Rhapsody вроде и не бразильцы и не мексиканцы, но их творческая биография действительно напоминает сериал созданный в этих замечательных солнечных странах. Все эти расставания, расколы, воссоединения, смены названий, сайд-проекты и завидная при том плодовитость всех музыкантов, так или иначе связанных с именитой итальянской формацией, могут запутать любого, кто недостаточно искушён в сценарных хитросплетениях романтических латиноамериканских историй.

Впрочем, группа уже давно создала себе имя в жанре; высекла его, можно сказать, в граните изумрудным мечом и выжгла драконьим пламенем. И, сколько бы не дробилась она и не видоизменялась, суть и фирменные черты остаются на месте. Вот, посмотрите, кто там остался из основателей в оригинальной "Рапсодии"? (хотя один черт не разберёшь уже, какая из них оригинальная). Алекс Старополи да и всё, но при этом новая работа группы всё равно звучит привычно. И даже уход Фабио Лионе не подкосил команду, хотя, казалось бы — его вокал такая же фирменная фишка, как быстрые гитарно-клавишные перебежки и отрывистые завывания хора. Новый вокалист со своими обязанностями справляется неплохо, хотя Лионе всё-таки был чуть более органичен в своей истинно-итальянской, едва ли не оперной, манере. Джиакомо Воли же выдает порой какого-то Гленна Хьюза, что ближе скорее к року американского образца, нежели к апеннинскому симфо-паверу, ну и плюс местами он ну уж чересчур кислотный.

В остальном же, стилистическое ядро Rhapsody и высокое качество исполнения и записи остались на месте, а сам материал получил даже какую-то свежесть новых идей в мелодиях и припевах. Может, я просто давно их не слушал, но от альбома реально вполне возможно получать удовольствие во время прослушивания (вот уж не думал, что такое про них напишу). Достигается это тем, что общее настроение классической Рапсодии осталось, а перебора навязчивых клише не наступает. Заметно повысилась скорость композиций, отвоевав позиции у голливудских оркестровок, которые уже порядком набили оскомину на предыдущих работах последнего времени. Такие композиции как "Rain of Fury" и "White Wizard" возвращают к звучанию оригинальных альбомов. Также хорошо, что группа иногда разбавляет эпический пафос, и на диске находится место для уютных барочных пасторалей вроде "Warrior Heart" с классическими партиями клавесина. К слову, все надоедливые клише и занудство итальянцы стыдливо засунули в закрывающий альбом десятиминутный эпик "Tales of a Hero's Fate", который, в принципе, можно даже и не слушать. По крайней мере, до конца.

Подводя итог: диск — большой шаг в нужном направлении, в направлении назад к классическому Rhapsody. Музыканты, несмотря на все пертурбации, сумели сохранить свой собственный стиль, хорошо это или плохо, и записать достаточно приятный для прослушивания альбом, который, надо полагать, фанатам группы придётся по душе. Здесь много всего, за что Рапсодию можно любить: высокие скорости, классное исполнение, яркие мелодии; и не так уж много того, чем группа обычно раздражает: нелепые отрывистые завывания, безудержный пафос и треки полные заунывной болтовни, что уже само по себе достойно похвалы. Данный альбом, пожалуй, хороший выбор для того, чтобы заново открыть для себя группу, если вы забросили её в долгий ящик.

(Диск предоставлен компанией FONO).

Nerferoth Drake   4 май 2019

Перед тем, как начать этот обзор, я призадумался. А будет ли сейчас это кому-то интересно? Ведь стоит лишь представить, что эта пластинка вышла почти пол-века (!) назад, уже становится не по себе. С другой стороны, обойти вниманием эту историческую работу легендарной команды было бы несправедливо. Ведь если не я, то кто? И если не сейчас, то когда? И если даже на эту рецензию обратит внимание всего пара сотен человек, значит уже есть смысл этим заняться.

БЕГ СКВОЗЬ ДЖУНГЛИ.

Интенсивность, с которой Джон Фогерти и его одногруппники вкалывали те два года (с июля 1968 года по июль 1970-го), поражает всякое воображение - 5 (пять!) полновесных студийных альбомов! Можно только гадать, с чем это было связано. И первое, что приходит в голову, это стремление музыкантов Creedence CR наверстать упущенное время. Ведь они начинали аж в 59-м году (!), совсем ещё пацанами в своём Беркли, неподалёку от Сан-Франциско, что на тихоокеанском побережье Соединённых Штатов, а воплотить свой лучший материал, наработанный за те сумрачные годы, во что-то осязаемое, что можно было бы с чувством гордости подержать в руках и при желание прослушать на вертушке, всё никак не получалось. Вплоть до лета 1968 года. Ещё одна мысль, в которую не хотелось бы верить, но как знать...? Возможно, эти парни уже чувствовали, что срок их существования как CCR отмерен и уже подходит к концу...
"Cosmo's Factory" записывался урывками за несколько коротких сессий, которые всякий раз прерывались ради очередной гастрольной поездки, в том числе и в далёкую Европу. Пять песен, что позднее вошли в альбом, были подготовлены как синглы на каждой из таких сессий и выходили в релиз в январе, апреле и июле 1970-го. И все они были в разной степени успешные. И все пять написаны Джоном Фогерти. К завершающей июльской сессии группа подошла после изнурительного тура вымотанной и опустошённой. С багажом готового материала для будущей пластинки на 13-15 минут звучания. В студию Wally Heider Studios в Сан-Франциско музыканты явились с одной лишь "домашней заготовкой" - "Ramble Tamble" (в вольном переводе "Долбаная прогулка"). Из стандартного песенного трёхминутного формата эта мощная рок-композиция по итогу была "развёрнута" до семи минут звучания. Трек действительно впечатляющий, однако лавров и прочих почестей не снискал. Скорее всего по причине излишне откровенного текста, в котором Дж. Фогерти показал неприглядную изнанку американской действительности.
Так вот, пожалуй впервые тогда Джон реально прочувствовал, каково это в одиночку тянуть весь коллектив и быть за него полностью ответственным. Но даже отсутствие продюсера и компетентного менеджмента не вызывало чувства обречённости, хуже было другое - не было идей, за которые можно было бы зацепиться. Он сам загнал себя в угол.
Ситуация, создавшаяся в CCR, когда репертуар группы был бы столь зависим от одного человека, пусть даже невероятно талантливого лидера, не представлялась такой уж редкостью. Ten Years After с Элвином Ли в заглавной роли или голландцы Shocking Blue, целиком и полностью полагавшиеся на своего вожака Робби Ван Левена - это лишь пара характерных примеров.
Выход из затруднения был лишь один - делать кавер-версии. Помогло то, что в шестидесятые годы парни всё это уже проходили, а источником вдохновения как тогда, так и на этот раз была хорошо им знакомая галерея из прославленных рок-н-рольщиков прошлого - Чак Берри, Бадди Холли, Литтл Ричард и др. не менее достойные люди. Некоторые из песен, что Фогерти и его команда приглядели для своего альбома, были, что называется, всё ещё "на слуху". Заводное рокабилли "Ooby Dooby" из репертуара Роя Орбисона, ритмичный блюз-роковый номер "Before You Accuse Me", первым исполнителем которого являлся Бо Диддли, резвая зажигательная интерпретация "My Baby Left Me" Артура Крудупа, которая в оригинале звучала в стиле буги - все эти песни удивительно органично вплелись в программу этого альбома. Но все они были миниатюрными и лишь частично дополнили программу, необходимо было что-то ещё придумывать.
И ведь придумали же! Так известный хит середины шестидесятых Баррета Стронга и Нормана Уитфилда "I Heard It Through The Grapevine" из короткой, на три с небольшим минуты песенки в исполнении Мэрвина Гэя, обернулся одиннадцатиминутной фактурной рок-сюитой, в которой Джон изощрённо и с фантазией джемовал на гитаре почти семь минут. Идиоматическая суть этого названия для коренного калифорнийца не нуждается в каких-либо пояснениях - "Я слышал это через виноградную лозу". Только не следует нам с вами это выражение понимать как некое трогательное единение героя песни с природой. Всё куда более прозаичнее, приземлённее, я бы сказал. "До меня дошли слухи" - именно так следует толковать это диковинное название песни, что авторы написали "под заказ" для компании Tamla Motown, которая собирала под своё крыло как правило исполнителей афро-американского происхождения. В этой песне история от первого лица о чувствах переживаемого предательства и одновременно неверия в него героем, когда до него дошли разговоры о неверности его невесты, только как бы косвенно, "через виноградную лозу". Что-то вроде нашего сермяжного: "Скажи мне берёза, скажи мне рябина...". Настоящий эпос.
Песни и аранжировки Джона Фогерти были всегда притягательны и своим бесшабашным драйвом ("Travelin' Band") и неподдельной искренностью ("Lookin' Out My Back Door"), душевной теплотой ("Long As I Can See The Light"). А ещё иносказательностью и непредсказуемостью. Из-за чего порой и подвергались резкой критике как "песни без содержания". Впрочем, подобные упрёки можно предъявлять практически любому исполнителю любой жанровой музыки.
Стержневая композиция альбома и одна из сильнейших в творчестве CCR "Run Through The Jungle" начинается с неожиданного звукового эффекта, который, по словам басиста Стью Кука, был придуман и достигнут "посредством развёрнутых задом наперёд и таким образом прокрученных под запись нескольких партий гитар и фоно". Тревожный протяжный гул, который надо понимать как фон неизведанных джунглей. Дж. Фогерти рассказывал, что это "моя любимая вещь из всего, что сделано Creedence Clearwater Revival. Она тянется на одной ноте, но всё время как бы держит тебя в напряжении. Нота одна и та же, но создаётся иллюзия, что она постоянно меняется". От себя добавлю: иллюзию переменчивости этой ноты создаёт бас-гитара Стью Кука.
Многие связывали эту песню, как протест против вьетнамской войны. На самом деле, это не так и Джон Фогерти сам это как-то раз объяснил: "Я имел ввиду Америку и распространение оружия. Я охотник и я не против оружия, я просто думал, что люди будут спокойнее и счастливее, когда у них есть ствол. Но оружия уже так много, что сейчас это стало опасно".
Он же поведал притчу о происхождении названия этого альбома. В начале своей карьеры группа подыскала для репетиций пустующий пакгауз (складское помещение) на окраине своего университетского городка. Барабанщик Дуг "Космо" Клиффорд называл его "фабрикой" по той причине, что Фогерти по многу часов "до седьмого пота" вынуждал музыкантов группы репетировать и шлифовать там индивидуальное мастерство. Это название прижилось и вошло в обращение. На лицевой стороне обложки LP та самая "фабрика" имени "Космо" Клиффорда. Сам Дуг в бесподобных красных трениках восседает на велосипеде, а Джон Фогерти позади ударной установки на мотоцикле в своей неизменной клетчатой рубашке, ставшей символом CCR.
В июле 1970 года "Cosmo's Factory" поступил в продажу. 16 декабря того же года Американская ассоциация звукозаписывающей индустрии зарегистрировала "платиновый" статус альбома (свыше 1 млн. реализованных пластинок). 13 декабря 1990 года альбом получил сертификат четырёхкратной "платины".
Многочисленные отзывы и комментарии были весьма благоприятными. Музыкальные издания называли эту работу CCR "венцом двухлетнего плодотворного отрезка". В 2003 году авторитетный "Rolling Stone" включил "Cosmo's Factory" в "500 величайших альбомов всех времён" (265 место). И это был уже третий LP Creedence Clearwater Revival в этом почётном музыкальном пантеоне.

