|
|
 |
|
| Эталонный "последний альбом" перед уходом записали ирландцы. Обреченный и предназначенный быть не понятым с первого раза, "Teethed Glory and Injury", без сомнения, является т.н. grower-ом и, как часто бывает, что поначалу заронило в нас сомнение, может через некоторое время стать куда более крепким абсолютом, чем иное предсказуемое великолепие. Альбом словно агонизирует, он очень удушливый, усталый, но с искорками подлинной жизни и теплоты, которые тем заметнее, чем безрадостней окружение. В своем предыдущем творении ирландцы создавали гармонический монолит, здесь же – колкие, отвергающие связь друг с другом частности, трэков больше и они лаконичнее. Апологеты экологической ориентации блэка блеклыми красками написали катастрофу, и эмоциональная палитра диска явно навевает пустоту и депрессию. Средства музыкантов разнообразны и зачастую неканоничны: здесь порою хочется услышать маткор ("God Alone"), полнейшее же обезвоживание блэка непременно прошло через пост-рок. Музыканты творят полутонами, музыкальные фразы неброские и трудноуловимые. Сквозной динамики или драйва, как в предыдущих релизах, на "Teethed Glory and Injury" днем с огнем не сыщешь – диск рваный и непоследовательный, максимально контрастный, если сопоставить околошугейзовые мантры и диссонирующие экстремальные всплески. Где-то есть маршевые отрезки, где-то обрывки бластбита, усталые гитары то наигрывают незатейливые пост-роковые мелодии, то рубят некие заупокойные брейкдауны. В помощь ирландцам не только эмбиент, но и электронные манипуляции, что придает драматическим пьесам команды некий индустриальный привкус. Музыка то кажется выстраданной и зрелой, то непосредственной и зародышевой. Блэк все же есть – и он необычайно уместен как кульминация в каждом конкретном случае, в его нерегулярные появления музыка Altar Of Plagues только и исполняется эйфории и, как ни странно, некоей надежды.
Хитов или приятных песен последняя ласточка ирландцев не принесла (на прошлом, ей богу, были), это горький труд почти научного толка, технократический тлен XXI века. Зато музыканты, мне кажется, глубже и умнее других внедрили пост-рок в свой стиль, он не столько в крещендо, сколько в негромких задумчивых инструменталах, навроде тех, что между делом встречаются в записях GY!BE, или в умеренной, вкрадчивой электронике, какую можно было бы услышать у Tortoise. Признайтесь, от термина "блэкгейз" становится нехорошо и назвать Altar Of Plagues представителями cего клише было бы чем-то вроде унижения, у них тоже thinking man's metal. Аналогий "Teethed Glory and Injury" в стиле я не нахожу. Однако хипстерской обложку диска не сочтет только ленивый.
|
|  |
|
|
|
|
|
| От кармы, безусловно, не уйдешь. Сколько ни пытайся, а всё равно вернешься ровно на ту тропинку, которую она тебе когда-то приготовила. Карма в лице финской формации Shiraz Lane, а точнее их второго альбома, настигла меня внезапно, выпрыгнув, как чертик из коробочки. Сама группа попала в поле моего зрения еще в 2016 году, но особого внимания тогда не привлекла, хоть и запомнилась - очень уж неоднозначно и взахлеб звучал их дебютник «For Crying Out Loud».
По этой работе финнов было понятно, что творческого потенциала у ребят более чем достаточно. Настолько "более чем", что они сами далеко не всегда могут справиться с бешеным калейдоскопом собственных мыслей, идей и эмоций, и выражают их в своей музыке сумбурно и скопом. «For Crying Out Loud» был настолько напичкан задиристым юношеским драйвом и стремлением надрать задницы всем и сразу, что при прослушивании в какой-то момент хотелось буквально отойти в сторонку и не мешать юным дарованиям нестись на полном ходу, путаясь в проводах от оборудования. Как говорится, эту бы энергию, да в нужное русло...
Свой второй полноформатник «ширазы» ваяли под руководством шведского продюсера Пера Альдехейма, которому, похоже, удалось найти способ управлять этим бьющим через край энтузиазмом. Более того - облекать этот переливающийся, как огоньки аттракциона, веселый хаос во внятные и интересные музыкальные формы.
При первом, не аудиальном знакомстве, альбом под названием "Carnival Days" не дает почти ни намека на свою музыкальную составляющую. Обложка альбома (кстати, подозрительно напоминающая облогу "Megalomania" от Kissin' Dynamite) весьма минималистична и никаких скрытых смыслов вроде бы не несет. Да и название из серии "праздник к нам приходит", в принципе, может означать всё что угодно. То есть, ворота этого парка развлечений хоть и распахнуты, но что таится за ними – пока еще непонятно.
Однако карусель, фейерверки и ловкость рук безо всякого мошенничества начинаются буквально с первых аккордов. Первый же трек - "Carnival Days", одним своим вступлением обескураживает и заставляет задаться вопросом «куда мы вообще попали»? И только вокал Ханнеса Кетта – тембристый, узнаваемый - дает понять, что мы действительно на празднике жизни made by Shiraz Lane. "The Crown" с её тяжелым вступительным риффом непрозрачно намекает, что развлекаться предлагается всё же в формате рок-концерта, а не цирка-шапито. А вот "Tidal Wave", куплеты которой по степени приставучести напоминают что-то среднее между Kiss и ABBA, снова раскачивает лодку нашей уверенности, особенно на контрасте с "Harder To Breathe" – первым синглом этого альбома. Хрестоматийная, как по учебнику хард-рока выполненная вещь, которую не портит даже скучноватая басовая линия. Вокал Ханнеса Кетта здесь чем-то напоминает вокал Клауса Майне – что ж, вопросов нет, учиться надо у великих.
Вообще, избежать реверансов в сторону кумиров детства юным финнам, прямо скажем, не удалось. Так, большим приветом Skid Row звучит "Shot Of Life", а "Hope" и вовсе представляет собой вольное изложение на тему "аэросмитовской" "Crazy". И между всем этим великолепием поблескивают хитовая и задиристая "War Of Mine" и "People Like Us" - с её от души и навылет сыгранной партией клавишных, которая вызвала такое количество споров в Сети. Интересна и "Shangri La", мерное звучание которой, вкупе с полумедитативной лирикой, словно отпускает нас в плавание по широкой и спокойной реке наших мыслей.
Говоря о вокале, который для меня был просто камнем преткновения на дебютнике, нельзя не отметить грамотную расстановку сил на новой работе. Фирменные верха Ханнеса Кетта, который на прошлом альбоме кажется задался целью выдать максимальное количество высоких частот, никуда не делись. Но кроме них на "Carnival Days" он демонстрирует и умелое владение своим голосом, и новые краски, крутецки порыкивая, например, в "War Of Mine". Не вызывает нареканий и работа ребят-инструменталистов. Приятно слышать, как слаженно звучит ритм-секция в лице бас-гитариста Йоэла, который заметно прибавил на новой работе, и барабанщика Аны, чей исполнительский сумбур уступил место четкому и внятному звучанию, а мелодичные гитарные соло Яне и Мики изящно и органично вплетаются в эту канву.
Интересна и лирика альбома – «типично-ширазовская» с одной стороны, она стала куда менее прямолинейной и более цепляющей. Даже когда тандем «форма – содержание» больше напоминает изощренный сарказм, а между строк проглядывает то самое стремление дать увязшему в собственном эго миру мощного пинка под зад. Традиционный месседж о том, что лучше делать любовь, а не войну дополняют почти плакатные призывы жить «здесь и сейчас», держаться вместе в неспокойные времена и не переставать мечтать, несмотря ни на что.
Отдельного внимания заслуживает заключительный трек "Reincarnation". Причудливое смешение хард-рока, элементов хэви, внезапная вставка рэгги, шестым чувством ощутимые отсылки к творчеству Майкла Джексона и Queen – в какой-то момент на ум приходит бессмертная "Bohemian Rhapsody". Восемь минут чистейшей музыкальной магии, изящно закольцованные звуками бьющегося сердца.
После того, как стихает последний записанный удар, немного приходишь в себя и понимаешь – пятеро юных финнов сотворили потрясающе красивый, взрослый, сверкающий каким-то голливудским блеском альбом. Альбом, полный цепляющих мелодий, интересных музыкальных решений и хорошей, продуманной и злободневной лирики. Не стану говорить, что это прыжок выше головы – задел у Shiraz Lane был, и немалый. Но от того, насколько красиво, грамотно и, в каком-то смысле, бесстрашно выполнена эта работа, у меня до сих пор захватывает дух. И я просто не могу перестать восторгаться изящным диалогом саксофона и лид-гитары в заглавном треке, внезапными кастаньетами в "Shangri-La", отголосками ситара на "Shot of Life", и шикарным соло всё того же саксофона на "Gotta Be Real".
