В честь прошедшего десятилетия альбома "Gospel of the Future", наверное, будет уместным вспомнить и одновременно почтить память одного из самых интересных коллективов на чешской сладж-сцене - группы с одноименным пластинке названием. К сожалению, о самих музыкантах мало что известно. Их творческий путь лаконично можно описать как: собрались, поиграли с пяток лет, распались... Но то, какой вклад они внесли в относительно современную сладж-субкультуру, достойно уважения и, как минимум, внимания! Выпустив в 2004 году свой первый EP, казалось, молодые люди могли бы поставить на себе крест. Он был настолько ужасен в плане музыкального материала, крайне примитивен и непрофессионален, что говорить о каком-нибудь потенциале в будущем даже не приходило в голову. Однако, как всё сильно поменялось спустя каких-то три года! При поддержке местного звукозаписывающего лейбла Epidemie, и работе в пражской студии Hostivar, на свет появился дебютный альбом под названием "Gospel of the Future". Который не только раскрыл весь заложенный потенциал группы, но и заиграл абсолютно иными красками, нежели первые записи коллектива.

Красками, правда, сугубо монотонными и оттенками в крайней степени не жизнеутверждающими. Музыканты сильно заматерели, поднакопили опыта, и выдали, что называется на-гора, достаточно сильный по восприятию музыкальный продукт. Сладж-метал в своей канонической ипостаси. Плотная ритм-секция, где хочется отдельно выделить партии барабанщика; вязкие, под стать сладжу, гитары; и абсолютно негативистский, пропущенный через эффекты вокал. Что вкупе создает полную, законченную картину, где не возникает желания что-то убавить или наоборот - дополнить. В плане музыкальной составляющей - всё очень просто. Медленные вариации на тему хардкора, с редкими крастовыми сбивками и легким веянием грайнда, соседствующие с постоянным заигрыванием с темпом, где медленные проигрыши зачастую сменяются на вполне ускоренные, разумеется, в рамках определенного стиля. Дополняет всю эту вакханалию незамысловатая лирика, исполненная в крайне агрессивном ключе и полностью пропитанная нигилизмом. Этакое своеобразное извлечение потока желчи в сторону нашего с вами бытия, будущего и того, как скоро это всё превратится в ничто.
Отдельно стоит отметить качество записи альбома - определенно видно, точнее слышно, что писалось всё с полной отдачей и знанием дела, как самими музыкантами, так и людями, причастными к студийной работе. Где для стиля, в котором, казалось бы, должна преобладать суровая сырость и грязь в звучании, здесь наоборот - главенствует некая причесанность материала, где спокойно можно прочитать каждый звучащий инструмент, который не сливается в кашу, и где не найти прочие неприятные огрехи звукозаписи, или тендеции, характерные для стилистики "грязного" металла.

Такое вот оно получается - "Евангелие будущего" от его пророков, в лице группы Gospel of the Future. Где музыканты остались, прежде всего, искренними - как перед самими собой и тем что они делали, в плане творчества; так и перед своми слушателями, которые с радостью согласились заглянуть в это будущее, хоть и посредством органов, предназначенных для восприятия звуковых колебаний. Искренне огорчает тот факт, что очень уж быстро Gospel of the Future сошли с дистанции.

Uncle Drown  29 июн 2017

В плане музыки Канада поистине удивительна. Страна кленового сиропа и хоккея породила такое количество крутых команд, что можно только искренне удивляться тому, что многим из них никак не удавалось добиться популярности на уровне Европы или своих коллег по континенту. Парадокс, но такие коллективы как Rush, Saga, Anvil, Razor, Exciter, Voivod и сотни других всегда находились в тени своих побратимов из Штатов и Старого Света, совершенно, пожалуй, незаслуженно. А уж какая нынче сильная в этой стране андеграундная black-сцена... Такое чувство, что в Канаде существует особенная атмосфера: замкнутое пространство, котёл, в котором варятся весьма любопытные команды, но лишь изредка выплывают на поверхность. Сегодня любознательным половником мы зачерпнули оттуда практически совершенно незнакомого нашему слушателю артиста по имени Danko Jones. Попробуем разобраться, попадает ли его творчество под парадоксальную "канадскую" тенденцию.