"Там на горе рокочет волшебный гром:
Пусть люди познают мою мудрость,
Заполню дымом землю.
Беги сквозь джунгли
И не оглядывайся назад".

МихаилБогданов   1 май 2019

“Зловредная тварь” на протяжении всей своей долгой жизни всегда отличалась кадровой чехардой и хроническим непостоянством состава: люди приходили, уходили, возвращались… Единственным неизменным участником оставался лишь гитарист Фил Фашиана. В очередной раз кардинально поменяв состав, лидер Malevolent Creation собрался ваять тринадцатый по счёту альбом. “The 13th Beast” посвящён памяти ушедшего от нас бывшего вокалиста группы Бретта Хоффманна, который скончался от рака кишечника в прошлом году. Ну, что же, можно с уверенностью констатировать, что вливание свежей крови оказало живительное влияние на организм. На выходе мы получили очень приличный образец старорежимного американского дэта с практически каноничным флоридским саундом, несмотря на то, что микшированием занимался Дан Сванё в своей шведской берлоге. Новым вокалистом и гитаристом стал Ли Волленшлагер из Южной Африки, и могу вас заверить, что сей потомок храбрых буров более чем достойно показал себя у микрофонной стойки. Гроулинг у него, конечно, не самый утробный, но вполне убедительный и с неплохой дикцией, чем-то похож на рык Джейсона Блаховича, который был басистом-вокалистом группы в середине 90-х. Помимо прочего, Волленшлагер является единоличным автором музыки для восьми из одиннадцати песен. Это, кстати, заметно по риффовой структуре композиций и среднетемповым отрезкам, совсем не характерным для типичного скоростного угара Malevolent Creation. Про ритм-секцию в лице Джоша Гиббса и Фила Кансиллы особо ничего не скажешь, кроме того, что она профессиональна и не ударила в грязь лицом. Выделять какие-то отдельные треки – занятие в данном случае неблагодарное, ибо материал на диске целостен и монолитен. В заключение могу сказать, что “Зловредная тварь” несмотря на свой далеко не юный возраст ещё вполне активна и боеспособна, а “The 13th Beast” станет, как я думаю, серьёзной заявкой на звание альбома года в категории: “Олдскульный дэт”.
P.S. Единственная ложка дёгтя – это обложка. Ну, неужели нельзя было выбрать картинку получше, а не это отвратное убожество?

rassol  30 апр 2019

После ухода в 2008 году прекрасного гитариста и аранжировщика Стефана Эльмгрена, ничто не предвещало беды. И даже безликий "No Sacrifice, No Victory", вышедший через год после означенного события, не вызывал ужаса. Да, скука смертная, да, самоплагиат, но кто же застрахован от творческих провалов? Один раз, как говорится, не считается. Однако, надежде на второе дыхание пришлось скоропостижно скончаться после выпуска группой в 2011 году тошнотворного альбома "Infected". Инфекция, которую банда подхватила, оказалась настолько сильной, что хотелось поставить на группе крест и пойти лечиться от услышанного быстро набирающими силу Powerwolf, да проектами нестареющих Тимо Толкки или Кая Хансена (выбирайте, кому что больше по душе).

Однако, вернемся к нашим пациентам. По возвращении из стационара очень хотелось проверить их ментальное и творческое здоровье. И что вы себе думаете? Похоже, урок таки пошёл впрок. Ужасы закончились, новый альбом "(r)Evolution" вышел весьма бодрым, мелодичным и позитивным. Нельзя сказать, что группа обрела второе дыхание, но в звучании и в композиционном плане появилась определённая свежесть. Если это в принципе применимо к стилю, который я лично характеризую как традиционный пауэр с сильной примесью героичности а-ля Мановар. Хотя, скорее, под свежестью в данном случае я понимаю возврат к оригинальной стилистике и традициям.

01. "Hector's Hymn". Нормальная открывашка. Традиционное построение в духе первых двух альбомов. Красивый брейк в середине, традиционное воспевание "хаммера", который на сей раз почему-то не fall, а high... Видимо, для того, чтобы скоро снова пасть на всех пессемистов.

02. "(r)Evolution". Хорошая попытка доказать, что группа по-прежнему способна создавать яркие запоминающиеся песни, пусть и не создавая, по сути, ничего принципиально нового.

03. "Bushido". Уже была многократно прослушана несколько месяцев назад после выпуска сингла. На тот момент казалась "чудо, как хороша" и во многом определила желание дождаться цельного альбома и породила определённый кредит нового доверия группе. На поверку же, к вящей моей радости, песня оказалась далеко не самой хитовой. Что говорит о силе альбома в целом.

04. "Live Life Loud". Начало напомнило мегахит "Templars of Steel", но это быстро заканчивается в итоге возвращается к "околомановарщине". Как ни странно, в хорошем смысле этого слова. Именно такие треки, как "Живи громко", составляют процентов пятьдесят музыкального творчества шведов. И не вызывают ощущения перемотать. Ибо суть твердый качественный традиционный трек.

05. "Ex Inferis". После двух минут снова возникло чувство, что я слушаю "Templars of Steel". Положа руку на сердце, так, по сути, и есть. Не так, конечно, ярко и так хитово, но и не сильно разочаровывает.

06. "We Won't Back Down". В целом, нормальный трек, но послушайте как Канс поёт первые строки куплетов. Временами нотки мановарской трагичности вообще заставляют усомниться - он ли это? Нужно посмотреть буклет на предмет гостевых вокалов. Песня получилась явно неровной: странные куплеты продолжаются вполне традиционными припевами... Резюме: от отсутствия этого трека альбом нисколько бы не проиграл. Но есть себе - и пусть будет.

07. "Winter Is Coming". Ну куда же без баллады... Без неё будет полный незачёт. Баллады у Хаммерфолов - практически обязательная программа. До Скорпионов, конечно, далеко, но многим, уверен, нравится. Монументально, помпезно, иногда даже трогательно. Но, к сожалению, задевает мало. Но вполне допускаю, что просто я не особо люблю медляки. Видимо, в детстве переслушал. По итогам же неоднократного прослушивания песня вполне себе может угодить в топ-3 данного альбома, а то и даже в топ-5 всех баллад Хаммерфола в целом.

08. "Origins". И вот, наконец, мы добрались до самого яркого хита альбома. Ура, товарищи! Не скажу, что ожидание было утомительным, прослушивание альбома в целом весьма комфортно эволюционирует, и после лучшей (хоть и единственной) баллады на альбоме, нас ожидает лучший средней среднетемповый, а по большому счёту - и самый лучший трек альбома в целом.

09. "Tainted Metal". Весьма крепкий бодрый традиционный трек. Даже с некоторой претензией на хит. Однозначно не затерялся бы даже на лучших альбомах группы.

10. "Evil Incarnate". Второй трек, оставивший меня равнодушным. Возможно, в будущем я к нему привыкну, но пока не тронул. Вроде всё как, надо: типичный строй, типичный текст про грозного недремлющего старика Сатану, но не впечатляет.

11. "Wildfire". Симметричный начальной открывашке трек. Качественный, яркий, мелодичный, с правильным хаммерфольным брейком и не самым традиционным финалом. Не самая, кстати, типичная, для группы песня, что приятно вдвойне.

В целом, альбом вызвал у меня в основном позитивную реакцию. Возможно на восприятие накладывает сильный отпечаток моё неверие в группу после катастрофы с двумя последними альбомами. Но всё же помнят про то, как сделать человеку хорошо? Сделай ему очень плохо, а после верни всё, как было до этого... и человек станет счастливым. Так и с новым альбомом от шведских металлистов. Единственное, что несколько огорчает, то это относительная недостаточность ярких соло и проигрышей. Но чудес не бывает: главный создатель таковых ушел строить семью и присоединяется к команде только для юбилейных концертов, или типа того. Но потому и моя оценка альбому - не 10, а 8. С лёгким привкусом аванса. И с надеждой на окончательное выздоровление.

Слава богу, "инфекцию" группа, похоже, из себя изгнала. Хоть для этого и потребовалось всей бригадой уйти на продолжительный больничный длиной в три года. В целом, в альбоме скучных треков куда меньше, чем ярких, что таки неожиданно. С удовлетворением констатирую, что группа в порядке и вернула себе хорошую форму. С чем и поздравляю всех её поклонников.

