Всем привет, с Вами MetalFlesh, и на этот раз мы с Вами поговорим о последнем на сегодняшний день релизе замечательных и не очень людей, играющих под вывеской Morbid Angel. Интересно? Вот и мне тоже. Поехали!

Безусловно, начать следует с того, что мольбы тысяч фэнов были услышаны и на вокал вновь вернулся Стив Такер, а фирмовые соляки Трея снова в строю, пусть и не в таких количествах, как раньше. «Sound likes Morbid Angel - niiice» - вот что пишут иностранцы про наш обозреваемый релиз (к слову, тот самый саунд делал небезызвестный Эрик Рутан). И знаете, в свете определенных событий это очень и очень приятная новость. Не стоит думать, будто 2011 год в истории группы вообще можно как-то простить и забыть.

Morbid Angel – в первую очередь гарант качества. Именно об этом наверняка думал Азагот, записывая рецензируемую нами работу. Дело в том, что каких-то свежих идей, оригинального и по-настоящему зверского, берущего за душу материала тут нет. Есть самая что ни на есть отчаянная попытка реабилитировать себя и группу - и не самая плохая, честно говоря. Но осадок все равно остался. Свежих идей фэнам за глаза и так хватило в том самом 2011-м.

Но хватит о грустном. "Kingdoms Disdained" – альбом-возвращение, как он есть. Если не в 90-е, то в начало нулевых уж точно. Великолепный, современный сочный звук – именно так и должны звучать Морбиды сейчас и никак иначе. Но, пожалуй, на этом восторги пора прекратить, ведь на этом диске играет типичный Morbid Angel как он есть, а от таких команд обычно ждешь куда большего. Возможно, отсутствие Пита Сандовала также сыграло свою роль. Новоиспеченный драммер Скотт Фуллер хоть и крут (хотя это очевидно и так, иначе не играть бы ему в Morbid Angel), но стать единым целым с группой в силу отсутствия нужного стажа игры с Морбидами просто-напросто не успел.

Достаточно старательный подход к музыке ожидаемо дал какие-то, но всё же результаты. "Kingdoms Disdained" не оставляет после себя впечатление отвращения, что уже хорошо само по себе, узнаваемый стиль группы так и сквозит через весь альбом, а гроул Такера действительно внушает уважение. Однако, всё равно красной нитью на протяжении релиза проходит одна навязчивая идея – усмирение недовольных и затыкание несогласных. "Kingdoms Disdained" в этом плане выступает в роли миротворческих войск, введенных на территорию бывших территорий (читай – разочарованных фэнов).

Вердикт: выйди этот альбом в 2007-2008-м, то все были бы если не счастливы, то хотя бы довольны. Да если бы даже и не довольны, это всё лучше, чем массовый отток слушателя от группы и презрительные плевки в лицо слишком модному и молодежно-прогрессивному Дейву Винсенту. Честное слово, после такого понимаешь, что бурчания вроде «Азагот уже не тот – исписался» в десять раз лучше, чем пятно позора на собственном имени. На этом, собственно, всё.

MetalFlesh  10 сен 2019

Всем привет, с вами MetalFlesh, и сегодня мы с вами смотрим "Властелина ко...", ой, слушаем и читаем про новый на сегодняшний день опус от двух, безусловно, гениев австрийской музыки (нет, я не про Гайдна и Шуберта). Конечно, лишним будет уже в тысячный раз говорить о том, что ждать новый релиз Summoning пришлось целых пять лет... ну вот я это и сказал! Ладно, хватит, ближе к делу!

Как всегда, двое австрийских урук-хаев остаются верны сами себе и своим взглядам на музыку и творчество. Протяжные, распевные, длинные, меланхолично-задумчивые, и в то же время такие родные, задушевные, ласкающие слух любому фэну экстремальной музыки пассажи и проигрыши... Да, да, вот она, старушка атмосфера... Это то, ради чего люди погружаются в музыку группы и годами ждут выхода всё новой и новой музыки, чтобы забыть всё и навсегда, с головой улетев в старое-доброе Средиземье. Эта музыка для тех, кто в теме и для тех, кто на этой волне. Кому-то эти слова покажутся смешными, но это музыка ностальгии по тем временам, когда вышла последняя часть кинотрилогии, а это, на минутку, аж 2003-й год!

Каждая песня на альбоме хороша по-своему. "With Doom We Come" - это собрание од и воистину эпических гимнов одному из самых величайших фентези-произведений мира. Оду "Herumor", конечно, стоит выделить отдельно - ну слишком уж величественно и искренне звучит всё это... Кстати, о звуке. Нарочито приглушенный, слегка "вымученный", но до безобразия обволакивающий саунд просто идеален для этой, без сомнения, восхитительной музыки. Все старые добрые фишки группы узнаются хоть и не всегда, но регулярно. А знатоки английского смахнут скупую слезу, слушая берущие за душу тексты про культовых и столь любимых персонажей знаменитой саги.

Увы, но каких-то по-настоящему новаторских идей и революционных изобретений на этом альбоме нет. Название "With Doom We Come", цитирующее энтов, очень кстати подходит под медлительность и неповоротливость музыки, а также под то, что Протектор и Силениус не склонны к тому, чтобы хоть когда-нибудь разогнаться, чисто хотя бы интереса ради... Нет ничего удивительного в том, что диск продолжает концепцию группы образца 2013 года, пусть и весьма отличаясь музыкально, но всё же... И тем не менее, больше такую музыку не делает и не умеет делать никто. Summoning у нас одни.

Вердикт: я почему-то уверен, что этот альбом возведут в культ или хотя бы в золотой фонд экстремальной и меланхоличной музыки. А пока что давайте еще раз вспомним о том, что из всех музыкантов только Summoning умеют по-настоящему вдохнуть жизнь в легендарную трилогию.

MetalFlesh  10 сен 2019

Всем привет, с Вами MetalFlesh и сегодня у нас рубрика "тяжелый рок, как образ жизни". Правда ли что настоящий металхэд несовместим с уважением в гламурно-богемной тусовке? Почему сатанизм неотделим от христианства - не потому ли, что если бы не придумали Бога, то не придумали бы и Дьявола? Вправе ли фанаты Slayer обвинять фанатов Behemoth в коммерции? Ответы на эти ну слишком уж провокационные вопросы чуть ниже.

Что из себя представляет релиз: священные войны, стертые клавиатуры и холивары!

Плюсы альбома: неизменное высочайшее качество и, как это ни странно, это он, Behemoth, всегда остающийся собой.

Минусы альбома: священные войны, стертые клавиатуры и холивары!

Определенно лишним будет напоминать о том, что данный альбом вышел противоречивым и спорным (хотя я только что это сделал), и тем не менее главная фишка Behemoth – качественность – никуда не делась. Можно ли говорить о развитии группы, если она выпускает каждый раз не то, что от нее ожидают, но при этом в разнообразии и исполнительском мастерстве явно не откажешь? Я не знаю, честно.

Налицо попытка угодить всем – как поклонникам нового, модного и молодежного Behemoth, так и старым фанатам ("Ora Pro Nobis Lucifer"). В результате получился продукт на любителя, и утверждать, что мы получили шедевр, я не осмелюсь. С другой стороны, Нергалу и компании всё же удалось сохранить свое лицо в том плане, что группа узнается по первым же аккордам. Касаемо звучания – в этот раз я, как раньше это делал все время, не скажу о нем ничего, а просто предложу заценить его лично каждому из вас. Дабы наиболее полно осознать, что же такое новый Behemoth. Заметьте, упор на качество - то, что в принципе у Нергала уже давно вошло в норму, но на этом релизе достигнут чуть ли не апогей.

Релиз сделан с легкой претензией на возвращение к корням, при этом с сильным влиянием "Евангелиона" времен 2009 года. Это и хорошо, и плохо одновременно, потому что у Нергала что ни альбом после известного всем периода, то священная война в лагере фэнов. Как к этому относиться? Трудно сказать, но ясно одно – каждый альбом у группы чем-то да отличается от предыдущего. Здесь же отчетливо видны следующие тенденции – снижение скоростей и появление сложных, продолжительных соло, а также усиление, бесспорное усиление влияния баса, создающего ту самую атмосферу и глубину альбома. Ну, и я бы отдельно отметил восточные мотивы в треке "Ben Sahar", этакий элемент атмосферного блэка, своеобразная дань моде.

Композиционная сложность треков также остается по-прежнему на высоком уровне, даже, возможно, следует сказать о возросшей техничности музыкантов (хотя куда уже расти такому драммеру, как Инферно, решительно непонятно). Однако, минус у альбома слишком очевиден – непонятно для кого он создан, зато понятно зачем - Нергал в мире экстремальной музыки занимает ту же нишу, какую некогда занимал Дэвид Бэкхэм в футболе. Слишком уж стандартизировано здесь всё, релиз наверняка вызовет самые бурные эмоции как у одного лагеря фэнов, так и у другого. Спрошу только одно - неужели кто-то ждет от них блэк-метала времен "Grom"?..

Вердикт: в целом, альбом получился достаточно хорошим, но на большее он, думается мне, не тянет. Образцовый европейский альбом с громким именем на обложке - закономерный конвейерный продукт машины для зарабатывания денег под названием Behemoth.

MetalFlesh  10 сен 2019

Двадцать лет назад финская тяжелая сцена впечатляла и внушала оптимизм, породив множество мелодичных и изобретательных команд. Среди этой волны было много самых разных исполнителей, но всех их, так или иначе, объединяла тяга к мелодиям и хитам. В Power Metal среде наиболее выгодно выделились Nightwish и Sonata Arctica. И нет ничего удивительного в том, что, по прошествии более чем двадцати лет, эта волна финских самородков угасла, многие группы распались, а самые яркие представители изменили своё звучание.

Еще во времена "Reckoning Night" Sonta Arctica начали проявлять интерес к более сложному звучанию, а на "Unia" ударились с головой в Progressive Metal, который ранее, в рамках группы, был не столь востребован. Лично я связываю падение популярности группы именно с этим периодом, потому что, помимо смены курса и логотипа, от группы откололся один из важнейших участников - Яни Лииматайнен, который, благодаря своей технике, добавлял в музыку динамику, обеспечивая хитам Sonata Arctica внушительную долю драйва. Увы, эту энергетику он забрал с собой в свои проекты, а на смену пришел ремесленник Элиас Вильянен, отметившийся ранее малоизвестными сольными работами.

"The Days of Grays" оказался уже не таким хитовым, как предшественники, а "Stones Grow Her Name" содержал слишком много экспериментов. Армия фанатов постепенно стала редеть, в результате чего был проведён обманный манёвр с возвращением прежнего логотипа на альбоме "Pariah's Child". Повторюсь, манёвр был обманным, потому что сама музыка и близко не напоминала ранние работы коллектива. Ну и с этого момента Sonata Arctica окончательно превратились в нечто несуразное, напоминающее не то расстроенную скрипку, не то вышедшего в тираж боксёра, который соглашается на последний матч исключительно ради денег, а не победы.

"Talviyö" можно назвать третьим альбомом в череде вялых и скомканных релизов. Собственно, самый первый трек "Message From The Sun" уже встречает слушателя глухим гитарным звуком, который больше напоминает сверлящего соседа. И для меня этот аспект уже является критическим, потому что звук на альбоме кажется очень тусклым, как свет догорающей свечи. Сделать гитару сочнее - и красочность мелодий была бы заметно ярче.

Приятные уху сэмплы, как на "Storm The Armada", поначалу создают впечатление чего-то прорывного, но губятся невзрачными припевами. Вообще, начиная с "Reckoning Night", группа взяла за основу перегружать песни лирикой и вокальными линиями, что вроде дает возможность для раскрепощения вокалиста, но Тони Какко, увы, будто оказался жертвой вампира, который высосал из него всю жизненную энергию, а потому потенциально глубокая и трогательная "The Last Of The Lambs" звучит очень сонно. Создается ощущение, что Какко записывал вокал уже лёжа в постели и считая овец.

Неожиданно резвая и бодрая "Ismo’s Got Good Reactors" точно так же загублена невзрачным гитарным звуком. Благо, в треке начисто отсутствует вокал, который безжалостно возвращается уже на "Demon’s Cage", удушая слушателя псевдопафосными наворотами. И дальше - всё только скучнее и скучнее. В итоге, лишь через 20-30 минут наступает осознание того, что альбом уже давно кончился, и пора бы включить что-то еще. Настолько диск получился тихим и робким.

