|
|
 |
|
| Многие известные группы перезаписывали свои классические вещи, но, как правило, из подобных экспериментов ничего хорошего не получается. Вот и легендарные испанцы Tierra Santa не стали в этом смысле исключением.
Вот скажите мне, зачем так уродовать своими же собственными руками свою же нетленную классику, ради чего? Но и так понятно, что это – вопрос риторический…
Рецензируемый мною сборник «Esencia» состоит из двух дисков: на первом представлены новые версии старых хитов команды в современной обработке, а на втором – их акустические версии.
Запись этой компиляции проходила в ноябре-декабре 2013 года, в ней принимали участие такие известные гитаристы, как Эдуардо Самора, Начо Сабала и Хуан Сагалас.
Анхель Сан Хуан отвечал за ритм-гитару. Продюсировал диск Хавьер Сан Мартин.
С этого альбома было выпущено два сингла – «La canción del pirata» и «El canto de las sirenas».
Что ж, давайте начнем наш разбор полетов с первой части данного релиза.
Если вы думаете, что вас ждет какой-то тяжеленный саунд и крутой навороченный звук, то вы очень сильно ошибаетесь. Никаких новомодных фишек вы здесь не услышите, более того оригинальные версии всех девяти композиций звучат гораздо свежее и «металичнее».
Возможно, такое ощущение возникает потому, что само звучание гитар стало более хардовым и утратило значительную часть своей былой тяжести. Также мне показалось, что некоторые треки потеряли к тому же и в скорости. Ужасные электронные клавишные еще больше портят общую картину, уж лучше бы их не было вовсе.
Голос Анхеля меня тоже, честно говоря, не особо порадовал. Удивительное дело, на предыдущем и последующем альбомах – «Mi nombre será leyenda» (2013) и «Quinto elemento» (2017) (впрочем, как на всех живых выступлениях группы по сей день) он звучит очень бодро и свежо, а вот на «Esencia» он какой-то уставший и подсевший, и в нем слышатся уже старческие нотки.
Правда, не знаю в чем причина, но явно Анхель в то время находился не в лучшей своей вокальной форме.
Про вторую часть этой компиляции мне даже и сказать особо нечего. Ну кому нужны все эти сопли?
Выпущенный за год до «Esencia» студийник и так был напичкан унылым хардом по самое не хочу, но парням, видимо, и этого показалось мало, и они решили уже окончательно добить своих старых фанатов…
В общем, не рекомендую этот сборник никому - лучше не тратьте зря свое время и нервы и в сотый раз переслушайте оригинальные записи. И уж тем более не советую начинать свое первое знакомство с творчеством данного коллектива с этой сомнительной работы. В противном случае глубокое разочарование, помноженное на беспредельную скуку, вам точно будет обеспечено.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Третий по счету и, на мой взгляд, самый лучший студийник этих испанцев, в свое время наделал много шума, а сейчас о банде уже много лет ничего не слышно.
Боевая открывашка «Rosa con espinas» задает тон всему альбому, и все последующие композиции по драйву ей ничем не уступают. Все они проносятся так быстро, что просто не успеваешь опомниться.
Главный хит пластинки с вполне говорящим названием «Heavy Metal» идет под номером три. Однозначно, это - одна из самых лучших композиций за всю историю существования группы. Мощность голоса Анхеля Рубина здесь просто зашкаливает. Кстати, не знаю даже почему, но он мне всегда напоминал знаменитого немца Хэннинга Бассе (Metalium, Firewind), как своей манерой пения, так и внешностью: такой же полноватый, голосистый вокалер, легко берущий даже самые высокие ноты.
Качевая тема «Corazón y fe» - один из самых запоминающихся номеров на диске.
Боевичок «Vestido de blanco» с очень быстрыми и мелодичными гитарными партиями и симфоническими вставками сам по себе очень хорош, а вокал Рубина вообще превращает его в шедевр.
Грустная и задумчивая баллада «Tu canción» также удалась на славу, под соответствующее настроение она слушается просто замечательно.
Еще один хит безусловный хит пластинки, «Soñador», музыканты оставили нам, что называется, на сладкое, поскольку он завершает этот во всех отношениях примечательный альбом.
В общем, рекомендую данный диск всем поклонникам испаноязычного пауэра. Уверена, что послушав его, вы будете очень приятно удивлены. И хотя что-то новое вы здесь вряд ли услышите, но зато в качестве материала вы точно можете быть уверены.
|
| |
|
|
|
|
|
| На этот раз после семи лет молчания Элкин и Ко выдали нам тяжелый современный пауэр с небольшим налетом прогрессива. От раннего Kraken здесь мало что осталось, разве только невероятно мощный и нестареющий вокал самого колумбийского Ронни Джеймса Дио.
Визжащие гитары, нарезающие сложные партии, бешеная ритм-секция – в профессионализме музыкантов сомневаться точно не приходится.
Альбом достаточно крепкий и ровный, но материалу, представленному на этой пластинке, явно не хватает хитовости. Я прослушала данный диск в первый раз с большим удовольствием, но ни одна песня мне, к сожалению, не запомнилась – всё сливается воедино, одна композиция плавно перетекает в другую.
Самые удачные номера на пластинке - это, пожалуй, баллада «No Importa Que Mientas» с буквально завораживающим гитарным соло и великолепным вокалом Рамиреса, и среднетемповая вещь «Resiste».
Лирика, как обычно это бывает у Kraken, с большим смыслом, она в основном затрагивает социальные проблемы общества.
В общем, не факт, что старым фанатам группы этот альбом придется по душе, а вот любителям современного навороченного пауэра он вполне может приглянуться. Поэтому определенно советую ознакомиться с ним хотя бы потому, что это – последняя работа великого Элкина, отца колумбийского хэви-метала и одного из самых лучших рок-вокалистов современности.
|
| |
|
|
|
|
|
| Уж минул год (вот так поэтически начну), как отшумело и улеглось безумие под названием Вудсток. Там они произвели фурор, в значительной степени повысив свой рейтинг и закрепив за собой статус одной из самых успешных из гастролирующих групп. На той вдохновляющей волне был подготовлен отменный студийный альбом "Cricklewood Green", который в кои-то веки заметили и в Англии (4-е место в UK Album Chart). А затем нескончаемая череда концертных выступлений, в том числе летний аншлаговый тур по Британским островам с Isle Of Wight Festival 1970 на острове Уайт в конце августа в компании с The Move и T. Rex, Бобом Диланом и Jefferson Airplane, The Who и Джо Кокером ...
... А в начале осени они приземлились в сырых и мрачных лондонских каменных джунглях. Как перелётные птицы, вновь вернувшиеся домой из тёплых и сытных американских просторов. Чтобы в одной из студий английской столицы записать свой новый диск и опять упорхнуть за океан на зимовку.
Тот год для Ten Years After был "the road that never ends" (дорога без конца), как подметил однажды клавишник группы Чик Чёрчилл. "Элвин писал весь материал и затем мы всего добивались уже вместе, работая на конечный результат, - продолжал Чик. - И пока мы развивали свою карьеру на сцене, где-то существовала контора, которая грамотно управляла нашей студийной карьерой. Должно быть мы находились в завидном положении, но чтобы всего этого достичь, потребовалось время." Ч. Чёрчилл имел в виду компанию Deram, на которой TYA записывали все свои предыдущие пластинки. Но вышло так, что "Watt" стала последней из них - с 1971 года группа заключила трудовое соглашение с Columbia Rec.
Каким-то своим неиспользованным на "Cricklewood..." наработкам Элвин Ли нашёл применение в программе LP "Watt", а успешная реализация того "весеннего" альбома сподвигла его поступить прагматично и не "делать лишних движений". Потому "Watt" мало чем отличается от "Cricklewood Green", в чём-то этот альбом, пожалуй, получился даже чуть "потвёрже" своего предшественника. По крайней мере такой композиции, как "I'm Coming On" по степени "тяжести" в "Cricklewood..." мы не услышим. Стоит заметить, что подобный осознанный хард-рок в 1970-м только-только начали осваивать Deep Purple и некоторые команды масштабом помельче.
Однако, будем справедливы, такого рода музыку TYA делали нечасто. "Чистый" хард-рок этому квартету не свойственен. А всё потому, что Элвин Ли был в большей степени блюзменом, чем рокером. Блюзовый рок - вот что являлось стихией лидера группы. Хард-рок он не особо жаловал, здесь необходимо было играть внимательно и строго по партитуре, а для виртуоза-импровизатора это было непросто и малоинтересно. Четырёх-пяти-минутные студийные номера на концертных площадках гитаристом TYA разворачивались порой в двадцатиминутные пьесы. В "I'm Coming On" Э. Ли несколько раз сыграл неточно и будь в студии Olympic Sound принципиальный продюсер и не из звукозаписывающей компании Deram, такой бы номер у Элвина не прошёл. То же самое, кстати, касалось и его вокала.
В соул-кантри "My Baby Left Me" Э. Ли было уже проще. Здесь Элвин позволяет себе такие вокальные вольности с богатой гаммой интонаций, что повторить всё это от начала до конца с точностью до последней ноты он бы не смог никогда. Между тем, в этой песне обозначилась одна характерная для TYA особенность. Своего рода фишка, которую эти парни будут развивать и культивировать и в дальнейшем. "Вялое", так скажем, начало композиции - это своеобразная блюзовая раскачка со сдержанным инструменталом, а далее, со второго куплета, музыканты меняют размер такта мелодии, темп ускоряется, набирает обороты, гитара страстно импровизирует под аккомпанемент клавишных. Затем всё повторяется, а в завершающей фазе звучат сразу три параллельные гитарные партии. Навскидку могу припомнить, что подобный приём TYA применили позднее в своей песне "Standing At The Station", одной из ключевых в альбоме "Rock 'n' Roll Music To The World", 1972 г. В контексте идеи той композиции это было сильное решение.
Несомненная жемчужина программы "Watt" - это меланхолическая баллада "Think About The Times" с завораживающей мелодией и ведущей гитарной партией, определяющей темпо-ритм и структуру этой мелодии. Виртуозная бас-гитара Лео Лайонса и, конечно же, две единовременно звучащие партии клавишных Чика Чёрчилла дополняют и раскрашивают саунд этой невероятно трогательной песни.
