|
|
 |
|
| Печально, печально складываются дела с чешскими представителями чёрного металла. Даже крепко задумавшись — и то с трудом можно припомнить имена по-настоящему интересных и достойных групп (Root слишком глубоки для этого узкого жанрового определения). Зато, в уме немедленно всплывают богемские клоуны Maniac Butcher и прочие Enochian. Увы, видимо, чего-то не хватает чешской почве, чтобы на ней взошли благородные чёрные посевы. Вместо того, чтобы приятно удивить, или хотя бы положительно впечатлить, группа Diagon своим дебютным альбомом «Satan mit uns» дала все основания на размышления о пополнении их именем списка этого «чешского шапито».
Обложка будто стремится сообщить незадачливому слушателю, который будет искать в этой группе зерно здравомыслия и приличный музыкальный материал, что его попытки увенчаются крахом. «Сатана наш рулевой» (приблизительный перевод заглавия альбома) — пример того, когда несколько музыкантов объединяют свои усилия в дуракавалянии, причём, получается это у них так качественно, что и не решить, случайно у них это получилось, или всё-таки это специфический творческий ход. Пафосная симфоническая интродукция, открывающая диск, не предвещает ничего плохого, так что контрастный душ из грязной гитарной каши, гулких «кастрюльных» барабанов и лающего хрипа становится малоприятной неожиданностью. Следующие восемь треков мало отличаются от своего собрата в начале, но Diagon предусмотрительно натыкали сэмплов (не то из фильмов, не то собственноручно записанных) в начало каждой песни, чтобы слушатель не подумал, что они настолько затянули с одной композицией. Впрочем, Diagon придумали и свои оригинальные ходы, чтобы разнообразить альбом: например, в одной из песен звучит захлёбывающийся скриминг, отсылающий к творчеству известной английской группы («Сикс сикс сикс — зе намба оф зе бист»). В остальном, увы, ничего выдающегося: отчаянный стрёкот ударных, непрекращающиеся тремоло и доведённые до абсурда тексты про Диавола, хоть и исполненные почти полностью на чешском, но превосходно считываемые русским ухом.
Отзываться о «Satan Mit Uns» в положительном тоне можно, только зная, что есть группы хуже. Diagon вполне освоили инструменты (хотя и не познали всю прелесть хорошей записи и качественного мастеринга), их альбом не вызывает рвотный рефлекс такой силы, что стал бы препятствием для прослушивания до финального кавера на Darkthrone. Однако, это единственные плюсы, которые можно отыскать в оправдание группы. А стоит ли их оправдывать — пусть решают те, кто всё ещё желает послушать этот альбом. (Диск предоставлен Frostscald Records)
|
|  |
|
|
|
|
|
| На этом миньоне CAUDA PAVONIS наконец-то представили на суд публики абсолютно новый материал, что давно пора было сделать, учитывая значительно возросшую после выпуска “Sigil” популярность команды у себя на родине. Заметно, что к моменту записи “Carnival Noir” гитарист Крис влился в коллектив, что поспособствовало окончательному формированию подхода англичан к музыкальной стороне дела, - композиции обрели необходимую грузность, хотя за мелодии гитара практически не отвечает, а лишь придает мощи и объема басовой нитке, тогда как мелодии – удел клавишных. В титульном треке синтезатор создает цирково-кабаретточную атмосферу, “Goodnight Kiss” и “Forsaken” превращает в ураганные хиты для готических танцполов, а боевой клич “The Morrgian” наделяет ярко выраженной героикой, да еще и гитарный гимноподобный припев получился на загляденье. Остается лишь сказать, что данный EP показал, что группа знает, чего хочет, и как этого добиться, чему и станет подтверждением последний на данный момент полноформатный альбом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вообще, всем известно, что Sonata Arctica является одной из самых сильных концертных групп, работающих в стилистике power metal'а в Финляндии. И это невольно осознается даже при прослушивании их концерта. Даже без видеоряда чувствуется позитив и энергетика, которые валили со сцены в тот вечер, в малюсеньком клубешнике гостеприимного для металлеров Токио.
Концерт звучит очень живо, потрясают вопли фэнов после каждой песни холодной "Сонаты". Записать этот концерт было действительно отличной идеей. Сомневаюсь, что спустя столько лет сохранилась феерия их ранних концертов, когда группа привнесла что-то новое в жанр, у которого сейчас не лучшие времена.
На концерте группа исполнила целиком дебютник "Ecliptica" и около 2/3 "Silence". И скажу честно, на студийниках песни звучали куда как менее энергично и цепляюще, чем в живом исполнении. Музыканты ни разу не лажают, даже на самых сложных переходах в их непростых, но гениальных песнях. Все инструменты звучат слаженно, чувствуется командная игра! Голос вокалиста Тони Какко (смешная фамилия) звучит очень бодро и крепко. Барабанщик ни разу не сбился с двухбочечного ритма, хотя даже такие мастера, как Йорг Михаэль позволяют себе пару раз ошибиться. Звук дисторшна раздирает барабанные перепонки, а сладостный звук клавишных доводит до сахарного диабета.
Для старых (и уж тем более новых) фанатов группы этот релиз обязателен для прослушивания, а для коллекционеров - для приобретения. Лично у меня этот концертник лежит на полке как раз с 2002-ого.
P.S. У японского издания обложка нарисована в стилистике "аниме".
|
| |
|
|
|
|
|
| Прошел всего год с выхода “Aphelia”, как Scream Silence порадовали нас очередным, уже далеко не первым студийником.
Судя по названию и обложке, на которой, возможно, изображён Сопор Аэтернус (!) (конечно же, я шучу!), слушателей ожидает самый мрачный альбом за всю дискографию группы. Впрочем, первая композиция подтверждает мои догадки....
Первое прослушивание диска восторга не вызвало - лишь еще раз удостоверился в растущем профессионализме музыкантов. В целом, музыкальный ряд не претерпел значимых изменений - все тот же gothic rock с еще более потяжелевшими бочками и басом, которые все так же выдвинуты на передний план, аккуратно приглушая собой гитары. Изменения же в гитарном саунде так же минимальны и сводятся к следующему: теперь мы чаще слышим игру второго гитариста, звучание стало более жестким, депрессивным; в некоторых песнях активно используется акустика.
Теперь отмечу некоторые песни, которые могли бы поднять альбом до статуса “шедевр”, но стали лишь досадными недоработками.
“Above and Within” могла бы стать действительно классной песней (хотя, это все же хит альбома), если бы не убийственно короткий второй куплет в одну строчку, после которого музыканты мусолят припев до конца дорожки. Ну, право же, даже как-то неприлично группе такого уровня выдавать такие вещи! Песня выезжает только за счет профессионализма.
“And This Is What We Left Behind” – оригинальная полуакустическая баллада, в которой вокал Hardy Fieting’а кажется… каким-то по-настоящему немецким (несмотря на англоязычный текст)! Возможно, причина в том, что в нем нет типичного оттенка “неизбывного” страдания, зачастую присущего готик-роковому стилю. Однако отсутствие какой-либо кульминации делает песню слишком ровной и однообразной. Потому и не годится она для многоразового прослушивания, как другие композиции, не отмеченные мной.
Наконец, на альбоме имеются три довольно продолжительные композиции (почти 7 мин. и более). И вроде бы это хороший признак… Но если бы только они были более разнообразными!... Даже при повторном прослушивании они кажутся чуть ли не одинаковыми. Одинаково красивыми на первых минутах и такими же вымученными по ходу и окончанию. И действительно, стандартное построение куплет -припев с монотонным вокалом и однообразными проигрышами на протяжении более пятнадцати минут (треки 10 и 11) вызывает попросту скуку. Такая “антикоммерция” нам, пожалуй, не нужна.
