Rhapsody вроде и не бразильцы и не мексиканцы, но их творческая биография действительно напоминает сериал созданный в этих замечательных солнечных странах. Все эти расставания, расколы, воссоединения, смены названий, сайд-проекты и завидная при том плодовитость всех музыкантов, так или иначе связанных с именитой итальянской формацией, могут запутать любого, кто недостаточно искушён в сценарных хитросплетениях романтических латиноамериканских историй.

Впрочем, группа уже давно создала себе имя в жанре; высекла его, можно сказать, в граните изумрудным мечом и выжгла драконьим пламенем. И, сколько бы не дробилась она и не видоизменялась, суть и фирменные черты остаются на месте. Вот, посмотрите, кто там остался из основателей в оригинальной "Рапсодии"? (хотя один черт не разберёшь уже, какая из них оригинальная). Алекс Старополи да и всё, но при этом новая работа группы всё равно звучит привычно. И даже уход Фабио Лионе не подкосил команду, хотя, казалось бы — его вокал такая же фирменная фишка, как быстрые гитарно-клавишные перебежки и отрывистые завывания хора. Новый вокалист со своими обязанностями справляется неплохо, хотя Лионе всё-таки был чуть более органичен в своей истинно-итальянской, едва ли не оперной, манере. Джиакомо Воли же выдает порой какого-то Гленна Хьюза, что ближе скорее к року американского образца, нежели к апеннинскому симфо-паверу, ну и плюс местами он ну уж чересчур кислотный.

В остальном же, стилистическое ядро Rhapsody и высокое качество исполнения и записи остались на месте, а сам материал получил даже какую-то свежесть новых идей в мелодиях и припевах. Может, я просто давно их не слушал, но от альбома реально вполне возможно получать удовольствие во время прослушивания (вот уж не думал, что такое про них напишу). Достигается это тем, что общее настроение классической Рапсодии осталось, а перебора навязчивых клише не наступает. Заметно повысилась скорость композиций, отвоевав позиции у голливудских оркестровок, которые уже порядком набили оскомину на предыдущих работах последнего времени. Такие композиции как "Rain of Fury" и "White Wizard" возвращают к звучанию оригинальных альбомов. Также хорошо, что группа иногда разбавляет эпический пафос, и на диске находится место для уютных барочных пасторалей вроде "Warrior Heart" с классическими партиями клавесина. К слову, все надоедливые клише и занудство итальянцы стыдливо засунули в закрывающий альбом десятиминутный эпик "Tales of a Hero's Fate", который, в принципе, можно даже и не слушать. По крайней мере, до конца.

Подводя итог: диск — большой шаг в нужном направлении, в направлении назад к классическому Rhapsody. Музыканты, несмотря на все пертурбации, сумели сохранить свой собственный стиль, хорошо это или плохо, и записать достаточно приятный для прослушивания альбом, который, надо полагать, фанатам группы придётся по душе. Здесь много всего, за что Рапсодию можно любить: высокие скорости, классное исполнение, яркие мелодии; и не так уж много того, чем группа обычно раздражает: нелепые отрывистые завывания, безудержный пафос и треки полные заунывной болтовни, что уже само по себе достойно похвалы. Данный альбом, пожалуй, хороший выбор для того, чтобы заново открыть для себя группу, если вы забросили её в долгий ящик.

(Диск предоставлен компанией FONO).

Nerferoth Drake   4 май 2019

Перед тем, как начать этот обзор, я призадумался. А будет ли сейчас это кому-то интересно? Ведь стоит лишь представить, что эта пластинка вышла почти пол-века (!) назад, уже становится не по себе. С другой стороны, обойти вниманием эту историческую работу легендарной команды было бы несправедливо. Ведь если не я, то кто? И если не сейчас, то когда? И если даже на эту рецензию обратит внимание всего пара сотен человек, значит уже есть смысл этим заняться.

БЕГ СКВОЗЬ ДЖУНГЛИ.