У себя в Канаде Danko Jones достаточно известен и весьма плодовит: на его счёту уже почти добрый десяток альбомов, включая концертники и сборники, да и вообще он там личность весьма известная, но до нас он, стараниями AFM и FONO, добирается впервые.
Нива, на которой старательно трудится трио из Торонто — мужиковатый, громкий и хулиганский гаражный рок, с глубоким влиянием тяжёлого блюза. Построенный на классических приемах, восходящих ещё к The Rolling Stones и творчеству Игги Попа, он неплохо разбавлен современными мотивами родом из гремевшего не так давно поп-панка а-ля Sum41 (из тех канадцев, которым удача таки улыбнулась и наградила мировой популярностью).

Собственно, говорить здесь больше не о чем. Это предельно простая, безыскусная, даже примитивная музыка, обладающая в то же время огромной порцией какого-то животного драйва. Это боевое настроение — неуловимая единица, которую нельзя измерить или вычислить умом, но можно почувствовать сердцем. Есть множество дисков построенных по той же модели, но вы забросите их после первого прослушивания - а "Wild Cat" цепляет. В нем удачно сочетается жирный звук, качающие риффы и сочный бас. Приятным бонусом становятся стильное оформление, напоминающее афиши и комиксы семидесятых, и весьма удачный хронометраж пластинки: она пролетает довольно быстро, и однообразные, в общем-то, песни просто не успевают надоесть. Но, конечно, основной фишкой альбома является наглый и самовлюблённый вокал Danko. Мистер Jones из тех вокалистов, которые не стесняются прямо с порога заявлять о том, что они рок-звезды, и по колено им не только море. Он разбитной, отвязный и совершенно безбашенный: хулиган, бабник и перманентный нарушитель скоростного режима. По крайней мере, таким он предстаёт в своих песнях.

А песни эти могут стать украшением радио-эфира любой станции, на которой крутят "яйцастый" рок. Она отлично идёт фоном: в машине, в спортзале и на вечеринке. Вслушиваться необязательно, размышлять и ностальгировать незачем; лучше хватайте симпатичную тёлочку, запрыгивайте в тачку, врубайте погромче и катите в закат.

(Диск предоставлен компанией FONO.)

Nerferoth Drake  27 июн 2017

Всегда говорят, что второй альбом лучше первого, но Металлика - особый случай. Дело в том, что уже первый из их альбомов был как минимум на уровне второго у многих других групп. Что ж мы имеем здесь? Сказать, что здесь группа начала играть чистый трэш-метал - не сказать ничего, а точнее - абсолютно ничего. Уже этот альбом Метлы можно частично назвать прог-трэшем, ибо здесь есть много чего характерного для прогрессива: акустические вставки, сложная структура композиций и очень высокое исполнительское мастерство, даже многие тексты очень зрелые для трэш-групп.
Как я уже сказал, возросло исполнительское мастерство. Соло филиппинца стали техничнее и мелодичнее. Риффы стали сложными, а бас - уже не просто часть ритм-секции. На первом альбоме было бас-соло, но, в целом, бас "сидел" на положенном ему месте. Здесь же, помимо соло в "The Call Of Ktulu" и "For Whom The Bell Tolls", бас в некоторых местах приукрашивает мелодию, исполняя так называемые "bass fills" (что-то вроде мини-соло), которых на этом альбоме пруд пруди.
Тексты достаточно взрослые для молодой группы (как уже писалось выше). "Fight Fire With Fire" затрагивает тематику ядерной войны, "Fade To Black" - суицида, "Ride The Lightning" - смертной казни на электрическом стуле, причём написана она была из-за случая, когда фанат Metallica послушал песню "No Remorse", совершил убийство и был казнен. При этом, с позиции авторов, казнивший убийцу сам становится убийцей. Некоторые песни обращаются к различным книгам, мифам и легендам - например, "For Whom The Bell Tolls" написана по одноименной книге Хемингуэя о Гражданской войне в Испании, "Creeping Death" повествует о казнях египетских, а мрачный инструментал "The Call Of Ktulu" обращается к произведениям Лафкрафта.
Что же до песен, то могу сказать, что почти все являются одними из самых известных у группы. Ну, если уж что-то отмечать, то отмечу скоростную и тяжелую "Fight Fire With Fire" с акустическим вступлением, титульную "Ride The Lightning", мощную "For Whom The Bell Tolls" с басовым соло Клиффа во вступлении, красивую и мелодичную балладу "Fade To Black", "Creeping Death" и финальный инструментал "The Call Of Ktulu", являющийся самой мрачной вещью на альбоме. К слову, как уже упомянуто в комментариях, песня действительно вызывает ассоциации с плывущим по морю одиноким кораблем и просыпающимся Ктулху. Другой вариант - Ктулху спит на дне океана и пробуждается. "Trapped Under Ice" и "Escape" могу назвать худшими на альбоме, и всё же это отличные песни.
В итоге, мы имеем очень зрелый и запоминающийся альбом, являющийся одним из моих любимых. Недостатков не вижу абсолютно нигде. Шедевр.