Главная проблема этого альбома для меня в том, что являясь фанатом Sonata Arctica, я не чувствую себя целевой аудиторией, для которой писалась эта музыка. Черт его знает, быть может музыканты не чувствуют себя счастливыми, создавая песни в жанре Metal, и хотели бы сочинять что-то уж совсем задушевное и мягкое, но в силу необходимости выживания продолжают гнуть прежнюю линию. Но сколько веревочке ни виться, а конец будет...

Так или иначе, альбом не вызывает никаких положительных эмоций. Не то что бы он вызывает и негативные эмоции, скорее приносит досаду из разряда: "Чёрт возьми, опять мимо!" Смешно, но досада эта длится уже, ни много ни мало, более десяти лет. Но по какой-то дурацкой причине я раз за разом продолжаю слушать новые пластинки Sonata Arctica, хотя уже и не знаю, чего жду от этих финских кудесников. Как говорится: "Мыши плакали, но продолжали есть кактус".

Exceptional  10 сен 2019

Очередной свой лонгплей четвёрка Wishbone Ash записывала там же, где и предыдущий - в одной из студий Criteria Sound Studios в солнечном Майами. И это был уже четвёртый номерной альбом, который эта британская группа готовила за океаном. Впрочем, годом ранее эти англичане оформили американскую прописку, обосновавшись в северо-восточных штатах, на территории, которая носит название Новая Англия (New England). Именно так незатейливо они назвали и свою предыдущую пластинку (1976 г.), вышедшую на MCA Records. Под этим же лейблом в октябре 1977 года в релиз был запущен и "Front Page News", содержание которого значительно разнилось с программой "New England". Чем конкретно различались эти два альбома? Главным образом тем, что предыдущий LP - это в большей степени коллективная работа всего квартета с более тяжёлым саундом и менее убедительным вокалом Мартина Тёрнера. И теперь это предполагалось исправить, то есть "плясать" от скромных возможностей своего ведущего вокалиста. Для чего необходимо было смягчить звучание музыкального сопровождения, причём, смягчить ощутимо. Собственно, вся программа "Front Page News" и "заточена" под М. Тёрнера, если называть вещи своими именами. Более того, сам поющий бас-гитарист во-многом эту программу под себя и готовил.

В результате мы имеем возможность слышать необычную эклектичную музыкальную смесь фанка и соула с заметным блюзовым оттенком в сдержанно-умеренном рок-звучании. Проще говоря - спокойную, порой меланхоличную, но невероятно изящную гитарную музыку с душевно-проникновенным пением М. Тёрнера. С существенной поддержкой групповым бэк-вокалом в каждом из номеров, где Мартин главный на вокале, а таких номеров восемь из десяти. Если все эти нюансы суммировать, то получается, что "F. P. N." - это альбом имени Мартина Тёрнера.

Но не стоит горячиться с выводами. Достаточно взглянуть на лицевую обложку альбома, чтобы усомниться, кто на самом деле в этой работе "основной игрок". Их, основных, собственно, двое и они не случайно крупно выделены на коллаже, чем по существу картинка обложки и является. Это оба гитариста WA - Лори Уайсфилд, удивительно похожий на Яшку-цыгана из "Неуловимых мстителей", и Энди Пауэлл, лысеющий в свои 27 лет блондин в модных по тем временам очках. Столь не похожие внешне, но в равной степени невероятно умелые гитаристы, строго говоря, они-то всю музыку в этом альбоме и сработали. Их дуэт просто великолепен, именно на "F. P. N." в своих взаимодействиях они обрели ту самую пресловутую "химию", блестяще проявив её своими ажурными гитарными пассажами в каждой из композиций этой пластинки.

Со стартовой титульной "Front Page News" (где на первых секундах создаётся иллюзия, что звучат ноты хорошо всем нам знакомой детской новогодней песенки из легендарных "Джентльменов удачи") и до завершающей "Diamond Jack", где вокал звучит в два голоса (Тёрнер - Уайсфилд), а порой и в три (плюс Пауэлл). Где гитары Лори и Энди плетут завораживающую мелодическую ткань, где-то сходясь в своём звучании, чтобы исполнить две-три муз. фразы синхронно, затем вновь порознь продолжают свои импровизационные дорожки, каждый по-своему, но органично, слаженно и эффектно.

В целом, вся программа альбома - роскошное пиршество для гурманов и любителей мелодичного интеллектуального гитарного рока. Но что примечательно, в отзывах по этой работе WA в числе лучших и худших песен слушатели перебрали едва ли не все десять номеров в самых разных комбинациях. Удивляться, впрочем, этому не следует, хотя некоторые подобного рода сочетания и вызывают недоумение. Понятное дело, каждый из нас рассматривает программу этой ли пластинки или какой иной со своей колокольни, под своим углом зрения и свой выбор делает в силу собственных принципов и представлений. А подчас и сиюминутной прихоти. Кто-то лучшими называл такие добротные, крепкие композиции как "Midnight Dancer" или "Come In From The Rain", которые мне видятся как трудовые, рабочие треки в умеренном роковом звучании, но и не более того. При этом те же люди ни во что не ставят роскошную элегию "The Day I Found Your Live" с сентиментальным содержанием и удачными продюсерскими решениями вписать в мелодическую структуру этой песни саксофон, прорезающийся по ходу её звучания фрагментарно, но решительно и твёрдо, а ещё струнную секцию, создающую фоновую завесу на протяжении большей части этой невероятно красивой композиции. Подобные вещи группа делает регулярно, практически в каждой своей пластинке, и всякий раз превосходно.

Отмечались блюзовые баллады "Surface To Air" и "Heart Beat", с обилием бэк-вокальных дополнений к уверенному в таких неспешных размеренных номерах вокалу М. Тёрнера. И в то же время крепко досталось весьма симпатичной песне Лори Уайсфилда "Goodbye Baby Hello Friend" за попсовость и якобы двусмысленное название, хотя текст этой сдержанно-ритмичной композиции совершенно нейтральный, ни о чём, как, собственно, и в большинстве номеров этого альбома. Почему-то обошли вниманием лёгкую инструментальную фантазию Л. Уайсфилда под шифром "714", с завораживающей воздушной мелодией в исполнении двух гитар и сопровождением струнной секции, чем-то тематически напоминающую репертуар Карлоса Сантаны, очевидно похожим "тропическим" атмосферным саундом. По-видимому, весьма сказалось навязчивое влияние перманентного праздника "души и тела", бурлящего на горячих пляжах Флориды, на шаткую психику самого младшего из "пеплов", что он сподобился на этот маленький шедевр.

Не приходится сомневаться в том, насколько колоссальную сессионную работу проделали эти четверо, проведя в затворничестве уйму дней и ночей в тесноте студийного помещения. Но WA такими были всегда, джемовать в разных студиях Великобритании и вот уже несколько лет в Америке они готовы были долгими часами, совершенствуя свою технику, достигая идеальной сыгранности и таким образом намечая контуры своих будущих опусов.

И всё бы было замечательно в творческой летописи этой четвёрки, стоящей на пороге десятилетия своей истории, если бы не зримо падающие рейтинги их пластинок, какими бы удачными они ни были, и как следствие - популярности. По версии британского UK Album Chart диск "Front Page News" достиг 31-го максимально высокого места (для сравнения прошлогодний "New England" в этом же чарте занимал 22 место). Ещё хуже будет обстоять дело с будущим альбомом WA "No Smoke Without Fire" (1978 г.) - только 43-е место. Здесь, впрочем, надо понимать, что столь тревожные показатели этой достойной команды отражали общие тенденции того времени - интерес к коллективам, исповедующим классическую рок-музыку во всех её проявлениях, медленно, но неуклонно угасал. Новые персонажи, более модные стилистические форматы неотвратимо накрывали те территории, что ещё недавно принадлежали рок-музыкантам, как по одну, так и по другую сторону Атлантики. Надвигались смутные времена.

МихаилБогданов   7 сен 2019

Hadean – группа, которую широкое общественное внимание обошло стороной. Даже среди любителей всяких авангардов. Сами посудите, на ресурсах, где размещено их творчество, просмотров/прослушиваний раз, два и обчелся. И это, конечно, очень огорчает. Но что поделать, в наше время много золота погребено под километрами безликой массы, которая словно размножается почкованием.
Постараюсь ответить на вопрос почему же этот альбом – золото. Экспериментальная музыка всегда нравилась мне тем, что ты никогда не знаешь что тебя ждет после нажатия кнопки «play», даже после прочтения всевозможных тегов, которые тщетно пытаются «впихнуть невпихуемое» в рамки каких-то жанров. «On Fading» же встречает слушателя очень агрессивно. Настолько агрессивно, что в первые несколько раз я, прослушав полминуты, выключал, кидал в кучу «послушать позже» и забывал про этот альбом на n-ое количество времени. Однако обложка в данном случае делала свое дело: ее минималистичный и притягательный стиль раз за разом заставлял меня включать этот альбом. Почему-то мне на ум пришла аналогия с лампой джинна: маленькая, красивая, с виду хрупкая и даже нежная вещица содержит в себе огромную силу, способную натворить дел, если ее выпустить. Так вот, альбом начинается с хаотичного нагромождения гитарных риффов, истошных воплей вокалиста, грохота Шивы на ударных, духовых инструментов, фортепиано и еще черт знает чего. Второй трек представляет из себя эмбиентовую зарисовку с элементами нойза, которая дает немного перевести дух перед тремя основными композициями альбома, если не считать «New Low (Redux.)». Каждый из этих трех треков оставляет после себя впечатление, как после просмотра какого-нибудь экшн-фильма с элементами хоррора, за который отвечают мощные куски с гнетущими сладжевыми риффами и закрученными диссонансными проигрышами на саксофоне, а также с примесью философской меланхоличной драмы, которая прослеживается в чуть ли не в smooth-джазовых прекрасных соло на саксофоне и фортепиано, и + всё это сдобрено трогательной любовной линией, мысли о которой приходят во время красивейших и даже жизнеутверждающих проигрышей. Венчает всю эту красоту монументальная, торжественная и немного трагичная вторая половина заглавного трека, который является квинтэссенцией всего, что есть в арсенале у Hadean. В голове даже появляется образ, будто звучит целый оркестр под руководством обезумевшего, но гениального дирижера. Отдельно хочется отметить саксофониста - он несомненный мастер своего дела, MVP этого альбома, если можно так выразиться. Звук на альбоме, кстати, тоже довольно любопытный: обычные металлические инструменты, как мне показалось, звучат немного грязновато, что создает интересный контраст с чисто и ярко звучащими духовыми инструментами и фортепиано.
Я уже сказал, чем мне нравится экспериментальная музыка. А не нравится она мне тем, что, найдя что-то поистине прекрасное для себя, очень трудно найти что-то похожее. Надеюсь, музыканты из Hadean не сильно беспокоятся по поводу отсутствия должного фидбэка, который они, несомненно, заслуживают, и в будущем порадуют столь же отличной музыкой. В двух словах же альбом можно описать так: «ужасная красота».

