|
|
 |
|
| "Stay and listen a while. You may not see music the same way again". С этими словами трудно не согласиться, и они как нельзя кстати подходят к творчеству ex-фронтмена Foresight Ройса Хикса. При каждом повторном прослушивании его работа звучит по-новому и открывает слушателю неизведанные доселе границы его творчества.
"Melodic Piano Metal" - на такое определение стиля сего творения я наталкивался несколько раз. И это не удивительно. В результате неоднократных обработок и манипуляций со звуком, он получился, с одной стороны, довольно мощным и тяжелым, и с первого раза трудно расслышать, что гитары здесь отсутствуют, как таковые, а всё звучание построено на очень удачном сочетании клавишных со скоростными и разнообразными барабанами и компьютерной обработки звука. Правда, этими инструментами не ограничена звуковая палитра этого альбома. Здесь также присутствуют скрипка и контрабас, добавляющие классических элементов в звучание работы. В этом плане Hend чем-то напоминают финнов Apocalyptica, только акцент здесь сделан на другие музыкальные инструменты. В результате, "Counterpart" сначала производит эффект неожиданности от услышанного, а затем привязывает к себе слушателя своими яркими и красивыми мелодиями, не давая ему ни малейшей возможности опомниться до завершения пластинки. Альбом получился очень оригинальным и расслабляющим, и в то же время не лишенным напора и тяжести. Лучшими композициями, безусловно, являются вводящие в глубокий транс "From the Womb", " Mother" и самая красивая и чувственная на альбоме "Through a Discolored Guise".
Данный альбом хоть и немного сложно назвать однозначным шедевром, но он наверняка придется по душе многим поклонникам удачных музыкальных экспериментов и красивой инструментальной музыки.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Дебютный сольный альбом Джона Лоури (John Lowery), более известного под псевдонимом John 5, доставшимся Джону в наследство от работы с Мэрилином Мэнсоном.
В общем, об альбоме можно сказать, что он как минимум привносит нечто новое в жанр гитарного инструментала. Те же Сатриани и Вай не блещут идеями эдак года с 98-2000, а здесь мы имеем свежее видение гитарной музыки в целом: подобные механическому скрежету соло и риффы, запредельно скоростные соло-вставки и необычайные по изобретательности, порой, мелодичные припевы. Вы, конечно, скажете, что у вышеперечисленных "дедов" гитары это уже было, но я вам отвечу, что да, но здесь это просто звучит и воспринимается по-новому, иначе. Вот на этом бы я и закончил перечислять нововведения Джона в инструментал, если бы не одно "но". При всей своей эпатажной внешности и агрессивной музыкальной деятельности Джон дополнил (я бы даже сказал заполнил) свой сольник настоящим техасским кантри (!). Да-да, я не ошибся! И эта, так сказать, привычка у него сохраняется по сей день. Контраст создается невероятный: тяжелые, порой металлические композиции переплетаются воедино с излюбленными мотивами сельских тружеников из Техаса! Причем исполняется это все с глубокой виртуозностью и присущей Джону уникальной манерой игры. Оформление альбома, порядок треков выглядят довольно таки логично и закономерно, лично для меня все стоит на своих местах.
Многие могут поймать себя на мысли, что я нахваливаю Джона по какой-то там причине. Если так, то вынужден разочаровать: есть и минусы, конечно. Скажем, некоторые соло слушаются затянуто, а кантри-треки в большинстве своем монотонны. Вообще, я хотел поставить альбому 6, но поставил 7 из-за того, что релиз этот дебютный, и как не крути, во многом инновационный.
P.S.: Весьма неплохо и креативно, к прослушиванию рекомендую.
|
| |
|
|
|
|
|
| К альбому "In Trance" у меня всегда было и будет особенное, почти трепетное отношение. Всё потому, что именно эта работа Scorpions стала для меня первой, купленной на фирменном диске. Если описывать её в двух словах, то именно с неё начались те "Скорпы", которых мы все знаем, и ей я мог бы не глядя поставить десятку, но таким образом моя рецензия получилась бы излишне лаконичной, а своё мнение я привык аргументировать. Итак. Во-первых, что сразу бросается в глаза, это коренное изменение дизайна обложки. Даже сам логотип группы претерпел изменения, а на так называемом фронт-кавере появляется некая загадочная дамочка с довольно интересными формами. Кстати говоря, так называемая "женская" тема обложек, начатая на этой работе, продержалась (с небольшими перерывами) затем добрых 15 лет, что тоже своего рода является достижением. Второй и не менее важный фактор - Scorpions нашли себе толкового продюсера, который умел держать нос по ветру и в итоге вывел группу (не сразу, конечно) на мировой уровень, что уже было отмечено другими рецензентами. Теперь, собственно говоря, о музыкальной составляющей. С первых же аккордов песни "Dark Lady" чувствуется, что группа заметно "потяжелела" в звучании (вероятно, герр Дитер Диркс здесь приложил свою руку) и сильно прибавила в создании отличных и запоминающихся аранжировок и мелодий. И потому, как следствие, разница между этой работой и тем же "Fly to the Rainbow" достаточно существенна. Я бы не сказал, что Ульрих Рот поумерил свою прыть (движущей силой в коллективе был (и остаётся) тандем Шенкер\Майне), но то, что он создал для "In Trance" несколько прекрасных песен - факт. Вообще, как я уже заметил выше, исполняемая музыка дала крен даже в сторону классического hard'n'heavy и прогрессив-элементов стало заметно меньше. Впрочем, сей факт нисколько не испортил общую картину. Хотя, при всём при этом, поёт Ули всё так же отвратно и с его стороны было правильным решением дать прописать вокальные партии в песне "Evening Wind" Клаусу Майне. Как ни крути, а вокал у герра Майне уже был более-менее поставлен и он с поставленной задачей справился на "отлично". Третий же фактор, о котором необходимо сказать несколько слов - это лирика. И вот здесь "Скорпионы" начинают представать перед нами во всей красе, так как лирика на 80-90% здесь посвящена отношениям между мужчиной и женщиной (в этом отношении меня поразила до глубины души лирика песни "Sun in My Hand"), в чем, надо отдать должное, Клаус Майне как автор стихов весьма преуспел. Если же рассуждать о так называемой хитовости диска, то лично для меня это будет немного тяжеловато, поскольку как на мой взгляд, здесь какую песню ни возьми, она будет потенциальным хитом и будет блистать совершенной огранкой бриллианта. На этой работе предостаточно как "боевиков" (та же "Dark Lady", уже упоминавшаяся "Sun in My Hand" с великолепной партией соло-гитары, "Robot Man"), так и песен балладного плана (одноимённая альбому "In Trance", мрачноватая "Living and Dying", "Life's Like a River"), а проходные песни, на мой взгляд, отсутствуют как таковые. Ну а "Night Lights" совместного авторства Рудольфа Шенкера и Ульриха Рота - это прекрасный инструментал, достойно завершающий эту работу, особенно если учесть, что инструменталок в творчестве "Скорпов" не так и много. В итоге, подводя всё вышесказанное я спокойно ставлю этой работе 9 баллов. Почему не 10? Потому что в дальнейшем "Скорпы" запишут ещё более замечательные работы, благодаря которым они навсегда останутся в сердцах поклонников и в музыкальных анналах как гении отдельно взятого жанра. И этот альбом ярко демонстрирует начало этого периода.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нынче, окидывая усталым взглядом рынок готической музыки, не перестаешь удивляться царящему в нем богатству выбора. Расположен рынок, ясное дело, в черной-черной местности, открываются в нем черными-черными ночами добрые сотни черных-пречерных палаток, где предприимчивые купцы сбывают свой многоликий товар: где девицы голосистые, где молодцы томные, могут и вампиры подвернуться, ажно средиземноморские – на любой вкус! А уж сколько подданных государства тевтонского сюда в последние годы хлынуло – и сказать-то страшно, да еще и титулованные встречаются.