Всегда непросто искать новое там, где всё давно уже найдено. Да не просто найдено, а попилено на составляющие, перетасовано в разном порядке и утащено под вывеску "собственного оригинального саунда". Кто-то следует по пути наименьшего сопротивления и просто окунается в уже готовый жанр, переживающий, например, "вторую молодость". Кто-то пускается в творческие поиски и пытается совместить несовместимые, на первый взгляд, вещи. А кто-то просто играет то, что нравится, особо не заморачиваясь на том, как это называть. Последнее, впрочем, сейчас в тренде и каждая вторая группа, название которой вам ни о чем не скажет, будет в интервью уверять, что они-де "вне всяких стилей и играют что хотят". Shiraz Lane так или иначе сочетают в своем творчестве все эти варианты. Но делают это настолько красиво, с умом и по-взрослому, что нельзя не признать – если на финской сцене и объявился новый шериф (с) – он объявился совершенно заслуженно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом был записан за одни октябрьские выходные.
Вглядитесь в обложку альбома. Унылый, если не сказать уродливый, пейзаж, который своим видом уже проел ваш взгляд настолько, что для вас подобен запаху воздуха. Такой можно увидеть из своего окна, и хотя он будет выглядеть иначе, в этом главном он абсолютно эквивалентен представленному на фото.
Невнятный сезон, глухое небо и одинаковые дни. Неуверенная геометрическая фантазия, которая не то пытается оживить эти постройки, не то упростить их до примитива кривых кубов и призм, потому что в вашей голове они уже превратились в нечто подобное, после того, как вы обошли их тысячи раз.
Это рецензия на музыкальный альбом, но я не могу описать словами это звучание. Не так-то и много в этом смысла, если вы легко можете послушать его непосредственно. За последние 20 лет, в которые формировался жанр post rock, выходило не так много альбомов, которые были интересны и новы. У грандов, согласно версии last.fm, в нулевые и десятые всё больше было моды (хайпа), дилея, тремоло и стен звука. Но эпохальные альбомы не делаются по канонам. Ярчайшим образом это показывали Godspeed You Black Emperor на "f#a#oo", отчасти The White Birch на "Star Is Just a Sun", и несомненно Escape the Day на "Ghostless". Атмосфера создается не благодаря спектральной плотности, когда всего и побольше, а благодаря правильным акцентам. Можно задействовать больше 10 инструментов, можно всего 4, включая голос. Главное - сформировать атмосферу и её посыл, причем для этого последний крайне желательно иметь. Kausal сделали в этой работе именно так. Атмосфера опустошенности, обессиленности и меланхоличной созерцательности, которая уже скорее происходит сама собой как заведённая, а тот, кто её испытывал, незаметно забылся где-то в прошлом. Своём ли, чужом ли... Теперь уже не сконцентрироваться, не вспомнить. Сил не осталось.
Когда вы что-то хотите, но не можете. Собираетесь с силами и снова пытаетесь, но ничего не изменяется. И вы снова берете передышку, и ещё раз. Солнце снова встаёт своим механическим восходом и греет этот мутно светлый мир. Мир, который не устанет от ваших попыток. Через время покажется, что больше нет сил хотеть. Но вы хотите, пусть и скорее след этого чувства, чем оно само, но что-то ещё может теплиться, и себя не обманешь. Самое время вглядеться в обложку альбома и нажать play. Примерно через полчаса станет понятней насколько этот альбом тёплый и солнечный, и насколько вам тепло от его теплоты.
|
| |
|
|
|
|
|
| На тот факт, что я не поставил на группе жирный крест в 2014-ом году, повлияла, в первую очередь, моя безграничная вера в людей. At the Gates даже в рамках первых четырёх релизов радовали лишь эпизодами, а “громкое возвращение” в виде “At War with Reality” даже на такое не сподобилось. Классный звук и “Language of the Dead”, выкинутая в бонусную секцию – вот и весь сказ. Казалось бы, это всё, пациент вернулся из комы лишь для того, чтобы попрощаться и окончательно сгинуть в небытие.
Три трека затравки сенсацией не обернулись, но показали, что, с одной стороны, шведы способны косплеить свои нетленки пусть и весьма палевно, но с заботой (заглавная тема), а с другой, что у них ещё остался порох в загашнике. При привычной стилевой базе и традиционных методах звукоизвлечения “To Drink from the Night Itself” звучит вдохновенно, уверенно и, что особенно приятно, невыразимо угрюмо. Причём, порой настолько, что кажется, как будто парни изначально дёрнулась лабать по думу, но на полпути протрезвели. Такое с ними и раньше случалось, но я не помню, чтобы это было в таких лошадиных дозах. Невиданное доселе дело: из 11 песен (интро не в счёт) абсолютно не понравились аж целых две. Этими неудачниками оказалась связка “A Labyrinth of Tombs”-“Seas of Starvation”. 9 песен, про которые можно сказать больше хорошего, чем плохого – это почти революция.
Мелодэт мелодэтом, но ставку на атмосферность звучания тут не заметит только глухой. Большинство треков исполнены на средних или малых скоростях, а в песнях преобладает такая тревога, что можно стать параноиком. Но при этом практически ни в одной из них это чувство не эволюционирует в панику и ужас, хотя хотелось бы. Предел роскоши – сентиментальная меланхолия в красивейшей “In Nameless Sleep” и ложные проблески надежды, венчающие “Palace of Lepers”. Осторожная, если не сказать пугливая, мелодика оседает плотным конденсатом на прямолинейную риффовку, размазывая как песни, так и границы между ними, из-за чего плюсы ставки на атмосферу становятся фактом крайне субъективным. Попросту говоря, песни сливаются между собой под общим настроением, у которого меняются лишь оттенки, из-за чего возникает проблема идентификации. На выраженном контрасте с таким положением дел качовая “The Chasm”, в иной ситуации ставшая бы образцом заурядности, тут превратилась чуть ли не в звезду вечера. Жаль, что осторожная тактика группы и тут сыграла роль, и угар не поимел достойного окончания, выдохнувшись после середины.
Вторит этому и звук альбома. Глухой и пыльный, он ещё больше подчёркивает стремление команды растворить свой мелодэт до потери осязаемости. И если неторопливым темам это только помогает, то те немногие более-менее боевые песни, вроде заглавной, неизбежно теряют свою мощь, не получив возможности раскрыть весь свой потенциал.
Вообще, в плане подхода к сочинительству “To Drink from the Night Itself” напоминает поздний Dark Tranquillity, где также много разреженного пространства и какой-то недосказанности. Но если последние плотно “запостились” (да и с настроением у них попроще), то At the Gates атмосферят исключительно при помощи привычных средств. Максимум, что они позволяют себе взять со стороны, это струнная секция, венчающая альбом. “The Mirror Black” с решимостью самоубийцы неторопливо водит ножом по запястьям, оставляя после себя не то пустоту, не то эйфорию. И вопрос: это реквием? Или же на закате своей карьеры At the Gates смогут ещё порадовать?
|
| |
|
|
|
|
|
| Гомер писал, что сам меч подстрекает к насилию. Однажды отведав крови, холодная сталь уже никогда не утратит своей жажды: безумный водоворот застит взор багряной пеленой, и весь мир сжимается до острия меча, диктующего свою упрямую и злую волю. И покуда сердце еще гонит по жилам раскаленную лаву, а легкие вдыхают кипящий, пропитанный болью, воздух битвы, покуда земля не примет свою дань, с пути крови не сойти.
Уж чего-чего, а крови и стали на новом релизе Ross The Boss предостаточно. Такое чувство, что даже коробка альбома липнет к рукам из-за сочащейся алой жижи, а заточенной болванкой можно легко перекраивать глотки всяким уродам, которые, например, подрезают на светофоре, или не уступают старушкам место в метро. Аррргх! Что-то меня занесло. Это все Марк Лопес виноват. Его пронзительный вокал, в лучших традициях "Риппера" Оуенса, наполнен такой безудержной, просто вулканической, яростью, будто глотку ему дерут все демоны ада, а в штаны залез не кто иной как сам Джиперс Криперс. Не веришь? Заведи "This Is Vengeance", "Fistful Of Hate" или "Play Among the Godz" и скажи потом, что не захотел громить магазины и вышибать зубы. Какой-нибудь слюнявый индивид может вменить товарищу Лопесу, что он-де излишне кривляется и пришепетывает, но, поверь, последнее, что ты будешь делать, глядя в разверстые очи несущегося на тебя с топором наперевес берсерка, это глумиться над его шахматной улыбкой. Так что лучше подбери замаранные портки и не позорься. Впрочем, выдающиеся вокальные способности позволяют Марку достойно проявлять себя и в других областях. Весомым тому примером может стать эпичная "Fate of the Fallen", ставшая подлинным украшением пластинки. Клянусь драккаром своего прадедушки, я на полном серьезе полез проверять, не песня ли это оригинальных Manowar: настолько органично она смотрелась бы в репертуаре "Воина". Практически идеальная вещь для правильных гетеросексуальных посиделок в Вальгалле с кружищей мёда и верными товарищами. То же можно сказать и собственно о каверах, примостившихся в конце лимитированного альбома: они звучат по-новому, но отлично дополняют основной материал, не оставляя ощущения "того самого" концерта, на котором ждёшь битый час, слушая всякое дерьмо, чтобы в конце концов припасть к живительной классике.