Whiterey   6 сен 2019

Отойдя от панкового балагурства, рок-н-рольного скоморошничества и джазового гедонизма дебютного альбома, «Лунофобия» двинулась в сторону более промозглого и мрачноватого звучания. Если саунд дебютника можно было охарактеризовать как лёгкий пост-панк (или «абстрактный панк», как характеризовали его сами участники коллектива) с влиянием других жанров, в которых тёмная сцена и не ночевала, то здесь под авангардной, минималистичной и игривой (разглядели ведь, да?) обложкой нас поджидает отмеченный русским колоритом готик-рок с существенным уклоном в сторону дарквэйва. Под стать музыке и тексты, к слову, как мне показалось, ставшие более образными, концептуальными и фундаментальными, не без доли загадочности, но временами намеренно наивные. В то же время, голоса певцов мало изменились – разве что приобрели то ли пафосные, то ли возвышенные и местами холодные интонации. Впрочем, голос Евгении Ивчук местами звучит тепло и несколько фолково. Фред Адра и Юта – именно такие ассоциации навевают вокальные партии в большинстве здешних композиций.
Однако музыканты не забывают и о своих панковских корнях – так, на альбоме присутствует довольно бодренький образец синтипанка – кавер на «Наваждение» Егора Летова, то ли по досадной случайности, то ли намеренно озаглавленный «Всё наоборот». Сергей «Сап-Са-Дэ» Белец настолько входит в образ, что его вокал в этой песне даже слегка напоминает голос покойного Егорушки. Влияние т.н. «сибирского суицидального пост-панка» прослеживается и в тексте печальной, но довольно-таки динамичной и стремительной композиции «Пули» – тут вам и морзянка, и братские могилы, и пули в голове, и минные поля, одним словом, «магический соцреализм» (ещё одно самоопределение, сформулированное Сап-Са-Дэ). Среди других сильных мест данного альбома хотелось бы отметить также готический гимн «Она» с печальными, холодными и величественными партиями клавишных, пару вальсов – «Мужчина» с текстом, лично мне нестабильной гендерной идентификацией лирического героя и своевольными играми с нормами грамматики напоминающим отдельные стихи русско-израильской поэтессы Анны Горенко, и собственно «Вальс», а кроме них, в меру тревожный медляк «Это Сон» с издевательски-нежной мелодекламацией Жени, «Последний дом», где голос Сапа приобретает некоторые злобные интонации с намёком на «псевдовысоцкое» порыкивание, и наивную, мнимо-радостную балладу «Смерти нет» . А вот столь же простодушная песенка «Под снегом» звучит поверхностно и неубедительно.
Из недочётов альбома хотелось бы отметить некоторые наигранность и искусственность, порой граничащие с ходульностью, буффонадностью и карикатурностью, нет-нет, да и проскальзывающие то в голосах Сап-Са-Дэ и Жени Ивчук, то в текстах, то в собственно музыке. Чувствуется, что «лунофобы» пытались преодолеть кривляния и игрушечность первого альбома (справедливости ради, в его контексте вполне уместные и органичные), но до конца так и не избавились от них. Также в текстах порой проскальзывает некая наивность – чисто «лунофобская», граничащая не столько с простотой и очевидностью, сколько с бессмыслицей.
Резюмирую: альбом трудно назвать шедевром, но, по моему скромному мнению, он обязателен к ознакомлению. Олдфагам – ностальгировать, смахивая скупую слезу; юным фанатам «Сруба», «Капитана…» и Lebanon Hanover – просвещаться на предмет того, как оно было до нас.

C0ty10rhynchu5   5 сен 2019

Данный альбом наверняка порвал шаблон (и не только) слишком преданным и косным фанатам Романа Сидорова и Дмитрия Зубова. Всё потому, что на нём безраздельно властвует Его Величество Стёб. В самом деле, здесь нет и следа от тех вселенской тоски и пронизывающей меланхолии, которыми пропитаны пост-роковые и дарк-эмбиентные акты Ромы и Димы, зато очень много всевозможных смешочков, порой достаточно злобных и едких, и практически всегда NSFW. Этакий «Н.О.М.» на минималках.
По сравнению с дебютником проекта «Стрёмная хата», чуть менее, чем полностью, обстёбывавшим блатную лирику, качество звука значительно улучшилось. Более разнообразной стала и текстовка. Открывает кассету мечтательная баллада «Морковка, огурчик, бананчик» о нелёгких буднях одинокой девушки – в общем-то, из названия всё понятно. Ту же деликатную тему развивает тягучий и довольно меланхоличный трек «Туда сюда приятно», повествующий об известном подростковом времяпровождении. Следующие две вещицы – «Скотина» и «Письмо с зоны» – продолжают линию дебютника и, как и большинство здешних песенок, характеризуются намеренно стилизованными наивными текстами. В общем, то самое чувство, когда «так плохо, что аж хорошо». Дальше следует иронично-антимилитаристский «Афган», по звучанию близкий к «сибирскому суицидальному пост-панку»; в тексте – тот же минимализм и примитивизм. Шестая песня под названием «Старые пердуны» - пожалуй, самая циничная и бескомпромиссная вещь альбома. Роман и Ко кривыми, нелепыми, карикатурно хрипящими голосами жёстко пародируют монстров рока. «Smoke on the Water», «Child in Time» и прочая классика жанра представлена здесь сочными, легко узнаваемыми кусками. Мда, тут уже не «Н.О.М.» – тут скорее до «Звурд рока», «Ikarus for my Tsoy», «Виноградного дня», или, прости Господи, «Кровавой соски», «Chuck Schuldiner is Gay», «Sperm of Freddie Mercury» и прочих подопечных печально (скандально) известного нет-лейбла Popsakal Records, ныне почившего в бозе, недалеко. С другой стороны, уж в чём, а в неадекватности, говнарстве и отсутствии самоиронии Романа нельзя было упрекнуть. Далее идёт роковый кавер на поп-шлягер «Миллион алых роз», живьём записанный Ромой в годы школьной юности на каком-то культурно-досуговом мероприятии. Качество записи – соответствующее. Текст трека «Грех под кожей» представляет собой изгалятельство над расхожими рокерскими штампами в чисто концептуалистской манере; всё это – под сопровождение зловещих жёстких риффов и диалогов, навевающих ассоциации с фильмами-вестернами. Наибольшего сходства с вышеозначенными «Н.О.М.» ребята достигают в песне «Стыковка», обыгрывающей всё ту же сексуально-токсикозную тематику. Заигрыванием с темами космоса и космонавтики текст навевает ассоциации с «номовским» диском «Во имя разума». Это, пожалуй, одна из немногих песен альбома, в которой ведущая роль отведена электронике, а не гитарам. Ну а завершает альбом жёсткая индастриальная/ритмик-нойзовая композиция с хамоватым названием «Хуёв вам, а не музыку», где ребята издевательскими голосами твердят на разные лады всевозможную матерщину, возвращаются к арестантской тематике и даже цитируют песню Шарикова из «Собачьего сердца» (точнее, его киноинтерпретации).
В общем, как говорится, лицам со слабой психикой, детям, пенсионерам, беременным женщинам, людям без чувства юмора и склонным к творению кумиров не рекомендую. А остальным… почему бы не взгыгыкнуть?

C0ty10rhynchu5   5 сен 2019

Они это сделали. Спустя 13 лет ветераны и флагманы прогрессива разродились своим пятым альбомом. Уже после релиза выяснилось, что из этих тринадцати лет добрых восемь музыканты просто пытались отдохнуть друг от друга, так как смотреть друг на друга уже не могли, и только с 2014 наконец взяли себя в руки, и начали работу. Мне в Tool всегда нравилось по-буддистски равнодушное отношение к музыкальной индустрии и переменам в ней, отсутствие желания выслуживаться и заискивать перед аудиторией, а также исключительная ответственность и сосредоточенность на качестве выпускаемой музыки.
На новом альбоме квартет не стал изобретать какие-то новые разновидности велосипедов, а просто сделал то, что умеет лучше всего - неторопливый, задумчивый, вкрадчивый и весьма техничный прогрессив-рок/метал, именно тот, за который все любят Tool. "Fear Inoculum" является четким и последовательным суммированием всего накопленного опыта группы, он показывает непрерывную связь всех предыдущих альбомов, и в то же время подчёркивает что он, как и все прошлые пластинки, являются гранями одного бриллианта - таланта четвёрки в своё время крайне амбициозных и ярких творцов, которая прошла огонь, воду и медные трубы. Ведь если прослушать все альбомы, начиная с дебютника 1992 года ""Opiate", и вплоть до обозреваемой записи, то можно чётко услышать, что музыка группы никогда не менялась резко, каждый новый альбом лишь приносил некоторые новые оттенки, в целом не меняя общей гаммы. Также это может и натолкнуть на мысль, что музыканты подготовили свой финальный залп, ведь, например, в тексте песни "Invincible" поётся о том, что лирический герой когда-то был непобедим, но время истощило его доспехи, а щит стал слишком тяжел, и он готовится к последней битве за то, чтобы оставить после себя что-то значимое.
На что обращаешь внимание в первую очередь, так на то, что все песни имеют внушительную длину - 6 основных треков, каждый из которых длится более 10 минут, пятиминутное барабанное соло и три филлера (классическая фишка группы). Притом особенностью является то, что такие хронометражи не есть отсутствие идей и размазывание мыслей по дереву, просто сами песни имеют очень неспешное и последовательное развитие. Первые пару прослушиваний трудно отделаться от мысли, что всё же песни вроде "Invincible", "Descending" или заглавной "Fear Inoculum" определённо затянуты, но только после пятого, седьмого прослушивания начинаешь понимать, что это сделано вполне намеренно и несёт в себе определённый смысл. Смысл этот в динамическом изменении песен - по всему альбому можно проследить повторяющиеся фрагменты, но поданные с каждым повторением слегка по-разному, в текстах, в инструментальных партиях. Такое своего рода медитативное удовольствие, видное далеко не всем и не сразу. По выходу многие, накрутившие себя сверх-завышенными ожиданиями, поспешили заявить, что альбом слишком скучный, однако для матёрых фанатов Tool данное утверждение, конечно, смехотворно. Единственное, что можно посоветовать - это слушать, без всяких ожиданий и максимально погружаясь в настроение альбома.
Выделять какие-то треки на альбоме просто глупо. Они все одинаково хороши, каждый из них имеет своё настроение, индивидуальность (по меркам Tool, естественно), и сделан на самом высшем уровне. Да, какие-то отсылки к прошлым работам определённо присутствуют, даже трудно сказать самоповтор это или сделано намеренно, но если верить гитаристу группы Адаму Джонсу, группа отсеяла для этого альбома 2/3 материала накопленного за последние 20 лет.
Поставить оценку этому альбому трудно. С одной стороны мне, как старому фанату Tool, всегда хочется поставить любимой группе 10/10, но с другой понятно, что на новом альбоме нет таких ярких боевиков как "Jambi", "Parabola" или "Forty Six & Two", нет и таких ярких гипнотических номеров как "Reflection" или "Third Eye", чего-то броского тоже почти нет, из-за этого хочется отметку снизить. Однако в самый последний момент мне пришла в голову мысль - провести аналогии с живописью. Если старые альбомы можно сравнить с психоделической мрачной кислотной акварельной мазнёй, то "Fear Inoculum" - это сдержанный японский суми-ё с небольшим, но очень корректным количеством деталей, требующих внимательного рассмотрения. Посему не буду занижать сильно и поставлю 9/10, ведь альбом действительно отличный.

Pushit   3 сен 2019

Всем привет, с вами MetalFlesh и сегодня у нас рубрика "чернее черного". Что такое техничная музыка в понимании тру-блэкера? Можно ли назвать музыкой непонятное жужжание и дребезжание, записанное в подвале? Почему Гаал из Gorgoroth не указал в буклете альбома в благодарностях имя Роба Хэлфорда? Ответы на все эти откровенно провокационные вопросы чуть ниже.

Что из себя представляет релиз: с натяжкой, но почти "техничный" блэк-метал с отдаленным влиянием панка и это в... 1994 году!

Плюсы альбома: один звездный состав, прямо как в Реал-Мадриде, чего стоит.

Минусы альбома: эй, а почему так быстро?! Эй!

Обычно в этом месте в рецензиях принято рассказывать об истории блэк-метала, кто кого убил, кто что поджег, и кто за что сел. Ну а потом, разумеется, - кто на кого повлиял. Но если быть совсем объективным, на самое деле фэны прочитали эту занимательную информацию по десять раз, а если Вы впервые на страничке этого альбома - то к Вашим услугам знаменитый труд Мойнихэна и Седерлинда. Перейду-ка я к самой рецензии!

В 1994-м году Хет (не тот, который Джеймс), Инфернус и сессионный, но не менее знаменитый Самот были, конечно, уже относительно известны, но не настолько, чтобы собирать вокруг себя толпы на Brutal Assault (который, на минутку, появится лишь спустя два года после выхода "Pentagram"). Немудрено, что эти загримированные, но уже достаточно опытные в музыкальном ремесле персонажи просто не могли выдать откровенный проходняк. Итак, разберем, что же такое "Pentagram" по пунктам, а начну я с игры музыкантов и саунда.

Омерзительный крякающий (в самом лучшем смысле этого слова) вокал Хета превосходно накладывается на бесноватую и сумасшедшую музыку альбома. Здесь немного заметно влияние панка, но лишь чуть-чуть и то - лишь влияние. Звучание... знаете, для андеграунд-блэка 1994 года - великолепно, пускай и не без греха. Если кто-то с этим не согласен, пусть включит "Upheaval of Satanic Might" группы Black Witchery. Что же касается самих треков, то по словам Инфернуса он писал их на одном дыхании... а многие и вообще называют его одним из лучших композиторов в блэке. В самом деле, это стоит того чтобы услышать.