ywi  24 апр 2019

К середине 70-х годов кризисные явления в мировой рок-музыкальной культуре с британских островов, где уже рушились и шли ко дну казалось бы незыблемые титаны местного хард-рока, плавно переползли и на американский континент. Панк-рок неотвратимо завоёвывал территории, некогда принадлежавшие классическому тяжёлому року, аншлаги в концертных залах всё больше собирали полуобнажённые смуглокожие красотки Дайана Росс и Донна Саммер, а тинейджеры вдохновенно отжигали на танцполе под воздушную диско-музыку от Bee Gees и The Vast Majority. И если кто-то сейчас заявит, что в Северной Америке не было тогда титулованных команд масштаба Deep Purple или Led Zeppelin, о которых стоило бы горевать, то с той стороны океана нашли бы что ответить - вы о них мало что знаете. И были бы правы: для американцев такие коллективы, как Jefferson Airplane и Iron Butterfly "весят" не меньше, чем DP или LZ для европейцев.
Но сейчас речь не о тех и не о других. Grand Funk Railroad - их история насколько показательна, настолько и поучительна.
1975 год для Марка Фарнера и компании был знаменателен тем, что по результатам неважных продаж их концертного 2LP "Caught In The Act" ("Взят с поличным") и срыва контрактных обязательств по ещё одному альбому ("Born To Die" вышел в релиз уже в январе 1976 года, а должен был быть выпущен ещё в 75-м), компания Capitol Rec. Inc. в одностороннем порядке разорвала отношения с GFR. Это повлекло за собой потерю продюсера. Да и в рядах самого квартета возникли серьёзные осложнения, никак с последними неудачами не связанные. Группа выдохлась, музыканты устали друг от друга, им уже было тесно в рамках одной команды.
Казалось, всё шло к логическому завершению, когда гибнущему коллективу подставить плечо помощи вызвался Фрэнк Заппа, гениальный и слегка ненормальный, как и всякий гений, музыкант и продюсер. На время ему каким-то образом удалось образумить музыкантов GFR и уговорить их записать ещё одну пластинку, для чего был заключён краткосрочный контракт с MCA Records. Весной 1976 года они собрались на хорошо им знакомую студию Swamp, где была наработана и записана инструментальная часть, затем на Record Plant в Лос Анджелесе дописали вокал, практически всё смикшировали сами и 2 августа 1976 года MCA Rec. запустила в реализацию новый альбом GFR с незамысловатым названием "Good Singin' Good Playin'".
Казалось бы, Ф. Заппа и рокеры этой группы - люди из разных музыкальных сфер. Но Фрэнк сумел найти понятные всем слова и зарядить их идеей попробовать сыграть не так, как они это делали всегда. И эта его идея всех увлекла.
Являясь сильным мультиинструменталистом, Заппа оказался и незаурядным продюсером и звукоинженером. А ещё гибким психологом, умело сглаживающим в ходе напряжённой студийной работы возникавшие порой в составе конфликты, как правило творческого плана. Уже значительно позже Фрэнк, делясь воспоминаниями о том времени, говорил о каждом из четверых только хорошее, благодарил их за трудолюбие и упорство, в то время как его личный вклад в создании лучшего в истории группы альбома был ничуть не меньшим. По сути Ф. Заппа был пятым участником GFR. И хотя по факту он сыграл только одну ведущую гитарную партию в "Out To Get You", но много работал непосредственно с Марком Фармером, в буквальном смысле на пальцах показывая ему ходы в сольных партиях и новые для Марка приёмы игры на гитаре.
В этой работе группа напрочь "исключила из меню" блюзовые звучания и альбом получился по-настоящему рок-н-ролльным, с мощной драйвовой энергетикой и без проходных номеров. После откровенно депрессивного предыдущего "Born To Die" музыканты основательно выложились в попытке вывернуть ситуацию в свою пользу, отбросив приёмы и тенденции, приносившие гарантированный успех в начале 70-х годов, и с подачи Ф. Заппы приняв подход live-in-the-studio. Маленький штрих в этом плане - микро-зарисовка "Big Buns" в начале вокально-инструментальной "Out To Get You".
"На их прежних альбомах...", - рассказывал Заппа одному из изданий, - "...их запродюсировали в доску! И если эта пластинка не принесёт им признания, то значит во всей Америке не осталось нормальных ушей. Это рок-н-ролльный альбом года, друзья мои! Это их ноты, их музыка, это их первый диск, на котором они действительно те, кто ини есть". В ходе записи материала Заппа предоставил каждому из четверых полную свободу действий, чего никогда не делали продюсеры GFR в прошлом. Они научились самостоятельно работать со студийным оборудованием, с микшерным пультом.
В программе альбома невероятный пронзительный вокал, словно у микрофонов стояли не Фарнер с Брюэром, а совершенно другие люди, на порядок более сильные, чем ведущие вокалисты "железнодорожников". Причём, во многих композициях они поют дуэтом, на два голоса (в припевах так вообще во всех треках), и это, надо признать, весьма впечатляет! Особенно проникновенно и органично они звучат в "Just Couldn't Wait" и роскошной рок-балладе "Miss My Baby". Более того, на бэк-вокале задействованы и басист Мел Шахер и даже пианист Крейг Фрост, который вообще петь не умел. Основные усилия в написании материала, как и прежде, приложил М. Фарнер (8 песен из 10 - его творения; ещё одна композиция "Can You Dig It" - кавер-версия хита 1964 года негритянского состава The Contours), однако вокальные партии они с Доном Брюэром исполнили примерно поровну.
В своей песенной поэзии М. Фарнер на сей раз вновь обратился (как это он регулярно делал на стыке 60-70-х годов) к социально-политической тематике. О чём напрямую говорят названия некоторых песен, как, скажем, "Don't Let 'Em Take Your Gun" ("Не позволь им забрать твоё оружие"). Или, допустим, мало что значащее для нас "1976", но без разъяснений понятное любому американцу. В том году Соединённые Штаты отмечали своё 200-летие.
Много лет спустя все как один музыканты группы с теплотой и ностальгией отзывались о том времени, что они потратили на работу над этой пластинкой. Однако, когда подошёл к концу процесс сведения записанного материала, а менеджмент GFR, не сомневающийся в непременном успехе будущего альбома, уже планировал маршруты предстоящих гастролей, разговоры о расставании вспыхнули вновь. Фрэнк Заппа вспоминал о той крайней ночи, когда до четырёх часов утра пытался переубедить парней не делать этого... Всё было напрасно.

Кто-то когда-то сказал: даже победоносное сражение не может совсем обойтись без потерь. Весь вопрос в весомости этих потерь.
Grand Funk Railroad сделали великолепнейший альбом. Это была их большая победа. Однако потери от той победы оказались несовместимыми с жизнью. Группа распалась, о чём потом каждый из четверых сожалел. И даже когда в 1980 году Марк Фарнер и Дон Брюэр реанимировали GFR, их усилий вернуть группу на былые позиции без Мела Шахера и Крейга Фроста оказалось недостаточно.

МихаилБогданов  23 апр 2019

Пожалуй, именно 1993 год был наиболее богат на знаковые альбомы в жанре техно-дэт: Cynic, Death, Atheist, Sadist, Pestilence, Gorguts... Но для меня именно данный альбом является не только лучшей записью 1993 года в этом направлении, но и вообще краеугольным камнем всего истинного олдскульного техно-дэта. Спродюсирован он, кстати, легендарным Скоттом Бёрнсом в студии Morrisound.
В этом альбоме всё классно: и сюрреалистическая обложка (что-то посередине между Босхом и Дали), и вокал (Стефан Бюрье отлично и гроулит, и злобно хрипит, и изредка поёт чисто), и умное, интеллигентное, выверенное почти до миллиметра звучание (хотя баса можно было бы и добавить-таки), но главное - сами песни! Почти все великолепные, яркие и непохожие друг на друга. Да, лично для меня номера 1, 3 и 6 не так убойны, как остальные (ну и трек 4 полноценной песней считать нельзя), но всё равно это не умаляет сочинительских достоинств ребят. Соло все к месту и красивые, никакого гитародрочерства нет и в помине, никто из музыкантов не тянет одеяло на себя. Нет и никакого заумствования и самолюбования, какие порой были у их заокеанских коллег даже в то время (не говоря уже про нынешние творения в этом жанре), всё слушается очень легко и, я бы сказал, "честно".
В 1993 году они выпустили также и хороший миньон "Cross the Threshold", выдержанный в том же стиле, а вот после уже пошли гораздо худшие работы, к сожалению, ни в какое сравнение не идущие с обозреваемым шедевром (в т.ч. и две новые работы, вышедшие после довольно долгого молчания).
Пару баллов снимаю только из-за того, что упомянутые 3 песни, на мой взгляд, послабее остальных, и несмотря на это альбом - просто сокровище для всех ценителей жанра!

Equitant  21 апр 2019

В последние пару лет Kruger стали какими-то завидно плодовитыми. Выпустили отличный альбом в прошлом году, выпустили прекрасный альбом в начале этого года... и вот опять - новый альбом! И если "Созвездия фар" слушался весьма привычно, вполне себе вписываясь в стилистику последних лет, то "Свирепый пёс" являет собой нечто более обособленное.

Я не раз встречал мнение, что лучше бы группа придерживалась стилистики первых двух альбомов. "Рождённый мраком" и "Эмбрион" были весьма смелыми записями на фоне выходивших в конце 80-ых отечественных релизов в жанре Metal. Однако, время показало, что группа смогла найти своё уникальное звучание, сочетая в своём стиле как тяжесть и мелодику, так и невероятно закрученные соло.

Но несмотря на вышесказанное, Kruger всегда стремились не только развиваться музыкально, но и поддерживать связь со своей аудиторией, прислушиваясь к пожеланиям фанатов. И в этот раз коллектив решил порадовать своих олдскульных слушателей, а потому "Свирепый пёс" по звучанию получился куда как ближе к самым первым двум альбомам. Собственно, первый же трек "Воины Света из Адского Пекла" вполне себе вписался бы в трек-лист "Рождённый мраком" или "Эмбрион".

Одним возвращением к корням история не закончилась. Как я уже писал, группа сочетает в своём стиле как тяжесть и мелодику, так и невероятно закрученные соло. Поэтому одним брутальным Thrash Metal "Свирепый пёс" не ограничен. Ограничения не коснулись и лирической составляющей. Более того, текста получились весьма хулиганскими, непривычно хулиганскими для Kruger, но вполне себе в рамках жанра. Я бы даже сказал, что по духу группа оказалась близка как никогда к Motorhead, которые не стеснялись петь на самые разные, даже непопулярные темы.

В общем и целом, альбом оставил приятное, очень благостное впечатление. Под "Свирепый пёс" можно и башкой потрясти, и пивка попить. И вообще, релиз очень сильно поднимает настроение. Такого количества позитива от прослушивания музыки я не получал уже давно, за что спасибо коллективу.

Exceptional  20 апр 2019

Случилось это в 1982-м году. Музыканты Supertramp, в составе которого ещё вовсю креативил Роджер Ходжсон, готовили программу для альбома "...Famous Last Words". 10-минутное Demo "Brother Where You Bound" рассматривалось как потенциальный трек для этой пластинки, но после недолгих обсуждений было решено не включать эту композицию в трек-лист. По той простой причине, что она не вписывалась в концепцию будущего альбома.
А в 1983-м Р. Ходжсон выбыл из состава группы, отправившись в одиночное творческое плавание. Это событие надолго выбило Supertramр из состояния равновесия - уж слишком ощутима оказалась потеря. Ощутима настолько, что даже полтора года спустя для студийной работы над следующим LP Рик Дэвис, непререкаемый авторитет в составе команды, был вынужден созвать в помощь с десяток серьёзных музыкантов.

В этом месте я призадумался - каким путём следовать дальше, продолжая этот обзор. Можно бы было посвятить его весь непосредственно музыке и этим ограничиться, она того стоит. Или же порассуждать о том, что за события сопутствовали созданию и выходу альбома, помня о том, что в любом случае неизбежно придётся его оценивать. Можно, конечно же, попытаться совместить эти две задачи не вылезая за разумные рамки. Попробую, возможно и справлюсь.

Итак, отверженная два года назад заготовка с названием "Brother Where You Bound" стала стержневым звеном, базовым элементом нового альбома группы Supertramp. А заложенная в том треке идея получила развитие, оформившись в концепцию для всей программы. Внимательный слушатель в этом теперь уже 16-минутном эпосе должен услышать немало любопытного. Первым делом это нечто едва ощутимо "пинкфлойдовское". И не только потому, что гитарные партии в этом номере исполнены Дэвидом Гилмором (вместе со Скоттом Горэмом, гитаристом Thin Lizzy), что уже само по себе кое-что объясняет. Это и затронутая в этой композиции тема "холодной войны", которую Pink Floyd нередко "обыгрывали" в своих работах. Это и будто бы сложенное из отдельных мелодических фрагментов композиционное построение с меняющимися ритмами, последовательными импровизационными отрезками гитаристов, саксофониста Дж. Хеллиуэла и, разумеется, клавишных Рика Дэвиса во всём их многообразии, что характерно и для PF той поры (достаточно вспомнить их альбом "The Final Cut", 1983 г.). Это и обилие различных звуковых и шумовых эффектов в духе тех же Пинк Флойд.
Но вот что ещё было замечено и отмечено музыковедами и критиками в разного рода изданиях. В этом разнообразии стилей, мешанине темпов и ритмов, эти люди услышали вкрапления танцевальных мелодий. Сознаюсь, что за тридцать лет, что я время от времени слушаю эту "супертрэмповскую" работу, подобное мне даже в голову не приходило. Журналисты же и критики усматривают в этом тенденцию, которая по их мнению обозначилась ещё на пластинке 1982 года "...Famous Last Words". Не стану это комментировать.
Кстати, премьера альбома "Brother..." была организована для нескольких десятков избранных представителей масс-медиа, которым был зафрахтован спецрейс на "Восточном экспрессе" по маршруту Париж - Венеция, где всем этим уважаемым людям показали ещё и 20-минутное видео, посвящённое титульному треку.
Отзывы от услышанного и увиденного были на редкость позитивными, акцентировалось, что подобных работ (напомню, это была середина 80-х годов) определённо недостаёт. Особо были отмечены "кристаллический звук", сильные выступления приглашённых музыкантов и сложность композиций. Музыка для гурманов, но не только. Группу хвалили, что она приняла смелое и где-то даже новаторское решение исполнить программу альбома в "прог-поп-рок" звучании, где со всей очевидностью прослеживаются ритмично-танцевальные мотивы, и что это не есть плохо. И что вероятно это огорчит и расстроит старых поклонников Supertramp, но неизбежно привлечёт к этой их музыке новых. Таков был лейтмотив самых первых публикаций.
Как всем нам известно, именно средства массовой информации, обладая приоритетным правом голоса, формировали в те времена общественное мнение и в известной степени влияли на успешность или неуспешность как музыкальных коллективов, так и их работ. Сложно сейчас судить о том, насколько тогда огорчились старые поклонники группы и как долго они были неутешны, я себя к их числу никогда не относил. А музыка Supertramp действительно претерпела заметные метаморфозы.
Стартовая "Cannonball" ("Пушечное ядро"), самая рейтинговая вещь этого альбома (входила в Тор-30 десятков европейских и не только стран), действительно звучит, если вдуматься, в джаз-танцевальных ритмах. Нечто подобное фрагментарно можно услышать и в "Better Days", в композиции с серьёзным и даже суровым сюжетом, наполненной звуковыми эффектами, где танцевально-джазовые мотивы накладываются на некую словесную пикировку четырёх ключевых участников президентской компании 1984 года в Штатах. Отсутствие Роджера Ходжсона особенно ощутимо в меланхоличной, почти депрессивной "No Inbetween", где в основном тревожно звучат клавишные и каменный вокал Рика Дэвиса. Покинув группу, Ходжсон вынудил Дэвиса в одиночку писать музыку, сочинять к ней тексты и по мере возможности петь. Почему-то никому не пришло в голову в плане хоть какого-нибудь мажорного диссонанса использовать бэк-вокалистов. Завершающая программу эпитафия "Ever Open Door" - это по-сути сольный номер Р. Дэвиса без участия других музыкантов. Не самое весёлое окончание.