Гитара, говоришь? Але, это Росс. Росс зе Босс из Manowar. Нужно ли тут ещё что-то говорить? Если нужно, то подставляй свои розовые ухи и внемли. Росс — мастер. Гитара в его сильных руках способна вышибать дух пулеметной очередью на пару с отбойным молотком, литься полноводной рекой невероятных соло, навзрыд рвущих тугие струны суровой мужской души, и вальяжно катиться риффами по пыльным американским хайвеям, чтобы завернуть в полутемный бар и сломать там пару-тройку бильярдных киев о крепкие бритые затылки. Тут каждая нота дышит классикой и историей, мать твою. Это нужно записывать для учебников. Да, качество записи действительно не фонтан, но здесь именно тот случай, когда лизоблюдские изыски ни к чему: такие пластинки не будут слушать лысеющие любители прог-рока на своих японских вертушках позапрошлого столетия. Да и к дьяволу их, этот кровавый ураган может раскочегарить полновесное безумие и с пары дешевых компьютерных колонок, и в этом его главная сила.
Я не буду ставить "By Blood Sworn" слишком высокую оценку. Ставить ему десятку, это все равно, что рядить хулигана-рецидивиста в короткие штанишки ради "приличной" фотографии в школьный альбом. К черту. Это не тот диск, который вы будете смаковать, поигрывая толстым стаканом с бурбоном, и не та пластинка, которую вы заведёте своей подружке, дабы развести её на пару романтических часов. Это диск не для зануд, нытиков и позеров. Он для злых, кровожадных и одержимых, у которых демоны пинками расшатывают рёбра, чтобы вырваться наружу и устроить ад на земле. Hail and Kill!
Диск предоставлен компанией FONO.
|
| |
|
|
|
|
|
| Frontiers Records, помимо того, что стали пристанищем для большого количества Hard Rock и Progressive Metal команд, славятся еще и своими необычными проектами по объединению известных музыкантов в общих проектах. Известны дуэты Аллена и Ланде, Киске и Сомервилль, и др. Теперь лейбл решил совместить двух талантливых брошенок из Финляндии: Яни Лииматайнена и Аннет Олзон.
Любопытно отметить перед обсуждением альбома "The Dark Element", что Лииматайнен, под крылом всё тех же Frontiers Records, выпустил два альбома с небезызвестным Тимо Котипелто под вывеской Cain's Offering. И материал представленного диска представляется мне не иначе, как нерожденный третий альбом упомянутого проекта, который был перекроен под вокал Олзон. Во-первых, Котипелто сейчас занят плотнее, чем в том же 2009-ом. Во-вторых, это было бы практично.
Альбом целиком и полностью хитовый. Более того, сами песни довольно качественно рассортированы в трек-листе. Весьма динамичная и мелодичная четверка в начале лаконично сменяется балладой "Someone You Used To Know", которая позволяет мозгу и ушам расслабиться. Передышки хватает ровно на то, что бы организм сбросил избыток адреналина и был готов принять новую дозу динамики.
Жанр альбома вернее всего определить как Modern Metal. Ударные скачут чуть быстрее среднего темпа, но не срываются в двухбочечную канонаду. Гитарные партии очень риффованные, что является не просто классической фишкой Лииматайнена, но еще и являлось в прошлом основой у Sonata Arctica. Огромное количество клавишных располагает не только симфоническими пассажами, но и электронно-синтетическими, в духе поздних Pain, например.
Также, приятно осознавать, что несмотря на все события прошедших лет, Аннет Олзон продолжает расти над собой, совершенствует свои вокальные возможности. Целиком и полностью она раскрывается на таких треках, как "Someone You Used To Know", "I Cannot Raise The Dead" и "Heaven Of Your Heart". Вообще, следует уделить внимание тому, что во всех песнях очень много вокала. Пусть текста не являются выдающимися по смысловой нагрузке, но приятно, что человек постарался проделать физически колоссальную работу для не самого крупного проекта.
Музыкально "The Dark Element" представляет из себя нечто, ставшее в наши дни реликтом. Лет 15 назад альбом был бы воспринят многими, как "очередной привет из Финляндии". Но если посмотреть на список релизов прошедших лет, то нетрудно понять, что жанр если не умер, то пребывает в коме. И потому материал данного альбома сродни возвращению домой: забытые ощущения и эмоции, ставшие такими родными когда-то, вызывают удивление с привкусом грусти. Но тем и ценнее "The Dark Element", что эмоций от него больше, чем от очередной пустышки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Команд, играющих deathcore, в мире, бесспорно, очень много. Но совсем немногие возникают на уме при попытке построения ассоциативного ряда между жанром и конкретными бандами, чья музыка оставила в памяти хоть какой-то осадок. Aegaeon к таким командам, безусловно, относятся, хотя оных и нельзя назвать крайне продуктивными на фоне иных групп, кующих релизы раз в один-два года. «Age» - это всего лишь вторая полноформатная работа за уже более чем десятилетнюю историю коллектива, чья музыка известна как весьма мощными вокалами, так и забористым и сложным в исполнении инструменталом. Вышеперечисленные атрибуты группы на этом альбоме присутствуют, и в избытке, а прочно обозначенный еще годы назад фирменный звук по-прежнему порадует всех любителей подобного саунда. И всё бы хорошо, если бы не одно НО - и ведь куда сейчас без этого! Картину альбома портят как раз партии, созданные многочисленными секвенсорами и синтами – теперь группа, зачастую, не дополняет палитру инструментальной части играми в ambient, как ранее, а представляет слушателю огромные куски подобных музицирований едва ли не в каждом треке (в начале и конце). Не каждому захочется слушать весьма заунывные трели, чье призвание, видимо, кроется в создании определенного «космического» настроения. Это не «космос» - это скука. Не самый продолжительный альбом просто изобилует подобными бесталанными эпизодами, создание которых сейчас подвластно любому, кто просидит за Fruity Loops буквально полчаса. Группе прекрасно удается играть deathcore и мочить в жанре похлеще, чем иные ветераны сцены – но ровно так же прекрасно ей удается делать одинаково скучные, унылые оды творчеству Brian'а Eno, что и не позволяет ставить релизу высшую оценку. А хотелось бы.
|
| |
|
|
|
|
|
| Записав в двухтысячных несколько малоинтересных альбомов, легендарные франко-канадские авангардисты от металла решили вспомнить о былом величии, и в 2013-м году выпустили работу по своей форме и духу сопоставимую с их собственными магнум-опусами в лице "Dimension Hatross" (1988) и "Nothingface" (1989).
Музыка, представленная на этом диске (так же как и на упомянутых выше классических работах коллектива), есть не что иное как визуализация ночных психоделических кошмаров, в которых присутствуют инопланетные захватчики, биомеханические роботы, поработившие человечество, и всякого рода твари ползущие под ногами, помноженные на витиеватые ломанные структуры построения композиций и фирменное звучание. В общем, самое настоящие буйство красок не совсем здоровых снов.
Уже на первых секундах одноимённого с альбомом первого трэка, когда после нескольких секунд тревожных звуков вступает басовый грувовый рифф, напоминающий огромный бульдозер, сметающий всё на своём пути, а после этого за дело берётся вокалист Снейк (Дэнни Беланже), со своим как всегда по-панковски язвительным вокалом, становится понятно, что Воеводы снова в форме. Ну а дальше - больше. Вторую, стремительную вещь "Kluskap O'Kom", можно сравнить с полчищами муравьёв, бегающими в нейронных сетях твоего головного мозга... Cледующая за ней, угрюмая и мрачная "Empathy For The Enemy", это уже тоска по выжженной земле, спалённой в результате атаки нездешних насекомых... В принципе, продолжать можно ещё долго, но не стоит. А вот сказать о том, что исполняемая на этом творении музыка заставляет рисовать в твоём воображении апокалиптически-психоделические рисунки, вынуждает раз за разом переслушивать и неоднократно возвращаться к этому альбому, дабы найти упущенные при прошлом прослушивание нюансы - стоит. Что является несомненным и жирным плюсом.
Ну и под конец нельзя не отметить прекрасно вписавшегося в коллектив новичка в группе - гитариста Даниэля Монгрена (получившего, следуя воиводовской традиции, кличку Chewy), который заменил собой ушедшего из этого мира Пигги (Дэнни Д'амур). Хоть он и не стал точь в точь копировать покойного Дэнни (соло всё же отличаются), но в целом - всё в рамках фирменного звука.
P.S. Все описанные образы являются вымышленными и не имеют чётких аналогий с текстами песен.
|
| |
|
|
|
|
|
| Marduk окончательно решили закрепить за собой статус адептов национал-социалистического блэка? Похоже на то. Ведь раньше шведы чередовали альбомы с текстами о Вермахте и СС с работами, доверху наполненными ортодоксальным блэковым богохульством и мракобесным средневековым дьяволопоклонничеством. А тут уже второй диск подряд выдержанный в милитаристской стилистике Третьего Рейха. Сначала был "Frontschwein" три года назад, теперь вот свеженькая "Viktoria". Я уже не говорю о дате релиза (22 июня) и включении кадров кинохроники с малолетними членами Гитлерюгенда в клип на титульный трек. Оставим это всё на совести самих музыкантов. Однако лично мне даже стало интересно, как Морган и Со будут оправдываться в интервью от клейма апологетов идей одного австрийского художника-ефрейтора.