Летун_Как_Гагарин  27 июн 2017

На данной компиляции, выпущенной фирмой Cogumelo к десятилетию группы, содержатся лучшие на взгляд как фанатов, так и группы с лейблом, треки со всех альбомов и демозаписей Sarcofago.
Открывает альбом звуковой коллаж "The Lost Of Innocence". Если вы знаете тексты группы, то представить какие там будут звуки несложно. Следующие четыре трека взяты с "Hate", три из них являются наиболее запоминающимися и самыми лучшими на альбоме, кроме "Song For My Death" (тоже хорошей, но какофоничной и запоминающейся только вокальной линией), на место которой я бы поставил "Rhadobovirus". Затем идут четыре песни с "The Laws Of Scourge", являющиеся (на мой взгляд) самыми лучшими не только на альбоме, но и вообще за всё творчество группы. Материал с EP "Rotting" представлен здесь перезаписью "Nightmare" с "I.N.R.I." и "Rotting". Последняя песня очень мрачная, с жутким риффом. Цеплять она начала меня совсем недавно и теперь я могу однозначно назвать ее одной из лучших на данном EP (хотя там я плохих песен и не припомню). Материал с "I.N.R.I." здесь представлен только "Desecration Of Virgin" и довольно посредственным титульным треком. Остальные песни взяты с демо-альбомов группы, и, на мой взгляд, многие из них лучше и мрачнее своих версий с "I.N.R.I."
Нет, это не альбом года, но отличная компиляция лучших треков группы. Если вы продвинутый слушатель экстремального металла, то эта компиляция подойдёт для краткого ознакомления с Sacrofago.

Летун_Как_Гагарин  27 июн 2017

Dark Moor - команда с бескомпромиссной репутацией Power Metal гениев, которые, пусть и родом из не самой металличной Испании (назовите хотя бы 10 известных коллективов оттуда), но всё же добились умопомрачительных результатов за двадцатилетнюю карьеру, заявив о себе, как о новаторах жанра, наряду с такими культовыми группами как Rhapsody, Nightwish, и другими легендами сцены конца 90-ых.

Начиная с дебютного альбома "Shadowland", группа от пластинки к пластинке старалась развиваться - как музыкально, так и тематически, постепенно отходя от фэнтези в сторону более приземленных вещей. И звучание группы от альбома к альбому становилось всё более утонченным и изысканным, добавляя роста симфонизму, но при этом не уменьшая своего Power Metal ядра. И всё бы ничего, но альбом "Ars Musica" ознаменовал собой небольшую смену стилистики в сторону смягчения звука. И это понятно, перегруженная гитара уступила в разумных пределах место для мелодики. Получилось здорово, альбом понравился большинству слушателей...

... но простите, стоило ли команде гнуть сию линию дальше? Я не хочу кидать камней в сторону "Project X", потому что альбом ни в коем случае не плохой. Группа заморочилась концептуальностью, обозначив главной смысловой темой альбома столкновение человечества с высшим разумом. Текста получились и правда интересными и необычными, думаю что даже Питер Тагтгрен не без интереса ознакомился бы с ними. Но музыка?