В специальном обзоре Prog Sphere когда-то было сказано (цитата): "Brother Where You Bound" является ярким примером расширенного и продвинутого "прога" в своём лучшем виде и поэтому настоятельно рекомендуется всем, кроме тех поклонников "prog", которые считают "рор" чем-то плохим". Что тут ещё добавишь?

МихаилБогданов  15 апр 2019

Новый релиз Eluveitie поклонники ждали так же упорно и самоотверженно, как, вероятно, в свое время читателями ожидался выход заключительной части трилогии другого великого швейцарца. Да так устали от затянувшегося ожидания, что по мере выхода синглов успели если не переругаться, то, как минимум достаточно поспорить. Ведь как и в случае с великой трилогией – неизвестно, закончится ли ожидание хэппи-эндом.

Да что тут говорить, любая команда, обладающая столь всеобъемлющей любовью поклонников, в определенный период времени проходит буквально через огонь, воду и медные трубы. Первое пламя вспыхнуло несколько лет назад, когда было объявлено о тотальной смене состава с сохранением на своих позициях лишь бессменного лидера Chrigel Glanzmann'a и бас-гитариста Kay Brem'a. С тех пор немало воды утекло, и при участии новых музыкантов был выпущен полуакустический альбом, послуживший продолжением релиза 2009 года «Evocation». Однако одной лишь акустикой слушателей не купишь, она требует «хлеба и зрелищ», что в данном случае есть фолк и мелодический дэт-метал.

Первый сингл "Rebirth", очевидно, был выбран неслучайно и даже чересчур символично. Собственно, это «возрождение», как и сам альбом, должны были диагностировать, жив пациент или скорее мертв, как тот галльский язык, который используют музыканты в своем творчестве. Как показало дальнейшее прослушивание, группа, к счастью, живее всех живых.

Открывает пластинку одноименная композиция "Ategnatos". Мужской монолог в начале и эпическое интро – всё что нужно, чтобы с размахом начать как альбом, так и последующие лайвы в его поддержку. Заданная стилистика вызвала приятные воспоминания об одном из самых успешных полноформатников группы – "Slania". Однако, несмотря на внешнее сходство с альбомом 2008-го года, общий саунд изменился, что читается как в тяжелых вещах ("Mine Is The Fury", "Worship"), так и в «попсе» ("Ambiramus", "Breathe"). Изменилось и звучание колесной лиры. Трэк "Worship" тому пример – здесь инструмент задает адскую инфернальность и драматизм. К слову, к созданию этого трэка был также привлечен небезызвестный вокалист Lamb of God Randall Blythe. Вероятно, благодаря ему "Worship" стала самой тяжелой композицией на пластинке.

Многие фишки предыдущих релизов группа повторила и в "Ategnatos", однако в сравнении с тем же "Origins", здесь они лишены мелких шероховатостей и их нельзя назвать штампами. Тут уж каждый выбирает сам, тратить ли время на выискивание скопированных нот или наслаждаться оригинальным почерком коллектива. Eluveitie не только «самоплагиатом» заигрывает с поклонникам, но выбирает достаточно хайповые темы для своих трэков, в частности название "Mine Is The Fury" практически слово в слово повторяет девиз дома Баратеонов из сериала «Игра престолов», выход финального сезона которого запланирован на тот же апрель 2019.
Не обошлось и без очевидно спорных моментов, например, таких как гитарное соло в "Black Water Dawn". Тут уж, как говорится, «что написано пером», однако уместность его в конкретной композиции вызывает вопросы. Пожалуй, к спорным моментам также можно отнести вокал Fabienne Erni, который не избежал сравнений с предыдущей вокалисткой Anna Murphy. Да, манера исполнения первой более эстрадна, нежели андеграудный вокал предшественницы. Вероятно, именно по этой причине "Ambiramus" и напрашивается на конкурс Евровидение, чего ранее не случалось с "The Call if the Mountains" и "A Rose For Epona". Тем не менее, голос Fabienne обладает широким диапазоном, она умело использует различные вокальные техники и с легкостью берет высокие ноты. Кроме того, появление в группе Fabienne позволило добавить новый инструмент – кельтскую арфу, чье волшебное звучание в полной мере раскрылось во вступлении к "The Slumber".

Говоря об оформлении альбома, который вышел также и на виниле, стоит упомянуть о венчающем обложку излюбленном персонаже гельветов – вороне. Он же появляется и в двух клипах, выпущенных незадолго до официального релиза - "Ategnatos" и "Ambiramus". Мрачные темно-синие оттенки для колористики восьмого полноформатника оказались подобраны как нельзя удачно, и если бы можно было увидеть краски музыкального полотна, они были бы такими же иссиня-черными.

Альбом получился сложным, многогранным и цепляющим, чего нельзя с такой легкостью сказать о предыдущих релизах. Хоры, струнный квартет и галльские напевы отсылают к эпохальным альбомам группы, что не может не растрогать олдскульных фанатов. Цельное и продуманное полотно вполне заслуженно получает высший балл.

Zorachka  13 апр 2019

Честно говоря, не знаю, радоваться или плакать от того, что у великого и ныне покойного Ронни Джеймса Дио появилось столько последователей - Нильс Патрик Йоханссон (Astral Doors), Джо Амор (ex-Nightmare), Диего Вальдес (ex-Helker), Ронни Ромеро (ex- Lords of Black)… А сегодня речь пойдет о Яннисе Папаниколау - еще одном вокалисте, который, без сомнения, вдохновлялся творчеством отца хэви-метала.

Греки Diviner не особо известны в наших краях, да и образовалась эта группа относительно недавно – в 2011 году. В дискографии команды на сегодняшний день насчитывается всего один альбом, но зато какой!

«Fallen Empires» - прекрасный образец того, как классический хэви 80-х должен звучать в наши дни. Крепко сбитый, среднетемповый, с жесткими, чуть ли не трешевыми риффами, и с довольно сложной структурой самих композиций – этот диск цепляет буквально с первого прослушивания. Весь материал довольно хитовый, сложно выделить какие-то отдельные треки.

Открывающая пластинку эпичная вещь «Fallen Empires» сразу же врезается в память благодаря запоминающемуся припеву.
Следующая за ней «Kingdom Come» также очень хороша, она во всей красе демонстрирует невероятно мощный и немного грубоватый голос Папаниколау.
Под номером три идет достаточно забойная песенка «Evilizer», а распевная «Riders From The East» - без сомнения, одна из самых лучших композиций альбома.
Еще два стопроцентных хита – «The Legend Goes On» и «Come Into My Glory». Если бы эти гимны увидели свет в 80-е, то у Manowar точно появились бы серьезные конкуренты.
«Seven Gates» и «The Shadow And The Dark» на звание шедевров не претендуют, но слушаются с интересом и желания перемотать вперед не вызывают.
А вот дальше нас ждет еще один приятный сюрприз – хитовая вещица «Sacred War». Стоит всего один раз услышать эту песню, и её припев еще очень долго будет крутиться в вашей голове.
Закрывающий альбом длинный эпик «Out In The Abyss» также оставляет весьма положительное впечатление и навевает воспоминания о знаменитых немцах Running Wild.

В общем, мой вердикт таков: если вы уважаете хард-н-хэви старой школы, то вы точно пришли по адресу. Любителям же современных пауэрных соплей эта пластинка вряд ли придется по душе.

Elena_Kalistka  12 апр 2019

Как только речь заходит о Silencer, так сразу же многие любят упомянуть о том, какой же в этом альбоме шизоидный и жуткий вокал, и что такого больше ни у кого нет. Действительно, подобного вокала я больше ни у кого не припомню, а на момент выхода альбома аналогов не было уж точно. Только вот мне, почему-то, он не кажется шизоидным и жутким голосом, который якобы делает музыку Silencer неким фильмом ужасов для ушей. Вокал тут ужасно визгливый и раздражающий. И вызывает он просто отторжение, а не чувство какой-либо шизоидной или страшной атмосферы.

Лично я считаю, что если бы не эти все слухи про Наттрамна (большая часть из которых - бред и понты), то и число довольных его вокалом было бы куда меньше. Просто когда вокруг Silencer массово ходят разговоры о том, какая это жуткая и замогильная музыка, то некоторые люди вольно-невольно начинают сами себя убеждать в этом. И на момент прослушивания сами испытывают надуманное восхищение от якобы мастерски воплощенной шизоидной атмосферы.
По мне же, его вокал - это просто раздражающие визги. А хотите настоящей больной атмосферы - послушайте Malvery или Sortsind, к примеру.

Инструментальная же часть альбома действительно хороша, тут не придраться. Особенно учитывая то, сколько лет назад это было написано. Тогда стиль только зарождался и музыка на этом альбоме действительно уникальна. Leere - талантливейший композитор, очень жаль, что ушел из музыки. И, как раз таки, именно инструментальная часть этого альбома действительно создает некую жуткую и депрессивную атмосферу, ей это удается на все 100.

В общем, исключительно из уважения к композиторскому таланту Leere ставлю неплохую оценку. Альбом это, во многом, вытягивает. А Наттрамн тут явно лишний, хотя и он не бездарь, но свой талант он проявил в сольном проекте - Diagnose: Lebensgefahr. Там получилась вполне оригинальная и интересная музыка, своеобразная, а Silencer он только подпортил своими визгами.

