "Боржоми", ребята! Уверен, что именно такие вот полумеры и недоэксперименты (а еще просто-таки имбецильный финал релиза) не позволили "The Unspoken King" стать действительно убойным, ломающим все стереотипы, альбомом.
Да, выражу огромную благодарность группе за то, что, несмотря на "качевую" специфику жанра, она уберегла наши уши от наиболее омерзительных современных образцов "брейкдаун-кунсткамеры".
Не знаю, хватит ли у Cryptopsy решимости довести свой новый подход к музыке до ума, выпустив хотя бы еще один альбом, развивающий концепцию данного. По крайней мере, большое им спасибо за то, что не стали развивать линию "Once Was Not" - его полноценный последователь должен был бы быть катастрофически перегруженным событиями. Зато такой релиз бы хвалили, при этом наверняка не сумев дослушать альбом даже до середины. А обруганный "The Unspoken King" ждала другая судьба - его унижают, но все-таки слушают - причем с каждым годом все больше и больше. И кто знает, какие отзывы он будет собирать лет эдак через пять?
|
| |
|
|
|
|
|
| Не успел я «отойти» от компиляции "Terra Firma" (вышедшей 31 января), как уже через несколько дней лейбл Senile Dementia Production объявляет о выходе нового релиза – Willy Stamati "Lumen Obscurum"!
Признаться, ранее мне не доводилось сталкиваться с этим проектом, но в описании сказано, что Willy Stamati практикует самые разные стили и поджанры post-industrial – от dark ambient и noise до дарквейва и неоклассики, что в общей сложности было реализовано на более чем 30 (!) альбомах, начиная с 2007 г. Думаю, на досуге я обязательно копну поглубже в дискографию проекта, ну а в данный момент намерен рассмотреть непосредственно альбом "Lumen Obscurum".
Открывает программу трек под названием "Maggot Rain", по характеру звучания напоминающий крадущийся ужас, что вот-вот схватит вас из-за спины. В принципе, его можно охарактеризовать как классический dark ambient с привычными для мистических кинокартин вставками вроде психоделичного пианино или же постукиваний и потрескиваний, которые великолепно дополняют общую атмосферу страха.
Следующая композиция, "Beichte des Syphilitikers", представляет собой несколько отличающуюся от привычного dark ambient работу, выполненную в более «подвижном» ключе, и напоминает ритмические треки небезызвестного Ah Cama-Sotz. Временами при прослушивании в голову приходят и ассоциации с Raison d’Etre (наверное, во многом благодаря использованию грегорианских хоралов) и Bad Sector.
Третий трек – "Dissonances" – что-то среднее между "Maggot Rain" и "Beichte des Syphilitikers" – с одной стороны, композиция лишена характерных для предыдущего трека ритмов, и в то же время общая атмосфера в духе холодного индустриального эмбиента, напоминая материал Bad Sector с альбома 2005 г. – "Reset".
Титульная вещь – классический dark ambient’ный номер, который довольно неплохо погружает в гипнотическое состояние и изобилует весьма интересными и мягкими текстурами.
Приемы, использованные в композиции "Le bateau ivre" напомнили мне работы экспериментального проекта Vromb с лейбла Ant-Zen: трек наполнен гипнотизирующими низкочастотными сэмплами и «электрическими» звуками, поверх которых на протяжении большей части трека звучит мужская речь на французском языке.
Трек "Dead Souls Train" возвращает слушателя на территорию dark ambient, а "Noise Queen" вновь «уличен» в использовании ритмообразующих элементов, которые, на мой взгляд, звучат несколько интереснее, нежели на "Beichte des Syphilitikers", а композиция в целом, считаю, является одной из лучших на альбоме.
Завершает альбом вещь под труднопроизносимым названием "Es klopft an die Tuer", представляющая собой более экспериментальную сторону Willy Stamati: тело композиции пропитано весьма специфическими сэмплами, похожими на звук модема, сопровождающего процесс дозвона до провайдера – быть может, таким образом автор пытался «дозвониться» до слушателя?
Подводя итог, хочу заметить, что материал, представленный на альбоме "Lumen Obscurum", довольно интересен, все треки исполнены на очень высоком уровне, а потому буду рекомендовать ознакомиться с данным релизом всем любителям качественной музыки индустриально-шумового плана с элементами dark ambient!
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.