Но это все лирика и идеология, перейдём конкретно к музыке. А в музыке Marduk верны себе и нордически-выдержанны. Всё тот же блэковый шквал, перемежающийся среднетемповыми номерами и лязгом гусеничных траков. Единственным исключением из этого творческого лекала у шведов на новой работе является "Werwolf". Открывашка получилась откровенно припанкованной по звучанию и производит непривычно-обманчивое впечатление. Но уже “June 44” и особенно “Equestrian Bloodlust” о 8-й кавалерийской дивизии СС “Флориан Гайер” расставляют всё на свои места – перед нами всё тот же Marduk со стеной барабанных бластбитов и скоростным гитарным чёсом Моргана. А вот, чадя густым дымом, медленно и неотвратимо под вопли Мортууса: “Panzer VI – Tiger I!”, детище концерна “Хеншель” наводит на нас своё 88-миллиметровое орудие. Пожалуй, самой яркой песней альбома стала “Viktoria” , за которую Алексей Рыбников и Юрий Энтин должны тащить шведов в суд за плагиат. Ибо ор вокалиста Marduk: “ВИК-ТО-РИ-ЯААА!” до боли в зубах напоминает известное всем советским детям: “БУ-РА-ТИ-НО!”. Вообще, если же сравнивать “Viktoria” и “Frontschwein", то свежая работа проигрывает предшественнику и по хронометражу, и по убедительности создаваемой атмосферы, и по части плотности звучания. После “Frontschwein" я ожидал несколько большего, а на выходе получил просто очередной альбом Marduk. Неплохой, профессионально записанный, но особого впечатления не производящий.
P.S. Буквально за неделю до выхода “Viktoria” Мортуус нежданно-негаданно разродился третьим полноформатником своего проекта Funeral Mist, где представил абсолютно иную трактовку блэка – но это уже совсем иная история…
|
| |
|
|
|
|
|
| CREATE
ENJOY
DESTROY
Если предыдущий релиз Eternal Dirge ("Morbus Ascendit" 92 года), несмотря на Лавкрафтовские темы и прочую мистику, имел достаточно серьёзный настрой (всё-таки остросоциальные песни и любование смертью там превалировали), то "Khaos Magick" вперяет зрачки в магию, как ни странно, хаоса, забывая о вездесущей насильственной и не очень смерти. Но Лавкрафт и его неописуемые всё же оставили след и в этом муз. старании банды.
Тексты (по большей части), как и положено в магии хаоса, где нет объективной истины, можно интерпретировать по-разному. Они полны сюрреализма, космических пространств, закоулков помутнённого разума, и восприятия мира исключительно через ощущения.
Музыкально альбом отдаёт такой же атмосферой "другого" мира. Как и на прошлом альбоме, Eternal Dirge здесь творят совмещая тяжесть с более мелодичными моментами, лишь с установкой на большее использование клавишных. Музыка всё так же витиевата и требует более одного прослушивания. Никуда не делась всеобщая стопроцентность материала, содержательного и без изъянов. Всё здесь великолепно и прослушивается в один миг.
И, следуя своему выработанному стилю, ребята записали ещё один, к сожалению, многими упущенный, шедевр. Первый альбом задал очень высокую планку, трудно сказать, была ли она превзойдена, но уж точно не опущена. Пред нами, всё же, два шедевра одного стиля.
P.S. Пиши я эту рецензию, к примеру, в 2016 году, возможно, посетовал бы на то, что группа распалась после выхода этого альбома. Но если верить метал-архивам и комментариям к альбому на ютубе, группа хотя бы раз, но ещё успеет нам что-нибудь показать. Не разочаруйте!
|
| |
|
|
|
|
|
| Российские core-вые команды, кажется, были и будут обречены на провал и распад столько, сколько будет еще в стране энтузиастов, желающих играть соответствующую музыку. Эдакое проклятие нашей тяжелой сцены не обошло, разве что, корифеев типа Stigmata или Jane Air, и то уже давно перепаковавших свои музыкальные потуги на нечто более доступное массовому слушателю. Те же, кто до конца оставались верны себе и слушателю, практически все сошли на «нет». Тому есть объяснение – зарабатывать на соответствующих жанрах в эпоху всеобъемлющей попсы и, с недавних пор, возникновения новых кумиров школьников в лице тех же реперов новой волны, всё сложнее.
Math Marriage: Abel and Krell возникли в тот самый короткий период, когда лить эмо-слезы было уже совсем не модно, а таскать идеи про djent и некий progressive metalcore с Запада у нас еще не додумались. Короткий период в 1-2 года, ознаменовавший собой моду на музыку, которую играли Botch, Norma Jean, The Chariot (и вообще всё то, что до сих пор маркируется тегом «chaotic hardcore») привнес на нашу сцену некоторое количество команд – на ум приходят те же Marta Prell, Kevin Carter's Apology, Shibo, For You.Earth, Leavin Osaka и банда с необычным названием +/-. Иных уж нет, а те далече! Math Marriage в этом смысле видятся некоторыми ветеранами жанра в России, подкрепив свой высокий статус пластинкой, вышедшей после пятилетнего перерыва.
Совершенно ясно, что третья кряду работа, в первую очередь, нужна музыкантам как средство самовыражения. Погони за трендами в «Иконе» совсем нет – это совершенно радикально выверенный, в четких границах, LP, какой в РФ больше уже не запишет никто и никогда – с оглядкой на мало популярные ныне решения при высоком, едва ли не профессиональном уровне как композиторской работы, так и реализации задуманного в студии. При этом никто, уверен, не скажет, что представленный на пластинке материал есть нечто новое, есть нечто ранее никем не сыгранное. Отнюдь. Тем не менее, все нивелируется отсутствием какой-то вымученности, какой сквозят иные пластинки, которые мы можем отнести к пресловутому «core».
За 70 минут хронометража альбом неоднократно успевает сменить настроения – от агрессии и злобы до меланхолии и легкой грусти. Этому способствует не только инструментал, но и, как ни странно, вокальные рисунки и текст, который впервые за долгие годы знакомства с нашей сценой хочется найти в интернете. В композициях практически всегда нет места структуре «куплет-припев», имеют место быть эпизоды без участия вокалиста. В дополнение хочется повторно отметить и большую студийную работу, свидетельствующую о явном росте мастерства всех тех, кто был ответственен за этот релиз.
«Икона» является, пожалуй, едва ли не единственным за долгое время образчиком релиза выверенного и комплексного. Там, где иные ударяются в сочинительство с надеждой впарить свое творчество неискушенной, нетребовательной и, отчасти, безмозглой публике, Math Marriage: Abel and Krell остаются искренними и перед собой, и перед слушателем. А это крайне ценно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Lucifer - интернациональная команда музыкантов, где еще вчера, например, играли такие ортодоксы, как Gary Jennings из культовых Cathedral и Andy Prestidge из Angel Witch, и исполняли они, разумеется, дум-метал с легким налетом стонера. Именно таким вышел три года назад дебютный альбом группы, с незамысловатым названием "Lucifer I", где под вероятным авторитетом Gaz Jennings'a и благодаря его гитарному мышлению, музыкальный материал представлял собой весьма мрачноватую минорную музыку, крепко сдобренную оккультной лирикой. Но, как говорится, недолго музыка играла - "старички" разбежались по своим делам, а на их место заступила свежая кровь в лице Robin Tidebrink'a и Martin Nordin'a, известных по шведским коллетивам Saturn и Dead Lord, а за барабанную установку сел никто иной, как Nicke Andersson из Entombed. И если задаться вопросом на повестку дня - как это повлияло на сам коллектив и его стилистику, ответ будет весьма лаконичным и утвердительным - повлияло сильно кардинально!
Свежий альбом "Lucifer II" - это уже совсем иная история группы, где нет места угнетающему минору и обильной оккультной чертовщинке, а дум уступил своё место классическому хард-року, родом из 70-х годов. Единственное, что осталось неизменным - великолепный голос вокалистки Johanna Sadonis, который, как и раньше, задевает за тонкие струны души и будоражит своим тембром. Недаром эту роковую блондинку часто сравнивают с самой Jinx Dawson, что, в общем и целом, не только соответствует действительности, но и вполне заслуженно. То, что Johanna прекрасно владеет своими вокальными данными, было и так понятно по её участию в ранних творческих проектах, но именно в Lucifer она раскрылась в полную мощь. Под стать вокалистке также не подкачали и остальные члены группы, хотя в уровне их мастерства навряд ли приходится сомневаться, учитывая из каких коллективов они вышли. Отдельной похвалы безусловно заслуживают такие технические аспекты, как запись и сведение альбома, которые выполнены на очень высоком уровне. Учитывая посредственное звучание дебютного альбома, это было бы сложно не отметить. Ну и конечно же, сам музыкальный материал, который также исполнен просто бесподобно! Традиционный хард-рок, с отдаленным эхом от блюз-рока, напоминает о Black Sabbath, Deep Purple, Rolling Stones, Fleetwood Mac... в их лучшие годы. И хоть структурно музыка коллектива опирается на сакраментальные для стиля (ретро хард-рок) ходы и техники, то с какой душой и отдачей музыканты преподнесли свой вариант видения этой музыки, навряд ли может быть когда-то подвергнуто какой-то серьезной негативной критике, особенно в среде почитателей подобной ретроспективы.