Интенсивность, с которой Джон Фогерти и его одногруппники вкалывали те два года (с июля 1968 года по июль 1970-го), поражает всякое воображение - 5 (пять!) полновесных студийных альбомов! Можно только гадать, с чем это было связано. И первое, что приходит в голову, это стремление музыкантов Creedence CR наверстать упущенное время. Ведь они начинали аж в 59-м году (!), совсем ещё пацанами в своём Беркли, неподалёку от Сан-Франциско, что на тихоокеанском побережье Соединённых Штатов, а воплотить свой лучший материал, наработанный за те сумрачные годы, во что-то осязаемое, что можно было бы с чувством гордости подержать в руках и при желание прослушать на вертушке, всё никак не получалось. Вплоть до лета 1968 года. Ещё одна мысль, в которую не хотелось бы верить, но как знать...? Возможно, эти парни уже чувствовали, что срок их существования как CCR отмерен и уже подходит к концу...
"Cosmo's Factory" записывался урывками за несколько коротких сессий, которые всякий раз прерывались ради очередной гастрольной поездки, в том числе и в далёкую Европу. Пять песен, что позднее вошли в альбом, были подготовлены как синглы на каждой из таких сессий и выходили в релиз в январе, апреле и июле 1970-го. И все они были в разной степени успешные. И все пять написаны Джоном Фогерти. К завершающей июльской сессии группа подошла после изнурительного тура вымотанной и опустошённой. С багажом готового материала для будущей пластинки на 13-15 минут звучания. В студию Wally Heider Studios в Сан-Франциско музыканты явились с одной лишь "домашней заготовкой" - "Ramble Tamble" (в вольном переводе "Долбаная прогулка"). Из стандартного песенного трёхминутного формата эта мощная рок-композиция по итогу была "развёрнута" до семи минут звучания. Трек действительно впечатляющий, однако лавров и прочих почестей не снискал. Скорее всего по причине излишне откровенного текста, в котором Дж. Фогерти показал неприглядную изнанку американской действительности.
Так вот, пожалуй впервые тогда Джон реально прочувствовал, каково это в одиночку тянуть весь коллектив и быть за него полностью ответственным. Но даже отсутствие продюсера и компетентного менеджмента не вызывало чувства обречённости, хуже было другое - не было идей, за которые можно было бы зацепиться. Он сам загнал себя в угол.
Ситуация, создавшаяся в CCR, когда репертуар группы был бы столь зависим от одного человека, пусть даже невероятно талантливого лидера, не представлялась такой уж редкостью. Ten Years After с Элвином Ли в заглавной роли или голландцы Shocking Blue, целиком и полностью полагавшиеся на своего вожака Робби Ван Левена - это лишь пара характерных примеров.
Выход из затруднения был лишь один - делать кавер-версии. Помогло то, что в шестидесятые годы парни всё это уже проходили, а источником вдохновения как тогда, так и на этот раз была хорошо им знакомая галерея из прославленных рок-н-рольщиков прошлого - Чак Берри, Бадди Холли, Литтл Ричард и др. не менее достойные люди. Некоторые из песен, что Фогерти и его команда приглядели для своего альбома, были, что называется, всё ещё "на слуху". Заводное рокабилли "Ooby Dooby" из репертуара Роя Орбисона, ритмичный блюз-роковый номер "Before You Accuse Me", первым исполнителем которого являлся Бо Диддли, резвая зажигательная интерпретация "My Baby Left Me" Артура Крудупа, которая в оригинале звучала в стиле буги - все эти песни удивительно органично вплелись в программу этого альбома. Но все они были миниатюрными и лишь частично дополнили программу, необходимо было что-то ещё придумывать.
И ведь придумали же! Так известный хит середины шестидесятых Баррета Стронга и Нормана Уитфилда "I Heard It Through The Grapevine" из короткой, на три с небольшим минуты песенки в исполнении Мэрвина Гэя, обернулся одиннадцатиминутной фактурной рок-сюитой, в которой Джон изощрённо и с фантазией джемовал на гитаре почти семь минут. Идиоматическая суть этого названия для коренного калифорнийца не нуждается в каких-либо пояснениях - "Я слышал это через виноградную лозу". Только не следует нам с вами это выражение понимать как некое трогательное единение героя песни с природой. Всё куда более прозаичнее, приземлённее, я бы сказал. "До меня дошли слухи" - именно так следует толковать это диковинное название песни, что авторы написали "под заказ" для компании Tamla Motown, которая собирала под своё крыло как правило исполнителей афро-американского происхождения. В этой песне история от первого лица о чувствах переживаемого предательства и одновременно неверия в него героем, когда до него дошли разговоры о неверности его невесты, только как бы косвенно, "через виноградную лозу". Что-то вроде нашего сермяжного: "Скажи мне берёза, скажи мне рябина...". Настоящий эпос.
Песни и аранжировки Джона Фогерти были всегда притягательны и своим бесшабашным драйвом ("Travelin' Band") и неподдельной искренностью ("Lookin' Out My Back Door"), душевной теплотой ("Long As I Can See The Light"). А ещё иносказательностью и непредсказуемостью. Из-за чего порой и подвергались резкой критике как "песни без содержания". Впрочем, подобные упрёки можно предъявлять практически любому исполнителю любой жанровой музыки.
Стержневая композиция альбома и одна из сильнейших в творчестве CCR "Run Through The Jungle" начинается с неожиданного звукового эффекта, который, по словам басиста Стью Кука, был придуман и достигнут "посредством развёрнутых задом наперёд и таким образом прокрученных под запись нескольких партий гитар и фоно". Тревожный протяжный гул, который надо понимать как фон неизведанных джунглей. Дж. Фогерти рассказывал, что это "моя любимая вещь из всего, что сделано Creedence Clearwater Revival. Она тянется на одной ноте, но всё время как бы держит тебя в напряжении. Нота одна и та же, но создаётся иллюзия, что она постоянно меняется". От себя добавлю: иллюзию переменчивости этой ноты создаёт бас-гитара Стью Кука.
Многие связывали эту песню, как протест против вьетнамской войны. На самом деле, это не так и Джон Фогерти сам это как-то раз объяснил: "Я имел ввиду Америку и распространение оружия. Я охотник и я не против оружия, я просто думал, что люди будут спокойнее и счастливее, когда у них есть ствол. Но оружия уже так много, что сейчас это стало опасно".
Он же поведал притчу о происхождении названия этого альбома. В начале своей карьеры группа подыскала для репетиций пустующий пакгауз (складское помещение) на окраине своего университетского городка. Барабанщик Дуг "Космо" Клиффорд называл его "фабрикой" по той причине, что Фогерти по многу часов "до седьмого пота" вынуждал музыкантов группы репетировать и шлифовать там индивидуальное мастерство. Это название прижилось и вошло в обращение. На лицевой стороне обложки LP та самая "фабрика" имени "Космо" Клиффорда. Сам Дуг в бесподобных красных трениках восседает на велосипеде, а Джон Фогерти позади ударной установки на мотоцикле в своей неизменной клетчатой рубашке, ставшей символом CCR.
В июле 1970 года "Cosmo's Factory" поступил в продажу. 16 декабря того же года Американская ассоциация звукозаписывающей индустрии зарегистрировала "платиновый" статус альбома (свыше 1 млн. реализованных пластинок). 13 декабря 1990 года альбом получил сертификат четырёхкратной "платины".
Многочисленные отзывы и комментарии были весьма благоприятными. Музыкальные издания называли эту работу CCR "венцом двухлетнего плодотворного отрезка". В 2003 году авторитетный "Rolling Stone" включил "Cosmo's Factory" в "500 величайших альбомов всех времён" (265 место). И это был уже третий LP Creedence Clearwater Revival в этом почётном музыкальном пантеоне.