Подведем итоги…Перед нами качественный, проработанный до мелочей альбом, лишенный, однако, оригинальности и местами откровенно скучный. Но пока что немцы держат марку и их музыка продолжает оставаться интересной, причем не только для меня. Если же следующий альбом будет выдержан в ключе “Aphelia” и “Apathology” без какого-либо новаторства, то на группе можно ставить крест. Scream Silence нужно срочно привнести свежие идеи в свое творчество, иначе оно потеряет свою ценность и актуальность.
|
| |
|
|
|
|
|
| Начну необычно – с личного. Хотя рецензенту и положено быть объективным, но ничего не попишешь, когда речь идет о такой неоднозначной группе, как Necro Stellar. Итак, личное – всегда хотелось, чтобы вся история этого коллектива, весь тот пафос, налет эзотерической зауми и многострочные матерные заверения в собственной гениальности на деле оказались бы хорошо продуманным стёбом, пародией на «темную сцену», тогда бы этот коллектив, как это ни парадоксально, можно было бы воспринимать более серьезно. Впрочем, хватит о личном.
Альбом «Расширяющаяся Вселенная», вышедший под самый занавес 2009 года, содержит материал, записанный на протяжении двадцати лет. Это, опять же, если верить членам группы – при прослушивании как-то не возникает ощущения временного разброса, все вещи звучат как единое целое, впрочем, вполне может быть, что старые композиции были переработаны под новый формат. В предварявших релиз интервью Юрий Звездный сотоварищи (забегая вперед, отмечу, что на сей раз голос его Поднебесной подруги звучит очень редко, поставляя в основном эротические стоны на фоне отрывка из радиоспектакля «Маленький принц», да и не факт, что это была она) заявляли, что этот альбом станет чуть ли не революционным – отказ от англоязычной лирики, закрытие такой все еще актуальной темы как «electro», и еще больший уход в готик-рок с элементами краут-рока. Революция в последнее время снова стала модной в определенных кругах – вот и Necro Stellar нашпиговывают «Расширяющуюся Вселенную» отрывками из патриотических фильмов («Как закалялась сталь», «Бессмертный гарнизон», «Мы из Крондштата»), посвящают песни молодежному восстанию в Греции в декабре 2008 года, и логично констатируют «П****ц эпохе капитала». Кстати, не только из-за этих строк на обложке есть предупреждение о ненормативной лексике – музыканты себя стараются не сдерживать, и рубят правду-матку (желающие могут поискать в Интернете интервью и просто заметки Звездного, чтобы убедится, что с помощью русского мата ему есть что сказать). В начале альбома мы услышим взбудораженный голос человека, который или переел галлюциногенных грибов, или употребил что-то более существенное, из-за чего его внутренняя Вселенная стала стремительно «расШиряться», и ему открылись все тайны мироздания. Все это ложится на прямолинейный электронный ритм, украшается довольно примитивной (это не упрек, в данном случае две-три ноты, извлеченные из синтезаторов, вполне ожидаемы и актуальны) мелодией, которую опутывают многочисленные слои электронных звуков, холодных и неуютных, выражающих ту самую Necro-эстетику. Отвечает за вокал сам Юрий Звездный – поет он по-прежнему голосом вокалиста «Технологии», если нужно донести свои мысли доступно и пафосно, а орет периодически совсем как покойный Егор Летов, с творчеством которого его роднят не только вокальные партии, но и запредельная психоделия в текстах, которую, действительно, можно передать только воплем и рычанием. Часто на первый план выходят жужжащие гитары, ритм замедляется и начинает ломаться, трансформируя безудержную музыку в тот самый обещанный готик-рок, тревожно звенят скрипки – надо признать, что со звуком группа проделала большую работу, отчего «Расширяющаяся Вселенная» звучит практически безупречно (особенно на фоне прочих представителей нашей «темной» сцены). Из общей массы выделяется финальный отрезок альбома, в частности, «Ставшее далью», являя миру очень глубокий и интересный эмбиент – пространственный, глубокий и темный, наполненный неуловимыми народными мотивами, выдающими его русское происхождение. Можно, так сказать, немного передохнуть на этой станции пересадки и расслабить мозги.
Что же касается самих текстов, то тут достаточно взглянуть на трек-лист, дабы понять, что ожидает вас во время прослушивания. Энергично выплескивая из себя слова, музыкант опутывает слушателя паутиной из потусторонних образов, в которой можно легко запутаться. Смесь эзотерики и шизофрении – примерно так можно описать этот словесную бомбардировку, причем невозможно отличить, где кончается одно и начинается другое. Впечатлительным подросткам нужно беречься, так как сознание может самостоятельно «отформатироваться», всем остальным поглощать в меру желаний и возможностей. Можно также просто отключиться и потанцевать – музыка к этому вполне располагает. Медленного кружения вальса никто не обещал, но дикие, экстатические пляски с костями в руках выйдут на славу. На славу группе Necro Stellar, разумеется. В одном из интервью коллектива, опять же, было сказано, что каждый новый релиз привносит в ряды их поклонников от восьми до десяти тысяч неофитов – нет ни малейшего повода думать, что «Расширяющаяся Вселенная» способна снизить эти показатели.
|
| |
|
|
|
|
|
| Певцы «мировой финансовой системы», в чем-то даже пророки (еще на «E$chaton», кажется, прослеживалась тема грядущего финансового, да и вообще глобального кризиса, и вот, пожалуйста, получите), дуэт Cyclotimia настолько активен, что финал 2009 года почти полностью посвящен их творчеству. Сначала один из участников группы отметился сольным альбомом под именем Sphere Rex, затем сообщество лейблов издало сразу два релиза, которые можно назвать «новыми» - диск «Styx» (о нем речь чуть позже), и коллекцию ранее неизданных композиций, записанных по разным поводам в промежуток с 2003 по 2007 год.
Прошедший год был сложным. Финансисты, менеджеры, в том числе и «топ», политики и аналитики периодически хватались за сердце, а самые слабые духом прыгали из окон, совсем как в годы Великой депрессии, или сводили счеты с жизнью другими способами. Понятное дело, что после таких переживаний нужен отдых – и слово «Lounge» не зря фигурирует в названиях некоторых треков с этого сборника. Cyclotimia раньше (да и сейчас тоже) очень часто величали индустриальным проектом, и долгое время дуэт нес это знамя, правда, не слишком активно им размахивая и предпочитая экспериментировать с более «массовыми» формами музыки. На «Timebank» удобно же расположилась музыка для того самого отдыха – легкие, иногда прямолинейные, а иногда приятно изломанные суховатые ритмы, фон из неуловимого эмбиента, пара незатейливых проигрышей, и много звуков аналогового оборудования, которые как-то сразу отсылают назад в прошлое, во времена Kraftwerk. Но, как известно, люди, связанные с финансами, даже на отдыхе предпочитают быть в курсе дел, – именно поэтому в большинстве композиций непрестанно звучат «сводки с полей», в которых ведущие передач в компании с аналитиками и экспертами обсуждают котировки, курсы и перспективы роста ценных бумаг. Где-то в глубине покачивающегося ритма мелькнет терменвокс («Venture»), а самая настоящая флейта подскажет забывчивым офисным работникам, что пора бежать на йогу и чистить чакры («Magiclerx»). Тем же, кто предпочитает более активный отдых, «Nocturne» предложит прокатиться на дорогих машинах (в треке слышен рев их моторов) под более упругий и плотный бит и трансовые «примочки». Балансировать на грани «звуковых обоев», «винтажной электроники» и «нью-эйджа» «Timebank»» будет довольно долго, не являя миру особо запоминающихся мелодий (они и не должны отвлекать на себя внимание), но постепенно настроение диска начнет все-таки меняться. Не совсем «неизданная ранее» вещь «Oil-for-Food» (она уже звучала на сборнике «Черный квадрат») проведет некую черту, за которой начнут сгущаться сумерки. Ритмы станут более тревожными и будоражащими, общий фон потемнеет, и будет состоять из концентрированного нервного напряжения, даже голоса дикторов станут суетливыми, порой даже паническими. Появится больше разных деталей, черными ангелами с неба спустятся хоралы («WSJ Theme»), отсылая к ранним альбомам группы, и будет трудно поверить, что и эти композиции, и те, с которых начинался альбом, были записаны в одно и то же время. Ну, а чтобы было не трудно поверить в то, что музыка Cyclotimia хороша еще и в «живом», импровизационном виде, под финал издатели подготовили сюрприз, разместив «Economic Meditation» - фрагмент одного из выступлений дуэта. Интересная вещь из долгих секвенций в традициях семидесятых, буйства несвязанных между собой электронных звуков и постоянно присутствующим женским голосом, конечно же, вещающим все о том же - сводках, цифрах и котировках акций.