Вот и немудрено, заплутав среди этакого изобилия, пройти мимо скромного балаганчика, перьями птиц экзотических изукрашенного, да с вывеской «Cauda Pavonis». Но если уж кто проявит любопытство, заглянет – ни в жизнь не пожалеет и наружу выходить не захочет. Весело и привольно у них там – то карнавалы ночные, то балы да маскарады с войнами пополам, где висельники танго с гавотом отплясывают. Еще и место для лаборатории тайной, алхимической, нашлось. Берут в этой лаборатории, да и смешивают ингредиенты самые разнообразные, но одинаково приятственные: голос прекрасный и мощный, музыку чарующую и слова проникновенные да верные. Размешивают все, взбалтывают – и вуаля, вот вам и философский камень от британских знатоков тайных искусств, «Controversial Alchemy» ему имя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сингл "Human Waste" нью-йоркских брутальщиков Suffocation длится 29 минут, это если включить два бонус-трека, взятых с демо-записи «Reincremation» 1990 года - «Involuntary Slaughter» и «Reincremation», поэтому запись не успеет вам надоесть до окончания прослушивания. Материал представляет собой брутальный дэт, с неплохим, но и особо не впечатляющим звуком. Техничный, с хорошими сменами ритма, причем к месту, а не абы где. В общем, музыкальная составляющая не разочарует любителей «сочного мясца», хотя и чего-то впечатляющего я не услышал. Оформление данного переиздания 2005 года вполне такое бюджетное – к обложке вопросов нет, а вот буклет в три разворота – не ахти какой. Все-таки для переиздания можно хоть три-четыре старые фотографии втиснуть в буклет, тем более, что в нынешнем положении, когда покупка альбома многими игнорируется в пользу скачивания, - если уж раскошеливаться, то хотелось бы не стандартной бумажки с текстовкой и дежурной фотографии группы. В целом, данный релиз можно приобретать, чтобы был. Переслушивать его особой необходимости, я думаю, вы не будете испытывать, - для этого есть мощнейшие полноформатные релизы Suffocation. Этот EP будет просто неплохим дополнением к вашей брутальной коллекции.
|
| |
|
|
|
|
|
| Группа Unleashed, как и Entombed, появилась на осколках культовой команды Nihilist. Как признавался позже в одном из интервью Нике Андерсон (экс-лидер Entombed), развал Nihilist, по сути, был способом разойтись с Джонни Хэдлундом, будущим лидером Unleashed, примкнувшим к «нигилистам» после записи их первого демо. Во всем виноваты творческие разногласия. Но как обычно бывает – «не было бы счастья, да несчастье помогло». После классического дебюта Entombed «Left Hand Path» на Earache, Джонни собрал группу Unleashed и после заключения контракта с Century Media, команда записывает один из основопологающих альбомов шведского дэт-метала - «Where No Life Dwells» 1991 года.
Сразу оговорюсь, что я рецензирую переиздание данного альбома, то есть, альбом прошел ремастеринг в 2001 году, но я думаю, мало кто сейчас сможет найти оригинальное издание, хотя и оно наверняка было выполнено на должном уровне - продюсировал его все-таки Waldemar Sorychta. Звук просто идеальный для подобного рода музыки, так что к качеству записи вопросов быть не может, – все, кто имеет у себя приличную стереосистему, могут смело приобретать данный релиз. Музыкальная составляющая тоже, надо сказать, не подкачала, - после акустического интро «Where No Life Dwells» нас ждет 10 по-настоящему интересных, разнообразных и не побоюсь этого слова – эпических трэков. Техника музыкантов на необычайно высоком уровне. Шведские дэт-группы вообще не злоупотребляли тупым долбиловом или молотиловом, и когда я слышу в упрек подобному релизу, что это сплошное рубилово, то складывается ощущение, что человек просто не слушал альбом или слушал его вполуха. Возьмите треки «If They Had Eyes», «Where Life Ends», «Into the Glory Ride», да даже «The Dark One» или «Before the Creation of Time» - если это тупое долбилово, то я Мэри, блин, Поппинс. DigiPack-издание дополнено семью бонус-треками, взятыми преимущественно с демок и компиляций, и двумя видео на «Before the Creation of Time» и «The One Insane», а 10-ти страничный буклет содержит текстовки, ранние фото группы, несколько слов о создании альбома от Джонни, а также дискографию группы. Просто отличное издание великолепного альбома. Классика шведского death metal. Но бросаться направо-налево «шедеврами на все времена» я не буду. Впереди у группы «Shadows in the Deep» и много чего еще.
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий альбом модерновых и прогрессивных французов получился наиболее монументальным из всех. Да и начинается он с, ни много, ни мало, пятнадцатиминутной композиции "To Walk Along Them"! Причем, меньше пяти минут на диске длится только инструментал "Phenomenon". Да, быстро эволюционирует эта группа по пути насыщения собственного материала разнообразными мелодическими линиями, немало стилистических наслоений возникает на просторах "Лазаря"! Музыка стала намного спокойнее, добавилось эмбиентных вставок, да и чистого вокала. К тому же, Hacride остановились всего в шаге от привлечения в свою музыку симфонических вставок, насытив ее клавишными, но не став разрезать композиции полноценными оркестровками, так что эти французы и молодые американцы из Xerath нынче идут пусть не по параллельным дорожкам, но по схожему пути. Впрочем, несмотря на все перечисленные красоты (а здесь еще и вполне приличные партии акустической гитары присутствуют, ко всему прочему!), материал опасно близок к той границе, за которой он вполне может считаться занудным. Все же, сложно получать удовольствие от музыки, если продолжительные песни почти лишены внутренней энергии, и зачастую попросту давят на уши однообразным среднетемповым риффингом. С одной стороны, "Lazarus" просто требует вдумчивого прослушивания, но не так-то просто быть усидчивым слушателем, когда на обложке написано Hacride, а не, скажем, Paradise Lost. И пусть даже "баллада" "Awakening" звучит вполне прилично, чувство того, что альбому стоило бы быть поагрессивней, не покидает до конца прослушивания. Так что моим альбомом-фаворитом у этих парней остается "Amoeba", релиз, от которого уж точно не становилось скучно!
|
| |
|
|
|
|
|
| Итальянская группа под удручающим названием All My Faith Lost… была образована в 1999 году усилиями Federico (лирика, гитара, синты, сэмплы…) и Francis, к которым позднее присоединились Viola (вокал, лирика и много чего другого) и Raffaella (флейта, вокал). Цель сей новорождённой группы была такова: писать музыку, которая им нравится, и донести её до слушателей, так как в своих краях подобного днём с огнём не сыщешь. Творческим ориентиром для них стали их легендарные земляки Ataraxia, и через год после образования проекта собственными усилиями музыкантов была выпущена демо-запись “Hollow Hills”. Через два года, на почившем ныне в бозе лейбле Sin Organisation ограниченным тиражом (300 дисков) был выпущен описываемый в данный момент альбом.