Да, стоит признать - Lucifer переобулись, что называется, в воздухе, перестали заДУМчиво нагнетать и грузить, а позволили себе немного расслабиться и внесли немного позитива в своё творчество, что сказалось на группе определенно лучшим образом. Свежий альбом коллектива практически полностью лишен каких-либо недостатков, прекрасно записан и спродюсирован, определенно располагает хитами и чудным кавером на "Роллингов", что в целом как бы намекает на серьезную заявку - альбом года, разумеется, в своем жанре.
|
| |
|
|
|
|
|
| Да не введёт в заблуждение, но избавит нас от поспешности фатальная, словно приговаривающая прямолинейная риффовка, особенно тех, кто думает, что у треша здесь доминирующий пакет акций. Не вижу никаких проблем с дэтом. Его просто нет. Бластбитовое "тыканье" со всплывающими из-за подтаявших торосов патологическими "проходами" закручивается в незатейливые дэтовые узорчики, но гипертрофированным трешем быть не перестаёт. Звук травматически-звенящий. На память приходит сошедший с расформированного конвеера Incubus образец 1990 года, только подостывший, а также кое-что из Sodom, и не столько схожестью структур, сколько подходом к делу. Мелькнули редкие кусочки блэка и грайнда, но осколочно. Экспертиза пришла к выводу, что бомбу начиняли тем, что было: болтами, гайками, рубленными кусками ленточной стали, шарикоподшипниками и кварцевой крошкой - приоритетов, как и нравственных устоев, у организаторов теракта не обнаружено. Если бы Thrash metal решил материализоваться и, скажем, если не завоевать мир, а напугать блок NATO, то обрёл бы формы этого альбома.
Кстати, и обрёл. Если охарактеризовать произошедшее после того, как убраны трупы и снято оцепление, то в двери, ломая притолоку и косяки, впихивается слово "жестокость". Не в плане оголтелости или накала - руки убивавшего не дрожали от гнева, не метались в мстительном запале, а делали это с навыком профессионально обставленного самосуда, прикрывая зевок, чтоб кровь клиентов не ляпнула в рот. Что касается "Треша", то именно его ДНК дало группе структуру жизни - вспомним дебют группы и то, как вдохновителями своими ребята называли Kreator и Sepultura. Чем техничнее дэт, тем меньше душегубства, а CC всегда имели чутьё на расправу, понимая, что уровень техничности сверх определённых кондиций делает материал добрее и задумчивее. Как говорил Цзю: "Вы либо двигаетесь, либо бьёте". Сбросив технодэтовое снаряжение, из которого группа всегда брала лишь необходимое, отчего выигрывала в живодёрстве, CC сильно не стали отличаться. Это говорит о том, что некоторая эквилибристика у них в крови - сказалась естественная привычка убивать в неестественных позах. Мрака, как и трупного запаха, в рафинированном продукте стало меньше, что "не есть хорошо", болезненной инициативы - тоже. Среди вышедшего после "Bloodthirst" этот альбом оказался максимально непринуждённым и, не побоюсь сравнения, уверенно нанесённым. Однако, последняя инфернально-харизматичная работа была в 2012 году, с тех пор музыканты уверенно и непринуждённо не понимают - что делать. Куда оригинальнее "трешанулись" Obituary, их музыка действительно мутировала, а не обезвожилась. И, по-моему, "Red Before Black" не совсем будто Cannibal Corpse. Впервые в этот труп вошёл другой дух.
|
| |
|
|
|
|
|
| На своём втором творении этот флоридский коллектив продолжает гнуть линию своего предшественника. Это по-прежнему агрессивная и бескомпромиссная музыка на стыке трэша и дэта, с прямо-таки железобетонным саундом. За прошедшие три года с момента выхода первого лонгплея, в группе произошли существенные изменения в составе. Вместо покинувшего группу ради участия в Malevolent Creation, а впоследствии оказавшись и в рядах самих Cannibal Сorpse, Роба Барретта (потом, как известно, была чехарда с его уходом оттуда и возвращение в MC, чтобы вновь вернуться в состав Каннибалов и получить там на сей раз постоянную прописку), на вакантное место вокалиста/гитариста был принят некто Кристиан Рудес. Эта ротация не повлекла каких-либо заметных метаморфоз в голосовой подаче. Разве только что теперь ближайшие вокальные ориентиры, с кем можно сравнить его вокализы, это Томас Линдберг (At The Gates) и Мартин Ван Дрюнен (стоит ли напоминать коллективы с его участием?), только с меньшим градусом истеричности. Также стоит отметить, что сменился и басист.
Ну и что касаемо самого материала. А здесь просто кипят страсти: варится железо, булькает огненная лава, выплёскиваясь из адских котлов и обжигая чертей, не вовремя оказавшихся рядом. Всё это сопровождается стойким запахом серы. Правда вот только разобраться с первого раза во всех нюансах хитросплетений (то бишь, отличить одну вещь от другой) - довольно сложно. Настолько здесь всё монолитно и ровно. Потом, конечно, становится понятно, что рифф в "Denial" - убивает напрочь. А в "Closeminded Failure", с её остросоциальном текстом, короткое, но довольно мелодичное соло. Также как и обращающую на себя внимание "Bleeding Unborn" хочется слушать вновь и вновь. Оставшиеся трэки хороши, но не так заметны на общем фоне.
И пару слов про цементирующюю составляющую этого варева - про звук, который несомненно внушителен. По сравнению с дебютником он стал более выкристализированным что ли, т. е. чище и внятней, не потеряв при этом ни капли мощи и агрессии. Словом, правильно выкрученные рукоятки и перещёлкнутые тумблеры на аппарате, творят чудеса.
Резюмируя в конце, хочется сказать, что для всех любителей как дэта, так и трэша данная работа придётся по вкусу и займёт своё достойное место на виртуальной полочке ценностей. А у кого-то и вполне себе физическое место, на физической полке в коллекции. А всем остальным советую сначала, так сказать, изучить мат.часть, в смысле ознакомиться с работами олицетворяющими эти нелёгкие жанры, чтобы потом уже по достоинству оценить этот диск.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2017 году Obituary удивили. Олдскульное, стоявшее у истоков Death metal подразделение, заиграло Thrash metal. Что может быть необычнее? Понятное дело, звук многих дэт-формаций в последнее время (и раньше бывало) фабриковался легче, чем предписывается законами жанра, но на одноимённом альбоме имеет место не просто облегчение саунда, а нарочитая трешеобразность. Звук не только подсушен, но даже поддаётся характерным шелестящим, присущим Thrash-металлическому звучанию, дисторшном. Коме того, сами композиции построены на риффах, испокон века употребляемых трешерами (а это, знаете, наглость). Простоватая риффовая структура имела место и на предыдущих альбомах, но там была дэтовая простоватость, допускающая трешеобразность, а теперь это именно трешевость, допускающая перегруженность звука и своей подсушенной тупой массой лишь напоминающая, что группа имеет не трешевую конституцию. Парням (которым лет под 50, наверное) видимо весело поиграть в Thrash-угар и они могут себе это позволить, но съесть подобное с наскока мне лично от Obituary непросто... Хотя я и получил удовольствие от прослушивания и при предварительном прослушивании отобрал для себя 7 треков. Несмотря на то, что релиз диска я проморгал (где-то на годик), радость, что вышел альбом одной из любимых групп, которой в обед будет (или было?) 30 лет, наполняет душу. И бокал. Понятно, что этот недо-дэт играется в пере-треш осознанно, потому что звук звуком (всякое бывает, не докрутили регистры, ошиблись педалью), но в манере игры неприкрыто бесчинствует Thrash.
Obiruary и Thrash - оказывается, они совместимы. Слушающих чистый Thrash metal, если подсунуть им данный релиз, звук отпугнёт, ибо как ни ряди птеродактиля в курицу, курятник будет шататься, и хозяева побегут звать кого-нибудь из ближайшей военной части. По-прежнему барабаны прописаны слишком по-дэтовому увесисто, соло-партии, несмотря на оголтелый, опять-таки удивляющий трешеобразный почерк, вдруг пронизывающе зависают на старый манер, да и голос, хоть и сдал прежние позиции, временами трудно назвать трешевым. Однако, для тех кто любит Death metal, ситуация получается - ни то, ни сё...