Оценка релиза, безусловно, «Да». Может быть, он излишне прост, как это кажется на первый взгляд (если сравнивать с ранними дисками), но слушаешь его с интересом, да и концепция группы все еще способна вызывать уважение. Жертвы кризиса, которым посвящен этот альбом, могут спать спокойно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вот и настало время для нового, седьмого по счету полноформатного альбома Cyclotimia - альбома, который даже издающими лейблами заявлен как самый «мэйнстримный» в дискографии проекта. Поворот лицом к самым широким массам слушателей (наметившийся и на предыдущих дисках), несмотря на «опасения в опопсении» вышел очень удачным, – отмечу, что из последних релизов московского дуэта этот наиболее интересен. В «Styx», с его мрачной символикой, выраженной в названии, упор делается на использование ритмов. Собственно, процентов шестьдесят альбома уложены на одну и ту же повторяющуюся ритмическую конструкцию, которая иногда чуть замедляется, иногда чуть ускоряется, но, в принципе, остается стабильной от трека к треку. На фоне этих ломаных, жестких и «качающих» битов музыканты позволяют себе если не все, то очень многое, раз за разом выдавая все более удивительные и приятные для слуха сочетания. Конечно же, характерные приемы Cyclotimia представлены здесь в полной мере – голоса дикторов, передающие сводки с биржевых полей о курсах и процентах, мрачноватый фоновый эмбиент от синтетического оркестра, показывающий всю бесперспективность современного мироздания, и намеренное игнорирование ярких и запоминающихся мелодий. Вместо них есть сложная круговерть сэмплов и звуков, аналоговых и самых современных, упорно вызывающих ностальгию у тех, кто любит и ценит электронную музыку. На уровне подсознания, на фоне звона кассовых аппаратов и хитро переставленных местами слов, только и успеваешь отмечать про себя: «О, это что-то из KLF?» («Rich & Famous»), «Неужели это похоже на «Oxygene» Жарра?» («Discovery»). Если музыканты сознательно затеяли эту игру со слушателем, то они молодцы, получилось у них отменно, и мерзкое слово «плагиат» даже не ночевало среди восторгов по поводу проделанной работы – это не прямые заимствования, это, как говорится, по мотивам. Нынче, где танцы, там и гламур – и он не забыт авторами, которые добавляют в общую замысловатую круговерть щелчки фотоаппаратов папарацци, энергию клубной музыки во всей ее прикладной красе, и все еще модный среди менеджеров рекламных отделов пляжный chill-out («Landscape»), наполненный, правда, бесконечной грустью о чем-то уходящем. Надо всем этим сгущаются тучи и поднимается с земли пепел, готовый занести с головой и многочисленных экспертов, и беспечных менеджеров всех звеньев этой цепи – практически посередине альбома «Rendezvous» берет некоторую паузу, показывая пустой мир, перемолотый неожиданным апокалипсисом. Медленная и красивая вещь – опять же, без мелодий, но с эмоциональной аранжировкой «под оркестр», и с равномерно накатывающимися пульсациями ритма. Вещь, которая многим понравится, но не многих остановит в движении по этой самой реке Стикс, за которой притаилось забвение для одних, и, возможно, новая реальность для других. Пока же – танцы, финальный ремикс на «Rich & Famous» очень этому поспособствует…
|
| |
|
|
|
|
|
| Святые, воздев глаза, с интересом наблюдают не за явлением Христа и прочими чудесами, а за шариком из культовой игры «Pong», в честь которой альбом «Archon Orchestra» и был назван. Этот коллаж, помимо каких-то метафизических намеков, способен дать представление о смысле и звучании диска. Можно сказать, что музыка Archon Orchestra - это взгляд на классицизм глазами современного человека, которому близок как Бах, так и саундтреки из игр фирмы «Atari».
Собственно, от сравнения с Бахом автору этого альбома никак не уйти, да он влияния великого немца и не скрывает, напротив, всячески подчеркивает, используя быстрые секвенции-калейдоскопы, сыгранные на органе, который, в свою очередь, звучит не совсем привычно, заставляя «грешить» на программные средства и на аналоговое оборудование. В этом звучании, скорее всего, главный смысл проделанной работы и скрыт. Мотивы барокко, стремительные переливы звуков, женский голос открывают этот диск, сливаясь в музыку предельно спокойную и возвышенную, возносящую куда-то прямиком на небо. «Orpheus» при всем этом напоминает не только Иоганна Себастьяна, но американку Констанс Дэмби, которая добивалась очень похожего звучания на своем альбоме «Sacred Space Music», используя электронику и дульцимер. А вот «Golconda» - это «академизм» в чистом виде, без излишних сложностей и фонов, пять минут монументальности и размеренности. Идущая следом композиция «A Stone Among Stones» задумчива и уже более экспрессивна, способна и взбудоражить, и заразить светлой грустью. «Counterpoint», формально продолжая начатое дело, строится полностью на электронных звуках, напоминающих 8-битный саунд «приставочных» игр, базируясь на постоянно повторяющихся стремительных секвенциях, в которых слышаться отголоски экспериментальной музыки 90-х. После этого, достаточно безжизненного трека, следует эмоциональный пик альбома, композиция «Adagio (Mechanical)», вещь словно не отсюда – минорные клавиши, рождающие гармоничное и яркое произведение, зарисовки, перетекающие от одного ложного финала к другому. «Canto» отсылает к началу диска, снова проявляется женский вокализ, вступающий в диалоги со скрипкой, паузы между которыми заполняет ярко выраженная восточная тематика, характерная для «берлинской электроники», чей вклад в творчество «Archon Orchestra» также неоспорим. Это ностальгическое звучание присутствует и в «Fantasie (For Electronic Harp)», чья «синтетическая» арфа словно подчеркивает, что скоро на смену музыке «живой» придет череда холодных цифровых сигналов. Двадцать минут «Pong» - это размеренность, отстраненность и автоматизм, в котором слышаться мотивы ранних «Kraftwerk», музыка для разноцветных пикселей.
Этот альбом можно воспринимать как рассуждение о смысле музыки, о пути её эволюции, и кто-то (в зависимости от своих убеждений) скажет, что «Archon Orchestra» повествует о смерти (или ассимиляции) «классики» в эпоху бездушной «электроники», а кто-то на это возразит, сказав, что музыка остается музыкой в любом виде, меняются только времена, люди, их восприятие окружающей действительности и способы передачи информации и звуков. Если вы от таких рассуждений далеки – воспринимайте «Pong» как красивую, гармоничную, интересную, и, пожалуй, очень редкую работу, этакий «штучный товар», знакомство с которым будет весьма приятным.
|
| |
|
|
|
|
|
| Обширная дискография финских мракобесов Horna насчитывает почти два десятка позиций, в которых превалируют разнообразные сплиты и миньоны — видимо, финны предпочитают реализовывать свои идеи «не отходя от кассы», не тратя время на накопление материала для полноформатного альбома. А вот с фиксированием выступлений настоящая беда — до две тысяча девятого года Horna имела (кроме массы любительских бутлегов, конечно) только один live-альбом, именованный «Black Metal Warfare», но вышедший таким ограниченным тиражом, что не каждый уважающий себя козлофил смог причаститься отзвуками живого ритуала. Но с тех пор, как список релизов под маркой Horna пополнился «Vihan Tiellä», это недоразумение устранено, и концертная мощь вновь заключена в оковы компакт-диска, на сей раз, более доступного массам.