Впрочем, наиболее сложной и, пожалуй, самой показательной в плане проявления всех имеющихся у музыкантов TYA профессиональных качеств следует назвать "She Lies In The Morning". Этот опус как бы соткан из нескольких разностилевых фрагментов, которые для понимания стоит разделить. Ритм-блюзовое начало в духе "роллингов" конца 60-х, которое органично перетекает в блюз-роковое русло на 3-4 минуты инструментального звучания с подзабытыми уже психоделическими оттенками. Где-то с середины композиции намечается переход в джаз-блюзовый отрезок с активными акустическими клавишными. Он в свою очередь преобразовывается в фрагмент, по стилистике своей напоминающий фантазии группы Карлоса Сантаны, а закрывается эта музыкальная новелла уже знакомым джаз-блюзовым пазлом, который и завершает эту красочную мозаику. Уверяю вас, что слушается эта семиминутная композиция куда легче, чем читается эта моя увесистая тирада. Вокала в "She Lies..." совсем немного и он не несёт в себе никакой смысловой нагрузки.
Тексты, будем откровенны, никогда не являлись активом Элвина Ли. Песенная поэзия, пожалуй, это одно из его слабых качеств. И в программе "Watt" это проявилось в особенности. Банальный и в большинстве своём бессмысленный набор слов. Есть ощущение, что лидер TYA переложил на вокал всё то, что ему спонтанно приходило в голову, пока он джемовал в студии на гитаре, отрабатывая партитуры для своих песен. Этим и ограничился.
Два номера, впрочем, эта "беда" обошла стороной. Короткую инструментальную зарисовку "The Band With No Name" с испано-мексиканской гитарной темой и концертный вариант кавер-версии Чака Берри "Sweet Little Sixteen", которым программа LP и завершается.
Предположу, что Элвину не хватило времени (терпения, желания) на ещё одну собственную студийную песню и он решил "воткнуть" в программу готовую запись, которая укладывалась во временные рамки и тем самым эту программу закрывала. Это свежая "выжимка" из совсем недавнего выступления группы на фестивале в Афтон-Дауне (остров Уайт). И эта ничем, казалось бы, не примечательная старая песенка Ч. Берри как нельзя нагляднее демонстрирует слушателю, насколько свежее и раскрепощённее была четвёрка TYA на шатких подмостках рок-фестиваля, как самозабвенно вовлечены были музыканты в то действо, что вживую происходило на сцене, и как легко и искромётно звучат гитара и вокал Элвина Ли, когда на него не давят тяжёлые стены Olympic Sound Studios и не висит тяжкий груз ответственности за сдачу в срок готовых записей в Deram Rec. для очередного номерного альбома.
Высокое место в Тор-5 британского UK Album Chart. и престижное 21-е по версии американского Billboard 200, которых LP "Watt" достиг, свидетельствуют о том, что музыканты вполне успешно справились со своей работой. Более того, по итогам 1970-го года они вернули расположение британской публики и укрепили свои позиции одних из лидеров "белого блюза".
Эта пластинка совершенно точно не стала для группы "топтанием на месте", как считала тогда, почти полвека тому назад, часть продвинутой муз. общественности, погружённой в творчество TYA, и как считают немало таких и сейчас. И уж тем более не откатом куда-то назад и вниз. Квартет Элвина Ли продолжил поступательное движение к главной вершине в своей истории, за которой, как правило, следует падение. И до неё оставалось не так уж и много. Но ничего этого они тогда ещё знать не могли.
|
| |
|
|
|
|
|
| Advertencia: Esta revisión contiene al menos el 5% de español malo.
Мэт Синнер — молодец. Мировой мужик. Сделал себе имя уже на рубеже девяностых-двухтысячных, запустил немало выдающихся проектов, трудится без устали в двух полноценных группах и отрывается при этом как может. Только ленивый не помянул его слова о том, что Sinner для Мэта это проект для души, в рамках которого, он может делать то, что пожелает, не оглядываясь на хотелки придирчивых фанатов и счетоводов-продюсеров. Остается только порадоваться за артиста, опыт, связи и средства которого (нужное подчеркнуть) позволяют ему в наше непростое время иметь подобную отдушину для своего творчества.
Судя по всему, на душе у Синнера сейчас какая-то перманентная la fiesta, потому что уже второй подряд альбом за версту отдаёт атмосферой страны nachos-muchachos, и tequila-sombreros. Не известно, почему маэстро так вштырило по ту сторону Стены Трампа, но слушателя уже с обложки встречают знакомые маски с мексиканского Dia de Muertos. Для тех, впрочем, кто видел обложку, но при этом каким-то образом пропустил все новости из стана тевтонской команды, уже самый первый трек содержит в себе нехилый такой sorpresa. Представьте себе, включаете вы диск группы, зарекомендовавшей себя своим брутальным мужиковатым хард-роком с el grande cojones, а там вместо ожидаемого Синнера голосит Bella Señorita. Не самое, надо сказать, популярное решение среди устоявшихся команд с многолетней историей. Почитать о причинах, предпосылках и мотивации к этому неожиданному шагу можно в многочисленных интервью с Мэтом, в том числе и на нашем сайте. Мы же, с позиции слушателей, можем лишь оценить, удался фокус или нет.
Если говорить просто, то удался. Хорошую музыку и яркие мелодии никакие радикальные изменения не испортят. Особенно, если учесть, что вокал de Señorita Giorgia Colleluori весьма недурён, и обладает той самой страстью, приправленной пикантной хрипотцой, характерной для испаноязычного колорита и, само собой, блюза. Потому что блюз это, наверное, самая большая любовь Синнера в музыке, красной нитью проходящая сквозь всё его творчество. Так что ругать Джорджию решительно не за что: она хорошо справляется с сольными номерами и отлично звучит в паре с Мэтом. Её присутствие на альбоме нисколько не выглядит лишним, возможно, даже делая материал более хитовым и интересным. Без неё альбом рисковал стать в некотором роде Tequila Suicide part II, а здесь же мы можем наблюдать, если не эволюцию, то хотя бы некоторое движение в сторону, раскрывающих доселе неизведанные грани проекта. Такие композиции как, к примеру, "Misty Mountain" можно было бы ожидать от Epica или каких-нибудь Krypteria, но никак не от группы Мэта. "Last Exit Hell" набирает обороты и разгоняется едва ли не до павера. А припев в "The Ballad of Joe" это прям вообще Nightwish какой-то. Эти песни ярко выделяются на фоне привычных боевиков вроде "What Went Wrong" или "Fiesta Y Copas", которые, что уж греха таить, мы слышали не раз и не два. Принимать радикальное изменение в составе или нет, это личное дело каждого, вопрос предпочтений. Со своей стороны, я был бы совершенно не против того, чтобы Джорджия осталась в составе; по мне, вокалистка замечательно вписалась в коллектив.
В довершение осталось лишь в очередной раз похвалить достойное качество записи и плотный вкусный звук нового альбома — аспект, в котором Sinner уже давно держат марку, и другого от них уже и не ждёшь. Как сочно, например, звучат гитары в бонусе "Sorry", видно, что люди, отвечающие в Sinner за звук, не зря едят свои tacos.
Видимо, Мэту попалась какая-то особенно удачная piñata, раз уж материала из неё хватило на два весьма неплохих альбома, а сам тевтонский ветеран не превратился в надоедливого Mariachi, терроризирующего уши несчастных turistas музыкой не первой свежести. Данный диск можно назвать одной из самых удачных и разнообразных работ музыканта за последнее время, и слушателям он придется по душе. Особенно если вы любите нестареющий хард и блюз.
(Диск предоставлен компанией FONO.)
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом «Sueños y locura» многие считают вершиной творчества этих испанцев, и, наверное, это вполне справедливо.
На предыдущем студийнике «El fin de los tiempos» (2002) парни нашли нужную формулу, поэтому им оставалось лишь слегка отполировать свое звучание, что они собственно и сделали.
Эти два релиза похожи друг на друга, как братья-близнецы, ничего нового данный диск в себе не несет, но хитов на нем хватает с лихвой. В первую очередь это: заводная открывашка «Renacer» с запоминающимся припевом, потрясающая «Pesadilla» - пожалуй, лучшая композиция на диске, искрометная «Llantos De Otra Realidad», среднетемповый тяжелый номер «Sombra de poder» с мощными хоровыми подпевками, мелодичная тема «Rosa de metal», баллада «Gigantes de hierro» и зажигательный боевик «Kill Me in Dreams».
Понятно, что после выпуска двух идентичных альбомов перед музыкантами встал серьезный вопрос, в каком направлении им двигаться дальше. И их следующая пластинка «Cenizas», не имевшая широкого распространения, демонстрирует нам смену курса: Red Wine постепенно отходят от пауэра, и в их музыке появляется все больше хард-роковых элементов. Вероятно, если бы группа не распалась, то она бы пошла по пути своих земляков Tierra Santa и стала бы играть заунывный хард. Но это всего лишь мои предположения.
Поэтому, может оно и к лучшему, что ребята вовремя разошлись по своим делам и оставили о себе добрую память. Ведь не зря же говорят, что уходить нужно тоже вовремя.
В любом случае, Red Wine уже навсегда вошли в историю рок-музыки, и стали яркой, пусть и небольшой главой в истории испанского метала.
Однозначно рекомендую данный альбом всем поклонникам красивого мелодичного пауэра. Уверена, что эта пластинка вас не разочарует.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Красное вино»… Пожалуй, сложно подобрать более подходящее название для группы из испанской Риохи, которая всегда славилась своими вкусными и ароматными винами…
Земляки Tierra Santa (обе банды локализовались в Логроньо) тоже в свое время успели познать все тяготы славы, и примерно в то же самое время ушли в небытие. И если Анхель и Ко, как мы знаем, всё же смогли вернуться и продолжить свою творческую деятельность, то судьба Red Wine была более печальной. К слову сказать, бывший гитарист Red Wine, Дан Диес, нынче играет в Tierra Santa.
«El fin de los tiempos» - второй по счету альбом команды и, как мне кажется, этот студийник – самый лучший в их дискографии. Его можно слушать не перематывая от первой и до последней песни, практически в каждой из десяти композиции есть что-то цепляющее.
По сравнению с дебютником здесь значительно возросла роль клавишных, в номере «Redención» они вообще выходят на передний план и заслоняют собою гитары.
Манера пения вокалиста Марио Суареса в некоторых моментах мне напомнила Михаэля Киске из Hellowеen, но, в целом, у меня нет к нему никаких претензий.
Самые удачные вещи на диске, на мой взгляд, это: задорная открывашка «Soldados de fe» с запоминающимся припевом, стремительная «Senderos de gloria», грустная баллада «Mi triste final», хитовая тема «Dioses sin voz», которая прекрасно демонстрирует незаурядные вокальные способности фронтмена группы, и закрывающая альбом среднетемповая «El último amanecer».