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть такие группы, которые, что называется, не лезут грудью на амбразуру. Они могут находиться уже едва ли не полвека на сцене, иметь в послужном списке золотые альбомы, престижные награды и успешные мировые турне, быть на слуху даже в наши дни, но все равно оставаться в тени так называемых "больших" команд. Часть из таких формаций порой всплывает из давнего небытия ярким и сенсационным реюнионом, а некоторые просто продолжают стабильно творить, регулярно выпуская альбомы на радость пусть и не самым многочисленным, но преданным фанатам. Немцы Bonfire как раз из таких. Команда возрастная (особенно если прибавить к их дискографии альбомы выпущенные в самом начале восьмидесятых под вывеской Cacumen) и в кругу любителей европейской харды достаточно известная, особенно за весьма успешные в Европе и Штатах пластинки "Fire Works" и "Don't Touch the Light". Само собой, Германия подарила миру столько больших имён в хард-роке и хеви, что на фоне гигантов вроде Scorpions и Accept могут запросто потеряться даже такие молодцы, как Bonfire. Вот и получается, что люди, даже зная о существовании коллектива, о текущих делах команды часто имеют весьма смутное представление. И это, товарищи, прискорбно, ведь новый диск немцев, второй альбом, записанный в обновлённом и помолодевшем составе, можно с лёгкостью назвать выдающейся работой в своём жанре.
Первое за что хочется похвалить альбом с самых первых самых нот, это качество записи. Парадоксально, но в тот момент, когда последние работы групп явно выше рангом часто критикуют за спорное, неудачное, а порой и откровенно плохое звучание, крепкие середнячки из второго эшелона в своих небольших независимых студиях записывают такой качественный звук, что любо дорого. "Temple of Lies" — как раз из таких альбомов. Звук на нем практически эталонный: плотный и качающий в боевиках и хрустально-невесомый в мелодичных балладах. О звуке вообще можно было бы не говорить; в конце концов, двадцать первое столетие на дворе, и технологии позволяют делать с записью все, что угодно в своём собственном подвале, но до ведь до сих пор появляются в музыкальной индустрии альбомы, от которых вянут уши. На их фоне качество Bonfire - это настоящая отрада, и за это нужно хвалить.
Второй момент это вокал. Старые любители "Костра" до сих пор иногда сокрушаются, что Ханс Циллер в очередной раз рассорился с Клаусом Лессманном и заменил вокалиста. Но, по-хорошему, против такой замены могут протестовать разве что ненавистники всего нового, либо сугубые фанаты Клауса. Молодой Alexx Stahl прекрасно исполняет песни Bonfire, а его широкий диапазон и разнообразие вокальных техник добавляет группе новые возможности для создания новых хитов. Например, высокие партии а-ля Judas Priest и Accept в бомбической открывашке. Мог бы такое изобразить сейчас Клаус? Вряд ли. Вообще, в своём обновлённом звучании Bonfire заходит почти что на территорию melodic power metal: композиции "Stand or Fall", "Fly Away" и "I'll Never Be Loved by You" яркий тому пример. Плотный звук и скоростные соло вкупе с яркими вокальными партиями и хуковыми припевами, способны привлечь к группе фанатов с более "тяжелыми" предпочтениями. Очень хороши и нетривиальные баллады вроде "Comin' Home", полные неподдельных эмоций, и точно также украшенные плотным, глубоким звуком. Эти композиции, пусть и построены по классической схеме, но отнюдь не воспринимаются бестолковым довеском для галочки. Грамотные аранжировки и изящные вкрапления клавиш очень хорошо сочетаются с гитарным изобилием, которым заведует сам Циллер.
"Temple of Lies" это сильный и "молодой" альбом от опытной группы, с великолепным качеством записи, современным звучанием и целой россыпью отличных мелодий. Работа свободная от каких бы то ни было унылых стариковских брюзжаний и бессмысленного пережевывания прошлого, способная порадовать любого любителя классической харды и не только. Уже давно можно говорить о том, что AFM стабильно выпускают достойные релизы в жанре мелодик-харда, такие как новые работы Sinner, Voodoo Circle и Shakra, и новый диск Bonfire в эту плеяду вписывается как никто другой.
PS
Тем, кто недоумевает по поводу психоделического двадцатиминутного нечто в виде второго бонус-трека, настоятельно рекомендуем ознакомиться с готовящимся интервью с лидером Bonfire, где тот подробно и с юмором рассказал, откуда вообще взялась такая идея.
Диск предоставлен компанией FONO
|
| |
|
|
|
|
|
| Если первый сольный альбом греческого гитариста Гаса Джи, вышедший в 2001-м году, был полностью инструментальным, то второй и третий уже пестрили кавалькадой приглашённых звёзд разной степени яркости и «трушности». Но четвёртый же опус талантливого шредера был записан, по сути, в формате трио!
С гитарами (и частично клавишными) справился сам маэстро, барабаны записал Will Hunt (Evanescence, ех-Black Label Society), а бас, клавиши и абсолютно весь вокал взял на себя весьма известный музыкант и продюсер Dennis Ward, который за всю свою долгую карьеру всегда был отмечен только на «бэках».
Тем не менее, Дэннис показал очень неплохое владение голосом и справился со своей задачей на удивление успешно! Мало того, альбом, записанный одним вокалистом, звучит более ровно и монолитно, чем «разношёрстный» вариант, который мы имели возможность слышать на «I Am The Fire» (2014) и «Brand New Revolution» (2015).
Ну, и продюсерский талант Уорда позволил добиться очень мощного и фирмового саунда, который преподносит в лучшем виде весь технический арсенал Гаса, а также радует звучанием каждого отдельного инструмента. К тому же, и сам материал, на мой взгляд, получился достаточно сильным, хотя и не особо богатым на суперхиты, каким я бы назвал, скажем, трэк «What Lies Below» с предыдущего альбома грека.
Из 13-ти композиций, представленных в расширенном издании, выпущенном на ФОНО, лишь четыре инструменталки, каждая из которых хоть и не являет никаких откровений, но всё же достаточно интересна (конечно, преимущественно для любителей виртуозной гитарной игры), причём, особенно порадовал лаконичный, но изящный 1,5-минутный акустический бонус «In A Dream».
При том, что Гас не сильно менял стилистику и остался в рамках современного хард-рока, грувовая составляющая музыки заметно возросла, в результате чего «Fearless» звучит предпочтительнее предшественников также и в плане тяжести, что отлично демонстрирует открывашка «Letting Go» и, пожалуй, самый забойный трэк «Don’t Tread On Me», напоминающий поздний Pretty Maids.
Но самый главный сюрприз на данном релизе – это кавер на Dire Staits’овскую «Money For Nothing», который, с должным уважением к оригиналу, был неплохо модернизирован как музыкально, так и текстово (как говорится, в ногу с техническим прогрессом). Но, к сожалению, большим жирным минусом всего творчества Гаса является то, что профессионализм и технический уровень этого музыканта выше его креативных способностей. Во всех проектах он выполняет свою работу на очень высоком уровне, но практически без намёка на оригинальность.
Конечно, отличное звучание и музыкальное чутьё не позволяет Гасу откровенно халтурить, но и всемирные чарты с таким материалом, увы, ему не взорвать. Не хватает незримого компонента, который выводит качественную работу в разряд выдающейся, а стандартные композиции в категорию захватывающих и неожиданных музыкальных решений. Так или иначе, альбом неплохо слушается целиком (как фон), на нём присутствует примерно половина вполне достойных трэков, но в остальном – это обычный альбом под маркой «именитого» гитариста, которого большинство узнало лишь благодаря сотрудничеству с Оззи Озборном…
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Перед нами яркий пример того, как легко прогадать, пытаясь заработать на творчестве. Этот альбом с грохотом закрыл первую часть творчества отнюдь не бездарной группы Europe. Это потом группа вернулась, несколько изменив общую стилистику. Так было и с Deep Purple, и даже в какой-то степени с Black Sabbath. Честно сказать, только Black Sabbath сумел понравиться мне в своём обновлённом облике конца 80-х - и то альбомы 90-х были уже не те. Deep Purple утратил всё своё классическое великолепие уже со вторым альбомом перезапуска.
Теперь, когда предисловие в лице этого исторического экскурса осталось позади, вернёмся к Europe. Шведы, увы, сдали весьма быстро. Первые два альбома запоминались, даже будучи продуктам подражания британской метал-арене. Голос Темпеста звучал молодо и отчаянно, а довольно быстрый ритм во многих произведениях создавал характерную энергетику. Это была волна, которую ребята схватили и держались на ней. За ней последовала визитная карточка группы - первый глэм-альбом "The Final Countdown". Это был пик. Популярность глэма в те годы устрашающе росла, но... практически только за океаном. Вдумайтесь: если вас попросят назвать несколько глэм-коллективов, при этом стараясь игнорировать американцев, вы, может, и справитесь, но их просто не будет. Американские коллективы вспоминать легче: там вам и Kiss, и Bon Jovi, и Motley Crue, и Twisted Sister... Из других стран - ну разве что Gorky Park, эта же Europe и ещё пара безвестных исполнителей. Да и в целом: удачно исполнять типичный для какой-то другой страны жанр - большая удача. Разве что у финнов получилось и немецкий пауэр несколько изменить, и шведский мелодик-дэт догнать.