Оригинальный концерт прошёл в Афинах, о чём свидетельствует оформление буклета — страницы его густо украшены поломанными колоннами и свергнутыми античными статуями, очевидно, это гарант разрушительной силы, которую являет собой компания под руководством Шатрауга на сцене. Хотя, если честно, вряд ли материал, включённый в «Гнев дорог», смог совершить все эти разрушения — уж очень неровные песни звучали на этом концерте. Так, например, бодрые, штурмовые номера соседствуют с вялотекущими, размашистыми песнями, а потому дорога получается не гневной, а украшенной всевозможными ямами да ухабами, о которые можно споткнуться. Кроме того, что песни слишком разнятся по темпу, в упрёк Horna можно поставить выхолощенную до студийного звука запись. О том, что это концерт теперь можно догадаться лишь по тому, что Корвус скрежещет названия песен, предваряя их, да по небольшому эху в гитарах — из зала не поступает ни звука, будто группа увлечённо отыграла часовой сэт в пустом клубе. Причём, отыграла она хоть и без сучка, но и без задоринки — по крайней мере, энергия настоящего концерта не ощущается ни на йоту, что позволяет считать «Vihan Tiellä» неплохим ретроспективным сборником, но абсолютно бездушным концертником. Впрочем, судить о концертной ипостаси группы по записи, не будучи очевидцем — глупо, ну а с ролью обзорной компиляции этот диск справится. (Диск предоставлен Frostscald Records)
|
| |
|
|
|
|
|
| По сравнению с первенцем этой группы "Catastrophe Ballet" звучит куда более уравновешенно. Конечно, сомнамбулизм (а тема лунатиков красной нитью проходить сквозь весь альбом) - тоже психическое отклонение, однако если заболевший им и представляет опасность, то, в первую очередь, для себя самого. Так что Розз Уильямс берет на себя опасную роль - этот альбом стал выражением его борьбы уже не с религией или обществом с его бесчисленными пороками, а с самим собой. Именно на "Catastrophe Ballet" Розз уже пытается петь, а не говорить или орать, как раньше, и, надо сказать, у него почти получается! Во всяком случае, все тончайшие нотки в его голосе работают на создание имиджа эдакого харизматичного и слегка ненормального негодяя у микрофонной стойки. Да и инструменталисты как-то разом притихли, предоставив вокалу практически единолично править балом. Уродливая гусеница панк-рока, пройдя череду преобразований в куколке пост-панковых стилей, на "Catastrophe Ballet" превращается в элегантную бабочку готик-дэт-рока. И, поскольку сей релиз был задуман, как посвящение сюрреалистам, не стоит удивляться, что привычные музыкальные формы и размеры принимают в нем столь неправдоподобные и непропорциональные сочетания. Несмотря на то, что работа гитариста и клавишника не очень выделяется на фоне вокальных партий, обратить на нее внимание просто необходимо: очень оригинально и весьма экспрессивно! Честное слово, главная беда с оцениванием этого релиза заключается в том, что годом спустя вышел "Ashes" - более яркий, более смелый, более насыщенный инструментальными партиями (на "Catastrophe Ballet" же мне особенно не хватает скрипки и виолончели). Хотя сравнивать два эти альбома - не совсем справедливо. Все-таки сюрреализм исследует мысли и объекты, возникающие на границе между сном и явью. И ничего не поделаешь, раз уж этот сон Christian Death оказался столь бедным на краски. Зато все окружающие предметы получили в нем почти гротескно выразительные очертания!
|
| |
|
|
|
|
|
| «Archaic Abbatoir» стал пиком творчества Aborted на ниве брутального дэта. Не нужно даже говорить, что материал здесь подобран исключительно «мясистый», мощный и в меру техничный. Но никто и не сомневается в композиторских талантах бельгийцев, не забывая, впрочем, упрекнуть их во вторичности творчества и желании сорвать большой куш фанатских симпатий и восторгов критиков в стиле, лидеры которого еще к середине девяностых выжали из брутала практически все, что возможно было выжать. Не хочется и лишний раз спорить, выясняя, чего в музыке Aborted больше – следования заветам Cannibal Corpse или эксплуатации идей Carcass. Скажем так, «Archaic Abbatoir» даже в узких рамках своего стиля не стал ни самым мелодичным, ни самым техничным, ни самым шокирующим, ни самым необычным. Про экстремальность материала и говорить не приходится: соло-гитаристу с его-то талантами явно не хочется быть похороненным за могильной плитой массивных риффов и неумолкающих бластбитов. Скоростные аппетиты ударника явно усмирили, окончательно убрав из музыки бессмысленную долбу ради долбы. Но что же хорошего в этом альбоме остается, если он представляет собою, по сути, стандартный, пусть и, безусловно, качественно выполненный образец брутал-дэтового релиза? Пожалуй, именно то, что он избавлен от всех этих музыкальных «выпуклостей» и «острых углов». В нем не появились неожиданные плюсы, но зато исчезли все очевидные минусы предыдущих работ. В "Archaic Abattoir" нет ничего лишнего или неуместного. Как говаривал Профессор, «мало придумать мир, в котором солнце зеленого цвета, нужно сделать так, чтобы это зеленое солнце органично вписывалось в картину этого мира»… Я и сам был бы не прочь услышать от Aborted, скажем, джазовые импровизации. Но зачем они нужны в музыке группы, у которой все и так было хорошо? Солидная, уверенная музыка, с цепкими риффами (иногда со специфичным «индустриальным» налетом, как, например, в «Blood Fixing the Bled»); яркими и мелодичными, да еще и не без влияния классического хэви, соло, и ласкающим ухо гроулом вокалиста с почти «майонезной» фамилией Калюве. Идиллический брутал-дэтовый пляж для отдыха музыкальных маньяков, на котором, как в небезызвестной пьесе Подервянского, «море шумить, чайки кричать, моржі (в данном случае – Де Калюве и помогающий ему «кричащий» гитарист) ревуть». Не побоюсь даже поставить высший балл – заслужили!
|
| |
|
|
|
|
|
| Уж не знаю, как кому, но мне первый альбом SVARTSOT, что называется, влился в уши и не желал оттуда выходить никак. И желания попрыгать на одной ноге не возникло совсем. И, судя по отзывам на различных околомузыкальных ресурсах, вся викинг и фольк-братия тоже не осталась равнодушной. Ну а как же? Такой мелодичный, и в то же время, забойный и взрывной альбом с развесёлыми дудками да мощным гроулингом в придачу - прямо ух!
А что мы имеем спустя три года? А вот что: состав изменился почти полностью (кроме одного человека). С чего бы такие перипетии в столь молодой команде, непонятно. С опаской начинаю слушать.
Так, слушаем, слушаем...
Да! Таки оно, оно самое. Новый вокалист рычит так же отлично. Некто Hans-Jørgen Martinus Hansen, который отвечает за всевозможную экзотику (мандолина, ирландские дуделки, аккордеон, бойран (ирландский же народный малый барабан)) не подвёл, умело насытив музыку фольковым разнообразием. Аккордеон даёт жару и веселья, а-ля FINNTROLL, мандолина полноценно заменяет акустическую гитару (последнюю в паре песен всё же можно услышать), ну а без флейты и прочих духовых представить себе эту музыку и вовсе невозможно. Что примечательно, темп в основном задаётся средний, с некоторыми убыстрениями, но никаких бластбитов и плотной стены гитар, чур меня!