Кстати, на этой пластинке отметилась в качестве гостьи Элиза Мартин – экс-вокалистка Dark Moor.
К сожалению, уже на следующем альбоме «Sueños y locura» начались самоповторы (что скрывать, этот диск сделан прямо как под копирку с ««El fin de los tiempos»), поэтому неудивительно, что группа через несколько лет распалась.
В общем, рекомендую этот диск, хотя бы для ознакомления, всем фанатам пауэра и поклонникам испаноязычного метала в особенности. Ничего шедеврального на этом студийнике, конечно, нет, и Америку испанцы естественно не открыли, но однозначно данная работа заслуживает внимания.
|
| |
|
|
|
|
|
| Мне неоднократно приходилось слышать (и я с этим вполне согласна), что после выпуска диска «Apocalipsis» (2004) группа перестала развиваться и пошла по уже протоптанной дорожке, все их последующие альбомы звучат совершенно одинаково. Испанцы растеряли всю былую мощь и агрессию своей музыки, значительно сбавили скорость и заиграли заунывный и местами попсовый хард-рок. Может быть, поклонникам Barón Rojo их нынешнее творчество и по душе, но фанатов пауэра оно едва ли может привести в бешеный восторг.
При прослушивании последних трех альбомов, выпущенных испанцами после своего реюньона, постоянно возникает ощущение того, что на протяжении всех этих пластинок они играют одну и ту же нудную песню про какую-то там легенду… Все темы на один мотив – совершенно однообразные и напрочь лишенные новых идей. Постоянное пережевывание старых вымученных гитарных риффов уже, кажется, не лезет ни в какие ворота… Все это уже когда-то было, и не раз… Подобная тягомотина очень сильно утомляет, настолько сильно, что тебя невольно начинает клонить в сон.
Нет былого задора и той бешеной энергии, которыми славились ранние работы коллектива, гитары потеряли всю свою тяжесть, и теперь парни играют какой-то хард-рок – совершенно пресный и ничем не цепляющий.
Иногда думаешь грешным делом: а стоило ли вообще группе воссоединяться? Если только ради того, чтобы радовать своих поклонников живым исполнением старых хитов.
Но в любом случае «Quinto elemento» - лучший из трех последних студийников команды, записанных после своего воссоединения, по качеству представленного на нем материала, он стоит лично для меня на одной ступени с «Mejor morir en pie» (2006).
Возвращаясь к обзору пластинки, стоит отметить, что в группе опять сменился гитарист – место покинувшего Tierra Santa Эдуардо Самору занял Дан Диес (продюсер Zenobia, бывший гитарист Red Wine).
Открывающий заглавный номер «Quinto elemento» («Пятый элемент») звучит достаточно бодро и обнадеживающе, но до хита все же не дотягивает.
Следующая за ним «Caín», рассказывающая о библейском Каине, пожалуй, самая запоминающая композиция на диске, недаром на нее был снят мрачный клип, в котором Анхель с накрашенными глазами так пристально смотрит в камеру, что складывается ощущение, как будто он заглядывает тебе прямо в душу и видит тебя насквозь. Забавно, что после выпуска этого видео группу обвинили в приверженности стилю эмо.))
Размеренная хардовая вещь «Lodo» («Грязь») посвящена теме жестокого обращения с женщинами. Под настроение она слушается очень даже ничего.
Трек «Revolución» («Революция») - еще один «недобоевичок», которому чего-то не хватает. Вероятно, как раз той самой былой мощи и агрессии, которая присутствовала на ранних работах коллектива.
«Hombres sin tierra» («Безземельные мужчины») - тягучая медленная тема с запоминающимся припевом, в лирике которой затрагивается проблема сирийских беженцев, на шедевр, конечно, не тянет, но оставляет весьма приятное впечатление.
Композиция «Moby Dick», которая была написана по мотивам одноименного романа Германа Мелвилла, мне запомнилась с первого прослушивания, но опять же назвать ее хитом у меня язык не поворачивается.
Трек «Entre el bien y el mal» («Между добром и злом»), ничего нового в себе не несет, но желания перемотать диск вперед тоже не вызывает.
Темой «Fuego en el Paraíso», повествующей об Апокалипсисе, признаться, я прониклась не сразу, но сейчас мне кажется, что «Огонь в раю» – один из самых удачных номеров на пластинке: начинается все с красивого лирического вступления, а потом гитары вступают в силу, песня несколько утяжеляется, и Анхель и Ко выдают нам достаточно слушабельный и интересный хард-рок. К сожалению, до великолепной «Una juventud perdida» эта вещь явно не дотягивает, но все же старым поклонникам команды она ложится прямо как бальзам на душу.
«De la calle al cielo» («С улицы на небеса / в рай»)– очень красивая акустическая баллада с чувственным и проникновенным голосом Анхеля, над которым, кажется, время не властно, способна растопить даже каменное сердце… Эту вещь музыкант посвятил всем жертвам теракта, который произошел 17 августа 2017 года в Барселоне.
По другой версии, в этой песне поднимается проблема бездомности.
Подводя итоги, нужно сказать, что альбома – возвращения к ранним Tierra Santa, естественно, не получилось, но данный диск оставляет нам хоть какую-то мизерную надежду на то, что следующий студийник, возможно, будет по качеству материала хотя бы на одном уровне с «Apocalipsis». Большего я уже, честно говоря, от этих парней и не жду…
|
| |
|
|
|
|
|
| Авангардно-металическую Венгрию мы знаем прежде всего по Тамашу Катаю, вот уже 20 лет атакующему слушателя ровным и интересным творческим продуктом. Не секрет, что есть группа, в которой он был не единственным творцом собственной вселенной, но делил художественное пространство, действовал как часть общего механизма. Но просвечивающая повсеместно инструментальная харизма музыканта, его психодельно-космические клавиши и фирменная ожесточенная драм-машина, а также скрипки и немного народных инструментов не позволяет не узнать в "Gire" неизданный альбом Thy Catafalque. Стоит сказать, что единственный пласт венгерского трио ничем не уступает лучшим творениям Катая. Напротив, подход трио нередко более выигрышен, чем метод маэстро сольно. За детали побед не скажу, все так или иначе относительно: и гитарная мощь, и фолковые элементы, и талант писать хиты. Но Gire определенно забористей, более игривы и авантюрны в изложении своих музыкальных идей. Перкуссионный мускул также развит больше, благодаря использованию конги (высокий кубинский барабан). И этот космолет с этнически яркими остановками неудержим. Space metal нередко бывает холодным и абстрактным, венгры дают его полную гуманистически заряженную противоположность.
Gire – не группа одного человека, поэтому, рискну предположить, расстановка сил возможно более гармонична, разные личности привносят исполнительскую индивидуальность в общий котел. Сохраняя всю живописность и хитовость Катафалка, трио более разнообразно в темпах музыки, не увязает в рефлексии, к которой она склонна, и ее национальный и транснациональный колорит (во что вкладываются венгерский варган доромб, полупоперечные флейты кавал и тилинка) абсолютно уместен и поставлен недешево. Немалую роль играют и более спонтанное нагнетание напряжения (не без помощи некоторых студийных трюков) и общая эйфоричность композиций, а также живость, вносимая вокалом не зацикленного на инструментальной стороне предприятия гитариста. Катай по-прежнему нависает над всеми музыкальными элементами как всевидящий бог, но небанальные риффы не без сопровождения флажолетов, дерзкая и звонкая игра басиста и состоятельный в разных инкарнациях вокал вовсе не второстепенны по отношению к насаждаемым им областям звука. Инструментальные зарисовки венгров продуманы и увлекают за собой, не забывая качать. Ни убавить, ни прибавить, весь альбом – сплошные золотые шлягеры авангардного метала, сотканные из цельной и экспансивной атмосферной мелодики, но именно без цепких клавишных риффов и стадионной манифестации уровня евродэнса не было бы ничего, не будем скрывать.
Наполнение альбома ровное в своей эффективности, хочется отдельно упомянуть лишь заключительный гобелен печали и ностальгии с дэт-металической бахромой "Nádak, erek", отчаянно гипнотическая и в то же время неустанно прогрессирующая вещь. Подобна эпитафии, эта однозначно одна из лучших альбомных закрывашек.
Созданный приблизительно во время креативного взлета тов. Катая (для меня это "Róka Hasa Rádió"), хотя отдельные трэки и появлялись в течение десятилетия на демках, self-titled и вообще единственный полноформатник Gire запечатлел пик концентрации их коллективной творческой энергии и творчески-демократического выхлопа. И, кстати, живьем они вполне себе существовали, чего о Thy Catafalque не скажешь.
|
| |
|
|
|
|
|
| Еще одни новаторы-неортодоксы из Нового Света, вдыхающие в блэк-метал новую жизнь. Симптоматично, что плодоносили на Profound Lore Records. Люди, занятые сейчас или имеющие опыт игры в разных впередсмотрящих экстремальных коллективах США (Ehnahre, Biolich, позднее – Aeviterne) не могут остаться равнодушными к стагнации черного стиля. Спасибо, что не DSO вдохновлены их изыскания (уже и без них вагон и маленькая тележка), а мутным перекрестием пост-хардкора и мат-рока. С точки зрения Питчворка, я так мыслю, наконец, думающие американцы замутили твой подход к неотесанному жанру блэк-метала, и он, наконец, воспрял для т.н. думающей публики со вкусом [хипстеры]. И тут в принципе есть что послушать. Группа в самом общем виде продолжает пост-хардкоровый, истинно американский путь просвещенного блэка Cobalt. В единстве умеренной сухости, жанровой целостности и щепотки исследовательского пыла рождаются все трэки ребят.
Звучание Castevet довольно непроницаемо в эмоциональном плане, а лирические вывески пестрят довольно однозначным колором и являющими его воплощение артефактами: серый, прах, камни, дым… Настойчивая и упругая ритмика, планомерные удары по верхним полкам барабанной кухни и триоли на бочках Ian-а Jacyszyn-а создают надежный фундамент для неоднобоких (имеются разреженные меланхоличные вставки) харизматичных тремоло и моторных пост-хардкорных запилов Andrew Hock-а, которые могли быть близки и ранним Isis, и зрелым Converge и Refused. От правильного, старорецептурного блэка Castevet отличают не только прогрессивно нервное и положительно неровное гитарное полотно, но отчаянный, кивающий опять же в сторону хардкор-сцены вокал. Наиболее вертлявые и навеянные инди-(панк-)миром вещи вроде "Red Aura" и "Stones" более других и примечательны, а главным хитом диска я бы назвал "Grey Matter", ее риффы и композиционные решения самые удачные – настоящая живая и дышащая вещь! Последние 2 трэка альбома в связке определенная попытка группы эффектно закончить. Откровенно DSO-шный номер "Wreathed in Smoke" неплохо дистанцируется от вдохновителей за счет использования французского рожка, органично продолжает его заключительный тремольный монстр "Harvester", где все те же напряжение и масштаб печального и потерянного жужжания, возможно тленнее...