Материал и атмосфера релиза, несмотря на достаточную незамысловатость музыки, цепляют с первых же аккордов и бластбитов. И в то же время незамысловатость соседствует с техничностью... вот как так? Это как в геймдеве - чтобы игра была хорошей, игрок должен легко ее освоить, но стать в ней прогеймером не так-то уж и просто. Понять "Pentagram" легко. Создать новый "Pentagram" - искусство.

Каким образом группа передает оккультную и одновременно сокрушительную атмосферу в музыке, лично для меня загадка. Чтобы создавать такие музыкальные полотна нужен не просто талант, а нечто большее. Временами в треках появляются медленные пассажи с аранжировками колокольного звона, и это никакой вам не симфо-блэк. Я не знаю как они это создали, может быть с таким талантом и правда надо родиться? Потрясающе, честное слово.

Что интересно - к раздаче лавров отцов и классиков жанра Gorgoroth припозднились всего на год... Если бы они пришли чуть раньше, то не видать бы сейчас Варгу и половины своей популярности. Слишком уж силен дебютник за авторством Инфернуса и компании. Вроде бы и известность, и имя, и всё, что нужно у Gorgoroth есть. А ведь могли бы быть первыми...

Вердикт: недооцененная классика черного металла. Почему недооцененная? Потому что майки с мэйхемовским альбомом 1993 года я вижу куда чаще, чем с "Pentagram", а ведь по значимости и уровню лично я бы точно поставил эти релизы в один ряд..

P.S. Так всё же, почему Гаал из Gorgoroth не указал в буклете альбома в благодарностях имя Роба Хэлфорда? Ответ очевиден - в 1994 году Гаал просто-напросто не играл в составе Gorgoroth и не принимал участие в записи альбома, а вы что подумали?

MetalFlesh   1 сен 2019

Всем привет, с Вами я, MetalFlesh, и в этот раз мы, пожалуй, поговорим о по-настоящему классном альбоме. Если Вам кажется, что раньше я писал только об отстойных, что ж – тогда разбавим всю эту болотную жижу струей свежей морской воды, а если нет – просто читаем дальше!

"The Stench of Redemption" – первый релиз дяди Бентона без братьев Хоффманов. Для лейбла Earache Records, это, конечно, не сказать, чтобы прям прорыв, но маху ребята из выпускающего лейбла точно дали. Потому что иначе объяснить столь потрясающий скачок коллектива вперед просто-напросто невозможно. Хотя я увлекся. Вместо Хоффманов мы видим таких же потрясающих профессионалов, как Джек Оуэн и ныне покойный Ральф Сантолла. От таких музыкантов вообще тяжело ждать чего-то проходного, так, кажется, я увлекся еще больше...

Этот релиз запомнился в первую очередь даже не тем, что ушли старые основатели группы и пришли новые музыканты. Сама музыка как будто заиграла новыми красками, а Сантолла так и вовсе дал Deicide второе дыхание. Группа стала, во-первых, по другому звучать, во-вторых, обновилась капитально и качественно, ну и в-третьих, запоминаемость треков и музыкальная оригинальность выросла в разы.

Если ритм-секция осталась, по сути своей, такой же, как и ранее (да, Стив Эшейм играет на порядок круче и техничнее, но это всё тот же Стив Эшейм), то гитары являют собой самый настоящий водоворот риффов и соло, с головой уносящий в музыку и мгновенно заставляющий забыть о том, что ты не в слэме! Каждый трек настолько сочный и мощный, что какие-то недостатки альбома... да какие тут вообще могут быть недостатки?! Melodic Brutal Death Metal - уж не помню где на просторах интернета окрестили музыку на этом релизе и, знаете, неспроста.

Единственным минусом можно назвать разве что слишком уж незамысловатый бас. Но нужен ли тут вообще второй ДиДжорджио? Многие скажут, что он тут и ни к чему и будут правы. Да и какой тут бас, если гитары и вокал создают всё, что нужно и даже больше?

Вердикт: если это не десять баллов, то что тогда десять баллов?

MetalFlesh   1 сен 2019

Всем привет, с вами MetalFlesh и сегодня у нас рубрика "тяжелый рок как образ жизни". Что общего у британского и шведского дэт-метала, и отчего Vallenfyre не звучат как Bolt Thrower? Почему в России словосочетание "Потерянный рай" ассоциируется с группой Ария, а не с группой Paradise Lost? Правда ли то, что настоящий олдскульщик уже давно мертв? Ответы на все эти вопросы заключены... правильно! Чуть ниже!

Что из себя представляет релиз: очередная попытка самовыражения Грега Макинтоша, которому ох как тяжело без музыки.

Плюсы альбома: красота и задумчивость, смешанная с бешеной мясорубкой классического дэта. Отлично сочетается, кстати говоря.

Минусы альбома: весь этот праздник жизни носит достаточно затяжной, а иногда и не в меру одинаковый характер.

Не люблю это словосочетание, но возрождение олдскула - основная задача Vallenfyre. Шведский звук и полностью шведский по духу материал, красиво сочиненный и исполненный... англичанами. Это как понимать?

На самом деле сравнения с Bloodbath и Paradise Lost Макинтошу не избежать, да мне и не кажется, что он пытался это сделать, ну в смысле, уйти от сравнений. Шведский олдскул как образ жизни накрепко въелся в умы музыкантов Vallenfyre, в результате не услышать в этой работе Dismember просто невозможно. Впрочем, если в оригинальности Vallenfyre и теряют, то в качестве музыки - нисколько - вычистив насколько это возможно, звучание старого андеграунда до блеска и четко сбалансировав саунд между гитарами и ударными, Грег Макинтош выдал на суд публики сильную и мощную музыку.

Архаичная музяка образца начала 90-х, этакий Sunlight Studio-стайл не только живы, они еще и покажут всем, как нужно по-настоящему прессовать слушателя. Грузный, по-настоящему тяжелый, мясистый альбом просто валит своим тоннажем напрочь, обрушиваясь, как скала на голову. Зловещий и толстый бас только усиливает эту картину. В отличие от шведского олдскула, англичане, как всегда, оказываются более утонченными и эстетичными. Если старорежимным шведам бас ни к чему, то Vallenfyre эксплуатируют его вовсю.

Среднетемповость альбома перемежается со скоростными, убойными моментами, намеренно дисгармоничный темп создает особый настрой всего релиза. Можно с легким сердцем сказать, что "Splinters" сам по себе красив. Красота в нем достигается за счет облагораживания жанра как такового, но при этом, добавив мелодики, зловещих проигрышей соло-гитары, и убрав дребезжащий звук, Vallenfyre... нисколько не скатываются в модерновость и так называемые "сопли". А что вы хотели? Думали, Макинтош зря ест свой хлеб?

Однако, как бы ни пытались британцы разнообразить свою музыку, стилевые особенности жанра разгуляться им особо не дают. В итоге, музыкантам слегка тесновато в рамках собственной же музыки. Но своей цели они достигают на все сто - олдскул жив, атмосфера гниения и мертвечины тут как тут. А самое главное, альбом доставляет самое настоящее удовольствие не только фанатам старорежимных стилей, но и отлично вписывается в современные реалии.

Вердикт: такую работу стоит послушать однозначно. Со шведского олдскула отряхнули пыль, вымыли в ванной и почистили зубы, подарив английское гражданство и стиль жизни. Но при этом он все равно остался олдскулом, тем самым - злым и подвальным.

MetalFlesh  31 авг 2019

Всем привет, с вами MetalFlesh и сегодня у нас рубрика "чернее черного". Почему Франция ассоциируется с сырами и Эйфелевой башней, но никак не с тяжелой музыкой? Почему элегантные и утонченные французы делают тяжелую музыку на голову выше, чем брутальные и непоколебимые русские? Сколько вы сможете вспомнить навскидку французских дэт-металлических команд? Хм... Информация к размышлению чуть ниже!
Что из себя представляет релиз: дебютный альбом набирающей обороты молодой и очень злостной блэк-дэт машины, уже заработавшей себе какое-никакое, но звонкое имя в андеграунде.
Плюсы альбома: ярость, злость, ненависть (хардкора, правда, нет).
Минусы альбома: порой ярость захлебывается сама собой...
Экстремальность музыки французских раздолбаев Necrowretch превышает все допустимые пределы. Сокрушая все и вся, трио из Валанса под знаменем легендарных Entombed на своем пути сносит всё, что только можно снести. И то, что нельзя. На моей памяти столь сильных дебютных альбомов родом из 2013 года в жанре было от силы пару штук, и "Putrid Death Sorcery" как раз из их числа.

Мало того, что альбом явно андеграундный, так Necrowretch еще и подают пример юным подпольщикам, как нужно играть настоящий олдовый дэт (?). Впрочем, о жанре чуть позже. Сам подход французов к делу поражает выверенностью и качеством. Проработав звучание на пять с плюсом, парни добавляют туда блэкерской атмосферы, и, что самое интересное, из этого инфернального коктейля дэт-метала старой школы и черного звучания не получается Behemoth! Вот что значит талант...

Вообще, непонятно, чего тут больше — дэта или блэка. Причем тут хватает и трэшевой энергетики. Да и какая разница, если музыка группы настолько драйвова и интересна, что о жанровых ярлыках при прослушивании даже и не думаешь! В основном, альбом "Putrid Death Sorcery" — это ультраскоростные треки, в которых есть место и замедленным пассажам, ритуально-тяжелая атмосфера, и самое главное — злоба и ненависть, которых тут хоть отбавляй. Хотя музыка запредельной сложностью не отличается, сыграна она по всем канонам андеграунда и дает слушателю именно то, чего он ожидает. Даже более чем.

Вердикт: про этот альбом в силу его специфики много не напишешь. Возможно, кому-то он покажется скучноватым из-за кажущегося однообразия. Тем не менее, Necrowretch относятся к тем простым парням, музыку которых нужно слушать, а не говорить о ней - чем и вам советую заняться.

MetalFlesh  31 авг 2019

Их большое возвращение состоялось на исходе минувшего столетия. Записанный и обнародованный в 1998 году альбом "Beat The Drum" по своим музыкальным характеристикам зафиксировался где-то между нео-прогом и AOR, и мало чем походил на ранние работы (80-х годов) Pallas. Почти десять лет эти шотландцы, оставив "большую сцену", словно пребывали в летаргическом сне, время от времени напоминая о себе скромными выступлениями и формально продолжая существовать как боевая рок-единица. Воскресили группу в основе своей былые, проверенные временем люди - вокалист Алан Рид (Alan Reed), приглашённый в состав в 1986 году вместо Юэна Лоусона, как раз в канун начала студийной работы над LP "The Wedge"; клавишник Ронни Браун (Ronnie Brown), чьё появление в Pallas в конце семидесятых затормозило кадровую чехарду в составе группы; гитарист Найолл Мэтьюсон (Niall Mathewson), в феврале 1978 года заменивший Дэйва Холта после не слишком успешного релиза "The Pallas EP" (всего-то 700 экземпляров); на бас-гитаре значился последний из "могикан" Грэм Мюррей (Graeme Murray). Новичком в группе по сути стал лишь барабанщик Колин Фрэйзер (Colin Fraser), влившийся в состав под самую студийную работу над камбэк-альбомом "Beat The Drum". Этим же квинтетом подготовлены и все последующие работы Pallas, в том числе и "The Dreams Of Men".

Четыре года неспешной вдумчивой работы после во всех смыслах эпохального "The Cross & The Crucible" (2001 г.). Два из них над записью в своей студии в The Mill In Crathes, Aberdeenshire на северо-востоке Шотландии с сельским, исторически патриархальным жизненным укладом. Что в какой-то степени отразилось на содержании нового альбома. Не могло не отразиться.

Бас-гитарист и идейный лидер группы, толстяк Грэм Мюррей, так делится своими размышлениями: "The Cross..." стал для нас большим альбомом, которым все мы очень гордимся и сейчас. И когда мы взялись за работу над "The Dreams...", он являлся своего рода вехой. И как бы самокритично мы порой к себе ни относились, в желании достичь большего, чем чего-то обычного, мы понимали насколько высоко подняли свой уровень альбомом "The Cross & The Crucible". Желание делать музыку и выпускать её на CD имеют многие, но как правило большинство из них пишут две, три достойные вещи и добавляют к ним "наполнители". И после "The Cross..." мы не хотели оказаться в подобной ловушке. Назовите это кокетливой придирчивостью, только это лучше, чем втюхивать людям средний товар. Качество требует времени". Не согласиться с мудрым стариной Мюрреем едва ли возможно.