Фух, хватит описывать это действо, надо слушать! Такой вот ещё показатель - лично для себя отметил - в общественном транспорте так и порывает трясти головой, аки припадочный. Давненько такого не было. Вот ведь, датчане, чертяки!
|
| |
|
|
|
|
|
| Один шаг вперед, два шага назад. Таким принципом, по видимому, руководствуется норвежий дуэт Throne of Katarsis. Ибо с каждыми шагом вперед, сиречь с каждым новым номерным релизом, коллектив делает два уверенных шага назад - к болоту безликости, вторичности и само-плагиата. Вот и последний их релиз за 2009 год настолько классически-норвежский и в то же время настолько лишенный индивидуальности, что на ум приходят все сразу и никто конкретный. Дуэт явно черпает вдохновение из северных ритмов и мелодий 1992 - 1994 годов, но при этом дальше слепого копирования и подражательства дело не идет. И все бы ничего, ведь нет ничего зазорного во вдохновленном и окрыленном подражательстве, но здесь все как-то до унылого дежурно, механично и предсказуемо, чуть ли не "на отвяжись". Постыло... Композиции здесь сильно затянуты, особенно учитывая их простецкую фабулу и вящую приземленность. Их можно было бы запросто сократить чуть ли не вдвое без потери смысловой составляющей. А в самой композиционной ткани - сплошные мало-одухотворенные клише. Причем клише настолько древние и ставшие уже нарицательными, что ими не раз и не два попользовались все кому не лень. Тут и угрюмое тремолирование раннего Darkthrone, и напористый чес с острыми синкопами а-ля Mayhem, и пронзительные моменты в духе Burzum, и намеренная грязь и шершавость, словно писалось все на древнем оборудовании в "Grieghallen Studio". Но вот слушаешь, слушаешь, а Катарсиса не наступает. Если конечно не считать за Катарсис осоловелость и легкую зевоту. Как ни вслушивайся, как ни проникай, а не цепляет. Все это уже было сделано, и сделано на порядок лучше задолго, задолго до них. Не совсем понятна мотивация вложившегося в это дело полу-мажорного "Candlelight Records" - такая серость и посредственность, вроде бы, не их удел. Ну что же - бывает и на старуху проруха...
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй и последний альбом очень талантливой группы The Stone Roses увидел свет спустя целых пять лет после выхода знаменитого дебютного альбома. Несмотря на то, что стиль указан как инди-рок, музыка на этой пластинке совсем не похожа на то, что принято называть инди. И с предыдущим альбомом эта работа имеет мало общего. Большинство песен на этой пластинке имеют хард-роковое происхождение с примесями блюза, фанка и фолька. Многие даже называют «Second Coming» трибьютом группе Led Zeppelin, т.к. Сквайр, который один написал абсолютное большинство песен, явно вдохновлялся стилем игры Пейджа. К сожалению, данная работа была встречена очень прохладно, именно из-за непохожести на популярный дебют. Я же считаю музыку, представленную на этом альбоме, абсолютно фантастической.
Во-первых, песни весьма разнообразны, стиль сменяется почти от песни к песне. К примеру, в одной композиции мы слышим фанковое звучание, а другой трек - это уже настоящая электроника, третья песня полна фольковых мотивов, четвертая - рок-н-ролльное веселье со всеми вытекающими. И так на протяжении всего диска. Кроме того, почти на всех треках Сквайр записал по две гитарные партии, поэтому создается впечатление, что гитаристов в группе двое. Открывающая композиция «Breaking into Heaven» дает понять, насколько хороша здесь гитарная игра. Соло в этой песне - что-то совершенно потрясающее; я не устану рукоплескать стилю, мастерству и музыкальному чувству Джона Сквайра.
Отдельной похвалы заслуживает барабанщик Рени, который является примером действительно талантливого музыканта. Ударные партии разнообразны, акценты расставлены там, где надо. Можно отдельно слушать дорожки с ударными и получать эстетическое удовольствие. Бас, кстати, тоже не отстает. Не однообразные повторения одной ноты в зависимости от аккорда (как это часто бывает), а действительно интересные и запоминающиеся рисунки.
Яркий пример прекрасного сочетания инструментов - песня «Daybreak». Под великолепную ритм-секцию Сквайр играет очень фанковые фразы, с характерными глушениями и прочими перкуссионными приемами. Далее вступает органное соло, и все вместе это звучит чертовски феерично. Однажды Мани, басист группы, сказал примерно следующее: "мы всегда играли немного фанк, были самыми темнокожими белыми парнями на планете".
А вот о Яне Брауне нельзя сказать ничего особенного, кроме того, что его вокал идеально ложится на музыку. Без него не сложился бы стиль группы.
Абсолютно каждая песня несет в себе энергетику музыкантов, проходных треков вообще нет. Могу с полным правом констатировать: композиторский талант Сквайра и компании весьма выдающийся. С чисто музыкальной точки зрения - это очень и очень хороший альбом. Он не такой хитовый как дебют, но зато в "попсовости" эту пластинку точно невозможно обвинить. Песни разные, но все они подчинены единому неповторимому стилю группы.
К сожалению (а может и к счастью), «Second Coming» оказался последней работой "Роз". В 96-м году группа прекратила свое существование. Сперва коллектив покинул барабанщик Рени, которого пришлось заменить на время турне. Затем ушел и Сквайр. Кстати, сам Слэш предлагал Яну Брауну стать заменой Сквайру, за что был послан в весьма грубой форме с мотивировкой "Мы ненавидим Guns N' Roses, отвали". Вот так и закончился творческий путь группы.
The Stone Roses оставили после себя два разных, но прекрасных альбома и некоторое количество отличных синглов, самые лучшие из которых представлены на компиляциях и сборниках. Коллектив вдохновил одну из самых успешных британских групп – Oasis и повлиял на множество коллективов, пришедших после них. Феномен их популярности объяснить не трудно: их музыка действительно цепляет, а живые концерты они давали просто великолепные.
|
| |
|
|
|
|
|
| Помню, как в детстве читала "Айвенго", и меня забавляло, что содержание представляло собой нечто вроде:
Глава 1
Глава 2
Глава 3
...и так до 40 включительно. Я всегда думала, неужели кто-то помнит, что там конкретно описывается в каждой главе? То ли дело Жюль Верн! Заголовки к каждой главе, один краше другого! Так о чем это я?.. Ах да, Паттон с капитаном Баззом, видимо, предпочитают творчество Вальтера Скотта. А еще они поклонники французского кино 60-х в лице актера и каскадера Жана Маре. Т.е. не в лице даже, а в маске. "Фантомас", именно так эти два гуру от музыки совместно с еще двумя гениальностями - Тревором Данном и Дэйвом Ломбардо - окрестили свою группу. Одноименный альбом с подзаголовком "Amenaza al mundo" ("Угроза миру" в переводе с испанского) - квинтэссенция экспериментов четверки.
Гитарноориентированный рок с вокалом Паттона. Да, Майк действительно поет, хотя текстов не существует. А существуют зарисовки, ибо Fantômas не что иное, как комикс. Именно поэтому название каждой композиции соответствует определенному номеру страницы. Ну и далее: сэмплы, сэмплы, сэмплы... Шумы, шумы, шумы... И то хрюкающий, то кукарекающий Паттон. Такой вот театр абсурда.
Описывать эту нарезку сознания вообще невозможно. Советую просто занырнуть. Лучше любых сеансов у психоаналитиков. Вынырнете другим человеком. А может, и не совсем человеком...