Практически весь альбом лишен металлического звука. Почти все песни выполнены в жанре симфонического рока, и лично для меня - это весомый минус. Минус не потому, что звучит легко, а потому что Dark Moor всегда были металлической командой. Нельзя просто брать и менять стилистику спустя 20 лет карьеры. Никто из фэнов не ждет таких вещей. Это как пойти в кино с Томом Крузом, но вместо него увидеть Бэна Стиллера.

Благо, репутация мелодистов не осталась посрамленной, а потому через силу, но альбом доставляет удовольствие своими лишенными динамита, но хитами. Переслушивать можно, получая эндорфин, но с каждым разом в мозгу воспаляется мысль: "А как бы оно звучало с более правильным звуком?", и я уверен, что "Project X" спустя десятилетие вполне вероятно будет перезаписан или пересведен, и будет звучать как надо. А пока можно насладиться всеми остальными сильными сторонами Dark Moor.

Exceptional  25 июн 2017

Драконы. Эти мифические рептилии манили и пленяли воображение людей многие века. От античного Пифона и Скандинавского Фафнира, до Смауга и пародийной драконихи из "Шрека" галерею драконов в эпосе, литературе и кино можно продолжать бесконечно. Их могущество, хитрый, нечеловечески холодный разум и удивительная жадность до сокровищ сделали их своеобразным символом эпического фентези. Не осталась в стороне и музыка: кто только не использовал образы грозных чешуйчатых чудовищ в своих альбомах. Некоторые группы, которые и по сей день на слуху, настолько прочно ассоциируются с драконами, что змиев можно считать их счастливыми талисманами и необходимыми атрибутами наравне с накаченными культуристами с большими мечами. Вотчиной драконов всегда был эпичный Power metal. Сейчас, в результате эволюции тематической составляющей павера, драконы и рыцари несколько ушли на второй план, уступив место историческим событиям и социальной проблематике. Но любовь к флагманам фентези не даёт им уйти в забвение. То тут, то там, из-под пера тех или иных паверщиков выходит очередной опус про драконов.

Шведская команда Bloodbound также не устояла перед искушением записать концептуальный альбом в духе эпического фентези, замешенного на привычных, ставших уже хрестоматийными элементах. Поползновения к высокому фентези начались ещё с прошлого альбома скандинавов, где они обращались к вселенной "Песни Льда и Пламени". На диске же этого года группа решила полностью окунуться в атмосферу фантастической вселенной собственного производства. Пожалуй, это все, что можно сказать об идейной составляющей альбома, потому что даже сами музыканты считают музыкальную составляющую в своих творениях превалирующей надо всем остальным. В самом деле, ну кому интересно вдаваться в подробности очередной истории о колдунах, воинах и драконах?

Музыкально "War of Dragons" представляет собой чистопородный эпический sympho-power, крайне пафосный, замечательно записанный и сыгранный в приятном высоком темпе. Если вы преданный любитель жанра, то критиковать диск просто не за что. Он близок к идеальному power metal альбому, настолько, насколько это в принципе возможно. Высокие скорости, гармоничное взаимодействие симфонических элементов с металлической основой, эталонный вокал, прекрасная запись. К неоспоримым плюсам альбома можно отнести и отсутствие бестолковых баллад и цепкие, как репей, припевы. Особенно удачными получились композиции "Silver Wings", мелодичная, с фолковым налетом, напоминающая о творчестве Nightwish и мощная "Symphony Satana". Впрочем, весь альбом воспринимается ровно и цельно. Все это делает диск одним из лучших power-опусов этого года.