У Europe не всё сложилось гладко. После первого успешного опыта глэма был второй - одновременно и менее яркий, и стабильно качественный. И без Норума он звучал несколько иначе - не так, как первые три работы. А при прослушивании пятого альбома первая мысль - "Караул, подменили!". Композиции звучат слащаво и как-то совсем неэнергично. Они стали похожи на самый, что ни на есть, американский глэм, чего слушатель не ждал вовсе. Это отказ от самобытности и выверенного в других работах стиля. Что бы ни говорили преданные фанаты группы, это откровенный крах.
Напоследок добавлю, что даже при некоторых интересных композициях в более поздних альбомах Europe осталась безликим коллективом, некогда исполнявшим оригинальную и запоминающуюся музыку, и сменившим это благое дело на коммерцию. Не хочется быть категоричным, но и правде в глаза смотреть небесполезно. Всё.
|
| |
|
|
|
|
|
| Роб Барретт в первую очередь известен как многолетний гитарист легендарных флоридских дэтстеров Cannibal Corpse. Также он знаменит своим участием в других легендах американского дэт-метала Malevolent Creation, записав с ними несколько альбомов, среди которых культовый "Retribution" (1992). Но мало кто вспомнит, что до Малеволентов и Каннибалов Роб был одной из ключевых фигур в трэш-дэтовой формации Solstice (не путать с британским дум-метал коллективом!), и успел записать с ними одноимённый дебютник. О котором и пойдёт речь. Причём здесь он, помимо привычной для себя роли гитариста, выступил ещё и в качестве вокалиста.
И немного о других славных тружеников сего металлического цеха. Это, во-первых, басист Марк Ван Ерп (Cynic, Malevolent Creation, Monstrocity), барабанщик-многостаночник Алекс Маркез, переигравший со множеством ярчайших представителей заокеанской экстремальной сцены и заработав тем самым весьма зачётный послужной список. И гитарист Деннис Муноз (ex- Demolition Hammer) - единственный несменяемый участник группы. Естественно, что такая сборная по металлу просто не могла ударить лицом в грязь, и выдала на гору достойный материал. Достаточно ровный и в меру хитовый, насколько вообще такое определение подходит для такой музыки. С первых же минут звучания становится понятно, что пощады не будет никому! Мощный, зубодробительный трэшевый риффинг, агрессивный язвительный полурёв-полурык, местами напоминающий молодого Чака Шульдинера, барабанная канонада и эпизодические бласт-биты не дают расслабиться ни на минуту!
Песни, как и было сказано ранее, ровные и выдержаны в общем ключе. Единственная вещь, выделяющаяся на общем фоне, это хард-коровая "S.M.D." - кавер на Carnivore. Из остального можно выделить стартовую "Transmogrified", "Eternal Waking" со вступлением навевающим ассоциации с техно-дэтом. Качёвую "Cataclysmic Outburst" и самую злую и дэтовую, эпичную "Netherworld". В паре композиций гостевое соло сыграл вездесущий Джеймс Мёрфи. Само собой, всё это приправлено плотным и хорошим звуком.
И как итог: отличная работа малоизвестного коллектива, лишь немного не дотягивающая до шедевра. Обязательно к прослушиванию (и желательно к приобретению в коллекцию на физических носителях) для всех ценителей олдскула.
|
| |
|
|
|
|
|
| В ноябре 2017-го года на AFM Records вышли ремастированные переиздания двух дебютных работ шведов Evergrey, благодаря чему фэнам группы и сочувствующим также представилась возможность приобрести и лицензионный вариант этих релизов от компании ФОНО. И если дебютник «The Dark Discovery», выпущенный в далёком уже 98-м году, всё же попадает в категорию «музыка не для всех», то «Solitude Dominance Tragedy», вышедший годом позже, рассчитан уже на более широкую аудиторию. Мало того, можно смело назвать одной из самых оригинальных работ Evergrey, прежде всего в связи с особым атмосферным звучанием и интересными аранжировками.
Да, именно аранжировки и являются главной «фишкой» этого необычного альбома, полностью оправдывающего приклеившийся к группе ярлык «dark progressive». Если на дебютнике группа делала упор на мощный гитарный риффинг, то на «Solitude Dominance Tragedy» клавишные (в том числе и пианино) «апгрейднуты» в категорию полноценных инструментов, почти наравне конкурируя с гитарой в миссии донесении до слушателя главных музыкальных тем. Так, например, в мрачноватой полу-балладе «The Shocking Truth», повествующей об опыте похищении людей пришельцами, гитара вообще носит лишь фоновый характер. Самое интересное, что на момент записи второго альбома клавишника в группе вообще не числилось, хотя все партии сессионно записал некий Zachary Stephens (не путать с вокалистом Savatage).
Помимо серьёзной работы по украшению композиций приятными аудио-сюрпризами типа речевых сэмплов, соло на скрипке в открывающем трэке или вкраплений арфы и женского вокала от супруги Тома Карины, всё же стоит отметить и растущий композиторский потенциал Evergrey. Хотя голос Энглунда всё ещё несколько сыроват (впрочем, его хрипловатый голос и сейчас далеко не всем приходится по вкусу), драматизм в его партиях уже вполне очевиден и даже убедителен, а сами вокальные партии стали более продуманными и цепляющими. Мало того, альбом открывает трэк «Solitude Within», который легко войдёт в десятку лучших трэков Evergrey, как и следующий за ним вампирический хит «Nosferatu». Динамичные песни с хорошей клавишной подкладкой, дуэлями мужского и женского вокала и солидной гитарной работой настолько хороши, что до сих пор входят в концертные сетлисты шведов.
Также весьма интересный трэк и завершает альбом – мрачнейшая «The Corey Curse» с поистине гипнотизирующими клавишами, пинкфлойдовской гитарой, «мэйденовскими» сдвоенными соло, интересной самостоятельной басовой линией, а также мрачной лирикой, пропетой Томом с душераздирающим трагизмом. К сожалению, остальной материал на альбоме хоть и кажется на первый взгляд вполне «на уровне», но особой цепкостью не обладает. Совсем проходных трэков на альбоме нет (хотя на эту бесславную номинацию всё же претендует слишком уж отстранённо-тусклая баллада «Words Mean Nothing», но и та по-своему оригинальна), а интересные моменты можно найти в каждой из девяти «основных» альбомных композиций, а также бонусной демке «To Hope Is To Fear», но всё же выше дарксайдовской семёрки альбом не заслуживает.
К тому же, ремастеринг не смог кардинальным образом исправить не самый лучший продакшн от, казалось бы, именитого Энди Ля Рока. Грязноватые гитары немного тонут в миксе, а клавиши хоть и довольно разнообразны, зачастую звучат далеко не фирмово, что сильно портит впечатление от изначально масштабной задумки по симфонизации материала. Тем не менее, далее в группе последовали смены состава и звучания, знаковые альбомы и эксперименты (не совсем удачные), а «Solitude Dominance Tragedy» так и остался стоять особняком. Именно поэтому он очень неплохо слушается до сих пор, несмотря на свою, скажем так, неидеальность.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Дебютный альбом шведских прогметаллистов Evergrey вышел в 98-м году и теперь, спустя 19 лет, переиздаётся на AFM Records, а вслед за ним и по лицензии на Фоно. И хотя изначально за звук отвечал Andy La Rocque, снискавший славу в рядах группы Кинга Даймонда, ремастеринг от стахановца аудио-цеха Jacob Hansen всё же был уместен, не только потому, что за это время технический прогресс ушёл вперёд, но и из-за не совсем идеального баланса инструментов в первоисточнике, который был слегка подправлен.
На «Dark Discovery» вместе с бессменным гитаристом/вокалистом Томом Энглундом играли неплохие музыканты, имевшие достойный технический уровень, особенно с учётом того, что это первая работа Evergrey. Клавишник Will Candra участвовал только в этом альбоме и, басист Daniel Nojd и гитарист Dan Bronell записали с группой два релиза, а барабанщик Patrick Carlsson – аж четыре. И хотя с тех пор никто из них в тяжёлой музыке замечен не был, каждый музыкант внёс свой весомый вклад в раннее творчество Evergrey, особенно Патрик своими мощными, местами чуть ли не дэтовыми барабанами и Дэн, очень неплохо сыгравший весомую долю соло на данном релизе.
Дебют группы, уже тогда избравшей путь так называемого dark progressive, можно назвать более атмосферной копией Nevermore – тут также слышны по-шведски тяжёлые риффы, надрывный, эмоциональный вокал, но добавлена мрачноватая аура благодаря неброским клавишным партиям. Начиная с этого релиза, в каждом альбоме Evergrey можно услышать харизматичный вокал супруги Тома, Карины Энглунд, а гостевые соло сыграли вышеупомянутый Andy La Rocque и гитарист-виртуоз Mattias Ia Eklundh (Freak Kitchen).
«Dark Discovery» можно назвать «пристрелочным» альбомом, в котором группа лишь начала поиск своей «ниши» в металлической музыке и, по сути, кроме неплохого качества записи и тяжести не смогла показать ничего выдающегося. Хрипловатый вокал Тома звучит пока не очень уверенно, ярких хитов здесь тоже не наблюдается, а прогрессивная навороченность не украшена сильной мелодикой.