Впрочем, кроме шуток: рекомендовано к прослушиванию во всех галактиках. И даже гениальным космическим злодеям.
|
| |
|
|
|
|
|
| Новый альбом :wumpscut: - это смерть и разложение. Смерть и разложение надежды. Надежды, подаренной первым треком. Надежды на то, что время повернулось вспять. Надежды на то, что былой талант гражданина Ратцингера еще может воскреснуть.
Когда-то великий и ужасный, а теперь обычный немец Руди все так же профессионален в технической области, обогащая звучание жесткими сэмплами, оригинальными электронными звучками и всяческими громкими стуками и шумными уханиями. Иногда даже получаются очень интересные ритмические рисунки. Но кроме этого в альбоме нет ничего. Первый трек "Falling from Lucifer's Grace" (весьма, кстати, хороший) хоть и не напоминает классический :wumpscut:, но входит в число лучших вещей его позднего периода. Он рождает надежду. Блеклость и скучность последующего материала убивают ее. Унылость высосанного из мертвого пальца трека "Auf Wiedersehn im Massengrab" наносит ей сокрушительный, размозжающий удар. Да-да, говорим надежде ауфидерзейн и кланяемся ее братской могиле (Massengrab), где ей и место со множеством своих сестер. Увы, ни мелодика, ни драматизм, ни искренность, ни провокационность, ни маньячность, ни беспощадность в "Вампскате" больше не живут. Лишь псевдоатмосферный и грустноватый "Siamese", ритмичные и бодрые "Ziribit" (по сути повторение "Troops under Fire") и "Bambam", а также балующийся интересными находками в саунде "Loyal to My Hate" еще как-то обращают на себя внимание. Женский голос, наговаривающий фразы на каком-то похожем на мертвый языке, напоминает "Your Last Salute" и "Obsessio", но это совершенно не спасает. Остальное...
А остальное - современный :wumpscut:. Может, было бы правильнее отбросить все это ворчание и оставить гражданина Ратцингера в покое? :wumpscut: изменился, скорее всего, окончательно и бесповоротно, так же, как в свое время Skinny Puppy или Static-X, The Kovenant или Linkin Park, Marilyn Manson или Pitchshifter... Просто другой стиль, другая аудитория. И наша ностальгически-обличительная критика в этом случае выглядит, пожалуй, как брюзжание старых троллейбусных пердунов.
Если Вы считаете, что Руди уже сдулся N лет назад, выпустив отстойный альбом X, Вам не стоит тратить время и деньги или трафик на его новую работу, - получите лишь очередное подтверждение своего мнения. Если же Вы из тех, кому по душе "Вампскат" второй половины "нулевых" и кто считает, что он хорошеет с каждым годом, то получите то же самое - подтверждение своего мнения. Ну и качественный альбом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Obituary - дэт-метал-группа из флоридского города Брэндон, бесспорно являющаяся одним из первопроходцев жанра, была образована еще в 1984 году, но под названием Executioner. Через какое-то время название сменилось на Xecutioner, ну а незадолго до выхода дебютного альбома группа обрела свое нынешнее имя. В конце 80-ых группа имела главное отличие от своих коллег по жанру - игру в среднем и даже замедленном темпе. Не секрет, что большинство дэт-метал-команд того времени изощрялась в стремлении играть как можно быстрее. Ну а Джон Тарди, вокалист с довольно низким гроулингом, сразу стал одним из любимейших "запевал" в стиле дэт-метал.
Альбом "Slowly We Rot", вышедший 14 июня 1989 года на лейбле Roadrunner Records, безусловно является одним из ключевых релизов как для стиля, так и для самой группы. Именно этот альбом заложил фундамент для уникального саунда Obituary, спутать которых с другими представителями жанра можно, если только очень захотеть. Записывался альбом в легендарной студии Morrisound - настоящей Мекке для всех ценителей американского дэта, под пристальным продюсерским оком не менее легендарного Скотта Бернса, ответственного, по-моему, за все альбомы так называемого "флоридского дэта". Но вся эта легендарность пришла чуть позже, и идеальным саунд этого альбома не назовешь. Хотя не все дэт-метал-релизы современности могут сравниться с работой, которая представлена на этом диске. Достаточно сложные партии ударных, тяжелые гитарные риффы Allen West'а и Trevor Peres'а и очень низкий гроулинг Джона Тарди делают свое "гнусное" дело и приводят в трепет не одно поколение поклонников качественного death metal. Главный хит альбома - "Slowly We Rot", что в переводе означает "Медленно мы гниём", трек, без которого не обходится ни одно выступление группы, - настолько эта композиция полюбилась как группе, так и ее поклонникам. Удары колокола, прерывающие на секунду неспешный темп, запомнятся вам на всю оставшуюся жизнь, - и не остается сомнений, что колокол звонит по вам. Все остальные композиции также сложны и однообразны, но не в коем случае не скучны - длительность альбома почти 36 минут, что является, на мой взгляд, оптимальным временем для подобного рода записи. Альбом "Slowly We Rot" был посвящён другу группы, который погиб незадолго до его записи. Знаковый релиз, но давайте будем объективными - шедевры на все времена у Obituary еще впереди, а "Slowly We Rot" остается довольно впечатляющим дебютом группы, которая довольно убедительно показала свои возможности.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сравнительно недавно мне удалось познакомиться с ранними работами американской дэтовой легенды Malevolent Creation, и признаться, я подходил к ним с некоторой опаской, несмотря на то, что коллектив является одними из классиков экстремальной музыки. Дело в том, что последние альбомы, которые я слушал не раз и не два, большого впечатления не произвели - эдакий стандартный брутальный дэт, пусть и очень техничный, но заезженный в наше время донельзя как самими Malevolent Creation, так и их многочисленными группами-земляками. И каково же было мое удивление, когда, услышав их второй по счету альбом «Retribution», я услышал вовсе не простецкий американский дэт с элементами трэша а-ля Cancer, Possessed и Obituary, а по-настоящему мощный и структурированный death metal с мрачной, давящей атмосферой. На самом деле, это творение можно по праву считать одним из первых в брутальном дэт-метале. По скорости и тяжести этот альбом ничуть не уступает альбомам-конкурентам из Suffocation, Broken Hope, Cannibal Corpse и Immolation, а по технике и атмосферности превосходят многих из них. Превосходно записанные, очень низко настроенные гитары, выдающие зубодробительные риффы и мелодичные соло, техничный и громкий бас и мощнейшие ударные, которые порой срываются в безумный бластбит, усиливают общее впечатление от альбома. Вокал представляет собой ядовитый скримогроул, напоминающий об Obituary и о классическом трэш-дэте конца 80-х, но на этом сходство заканчивается. Мелодий здесь, конечно, в привычном понимании немного, но тяжесть, мрачная атмосфера, техника и искренняя агрессивность подачи материала делают свое дело - альбом слушается с интересом. Выделять что-либо из песен нет особого смысла - все хороши по-своему, но особенно ярко, на мой взгляд, выглядят сверхскоростные «Slaughter of Innocence» и «Monster» и мрачный, качающий трэк «Coronation of Our Domain». Этот альбом не зря называют одним из лучших у Malevolent Creation, если не лучшим. «Retribtion» по тяжести и плотности нисколько не уступает современным альбомам в экстремальном дэте и по сравнению со многими из нынешних выгодно отличается искренностью подачи и большим количеством интересных идей. Если вы предпочитаете чистый, первородный brutal death metal (да-да, именно так!), корни которого в классическом дэте, а не в грайндкоре и не слышали этот альбом - то без тени сомнения могу его посоветовать. Однозначно один из лучших дэтовых релизов начала 90-х.
|
| |
|
|
|
|
|
| Британский лейбл Earache Records, основанный в 1985 году в Ноттингеме, подарил нам несчетное количество потрясающих альбомов в жанрах дэт-метала и грайндкора. От одного упоминания бывших и нынешних клиентов лейбла, таких как Carcass, Bolt Thrower, Morbid Angel, Vader, Deicide начинается обильное потоотделение, пальцы на руках (а у кого-то и на ногах) начинают непроизвольно складываться в "козу". Но, безусловно, самыми известными клиентами этого культового лейбла были Napalm Death. Имя этой группы известно даже тем, кто далек от тяжелой музыки так же как Земля от Урана. Даже тем, кто считает что "металлика" - это стиль тяжелой музыки (встречал я и таких). Все просто знают, что Napalm Death - это очень тяжело.