«Mounds of Ash» – интересное, но очень уж сдержанное и самоограничивающееся произведение, не хватает какого-то прорыва сложившегося монолита, хотя вроде и полеты души и экспрессивные преображения мерного колыхания волн присутствуют, но... немного больше нужно рожков, ненасыщенной меланхолии, как в финале "Stones". Хотя группу в ряду жанровых соотечественников Nachtmystium, Cobalt безусловно похвалим за свой путь.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не все, должно быть, знают, что программу для этой пластинки группа готовила дважды. Первый вариант боссам из Mountain Rec. показался пресным и неперспективным. И квартету вновь пришлось запереться в студии (на этот раз в горном канадском городке Морин Хайтс, провинция Квебек) вместо того, чтобы отправиться в гастрольный тур по уже расписанному графику. Времени для "работы над ошибками" было немного, звать помощь со стороны (допустим, продюсера) было поздно, пришлось выкручиваться собственными силами. Мэнни Чарлтону ничего не оставалось, как принять этот вызов судьбы на себя.
Часть материала решено было перезаписать с учётом рекомендаций "заказчика", какие-то песни пришлось заменить на новые. М. Чарлтон трудился как проклятый. Как основной автор музыки, как ведущий музыкант и как продюсер. И как главный виновник случившегося облома с первым вариантом. Несколько новых песен он сочинил самостоятельно, не прибегая к посторонней помощи. И подготовил гитарные партитуры для каждой из них. И не по одной. Так, скажем, в "Revenge Is Sweet", одной из ключевых песен альбома, звучат сразу три параллельные гитарные партии Мэнни. Чтобы справиться со всем этим, Чарлтон подбирал простые гармонии не более, чем в три-четыре аккорда. В сложившихся условиях это был единственно верный путь.
Звучание программы преобразовалось в значительно более жёсткое и по сути вернулось в привычно-узнаваемые по предыдущим альбомам "назаретовские берега". К тому, от чего музыканты группы как раз-таки изначально и намеревались уйти. Но на этот раз у них это не вышло - в Mountain Rec. не позволили им этого сделать. И "Expect No Mercy" стал достойным продолжением уже достаточно внушительного ряда из семи (!) добротных рок-альбомов Naz., первых из которых в 1973 году был "Razamanaz". Эту свою мысль я выражаю с изрядной долей сарказма потому, что данным лонг-плеем эта по-шотландски консервативная стабильность всё же завершится. Да, через два года Naz. запишут и выпустят огненный "No Mean City", но это будет пластинка уже иного характера.
Самостоятельно продюсировать альбомы Naz. М. Чарлтон начал с "Hair Of The Dog" в 1975 году, то есть с работы, считавшейся самой сильной у группы в 70-х. Однако, в столь сложных обстоятельствах как на этот раз, он оказался впервые. И отчасти эти трудности были обусловлены сложившимися в группе традициями. При всём при том, что Naz. исполняли в те времена достаточно простую и даже где-то аскетичную музыку, при единственном гитаристе в составе, на котором базировался весь инструментальный сегмент, делать это было совсем непросто. Вероятно, ещё и по этой причине Мэнни Чарлтон взялся за продюсирование, исходя из своих возможностей далеко не выдающегося гитариста. Однако, сложившаяся ситуация в период работы над "Expect...", категорично-жёсткие требования, выдвинутые звукозаписывающей компанией, вынудили Чарлтона усложнить аранжировки многих песен. И если на программе всё это отразилось наилучшим образом, то в дальнейшем такие благие намерения для группы подчас выходили боком. Речь о концертных выступлениях Naz. Вот лишь один пример. Титульная композиция, с которой, собственно, и начинается программа LP, крайне редко удавалась группе на сцене. Изящную, но невообразимо сложную и коварную для него гитарную партию, при выступлениях вживую Мэнни Чарлтон лишь по случаю одолевал чисто и близко к студийному образцу. А Naz. всякий раз упорно пытались играть её по оригиналу. И почти всегда Мэнни где-то спотыкался. Группе явно не хватало ещё одного гитариста, чтобы "разгрузить" М. Чарлтона, тем более, что по ходу выступлений он периодически отвлекался ещё и на клавишные.
И только ближе к концу 1978 года в составе группы появился-таки этот второй гитарист. Зэл Клеминсон (Zal Cleminson) был для Naz. человеком не случайным. Ещё в 1975 году, когда Дэн Маккафферти записывал свой первый сольник, Клеминсон участвовал в той студийной работе и уже тогда составлял гитарный дуэт с М. Чарлтоном. В 1979-м он стал полноправным участником группы. До 1977 года Зэл состоял в штате формации Алекса Харви - The Sensational Alex Harvey Band, а затем с год (1977-78 г.г.) работал под собственной вывеской The Zal Band, но без заметных успехов. Кстати, в том составе банды Зэла был совсем ещё тогда юный Билли Рэнкин, который примкнёт к Naz. в начале 80-х и заменит в группе как раз-таки Клеминсона.
Вернёмся, однако, к "Expect...". Начали "назаретовцы" с козырей. Два ударных и выигрышных номера открывают программу. И на слушателя, с этой работой группы ранее не знакомого, это наверняка производит впечатление. Но и свои минусы в этом тоже есть. На фоне этой убойной комбинации далее будет не так весело. (В этой связи мне вспомнилась аналогичная связка на пластинке Naz. "Loud' n' Proud" с двумя лихими песнями "Turn On Your Receiver" / "Teenage Nervous Breakdown". И тогда это был сильный ход Роджера Гловера). Размеренное стилизованное болеро в "Shot Me Down" несколько понижает градус, однако "Revenge Is Sweet", зажигательный боевик с мощной ритм-секцией, жару добавляет. И такая наметившаяся было схема казалась вполне жизнеспособной. Но нет. Далее следует череда сдержанных по характеру звучания композиций, имеющих в своей основе практически единую мелодическую матрицу. Здесь, впрочем, есть небольшой, но существенный нюанс. Следующая по порядку "Gimme What's Mine" в формате виниловой пластинки (LP) последняя на первой её стороне, она как бы в отрыве от последующих треков, которые уже на side two. Впечатление от прослушивания на CD уже другое. И лишь разностилевое исполнение этих трёх номеров стабилизует ситуацию.
Насыщенная сразу тремя рок-гитарными партиями "Gimme What's Mine" с переходящей в суровый хард-рок срединной инструментальной частью и такой же концовкой, сменяется блюз-роковой "Kentucky Fried Blues" c теми же двумя аккордами в основе (в припеве три) и опять же тремя гитарными партиями. А завершает этот триумвират "New York Broken Toy" - замысловатое сочетание фанк-рок-фьюжн. И вновь два знакомых аккорда с тремя в припеве. Как говорят в подобных случаях - всё гениальное просто. В условиях студийного цейтнота тогда это было естественное и объяснимое решение.
Я умышленно не затрагиваю тексты. Это отдельная и совсем непростая история. Замечу лишь, что по мнению муз. обозревателей в текстах песен этого альбома квартет Naz. как никогда ранее приблизился к краю пропасти, где начинается тематический беспредел. Жестокость, насилие ("Gimme What's Mine", "Revenge Is Sweet"), унижение человеческого достоинства ("Busted"), осуждаемая в те времена широкой общественностью женская проституция ("New York Broken Toy") - вот лишь некоторые из тем, что затронули в своих песнях Naz. По-моему, так ничего нового и необычного для этой группы. Как бы то ни было, сразу же после выхода в релиз альбом подвергся жаркой критической атаке.
Но вот "Busted" (одна из двух кавер-версий, что позволила себе группа на этот раз) - кантри-блюз-рок с уже привычными тремя гитарными партиями Мэнни Чарлтона, одна из которых слайд-гитара, ведущая в этой песне. И сразу же контраст в виде "Place In Your Heart", романтическая в духе ранних Eagles и поздних Creedence C.R. песенка в стиле honky-tonk. Однако, эта жизнерадостная вспышка в программе гасится тяжким мрачным завершением. "All The Kings' Horses" - суровый хард-блюз-рок с обильным гитарным наполнением. Одна из партий М. Чарлтона, а их и здесь три, единовременно звучащих от первой до последней секунды, особенно удалась Мэнни и, пожалуй, она будет самая убедительно и впечатляюще исполненная им во всей программе альбома.
Записав и выпустив "Expect No Mercy", группа замолчала на два долгих года. Пятилетняя гонка с препятствиями закончилась. Настало время остановиться, перевести дух, переосмыслить то, что осталось за порогом прошлого, и задуматься о грядущем. И то, что пришло время что-то менять в "назаретовской консерватории", было понятно всем и каждому, даже боссам на Mountain Rec. И всем было о чём подумать, чтобы затем двигаться дальше. Здесь важно было выбрать нужную дверь. И времени для этого они себе отмерили достаточно.
|
| |
|
|
|
|
|
| У “We Are Not Your Kind”, несмотря на кучу косяков, определенно есть и свои достоинства. Самое главное из которых: тут есть, что слушать. А это уже ставит альбом рангом выше “The Gray Chapter”, на котором я запомнил ровным счётом нихрена, кроме названий песен. А тут аж несколько внятных треков, вот почти как на “All Hope is Gone”!
Но оптимизм жил недолго. На первый взгляд “Unsainted”, “Red Flag”, “Orphan” и “Solway Firth” заряжают чуть ли не классический, боевой Slipknot, где во главе угла стоит динамика, и лишь только потом мелодика (таящаяся часто в припевах) и прочие клавишно-скрэтчевые блёстки. Но проспавшись и протерев хорошенько ушные раковины, быстро смекаешь, что почти все эти темы вывозят только за счёт контраста, в качестве которого выступает такая отборная ботва, что орать хочется. Помести их на “Slipknot” или “Iowa”, то сразу станет ясно, где творили, а где отбывали номер. Это даже по однообразной структуре заметно: ударник лупит один тот же рисунок, гитаристы в охотку поливают банальнейшие грувовые риффы (местами ещё и заимствованные у самих себя), а нахрена нужны перкуссионисты и прочие кнопочники – мне непонятно ещё со времён “Стихов”. Я не прошу группу прыгать выше головы, что она сделала как раз в 2004-м, но неужели так сложно выдать простого, человеческого МЯСА?