Единственное, что, пожалуй, может несколько раздражать, это ну очень пафосные завывания хора в некоторых композициях. Ничего кроме улыбки они, к сожалению, уже не вызывают. Ну и тексты, конечно: все эти "дрэгонз территори" (эй, дракон, ты с какого раёна?) и прочие "драгонз ар фарева" могут довести понимающего язык слушателя до слез. От смеха. К тому же, если вы уже устали от типичного павера, Bloodbound вам просто нечего больше предложить. Здесь не будет каких-то фишек, заимствованных из других жанров типа изящных фолковых пассажей и колоритного вокала Wuthering Heights, освежающей модернятины недавнего Helion Prime, колоритной испанской отвязности Mago de Oz или непривычной для power злости Mystic Prophecy.

Здесь просто эталонный sympho-power в его чистом виде. Если вы давно не слушали музыку в этом жанре, вам стоит познакомиться с "War of Dragons": быть может, он вернёт вам любовь ко всему стилю, а если среди ваших любимых команд значатся Stratovarius или Rhapsody, эта работа может вызвать у вас щенячий восторг. Единственные, кому этот диск однозначно противопоказан, так это людям ненавидящим павер во всех его ипостасях. Это явно не тот альбом, который сможет вас разубедить.

Диск предоставлен компанией FONO

Nerferoth Drake  22 июн 2017

Под трек номер один под названием "Awakening", в котором шустрый рифф, сопровождаемый типично пауэрным «Уууааааааа!» в исполнении Brittney Slayes, отдаленно напоминает Symphony X (что несколько неожиданно), мы отправляемся в новое музыкальное приключение, уготованное нам канадской группой Unleash the Archers.

На сей раз канадцы решили вынести на суд слушателей концептуальный альбом. Его история повествует о некоем Бессмертном, про́клятом на вечное заточение на вершине горы, которая при этом одновременно служит ему своеобразным пристанищем, убежищем от ужасов внешнего мира. Однако примерно раз в тысячу лет находится тот, кому удается пробудить Бессмертного и вызволить его из заточения, но Бессмертный становится обязан верой и правдой служить этому человеку. После исполнения миссии, возложенной на него хозяином, Бессмертному предначертано вернуться на вершину горы, чтобы вновь стать ее узником. В этот раз Бессмертного пробуждает the Matriarch, властная и алчная колдунья, которая сеет вокруг лишь боль и страдания. Она прознала о некоем ритуале, который может открыть путь к вечной жизни для нее самой. Нужно лишь выполнить одно условие: своими руками убить тех, кого она породила. Поэтому она повелевает Бессмертному разыскать четырех своих сыновей и доставить их ей. Взамен она обещает снять с Бессмертного проклятие горы и тем самым даровать ему свободу… Надо сказать, что повествование дает ответы не на все поставленные вопросы, что, возможно, говорит о готовящемся продолжении истории.

Музыкально альбом продолжает линию своего предшественника, представляя собой смесь пауэра и хэви. Вкраплений экстремального вокала стало еще меньше. А гитарист Andrew Kingsley даже удостоился чести исполнить часть песни "Earth and Ashes" чистым вокалом, и надо сказать, что справился со своей задачей он весьма достойно. По такому исполнению даже не скажешь, что до этого ему давали исполнять только партии бэк-гроула.

Идём далее. Команда, по-видимому, вняла критике по поводу задвинутых на задний план гитар на предыдущем релизе и заметно утяжелила звук. Общее качество записи и сведения заметно отличается в лучшую сторону от альбома 2015 года. Теперь «лучники» действительно звучат как группа, а не как звезда мирового масштаба Brittney Slayes, по сути в одиночку заставляющая слушателя сопереживать музыкальным перипетиям, и какая-то кучка мужиков, которые что-то ей подыгрывают, словно из-за стены.

Но всё же на фоне общего улучшения звучания быстро обнаруживается и один единственный «пострадавший» от него – сама Бриттни. Вот не цепляет её вокал так, как цеплял на альбоме "Time Stands Still"! Нет, Бритни отнюдь не изменила своей манере исполнения в духе корифеев хэви-метала 80-х, и уж тем более не разучилась петь. Более того, местами можно обнаружить даже некоторые эксперименты. Например, песню "Shadow Guide" она начинает петь очень спокойно, постепенно наращивая напряжение при каждом новом повторении мотива куплета. А в медленной части заглавной композиции "Apex" она, как бы странно это не звучало, действительно похожа на женщину – душевную, трепетную, – а не на юных Брюса Диккинсона или Дио, у которых голос ещё не сломался. Однако в целом, вокал звучит утопленным на фоне гитар. Складывается ощущение, что у Бриттни осталось меньше пространства для маневра. Мдя. Зря звукорежиссеры с ней так поступили, ведь, как мне кажется, вокал Бриттни – это главная фишка группы.