На раннем этапе группа интересовалась всем, что связано с разного рода феями, духами воды и сказаниями о них, что и нашло отражение на этом альбоме, полностью им и посвящённом. Если вас это заинтересовало, то можете попробовать найти лирику к этому альбому. Лично мне эта концепция не близка, поэтому я особо не углублялся в поиски, но поверхностное исследование показало – группа глубоко андерграундна, и найти инфу о ней весьма проблематично, несмотря на их нынешнее пристанище – легендарный Cold Meat Industry.
Но это всё, по сути своей, вторично.
Несмотря на творческий ориентир в плане непосредственно музыки, All My Faith Lost… явно не стремились следовать след в след за “театралами” Франчески Николи – если у “Безмятежности” во главе угла стояла необычайно насыщенная палитра образов, создаваемых музыкой, то “Потерянная Надежда” наоборот, тяготела к минимализму и камерности. Несколько человек, столько же инструментов, вдохновение и спокойствие, - именно так создаётся искренняя и личная музыка, способная проникнуть в душу. Очевидный факт – разнообразие в подобной музыке отнюдь не является краеугольным камнем (прямо как в брутале, хехе), и потому понятно, что не имеет никакого смысла делать песни радикально отличными друг от друга, но всё-таки они должны обладать, образно говоря, схожими чертами лица, но разным макияжем, быть способными зацепить за живое более чем скромной музыкальной палитрой, не должны смешиваться друг с другом в блеклую массу… А что для этого надо? Понятно, что из акустической гитары (в данном случае!) много не вытянешь, поэтому надо работать над другими инструментами: достижение утончённости и чувственности скрипки, виолончели и чарующего “пения” флейты, поиск цепких интонаций вокала… Всё это в полном объёме будет только на последующих дисках, в данном случае, несмотря на лаконичность альбома, первая его часть (так сказать, светлая сторона) слушается тяжеловато, - скрипка и виолончель эфемерны и ленивы, вокалы однообразны, так как работают в одной тональности, порой превращаясь чуть ли не в бубнение… Первые три песни, несмотря на то, что ясно отражают ту концепцию, имеющуюся на альбоме, малоинтересны и почти безэмоциональны. Что-то действительно красивое начинается лишь с “Anja” (фея, скрытая в слезе), - осмелевшие вокалисты, чувственные мелодии, - смычковые отошли от спячки, представляя на суд слушателя хоть и не разнообразную, но приятную уху игру; появились нотки безысходности, характерные для более поздних работ. Появились также робкие и неуверенные попытки влить в дарк-фолковую основу альбома элементы дарквейва и неоклассики, при помощи появившихся синтезатора и фортепиано… Особо стоит отметить просто блистательную “Gwrageth”, только она одна из всего альбома смогла надолго осесть в моей голове, и, в последнее время, именно она всплывает у меня в памяти в моменты грусти. “Виновата” в этом Виола, - именно здесь она смогла наконец-то достигнуть пика чувственности и эмоциональности, безупречно исполнив свои вокальные партии, полные ностальгии, тревоги и тоски.
Подобные альбомы предназначены в первую очередь для людей, желающих, сидя в тишине, послушать что-то спокойное, чуток отрешённое, но при этом не вгоняющее в сильную меланхолию или депрессию, а окунающее в сказочный мир, создаваемый музыкой. Ну, а лично я, совершенно неожиданно, ощутил внезапно чувство ностальгии по тем временам, когда Кари Рюслаттен, покинув The 3rd and the Mortal, занялась сольной карьерой, на первом этапе которой писала самые настоящие сказки, пусть наивные и временами слишком “детские”, но штопором врезающиеся в память своей искренностью и трогательностью. Если музыка вызывает подобные чувства, значит, она не зря была написана.
|
| |
|
|
|
|
|
| Занятно, но часто бывает так, что группа, добившаяся определённой популярности у клубного слушателя, дающая частые концерты и сформировавшая узнаваемый визуальный стиль, практически неизвестна никому из других городов по причине отсутствия записей на аудионосителях. Примеров таких групп в Санкт-Петербурге найдётся не меньше десятка, но это не касается тех, о ком пойдёт речь. В отличие от своих коллег, Альфа-Стрекозы скрупулёзно увековечивают вехи своего развития в формате CD, и новый альбом «Легенда болот» стал уже четвёртым по счёту в их дискографии. И теперь можно сказать, что хоть группа и облазила все овраги и окружные тропки, она нашла свой путь. Если прежде (за исключением экспериментального „мега-сингла” «Чернокнижник») студийные записи были приложениями к живому выступлению, то теперь Альфа-Стрекоз вполне можно слушать ради музыки, а не для того, чтобы узнать, что будет играть на грядущем сейшне.
Сами Альфа-Стрекозы предпочитают называть свой стиль не иначе как поп-трэш. В какой-то мере это правомерное определение, потому что и в имидже группы, и в её музыке присутствует достаточная доля китча, который ассоциируется с этой выдуманной характеристикой. Кстати, главный Альфа-самец (ну или главный Стрекозёл), Дмитрий Митрофаненко, на концерте весьма похож на Элиса Купера в его молодые годы, а своеобразное шоу группы выглядит усечённым концертом всё того же замечательного исполнителя, которого тоже можно причислить к этому вымышленному стилю. И действительно, общий базис вполне можно назвать хард-роковым, тем более, именно с этого стиля группа и начала свою жизнь, но спустя шесть лет после дебютной записи, рекомендовать эту группу поклонником классического „харда” просто чревато сердечными приступами у последних. «Легенда болот», кажется, варилась из всего, что попалось под руку музыкантам: и откровенная „раммштайновщина”, и проскакивающие восточные мелодии, и, страшно подумать, элементы готик-рока, вполне вписавшиеся в общую картину. Получается не музыка, а какое-то цирковое шоу, переведённое в ноты. Фантасмагорические тексты на русском языке только укрепляют эту картину: лирическими героями песен является разномастная нечисть, будто сбежавшая из творчества популярной молодёжной группы Король и Шут, и попавшая в абсурдный мир, выстроенный Стрекозами. Главное, что все эти компоненты находятся в гармонии меж собой, не выглядя чужеродно и замечательно друг друга дополняя. Но, увы, всё это работает только если разглядывать альбом в рамках каждой песни отдельно, а вот если воспринимать в целом...