Ну хорошо, допустим, на “Orphan” один из самых толковых припевов, но от примитивнейшего риффинга в сон клонит, а “Solway Firth”, в свою очередь, содержит лучший рифф альбома (тот самый “мелодэт” в припеве), но выносит мозг унылыми интро и куплетами. За что по делу похвалить “Unsainted” и “Red Flag” я даже сказать не могу, но точно не за хоры и “мажорные” бластбиты.
Теневой хайлайт альбома, “Birth of the Cruel”, поначалу никак себя не показывал из зарослей той самой ботвы и терялся сразу за “Unsainted”. Но после переоценки вышеназванных песен и более продуманного пропалывания всего материала данная вещь буквально расцвела, уж простите за подобный штамп. Чем она расцвела? Вязким атмосферным звучанием, а также иступлённо-злобным настроем, который теперь звучит как-то даже необычно в исполнении группы. Отвыкли… Вот тут действительно чувствуется желание взгреть слушателя, а не устроить ему крапивную порку, и размеренное изложение никак этому не мешает.
Уровень противоречиво-металюжного “All Hope is Gone” (и без того невысокий), о котором я вёл речь в начале рецензии, взят, разумеется, не был. Одна хорошая песня и четыре просто не дерьмовых это, конечно, уже достижение для нынешнего Slipknot, но одна только “Gematria” подчистую обнуляет весь здешний актив.
|
| |
|
|
|
|
|
| Blut Aus Nord, возможно, один из самых любимых мной Black Metal проектов. Коллектив балансирует на стыке жанров Atmospheric / Progressive / Avant-garde / Black Metal, порой внедряя в свое творчество Industrial элементы. Иногда творчество коллектива вообще не представляется возможным четко квалифицировать, так как сыгранная ими абракадабра (в хорошем смысле этого слова) не поддается четким стилистическим характеристикам.
Перед выпуском своего новейшего релиза под магическим названием «Hallucinogen», гитарист и лидер проекта Vindsval заранее объявил, что коллектив постарается создать что-то звучащее свежо для них и одновременно предельно мелодичное, но не потерявшее фирменного звучания. Однако, чего-то совершенно нового мы здесь не услышим, и возможно ли это для коллектива с двадцатипятилетним стажем, который не стремится покинуть своих стилевых рамок?
«Hallucinogen» стилистически очень близок к триптиху «Memoria Vetusta». Он замешан и выдержан на тех же атмосферных пассажах, чистых, мелодичных и медитативных. Тем не менее, мы имеем здесь и заметные различия. «Hallucinogen» еще более укоренен в мелодичность, что подтверждается наличием здесь значительно более «сахарных» гитарных гармоний. А также на передний план вышли прогрессивно-металлические влияния. Альбомы из цикла «Memoria Vetusta» не имели такого подхода в истолкование мелодии как таковой. Музыкально «Hallucinogen» достаточно техничный, но риффы достаточно механизированы, отчасти это компенсируется прелестными и завораживающими слух гитарными соло.
Лирика альбома явственно связана с психоделией, которой соответствует инструментальное сопровождение пронизывающее альбом. «Hallucinogen» - это гипнотизирующее музыкальное произведение, однако оно не переполнено выходящим за рамки дозволенного безумием.
Вокал играет на альбоме второстепенную роль, он фоновый инструмент, призванный создавать атмосферу. Он следует, но не направляет. Вокальные партии, в основном, представлены хоровым типом чистого вокала, который был и ранее замечен на триптихе «Memoria Vetusta». Такой тип изложения голоса порождает ощущение, как будто «Hallucinogen» является инструментальным альбомом. Это делает музыку более сконцентрированной и явственно выраженной. Чистый вокал на триптихе «Memoria Vetusta» создавал величавую эпическую атмосферу. На «Hallucinogen» такого нет, так как при дискредитации вокала музыка направлена на то, чтобы сосредоточиться на монументальности мелодий и на всеобъемлющей психоделии.
Все музыкальные инструменты (гитара, бас, синтезатор и барабаны) слились здесь в единое целое, и перетекают в такой тягучей спайке от первого до финального аккорда, подобно магме, медленно вытекающей из жерла вулкана. Разделять их, индивидуализировать и описывать вклад каждого в общую музыкальную палитру не имеет логического смыла, они выступают как единый живой удовлетворенный организм, с широтой сочетающийся с проникновенной глубиной лирики.
«Hallucinogen» целостный релиз, он распределяет свою атмосферу от первой до последней композиции. Композиции не воспринимаются как отдельные произведения, они объединены в цикл по принципу развития образа, от мрака к свету. Альбом насыщен очаровательными по красоте мелодиями, хотя при этом его каркас держится на чёрном металле, однако общая палитра звука не звучит агрессивно. Главенствующая его цель - загипнотизировать. Одной из главнейших черт является единство трех начал: лирического, эпического и драматического.
Сохраняя на протяжении всего творческого пути тесную связь с традициями Black Metal, Blut Aus Nord в своих альбомах последовательно развивают, обновляют и переосмысливают их. Высшие критерии оценки для них – непосредственность и искренность высказывания, что во взаимодействии с необыкновенной лирической красотой, глубиной и силой воздействия их музыки, делают её бессмертной и актуальной, ставя её над рамками времени.
|
| |
|
|
|
|
|
| Hail Spirit Noir растет, цветет и пахнет в своем эклектизме в 2010-х не хуже, чем Sigh, а в своей психоделии не хуже британских единомышленников A Forest Of Stars. Хотя какие они единомышленники, психоделические увлечения да поклонение арт-року их хоть и роднят, но они максимально расходятся в своих воззрениях на наполнение своих альбомов. В то время как англичане не могут выговориться в менее чем часовом альбоме, греков вполне устраивает стандартный 40-минутный формат. Да и последние, кроме того, тотально ушли от метала в рок. Хотя как им уйти, вторую половину трэка часто приходится тянуть лямку, но это интересный и техничный образчик блэка, как обычно. Но их преображения и трансформации в пределах трэка восхитительны!
Hail Spirit Noir – жирный греческий кот, играющийся с клубком влияний, постепенно разматывающий его и обнажающий отдельные источники вдохновения. И модель вечного возвращения: как вновь и вновь человечество возвращается к своему прошлому, в этот раз, как и в предыдущие, оно недалекое: года эдак с 1967 по 1975. Мне не дадут соврать, без обширного, но в принципе не бесконечного психоделичского инструментария создания греков развалятся, не останется просто ничего, кроме отдельных скримов и случайных бластов. Трепетные воздушные текстуры, каскады абстрактных гитар и клавиш создают сновиденческую атмосферу, зло, как и раньше, просачивается только злобным вокалом. Атмосферная, донельзя ассоциативная канва музыки могут внушить слушателю мысль, что не все было сказано когда-то, и вот музыканты и повторяют для нас пройденное и доносят недостающие знания в своих произведениях.
Психоделические одеяния своему металу и року HSN ткут даже богаче и искуснее, чем увлеченные викторианской эпохой англичане A Forest Of Stars. По крайней мере, их стиль лишен тяжеловесности и некой чопорности. И влияния более очевидные, вплоть до реминисценций, зато какие яркие полотна получаются! Несколько стебные кислотные зарисовки и одухотворенные раздумчивые пейзажи. Карикатурная галлюциногенность, животворящий винтаж. Греки сохраняют фирменные фишки в формировании альбомов: начать с взрывного пост-панка, пропустить его через психоделический вихрь и вытянуть из цилиндра желчное черно-метальное творение (“I Mean You Harm”), напоследок же грянуть глубокой и пронзительной элегией с помощью меллотрона (“How to Fly in Blackness”). Посередине альбомообразующие опусы: “Mayhem in Blue”, воспламеняющаяся космической желчью на манер Oranssi Pazuzu, но еще более способствующая уходу в себя через расширяющие сознание джемы и добивающая пронзительным соло под Pink Floyd, и cамая развернутая постановка диска “Lost in Satan's Charms”, вступлением здорово напоминающим викторианские этюды сами знаете кого. Ну и самое навязчивое и прозрачное высказывание на тему психоделии: навеянный The Doors и Рэем Манзареком в частности “Riders on the…” ой, простите, “Riders TO UTOPIA” – перкусионно-органный трибьют кумирам. Чистые вокалы, идиллически перфекционистские, сквозной линией проходят через все 3 альбома группы и принадлежат Димитрису Димитракополосу. Он Грег Лэйк и Винсент Кавана, царь и бог мягкой арт-роковой ностальгии в современном блэке.
3 выпущенных альбома позволяют составить довольно внятную картину творческих исканий греков: много наркоманской истомы и отдельные сгустки мрака. Психоделические ныряния и стилизация отшлифованы до блеска, можно уже и поболее блэка начислить.
|
| |
|
|
|
|
|
| Долгожданный альбом британских экспериментаторов на почве блэка не отметился ярко выраженной концепцией, но не уронил себя в плане длительности и нелаконичности заглавий. Постепенно вырисовывается, что и в плане выразительности саунда и яркости решений ребята, похоже, одержали 3-ую победу кряду. Здравый, несмотря на гипертрофированность, эклектизм коллектива снова выводит их в главные конкуренты Solefald. Сталкивая пасторальную акустику и язвительное техно, нафталиновые клавишные орнаменты и бластовую жесть, нечто вечное и вневременное с сиюминутным (глумливые сэмплы из новостей или ток-шоу), англичане снова самые парадоксальные, самые амбивалентные... И все эти столкновения и соположения, не разрушая стройность их трэков, преумножают их эффект. Но очень подкупают тонкость и плавность трансформаций. И от 9-минутных пластов мы в полном праве что-то ожидать, например, захватывающего развития и надежных кульминаций.