"Utopia Banished", выпущенный 23 июня 1992 года, стал четвертым альбомом Napalm Death, и первым для нового ударника Danny Herrera - давнего друга Jesse Pintado. Новый ударник понадобился группе после ухода Mick Harris'а - которому нередко приписывают заслугу популяризации "взрывного такта", в народе более известного как "blast beat". Но к счастью замена была равнозначной, ибо на качестве материала это никак не отразилось. Во многом этому способствовал продюсер Colin Richardson, годом ранее продюсировавший альбом Carcass "Necroticism — Descanting the Insalubrious", да и позже работавший с Machine Head, Slipknot, Cradle of Filth и т.д. Короче, на качество звучания жаловаться причин нет (если вы не мр3-фанат). Что касается музыкальной составляющей: после неоднозначно принятого альбома "Harmony Corruption", на котором группа сдвинулась в сторону дэт-металического звучания, на "Utopia Banished" команда вернулась к грайндкору, но и дэт-метал влияния никуда не делись, просто перестали доминировать. Поэтому альбом стал ближе к первоначальным альбомам группы - "Scum" и "From Enslavement to Obliteration". При таком раскладе все остались довольны. После первого интро-трека "Discordance" вас ждет 37 с половиной минут настоящего шквала, не лишенного при этом своего очарования. 15 треков и вы будете выжаты как лимон.(Композиции с 16-21 - бонус-треки)
"I Abstain", "Dementia Access", "Christening of the Blind", "The World Keeps Turning" - эту классику грайнда Napalm Death обязаны исполнять на концертах до конца своего существования, что они, собственно, и делают. Вокал Barney Greenway впечатляет и по сей день, гитарные атаки Jesse Pintado и Mitch Harris, просто взрывающие мозг, останутся в памяти навсегда. Можно еще долго упражняться в красноречии, я же хочу сказать "это просто ........ый альбом" (вставить подходящее по смыслу). Как я уже неоднократно говорил, писать о каждой песне, чтобы вы прочитали - это все равно, что читать киносценарий, вместо того, чтобы посмотреть фильм. Если сейчас вы не ищете деньги, чтобы пойти в магазин и купить эту пластинку, то я думаю, вы ее уже слышали и сидите, согласно кивая головой. Для остальных, кого оценки еще не убедили - этот альбом подлинная вершина группы, некий водораздел, после которого все творчество Napalm Death будут сравнивать именно с "Utopia Banished" и ставить его в пример. Еще одна культовая пластинка с фабрики Earache.
|
| |
|
|
|
|
|
| Все мы неоднократно слышали или читали о всевозможных списках вроде "10 альбомов, которые вы бы взяли на необитаемый остров" (цифру можно менять в любую сторону), "альбомы, которые необходимо услышать, прежде чем умереть" или "альбом, под который вы хотели бы умереть" и прочие крайности. Вообще, для любого меломана сделать выбор в пользу нескольких дисков просто физически невозможно. При том, что никакие "мр3 со всей дискографией" и "жесткий диск на 100 гигов" протащить туда, на остров, не выйдет. А попробуйте представить такую ситуацию - перед вами выкладывают пять альбомов: Obituary - "Cause of Death"; Morbid Angel - "Blessed Are the Sick"; Napalm Death - "Utopia Banished"; Entombed - "Clandestine" и Carcass - "Necroticism - Descanting the Insalubrious" и забрать с собой на осторов, ну или в бункер, можно только один. Задачка, да? Мой список отнюдь не претендует на эталон, можете включить сюда ваш любимый альбом; я просто выбрал пять альбомов из начала 90-ых - "золотой поры" для дэта и грайнда. Но в любом случае, есть из чего выбирать, не правда ли? В таком случае, на мой взгляд, есть два способа: первый - пустить себе пулю в лоб, потому как выбор и впрямь не простой; второй - выбор вслепую, ибо после любого "открытого" выбора вы будете жалеть, что не выбрали тот или иной диск, и поэтому все равно придете к выбору номер один. Я при выборе вслепую был бы рад любому из этих альбомов, но если бы случай преподнес мне именно альбом Carcass, то радость моя была бы намного сильней.
Третий альбом Carcass, выпущенный 21 октября 1991 года на лейбле Earache Records, был записан на "Amazon Studios" при непосредственном участии продюсера Колина Ричардсона, ответственного за многую классику тяжелого метала (следующий еще более прорывной альбом Carcass "Heartwork" продюсировал тоже он). Альбом, названный "Necroticism - Descanting the Insalubrious", что в переводе означает что-то вроде "Процесс умирания - рассуждения о нездоровом", представляет собой не тот горграйнд, что группа "нарезала" на двух предыдущих альбомах. Так что не стоит судить творчество группы, имея представление только о первых двух альбомах. На пластинке 1991 года музыкальная структура песен да и саунд сместились в сторону дэт-метала. Продолжительность песен увеличилась, в отличии от взрывных, шквальных и часто достаточно коротких номеров "Reek of Putrefaction" и "Symphonies of Sickness". Тематика альбома от этого в принципе не пострадала. По-прежнему, тексты можно читать, как справочник по прикладной медицине, но стала заметна некоторая концептуальность альбома. Все треки на альбоме объединены темой, так сказать, экономичного пути избавления от мертвых тел. Проще говоря, чего их в землю зря закапывать, если можно использовать трупы как: удобрение ("Inpropagation"); корм для животных ("Pedigree Butchery"); музыкальные инструменты ("Carneous Cacoffiny") - что наглядно продемонстрировала группа Los Lobos в фильме "От заката до рассвета". Ну в крайнем случае патологоанатом может собирать мозаику из расчлененных тел ("Lavaging Expectorate of Lysergide Composition"). В общем, тема лирики близка и понятна любому поклоннику дэт-метала, который прослезится от счастья, познакомившись с переводом. Ну да Бог с ней (ну, какой-нибудь сатанинский бог), с лирикой. То, что записала эта ливерпульская четверка стало классикой практически сразу после выхода. Виртуозная гитарная игра Bill Steer'а и Michael Amott'а достигла какой-то запредельной гармонии. Складывается такое ощущение, что соло-партии просто не прекращаются на протяжении всего альбома. Это ощущение складывается от сложнейшего переплетения гитарных риффов, на которые так богат этот альбом. При наличии довольно продолжительных треков, некоторые из которых переваливают за семь минут ("Inpropagation", "Forensic Clinicism - The Sanguine Article"), а некоторым для этого не хватает нескольких секунд ("Symposium of Sickness", "Carneous Cacoffiny"), альбом не кажется затянутым или вымученным. Восхитительная запись. Досконально о каждом треке я говорить не буду, это сделали за меня. Но я вам скажу, что этого вам и не нужно. Это все равно, что читать киносценарий вместо просмотра фильма.
Если первая половина рецензии не сподвигла вас к действию, и вы сейчас не мчитесь в музыкальный магазин за покупкой этого альбома, то сейчас самое время. У Metallica есть "Master of Puppets", у Napalm Death есть "Utopia Banished", у Pantera есть "Vulgar Display of Power", а у Carcass есть "Necroticism - Descanting the Insalubrious" - это действительно так круто, как вы только что подумали.
|
| |
|
|
|
|
|
| Для начала хотелось бы сказать пару слов о некой последовательности творческого пути Оззи вне "Саббат". Ничего нового, но всё же.