При сохранённой симфоничности, атмосферности и ничуть не утраченном мелодизме, "The Dreams..." получился более тяжёлым, чем предыдущий альбом. Возможно несколько возросла степень сложности композиционных построений и в связи с этим структурность аранжировок. И по-прежнему хороши тонкие мелодические находки и их изящные воплощения. Музыканты могли себе позволить сколько угодно что-то менять в отдельных муз. фразах и даже выворачивать наизнанку целые фрагменты, ломая уже практически готовые конструкции номеров. То же касалось и текстов. Фактор времени над ними не довлел. Pallas не были обременены какими-либо контрактными обязательствами ни перед кем и работали в своё удовольствие. Более того, осуществлял запись в студии и сводил звук гитарист Н. Мэтьюсон, он же и продюсировал всю эту работу совместно с Г. Мюрреем.

Объективности ради, впрочем, стоит заметить, что культивируемая в группе методика коллективного творчества не отменяет того факта, что наибольшие усилия из квинтета музыкантов в созидательном процессе вложены клавишником-"многостаночником" Ронни Брауном, он же являлся и ведущим аранжировщиком. Густая клавишная атмосфера сопровождает звучание по меньшей мере восьми из девяти композиций (кроме изящной воздушной фантазии "Northern Star" гитариста Мэтьюсона). Уже начальная "The Bringer Of Dreams", словно пролог, прелюдия к долгому театрализованному действу или классической рок-опере, помпезно-академическая с тревожными тональностями, она несёт в себе изначальный энергетический заряд, в какой-то степени обозначая тематические контуры, которые получат своё развитие в последующих композициях.

Я не ставлю себе задачей подробно разбирать все номера этого альбома, считаю, что читать это будет малоинтересно и утомительно. Как, впрочем, и дослушать эту программу до последней её минуты не у каждого хватит терпения. Это надо признать. А человеку случайно забредшему на эту "поляну" и, возможно, впервые столкнувшемуся с подобной музыкой, это вообще будет вряд ли по силам. Хотя и допускаю, что всё же это воспринимается значительно легче, чем, скажем, содержание альбома "Relayer" кудесников арт-рока Yes или серия пластинок группы King Crimson 80-х годов. Пусть со мной и не все согласятся. Тот же, кто осилит эту эпическую работу Pallas, несомненно будет впечатлён. Это и в самом деле интересно и познавательно. Но если слушать эту программу, то непременно целиком и в прямой последовательности, чтобы прочувствовать всю её целостность и гармоничность. Потому как всё в ней музыкантами группы скрупулёзно продумано и скомпоновано. Единственно правильно и логично. По другому просто и быть не могло.

МихаилБогданов  29 авг 2019

Пять лет прошло с выхода предыдущего альбома, который, мягко говоря, был весьма неоднозначным. Поэтому новое творение не было каким-то особенно долгожданным, да и любые надежды услышать от группы что-нибудь вразумительное уже давно ушли. Собственно, это положение вещей и оказало существенное влияние на восприятие и оценку альбома.
Первые синглы "All Out Life" и "Unsainted" сразу дали понять, что на новом альбоме Slipknot явно будет дефицит новых идей, но при этом не будет недостатка в приличном, вменяемом звуке. И действительно, звук на альбоме просто в разы лучше того жидкого, глухого пластика, который тонкой смердящей струйкой под охрипший лай Corey вытекал из ушей при прослушивании G. Chapter. Новый звук, конечно, суховат. Особенно это слышно на "Solway Firth". До жира первых альбомов ему далеко, но его качество хотя бы не отвлекает своей говнистостью от самих композиций.
Стилистически WANYK выполнен в жанре высокой пародии. Он косплеит саунд группы разных эпох, начиная от одноименника, заканчивая Чаптером. Обмусоливание вопроса почему так и зачем это сделано мне кажутся моветоном. Продались – не продались (конечно, продались), ублажают олдфагов или расширяют аудиторию (хо-хо ещё как ублажают, всех одновременно и во все места, но удовольствия не испытывают ни те, ни другие). Да какая разница, главное, что будет на выходе. В каждом нормальном треке в той или иной степени присутствует самоцитирование разной степени тяжести – от самоплагиата, как во вступительных частях "Birth Of The Cruel", который и "Prosthetics", и "Gently" одновременно, в треке "Orphan", который ничтоже сумняшеся решил прикинуться "The Heretic Anthem", и etc. – до вполне удачного использования в новом контексте уже давно проверенных формул группы из разных периодов её творчества, которые могут сочетаться в рамках одного трека. И из подобных номеров состоит почти весь альбом.
Почему при всей, казалось бы, вторичности большинства нового материала я предлагаю называть стилистику альбома именно жанром высокой пародии, а не импотентским самоплагиатом например? Критерий различения один – скука. Так вот – это не про WANYK, он слушается исключительно с интересом.
Пародия пародией, но это несколько не совсем то, что хотелось бы услышать на новом релизе. Новых идей здесь не то, чтобы много, зато с избытком интерлюдий всех сортов и длительностей, интро как интро, пространные вставки между треками, концентрированная неинтересная 7-ми минутная интерлюдия "My Pain", и вдобавок к этому, пустота-тишина, да всякое пиликанье, растягивающееся на минуты от трека к треку. Потому, действительно, нормальных «песен» на альбоме не то чтобы и очень много. И знаете, весь прикол в том, что никакой особой пресловутой «атмосферности» вся эта глубокомысленная «тишина» не добавляет. Самим трекам не хватает слоистости, скрытого подтекста, который потом еще долго можно расслушивать, как это было на AHIG например.
Вдобавок к этому, кто-то очень хитрый придумал обозвать все это +-20 минутное безобразие экспериментами. Группы уровня нынешнего Slipknot не создают действительно экспериментальных альбомов. А даже совсем наоборот – производят добросовестный продукт-с для употребления уважаемой публикой! Так что если кто-то будет говорить, что WANYK это эксперимент, то можете смело вставать с бутылки заслуженного олдфага и садиться этому наглецу на лицо. Эти «эксперименты» всего-то навсего беспомощная попытка скрыть мозаичность и фрагментарность нового релиза.
Правда, справедливости ради, стоит отметить, что в альбоме действительно нашлось место необычным для банды вещам, таким как хип-хоповому битку в "Spiders", потрясающе сладкоголосому припеву в "Nero Forte", который звучит как белорусские Песняры имитирующие Bee Gees, разухабистой веселухе с намеками на дэтские риффаки в "Solway Firth".
Альбом слушается исключительно как альтернативный, где тяж-мет является далеко не самоцелью (привет, "Iowa"), а лишь художественным средством. Это и не хорошо, и не плохо, а мало. Попросту мало забористого, более-менее техничного, агрессивного металла, а ведь могло быть и побольше, даже на Чаптере с этим дела обстояли получше. Явственно слышно, что мужики всё ещё могут, взять тот же "Solway Firth", но уже, по всей видимости, не особо-то и хотят.
А теперь по трекам:
"Unsainted" – хороший, точно выверенный продукт, не больше, не меньше. Инструментальная часть неплоха, но с припевами явный перебор, слипается.
"Birth Of The Cruel" – как крепкий середняк, украсил бы один из предыдущих альбомов. На фоне текущего релиза - один из лучших треков. Я бы рискнул даже сказать, саундтреков. Прям так и вижу, как под его финальную часть some gangsters, покачивая головами в такт, уезжают в закат после удачного дела.
"Nero Forte" – я твой "Psychosocial" шатал и качал, очень «заводным», даже «игривым» ритмом обладает этот трек. Вроде как хит, но время покажет. Вступительная часть чем-то напоминает мешуговский "Swarm".
"Critical Darling" – что это тут делает? Припев хорош, за семплы с органчиком Хаммонда респект, но по сути - совсем слабенькая альтернативка, это не Slipknot.
"A Liar's Funeral" – Corey таки смог подлатать свой voice на новом альбоме, что отлично слышно на примере этого трека. Этакая типологическая реинкарнация "Gehenna" по настрою, замешанная уже не на Alice In Chains, а на заунывном Radiohead. Также один из лучших номеров альбома, где действительно слипам удалось создать «атмосферу».
"Red Flag" – Negative One 2.0. Одно смешное глуховатое попердывание на протяжении всего трека. Однако, сэмпл с сиреной на первой минуте просто боголепен.
"Spiders" – провокативно и тенденциозно одновременно, что очень по-слипкнотовски, неплохая вещица, мотивчик оседает в голове.
"Orphan" – "Iowa" для самых маленьких. Вторично, но не напрягает, достойный номер.
"Not Long for This World" – судя по настроению – нечто выплывшее из-под Чаптера, за бонус-трек сгодится. Фраза "So decide" из припева на слух заходит как "сууиицаайд", что, собственно, и является главным достоинством этого трека.
"Solway Firth" – нормальный гитарно-ориентированный sound, на фоне альтернативно-мазафачного альбома смотрится и слушается самой настоящей глыбой. На протяжении трека происходит смена настроения – от heavy веселухи, до всхлипов боли, вот прям веришь, честно! Такие вещи просто обязана делать любая группа, которая хочет красиво состариться. В общем, самая интересная вещь на альбоме.
Итого, если первые четыре альбома это 10 из 10, Чаптер это 5, то WANYK это…

Lort_Vantouze  22 авг 2019

СВОИ СРЕДИ ЧУЖИХ.

Известно ли вам что-либо о музыкантах, которые были невероятно популярны на так называемой чужбине, но о них мало что знали на родине? Группа "Парк Горького"? Пожалуй. Но сейчас не о них. Квартет Foghat, имевший английские происхождение и прописку, почти всё время проводил за пределами Британского королевства, по большей части в Штатах. И за почти три года с момента создания группы дома бывал от случая к случаю. Чаще проездом. В ходе очередного гастрольного евротура. Ну, ещё разве что во время рождественских каникул. И даже сам факт объединения троих выходцев из достаточно известной британской блюз-роковой бригады Savoy Brown (Дэйв Певеретт, Роджер Эрл и Тони Стивенс) с гитаристом Родом Прайсом (экс-Black Cat Bones) в квартет Foghat в начале 1971 года нашёл своё отражение лишь в самых дотошных справочниках. Потому что в Англии группа так ничего толком и не успела сделать, стремительно перемахнув через Атлантику, где первое время работала без официального разрешения, практически даром.

Свой первый и все последующие альбомы (всего 13, включая концертный "Foghat Live", 1977 год) группа записала на Bearsville Records, несуществующей уже с 1984 года американской компании. Нынешним правопреемником всего каталога Bearsville Rec. является Rhino Records. Третий LP группы вышел в феврале 1974 года, затем какое-то время ушло на поиски нового продюсера, однако уже к октябрю того же года был подготовлен и поступил в продажу четвёртый диск Foghat "Rock And Roll Outlaws".

Ник Джеймсон был моложе каждого из музыкантов группы (на один год Р. Эрла и Т. Стивенса и на целых семь Дэйва "Одиночку" Певеретта), но в свои двадцать четыре уже обладал приличным послужным списком, в котором значилось в том числе и участие в группе American Dream в качестве бас-гитариста и вокалиста. Эти обстоятельства (слишком малый зазор времени между релизами двух альбомов и недостаток продюсерского опыта у Джеймсона) возможно в какой-то степени стали причиной тому, что продолжительность звучания нового альбома не дотягивала и до 40 минут. И есть подозрение, что в некоторых своих композициях музыканты (не без участия Н. Джеймсона) выжимали недостающие секунды, умышленно растягивая концовки, всячески стремясь делать это технично и не слишком заметно. Иначе трековая дорожка пластинки была бы ещё короче. Тут проще было бы, думается мне, парням поднапрячься и добавить ещё один трек. А между тем годом ранее Ник Джеймсон продюсировал LP "It All Comes Back" серьёзного американского коллектива Paul Butterfield's Better Days, так что определённый опыт у этого молодого человека всё-таки имелся. Но что-то всерьёз менять в уже достаточно отлаженном механизме Foghat Джеймсон и не думал, прежде всего заботясь о качестве исходного материала для программы альбома. И потому почти всё, что уложилось в эти 39 минут, пока звучит этот диск, узнаваемо и стилистически неизменно для этой группы. Кроме одной композиции.