"Там на горе рокочет волшебный гром:
Пусть люди познают мою мудрость,
Заполню дымом землю.
Беги сквозь джунгли
И не оглядывайся назад".

МихаилБогданов   1 май 2019

“Зловредная тварь” на протяжении всей своей долгой жизни всегда отличалась кадровой чехардой и хроническим непостоянством состава: люди приходили, уходили, возвращались… Единственным неизменным участником оставался лишь гитарист Фил Фашиана. В очередной раз кардинально поменяв состав, лидер Malevolent Creation собрался ваять тринадцатый по счёту альбом. “The 13th Beast” посвящён памяти ушедшего от нас бывшего вокалиста группы Бретта Хоффманна, который скончался от рака кишечника в прошлом году. Ну, что же, можно с уверенностью констатировать, что вливание свежей крови оказало живительное влияние на организм. На выходе мы получили очень приличный образец старорежимного американского дэта с практически каноничным флоридским саундом, несмотря на то, что микшированием занимался Дан Сванё в своей шведской берлоге. Новым вокалистом и гитаристом стал Ли Волленшлагер из Южной Африки, и могу вас заверить, что сей потомок храбрых буров более чем достойно показал себя у микрофонной стойки. Гроулинг у него, конечно, не самый утробный, но вполне убедительный и с неплохой дикцией, чем-то похож на рык Джейсона Блаховича, который был басистом-вокалистом группы в середине 90-х. Помимо прочего, Волленшлагер является единоличным автором музыки для восьми из одиннадцати песен. Это, кстати, заметно по риффовой структуре композиций и среднетемповым отрезкам, совсем не характерным для типичного скоростного угара Malevolent Creation. Про ритм-секцию в лице Джоша Гиббса и Фила Кансиллы особо ничего не скажешь, кроме того, что она профессиональна и не ударила в грязь лицом. Выделять какие-то отдельные треки – занятие в данном случае неблагодарное, ибо материал на диске целостен и монолитен. В заключение могу сказать, что “Зловредная тварь” несмотря на свой далеко не юный возраст ещё вполне активна и боеспособна, а “The 13th Beast” станет, как я думаю, серьёзной заявкой на звание альбома года в категории: “Олдскульный дэт”.
P.S. Единственная ложка дёгтя – это обложка. Ну, неужели нельзя было выбрать картинку получше, а не это отвратное убожество?

rassol  30 апр 2019

После ухода в 2008 году прекрасного гитариста и аранжировщика Стефана Эльмгрена, ничто не предвещало беды. И даже безликий "No Sacrifice, No Victory", вышедший через год после означенного события, не вызывал ужаса. Да, скука смертная, да, самоплагиат, но кто же застрахован от творческих провалов? Один раз, как говорится, не считается. Однако, надежде на второе дыхание пришлось скоропостижно скончаться после выпуска группой в 2011 году тошнотворного альбома "Infected". Инфекция, которую банда подхватила, оказалась настолько сильной, что хотелось поставить на группе крест и пойти лечиться от услышанного быстро набирающими силу Powerwolf, да проектами нестареющих Тимо Толкки или Кая Хансена (выбирайте, кому что больше по душе).

Однако, вернемся к нашим пациентам. По возвращении из стационара очень хотелось проверить их ментальное и творческое здоровье. И что вы себе думаете? Похоже, урок таки пошёл впрок. Ужасы закончились, новый альбом "(r)Evolution" вышел весьма бодрым, мелодичным и позитивным. Нельзя сказать, что группа обрела второе дыхание, но в звучании и в композиционном плане появилась определённая свежесть. Если это в принципе применимо к стилю, который я лично характеризую как традиционный пауэр с сильной примесью героичности а-ля Мановар. Хотя, скорее, под свежестью в данном случае я понимаю возврат к оригинальной стилистике и традициям.