Avant Garde  11 апр 2019

Я всегда с подозрениями относился ко всякого рода коллаборациям. И в данном случае моё чутьё меня не подвело. Итак, Дэвид Винсент (Morbid Angel) у микрофона, Фло Мунье (Cryptopsy) за ударными и гитарист Руне Эриксен, он же “Бласфемер”, из Mayhem. От этой троицы всемирно известных деятелей тяжелой сцены можно было ожидать чего угодно. Тем более, учитывая музыкальные метания Винсента от дэта до индастриэла, который он играл со своей жёнушкой, и кантри; дэткоровые закидоны канадцев и периодическую шизофреничность Mayhem. В принципе, я предполагал, что нас может ожидать какой-нибудь крайне сложноструктурированный и мозголомный блэк-дэт в духе австралийцев Portal, тем более обложка была выполнена как раз в духе последних. Да и название альбома Vltimas можно вольно перевести как “Нечто ебанутое на марше”. Что ж, мои предположения оправдались лишь отчасти, точнее, исключительно в плане общей стилистики. Да, товарищи, это блэк-дэт. Только совсем не сложноструктурированный и не мозголомный, как я писал выше, а крайне тупой, бессмысленный и скучный. На “Something Wicked Marches In” банально нечего слушать, и уху зацепиться практически не за что. Винсент, которого я всегда считал и считаю довольно посредственным вокалистом в рамках дэта, несмотря на все его заслуги на классике Morbid Angel, пытается рявкать как в лучшие годы. Но получается у него из рук вон плохо: ни нормального гроула, ни экспрессии, которая когда-то его отличала. Халтура, одним словом. Мунье, известный своей техничной, скоростной и филигранной работой за установкой, тоже не продемонстрировал свои навыки отличного барабанщика. Стучит и стучит, как миллионы других, периодически выдавая форменную тупость и примитив, даже обидно немного. Бласфемер нарезает скучные риффы, которые серым и невыразительным потоком проносятся, то замедляясь, то ускоряясь, но совершенно не оседая в памяти. Вся эта гитарная серость время от времени получает огневую поддержку в виде бластбитной канонады от Мунье, но музыка коллектива от этого лучше не становится. Единственным светлым пятном в этом болоте стали "Diabolus Est Sanguis", на которой музыканты внезапно "выдали стране угля", но почему-то вдруг решили угробить весь угар ненужными распевками Винсента, и гитарное соло в последней композиции. Совершенно ненужный диск, совершенно ненужного проекта. Как говаривал сын турецкоподданого: “Скучно, девушки!”

rassol  11 апр 2019

Творчество группы Behemoth, грубо говоря, можно разделить на 3 периода:
1. С начала карьеры по 1998. Тогда они играли весьма посредственные вещи, что бы там не говорили трушники. И я совсем не против блэка с грязным, сырым звучанием, пейган-блэка и всего такого. Но именно у Бегемотов он выходил весьма посредственным. Релизы, выдержанные в данном стиле, особо никто не помнит, даже любители true и пейгана их не котируют особо.
2. Период 1999-2007. Преимущественно блэк-дэт, в котором частенько перевес случался в сторону дэта. Именно переход в это направление в 1999 и прославил группу (в частности, Дарского). Если бы продолжили играть то, что было изначально, то скорее всего стали бы одной из весьма обычных блэковых групп Польши, не более того.
3. С 2014 по сей день. Ну тут, думаю понятно. Смягчение звучания, упор на атмосферу, ориентированность на более широкую аудиторию, упор на коммерцию, отсутствие "мясных" ударных.

А вот "Evangelion" - это золотая середина между пунктами 2 и 3. На этом релизе уже появилась атмосферная составляющая, характерная для позднего периода (на ранних альбомах такое тоже было конечно, но лишь местами), но и звучание до такой степени музыканты не смягчили. Жесткие ударные, характерные для пункта 2 присутствуют. Кстати, тут музыканты крайне удачно умудрились совместить и атмосферу, и жесткие ударные, чего не удавалось сделать ни на одном другом релизе. Доказали, что это не взаимоисключающие вещи. Яркие примеры: "Shemaforash", "Ov Fire And The Void", "He Who Breeds Pestilence" и "Alas, Lord Is Upon Me".

Также стоит отметить и отлично проработанное, качественное звучание. Отличный вокал - рык, звучащий агрессивно и мрачно, но при этом естественно. Нет ощущения некой "пластмассовости", которая была на "The Apostasy"; излишней брутальности, как на "Demigod", которая делала вокал хоть и яростным, но не очень естественным. По сравнению с остальными альбомами того периода, тоже преимуществ много.

В общем, если кратко обрисовать ситуацию, то этот диск вобрал в себя максимум достоинств обоих этапов творчества, а также тут нет недостатков, характерных для той или другой эры. Вершина творчества великой группы.

Avant Garde  11 апр 2019

Предыдущие 2 альбома были действительно выдающимися вещами. На них Мария, можно сказать, нашла себя. Делала то, что у нее лучше всего выходит, и в чем она может лучше всего себя проявить. Но понятное дело, что скатываться в штамповку, придерживаясь одного и того же курса - это тоже не есть хорошо.

И вот, случилась перемена стиля - "Ritual". В отличие от двух предыдущих релизов, где был сделан упор на драйв, агрессию и сексуальность, тут все песни, в той или иной степени, пропитаны мистической атмосферой, что собственно логично, учитывая название и обложку. Есть, конечно, "Roots", например, которая выполнена частично в духе предыдущих двух альбомов, но в ней всё равно что-то такое мистическое чувствуется. За общую атмосферу и звучание, кстати, можно похвалить Марию и Ко - слушать альбом целиком доставляет большое удовольствие.

Есть, конечно, у диска некая проблема. И заключается она в том, что если Мария и решила перейти от секса и агрессии к мистике, то не надо было забывать об эпатаже совсем. Да, можно было бы и без эротики обойтись, но заменить ее на какой-нибудь по-настоящему темный и "черный" оккультный имидж. Это касается и звучания (можно было бы сделать его и потяжелее), и текстов, и шоу. А так... можно, в какой-то степени, расценивать это и как начинающееся угасание, а не только смену курса. Но катастрофы пока не произошло, конечно, просто есть небольшие погрешности.

В целом, альбом выполнен вполне качественно и добросовестно, целостно. Явно лучше весьма посредственных работ 2007-2010 (кто бы что не говорил, но если бы не перемена курса в 2012, то In This Moment так бы и остались просто одной из хоть и не отстойных ,но ничем особо не примечательных групп, без индивидуальной манеры исполнения, без шоу и без имиджа), хотя и уступает "Blood" и "Black Widow".

Avant Garde  11 апр 2019

В конце 2017 года Мэнсона в интервью попросили составить ТОП из своих альбомов. Так вот, самым значимым альбомом в своей карьере он назвал именно "Holy Wood". И охарактеризовал его, как "гранату, брошенную в общество". Во многом это действительно так (хотя лично я считаю главным его альбомом "Antichrist Superstar"), ведь альбом был своеобразным ответом на безосновательные обвинения Мэнсона в расстреле школы Колумбайн. Ответом, который стал также и триумфальным возвращением Мэнсона на сцену. Ведь альбом действительно триумфален, тут и общая индивидуальная атмосфера, и проработанная сюжетная линия (которая явно сложнее и длиннее, чем в "Мechanical Animals", и ничем не хуже, чем в "Antichrist Superstar"), и разноплановость.

Кстати, насчет разноплановости, тут стоит отметить то же достоинство, что и на пресловутом "AS" - песни совершенно разные по настроению, но все они, при этом, ощущаются единым целым (про "MA", конечно, можно сказать так же - единое целое, но там не было настолько отличающихся друг от друга песен, как на "AS" и "HW"). Прекрасно чувствуется общая атмосфера даже у таких треков, как "The Fight Song" и "Count to Six and Die". По поводу того, что кое-какие умники пытаются заявлять, что последние 3 коротких песни непонятны и не нужны - это абсурд. "HW" - это картина, в которой все краски на своем месте и каждый оттенок что-то собой несет. Эти песни являются очень значимыми как в музыкальном плане, так и по тексту, независимо от того, нравятся они кому-то лично или нет - это уже вкусовщина.

Историю альбома переписывать тут не буду - у STARFACKER'a это очень хорошо получилось, а пересказывать то же самое смысла не вижу. Добавлю лишь, что концепция поражает своей проработанностью, отсылками и метафорами. Музыка и вокал дает целиком и полностью проникнуться этой историей, а также всем спектром чувств, что передает этот манифест против тупости и лицемерия общества. Крайне рекомендую всем, кто еще этого не сделал, прослушать как-нибудь альбом целиком.

К тому же, к достоинствам альбома можно отнести то, что он отличается от остальных и имеет свою собственную атмосферу. Да, "HW" часто называют последователем "AS", но мне с этим сложно согласиться. Конечно, оба альбома относятся к индастриал-металу, ну так он во всех релизах ММ присутствует, в той или иной степени, но с совершенно разными оттенками.
"HW" - это индастриал метал с готической примесью, в целом звучание местами тяжелое, местами мрачное и романтичное, а во многих песнях и то, и иное сразу.
"AS" же - это индастриал-метал с грязным звучанием и нойзовыми элементами, определенная часть песен которого исполнена не просто в агрессивной и тяжелой манере, а просто бешеной, с неконтролируемой яростью. Конечно, чисто по инструменталу "Burning Flag", например, более тяжелая, нежели что угодно из "AS", да и вообще из всей дискографии Мэнсона, но по манере исполнения, в целом, даже ей не тягаться с некоторыми треками "Антихриста". По поводу более спокойных треков - тоже есть различия. Если в "HW" таковые мрачны и романтичны, то в "AS" они криповые и жуткие. Есть конечно кое-какие параллели, но их немного.
Учитывая всё это, я с уверенностью скажу, что сходство этих альбомов порой сильно преувеличивают. Различий в них определенно хватает, и это радует. Ведь разноплановость дискографии - это то, чем славится Мэнсон.

Avant Garde   9 апр 2019

"Lest We Forget – The Best Of" - это сборник самых ярких вещей в карьере Мэнсона, выпущенных с 1994 по 2003. Единственным новым треком на диске является кавер на "Personal Jesus" - песню группы Depeche Mode. Также к новшествам можно отнести то, что песни "Tourniquet" и "The Beautiful People" были отредактированы, и звучат немного иначе, чем в оригинале.

Первоначально данный релиз задумывался Мэнсоном, как прощальный. В конце 2004, через месяц после релиза, стартовало турне Aganist All Gods в поддержку сборника, которое изначально задумывалось как сугубо американское, но потом было расширено на весь мир. Несмотря на то, что данный релиз представляет из себя просто сборник, "LWF" - это всё же отдельный период в карьере Мэнсона, в который он имел свой собственный образ - образ Черной Смерти. ММ детально изучал причины возникновения Чёрной Смерти и её влияние на искусство и общество. На концертах он одевался в костюмы, которые имели сходство с одеждой "чумных врачей", а также с с помощью люстры "освящал" сцену перед началом выступления, изображая манипуляции с кадилом.

Тур в поддержку сборника закончился 31 августа 2005 года, именно тогда должна была закончиться и карьера Мэнсона, как музыканта. В интервью того времени он заявлял, что потерял вдохновение и не видит смысла заниматься музыкой, планирует уйти в кинематограф, а также уделять больше времени написанию картин. Также подобным заявлениям способствовало то, что в конце этого года он женился на своей девушке - модели Дите фон Тиз, с которой был в отношениях с 2001. После заключения брака Мэнсон планировал жить более спокойной и размеренной жизнью, однако этого не произошло. 29 декабря 2006 года Дита подала на развод, что и подтолкнуло Великого и Ужасного на запись нового полноформатника - "Eat Me, Drink Me".