Несмотря на то, что звучат все характеристики на первый взгляд положительно, альбом трудно назвать чем-то эпохальным, как для всей русской музыки, так и для Санкт-Петербурга в частности. Начинаясь за здравие, заканчивается он не то чтобы за упокой (так как в середине альбом явно проседает по темпу и „хитовости” материала), но с поскучневшей миной. Песни сильно различаются между собой; чётко выделены „боевики”, и особняком от них стоят медленные композиции, а также просто более слабые. Этот диссонанс и играет в итоге решающую роль: качественный, но одноразовый альбом, подобно яркому и красочному представлению, и во второй раз на те же трюки будет смотреть куда малоинтересней, что уж говорить о последующих. (Диск предоставлен группой.)
|
| |
|
|
|
|
|
| Ныне "Храм Скорби", взявший себе в качестве специализации хранение памяти о "подвигах" знаменитых серийных убийц, нарезает отменный стоунер-дум, но в далеком 2001 году дело обстояло несколько иначе. Нет, не подумайте - с качеством музыки у ребят все было в порядке и на тот момент. Что же, вы спросите, было не так, и в чем, собственно, разница? Разберем по порядку.
Четверка знающих свое дело японцев сформировалась еще в 1995-ом (тогда австралиец Том Саттон вряд ли и помышлял о том, что возьмется за гитару в качестве "храмовика"), но публиковалась исключительно в виде сплитов и мини-дисков вплоть до выхода "Master of Brutality". Первый полноформатный альбом имел следующее наполнение: 5 оригинальных композиций, включая неплохой инструментал "Green River" и в нагрузку кавер на хард-рок банду Blue Öyster Cult (который, как ни странно, неубедителен и звучит хуже остальных песен). Навеянная наличием кавера мысль: дань уважения старинным группам у Church of Misery в порядке вещей, и в основном проявляется в названиях альбомов и треков, а также стилистике шрифтов, символике и так далее. За время деятельности японской формации уважение было проявлено как к уже упомянутым Blue Öyster Cult, так и в первую очередь, Black Sabbath (начали как раз с этого издания), Led Zeppelin и Saint Vitus (может, еще к кому, я ссылок на другие команды не заметил).
Убийственно плохих номеров на пластинке нет, но радости мало - при относительной оригинальности (касается это больше немного странного жужжания гитары и баса) и толике психоделии, которая по обыкновению заслуживает похвалы, "Master of Brutality" оставляет впечатление малоинтересного релиза. Более-менее яркие по отношению к оставшейся половине "Killfornia", "Ripping into Pieces" и "Megalomania" не скрашивают какой-то, что ли, заезженности риффов и ударных партий, да и сами таковыми изобилуют. Конечно, глупо требовать диких новшеств от самолично загнанных в узкие рамки ретро-думеров, но ведь в действительности редкий стоунеровый опус оставляет привкус безнадежного плагиата. Правда, "безнадежно" чересчур громко сказано, - есть у ребят потенциал, легкой примеси которого нашлось место и на этой в целом скучной работе. Подробное описание песен, по-моему, не имеет смысла, к тому же структура композиций ощутима каждым, кто хоть раз слыхал Black Sabbath лучших времен. Лирика же довольно проста и запоминается благодаря повторению одного и того куплета дважды в каждом треке (это, кстати, единственный CD Church of Misery, к которому удалось эту самую лирику найти).
Поговорка о первом блине затерлась до дыр, наверное, благодаря своей меткости, и мне ничего не остается, как эксплуатировать ее в очередной раз. Ком хорошей команды, в принципе, можно переслушать не один раз, но рекомендую повторно использовать его как фоновое наполнение - оторваться можно под альбом и получше, и хорошо бы, если это будет следующий диск уважаемых Church of Misery.
|
| |
|
|
|
|
|
| Чернобыльская авария уже давно превратилась в своего рода культ. Трудно подсчитать, сколько уже было выпущено различных творений на эту тему: в первую очередь это относится, естественно, ко всяческим популярным книжонкам, фильмам и прочим видеоиграм. А вот в метал-среде я как-то еще не встречал концептуальных альбомов, освещающих сии события. И уж тем более – целых проектов. Рассматриваемые сегодня шведы, Reaktor 4, решили посвятить пресловутой ЧАЭС целиком все свое творчество (собственно, название группы и означает 4-й энергоблок, поломка коего, по мнению экспертов, и послужила причиной аварии). Недавно они разродились одноименным дебютником, который, по досадному стечению обстоятельств, прошел, в общем-то, незамеченным.
Имеем мы размеренный, тягучий как патока, но весьма ритмичный индастриал-блэк (и сложно сказать, какой стиль здесь преобладает). Музыканты пустили в ход все средства, способные создать стылую, леденящую атмосферу: "бездушную" драм-машину, запрограммированную на резкие, четкие удары, шершавый и грубый гитарный дисторшн, примененную кой-где подложку электронного бита, флегматичный, не выражающий и тени эмоции, грим… В итоге музыка звучит с некой холодной отрешенностью, так, что мурашки бегут по коже. Еще поразительнее, что в идею Reaktor 4 отлично вписался аккордеон, вылезающий в отдельных композициях – своими "теплыми" партиями он удивительно контрастирует с апатическим, отстраненным духом альбома и тем самым слегка разряжает обстановку. Ко всему прочему, не подвела и запись. Материал будто записывался в абсолютно пустом помещении, что отмечает гулкий, раскатистый звук инструментов (особливо ударных).
Разумеется, работа не безгрешна. "Reaktor 4" несколько однообразен, однако музыканты умело пытаются это скрыть: аккурат посередине материала, например, слушателя ожидает нетипичная, предельно минималистическая вещь "Aska", способная, кажется, без труда вводить в гипнотический транс. Но это не отменяет того, что ближе к финалу уже начинаешь от альбома слегка уставать. Если бы не этот факт, пластинка была бы просто блестящей.
Ну да еще не вечер. Исправятся.