01. "Hector's Hymn". Нормальная открывашка. Традиционное построение в духе первых двух альбомов. Красивый брейк в середине, традиционное воспевание "хаммера", который на сей раз почему-то не fall, а high... Видимо, для того, чтобы скоро снова пасть на всех пессемистов.

02. "(r)Evolution". Хорошая попытка доказать, что группа по-прежнему способна создавать яркие запоминающиеся песни, пусть и не создавая, по сути, ничего принципиально нового.

03. "Bushido". Уже была многократно прослушана несколько месяцев назад после выпуска сингла. На тот момент казалась "чудо, как хороша" и во многом определила желание дождаться цельного альбома и породила определённый кредит нового доверия группе. На поверку же, к вящей моей радости, песня оказалась далеко не самой хитовой. Что говорит о силе альбома в целом.

04. "Live Life Loud". Начало напомнило мегахит "Templars of Steel", но это быстро заканчивается в итоге возвращается к "околомановарщине". Как ни странно, в хорошем смысле этого слова. Именно такие треки, как "Живи громко", составляют процентов пятьдесят музыкального творчества шведов. И не вызывают ощущения перемотать. Ибо суть твердый качественный традиционный трек.

05. "Ex Inferis". После двух минут снова возникло чувство, что я слушаю "Templars of Steel". Положа руку на сердце, так, по сути, и есть. Не так, конечно, ярко и так хитово, но и не сильно разочаровывает.

06. "We Won't Back Down". В целом, нормальный трек, но послушайте как Канс поёт первые строки куплетов. Временами нотки мановарской трагичности вообще заставляют усомниться - он ли это? Нужно посмотреть буклет на предмет гостевых вокалов. Песня получилась явно неровной: странные куплеты продолжаются вполне традиционными припевами... Резюме: от отсутствия этого трека альбом нисколько бы не проиграл. Но есть себе - и пусть будет.

07. "Winter Is Coming". Ну куда же без баллады... Без неё будет полный незачёт. Баллады у Хаммерфолов - практически обязательная программа. До Скорпионов, конечно, далеко, но многим, уверен, нравится. Монументально, помпезно, иногда даже трогательно. Но, к сожалению, задевает мало. Но вполне допускаю, что просто я не особо люблю медляки. Видимо, в детстве переслушал. По итогам же неоднократного прослушивания песня вполне себе может угодить в топ-3 данного альбома, а то и даже в топ-5 всех баллад Хаммерфола в целом.

08. "Origins". И вот, наконец, мы добрались до самого яркого хита альбома. Ура, товарищи! Не скажу, что ожидание было утомительным, прослушивание альбома в целом весьма комфортно эволюционирует, и после лучшей (хоть и единственной) баллады на альбоме, нас ожидает лучший средней среднетемповый, а по большому счёту - и самый лучший трек альбома в целом.

09. "Tainted Metal". Весьма крепкий бодрый традиционный трек. Даже с некоторой претензией на хит. Однозначно не затерялся бы даже на лучших альбомах группы.

10. "Evil Incarnate". Второй трек, оставивший меня равнодушным. Возможно, в будущем я к нему привыкну, но пока не тронул. Вроде всё как, надо: типичный строй, типичный текст про грозного недремлющего старика Сатану, но не впечатляет.

11. "Wildfire". Симметричный начальной открывашке трек. Качественный, яркий, мелодичный, с правильным хаммерфольным брейком и не самым традиционным финалом. Не самая, кстати, типичная, для группы песня, что приятно вдвойне.

В целом, альбом вызвал у меня в основном позитивную реакцию. Возможно на восприятие накладывает сильный отпечаток моё неверие в группу после катастрофы с двумя последними альбомами. Но всё же помнят про то, как сделать человеку хорошо? Сделай ему очень плохо, а после верни всё, как было до этого... и человек станет счастливым. Так и с новым альбомом от шведских металлистов. Единственное, что несколько огорчает, то это относительная недостаточность ярких соло и проигрышей. Но чудес не бывает: главный создатель таковых ушел строить семью и присоединяется к команде только для юбилейных концертов, или типа того. Но потому и моя оценка альбому - не 10, а 8. С лёгким привкусом аванса. И с надеждой на окончательное выздоровление.

Слава богу, "инфекцию" группа, похоже, из себя изгнала. Хоть для этого и потребовалось всей бригадой уйти на продолжительный больничный длиной в три года. В целом, в альбоме скучных треков куда меньше, чем ярких, что таки неожиданно. С удовлетворением констатирую, что группа в порядке и вернула себе хорошую форму. С чем и поздравляю всех её поклонников.