Подборка песен, в целом, вполне объективна и содержит действительно хиты, которые достигли успеха в чартах, полюбились многим людям, в том числе и тем, кто фанатами Мэнсона не является, большинство представленных треков также являются неотъемлемой частью концертов.
Только вот мне не очень понятно что тут делают "The Love Song", "Get Your Gunn" и "The Reflecting God". Ни в коем случае не говорю, что песни плохи - они отличные, но хороших песен у Мэнсона много, а тут всё же сборник именно хитов. На них эти 3 трека явно не тянут, их можно просто назвать удачными композициями. А вот "(s)AINT" и "Coma White", которые, почему-то, оказались лишь среди бонус-треков, явно превосходят их по популярности и куда сильнее любимы аудиторией, третьей же заменой вполне могла бы стать "Great Big White World", которая также очень любима многими и на концертах исполнялась постоянно.
Сразу хочу сказать, что я ни в коем случае не пытаюсь "собрать" этот сборник из своих предпочтений. Просто рассуждаю объективно, основываясь на успехе песен в целом.

В общем, вполне себе хороший сборник, хотя и не идеальный, по вышеописанной причине. Тем более, учитывая что "LWF" задумывался Мэнсоном как что-то, что подведет черту в его карьере и поставит жирную точку, можно было бы более ответственно подойти к выбору песен и "отполировать" диск до идеального состояния. А, в целом, хороший релиз. Особенно подходящий для прослушивания тем, кто не знаком с творчеством ММ, и желает это исправить.

Avant Garde   8 апр 2019

Уже после выпуска "Smells Like Children" (конечно, речь, в первую очередь о сингле "Sweet Dreams" и клипе на него) в 1995 тем, кто был более-менее в курсе того кто такой Мэнсон, стало понятно, что он намерен занять серьезную позицию в музыкальной индустрии и уверенно идет к этому.

Но вот, через год выходит не просто успешный релиз, а без преувеличения, один из лучших альбомов в тяжелой музыке - "Antichrist Superstar"!
Этот альбом может, конечно, кому-то лично и не нравится, но, как по мне, отрицать его культовость = ничего не понимать в стиле. "AS" - это не просто альбом с хорошими песнями, а целиком и полностью проработанное, цельное произведение, где одна песня является продолжением другой, как по тексту, так и музыкально. Поэтому всем, кто хочет как следует с ним ознакомиться, я бы советовал слушать песни именно по порядку. Также стоит отметить, что во всех песнях, независимо от того бешеная это "1996" или спокойная "Cryptorchid", чувствуется что-то общее. Выдержанная атмосфера агрессии, мрака, ненависти, грязи, отчаяния, и местами жути. "Antichrist Superstar" словно выворачивает слушателя наизнанку. В нем есть ненависть в чистом виде, совершенно неуправляемая и искренняя. И то, что альбом относится далеко не к самому тяжелому стилю в музыке, не мешает ему быть крайне и крайне агрессивным. Я, кстати, очень хорошо знаком с блэк- и дэт-металом, но всё же с уверенностью скажу, что "Антихрист" - концентрация ярости. А грязное звучание отлично дополняет всё вышеперечисленное.

Все тексты на высшем уровне. Целиком они отлично дополняют друг друга, образуют проработанную и очень интересную сюжетную линию, в которую хочется вникать. И в такие моменты очень жалеешь, что не можешь нормально понимать английский, ведь тогда удовольствие от прослушивания таких шедевров значительно возрастало бы.

Безусловно, это лучший альбом Мэнсона. Хотя в моем личном ТОП'е он на 3 месте, но это уже вкусовщина, а если взглянуть объективно, то он однозначно лучший. В музыкальной индустрии он является куда более значимым явлением, нежели любой другой диск Мэнсона. Если брать тексты и концепцию, то конечно "Holy Wood" ему не уступает, но с другой стороны, "HW" создавался уже в момент пика славы ММ, и он понимал что концепцию на предыдущих двух дисках оценили по достоинству, значит надо было в очередной раз постараться создать что-то в этом духе. Ни в коем случае не говорю, что "Mechanical Animals" или "Holy Wood" плохи, но "AS" - это более искренняя, оригинальная работа.

Отдельно скажу про песни "Apple of Sodom", "Long Hard Road Out of Hell" и "The Suck for You Solution". Не советую из-за того, что они оказались бонус-треками, не придавать им значения. Они ничем не уступают многим основным песням альбома, настоятельно рекомендую их оценить. Также они обладают абсолютно той же атмосферой и звучанием, что и основные треки. Лично для меня эти 3 песни являются неотъемлемой частью "AS".
А вот треки "Piss in the Wound" и "Suicide Snowman" постигла более печальная участь - они вообще не были выпущены официально, хотя на демо-версии "AS" присутствовали. Тоже рекомендую ознакомиться с ними - весьма любопытные композиции. Крайне драйвовой песне "Astonishing Panorama Of The Endtimes", демо которой тоже там присутствовало, повезло куда больше - она все же была официально выпущена в 1999, хоть и очень сильно доработана, да так, что по звучанию стала ближе к выпущенному через год "Holy Wood", так что к "AS" относится косвенно, но всё же относится.

И я понимаю, что причина того, что вышеописанное не вошло в альбом, кроется во вместимости CD. Но тогда возникает другой вопрос: зачем было делать такое длинное вступление в "Irresponsible Hate Anthem", и такие длинные концовки в "Antichrist Superstar" и "Man That You Fear"? Зачем было включать в альбом оутро "Track 99"? Я понимаю, что вышеперечисленные вещи не назовешь лишними и они имею свой смысл в общей картине, но разве они ценнее какой-нибудь полноценной песни, которую можно было бы еще включить в альбом? На мой взгляд, выбор тут очевиден. Увы, Мэнсон решил иначе.

Но это так, рассуждения из разряда того, как можно было бы и так в безусловный шедевр добавить что-то. Даже учитывая то, что этого не было сделано, я не могу поставить альбому меньше чем 10 из 10. Это настоящее произведение искусства!

Avant Garde   8 апр 2019

Высокие ставки, на которые менеджмент Slade, музыканты и производители фильма "In Flame" с режиссёром Ричардом Лонкрэйном, возлагали большие надежды, в Штатах не сыграли. Ожидания от фильма, что он произведёт фурор, как с десяток лет тому назад это получилось у "битловского" "A Hard Day's Night", ещё чёрно-белого и с невнятным сюжетом, оказались черезчур завышенными. Взыскательную, да к тому ещё и перекормленную продукцией музыкальной индустрии американскую аудиторию удивить не вышло. И одноимённый альбом-саундтрек, вышедший в конце 1974 года, этому не способствовал. Хотя та пластинка и оказалась куда более востребованной, особенно в Европе, чем сам фильм, для Slade это было слабым утешением.
Самолюбие квартета от такой незадачи было уязвлено, но идея-фикс покорить в конце концов эту несносную Америку стала только навязчивее.
Всю первую половину 75-го года группа провела в изнурительном гастрольном марафоне. Несколько месяцев по городам и весям Соединённых Штатов совместно с Aerosmith, ZZ Top, Black Sabbath и др. Казалось бы, уже для всех должно было бы стать очевидным, что со старым репертуаром и карнавально-балаганным имиджем, которые Slade на этом континенте неизменно демонстрировали три сезона, взломать этот рынок не удастся. В каких-то городах и штатах группу принимали благосклонно, в большинстве же - прохладно. Понадобилось немало времени, чтобы менеджмент и продюсер Час Чандлер наконец-таки прочувствовали ситуацию и до них дошло, что предпочтения ощутимо омолодившейся американской публики сместились, что подросшие тинейджеры в большинстве своём с головой погружались в набирающий обороты отвязный панк-рок. И даже такие статусные британские тяжеловесы, как BS, LZ или UH стремительно теряли поклонников и былую популярность.
Но зажатая в рамках обстоятельств группа сподобилась извлечь что-то и положительное из окружавшего его отрицательного. Решение готовить новый альбом там же в США пришло само собой. В разгар лета, в жарком и душном Нью-Йорке, в течении шести недель в студии Record Plant, где по соседству записывался Джон Леннон.
Главная из задач - адаптировать программу новой пластинки в первую очередь на американского слушателя - вынудила музыкантов и Часа Чандлера отказаться от свойственных группе "штрихов" и "фишек", прежде всего от написания песен типа "loud" и "rocky", что для Slade являлось основой основ. И, соответственно, в качестве базового принять американский соул/поп-саунд в роковом исполнении. Как важный компонент для достижения этой цели была приглашена смуглокожая бэк-вокалистка Tasha Tomas. Её голос можно услышать во многих композициях (наиболее он заметен в заглавном треке и разудалой песне "I'm A Talker");
Титульную "Nobody's Fools" Джим Ли изначально задумывал сделать на всю первую сторону LP (т.е. на 20 минут), но уже в процессе записи от этой затеи отказались, иначе пришлось бы пожертвовать несколькими уже подготовленными номерами. Надо признать, что музыканты и их продюсер проявили себя как дерзкие экспериментаторы. Например, один из своих хитов "Let's Call It Quits", как тонко подметил известный британский музыкальный обозреватель Крис Ингэм в аннотации к одному из поздних переизданий этого альбома на CD, "группа исполнила в новой для себя стилистической форме slinky-rock-groove". В подобном нестандартном для себя ритмо-размере Slade действительно не играли никогда. Кстати, с этой песней уже после выхода диска случились осложнения. Американский музыкант и композитор Аллен Туссен заподозрил группу в плагиате, впрочем, деньги, как это часто бывает, решили проблему. В "In For A Penny" был использован аккордеон (впервые в практике Slade), а Дэйв Хилл сыграл самую продолжительную сольную гитарную дорожку - невероятно лаконичную и завораживающую одновременно. Надо заметить, что в этой программе Дэйв как лидер-гитарист показал себя превосходно. Если в песнях прежнего репертуара его сольные партии были как всплески короткими, как правило ситуативными в концовках вокальных фраз Нодди Холдера или при переходах от куплета к припеву и наоборот, то практически во всех номерах этого альбома Д. Хилл играет полновесные сольные отрезки, виртуозно и убедительно. Ну и, конечно же, Джим Ли, основной композитор квартета, превзошёл сам себя. Единственный в составе, кто имел какое-никакое музыкальное образование, наконец-то от простеньких стандартных в три-четыре аккорда мелодических форм переключился на созидание фактурных песенных конструкций в разных стилистических направлениях, в разных тональностях и в необычных аранжировках.
Альбом эклектичен, как никакой другой в творческом наследии Slade. Полифония в сравнении с прежним привычным унифицированным "слэйдовским" звучанием просто невероятная. Помимо женского вокала, музыканты грамотно использовали клавишные, дозированно, но там, где это и было нужно, звуковые эффекты и шумовые находки. Как, допустим, нежданно-негаданный грубый выкрик "Буги-и-и-и!" в начале хард-роковой "Do The Dirty", или гомерический хохот в концовке "All The World Is A Stage". Здесь о многом ещё есть что рассказать. Однако...

Дома британские фанаты Slade обвинили их в том, что группа продалась американцам. Английские музыкальные критики и журналисты ополчились на членов команды и их новую пластинку, и в лучшем случае по её поводу обходились молчанием. Как следствие LP "Nobody's Fools" не попал в первую десятку британского хит-парада (впервые для Slade с 1971 года!) - лишь 14 место и всего четыре недели пребывания в рейтинге.
И только в нулевые годы, когда по всему рок-музыкальному пространству прокатилась волна интереса к героям давно минувших дней, в буклетах многочисленных переизданий этого альбома в его адрес замелькали хвалебные эпитеты. Народ словно прозрел и наконец-то понял, что ничего лучше Slade далее уже не сделали, а "Nobody's Fools" - это вершина их творческого взлёта. Та вершина, покорив которую в 1976 году, за оставшееся время своей истории группа даже не приблизилась.