|
| |
|
|
|
|
|
| Самым трудным для слушателя при знакомстве с этой "Амебой" будет не выключить альбом после первой же песни. "Perturbed" кажется просто стандартной смесью металкора и модерн-дэта, а химиков, кои нынче любят готовить подобные смеси, расплодилось, как кенгуру в Австралии. Да еще и появился чистый вокал, которым на своем дебютнике французы не баловались. Тренд, да и только! Хотя стартовый трек в итоге идеально вписался в концепцию альбома, истеричного, грувового и скоростного в начале, и постепенно перерастающего в нечто выдержанное, мрачное и монументальное. Аналогии? Их есть у меня! Представьте себе смесь Meshuggah, Strapping Young Lad, Textures, добавьте к ней немного от Opeth, Gojira и Septic Flesh, и получите отдаленную картину происходящего на альбоме. Хотя, в любом случае, наиболее оригинальной получилась композиция "Zambra". Это кавер на песню Оjos de Вrujo, причем созданный не без помощи самих испанцев, самая настоящая помесь агрессивного метала и фламенко. Звучит она просто крышесносяще! Обе инструментальные композиции, "Liquid" и "Ultima necat" интересны тем, что несут в себе необходимую передышку от шквала агрессии только ушам, но не душе или мозгу, поскольку очень эмоционально насыщены. Если бы я использовал их в саундтреке к какому-нибудь фильму, то первая сопровождала бы зрелище города перед началом ковровой бомбардировки (а следующая за ней "Cycle" как раз и звучит подобно ковровой бомбардировке), а вот "Ultima necat" вполне могла бы сопровождать сцену суицида. Про остальной материал тоже можно и нужно говорить, осыпая французов комплиментами и за мощный риффинг, и за мелодичные акустические интро к половине песен альбома, и за гитарные соло, местами очень похожие на опусы горячо любимого мною Джо Сатриани. Но в данном случае лучше будет просто констатировать тот факт, что именно с выходом этого альбома Hacride превратились в интересную, в чем-то даже уникальную творческую единицу, став одной из групп, украшающих не только французскую, но и мировую экстремальную сцену.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нет, раскол сознания по формуле Gorguts не должен в настоящее время иметь непременно маткоровый привкус. Есть еще ресурсы и у дэт-метала, они новозеландского происхождения и зовут их Ulcerate. Это трио уже попадало в поле зрения любителей экстремальной музыки с дебютным альбомом «Of Fracture and Failure», увидевшем свет в 2007 году. Музыканты не стали особо резко меняться, поменялась скорее сама ситуация – начали возрождаться старинные культы и выдавать не всегда убедительный результат. Ulcerate же, хоть и исполняют вполне современную музыку, но она оказывается куда менее перепродюсированной, зато куда более бессознательно, иррационально ненормальной и атмосферной. И никаких гвоздей, тьфу, хардкоровых поползновений. Гитары создают мутные риффовые омуты и напоминают о своем существовании там машиноподобными скрежетами, во время периодических затиший их звучание редуцируется до сухого урчания. Нетрудно догадаться, чем сопровождает этот негодный для хэдбэнга рваный риффинг ударник – неутихающими очередями сбивок и роем бас-бочек, а также акцентирующим отдельные моменты непродолжительным бластбитом. Музыка настолько насыщенна, что вполне годилась бы в пищу и в сугубо инструментальном варианте (это меткое наблюдение было высказано еще в одной из рецензий на знаменитый 2-м альбом Cryptopsy), но и вокал вносит свою лепту в эту мечту извращенца от брутала. Если на предыдущем диске вокальной секцией заведовал Бен Рид, практиковавший смешение гроула со скримом, то нынешний вокалист (по совместительству басист) Пол Келланд использует безукоризненно мощный и менее болезненный вокал, чем тот, который можно было бы ожидать при такой музыке. Этот рык внушительно нависает над раскаленным металом и напоминает, что, к счастью, кое-что здесь зависит и от человека, если уже остальные инструменталисты перестали себя таковыми ощущать. По мере погружения в кипучую лаву «Everything Is Fire», альбома, который не скрывает огненную природу всего сущего, вспоминаются Gorguts, Immolation и все больше Deathspell Omega – так уж навязли в ушах их ядовитые пассажи. А уж при таком наборе достаточно разномастных параллелей есть смысл ждать от диска чего-то универсально-деструктивного. Это и получите. В полной мере.
|
| |
|
|
|
|
|
| Отличный, умножающий мастерство, но не порождающий откровений альбом в тех-экстримовом жанре в 2009 году суждено было выпустить парням из страны-фаворита Канады. Augury пожелали кивнуть в сторону фаршированного приключенческим энтузиазмом и космического, инспирированного джазом техно-дэта, и кивнули так, что у страсти любителя жанра к «Fragmentary Evidence» есть все шансы не остыть с первого и до последнего прослушивания. Отборные, не щадящие сложностью риффы, обладают достаточной мясистостью – это структурный дэт с высокой мобильностью. Невзирая на завернутость пассажей, грамотная режиссура и свежие находки (в числе которых и кратковременное появление женского вокала) замечательно забивают музыку Augury в память. Аппетитность каждого инструмента самого по себе, и их идеальная сыгранность в общей палитре делает из последнего диска группы настоящую находку. Гитарные запилы а-ля Necrophagist положены не на механистичные риффовые рельсы, но на живую материю; многочисленные рафинированные инструменталы с солированием баса (который по классу достоин самого лестного сравнения с достославной работой Мэлоуна в Cynic) придают музыке второе, неземное, измерение. Бас с хваткой древнегреческого оратора выискивает поводы сказать веское слово и делает это с нескрываемым изяществом. Насыщенный недомолвками (по причине частой смены инструментальных «героев») техно-дэтовый сюжет и чисто релаксирующие лейтмотивы подогнаны друг к другу идеально. Музыка фантастична в отделке и экзотична в своем разнообразии. И все бы отлично, но пора немного о грустном, вернее, смущающем. Базовым типом вокала является добротный низкий гроул, но сопутствующие ему вокальные опыты Patrick-а Loisel-а порою режут слух и главным образом это беспардонно взрезающий музыку скрим. Эпический чистый вокал скорее удачен, тем более что в отдельных фрагментах он сообщает Augury особый исторический колорит (“Sovereigns Unknown”). Но как по мне, использование единственно стандартного гроула ничуть не обеднило бы Augury, но напротив – помогло бы избежать лишних нюансов. А так… подобный альбом уместен и сегодня, но и что уж совсем вовремя он появился, будет сказать тоже несправедливо. «Fragmentary Evidence» – несколько потерянная и независимая от времени работа: дескать, Космос, и пусть весь мир подождет…
|
| |
|
|
|
|
|
| Вот уж почти 5 лет Darkthrone потчуют нас багажом своих юношеских воспоминаний и каждый раз слушатель задается вопросом: какой же все-таки смысл вложили музыканты в изречение «Культ жив» на этот раз? Но с каждым альбомом в фирменных, не всегда и своих, забойных риффах все больше мудрости, а в подчас карикатурных хэвиметальных соло-запилах – трогательной ностальгии. «Circle the Wagons» – еще один шаг навстречу бессмертию, в пантеон легенд хэви-метала, где можно находиться за их счет. Это шаг назад еще дальше во времени, но по-прежнему вперед в целесообразности. Неизвестно сколько лет Darkthrone не придумывают риффы, а вспоминают и компилируют их, но делают они это по-прежнему с самым что ни на есть вдохновением. Пик собрания воедино драйвовых риффов трэша, панка и – в самых малых дозах – блэка под флагом еще более древней панковской эстетики хоть и пришелся, на мой взгляд, на предыдущий альбом с одним из наиболее программных заглавий позднего периода, 2 года спустя ребята продолжают ретроспективу знаковых проявлений духа рок-н-ролла от Black Sabbath до Celtic Frost, в сходной манере, со схожими приемами, но с неклонированной эмоциональностью. Стоит заметить, что цитатная природа творчеств Darkthrone находит живое отражение в структуре композиций, не лишенных пауз и провисаний (“I Am the Working Class”) – здесь, как и везде, они честны. Единственно, у меня стойкое убеждение, что здесь они уже в чем-то цитируют себя в 2004-2008 (и, увы, с меньшим блеском), в то время как «Dark Thrones and Black Flags» был новацией или по крайней мере диском, где откровения приобрели идеальную форму. Кипящая кровь ветеранов перевернутых крестов и грозных канделябров дает о себе знать в открывающих и закрывающих сбивках, известных еще со времен The Who. Парадокс: не дают концерты те, кому как раз есть что сказать миру именно со сцены (а уж черепа в руках им явно идут). Возможно, мы застигнем тот момент, когда Darkthrone заиграют гаражный рок/протопанк, пору наиболее раннего своего детства и… оставят последний предрассудок блэковой поры – воздержание от всякого live. Пока же норвежцы не стагнируют, но очень даже меняются, матереют и соответственно добреют. Никого не обманут рассерженные хрипы пафоса в исполнении Ноктюрно Культо и Фенриза, а пара-тройка песен так и вовсе работает на хэви в самом наивном своем пиратском проявлении. “I Am the Graves of the 80s” – не пустой звук, и, имея дело с Darkthrone, вы имеете дело с самопровозглашенными поборниками традиций, костьми лягущими ради этого святого дела. Что ж, мы не очень погрешим против истины, если поставим ряд дисков этого дуэта рядом не то что с трэшем 80-х, но с классическим панком и ранним оккультным хард-роком. Конечно, Darkthrone – не декорация, но и не музыка, – мировоззрение! Странно, однако, что предыдущий альбом получил куда меньше внимания, чем этот. Тем не менее, Ноктюрно Культо и Фенриз планку хоть и опускают, но не роняют. Ронять есть кому и без них.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что ни говори, а все-таки сложно описывать альбомы СНГ-шных групп, тем более, не снискавших широкого признания. Распинаться на тему, что, мол, совок и есть совок - попахивает неприятием всего, что родом из "этой страны" (как у многих представителей доморощенной "интеллигенции"). А похвалить часто и действительно не за что: то звук хреновый, то идей своих нет, и т.д. и т.п..