ywi  24 апр 2019

К середине 70-х годов кризисные явления в мировой рок-музыкальной культуре с британских островов, где уже рушились и шли ко дну казалось бы незыблемые титаны местного хард-рока, плавно переползли и на американский континент. Панк-рок неотвратимо завоёвывал территории, некогда принадлежавшие классическому тяжёлому року, аншлаги в концертных залах всё больше собирали полуобнажённые смуглокожие красотки Дайана Росс и Донна Саммер, а тинейджеры вдохновенно отжигали на танцполе под воздушную диско-музыку от Bee Gees и The Vast Majority. И если кто-то сейчас заявит, что в Северной Америке не было тогда титулованных команд масштаба Deep Purple или Led Zeppelin, о которых стоило бы горевать, то с той стороны океана нашли бы что ответить - вы о них мало что знаете. И были бы правы: для американцев такие коллективы, как Jefferson Airplane и Iron Butterfly "весят" не меньше, чем DP или LZ для европейцев.
Но сейчас речь не о тех и не о других. Grand Funk Railroad - их история насколько показательна, настолько и поучительна.
1975 год для Марка Фарнера и компании был знаменателен тем, что по результатам неважных продаж их концертного 2LP "Caught In The Act" ("Взят с поличным") и срыва контрактных обязательств по ещё одному альбому ("Born To Die" вышел в релиз уже в январе 1976 года, а должен был быть выпущен ещё в 75-м), компания Capitol Rec. Inc. в одностороннем порядке разорвала отношения с GFR. Это повлекло за собой потерю продюсера. Да и в рядах самого квартета возникли серьёзные осложнения, никак с последними неудачами не связанные. Группа выдохлась, музыканты устали друг от друга, им уже было тесно в рамках одной команды.
Казалось, всё шло к логическому завершению, когда гибнущему коллективу подставить плечо помощи вызвался Фрэнк Заппа, гениальный и слегка ненормальный, как и всякий гений, музыкант и продюсер. На время ему каким-то образом удалось образумить музыкантов GFR и уговорить их записать ещё одну пластинку, для чего был заключён краткосрочный контракт с MCA Records. Весной 1976 года они собрались на хорошо им знакомую студию Swamp, где была наработана и записана инструментальная часть, затем на Record Plant в Лос Анджелесе дописали вокал, практически всё смикшировали сами и 2 августа 1976 года MCA Rec. запустила в реализацию новый альбом GFR с незамысловатым названием "Good Singin' Good Playin'".
Казалось бы, Ф. Заппа и рокеры этой группы - люди из разных музыкальных сфер. Но Фрэнк сумел найти понятные всем слова и зарядить их идеей попробовать сыграть не так, как они это делали всегда. И эта его идея всех увлекла.
Являясь сильным мультиинструменталистом, Заппа оказался и незаурядным продюсером и звукоинженером. А ещё гибким психологом, умело сглаживающим в ходе напряжённой студийной работы возникавшие порой в составе конфликты, как правило творческого плана. Уже значительно позже Фрэнк, делясь воспоминаниями о том времени, говорил о каждом из четверых только хорошее, благодарил их за трудолюбие и упорство, в то время как его личный вклад в создании лучшего в истории группы альбома был ничуть не меньшим. По сути Ф. Заппа был пятым участником GFR. И хотя по факту он сыграл только одну ведущую гитарную партию в "Out To Get You", но много работал непосредственно с Марком Фармером, в буквальном смысле на пальцах показывая ему ходы в сольных партиях и новые для Марка приёмы игры на гитаре.
В этой работе группа напрочь "исключила из меню" блюзовые звучания и альбом получился по-настоящему рок-н-ролльным, с мощной драйвовой энергетикой и без проходных номеров. После откровенно депрессивного предыдущего "Born To Die" музыканты основательно выложились в попытке вывернуть ситуацию в свою пользу, отбросив приёмы и тенденции, приносившие гарантированный успех в начале 70-х годов, и с подачи Ф. Заппы приняв подход live-in-the-studio. Маленький штрих в этом плане - микро-зарисовка "Big Buns" в начале вокально-инструментальной "Out To Get You".
"На их прежних альбомах...", - рассказывал Заппа одному из изданий, - "...их запродюсировали в доску! И если эта пластинка не принесёт им признания, то значит во всей Америке не осталось нормальных ушей. Это рок-н-ролльный альбом года, друзья мои! Это их ноты, их музыка, это их первый диск, на котором они действительно те, кто ини есть". В ходе записи материала Заппа предоставил каждому из четверых полную свободу действий, чего никогда не делали продюсеры GFR в прошлом. Они научились самостоятельно работать со студийным оборудованием, с микшерным пультом.
В программе альбома невероятный пронзительный вокал, словно у микрофонов стояли не Фарнер с Брюэром, а совершенно другие люди, на порядок более сильные, чем ведущие вокалисты "железнодорожников". Причём, во многих композициях они поют дуэтом, на два голоса (в припевах так вообще во всех треках), и это, надо признать, весьма впечатляет! Особенно проникновенно и органично они звучат в "Just Couldn't Wait" и роскошной рок-балладе "Miss My Baby". Более того, на бэк-вокале задействованы и басист Мел Шахер и даже пианист Крейг Фрост, который вообще петь не умел. Основные усилия в написании материала, как и прежде, приложил М. Фарнер (8 песен из 10 - его творения; ещё одна композиция "Can You Dig It" - кавер-версия хита 1964 года негритянского состава The Contours), однако вокальные партии они с Доном Брюэром исполнили примерно поровну.
В своей песенной поэзии М. Фарнер на сей раз вновь обратился (как это он регулярно делал на стыке 60-70-х годов) к социально-политической тематике. О чём напрямую говорят названия некоторых песен, как, скажем, "Don't Let 'Em Take Your Gun" ("Не позволь им забрать твоё оружие"). Или, допустим, мало что значащее для нас "1976", но без разъяснений понятное любому американцу. В том году Соединённые Штаты отмечали своё 200-летие.
Много лет спустя все как один музыканты группы с теплотой и ностальгией отзывались о том времени, что они потратили на работу над этой пластинкой. Однако, когда подошёл к концу процесс сведения записанного материала, а менеджмент GFR, не сомневающийся в непременном успехе будущего альбома, уже планировал маршруты предстоящих гастролей, разговоры о расставании вспыхнули вновь. Фрэнк Заппа вспоминал о той крайней ночи, когда до четырёх часов утра пытался переубедить парней не делать этого... Всё было напрасно.