МихаилБогданов   7 апр 2019

"Who You Selling For" - тот случай, когда смелое решение на эксперимент заканчивается совершенно неудачно. Тейлор Момсен и Ко решились на него и в итоге сели в лужу.

Половина альбома напрочь уныла, а остальным песням (1-3, 5, 9 и 12) всё равно, в свою очередь, не тягаться со взрывными хитами прошлых альбомов, хоть там более-менее и присутствует динамика.

Вообще, для того чтобы до конца понять ситуацию, нужно рассмотреть некоторые моменты, помимо студийного творчества сего проекта.
Тейлор Момсен начала музыкальную карьеру, как весьма эпатажная личность, которая могла раскованно вести себя на сцене (а начала она это делать, когда еще была несовершеннолетней), писать довольно откровенные, но не тупые тексты, выпускать относительно эпатажные клипы, сниматься в откровенных фотосессиях. Да и вообще она поддерживала скандальный образ в целом: была информация о ее пристрастии к наркотикам, бисексуальности, лишении девственности в 13 лет, симпатии к сатанизму и т.п., конечно, может и не всё правда, но уверен что часть этого вполне соответствует действительности. К тому же, достоверно известно что она долгое время дружила с порноактрисой Дженной Хейз, а может и не только дружила :)

Так вот, к чему я собственно веду: все вышеперечисленные вещи создали ей гармоничный эпатажный образ, который ей действительно шел. Конечно, моралистов это взбесит, но это уже их проблемы, такая музыка вообще не для них. Настроение её песен тоже было соответствующее, даже если не брать в расчет текст. Ну так вот, так было вплоть до выпуска "Going to Hell", включительно. Начиная 2015 года эпатаж иссяк. Имидж Тейлор стал имиджем обычной рокерши в кожанке. Не стало не только скандальности, кстати, но и драйва на концертах. Все клипы, выпущенные после "Messed Up World" - это вообще сплошная халтура, не имеющая не то что эпатажа, но и какого бы то ни было сюжета, либо развития событий вообще. Результатом таких "преобразований" и стал "Who You Selling For", который окончательно закрепил за Тейлор статус морально постаревшей и выдохшейся рок-звезды. Причем, очень рано выдохшейся. Музыка на этом альбоме - преимущественно вгоняющие в скуку и уныние песни, которые будто бы исполняет постаревший исполнитель лет 55, но никак не молодая и яркая девушка. Да и вообще, такое творчество - это совершенно не то, за что полюбили Тейлор. Да, эксперименты - это хорошо, но когда они происходят всё же в пределах того курса, где исполнитель может по полной проявить себя.
В этом плане "Who You Selling For" Тейлор и Ко, в какой-то степени, наступает на те же грабли, что и "The Pale Emperor" Мэнсона. Насчет этих, весьма похожих случаев, можно сказать: "Не за такую музыку вас любят и не такая музыка у вас, ребята, выходит лучше всего".
Только, если "The Pale Emperor" просто не подходил исполнителю по стилю, но все же был качественным материалом, слушать который доставляет удовольствие, то на "Who You Selling For" сама по себе музыка довольно посредственная, а не просто неподходящая для исполнения Тейлор Момсен.

Совершенно нет динамики, много проседающих и затянутых моментов, когда очень и очень хочется перемотать или переключить песню. И дело не в том что песни, в большинстве своем, медленные. На прошлых двух альбомах тоже были треки без агрессии и драйва, выдержанные в спокойном темпе, но при прослушивании не возникало желания их переключать, они были хоть и спокойные, но эмоциональные и чувственные. А на "Who You Selling For" большинство композиций просто нудные.

Сборником мусора альбом, конечно, не назовешь, но вещь весьма посредственная, особенно на фоне предыдущих релизов TPR, пусть и не лишенная приятных моментов.
Искренне надеюсь, что это лишь грустный момент в карьере Тейлор Момсен, а не переломный момент, превративший отвязную рок-звезду в нечто унылое, полностью отрекшееся от своего образа.

Avant Garde   7 апр 2019

ATHANASIA – это музыкальное трио, играющее своеобразный гибрид хэви-метала, блэка и трэша c заметным привкусом модерна. Группа была основана вокалистом и гитаристом Калебом Бинэмом в 2004 году под названием ASCENSION.

«Когда я сформировал группу, - говорит Калеб, - я решил объединить разные элементы своей любимой музыки и сплавить их во что-то уникальное и оригинальное. На самом деле я ненавижу, когда хэви-метал в наши дни делят на все эти различные жанры и субкультуры. Это действительно довольно скучно и совсем не развлекает меня как слушателя».

Затем Бинэм стал участником банды FIVE FINGER DEATH PUNCH, и после ухода из нее в 2007 году возобновил деятельность ASCENSION, перезаписав еще несколько ранее неиздававшихся демо-версий и EP «Behind Enemy Lines» (2010) по просьбе Roadrunner Records A & R Monte Conner. Во многом благодаря слиянию этого лейбла с WMG переговоры сорвались, и группа снова впала в зимнюю спячку. В 2011-2014 гг. Калеб играл в шведской мелодик-дэт-метал формации ZONARIA. Но так случилось, что во время тура он сломал ногу, и поэтому ему пришлось покинуть коллектив. После реабилитации музыкант решил сосредоточить все свои усилия на своем первоначальном детище…

Вскоре к нему присоединился басист Брендон Миллер и барабанщик-ветеран Джейсон Уэст (MURDERDOLLS, WEDNESDAY 13, MURDER FM). Калеб Бинэм воскресил группу под новым названием ATHANASIA, записав свой первый полноформатный альбом «The Order of the Silver Compass»:

«Слово «ATHANASIA» происходит из древнегреческого языка, оно переводится как нечто вроде «божественной женственности» или «богини-матери». Мы решили, что это классное название ... Оно довольно уникальное, и поэтому его очень легко найти в Интернете…»

Благодаря разносторонним интересам Бинэма, лежащим в области истории, философии, литературы, религии и символики, тексты ATHANASIA, как правило, отличаются оригинальностью и затрагивают темы нетипичные для других подобных групп, которые поют про «секс, наркотики и рок-н-ролл». В лирике команды очень часто встречаются оккультные, исторические и литературные отсылки.

Почти три года Калеб и Ко держали своих поклонников в напряжении, и вот наконец 15 марта 2019 года представили всему мировому металлическому сообществу свое детище… Но, нужно сказать, определенное представление о материале у фанатов группы уже могло сложиться - на четыре из восьми композиций с этого альбома были сняты видео: на заглавный трек, на боевик «Spoils Of War», на лирическую балладу с чистым вокалом «White Horse» и на альтернативную тему «Nightmare Sound». Хотя изначально музыканты планировали выпустить клипы на все песни со своего дебютника, однако им не позволил это сделать бюджет.

Вот что о происхождении названия пластинки «The Order of the Silver Compass» («Орден Серебряного Компаса») рассказывает сам Бинэм:

«Несколько лет назад я был на семейном кладбище. Я пошел навестить могилу бабушки и дедушки в моем родном городе Огайо. Я не был там с детства. Находясь там, я заметил пентакль, квадрат и циркуль, выгравированные на надгробие, свидетельствующие об их причастности к масонству.

В тот момент своей жизни я очень мало знал о значении и происхождении этих символов и начал исследовать, почему эти оккультные символы присутствуют на могиле моего дедушки и бабушки. Это исследование привело к моему открытию масонов / Ордена Восточной звезды и к осознанию того, что мои дедушка и бабушка, должно быть, были членами этих организаций.

Примерно в то же время я купил гитару Washburn WV-1800 Flying V с зеркальной отделкой, на которой, как вы можете видеть, я играю в ATHANASIA. Это немного забавно, но Тед Маккарти, человек, который впервые разработал Flying V в 1958 году, был масоном из Кентукки, как и мой дед. Я заметил, что форма этой гитары очень похожа на символ компаса, используемый масонами. В результате этого совпадения я решил назвать альбом «Орден серебряного компаса», как дань уважения моим дедушке и бабушке, а также в честь моей гитары».

«… Я пригласил своего хорошего друга и наставника Криса Коллиера на микширование, а ассистента Берни Грундмана, Джо Боззи, для мастеринга».

Композиции на релизе демонстрируют огромное разнообразие влияний - от современного метала до экстремального метала, с чистым вокалом и с гроулингом.

Как заметил в интервью сам Бинэм: «все песни на альбоме очень разнообразны в музыкальном и лирическом плане. Я хотел бы думать, что на альбоме есть что-то для поклонников любой эпохи и жанра хэви-метала».

Заглавная вещь «The Order Of The Silver Compass», «Cyclops Lord (My Will Is Done)» и «Spoils Of War» - довольно неплохие номера с яркой мелодикой и запоминающимся припевом, чистый и экстремальный вокал в них весьма удачно сочетаются. Бинэм, конечно, не ахти какой вокалист, но в целом голос у него достаточно приятный.

Завершающая пластинку хард-роковая душевная баллада «White Horse», как ни странно, тоже слушается с удовольствием и воскрешает в памяти живописные картины зимней природы из клипа.

А вот остальные песни можно вообще не включать… Какое-то модерново-индустриальное дерьмо…

Скажу честно – я ждала от ребят большего. И хотя последнее видео «Nightmare Sound» мне не особо вкатило, но все-таки хотелось надеяться на лучшее…

А тут – звук нарулили отменный, вроде, все, как положено, но, к сожалению, чувствуется, что в данной работе явно гораздо больше коммерции, нежели души…

Elena_Kalistka   7 апр 2019

Как по мне, так это самый пострадавший от гнева фанатов альбом, наравне с последующим "Born Villain". А ведь альбом-то очень даже сильный. Да, в нем нет почти ничего от пресловутого "Antichrist Superstar", но а чем это плохо? Всё же Мэнсон ведь не поп-рок начал исполнять. На "THEoL" он остается всё тем же самым Мэрилином Мэнсоном, который, конечно, изменился, но это он. Есть и его фирменная экспрессия, и мрак, и эпатаж присутствует, несмотря на то, что альбом довольно романтичен. ММ - один из тех исполнителей, кто умело может сочетать романтику с эпатажем, а данный диск - яркое тому подтверждение.

Конечно, зря он в интервью упомянул о том, что альбом будет похож на "AS", только сам себе хуже сделал, из-за того что фаны заранее себе вообразили второе пришествие Антихриста, а его не случилось. Но то, что произошло, плохим ходом назвать нельзя.
"THEoL" - это своеобразная исповедь Мэнсона, во всех отношениях. Где он раскрывает себя по-полной, не только со стороны личной жизни, как это было в "Eat Me, Drink Me". Песни посвящены и его личности, и политике, и отношению к миру. Кстати говоря, это один из двух альбомов (второй "Heaven Upside Down") ММ, где нет и намека на концепт или общую тематику песен. С другой стороны, за связующее звено можно считать то, что он является исповедью Мэнсона, как я уже упомянул выше. Как бы там ни было, но тексты по отдельности точно очень хороши, даже если и принимать в расчет то, что вместе они не смотрятся цельно.
Кстати, песни в альбоме располагаются в той последовательности, в которой были написаны. В интервью музыкант упоминал о том, что этот альбом о самом тяжелом и депрессивном периоде его жизни, а также о том, что в этот период он довольно сильно изменился, что отчасти символизируют тексты альбома: по его словам, образно говоря, первую песню "Devour" написал тот, кем он был, а последнюю "15" - тот, кем он в итоге стал. Об этом говорят и прямо противоположные по смыслу строчки из этих песен: "Я буду любить тебя, если позволишь" из "Devour", и "Я покажу тебе, что значит терять" из "15". Так что, хоть концепции и нет, но это явно не просто пучек из песен, собранных вразнобой.