Вот и прослушав альбом донбасских трэшеров из Анестезии, теряешься - так как плюсов несомненно много, но есть и минусы, причем, некоторые подобны той самой ложке дегтя.
Музыка группы представляет собой thrash-metal скорее американского, нежели германского образца. Слышатся влияния Metallica, Pantera, Megadeth, Exodus, иногда Testament периода death-овых экспериментов. Иногда в памяти всплывает и группа Death 90-х годов.
Можно сказать, что это трэш-метал с элементами progressive, new school hardcore, а также heavy metal и death metal (заимствований из двух последних направлений больше всего). Хотя и нельзя сказать, что все элементы смешаны равномерно, почерк группы чувствуется во всех композициях. Наиболее же уверенно Анестезия чувствует себя на трэшевых территориях, самый яркий пример тому - трек "В плену".
В общем: довольно технично (особенно это касается работы драммера), головотрясно и угарно, каноны стиля соблюдаются, но без боязни взглянуть за его рамки. Некоторые темы запоминаются после первого прослушивания, чем могут похвастаться далеко не все.
Теперь о минусах, самый главынй из которых - попытка вокалиста петь чистым голосом. В композиции "Новое поколение", которая начинается, как баллада, это что-то страшное, - прямо дворовое пение во всей своей красе (и это при том, что трэшевым вокалом чувак владеет как минимум на "4"). Что-то похожее (но уже не так режущее ухо) наблюдается и в начале "Системы".
Качество записи в целом неплохое, но тем самым совком, естественно отдает (хотя русскоязычному "анестезийному" thrash-metal это даже придает эдакий "угарный" дух эпохи расцвета советского/постсоветского трэша).
Учитывая, что подобной музыки с середины 90-х годов прошлого столетия много не было, любителям трэш-метала отечественного розлива, да и трэша вообще, рекомендуется.
Жаль только, что группа после этого альбома почти полностью сменила состав и заиграла совсем другую музыку.
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда мы вспоминаем скандинавский волосатый метал, то на ум приходят, конечно же, Europe. Кто копнет чуть глубже, вспомнят о TNT и Treat. А вот о датском коллективе Fate как-то не принято вспоминать. И это при том, что их второй альбом "A Matter of Attitude" уступает знаменитому альбому "Европы" того же 1986 года только по причине отсутствия супер-хита, равного "Final Countdown".
Во-первых, необычно, что поп-металическая группа обошлась без пауэр-баллад. Т.е. совсем, представляете? Так что имейте в виду, что альбом исключительно энергичен, динамичен и весел. Протяжные соло, "фирменные" ударные, прошедшие электронную обработку и жгучий вокал. Все то, за что мы любим хард-рок того десятилетия.
Лучшая песня на альбоме - "I Can't Stand Losing You". Грандиозный припев хором и бьющая наповал мелодия. При правильной раскрутке мог бы получиться колоссальный радио-хит. "Hard as a Rock", "Farrah", "The Hunter" - поп-металические боевики как на подбор. Еще один потенциальный суперхит "Summer Love" взрывает середину диска.
При таком отличном материале, группе так и не удалось вырваться дальше чартов Северной Европы, что совершенно возмутительно. Отличный вокал Jeff "Lox" Limbo и потрясные шред-запилы Hank Shermann соответствуют самым высоким стандартам, заданным американцами. А по мелодике и техничности Fate превосходят многих, что считались звездами в те годы.
Увы, не каждый талант пробивает себе дорогу. Это - абсолютно классический альбом из эпицентра волосатого метала 80-х годов. Категорически рекомендован.
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй по счету альбом в довольно объемной дискографии этих бравых чикагцев. Что тогда, что сейчас ребята играют в принципе дэт-дум (если не считать, что на своем последнем LP немного ударились в прогрессив), однако музыка группы раннего периода все же отличается от поздних релизов.
Как уже отметили предыдущие рецензенты, первое, что действительно бросается в уши – это стартовая мелодия альбома, отсылающая нас прямо к первому диску всем известных английских думеров. Так что не будем зацикливаться на этом – не стоит называть это бессовестным плагиатом: музыканты, видимо, просто решили выразить уважение своим кумирам. Почему я считаю, что на такое цитирование классиков можно без зазрения совести закрыть глаза? Потому что все, что мы услышим дальше на этом диске, не позволит усомниться в том, что ребята в состоянии и сами сочинять хорошие песни. Для этого альбома характерны жесткие, но при этом сурово-мелодичные гитарные риффы; мощный, фактурный и, что особенно приятно, чрезвычайно разборчивый на слух гроул Пола в сочетании с чувственным и нежным голосом некой Кэти; упругие, четкие ударные кудрявого Саши Хорна; обилие красивых чистых гитарных переборов и мелодий; и, наконец, интересные партии баса. За последние отвечает девушка по имени Мэри и справляется она со своей задачей просто отлично: за ее игрой очень интересно наблюдать, она часто начинает вести собственную мелодию или красиво дополнять мелодию чистой гитары. Если и выделять какие-то номера поименно, то я бы назвал «All the Beauty Twice Again», где женский вокал занимает лидирующую позицию, «For Every Leaf That Falls», начинающуюся с обалденной мелодии, и заводную «Forever with Unopened Eyes».