Чья была заслуга, музыкантов ли, продюсера, или всех вместе в том, что номер с названием "Dreamer" получился именно таким, каким мы все его слышим и никаким другим, только ничего и близко похожего эти или какие другие музыканты Foghat никогда не делали в прошлом и не сделают в будущем. Без учёта некоторых нюансов, я бы назвал эту вещь выдающейся мини-рок-сюитой. В творчестве этой группы так уж точно. Композиция для этих музыкантов действительно нетипичная и пожалуй даже уникальная. Убеждённые рокеры / рок-н-рольщики в "Dreamer" предстают совершенно с неожиданной стороны. Без оголтелой агрессии и прямолинейного напора, но накатисто, ровно, с чётко обозначенным ритмом, с гармонично смоделированной мелодией, с необычайно чистым и проникновенным её исполнением, без какой-либо неуместной для данного случая хард-роковой "грязи", не побоюсь этого слова. Венцом же всех стараний квартета несомненно является роскошная сольная гитарная дорожка Рода Прайса, своего рода мост между двумя частями композиции.

Некоторое сдержанное недоумение вызывает разве что завершающая фаза, которая следует через паузу в несколько секунд, когда трек казалось бы уже завершился, внезапно и резко оборвавшись. Этот довесок представляется совершенным излишком, этаким аппендиксом, который желательно удалить и забыть о нём. По крайней мере, мне так видится. Можно было бы предположить, что в этом кусочке содержится нечто сакральное в тексте, ключ к пониманию его смысла. Но нет, там всё те же тревожные повторы Дэйва Певеретта, что в его исполнении мы слышим и до паузы, разве что ещё более обречённым рефреном. И вот он второй нюанс - сам текст, в котором немало странного и даже загадочного.

Здесь я хотел бы обозначить своё видение ситуации. Исходя из характера текста, уже в самом названии "Dreamer" смысл не совсем тот, что первым делом ассоциативно возникает в воображении. Не "мечтатель", а "спящий", т.е. человек, погружённый в сон. Или, если хотите, "дремлющий" (рус. слово "дрёма", или иначе "лёгкий сон", происходит от англ. dream. А возможно и наоборот). Что же до содержания текста, то, не пытаясь докопаться до смысла, можно лишь констатировать - от первого до последнего слова это гнетущий, беспросветный депресняк. Что-то в духе ранней поэзии совсем ещё юного Эдгара Аллана По, который уже в возрасте "тинейджера" (а это, напомню, было 200 лет тому назад, во времена А. С. Пушкина) под влиянием байроновского "мистического романтизма" кропал свои вирши по большей части о царстве мёртвых, зловещих могилах и их обитателях, о смерти, как желанном избавлении от тягот земного бытия... Жуткая безнадёга и обречённость. Что побудило весельчака Певеретта обратиться к подобной тематике, остаётся только гадать - "Одиночка" Дэйв оставил этот наш с вами бренный мир ещё в самом начале нулевых годов.

Всё остальное в программе альбома куда оптимистичнее и позитивнее. Стоит заметить, что в плане реализации своих стилистических возможностей группа задействовала практически все освоенные ею жанры.
Отвязный рок-н-ролл? Пожалуйста, "Shirley Jean" - бесшабашный захватывающий номер с откровенным, немного хулиганским текстом про юную потаскушку.
Убойный буги-вуги? Получите головокружительный остроумный "Chateau Lafitte '59 Boogie" c отчаянной слайд-гитарой Прайса, в игре на которой он был большим мастером.
Жёсткий, напряжённый rough-hard-rock? "Hate To Se You Go" - с неожиданно трогательным содержанием, по сути исповедью оставшегося в одиночестве молодого человека.
Умеренная хард-роковая тема? Вот вам незамысловатая "Eight Days On The Road" или титульная "Rock And Roll Outlaw" (только без "s" в конце Outlaw; Poк-н-ролл вне закона), с тривиально-стандартной мелодической схемой в манере Slade.
Или лёгкая "дорожная" фантазия Д. Певеретта "Trouble In My Way", своеобразный "разгрузочный" трек перед второй ударной частью программы.

Foghat пытались максимально разнообразить звучание и содержание своего нового альбома и в целом у них получилось. Динамичный саунд, достаточного уровня исполнительское мастерство и супер-композиция, как заметная веха в творчестве группы. Однако, в US Album Chart этот LP достиг лишь сороковой строчки, что, впрочем, не помешало ему в своё время обрести статус "золотого".

После завершения работы над этой пластинкой в составе Foghat наконец-то было принято решение окончательно юридически оформить американское гражданство. Однако, бас-гитарист Тони Стивенс этого делать не стал и, оставив коллег, вернулся в Англию (весна 1975 года). В качестве временной замены его место занял продюсер Ник Джеймсон.

И последнее. На обложке конверта LP изображена четвёрка музыкантов на фоне самолёта Learjet военно-гражданского назначения производства одноимённой корпорации. Фото было сделано в пустыне Мохаве на Северо-Западе США (Юго-Восточная часть Калифорнии и Южная Невада). Разумеется, тогда самолёт не принадлежал участникам группы, разве что логотип Foghat на носовой его части.

МихаилБогданов  22 авг 2019

Время подвержено изменениям, уходу чего-то старого и появлению нового, тем самым приводящим к тому или иному итогу - таким образом и происходит продолжение творческого пути. Sum 41 - одни из тех, кто вошёл в эпоху 2000-х взяв лучшее из панка и альтернативы, наравне с Green Day или Linkin Park. И вот, по прошествии стольких лет, Дерик Уибли и компания вновь возрождают ощущение, которое когда-то было и остаётся всегда внутри, ведь несмотря на движение вперёд, иногда будет нелишним оглянуться и посмотреть что же было.

К чему же это я, ах да, новая пластинка Sum 41 под названием “Order In Decline” вбирает в себя безусловно свежий и качественный звук, который уже давно выкован в альтернативе последних лет. Тем не менее, панка в работе музыкантов стало на порядок меньше, как и агрессии, так что о какой-либо протестной настроенности здесь не может идти речь. Но несмотря на это в работе довольно крепкий тяжёлый звук, мелодика чем-то напоминающая последние работы Linkin Park, как в части музыкального ореола, так и в вокальной подаче, что весьма неожиданно, услышать знакомые созвучия.

Самое важное, что пластинка абсолютно игнорирует современное веяние, ну может только в части качественного мастеринга и не более, а так это альтернатива в самом лучшем её проявлении. Тот жанр, зародившийся на заре начала двухтысячных, и по сей день отражается в нынешнем времени, за что к группе стоит присмотреться, ведь не столь часто музыкальные корни способны сохраниться по прошествии лет.

Новый диск Sum 41 - это один из примеров мощного рок-альбома, в котором есть боевики. Пускай и разносторонность пластинки не столь весома в данном случае, но альбом имеет в себе почерк, в котором проявляется целая эпоха, возможно и закончившая своё существования, но иногда умеющая о себе напомнить.

Антон Пеганов  21 авг 2019

Мало какая из элитных британских групп у себя на родине к 1978 году имела столь неоднозначную репутацию как Sweet. Главным образом после того, как этот достаточно успешный квартет решительно отмежевался от взрастившего их авторского тандема Чинн - Чапмэн, в дальнейшем полагаясь исключительно на собственные силы. В Англии к ним за столь смелый шаг отношения сторонников разделились примерно в равной пропорции - от близкого к обожанию, до граничащего с ненавистью. Ненавидели, пожалуй, даже больше, иначе как объяснить тот непреложный факт, что с 1974 года группу практически не видели на сценах и аренах Великобритании. Зато в Европе и, как ни странно, в Северной Америке Sweet значились среди всегдашних фаворитов. Примерно так же обстояло дело и с пластинками этой четвёрки - львиная доля каждого из номерных альбомов, а ещё и многочисленных сборников, расходилась по странам Старого Света. Охотно переиздавала лонгплеи группы и Америка, внося, правда, существенные корректировки в их содержание, а порой даже беззастенчиво меняя названия.

Программу своего нового альбома, впрочем, музыканты Sweet готовили на этот раз в лондонских студиях Kingsway's Recorders и Audio International. И вновь, как и предыдущий "Give Us A Wink" (1976 г.), без продюсеров со стороны и полностью полагаясь на свой собственный музыкальный материал.

Внимательные почитатели, а тем паче истовые поклонники этой группы, должны быть достаточно полно осведомлены о тенденциях творческого развития Sweet. С каждым последующим альбомом эти парни поступательно и неизменно пересматривали свои стилистические рамки, всякий раз что-то в них меняя в пользу всё более плотного и жёсткого звучания. Настолько, разумеется, насколько позволяли им это делать их продюсеры. И если на ранних стадиях какие-либо изменения были едва заметны, то при сопоставлении, скажем, даже двух близких LP группы за 1976 год и рассматриваемого сейчас "Off The Record", искомые нами стилистические метаморфозы более чем очевидны. Здесь даже глубоко копать не нужно.

На фоне уже достаточно "потяжелевшего" саунда в "Give Us A Wink", где глэм-рока (или бабблган-рока, что в принципе то же самое) и хард-рока намешано примерно поровну, "Off The Record" представляется уже определённо хард-роковой работой. А стоит заглянуть чуточку вперёд, в год 1978-й, с грядущим "свитовским" альбомом "Level Headed", который будет во-многом определяющим в последующей летописи этой группы, то можно без всяких оговорок констатировать, что именно "Off The..." станет творческим пиком Sweet. И не потому, что он сделан на более качественном уровне. Там всё куда сложнее. Однако и переоценивать эту пластинку не стоило бы. Совсем "очиститься" от глэм-роковой зависимости музыканты не смогли. Или осознанно не стали этого делать. Более того, в качестве стартовой и финальной композиций программы альбома они (а это было их продюсерское решение) выставили два откровенно глэм-роковых трека ("Fever Of Love" и "Funk It Up"), единственные подобного рода на LP с танцевальными мотивами и даже диско-вариациями. Как вход в программу и выход из неё. Решение странное, ибо всё, что распределено между этими двумя крайними номерами, совершенно из "другой оперы".

Впрочем, и с дифирамбами пока повременим. Даже при наличии роскошной ритм-секции, задающей феерический ритм и определяющей хард-роковый вектор, в котором группа отработает все эти семь номеров, не оставляет назойливое ощущение какой-то неопределённости, недоделанности, недосказанности. Попробую объяснить, что я имею в виду. Несложно понять, что во многих из этих композиций Sweet предстают перед слушателем этакими стилизованными Deep Purplе начала 70-х годов. Вполне даже возможно, что это обманчивая видимость и уподобляться апологетам стиля "свитовцы" вовсе не помышляли. Верится в это, конечно, едва ли. Впрочем, сейчас это уже и неважно.

Самые крепкие и конкретные (от англ. слова concrete - бетон) номера "Live For Today", "Hard Times" и, конечно же, "Windy City" звучат безупречно, настоящий классический хард-рок. К тому же ещё и подкреплённый харизматичным вокальным сопровождением Брайана Коннолли. Что касается "Windy City" - это стержневая композиция альбома. Быть может "жидковат" текст с его тривиальной тематикой "обо всём и ни о чём" (основной лейтмотив "я хочу обрести свободу"), но при всём при этом не отдать должное инструменталистам, и прежде всего Энди Скотту, никак нельзя. И пусть даже основная гитарная партия в его исполнении достаточно незатейлива, но весьма выразительна и должным образом будоражит. Главное же достоинство этой мини-рок-сюиты продолжительностью в семь с половиной минут - это bridge (мост), инфантильная почти минутная инструментальная вставка, словно отрезвляющий холодный душ между двух горячих кусков композиции. И в том, что этот короткий отрезок является одним из самых ярких фрагментов всей программы заслуга Энди Скотта. Как композитора и мультиинструменталиста. Целиком и полностью. Сразу же из глубин памяти всплывает подобная история с "мостом" у Deep Purple в их "Woman From Tokyo". И отпадают все сомнения по поводу того, что Sweet смоделировали свою "Windy City" с того самого легендарного опуса великих DP. Причём, сделали они это настолько умело и уверенно, что нет никаких намерений их в этом упрекнуть.