Кто-то когда-то сказал: даже победоносное сражение не может совсем обойтись без потерь. Весь вопрос в весомости этих потерь.
Grand Funk Railroad сделали великолепнейший альбом. Это была их большая победа. Однако потери от той победы оказались несовместимыми с жизнью. Группа распалась, о чём потом каждый из четверых сожалел. И даже когда в 1980 году Марк Фарнер и Дон Брюэр реанимировали GFR, их усилий вернуть группу на былые позиции без Мела Шахера и Крейга Фроста оказалось недостаточно.

МихаилБогданов  23 апр 2019

Пожалуй, именно 1993 год был наиболее богат на знаковые альбомы в жанре техно-дэт: Cynic, Death, Atheist, Sadist, Pestilence, Gorguts... Но для меня именно данный альбом является не только лучшей записью 1993 года в этом направлении, но и вообще краеугольным камнем всего истинного олдскульного техно-дэта. Спродюсирован он, кстати, легендарным Скоттом Бёрнсом в студии Morrisound.
В этом альбоме всё классно: и сюрреалистическая обложка (что-то посередине между Босхом и Дали), и вокал (Стефан Бюрье отлично и гроулит, и злобно хрипит, и изредка поёт чисто), и умное, интеллигентное, выверенное почти до миллиметра звучание (хотя баса можно было бы и добавить-таки), но главное - сами песни! Почти все великолепные, яркие и непохожие друг на друга. Да, лично для меня номера 1, 3 и 6 не так убойны, как остальные (ну и трек 4 полноценной песней считать нельзя), но всё равно это не умаляет сочинительских достоинств ребят. Соло все к месту и красивые, никакого гитародрочерства нет и в помине, никто из музыкантов не тянет одеяло на себя. Нет и никакого заумствования и самолюбования, какие порой были у их заокеанских коллег даже в то время (не говоря уже про нынешние творения в этом жанре), всё слушается очень легко и, я бы сказал, "честно".
В 1993 году они выпустили также и хороший миньон "Cross the Threshold", выдержанный в том же стиле, а вот после уже пошли гораздо худшие работы, к сожалению, ни в какое сравнение не идущие с обозреваемым шедевром (в т.ч. и две новые работы, вышедшие после довольно долгого молчания).
Пару баллов снимаю только из-за того, что упомянутые 3 песни, на мой взгляд, послабее остальных, и несмотря на это альбом - просто сокровище для всех ценителей жанра!

Equitant  21 апр 2019

В последние пару лет Kruger стали какими-то завидно плодовитыми. Выпустили отличный альбом в прошлом году, выпустили прекрасный альбом в начале этого года... и вот опять - новый альбом! И если "Созвездия фар" слушался весьма привычно, вполне себе вписываясь в стилистику последних лет, то "Свирепый пёс" являет собой нечто более обособленное.

Я не раз встречал мнение, что лучше бы группа придерживалась стилистики первых двух альбомов. "Рождённый мраком" и "Эмбрион" были весьма смелыми записями на фоне выходивших в конце 80-ых отечественных релизов в жанре Metal. Однако, время показало, что группа смогла найти своё уникальное звучание, сочетая в своём стиле как тяжесть и мелодику, так и невероятно закрученные соло.

Но несмотря на вышесказанное, Kruger всегда стремились не только развиваться музыкально, но и поддерживать связь со своей аудиторией, прислушиваясь к пожеланиям фанатов. И в этот раз коллектив решил порадовать своих олдскульных слушателей, а потому "Свирепый пёс" по звучанию получился куда как ближе к самым первым двум альбомам. Собственно, первый же трек "Воины Света из Адского Пекла" вполне себе вписался бы в трек-лист "Рождённый мраком" или "Эмбрион".

Одним возвращением к корням история не закончилась. Как я уже писал, группа сочетает в своём стиле как тяжесть и мелодику, так и невероятно закрученные соло. Поэтому одним брутальным Thrash Metal "Свирепый пёс" не ограничен. Ограничения не коснулись и лирической составляющей. Более того, текста получились весьма хулиганскими, непривычно хулиганскими для Kruger, но вполне себе в рамках жанра. Я бы даже сказал, что по духу группа оказалась близка как никогда к Motorhead, которые не стеснялись петь на самые разные, даже непопулярные темы.

В общем и целом, альбом оставил приятное, очень благостное впечатление. Под "Свирепый пёс" можно и башкой потрясти, и пивка попить. И вообще, релиз очень сильно поднимает настроение. Такого количества позитива от прослушивания музыки я не получал уже давно, за что спасибо коллективу.