Саунд, на мой взгляд, идеально подходит для такого рода музыки – ничего лишнего. Звучание плотное, но не коммерчески стерилизованное, что могло бы пойти во вред такому материалу. В изданной на территории СНГ компанией «Маззар» версии 2009 года (лицензия переиздания лейблом The End Records в 2008 году, в оригинале работа вышла под крылом Martyr Music Group в 1999) немного другая обложка и буклет. Он выполнен весьма интересно, в нем мы можем почитать тексты, сочиненные Полом, которые, надо признать, не блещут оригинальностью и вполне стандартны для жанра.
Итак, что мы имеем? Второй альбом американских думеров, который, по моему мнению, превзошел дебютник по всем статьям. Добротный, качественный дум с цитатой из классиков направления. Если бы он увидел свет году этак в 1993, цены бы ему не было. Рекомендую всем ценителям дэт-дума.
P.S. В вышеупомянутом мной издании по какой-то непонятной мне причине отсутствует трек «Before the Wind», зато имеются три бонус-трека, записанные группой в 2008 году специально для этого переиздания. Они представляют собой т.н. «легкие» версии песен «For Every Leaf That Falls» и «Forever with Unopened Eyes», плюс переделанная «Serenity Forgotten», носящее уже название «Serenity Remembered». В последней появился новый куплет, и Пол поет текст, а не просто печально повествует.
|
| |
|
|
|
|
|
| В целом альбом звучит исключительно мощно и убедительно; звук такой, что лупит прямо в душу, — кристально чистый и предельно сбалансированный. Явное замедление темпа в ряде композиций наряду с некоторым отходом от традиционных для группы мелодик-дэтовых песенных структур «а-ля Гётеборг» пошли группе только на пользу, сделав альбом более разнообразным и, я бы даже сказал, в какой-то степени более «взрослым» по сравнению с предыдущими релизами последних лет. О клавишах стоит сказать отдельно: они отныне совсем не «подложка», а абсолютно полноценная компонента мелодических линий. Из композиций больше всего понравились стилистически традиционная для группы, но тем не менее мощнейшая скоростная “The Fatalist” и чувственная, проникновенная и трагичная “The Grandest Accusation” (настоящий триумф DT) с явным влиянием Iron Maiden в гитарном соло — ненавязчивым, но вполне ощутимым. Вызывавшая до прослушивания понятный интерес "Arkhangelsk" как-то не то чтобы не впечатлила, но уж точно не «зажгла» — главным образом из-за какой-то натужно-неуклюжей угрюмой неповоротливости в сочетании с вечной стужей, которые, по-видимому, у авторов напрямую ассоциируются с Россией. Остальные номера, скажем так, по первому впечатлению тоже с ног не валят, но, возможно, я их просто еще не расслушал как следует. Общий вердикт: шедевром назвать трудно, до уровня “Projector”, “Damage Done” и “Fiction” не дотягивает, но однозначно запоминающаяся работа, которую хочется переслушивать снова и снова, открывая с каждым новым прослушиванием для себя что-то новое.
P.S. В «делюксовое» лимитированное издание альбома (роскошно оформленный пухленький диджипак с изумительной полиграфией) входит бонусный DVD со съемками студийных сессий общей продолжительностью около 42 минут.
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй лонгплей Scorpions. И, пожалуй, совершенно правы те рецензенты, которые утверждают, что в каком-то смысле эта работа является дебютной, а "Одинокий ворон" стоит как бы особняком в дискографии. Основной причиной этого, на мой взгляд, является перетасовка состава на добрых 90%: уход Михаэля Шенкера в U.F.O., приход Ули Джона Рота, который сам по себе является уникальным гитаристом, и полная смена ритм-секции. Как следствие всех этих перестановок - явный (если не сказать, резкий) уклон в классический хард-рок и начало эксплуатации, что называется, золотой жилы, в которой "Скорпы" стали в итоге признанными королями. Но я позволю себе остановиться на нескольких ключевых моментах. Безусловно, Ульрих Рот как гитарист великолепен, но всё же он больше тяготел (и тяготеет) к прогрессиву, что особо проявилось на его сольных работах, записанных уже после выхода из состава Scorpions. На этой же работе прогрессив также ощутимо присутствует, но он тесно переплетается с хард-роком. Негативно ли это сказывается на общей стилистике? Определённо, нет, потому как смесь эта слушается достаточно органично. Практически та же история происходит с арт-роком и психоделиком. Соединив все эти стили, немцы на выходе получили отличный результат. Однако, при всех новациях, внедрённых в саунд группы, упоминавшийся уже Ульрих Рот чувствовал себя в коллективе не слишком уютно, поскольку по сравнению с другими участниками, он был уже более-менее известен и потому, фигурально выражаясь, тянул всё одеяло на себя, сочинив для этого диска несколько тем, и к тому же в композиции "Drifting Sun" он кроме всего прочего прописал партии лидер-вокала, хотя, если честно, поёт он не слишком хорошо. Это первый фактор. Второй же, который необходимо отметить - начиная с этой работы у группы появилась своего рода отличительная черта, в дальнейшем выведшая коллектив в ранг суперзвёзд. Речь, разумеется, идёт о фирменных "боевиках" команды (здесь на эту роль вполне подходят "Speedy's Coming", та же "Drifting Sun", если брать по инструментальной части, и "Far Away" ) и, конечно же, о балладах, которые здесь представлены ещё немного сыроватой, но невероятно притягательной и завораживающей своей простотой и искренностью "Fly People Fly". В итоге, основываясь на всём вышеизложенном, я ставлю этой работе крепкие 9 баллов, хотя до того, что называют шедевром, этому диску не хватает всего-ничего.
|
| |
|
|
|
|
|
| Hacride - группа из Пуатье, Франция, образовавшаяся в 2001-ом году. В своем творчестве парни сочетают элементы техничного дэта, прогрессив-метала и модерн-метала. Ну а "Deviant Current Signal" стал их первым полноформатным релизом, являющимся также наименее интересным среди трех, имеющихся на данный момент в активе команды. Ругать, впрочем, французов, по большому счету, не за что. Да, риффинг здесь еще не отличается интеллектуальностью последующих работ, каждое замедление темпа композиции грозит обернуться брейкдауном, и голос Samuel Bourreau звучит довольно глупо, особенно в те моменты, когда Самуэль начинает в порыве ярости просто тявкать в микрофон нечто неразборчивое. Но, трезво оценив материал, я пришел к выводу, что главной "проблемой" ребят на этот момент являлось то, что их материал уже был слишком замороченным, как для фэнов Mnemic или Chimaira, но недостаточно интеллектуальным для ценителей авангардной и техничной музыки. А вот для начинающих знакомство с прогрессивным экстримом "Deviant Current Signal" подходит практически идеально! Скажем, играющая в данный момент в моих наушниках "This Place" в одиночку смогла бы вытянуть альбом на достаточно пристойный балл! Неспешно разворачивающееся прогрессивное полотно, украшенное как яростными дэтовыми, так и "героическими" хэви-металлическими риффами, ласкающим слух соло и спокойным инструменталом на восточный мотив является подлинным украшением альбома. Но не только этой композицией славен альбом! В нем хватает приятного разнообразия, энергетики, интересных инструментальных ходов, как, например, (скорее всего гитарное) соло в "Protect". Так что, для первого релиза результат получился вполне приличным.
|
| |
|
|
|
|
|
| Полное название второго альбома Ballin' Jack - "Buzzard Luck Part 1: Can't Kill Nothing: Nothing Won't Die". Он, к сожалению, несколько хуже дебютника группы. Во-первых, джазовых элементов здесь меньше, хотя они ещё присутствуют, например, в "So Do I". В разных треках видны поп- и фолк-элементы. Соответственно, духовые инструменты тут часто используются просто для ведения аккомпанемента, а уже не для самоцельного солирования. Намного большую роль играет фортепиано. Социально-фестивальной лирики здесь уже практически нет, что, впрочем, соответствует духу эпохи пост-хипповских 70-х.