Первый проблеск былой инновативности и глубины изысканий в прошлом постиг меня лишь на 4-м трэке, арт-роковом "Black Is Black & White Is White", где сначала удивила т.н. mouth music, а потом покорил марафоном 70-х, от пинкфлойдовщины вместе с блэком до танцевального фанка. Далее следует пойти самым простым путем инвентаризации и классификации эклектичного материала. Имеем электронные, прямиком с танцпола "Bug Splat" и "I Stood Tiptoe, Reaching Up for Heaven", которые продолжают традицию мизантропического попа; гимновые прямолинейные боевики, конечно, апгрейженные клавишной романтикой: заглавный, "Cockroach Marionettes" и "The Broken Wings of a Hud-Hud" (нужен ли здесь этот штамп, но хочется петь с ребятами, светлые рок-шлягеры навсегда!, со времен "Messiahplan" Sigh ничего так не вставляло) и, скажем, концептуальные эпики с разношерстным содержанием. Поговаривают, что "Running Out of Time Doing Nothing" самый доступный диск англичан, это в основном заслуга хитовости, новоприобретенной за счет союза мужских и женских вокалов. Помогают в этом сторонние (чистые) вокалисты-завсегдатаи собраний Will Banyard и две Кристины, аглицкая и итальянская. Первая и вторая группы трэков неплохо уравновешивают неуклонную экспериментальную сторону, которая делает из трэков типа коллаж (нет). В "Like Blood Shaped Flakes of Snow" бойкими девчачьими запевами TMOA словно косплеят нововолновую группку The B-52s, работая в целом в парадигме симфоник-дэта. TMOA, однако, вовсе не так карнавальны, как во времена библейской сатиры, как бывали, основой тон серьезен, и это пошло еще с предыдущего диска 2013 года. В "Souvenir of Death" ребята очень хорошо обыгрывают знакомую рецептуру воинственных построений, мрачного полусказочного повествования, заправляя это пьянящими эстетикой на всех уровнях джазовыми мотивами. Просто сказка!
Что до музыкантов, то у Тэйта как и всегда немало эффективных гитарных партий, не в последнюю очередь теплой, роднящей нас с трэками акустики (с электрическими соляками дело на сей раз обстоит поскромнее) и обогащающих их темпераментных клавиш, а рыжий норвег вплетает в свою игру много джазовой пластичности, но и, конечно, наподдает традиционных для черного мироощущения колотушек.
Наверное, именно концептуальная цельность – то, что всегда восторгала меня в группе. Без темы – я не могу представить их побед, в рандомном наполнении альбома, что-то принципиальное теряется. Особенно это касается лирики, которая далее развертываемых картин Апокалипсиса наших дней и абстрактного попрекания бога упрямо не заходит. Музыкально же группа не застоялась, она довольно свежа при сохранении неизбывных фишек, но абсолютной победой долгожданный диск мне не кажется, кое-что заходит не с той радостью, как прежде, чувствуется, что тут не шутка о Библии удачна или мертвецкая серьезность геноцида 2-ой Мировой глубинна, а всего понемногу, по верхам. Однако по большому счету растянутая на 4 года работа в студии не имеет итогом вымученный продукт, это есть и был цвет экспериментального экстрима.
|
| |
|
|
|
|
|
| “Слава тебе, Ра! Поклоняются тебе обитатели Дуата.
Восхваляют они тебя, грядущего в мире …
Ликуют сердца подземных,
Когда ты приносишь свет обитающим на Западе.
Их очи открываются, ибо они видят тебя.
Полны радости их сердца, когда они смотрят на тебя,
Ибо ты слышишь молитвы лежащих в гробах, ты уничтожаешь их печали
И отгоняешь зло от них прочь!”
Странствие двух ладей.
Отряхнув пыль тысячелетий, обитатели Дуата принялись внимательно слушать новую порцию погребальных гимнов и ритуальных песнопений во славу своих богов и деяний великих владык в исполнении крайне странных для бывших жителей Долины Нила американцев Nile. К ним присоединятся также и многие живые поклонники данного неординарного коллектива. Первое, что следует отметить – Карл Сандерс не обманул, когда обещал мощный и прорывной альбом. “Vile Nilotic Rites” радует уже своей обложной. На мой взгляд, она лучшая из всех у группы и своей красно-оранжевой цветовой гаммой напоминает “Annihilation Of The Wicked”. А посему пессимизм и недоверие скромного автора этих строк в отношении “Vile Nilotic Rites” следует безжалостно выбросить в выгребную яму и предать забвению. После многолетней череды откровенно скучных работ с непозволительным для стиля бесплотным звучанием Nile породил, наконец, что-то, что приближено к славному классическому периоду 1998–2005 годов. Если говорить конкретнее, то новинка максимально похожа своим сочным звуком в первую очередь на вышеупомянутый альбом 2005 г. Перетряхнув состав, группа, наконец, вернулась к вокальному многоголосию, что лично меня очень радует, так как покинувший группу Даллас Толер-Уэйд неимоверно бесил своим чахоточным недогруолом, а решение сделать его основным вокалистом я считаю в корне ошибочным. Занявшие его место у микрофона гитарист Брайан Кингслэнд и басист Брэд Пэррис хоть и не ставят рекорды утробности и нечленораздельности в своих партиях, но слушать их в разы приятнее. Вливание свежей крови однозначно оказало благотворное действие на коллектив. Учитывая концепцию, Nile небезосновательно упрекали в повторах и самокопании на предыдущих дисках, но к “Vile Nilotic Rites” это не относится. “Египтологи” сейчас звучат свежо и интересно и, что самое важное лично для меня, в духе ранних альбомов. Например, почти 9-минутная “Seven Horns Of War” своей второй половиной заставила вспомнить аж “Die Rache Krieg Lied Der Assyriche”. А “Revel In Their Suffering” радует тяжеловесным вступлением и последующим риффовым уничтожением всего живого и неживого во славу Сета. Вкрапления ближневосточной музыки, всегда бывшие визитной карточкой коллектива, никуда не исчезли, хотя их концентрация могла бы быть и выше – видимо Сандерс поленился насочинять побольше. По этой причине Nile немного подрастерял индивидуальности, и “Vile Nilotic Rites” часто звучит как просто ещё один очень хороший техно-дэтовый альбом. Но в данном случае, это уже придирки, которые принципиально не меняют моего положительного отношения к данному релизу, ибо он умудрился буквально воскресить завязшую в зыбучих песках скуки и самоповторов группу.
|
| |
|
|
|
|
|
| Многие музыкальные коллективы, желая совершенствовать свою музыку и испытать что-то новое, часто отходят от того, что привыкли слышать их фанаты. Конечно, есть группы, из года в год играющие одно и то же, на радость фанатам, но таких групп мало. И не всегда эксперименты встречаются поклонниками тепло, скорее наоборот. Но все изменения говорят лишь о том, что музыканты не хотят играть одно и то же, и пробуют себя в разных направлениях.
Но вернемся к нашим баранам, а именно к альбому "Telesterion" американской группы Mechina. Можно ли его считать экспериментальным, или это криво записанный самоперепев с ужасающим звуком? И правильный ответ будет, что это ни эксперимент, ни неудачная попытка выпендриться. Не эксперимент, потому что группа целенаправленно шла именно к такому виду. Скорее это можно назвать следующим шагом в пути развития группы, следующей ступенью, на которую поднялись музыканты. Да, они снова отошли от того, что мы привыкли слушать, предоставив нам нечто совершенно новое. И если с 2005 по 2011 это был Industrial Death Metal, Symphonic Industrial Death Metal с 2013 по 2017, то теперь группа представила Symphonic Metal с вкраплениями Industrial, современного Death Metal, Ambient... И в этом новом виде длинное амбиентное вступление смотрится как нельзя лучше. Оставшиеся семь треков представляют собой высочайшего класса симфо с разного рода вкраплениями и оттенками. Альбом звучит, как одна большая песня, вот только "Homeworld Salient" подкачал скомканной концовкой, словно музыкантам надоело играть и они всё быстро свернули. Самые лучшие номера на альбоме, это "Realm Breaker", "Gene Heresy" (чем-то напоминает сингл "Andromeda") и, конечно же, "The Archivarius Chaos Ritual". Остальные треки по-своему неплохи, словом, эксперимент можно считать удачным.
Увы. Если было бы всё так здорово, то не было бы столько отрицательных отзывов на этот альбом. Главный недостаток этого альбома, на мой взгляд, это именно качество записи. Не понимаю, зачем нужна восьми- (или сколько там их) струнная гитара мистера Тибери, если он засунул ее в дальнюю задницу? Почему так невнятно стали звучать ударные? Почему вокал стал размазываться по песне, создавая впечатление записи в подвале на сотовый телефон? И еще, яркие мелодии, основная фишка группы, сменились тоскливой заунывностью. Я еле дотерпел этот альбом до конца, и это при том, что песни по отдельности мне понравились все.
Итак, вердикт. 5 из 10 возможных. Смелый эксперимент, к ознакомлению хотя бы один раз, но и только. Плохое качество записи и заунывность начисто убивают все отличные задумки Тибери и Компании. Лично у меня слушать этот альбом целиком третий раз желания нет.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не успела я дописать рецензию на предыдущий альбом этих испанцев, а у них уже следующий подоспел. Видимо, решили парни взять если не качеством, то количеством.
К сожалению, данный опус полностью подтверждает мои слова. Если предыдущий студийник был на четверочку с минусом, то этот еле дотягивает до троечки.
Надо сказать, что выходу третьего полноформатника предшествовала широкая пиар-компания.
Музыканты клятвенно обещали своим фанатам, что «Adictium» - это выход для группы на новый уровень звучания и большой прорыв вперед.
И что же мы в итоге имеем? Совершенно безликий альбом средней паршивости, с рядом сомнительных экспериментов. Но помимо не очень интересного материала, не меньшее раздражение при прослушивании лично у меня вызывали просто отвратительные, раздражающие электронные клавишные - их звучание даже режет ухо. Прибавьте ко всему этому приторно-сладкий, попсовый голос Рубена Кельсена, и тогда всё точно встанет на свои места.
Единственный (и то весьма сомнительный) хит пластинки – это танцевальный и заводной одноименный номер «Adictium» - на эту композицию, кстати, был снят соответствующий клип.
Достаточно приятная баллада «Polvo de estrellas», записанная с участием Диего Паласио, тоже неплохо слушается под настроение.
Зажигательный трек «Recto hasta el amanecer», на котором отметился Лео Хименес (Stravaganzza, экс- Saratoga) бесспорно, стоит того, чтобы обратить на него свое внимание.
Скоростная открывашка «Nunca jamás» лично меня не особо впечатлила, как и нудноватая вещица «A esta ronda invito yo».
Но до сих пор мы разбирали только первую половину диска. Вторую же половину вообще не советую слушать, если не хотите окончательно разочароваться в банде.