Ещё одна примечательная песня в "Off The..." - это "Laura Lee". В достаточно привычном для авангардного рока формате combi (для Sweet же просто уникальном) из трёх последовательных частей. Сдержанная первая часть с проникновенным вокалом Б. Коннолли, словно навеянная духом средневековых менестрелей, плавно сменяется помпезным куском "а-ля Queen", который в свою очередь продолжается и завершается расслабленным ритм-гитарным инструменталом. Не рискну вдаваться в какой-либо углублённый анализ на предмет достоинств этой интересной вещи или её недостатках, однако необходимые краски в программу LP она привнесла.

Одна из характерных особенностей альбома ещё и в том, что в его программе своего рода конгломерат синтезаторных звуков и вокально-хоровых спевок (в чём-то подобных ранним Uriah Heep). Всем этим музыканты обильно "приправили" все девять своих номеров, сколь разноплановыми они ни были бы. Впрочем, разноплановость как характеристика для этой пластинки - категория весьма условная. Как уже было отмечено, совсем без глэм-рока в чистом виде в этом LP обойтись было не суждено. Но если, скажем, в "Fever Of Love" с тем самым многоголосым хоровым наполнением, создающим некую карнавальную атмосферу локального праздника, всё предельно понятно, то с прочими номерами ("Lost Angels", "Midnight To Daylight", "She Gimme Lovin'") значительно сложнее.

Некий едва осязаемый намёк (не заметить который, однако, невозможно) на глэмовую "глянцевость" и "лощёность" (от слова "лоск") ощущается по ходу звучания всех этих номеров. Отменный саунд, но ему недостаёт мужественности, что ли, я бы даже сказал какой-то грубой первобытности, чем нахрапом "брали" поклонников тяжёлой музыки те же Deep Purple в своих брутальных пластинках из ранних 70-х. Здесь же у Sweet очевидный откат во времена их "Fanny Adams", но осуждать музыкантов я вовсе не намерен. Права на то не имею.

Демократичность подхода в плане участия каждого из четвёрки музыкантов в песенном созидательном процессе, из которого следует якобы равный вклад всех и каждого в этом непростом деле, не должна вводить в заблуждение людей, не слишком в творчество Sweet погружённых. All titles composed by Sweet - это действительно демократично, по-товарищески, пожалуй даже по-братски, но категорически неверно. С некоторых пор гитарист Э. Скотт, как ведущий музыкант в составе группы, выдвинулся на лидирующие позиции и как автор почти всего репертуара Sweet. Что-то вносил своё Стив Прист, участие же Коннолли и Такера в этом деле было скорее символичным. Кстати, о Коннолли. Брайан здесь пока что в полном порядке, его голос всё ещё крепок и бодр, хотя уже недалёк тот день и час, когда проблемы с алкоголем у вокалиста взломают порядок и спокойствие в стане группы.

По-настоящему горячим хитом этот альбом был лишь в Зап. Германии. Возможно из-за сопровождающей его жёсткой критики муз. журналистов и аналитиков, которые в большинстве своём сетовали, что группа "утратила свою самобытность в тщеславных попытках проявить себя в чуждой ей музыкальной среде". Однако, вернее будет считать, что сиюминутного успеха "Off The Record" не достиг по причинам невероятной конкуренции. Плеяда молодых дерзких команд беззастенчиво вытесняла с перенасыщенного европейского рынка былых своих же кумиров и ветеранов хард-рокового движения. Годы спустя, когда мировую рок-музыкальную тусовку накроет кризис, т.е. в 80-90 годы, этот альбом сполна получит всё то, чем был обделён в своё время, как и масса ему подобных. Но произойдёт это уже в те времена, когда Sweet покинут большую рок-сцену и о ним мало кто будет горевать.

МихаилБогданов  16 авг 2019

Путь, по которому Kruger шагают еще с конца 80-ых, был тернист и ухабист. Честно скажу, что мне очень сложно рассуждать о качестве альбомов группы за период 91-02, потому что для меня очевидны многие проблемы, с которыми коллектив сталкивался в то время: развал СССР и сопутствующие этому событию бонусы коснулись даже тех, кто уже имел крепкую почву под ногами.

Альбом "Вера и религия" открыл для Kruger новую главу, когда наконец-то устаканился состав участников, появилась возможность качественной записи... да и аудитория уже прекрасно понимала что такое Heavy Metal, почему музыканты носят длинные волосы и т.д. Всё, что нужно было коллективу - это удержать ситуацию под контролем. Я не говорю о том, что музыканты стали какими-то важными персонами или звёздами, это не так. Речь о том, что коллектив выбился из ветра перемен на прямую дорогу постоянства, и было очень важно удержаться, чтобы не скатиться в прежнюю яму.

Новым домом для группы стал лейбл CD-Maximum, на котором Kruger задержатся еще надолго, выпустив свой бэк-каталог, а также будущие релизы. Это был правильный выбор, потому что примерно тогда на лейбл пришли даже такие корифеи, как Кипелов, Мастер, Ария и др. Вопрос стоял только в поддержании поднятой на “Вера и религия" планки.

Название "No компромисс" очень четко отражает музыкальную линию, которую Kruger избрали в 2004-ом году для построения всей своей дальнейшей карьеры и фан-базы. Этот альбом начисто лишен экспериментов, но содержит только лучшее, что было на предыдущих пластинках группы. Ставка была поставлена исключительно на тяжесть, скорость и кристально чистый звук, а также на сильные мелодии и текст.

Избранная формула не создала контраста на фоне предыдущего альбома, хотя я и не могу сказать, что какая-то определенная песня меня поразила до глубины души. Все 9 треков умудряются сохранить нужный настрой, чтобы альбом можно было переслушивать, но выделить что-то конкретное не хочется. Я не могу сказать, что на альбоме нет хитов, наоборот, альбом в общем и целом является для меня одним монолитным хитом.

Что любопытно, примерно по такой же схеме двигались Мастер на "33 Жизни" или Ария на "Армагеддон", но в отличие от них, у Kruger заметен яростный энтузиазм. Музыка группы цепляет не потому, что правильно написана и сведена, не чистым звуком, не воодушевляющими текстами, а именно своей страстью. Как мне кажется, такие альбомы писались как раз в 80-ые, когда жанр был новым для всего музыкального мира, и с течением времени исполнители просто перестали воспринимать Heavy Metal с такой же любовью, как воспринимают его Kruger на "No компромисс".

И всё же альбом нельзя назвать прорывным для коллектива, как и нельзя сказать, что в то время Kruger могли бы позволить себе расслабиться. Да и конкуренция на ниве Heavy Metal в 2004-ом году еще была солидной, а команды воспринимались, как амбициозные и подающие надежды. Но что касается Kruger, то впереди музыкантов ждали еще несколько таких же крепких, но всё таких же ровных альбомов, но это уже совсем другая история...

Exceptional  15 авг 2019

Не успев оправиться после оглушительного успеха предыдущего альбома, группа, словно разгорячённая, сочиняет отличный по всем параметрам диск. Слегка противоречивый и необычный для творчества группы, он навсегда остается одной из визиток коллектива, наряду с "Обратной стороной..." и "Стеной".

К тому времени Pink Floyd уже успели вкусить все плоды собственной славы, поэтому в этом диске, а точнее в его текстах, мы услышим о послевкусии, которое группа ощутила на себе, о всех прелестях рок-бизнеса, а также о том, чего группе не хватало на тот момент.

Открывает альбом спокойный, завораживающей своей неповторимой мелодией супер-хит "Shine On You Crazy Diamond, Part One". Богатая своей музыкальной палитрой композиция, состоящая из эмбиент-подобного вступления (хотя на тот момент подобного названия жанра наверняка ещё не было), блюзово-прогрессивного содержания, в дополнении с замечательным исполнением саксофониста, уносит нас в те музыкальные глубины и высоты, которые мы редко где можем встретить в современной музыке. Тексты посвящены старому знакомому и коллеге, Сиду Баррету, который за столь короткий период пребывания в группе успел оставить след в мировой рок-индустрии.

Следующая композиция "Welcome To The Machine" рассказывает нам о том, как многие исполнители того времени постепенно превращались из творческих личностей в бизнесменов, зарабатывающих с помощью музыки себе на жизнь. Музыкальная составляющая более грустная и пронзительная, но благодаря акустическим гитарным пассажам и синтезаторным проигрышам Рика Райта поражает своей изящностью. Необычно высоким вокалом спел Дэвид Гилмор, словно кричащий о своей неприязни к музыкальному бизнесу того времени.

Полностью продолжает тему песня "Have A Cigar". Необычная стилистическая основа для Pink Floyd, состоящая почти что из хард-роковых риффов. Оба вокалиста группы (Гилмор и Уотерс) по некоторым причинам отказались петь эту песню, поэтому пришлось нанимать музыканта на стороне - им стал Рой Харпер, к тому времени ничем не примечательный вокалист, но с хорошим голосом.

"Wish You Were Here" говорит нам о теме нехватки чего-либо или кого-либо, когда этого хочется больше всего. Позже Девид Гилмор признался, что при исполнении этой песни часто вспоминал Сида Баррета. Звучит мягкая, очень мелодичная акустическая баллада. Примечательная одновременным вокальным и гитарным исполнением соло.

И наконец, возвращаемся к заключительной части композиции "Shine On You Crazy Diamond". Данная версия состоит в большинстве своем из инструментальных моментов. Звучит больше клавишных и синтезаторов. Вещь нисколько не портит данный диск, напротив - является его концовкой.

В заключение, не хотелось бы говорить много про этот альбом, а просто посоветую тем, кто ещё не слышал данный шедевр, выделить время и прослушать его от начала до конца.

AlexanderZhigulin  15 авг 2019

Пожалуй, где-то во времена выхода альбома "Seal The Deal & Let's Boogie" Волбиты перешагнули через линию, за которой ожидать откровений от группы в будущем не следовало. Для многих, конечно, этот момент наступил еще в 2008 году, когда из музыки команды пропал весь грув, а мотивы перестали удивлять, по уровню доступности оборачиваясь чуть ли не поп-панком, лишь местячково напоминая о былых временах, стоило только пригласить на гостевой вокал какого-нибудь Милле Петроццу. Однако же это совсем не повод списывать группу, ведь, сколько головой об стену ни бейся, на уникальность звучания Volbeat закрыть глаза не получится.

Формула успеха здесь невероятно простая. Эта музыка ни к чему не обязывает. Люди играют рок-музыку, потому что им это нравится, как и нравится им мешать её поочерёдно то с кантри, то с рокабилли, то еще с какой музыкой Америки 60-х, названия жанров которой упомнит только тот парень с Википедией в кармане. Их музыка похожа на всех подряд, но, в то же время, ни на кого конкретно. Она простая, весёлая, под неё так и тянет встретиться с друзьями и откупорить бутылку чего покрепче. Volbeat - это, в первую очередь, возрождение духа давно ушедшей американской рок-н-ролльной эпохи, что особенно удивительно, ведь Дания - родная страна группы - не имеет к этой эпохе никакого отношения.

Переходя к новому полноформатнику группы, начну с того, что мне совершенно неясно, чем был обусловлен выбор первого сингла. "Parasite", 40-секундная песня о надоедливом комаре, жизнь которого резко обрывается под аккомпанемент метафоричного удара барабанной палки, оставляет такое же впечатление, какое наверное в свое время оставляла у слушателей экстремальной музыки композиция "You Suffer" Напалмов, с той лишь разницей, что в те времена это удивляло. Первая ассоциация - песня "Муха, это маленькая птичка", небезызвестной российской панк-группы. Очень странное решение, я бы даже сказал, отталкивающее, вряд ли кто-то ждёт от Volbeat экспериментов с формой. Дальше - лучше, но ненамного. Синглы вышли ну в край мягкими, простыми, чуть ли не фоновыми, пожалуй, за исключением "Pelvis On Fire" - забойного рок-н-ролльного хита, где Поулсен поет со скоростью заправского американского аукциониста. Даже соло Холта в "Cheapside Sloggers" особо песню не спасло, типичный среднячок позднего творчества группы. Что действительно приятно удивило уже при полном знакомстве с пластинкой - так это "Sorry Sack Of Bones": чуть ли не детроковая композиция, завораживающая своей атмосферой. Слышали группу Grave Pleasures (ex-Beastmilk)? Я бы не удивился, окажись её участники в списке приглашенных музыкантов. На мой взгляд, самая необычная песня в каталоге группы. Также со временем расслушал "Leviathan", обладающую невероятно неподходящей к музыке лирикой, оттого, отчасти забавной композицией.