Exceptional  20 апр 2019

Случилось это в 1982-м году. Музыканты Supertramp, в составе которого ещё вовсю креативил Роджер Ходжсон, готовили программу для альбома "...Famous Last Words". 10-минутное Demo "Brother Where You Bound" рассматривалось как потенциальный трек для этой пластинки, но после недолгих обсуждений было решено не включать эту композицию в трек-лист. По той простой причине, что она не вписывалась в концепцию будущего альбома.
А в 1983-м Р. Ходжсон выбыл из состава группы, отправившись в одиночное творческое плавание. Это событие надолго выбило Supertramр из состояния равновесия - уж слишком ощутима оказалась потеря. Ощутима настолько, что даже полтора года спустя для студийной работы над следующим LP Рик Дэвис, непререкаемый авторитет в составе команды, был вынужден созвать в помощь с десяток серьёзных музыкантов.

В этом месте я призадумался - каким путём следовать дальше, продолжая этот обзор. Можно бы было посвятить его весь непосредственно музыке и этим ограничиться, она того стоит. Или же порассуждать о том, что за события сопутствовали созданию и выходу альбома, помня о том, что в любом случае неизбежно придётся его оценивать. Можно, конечно же, попытаться совместить эти две задачи не вылезая за разумные рамки. Попробую, возможно и справлюсь.

Итак, отверженная два года назад заготовка с названием "Brother Where You Bound" стала стержневым звеном, базовым элементом нового альбома группы Supertramp. А заложенная в том треке идея получила развитие, оформившись в концепцию для всей программы. Внимательный слушатель в этом теперь уже 16-минутном эпосе должен услышать немало любопытного. Первым делом это нечто едва ощутимо "пинкфлойдовское". И не только потому, что гитарные партии в этом номере исполнены Дэвидом Гилмором (вместе со Скоттом Горэмом, гитаристом Thin Lizzy), что уже само по себе кое-что объясняет. Это и затронутая в этой композиции тема "холодной войны", которую Pink Floyd нередко "обыгрывали" в своих работах. Это и будто бы сложенное из отдельных мелодических фрагментов композиционное построение с меняющимися ритмами, последовательными импровизационными отрезками гитаристов, саксофониста Дж. Хеллиуэла и, разумеется, клавишных Рика Дэвиса во всём их многообразии, что характерно и для PF той поры (достаточно вспомнить их альбом "The Final Cut", 1983 г.). Это и обилие различных звуковых и шумовых эффектов в духе тех же Пинк Флойд.
Но вот что ещё было замечено и отмечено музыковедами и критиками в разного рода изданиях. В этом разнообразии стилей, мешанине темпов и ритмов, эти люди услышали вкрапления танцевальных мелодий. Сознаюсь, что за тридцать лет, что я время от времени слушаю эту "супертрэмповскую" работу, подобное мне даже в голову не приходило. Журналисты же и критики усматривают в этом тенденцию, которая по их мнению обозначилась ещё на пластинке 1982 года "...Famous Last Words". Не стану это комментировать.
Кстати, премьера альбома "Brother..." была организована для нескольких десятков избранных представителей масс-медиа, которым был зафрахтован спецрейс на "Восточном экспрессе" по маршруту Париж - Венеция, где всем этим уважаемым людям показали ещё и 20-минутное видео, посвящённое титульному треку.
Отзывы от услышанного и увиденного были на редкость позитивными, акцентировалось, что подобных работ (напомню, это была середина 80-х годов) определённо недостаёт. Особо были отмечены "кристаллический звук", сильные выступления приглашённых музыкантов и сложность композиций. Музыка для гурманов, но не только. Группу хвалили, что она приняла смелое и где-то даже новаторское решение исполнить программу альбома в "прог-поп-рок" звучании, где со всей очевидностью прослеживаются ритмично-танцевальные мотивы, и что это не есть плохо. И что вероятно это огорчит и расстроит старых поклонников Supertramp, но неизбежно привлечёт к этой их музыке новых. Таков был лейтмотив самых первых публикаций.
Как всем нам известно, именно средства массовой информации, обладая приоритетным правом голоса, формировали в те времена общественное мнение и в известной степени влияли на успешность или неуспешность как музыкальных коллективов, так и их работ. Сложно сейчас судить о том, насколько тогда огорчились старые поклонники группы и как долго они были неутешны, я себя к их числу никогда не относил. А музыка Supertramp действительно претерпела заметные метаморфозы.
Стартовая "Cannonball" ("Пушечное ядро"), самая рейтинговая вещь этого альбома (входила в Тор-30 десятков европейских и не только стран), действительно звучит, если вдуматься, в джаз-танцевальных ритмах. Нечто подобное фрагментарно можно услышать и в "Better Days", в композиции с серьёзным и даже суровым сюжетом, наполненной звуковыми эффектами, где танцевально-джазовые мотивы накладываются на некую словесную пикировку четырёх ключевых участников президентской компании 1984 года в Штатах. Отсутствие Роджера Ходжсона особенно ощутимо в меланхоличной, почти депрессивной "No Inbetween", где в основном тревожно звучат клавишные и каменный вокал Рика Дэвиса. Покинув группу, Ходжсон вынудил Дэвиса в одиночку писать музыку, сочинять к ней тексты и по мере возможности петь. Почему-то никому не пришло в голову в плане хоть какого-нибудь мажорного диссонанса использовать бэк-вокалистов. Завершающая программу эпитафия "Ever Open Door" - это по-сути сольный номер Р. Дэвиса без участия других музыкантов. Не самое весёлое окончание.