А вот выражение своего отношения к политике и миру стоило Мэнсону контракта с лейблом, в следствии возникновения скандала из-за песен "Arma-Goddamn-Motherfuckin-Geddon", "Blank and White" и "We're From America", когда музыкант отказался вырезать из текстов провокации, также были и проблемы с "Pretty as a Swastika", хотя она и не на тему политики. Так что плюс ему за отстаивание своего творчества.

А насчет песни "WOW" я скажу так - в семье не без урода. Вот она в данном альбоме - тот самый случай. И дело не в личных вкусах, я понимаю что кому-то она может и нравится. Я тоже иногда могу ее послушать, припев там вполне приятный, но если рассуждать объективно, то становится очевидно, что она ни коим образом не вписывается в звучание альбома. И не только стилем музыки, но и самим настроением. Она звучит как какая-то ехидная дразнилка. Помещать такое на серьезный альбом - не есть хорошо, для этого есть бонус-треки, либо обратная сторона какого-нибудь сингла.
Это, конечно, всего лишь одна песня и данный ход не назовешь серьезным косяком, но всё же это было сделано зря.

К остальным же трекам претензий нет. Какие-то нравятся больше, какие-то меньше, но в целом - лишнего ничего нет, альбом слушается вполне гармонично. "The High End of Low" - разноплановая, интересная и эмоциональная работа, где есть и романтика, и агрессия, и меланхолия, при этом песни не выглядят "винегретом". Многие просто не желают воспринимать его, залипая на ранние альбомы, а жаль. Кто-то, конечно, и просто из-за других вкусов не оценит, но такие явно не все, есть львиная доля просто фанатичных труевых олдфагов. А ведь работа очень и очень достойная.

Avant Garde   7 апр 2019

В 1997 году юнцы из города Вакавилль, штат Калифорния, выпускают свой первый полноформатный альбом, с очень нестандартным и необычным звучанием. Откровенно говоря, больше такого "Роучи" в своей богатой на релизы карьере уже не выпустят, и поэтому предлагаю ознакомиться с данным творением, и разобрать его "от а до я".

Команда образовалась в 1993 и успела записать один мини-альбом в 1994 году, на котором заметно очень сильное влияние их любимой группы Faith No More (группа очень активно каверила и продолжает каверить их песни на концертах) и Primus. Стоит сказать, что влияние этих коллективов можно заметить и на дебютном альбоме калифорнийского квартета. Долгое время скитаясь по пиццериям, кафе и вечеринкам, группа начинает выступать в довольно-таки известных клубах Америки, к ней потихоньку начинает приходить популярность у подростков, благодаря интересному звучанию (смеси хип-хопа, фанка и хардкора) и эмоциональному, непредсказуемому поведению вокалиста Коби Дика (к этому мы еще вернемся). В 1996 году парни приглашают менеджера Брета Беира, находят сумму в 700 долларов, и в феврале 97 года в свет выходит "Старые друзья с юных лет".

Этот альбом - солянка из жанров, безумный микс. Это не чистый ню-метал с добавлением рэп-элементов, нет, здесь также присутствуют, как описывалось выше, влияния фанковых элементов любимых коллективов, психоделика, альтернатива и даже пост-хардкор! И безумный он благодаря Джэкоби Шеддиксу, именно здесь он во всей красе показывает свою непредсказуемость, ярко-выраженную экспрессивность с нотками "психически нестабильного пациента клиники для неуравновешанных". Проявляется это в резкой смене пения, буквально в одном предложении Коби (это, если что, псевдоним) меняет настроение со спокойного тона на неожиданный раздирающий крик, что может вывести некоторых слушателей из зоны комфорта. Также большое внимание уделено басовым линиям совсем юного Тобина Эсперанса, которому на момент записи было 17 лет. Инструментальные партии очень хороши, радует смена аранжировок в песнях.

Если говорить про мастеринг и продакшн, то, к сожалению, альбом не был коммерчески успешен, сырой звук и неудовлетворительная работа менеджера сделали свое дело. Однако, в "андеграунд" сцене Калифорнии этот альбом сделал квартет "королями рок-музыки". Молодежные радиостанции без каких-то контактов с группой или её представителями ставили в свои ротации песни, и "Роучи" стали самой заказываемой и наиболее желаемой группой. Далее последовали туры с Incubus, Snot, Sevendust, разогревы у пионеров хардкора Suicidal Tendencies и набирающих популярность Deftones.

Если выделять интересные композиции, то, безусловно, это "Liquid Diet", бешеная "GrrBrr", "DirtycutFreak", психоделическая и давящая на психику "Living Room" (которая лично мне напоминает игру Silent Hill 4), репкор-боевик "829", и крышесносящая "Peewagon".

Это не стандартные "папы", которых мы уже привыкли видеть и слышать. Да, теперь это радио-форматная группа, которую многие не воспринимают всерьез, обвиняя в "продажности", однако этот альбом - самобытнейшая и оригинальная веха в истории группы.
Очень рекомендую послушать данную работу.

DJ Galin   6 апр 2019

"Portrait of an American Family" - это, по сути, первый и единственный полноформатник группы Marilyn Manson. А "Antichrist Superstar" уже был выпущен рок-исполнителем Мэрилином Мэнсоном, ведь его релиз случился уже после всех тех событий, что превратили группу в сольного исполнителя, а часть из них (замена названия группы на псевдоним Уорнера и уход Гиджета Гейна) произошли и вовсе до выхода "Портрета". Но этот альбом можно всё равно считать целиком и полностью записанным именно группой, потому что материал на нем состоит из доработанных демо Marilyn Manson and the Spooky Kids, а Гейн всё же успел записать бас, прежде чем Уорнер его уволил.

Кстати, говоря о составе и уместности применения слова группа в отношении ММ.
"PoaAF" записан людьми, которые были действительно равны между собой и были командой. Мэнсон, Берковиц, Гейн, Пого и Сара ли Лукас - это оригинальный состав, который был группой, в которой присутствовало какое-никакое равноправие и внимание уделялось всем, в той или иной степени. К моменту выхода второго полноформатника группы уже и след простыл. Плохо ли это? Я думаю, что наоборот хорошо. Мэнсон - это потрясающий артист и шоумэн, со своей неподражаемой харизмой. И то, что он в своих шоу и клипах является всегда центральной персоной - наоборот хорошо, осталось бы сие явление группой и он бы частично "растворялся" среди своих равных музыкантов. То же самое касается и музыкальной части: тексты песен и сама их суть сводятся именно к его персоне, и это тоже хорошо. Вряд ли, если бы кто-то в этом еще участвовал, тексты стали бы лучше, скорее было бы наоборот.

Касаемо самого альбома, записанного группой Marilyn Manson, скажу что это весьма интересное, оригинальное и цельное произведение. При прослушивании альбома целиком можно с уверенностью сказать, что звучание всех песен выдержано в определенной манере, которую, кстати, вряд ли у кого-то еще можно встретить. Есть в нем какая-то своя извращенная, стебная, приправленная черным юмором изюминка.

Беда сего релиза в том, что он немного недоработан. По части музыки не хватает взрывных хитов, которые оседали бы в памяти надолго. Хотя "Cake and Sodomy", "Lunchbox" и "Get Your Gunn" многие помнят, да и сам Мэнсон их не забывал, но это не хиты уровня "The Beautiful People", "Tourniquet", "The Reflecting God", "The Dope Show", "Coma White", "The Nobodies" и т.п. Просто хорошие песни и не более. И я с уверенностью скажу, что вклад "PoaAF" в славу Мэнсона весьма посредственный, прежде всего это заслуга кавера на "Sweet Dreams" и альбома "Antichrist Superstar", но никак не "Портрета".

Также хромают и тексты. Какие-то из них недоработаны и коротки, какие-то представляют собой весьма посредственные провокации, характерные для подросткового возраста. Общая тематика есть, что является плюсом, но грамотного подхода нет.

В общем, хотя Мэнсона данный диск и не прославил, и несмотря на то, что в альбоме есть недоработки, "PoaAF" - это весьма интересное явление, которое с музыкальной точки зрения заслуживает большого внимания. Атмосфера удалась тут на славу.

Avant Garde   6 апр 2019

Перед выходом этого альбома, как и перед релизом "Born Villain" в свое время, было много утверждений о том, что он станет своеобразным возвращением к корням - к агрессивному и мрачному звучанию.
И эти возгласы оказались преувеличенными, но явно не пустыми.

После хоть и качественного, но скучноватого, за исключением пары-тройки песен "The Pale Emperor", динамичный "HUD" - это настоящий глоток свежей крови!
Безусловно, альбом не идеален, но когда его слушаешь целиком, то очень мало моментов, когда думаешь: "Ой, да скорее бы эта скукотища проигралась уже, и началось самое интересное". Безусловно, это далеко не полное возвращение к золотому периоду 1996-2003, но шаг в эту сторону сделан, и весьма удачный. Да и весьма необычные эксперименты в виде "Tattooed in Reverse", "Saturalia" и "JE$U$ CRI$I$" не могут меня не радовать, в дискографии Мэнсона это для меня действительно что-то новое. Причем эксперименты удачные: они не похожи на каноничные песни ММ, но и не являются "заносом не в ту сторону", который бы неуместно смотрелся в дискографии Великого и Ужасного.

Тем, что немного портит всю эту картину, являются откровенно попсовая, во всех смыслах, "KILL4ME", и скучноватая "Heaven Upside Down". Сами по себе эти песни я не назову плохими и слушаю их иногда, но всё же в общую картину альбома они не вписываются. Не хочу сказать, что их надо было отправить в мусорное ведро, но "Heaven Upside Down" уместнее бы смотрелась в качестве бонус-трека, а "KILL4ME" - в качестве отдельного сингла.

Кстати, насчет общей картины альбома. Еще одна беда "HUD" - это отсутствие общего звучания у песен. В любом другом альбоме, пусть и с некоторыми погрешностями, как это было в "The High End of Low" и "The Pale Emperor", общее звучание и атмосфера присутствовали. Тут же этого вообще не наблюдается. Это не катастрофа, конечно, но всё же некий минус. Говоря об общей картине альбома и отсутствии целостности, можно добавить еще то, что тут у текстов та же беда. Хоть Мэнсон и заявлял что в "HUD" есть история (даже сказал, что песни "Revelation #12", "Saturnalia", "Heaven Upside Down" и "Threats of Romance" являются её началом, серединой, концом и "титрами", соответственно), но очевидно что она была плохо проработана в текстах. И да, я понимаю что полностью концептуальные альбомы Мэнсона остались в 1996-2000, но тексты всех остальных, в той или иной степени (кроме, разве что, "The High End of Low"), обладали общей тематикой и были связаны между собой, а в "HUD" с этим проблема, хотя многие тексты по отдельности и хороши.

В общем, не идеал, не феноменальное возвращение к корням, но альбом, который уверенно держит хорошую планку. Главный его плюс - динамичность и наличие новых (при этом уместных) идей, несмотря на наличие некоторых косяков. Достойное продолжение творчества.

Avant Garde   6 апр 2019