Потому что здесь как раз начинаются эксперименты. В «Grita que no» мы наблюдаем непонятные заигрывания с электроникой и индастриал-металом, но по-моему ничего хорошего из этого не получилось – песня просто безобразна.
«Me perderé en tu cuerpo» - невыразительная баллада, спетая без души.
В качестве бонуса, что называется, на сладкое, брутальные испанские мачо припасли для нас шедевральную нетленку от аргентинской команды Rata Blanca «La leyenda del Hada y el Mago», но в исполнении Рубена Кельсена и она звучит как-то блекло и очень попсово, явно не дотягивая до оригинала.
В общем, не альбом, а одно сплошное разочарование.
|
| |
|
|
|
|
|
| Голландское трио Laster не останавливается в развитии и в очередной раз предлагает нам альбом-доказательство того, что и в пост-блэке можно не только копипастить печальку и зефирность, но развиваться вглубь и вширь, впитывать небанальные влияния и расцвечивать городскую меланхолию новыми красками. Проводниками развития, ритмического и мелодического разнообразия служат рОковые формы, непременный отец всей современной апатии пост-панк и что-то вроде раннего пост-рока/мат-рока, того, что состоялся еще до пришествия табуна стерильных проектов атмосферных травоядных. Ненавязшие в зубах томная пост-блэковая дымка, опустошающие чистые мелодии, гибкая и верткая работа ритм-секции, поставленный на достойное место в иерархии коллективного сознания группы бас, непредсказуемость течения трэков – не дают воцариться унынию, о стагнации и паразитировании на жанровых штампах у Laster речь тем более не идет. Музыка самобытна, но рафинирована в своих крайностях. Голландцы артово-аутичны, но в этом-то и прекрасны. К сожалению, нет такого округлого и понятного хита, как “Bitterzoet” на прошлом альбоме, у ребят каждый трэк – не хит, но путеводитель в художественные способы мраковыражения, и порою дело идет к тому, что они чуток перенапрягаются в смене размеров, ударной ломкости и гитарных специях. Шлягером могла быть открывашка, но череда пост-панковых экзерсисов выводит нас к бластбиту и партиям фламенко, что артово более, чем хитово. Достойна упоминания также постепенно низвергающая утонченные джазовые элементы в атмосферно-чернушную пучину "Zinsbetovering": ребята еще как могут и на этой стезе. Вокал суицидален, но абсолютно классически ненапряжен и органичен слуху, что скрим, что на редкость округлый и форматный, аристократический чистый.
Какой-то тайный архитектурный смысл должен быть и в двух схематично похожих инструменталах с настойчивыми перестуками и то калейдоскопическими, то оформляющимися в несложную систему мелодическими фразами, второй с вкрадчивыми виолончелью на базе рукотворного брейкбита явно отсылает нас к творчеству пост-роковой иконы GY!BE.
Очень экономно в средствах и стильно оформление альбомов голландцев, от первого полноформатника к третьему число изображенных на разного цвета фонах выросло от 1-го до 3-х, и это что-то да значит. А группа все утончается, все впитывает музыкальный интеллект прошлого и преобразует в нечто самобытное, волнующее... Оставаясь безупречно обезличенной.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ужас, в былое время летавший на крыльях ночи, возвращается к корням. Скажите, кому бы помешала богиня мизантропии Onielar в качестве вокалистки, да еще на металической записи с явными депрессив-роковыми тенденциями? Уж точно не многое изведавшим суицидальшикам, но не правоверным блэкарям – немцам Bethlehem.
Истеричный блэк и внушительная щепотка мрачного и атмосферного рока вышел у них несложным, доходчивым и хитовым. Как справедливо замечают, это им удалось, не теряя ни капли мрака, ни отстраненной социопатской магии. Музыканты оперируют маниакальными блэковыми тремоло, грозной канонадой барабанщика и отмеченным детализацией эмоциональных состояний бесценным артистическим вкладом новоприобретенной вокалистки. Нужно признать, что немцы не остались в стороне от модных трендов, посему в их музыке повсеместно проскальзывают модерновые фишки, эдакие грув-металические моменты, например брейкдауны в "Verdammnis straft gezügeltes Aas" и "Wahn schmiedet Sarg". Гитаристом в длинной цепочке преобразований состава стал россиянин Илья Карзов. Где-то его хочется хвалить, где-то трэки в сумме несколько эклектичны, а временами гитарные решения заурядны. Эстетика такова, что напрашивается электроника, но немцы обходятся малой кровью (атмосферным фортепиано), не разрушая классицистической цельности своей суицидальной поэзии.
Хватает на диске патентованной истерии, бластбита и жужжания, но только пронзительно атмосферные трэки с прозрачной незамутненной омутами чернометалья структурой – довольная моторная атмосферика “Arg tot frohlockt kein Kind” и опустошающая бренчащим пост-панком с волнами темного эмбиента “Kein Mampf mit Kutzenzangen” – по-настоящему делают альбом.
Self-titled в принципе удался, что не всегда удается диску, в котором музыканты спустя десятки лет то ли обеднели фантазией, то ли наконец нащупали то самое единственное и неповторимое содержание, достойное быть увенчанным именем коллектива. Пока писал о 8-м диске немцев, вышел уже и 9-й, тяжело жить не в ногу со временем.
|
| |
|
|
|
|
|
| После сверхнапряжённого трёхлетнего графика (1973, '74, '75 годы), когда Bachman-Turner Overdrive записали пять (!) недурственных номерных альбомов, а оставшееся от студийной работы время плотно заполнили концертными турами, вдруг наступило необъяснимое затишье. Уж не перед бурей ли? Ещё горячий диск "Head On" готовился к релизу, а квартет ВТО по инерции, мобилизовав остатки сил, записал вдогонку за LP ещё одну песню "Down To The Line", которая отдельным синглом вышла уже в ноябре 1975 года. Записал и словно залёг на дно. Достоверной информацией о какой-либо творческой деятельности группы в наступившем 1976-м я, увы, не располагаю. ВТО выпали из поля зрения говорящей, пишущей и слушающей музыкальной общественности практически на год.
Впрочем, в июле 1976 г. на Mercury Rec. вышел первый официальный сборник "Best Of B.T.O. (So Far)" с десятью песнями из всех пяти предыдущих альбомов группы. Некоторые из этого десятка вызывают вопросы, но сейчас не об этом. Самое удивительное в том, что эта компиляция окажется самым продаваемым изданием из всей дискографии ВТО - двойной "платиновый" статус. И это только в США.
Студийная работа над новым LP началась ближе к концу 1976 года. И хотя состав четвёрки не претерпел изменений, единства и согласия в ней явно недоставало. То напряжение, что обозначилось между двумя лидерами (Рэнди Бэхман и Фред Тёрнер) ещё не стадии работы над "Head On", вопреки ожиданиям лишь усилилось. И этому было объяснение. Для бас-гитариста группы Ф. Тёрнера неприятным сюрпризом явилось то обстоятельство, что часть европейского тиража пластинки "Head On" вышла с обложкой, где было изображение не всей четвёрки музыкантов группы, а одного лишь Рэнди Бэхмана. Но это были пока что цветочки.
Приняв на себя волну критических замечаний в адрес группы за некоторую стагнацию, якобы наметившуюся по мнению критиканов в последней паре пластинок ВТО, Рэнди Бэхман ещё до начала студийной работы над "Freeways" уже твёрдо решил обновить саунд группы. В этом же состояли и рекомендации компании Mercury Rec. Р. Бэхману, как продюсеру будущей пластинки. Не отреагировать Рэнди не мог и волевым решением продавил собственный материал для программы нового LP, дозволив Фреду Тёрнеру включить в эту самую программу всего одну песню "Life Still Goes On (I'm Lonely)". Сразу же отмечу, что это самая интересная композиция в "Freeways". Разухабистая, с размашистым ритмом, с громыхающим вокалом Тёрнера и неизбежной сольной гитарной дорожкой Б. Торнтона, эта песня единственная из всей восьмитрековой программы напоминает прежних, двухлетней давности лихих парней из Канады, яростных и неукротимых. Однако, в процессе окончательного сведения звука Рэнди в уже готовую запись добавил ненавязчивого звучания струнной секции, чем заметно смягчил брутальную напряжённость композиции. Это вызвало негодование у и без того взвинченного Тёрнера.
"Поскольку он (Рэнди Бэхман) финансировал всё это дело, всё шло по планам его и Mercury, - комментировал какое-то время спустя Фред Тёрнер. - Нам не нравились его песни, ему не нравилось то, что предлагали мы. Нам бы тогда поставить время на паузу и дождаться более подходящего момента для работы над альбомом. Но Рэнди заявил, что его песни замечательные и они будут в альбоме. Это положило конец нашей группе".
Как и замышлял Р. Бэхман, почти все его песни стали более изящными, с более тонкой мелодической структурой, с мягкими сдержанными гитарами. Из былого звучания он исключил тёрнеровскую агрессивную хард-роковую прямолинейность, а ревущий вокал рыжебородого здоровяка Фреда ещё можно услышать лишь в одной титульной "Freeways" в самом конце LP. Все прочие песни Р. Бэхмана занимают всю центральную часть программы. Самая колоритная из них, пожалуй, "My Wheels Won't Turn", куда в инструментальный сегмент Рэнди добавил духовую секцию Стива Кеннеди. Она своим напором привносит определённую харизму, но в то же самое время и некую джазовую танцевальную тональность. Здесь же и интересное гитарное завершение с участием известного музыканта из The Allman Brothers Band Дуэйна Оллмэна, который на пару с Блэйром Торнтоном закрутил добротную гитарную комбинацию.
По-своему интересна и следующая далее "Down, Down". Отменно аранжированный умеренный гитарный рок с ожидаемой сольной гитарной партией Б. Торнтона "вытягивает" незамысловатую мелодию этой песни. Получилось достаточно гармонично. Совсем другого плана "Easy Groove" в уже однажды опробированном квартетом достаточно редком для рок-коллективов стилистическом формате "коктейль-джаз-баллада". За подобную сложную и весьма коварную форму брались немногие. Пожалуй, что по-настоящему великие команды, истинные технари (к примеру, Led Zeppelin - "The Rain Song"). BTO в очередной раз рискнули. В их "Head On" подобного рода композиция уже проходила "тестирование" и тот весьма удачный опыт (тогда, замечу, это было на очевидном контрасте с другими номерами) Р. Бэхман решился применить в новом альбоме. Лёгкая, воздушная мелодия, вновь звучит скрипичная секция, добавляющая в затейливую мелодическую конструкцию ещё и романтических диско-мотивов. В те смутные времена второй половины 70-х именно таким оригинальным образом микшированные композиции пользовались невероятным спросом и успехом в радио-ротациях.