В специальном обзоре Prog Sphere когда-то было сказано (цитата): "Brother Where You Bound" является ярким примером расширенного и продвинутого "прога" в своём лучшем виде и поэтому настоятельно рекомендуется всем, кроме тех поклонников "prog", которые считают "рор" чем-то плохим". Что тут ещё добавишь?

МихаилБогданов  15 апр 2019

Новый релиз Eluveitie поклонники ждали так же упорно и самоотверженно, как, вероятно, в свое время читателями ожидался выход заключительной части трилогии другого великого швейцарца. Да так устали от затянувшегося ожидания, что по мере выхода синглов успели если не переругаться, то, как минимум достаточно поспорить. Ведь как и в случае с великой трилогией – неизвестно, закончится ли ожидание хэппи-эндом.

Да что тут говорить, любая команда, обладающая столь всеобъемлющей любовью поклонников, в определенный период времени проходит буквально через огонь, воду и медные трубы. Первое пламя вспыхнуло несколько лет назад, когда было объявлено о тотальной смене состава с сохранением на своих позициях лишь бессменного лидера Chrigel Glanzmann'a и бас-гитариста Kay Brem'a. С тех пор немало воды утекло, и при участии новых музыкантов был выпущен полуакустический альбом, послуживший продолжением релиза 2009 года «Evocation». Однако одной лишь акустикой слушателей не купишь, она требует «хлеба и зрелищ», что в данном случае есть фолк и мелодический дэт-метал.

Первый сингл "Rebirth", очевидно, был выбран неслучайно и даже чересчур символично. Собственно, это «возрождение», как и сам альбом, должны были диагностировать, жив пациент или скорее мертв, как тот галльский язык, который используют музыканты в своем творчестве. Как показало дальнейшее прослушивание, группа, к счастью, живее всех живых.

Открывает пластинку одноименная композиция "Ategnatos". Мужской монолог в начале и эпическое интро – всё что нужно, чтобы с размахом начать как альбом, так и последующие лайвы в его поддержку. Заданная стилистика вызвала приятные воспоминания об одном из самых успешных полноформатников группы – "Slania". Однако, несмотря на внешнее сходство с альбомом 2008-го года, общий саунд изменился, что читается как в тяжелых вещах ("Mine Is The Fury", "Worship"), так и в «попсе» ("Ambiramus", "Breathe"). Изменилось и звучание колесной лиры. Трэк "Worship" тому пример – здесь инструмент задает адскую инфернальность и драматизм. К слову, к созданию этого трэка был также привлечен небезызвестный вокалист Lamb of God Randall Blythe. Вероятно, благодаря ему "Worship" стала самой тяжелой композицией на пластинке.

Многие фишки предыдущих релизов группа повторила и в "Ategnatos", однако в сравнении с тем же "Origins", здесь они лишены мелких шероховатостей и их нельзя назвать штампами. Тут уж каждый выбирает сам, тратить ли время на выискивание скопированных нот или наслаждаться оригинальным почерком коллектива. Eluveitie не только «самоплагиатом» заигрывает с поклонникам, но выбирает достаточно хайповые темы для своих трэков, в частности название "Mine Is The Fury" практически слово в слово повторяет девиз дома Баратеонов из сериала «Игра престолов», выход финального сезона которого запланирован на тот же апрель 2019.
Не обошлось и без очевидно спорных моментов, например, таких как гитарное соло в "Black Water Dawn". Тут уж, как говорится, «что написано пером», однако уместность его в конкретной композиции вызывает вопросы. Пожалуй, к спорным моментам также можно отнести вокал Fabienne Erni, который не избежал сравнений с предыдущей вокалисткой Anna Murphy. Да, манера исполнения первой более эстрадна, нежели андеграудный вокал предшественницы. Вероятно, именно по этой причине "Ambiramus" и напрашивается на конкурс Евровидение, чего ранее не случалось с "The Call if the Mountains" и "A Rose For Epona". Тем не менее, голос Fabienne обладает широким диапазоном, она умело использует различные вокальные техники и с легкостью берет высокие ноты. Кроме того, появление в группе Fabienne позволило добавить новый инструмент – кельтскую арфу, чье волшебное звучание в полной мере раскрылось во вступлении к "The Slumber".

Говоря об оформлении альбома, который вышел также и на виниле, стоит упомянуть о венчающем обложку излюбленном персонаже гельветов – вороне. Он же появляется и в двух клипах, выпущенных незадолго до официального релиза - "Ategnatos" и "Ambiramus". Мрачные темно-синие оттенки для колористики восьмого полноформатника оказались подобраны как нельзя удачно, и если бы можно было увидеть краски музыкального полотна, они были бы такими же иссиня-черными.

Альбом получился сложным, многогранным и цепляющим, чего нельзя с такой легкостью сказать о предыдущих релизах. Хоры, струнный квартет и галльские напевы отсылают к эпохальным альбомам группы, что не может не растрогать олдскульных фанатов. Цельное и продуманное полотно вполне заслуженно получает высший балл.

Zorachka  13 апр 2019