На диске есть яркие моменты (неплохой припев в «December 26th», интересные заковыристо-проговые инструментальные части в «Closed Eyes» и «To Hope Is To Fear» и два довольно удачных лиричных фрагмента – акустическая двухминутная баллада «As Light Is Our Darkness» и «For Every Tear That Falls» с приятным сочетанием пианино и «семейного» вокального дуэта Карины и Тома), обильные, хорошо продуманные соло от обоих гитаристов, претензия на оригинальность, но… ничего по-настоящему цепляющего.
Хотя работа достаточно профессиональная, она скорее всего заинтересует лишь фанатов Evergrey, которые будут рады украсить свою коллекцию ремастированным изданием дебютного релиза шведов с новым оформлением. К тому же, бонус-трэком на альбоме присутствует достаточно интересная версия «Closed Eyes» с демо 96-го года, имеющая массу отличий от альбомной. В ней можно услышать не только продолжительные речевые сэмплы, но также и первого вокалиста группы.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| «Hymns For The Broken» стал приятным сюрпризом для всех фанатов Evergrey, которые уже не ждали возвращения группы из простецкого (хотя и достаточно профессионального) groove metal на проговые рельсы, с которых она сошла после альбома «The Inner Circle». По сути, это был последний по-настоящему сильный релиз «вечносерых», и на многократные перетряски в составе и эксперименты со звучанием и стилистикой ушло ровно 10 лет…
Хотя основными композиторами Evergrey остались гитарист/вокалист Tom Englund и клавишник Rikard Zander, всё же возвращение двух участников условно-золотого состава в лице гитариста Henrik Danhage и барабанщика Jonas Ekdahl явно стало толчком для нового творческого подъёма коллектива. Побаловавшись с «моднявой» музыкой в спорном проекте Death Destruction, они сыграли на «Hymns For The Broken» уверенно как никогда – это касается и соляков Хенрика, и барабанных партий Йонаса. Да и сам Том выдал, пожалуй, свою лучшую вокальную работу на данный момент – его голос на альбоме звучит максимально эмоционально и разнообразно, на пределе доступного ему диапазона.
Также шведы нашли на альбоме и весьма интересное звучание - гитары приобрели местами джентовую упругость, местами пост-металлическую атмосферность, а клавиши Рикарда снова расцвели всеми красками. И хотя на альбоме всего лишь один ярко-выраженный мощнейший хит «King Of Errors» (на который снят великолепный видеоклип), а добрая его половина представляет из себя полу-баллады разной степени лиричности, абсолютно каждый трэк обладает своим настроением и пропитан атмосферой безысходности, в которой находятся герои-революционеры, описываемые в объединённых данной тематикой песнях.
И хотя вряд ли этот релиз можно назвать лучшим в дискографии шведов, но по ряду пунктов он может легко занять пальму первенства – в частности, по аранжировкам, богатство и изящность которых может удивить даже самых прожженных профессионалов. На альбоме уйма приятных аудио-сюрпризов: пианинное соло в «A New Dawn», детский хор, срывающийся на гроул (!) в «The Fire», традиционные лаконичные женские подпевки от супруги Тома Карины, грамотное использование электроники, речевых и звуковых сэмплов в ряде композиций, неожиданное stoner’овое вступление в «Barricades», гипнотизирующая грув-джентовая гитарная тема в «The Grand Collapse», оттеняемая интеллигентным пианино и хорами и, конечно же, неброская, но очень красивая пинкфлойдовская слайд-гитара в «The Aftermath»!
Любителей же сложного прогрессива должны порадовать две заключительные композиции альбома, вышеупомянутые семиминутные полу-эпики «The Grand Collapse» и «The Aftermath». Хотя обе, опять же, можно посоветовать только фэнам навороченной музыки, ведь «вечносерые» всегда были группой специфической, а странная динамика данного релиза со множеством «лирических отступлений» (особенно в середине альбома) серьёзно усложняет первичное восприятие данного релиза. Тем не менее, «Hymns For The Broken» - альбом очень многогранный, продуманный и личный, он стоит в дискографии Evergrey особняком и при вдумчивом многократном прослушивании вполне может стать настоящей жемчужиной вашей аудиоколлекции.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| До недавнего времени данная венгерская группа не вызывала у меня ничего, кроме чувства брезгливости. Мало того, что вокалист/гитарист Золтан Фаркас копировал не только музыку Soulfly и манеру пения Макса Кавалеры, создавалось впечатление, что объектом неприкрытого плагиата являлся даже… акцент обожаемого венгром музыканта-прообраза. И хотя Ektomorf за долгое время существования вышли на неплохой профессиональный уровень, нарочитая примитивность и молодёжно-ориентированность музыки не позволяла мне классифицировать их как groove thrash, как уже кто-то вбил в дарксайдовскую базу, а скорее как обычный прыгательный «ню»…
Но альбом «Fury» показал неожиданное взросление группы и не такую, вроде бы, кардинальную, но достаточно заметную переориентировку на творчество начала 90-х первой группы Макса Кавелеры – Sepultura! Да, теперь группа заиграла реальный groove thrash metal, и любители олдскульного тяжеляка вполне могут угореть как минимум под два трэка – это достаточно простая, но энергичная открывашка «The Prophet Of Doom», хорошо задающая тон альбому, а также финальный трэк «Skin Them Alive», где неслыханные ранее скоростные гитарные запилы и тяжесть позволяют говорить даже о влиянии death metal!
Конечно, в большинстве песен альбома остался среднетемповый кач, но даже самые «модные» трэки на «Fury» звучат на порядок интереснее и изобретательнее всех предыдущих работ Ektomorf. Лаконичный 33-минутный релиз неплохо слушается целиком и радует нарочито сыроватым, но плотным звуком, наруленным Тью Мэдсеном, креативными барабанными партиями с более частым, чем ранее, использованием сдвоенных басовых бочек и простотой, не вызывающей раздражения.
Например, заглавный трэк или «Blood For Blood», несмотря на кажущуюся «замазафаченность», не настолько тривиальны, как это может показаться на первый взгляд. В середине второй из них вообще следует неожиданный конкретно дэтовый забой, вносящий здравое разнообразие. Также конкретно олдскульные фрагменты можно заметить и в не менее модерновых «AK 47» и «Infernal Warfare». По сути, в каждой композиции есть своё рациональное зерно, а реально проходным трэком я считаю только совсем уж скучную «If You’re Willing To Die», да и ту запихнули в конец альбома прямо перед убойным финальным трэком.
Так или иначе, комбинация старой и новой школы дала неплохой результат. И хотя многим даже этого покажется мало, тем не менее, последовавшая после этого альбома смена практически всего состава может лишь укрепить тенденцию «демодернизации». При дальнейшем «выздоровлении» группы есть надежда, что «новая кровь» посодействует появлению вменяемых гитарных соло, которых на «Fury» не хватает больше всего. Ну, и сочинению новых бодрящих песен в духе «The Prophet Of Doom» и «Skin Them Alive», конечно же!
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| «Beacon of Faith» - третий полноформатный релиз команды Baptists, чья весьма скромная дискография заслуживает нахождения в плейере любого, кто знаком с жанром hardcore punk не понаслышке. Тем не менее, группу до недавнего времени было достаточно сложно отнести ко всему тому сонму банд, что топтались и будут топтаться на месте в рамках, казалось бы, узкого жанра, границы которого постоянно пытаются раздвигать лишь Converge. Без обиняков на протяжении двух LP Baptists пулеметной очередью «боевиков» доказывали, что такое hardcore – с высоким градусом агрессии и злобы, помноженным на техничную манеру исполнения и профессионализм музыкантов.
И вот, четыре года спустя, изголодавшегося по тому самому «хардкору» слушателя Baptists одаривают новым лонгплеем, который, на первых порах, совершенно искусно обманчив. Однако, некие позитивные эмоции от прослушивания релиза достаточно быстро сменяются горьким разочарованием и дежавю. Ведь точно так же ничего, кроме печали, не вызывали и последние релизы каких-нибудь All Pigs Must Die или Trap Them, напоминавшие безвкусную жвачку. Совершенно внезапно выявилась какая-то катастрофичная творческая стагнация команд, доселе выдававших филигранный продукт, а ныне, кажется, окончательно сдувшихся как хоть сколько-нибудь значимое культурное явление. Большую часть материала «Beacon of Faith» мы все, так или иначе, уже слышали в разных интерпретациях не раз, а хоть сколько-нибудь интересные эпизоды альбома лишь констатируют, в целом, отсутствие свежих идей и решений. К привлекающим внимание эпизодам релиза можно отнести, как ни странно, некоторое количество среднетемповых композиций, будь то вступительный и заключительный треки, или тот же шестиминутный «Eulogy Template». Весь остальной материал альбома увяз в постылых гитарных риффах-«баянах» и работе скуксившегося барабанщика, где-то потерявшего свой былой талант. И разве можно назвать обозначенные треки шедевральными? Конечно же, нет. Однако же, подобным образом группа ранее в принципе не играла, и эта изюминка релиза позволяет оставить о нем хоть сколько-нибудь положительное впечатление, не столь сильное, тем не менее, для того, чтобы ставить данный альбом на одну полку с двумя предыдущими. Такие дела.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.