Из хороших композиций здесь можно назвать, пожалуй треки 3 и 7, в которых присутствуют необычные вокальные ходы. А в целом - неплохой альбом, хоть и хуже, чем дебютник, но имеющий свою самобытность.
|
| |
|
|
|
|
|
| Этот двойной DVD должен красоваться на полках каждого уважающего себя поклонника трэш-метала. Как бы тривиально не звучали эти слова, но это действительно чистая правда. Про поклонников группы я даже не говорю - это само собой. Так как видео озаглавлено «Десять лет в аду», то хронологически оно ограничивается альбомом 1999 года «Criteria for a Black Widow». Звуковая дорожка одна – PCM Stereo, но при таком количестве закулисных съемок, я думаю, DTS и не нужен. Хотя обладатели дорогущей домашней стереосистемы со мной и поспорят. Начинается все со ставшего уже культовым клипа "Alice in Hell" и продолжается вечеринкой по случаю его снятия. За официальным клипом «Stonewall» следуют два ролика с телевизионных программ с участием Джеффа и всей группы. После пиратской съемки исполнения «Fun Palace» с концерта, и еще одного отрывка с телешоу, нашему вниманию представлено еще одно официальное видео - на «Set the World on Fire». Ну а потом так же, на всем протяжении диска видео чередуется с закулисными съемками и отрывками с репетиций. Классно было наблюдать? как Джефф на репетиции (Сriteria Rehearsal) «пилит» «Not for Teacher» Van Halen. Ну а видео, озаглавленное «Oh Canada», вообще вне конкуренции: в нем Рэнди Рэмпейджу на лоб «присобачивают» кнопку с канадским флагом, видать, в туровом автобусе пивка было выпито немало. Абсолютный «must see». Заканчивается первый диск "Pharr Live" и "Rampage Raw" - концертными съемками средней паршивости (по качеству картинки и звука) 1990-ого и 1989-ого, соответственно.
Второй диск полностью посвящен истории группы, которую вам рассказывает сам Джефф Уотерс. В начале вы увидите детские фото Джеффа, когда он ходил в музыкальную школу и прочие приятные радости. Периодически к рассказу будут подключаться бывшие участники группы. Главный минус этого релиза, как и большинства иностранных музыкальных видео, выпускаемых в нашей стране - о русской звуковой дорожке можно смело забыть. Но вот хотя бы субтитры-то можно было нарулить! В принципе, знания английского здесь требуется не так-то много, так как разговаривают о наших любимых альбомах, известные нам люди, и понять суть дела не так и сложно, но это в том случае, если в школе вы не прогуливали уроки английского, или еще хуже - не учили немецкий. Самое ценное во втором видео - возможность посмотреть на бывших участников группы и на их род деятельности в настоящий момент. Очень меня удивил Джон Бэйтс – один из основателей группы, певец и автор текстов (именно он пел на первой официальной студийной записи – «Annihilator» в 1985 году, а также написал текст "King of the Kill" и многое другое). Удивил больше не родом занятия (его группа называется Big John Bates), сколько своей прической а-ля Тило Вольф. Приятно посмотреть, как Майк Манджини упражняется на ударной установке. В итоге имеем великолепный релиз общей продолжительностью около 230 минут, минусом которого является отсутствие русской звуковой дорожки (ну или на худой конец, субтитров). Хотя, может, у кого-нибудь будет стимул изучить английский язык поглубже. К минусам можно отнести и хилый буклет. Две странички, где на черном фоне дана краткая история группы, для такого издания все-таки маловато. Тем более, если под рукой имеется великолепный венгерский художник Гуль Хаванчак, оформлявший «All for You», «Schizo Deluxe» и «Metal». Но несмотря на все это, «Ten Years in Hell» - один из лучших видео-релизов в 2006 году.
|
| |
|
|
|
|
|
| Несколько десятков лет прошло с тех пор, как был официально зарегистрирован стиль под названием heavy metal. Он уже успел состариться, и теперь это кряхтящий и шаркающий дедушка, обзаведшийся сонмом отпрысков. Своеобразные межродственные браки стали обыденными в этой семейке, так что во избежании дальнейших генетических уродств, со стороны были привлечены троюродные братья и просто прохожие. Процесс совокупления и производства потомства не прекращается ни на секунду, и на свет появляются самые чудные сочетания. Пятёрка англичан, собравшихся под именем Annotations of an Autopsy провозгласила себя ни больше ни меньше, а „пионерами modern brutal death metal”. Вот это финт, вот это номер, как кажется на первый взгляд: сыночек-то вышел оригинальным, быть ему пророком и мессией... Да вот беда, приглядевшись, несложно заметить, что на самом деле, дура-мамаша подгуляла с соседом, и под громким именем скрывается неказистый бастард. Рецепт этого модернового брутала по-британски очень прост: берём обычный дэт флоридской выделки и щедрой рукой добавляем туда дэткоровых брейков. Блюдо готово, подавать горячим. Как видим, сенсации не случилось, алхимический опыт на деле оказался блефом, но не всё так печально, как может показаться.
Annotations of an Autopsy на своём дебютнике предстали заурядной дэткоровой группой, но потом судьба свела их с Эриком Рутаном (Hate Eternal), и дело приняло иной оборот. Судя по всему, Рутан не только взялся продюсировать «II: The Reign of Darkness», но и определённым образом повлиял на написание музыки. Англичане зазвучали как пресловутый Hate Eternal: вязкий среднетемповый дэт с триггерными ударными, но обилие бластбитов было заменено оставшимися со времён «Before the Throne of Infection» дэткоровыми приёмчиками. Несмотря на излишний пафос в заявлении о своих первопроходческих достижениях в придуманном стиле, получилось неожиданно хорошо. Агрессивность дэткора переросла в напор и драйв, которые выгодным образом сочетаются с неплохими мелодиями (как бы странно это не звучало в одном абзаце со словом „брутал”). Ну и старания Рутана в качестве продюсера не прошли даром, так как звук вышел сочным, плотным, но в то же время сохраняющим высокую, острую нотку. Учитывая, что собственный проект Эрика сильно сдал позиции, вполне можно рассматривать Annotations of an Autopsy как нового идола для любителей мясца с неизменным складским клеймом «666». (Диск предоставлен компанией Irond)
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.