Если же ты - тот самый фанат первых двух альбомов, которому подавай "чего помяснее", то в этот раз всё совсем уж скудно, разве что крайне бодрая "Die To Live" (вот уж что нужно было выдавать первым синглом!) и конкурент за звание самой тяжелой песни позднего Volbeat, наряду с "Doc Holiday", "The Everlasting", слегка подогреют душу. В целом же, хочется надеяться, что группа вспомнит былое и выдаст больше тяжеляка на последующих релизах, заставив олдскульных любителей "Элвис-метала" пустить скупую ностальигческую слезу. Пока же, последние два альбома больше наполнены простыми песенками для настроения, чем той магией, что создавали первые две записи и так удачно продолжил альбом "Outlaw Gentlemen & Shady Ladies", сверкающий как жемчужина позднего творчества. Да, не упомянутые мною песни не плохи и выполняют свои функции достаточно хорошо, но сердце знает: Volbeat могут куда лучше.

Закончить же хочется тем же, с чего и начинал. Если после всех самоповторов, вам всё ещё хочется слушать данную группу, сродни тому, как вы слушаете музыку в джаз-кафе (то бишь, для настроения) - смело включайте пластинку. Однако же, если вы с трудом слушали "Beyond Hell - Above Heaven", недовольно бурча про самоплагиат и отсутствие драйва, здесь вас ждёт одно лишь разочарование. Держа в голове, что в последнее время спасает группу лишь их уникальность, я, как преданный фанат, оценку выставлю следующую...

ElectricRetard  15 авг 2019

Несправедлив тот факт, что данное творение не стоит в одном ряду с такими работами, как "The Magician's Birthday", "Demons and Wizards" и "Look at Yourself". Альбом нисколько не уступает последующим, ни хитами, ни драйвом, ни драматизмом, ни уровнем мастерства. Именно здесь мы уже видим сформированную единицу рок-бизнеса 70-х, со всеми своими стилистическими особенностями. Именно здесь Uriah Heep заслужили себе право стоять в одном ряду с самыми популярными на тот момент хард-рокерами и это, конечно же, Deep Purple, Led Zeppelin и Black Sabbath.

Как я уже высказался выше, но не уточнил - это первая работа, в которой точно сформированы узнаваемые стиль и манера исполнения группы. Первая работа, где маэстро Кен Хенсли проявил себя ещё и как основной идейный вдохновитель группы. Нельзя не заметить простую, но гениальную обложку, намекающюю нам о теме войны и прочее. В музыкальном плане, несмотря на наличие всего 6 песен, мы имеем разнообразный материал - тут вам найдётся и тяжёлый, но мелодичный хард-рок ("Bird Of Prey" и "Time To Live"), не менее лёгкий прогрессив-хард ("High Priestess"), акустическая баллада ("Lady In Black") и, конечно же, арт-роковые номера ("The Park" и "Salisbury"). Нельзя не выделить замечательный одноименный эпик, богатый своими мелодиями, вокальными партиями и прекрасным исполнением музыкантов (особенно Кена Хенсли и Мика Бокса). Намека на какую-то слабую песню вы просто не найдёте. Напрягает тот факт, что в наше время на концертах группа исполняет всего две вещи с этой пластинки: "Bird Of Prey" и, ставшую чуть ли не визиткой (если бы не "Июльское утро"), "Lady In Black". Забыл упомянуть великолепный вокал Дэвида Байрона.

В итоге, мы получаем отличный по всем параметрам альбом, если даже не шедевральный, заслуживший свое законное право пылиться в коллекциях старых, но и лучших рок-произведений всех времен и народов. Оценка - 10 баллов.

AlexanderZhigulin  14 авг 2019

Был заинтригован альбомом, так как концепт и задумка очень нравится. Да ещё и какая вокалистка...

Но недоумение наступило буквально с первых нот. Вecь этот материал мы уже слышали! По частям, тут или там. Всё те же мотивы, крайне простые, одноклеточные, немного модифицированные. Являясь фанатом Флор, был поражен прозрачностью, отсутствием плотности и неэмоциональностью вокала. Его будто нет. Это худшая вокальная работы группы. Голос не ведёт за собой ни в одной композиции, исполнение не годится даже для бек-вокала. Будто писалось в одну дорожку. Возможно, недостатки сведения. В "Endless Forms Most Beautiful" вокал вообще оттенков не имеет. Вроде человек поёт и попадает в ноты, но звучит это всё как дешевая демка от приходящей вокалистки, которая впервые видит текст. Академического пения, как такового, мы не услышали. Только мельком, в конце. "Выдающийся", берущий за душу (не в позитивном ключе) вокал тут только у обезьян. Выделю некоторые песни отдельно.

"Élan" - убогая по всем параметрам, в том числе и лирически (рифмы и то, как они используются). Главный мотив - простой и заимствованный. Вокал в куплетах звучит никак. Избитый до смерти, элементарный фолк, который будет преследовать нас через весь альбом.

"Yours is an Empty Hope" - нелепая, уродливая мешанина из "Imagenaerum" и "Beauty of the Beast".

"Our Decades in the Sun" - все 3 элемента будто из разных песен, каша из музыкального топора.

"My Walden" - единственная более-менее слушабельная по структуре песня, и та уровня "Евровидения". Потому, что материал попсовый (в данном случае, это неплохо). Фолк тут доведён до ума и вписывается органичнее. Да, как и весь остальной альбом - это самоплагиат. Однако он хотя бы приведён в удобоваримую форму.

"Endless Forms Most Beautiful" - апофеоз безвкусицы и музыкального уродства. Несмотря на импактный ход (где поётся "Endless forms...") сама песня - Франкенштейн. Ни один из компонентов не идёт в ногу с другим. Сделано на коленке (как и весь альбом).

"The Greatest Show On Earth" - жалкая пародия на свои же бывшие эпики. Как говорится, лишь бы подлиннее. Всё те же куски, всё так же не сочетаются друг с другом. Но в этот раз они скооперированы; очень предсказуемо образуя бесконечную тягомотину из идентичных лупов. Хотя именно тут вокал хоть как-то раскрывается, но уже поздно. Тут же действительно пришлось проснуться от криков животных (не вокалистов, а реальных животных).

В большинстве песен альбома нет абсолютно никакой связи между интро, хуком и остальной частью композиции. Первый раз у этой группы такое, чтобы не было ну ни одной нормальной песни на всём альбоме. Если вы сыграете все песни на пианино, то можете легко запутаться - где что. Ибо за мешурой помпезности и недоэпичности скрывается всего пара мотивов, которые минимально друг от друга отличаются, растягиваются на весь альбом и уже были в употреблении. Сами средства тоже скудные, будто купленные семплы - взрываются (где не надо) ударные, поднывает будто семплированный хор, оркестр играет эти бесконечные стакатто - но всё не имеет композиционного смысла и существует просто для вида.

Этому чудовищу больше двойки может поставить только самый беспринципный фанат. В конкретной ситуации не заслуживает даже "2", ибо это не "исполнено красиво" (по сведению). Данный альбом я прослушивал несколько раз, будто Даша Следопыт пытаясь найти что-то стоящее. Увы, это тот редкий случай, когда с каждым прослушиванием всё больше убеждаешься в пустоте и бездарности материала. Основной недостаток альбома - бедность, повсеместные заимствования или самоплагиат. Альбом может понравиться только неэрудированному слушателю, который не помнит где и что он слышал. У автора не получилось выразить концепт музыкально. Месседж альбома в таких условиях кажется неискренним и притянутым за уши.

Я верю, что данный концепт давно лежал в ящике. Помните "A Return to the Sea"? Что ж, песня эволюционировала в целый альбом музыкального месива и вышла даже хуже, чем её предок-динозавр. И если недостатки далёкого предка можно списать на нереализованность или не совсем понятной формы вокал (который всё же был под стать теме: отвлекающий и странноватый), то в "Endless Forms Most Beautiful" вообще не за что уцепиться. Будучи про эволюцию, альбом чётко доказывает, что творческая эволюция тоже существует. Только идёт она в другую сторону - в сторону полнейшей безвкусицы.

ИванЛетучий  14 авг 2019

Причина по которой «смертельный метал» стал передовым среди всех направлений метала, заключается прежде всего в том, что каждое поколение музыкальных коллективов стремилось совершить поступательное движение вверх. Условно можно разделить жанр на несколько этапов:
1. Середина 80-ых – нач. 90-ых – это формирование самих основ стиля, разграничение его на направления уже внутри самого направления.
2. Пер. половина – середина 90-ых, золотой век для жанра, в этот период были записаны наиболее значимые работы, которые создали канон от которого стали отталкиваться последующие поколения групп.
3. Первый переходный период (стагнация) – кон.90-ых – пер пол. 00-ых – в этот временной отрезок многие именитые группы распались либо приостановили деятельно из-за угасающего интереса к жанру среди публики, качество же выпускаемых работ заметно снижается.
4. Сер. 00-ых – нач. 10-ых, серебряный век (ренессанс) в жанре, новые технологии и возрождение многих легендарных коллективов позволили поклонникам насладится целой россыпью великолепных альбомов.
5. Второй переходный период – по нынешнее время, многие коллективы стремятся работать по шаблону, отсутствие инновационных внедрений и сторонних идей в большинстве работ, хотя шедевры все-таки выходят.

Возвращаясь к нашим героям - Nocturnus, вклад которых в развитие направления Technical Death Metal сложно переоценить. Их сверхтехничные гитарные пассажи (для своего времени), клавишные импровизации задали высокие стандартны для последующих работ. В лирике ставка была сделана на научную фантастику.
Первый альбом «The Key» - совершенно уникальное творение в рамках жанра, переполненный в каждом риффе колоссальной творческой энергией. Он штурмом покорил своих слушателей и сразил оригинальностью в подходе написания тяжелой музыки. Сейчас же, много лет спустя, дэт-метал стал банальным и предсказуемым, наметился идейный застой.
Майк Браунинг – лидер и основатель оригинального Nocturnus, решил вернутся на авансцену с группой названной Nocturnus AD, чтобы создать творение, которое напрямую бы продолжило идеи несравненного «The Key».
Звук на «Paradox» ориентирован на раннее творчество группы и флоридскую школу дэтстеров их поколения, что с одной стороны радует оригинальностью среди нынешнего компьютерного подхода к написанию музыки, но не дает желаемых мощностей уже привыкшего к ним слушателю.
Майк Браунинг ранее выступал с Morbid Angel и решил воссоединить в новой работе звучание времён их «Altars of Madness» и своего «The Key». В результате мы имеем классический, легко читаемый звук, правда отдающий порой «песком» и сухостью.
Превосходное взаимопонимание между гитаристами и клавишником породило уникальный звук, который направляет своего слушателя к истокам. Это исключительное наслаждение - услышать в 2019 году, потеряв всякую надежду, продолжение и развитие идей шедевра «The Key».
Великолепный «Paradox» так же дарит слушателю всё, что можно возжелать в рамках жанра, всё что тут делается - исключительно хорошо. Здесь есть всё - мелодичные, насыщенные и техничные риффы, россыпь оригинальных и порой даже неожиданных соло, уместные и своевременные, а главное не слащавые пассажи синтезатора. Взаимодействие и взаимопонимание всех без исключения музыкантов на превосходном уровне, что позволяет коллективу использовать практически всю палитру музыкальных идей, оставаясь в рамках выбранного жанра.
Невероятно, но спустя целых три десятилетия группа смогла сохранить здесь атмосферу «The Key» и подвергнуть свои же идеи значительному развитию уже на его приемнике «Paradox». Альбом - чрезвычайно органичная и последовательная запись. Каждая композиция передает свое повествование последующей, не разрывая генетической связи с истоками.
«Paradox» - это великолепно спродюсированый релиз, продуманный до последнего риффа, до мелочей. Возможно, лучший камбэк среди всех групп старой школы дэт-метала.
Лирическая концепция направлена на прямое продолжение «The Key», последовательно нам здесь раскрывая историю доктора Магуса и его зловещего изобретения.
«Paradox» - это работа для гурманов, это свобода от моды и клише, это желание иметь индивидуальное лицо в мире множества безликих современных клонов.

Grumegargler  13 авг 2019