Собственно, эта последовательность имела место на первых 6 альбомах Великого и Ужасного. Первые два альбома - Рэнди Роадс ("Blizzard of Ozz", "Diary of a Madman"), следующие два - Джейк И. Ли ("Bark at the Moon", "The Ultimate Sin") и ещё два - Закк Уайлд ("No Rest for the Wicked", "No More Tears"). Альбомы с Рэнди не были похожи на альбомы с Джейком, которые, в свою очередь, не были похожи на первые два альбома с Закком. Далее Оззи изменил своему принципу (если это, конечно, был принцип) и записал с Закком 3-й альбом. Более того, этот альбом - "Ozzmosis" был в немалой степени экспериментальным, не укладывающимся в общие рамки стилистики Оззи. Думаю, большинству очевидно, что это был последний стоящий альбом с Закком. Холмс не прижился, Оззи стал зависим от Закка, а Закку работать на Оззи надоело. Вследствие вышеуказанных причин мы получили MTV-шный "Down to Earth", который можно охарактеризовать скорее как саундтрек к "Семейке Осборнов"... Далее всё стало совсем плохо - "Black Rain". От классического Оззи Осборна не осталось и следа. Заменим вокал Оззи на чей-то ещё (например, самого Закка) и группу Ozzy Osbourne в "Black Rain" признать просто невозможно. После "Black Rain" от Оззи я лично уже не ждал ничего.
И всё же "Scream" стал неожиданным глотком свежего воздуха. Возвращаясь к последовательности в творчестве Оззи, этот альбом обрёл свою "пару" в лице предыдущего "Black Rain", но превзошел своего предшественника по всем параметрам. Вернулась мелодичность, гармонично соседствующая с так полюбившимся Оззи бруталом. В этом альбоме есть всё, что делает альбомы Оззи альбомами Оззи. Монументальная "Diggin' Me Down" напоминает по духу "Believer". "Let Me Hear You Scream", "Time" и "I Want It More" в несколько ином виде вполне могли бы войти на альбомы "No Rest for the Wicked" или "No More Tears". "Soul Sucker" и "Life Won't Wait" так и просятся на "Ozzmosis". Ну а "Let It Die", "Crucify", "Fearless" и "Latimer's Mercy" выполнены вполне в духе "Black Rain", что в контексте данного альбома скорее плюс, чем минус. Лиричный эпилог "I Love You All" навевает не очень хорошие предчувствия, но хочется верить, что Оззи вложил в это послание фэнам совсем другой смысл.
В итоге, Закк, видимо (надеюсь), ушел от Оззи насовсем... Даже если музыку писал Закк, а Гас Джи в творческом процессе не участвовал вообще, все мы очень надеемся, что Оззи наконец то допустит в творческий процесс нового гитариста, свежую кровь. Будет ли это Гас или кто-то другой, очень важно, чтобы Оззи не топтался на месте. Этому альбому я ставлю 8, потому что впервые за это десятилетие я услышал от Оззи именно то, что хотел услышать - альбом ОЗЗИ.
|
| |
|
|
|
|
|
| Британская группа Bring Me the Horizon в 2006 году выпустила свой дебютный альбом под названием "Count Your Blessings". С тех команда снискала большую популярность среди альтернативной молодежи, чему в немалой степени способствовал имидж. Все-таки, куча девочек хочет полапать смазливого вокалиста Оливера Сайкса, и с этим ничего не поделаешь. Да Бог с ним, с имиджем что с музыкой? А с музыкой у группы всё в порядке. Дебютник выдержан в стиле дэткор, причем баланс между двумя составляющими стиля подобран неплохо: в меру металкора, чтобы не казаться сильной попсой, и в меру дэта, чтобы не сливаться в кашу. Техника у музыкантов достаточно средняя, что, впрочем, никак на восприятие не влияет, благо каждый участник группы вкладывает всю душу и эмоции. О да, музыка весьма эмоциональна, особенно, вокал Оливера. В основном он скримит, иногда просто эмоционально кричит, иногда гроулит. Звук слегка глуховат, но пойдет. Альбом немного однообразен, но это с лихвой компенсируется частыми сменами темпа и ритма, а также замечательными соло-партиями, что не дает заскучать. Если выделять песни, то я бы назвал открывающую "Pray for Plagues" (хит группы, на который снят убогий клип с непонятными спецэффектами), следующую за ней "Tell Slater Not to Wash His Dick" с очень мощным брейком, быструю "A Lot Like Vegas" с ее мимолетной, но хорошей соло-партией, необычную и изобретательную, но чертовски короткую инструменталку "Slow Dance", а также акустическую "15 Fathoms & Counting", снимающую напряжение по ходу прослушивания альбома.
Итог: вполне хороший альбом, хотя звезд с неба не хватает, но у ребят есть потенциал. К сожалению, немного забегая вперед, после выхода второго альбома челка Оливеру стала давить на горло, и он уже не может выдавать такой вокал, как на записи. Да и вообще все признаки звездной болезни.
P.S. Бонусное издание содержит совершенно убогий кавер на песню Slipknot - "Eyeless". Нет, чтобы оригинальное что-нибудь придумать, так они даже нормально переиграть не смогли.
|
| |
|
|
|
|
|
| В данной работе Оливер Палотай не ставил себе задачу превзойти своих коллег из Kamelot, и уж тем более сравнивать работы этих групп никак нельзя. Данный продукт является удачным приобретением, скорее, для фэнов Therion или даже Symphony X.
Материал действительно изобилует клавишными партиями, которые являются каркасом всего произведения. Именно клавишные выполняют роль скелета, который обрастает гитарным мясом и вокальным покроем. Кстати, вокальные партии очень разнообразны: здесь можно услышать и суровый мужской голос Хеннинга Бассе и нежный (но несомненно бьющий бокалы) голос Симоны Симмонс. Местами есть и скриминг и гроулинг. Хоровые вставки всегда к месту и не звучат излишне пафосно.
Музыка действительно сложна для восприятия, но, опять же, фэнам Therion не привыкать, так что смысл каждой песни открывается после первого же прослушивания. Вообще, говоря о сложности, можно только аплодировать Оливеру. Из любой песни на этом альбоме какая-нибудь начинающая группа могла бы сделать целый диск...
На этом шедевре нет ни одного проходного трека, напротив, каждую песню можно слушать в отдельности и получать сказочное наслаждение.
Всем любителям умной музыки посвящается!
|
| |
|
|
|
|
|
| За что мне всегда нравились азиатские коллективы, так это за очень яркую энергетику, особенный подход к сочинению и исполнению музыки и колоритность.
И вот еще одни представители Страны Восходящего Солнца выпускают свой первый полноформатник. На "Mecharopolis" очень чувствуется влияние на творчество Mechanical Teddy их соотечественников из Blood Stain Child.
Мелодик-дэтовая основа дополняется различными элементами модерн-метала, металкора и обилием электроники. Именно очень удачное сочетание электроники и тяжелых риффов и является самой сильной стороной данной работы. Каждый трек наполнен неповторимым драйвом и запалом. Удачные смены темпа и переходы сопровождаются отменным мужским харшем. Вот только женский вокал вышел довольно-таки специфическим и требует немного времени, чтобы к нему привыкнуть. Наличие классных соло, запоминающихся мелодий и хитовых треков дает все основания говорить об очень неплохом альбоме, над которым музыканты проделали серьёзную и кропотливую работу. Из треков наиболее запоминающимися вышли вступительный заводной "Silence Breaker", контрастный "Waver Mind", немного лирическая "Falling Flower" и яркий "Existence of Shadow".
Учитывая, что данный полноформатник является первым для японцев, можно смело говорить об очень неплохом потенциале, который в итоге может получить отличную реализацию на последующих работах.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.