Фред Тёрнер был настолько недоволен получившейся программой, где попсы было больше, чем рока, что не дал согласия на использование своего изображения на обложку конверта и на Mercury Rec. вынуждены были спешно менять макет обложки. Впрочем, на вкладке, что внутри конверта, на чёрно-белой фото-мозаике, где запечатлены рабочие студийные моменты, картинки с Фредом есть. Дошло даже до того, что как-то в сердцах бас-гитарист заявил, что он, Фред Тёрнер, не желает иметь к этой работе ВТО никакого отношения и вообще LP "Freeways" следует считать сольником Рэнди Бэхмана.
Альбом вышел в продажу в феврале 1977 года и несмотря на все стилистические ухищрения Р. Бэхмана в попытках удержать ускользающих поклонников группы с их переменчивыми предпочтениями, которые становились всё более непредсказуемыми, не оправдал надежд и ожиданий. Эффект получился скорее обратный. Лишь 70-е наивысшее место в чарте US Pop Albums. До этого все пластинки группы неизменно попадали в US Top 40 LP. Так, скажем, тот же диск "Head On" в этом чарте на начало 1976 года поднимался до 23-го места. У большинства почитателей музыки ВТО "Freeways" вызывал недоумение и неприятие, поскольку почти не содержал свойственного этому квартету гитарного рок-н-ролла. Если это и не был коммерческий провал, то что-то близкое к этому.
Годы спустя Рэнди Бэхман согласился с тем, что был излишне радикален: "Глядя на это из дней сегодняшних, мы должны были взять тогда четыре, пять, даже шесть месяцев для отпуска... Переждать немного и возвращаться вместе с новыми идеями. Так поступали многие великие группы. Но мы этого не сделали".
Чуть позже Рэнди объявил, что временно уходит из состава ВТО, видимо предполагая, что пока он будет заниматься своим проектом, остальные будут его терпеливо ждать. Однако, остальные ждать не стали и, пригласив из April Wine бас-гитариста Джима Кленча (Jim Clench) без промедлений взялись за подготовку материала для своего будущего альбома. Но это уже другая история.
|
| |
|
|
|
|
|
| На своем последнем и неполном релизе Flourishing словно покинули собственную музыку, установив новую планку бесстрастности и безличности своего звучания. Индустриальное пятно расползлось максимально широко, инструменты все чаще именно продолжение порабощающих музыкантов механизмов. Неверно будет сказать, ни что рукотворный индастриал ассимилировал исходную жанровую сущность коллектива, ни что их посмертное звучание лишено вдохновения. Атмосфера производственно-техническая, глубоко урбанистическая, но Flourishing по-прежнему своеобразная формация: синтез разнообразных импульсов дэт-метала, нойз-рока, хардкора и пост-панка. Пассажи не звучат вымученно, жизнь в них есть, но жизнь веществ и механизмов, а не людей, посему запись прошита обратной связью. Вдохновенно вживаясь в ритм машин, гитара в содружестве с басом то уподобляется молоту, то мотору, но приметы смертельного метала никуда не уйдут.
Музыкантам по-прежнему будут органичны перкуссионная чрезмерность, лемэевский рык на грани эмоционального истощения, но во 2-м трэке вылезает мелодическая приметаленная панкуха, в 3-м шумовой пост-панк на манер Public Image Ltd. Про отлично срабатывающихся в диссонирующей эйфории жестянщиков Гаррета Бусаника и Эрика Ризка все понятно, но едва ли гвоздь номера не Брайан Коркоран, выдающий за эти 20 минут вариативную, раскованную игру во всевозможных техниках, от моторизированного бласта и трудолюбивых колотушек на рабочем барабане до трансового бита для упоротых танцев. Звук EP, глухой и монохромный, как обложка, божественен, слово напитал пыли и копоти города. Итогом очень самобытный, с неизбитыми мизансценами, старый-добрый экспрессионистский релиз без особой позы и претензии, в том числе без назойливого желания повредить нам сознание.
Вообще же трио накалило атмосферу до предела перед уходом, поэтому вышедший аж через 6 лет EP Aeviterne, дочернего предприятия 2-х бывших участников Flourishing, было воспринято мной с недоумением: никакого прогресса на новом релизе замечено не было. В этом же миниальбоме мечтать о большем невозможно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Известно, что скучная жизнь претит человеку. Поэтому все чаще хочется диссонансов, звуков с периферии гармонии. Спрос, как известно, рождает предложение. И предложить выведенный собственный вид диссонансного безумия сейчас хватает селекционеров. Очередной гибрид F1, пошедший от Gorguts, носит название Pyrrhon, и это довольно норовистый зверь о 4х головах, транслирующий близкий маткору дэт-метал или же пропагандирующий баллады и джемы шумового рока, часто словно хиппи-времен. Хотя прежде всего это оркестр одного человека – гитариста, другие только принимают его правила игры, его жанровые искания.
В условно быстрых вещах Pyrrhon приятно удивляют готового к любому изуверству слушателя: конечно, материал вроде как старается его отпихнуть, буксует, душит плотностью воя, лязга и скрежета, но при этом в драйве и извращенной хитовости им не откажешь. Немало на диске и неспешных темпов-медитаций ("Eternity in a Breath", заглавная тема), что тоже остужает и умеряет экстремальность. Но как раз эти задумчивые шатания (блюзы, чего уж там) с нескладными сентенциями несомненно подготовленной гитары и завываниями вокалиста затрудняют продвижение по альбому. Болезненным металическим солякам гитарист предпочитает размытые импрессионистские нойз-роковые зарисовки. В скоростных вещах Dylan DiLella вовсю пыхтит над широкими интервалами в своих жеванных риффах... Бас в ряде мест накачивает пружинящего напряжения быстрым чесом или мелодичными, хоть и схоже повернутыми фразами. Барабанщик свободен в масштабах припадачности музыки, темпы невысоки, партии не очень заметны и харизматичны, но бластбитовые выстрелы свое дело делают. Трудными хитами становятся вещи вроде "Sleeper Agent" и "Implant Fever", где переплетаются достаточно вялотекущая, так сказать, хроническая форма шумовых стенаний и обострения. Также удачна мелодическая тема в финале "Invisible Injury", даже что-то не то от Tool, не то от старинного приблюзованного психодела а-ля Хендрикс.
Время обнажить вкусовщину. Вспоминаю пионерские работы конца 90-х и Dillinger Escape Plan, и Gorguts, все они слушаются кто-то больше, кто-то меньше, но замечательно, однако в Pyrrhon я кайфа слышу решительно меньше, в крупицах, картинка адекватного компромисса диссонансам и нойзу слушабельности не ощущается от слова совсем, сплошное потакание собственной акустической извращенности. И медленные темпы для размазывания по тарелке шума тут только помогают. И находятся умники, которые привязывают всю эволюцию дэта и его вершину именно к этому, маткористому эксперименталу. Не хватает записи крепких дэтовых риффов, как пить дать! Ребятки с Металлума могли бы и подсуетиться в фирменном пуризме.
|
| |
|
|
|
|
|
| Океания уже достаточно дала миру сложных дэтовых ухищрений в лице Portal и Ulcerate, но музыканты с тех земель по-прежнему не прочь поискать новые пути выражения и развития. Некро-орнитологический коллектив из Австралии, например, дает хороший синтез пост-апокалиптических атмосфер и неуловимых техно-дэтовых маневров, причем наши герои еще больше освободили свой дух от условностей исходного жанра и подняли воздушность и бесплотность музыки на новый уровень. Дальше некуда, можете сами убедиться. Безусловно удачным является использование чистого вокала с отстраненным пост-панковым флером и развернутые эмбиентовые подложки. Чисто мантр на альбоме не менее четырех "Abyssal Comfort and Woe", "Dim", "Phoenix Fire", заглавный трэк – вообще, если посчитать, то метала вообще не так и много! В итоге по завершению прослушивания не остается памяти о типичной технарско-дэтовой интенсивности продукта, помнятся в основном заплывы в пожирающую все рефлексию, стойко напомнившую мне Ulver на «Shadows of the Sun», только что теплоты и нежности от здешнего вокалиста вряд ли дождешься, его бдения более строги и монументальны. В целом мистер Стюарт довольно интересно использует голос, и диапазон его исканий, и темповое разнообразие, от захлебывающихся воплей до повторяющихся ритуалов погребальных декламаций – еще одна привлекательная черта альбома. Можно теперь и о плоти альбома. Больше чем Ulcerate я услышал в AMDBL помесь мелодичного дэта с поздними французами Deathspell Omega и отчасти с воздушными мотивами Blut Aus Nord. Уверен, что никаким цитированием здесь не пахнет. Как и аристократичный дресскод, я уверен, не калька с британцев Akercocke. Лаврами должны быть увенчаны не только мезжанровый лицедей голоса Адам Стюарт и мастер воздушного мелодизма Бен Бойл, но и стукач Дэниэл Преслэнд, чей стройный бластинг и полиритмические опыты, вовлекающие все части установки, подкрепляют уже солидную заявку на оригинальность. Кто-то может сказать, что это Джейми Сен-Мерат на минималках, но это-то теперь и нужно: когда потолок нащупан, можно и нужно двигаться в противоположном направлении.
A Million Dead Birds Laughing умеют делить песню между очень мелодичным, но изломанным, математически выверенным материалом и воодушевляющим готическим эмбиентом под Coil. Когда в одном трэке одинаково покоряют экстремальный напор и лирические глубины, музыка достигает особенных одических высот: экономная напичканная полиритмами "Lit", "Hersun" – вещи, которыми действительно можно гордиться. И все же для упертых мясников эта группа не вариант для концертного посещения, если они играют концерты с этим репертуаром. И альбом, по правде говоря, сложно назвать гармоничным, есть заметный перекос в сновиденческие области, а если еще и хочется послушать более ранние работы коллектива в поисках этого самого техно-дэта и грайнда – это тревожный признак.
Ну а так у ребят получился достойный и довольно самобытный альбом, обогащенный той сумрачностью 80-х в ее наиболее медитативных проявлениях, от которой мы еще не устали. Ждем очередного пласта, где, будем надеяться, они поработают над балансом. Пока же это самый пост-дэтовый альбом, что я слышал.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.