Стоит также упомянуть о появлении в группе нового басиста. Nicco Whitworth – человек, жизненным кредо которого является попробовать свои силы в как можно большем количестве жанров, причем его музыкальные пристрастия уходят далеко за рамки металла. На его канале на ютубе можно посмотреть не только проигрыши некоторых песен Unleash the Archers, но и его выступления в составе фри-джазового проекта, а также его исполнение басовых партий нескольких произведений композиторов эпохи барокко. Самим же «лучникам» он тоже пришелся ко двору: в целом бас-гитара стала заметнее. Особенно хочется отметить басовую партию, сопровождающую главную гитарную линию в песне "The Coward’s Way" – получилось классно, – а также мини-соло в самом начале песни "Call Me Immortal".

Если говорить об отдельных песнях, то я лично для себя отметил бы "Awakening", "Coward’s Way", "Earth and Ashes", а также "Cleanse the Bloodlines". Последняя из упомянутых мной композиций выделяется и по настроению: песня получилась довольно мрачной и тревожной в отличие от более лихого и задорного звучания остальных песен.

Но всё же мне кажется, что в целом "Apex" немного уступает своему предшественнику. Альбом 2015 года стал для меня настоящим открытием, заставившим меня обратить пристальное внимание на эту группу и начать следить за их творчеством. Новый же альбом для меня стал просто ещё одним хорошим, добротным альбомом от команды, которая уже стала любимой.

Так что я бы дал альбому где-то от 7 до 8 баллов, причем я скорее склоняюсь к семерке… Но тут в дело вмешивается фан-клуб Brittney Slayes имени вашего покорного слуги и округляет оценку в бо́льшую сторону. Ведь, надо же иногда своим любимчикам немного завышать оценки. 8/10

ghost900  19 июн 2017

Второй альбом и невольно возникает вопрос - что это, продолжение сгибания линии на тему "Давай, детка, засади папочке (под грохот инструментов)!!!"? Или развитие шагнет вперед, группа предложит что-то свежее и, быть может, подкорректирует тематику? Тщетно...
Ничего нового от этих извращенных консерваторов вы не услышите - и не надейтесь!
Кое-что, конечно, изменилось и только это единственное отличие "Up The Dose" от дебюта - необоснованное растягивание почти всех песен. Слегка замедлен темп (хотя и раньше скоростных композиций не было), но здесь бывает что не то что не чувствуется какой-то задор, скорее тут больше занудства и погружения в свой маленький мирок The Mentors с гипнотическим вокалом, что великолепно иллюстрирует последняя песня. Основное меню альбома - это среднетемповые рок-н-роллы с практически идентичной структурой. Применительно к материалу альбома, я бы отнес цитату Гизера Батлера сказавшего о современных металл-группах: "Мы не делали из одной песни десять, как делают почти все сейчас". Но это не значит, что "Up The Dose" - проходной релиз.
"Secretary Hump" - великолепная веселая идея. Достаточно быстра, с обилием незамысловатых гитарных около-соло, с периодическими замедлениями темпа, переходящих во взрывную ударную какофонию.
"Rock'Em Sock'Em" - самая задорная и забористая композиция, прямо с настоящим рок-н-ролльным костяком. Достаточно сказать, что быстрее вещи в их дискографии нет! Да и вообще - начальная композиция отвечает почти тем же характеристикам, если бы не искусственное растягивание. Следовательно, и нет пальмы первенства.
"Up The Dose" - отличное, атмосферное завершение альбома. Мрачное, отстраненное настроение, проходящее красной нитью через весь материал, достигает апогея на ней и естественно на ней и гаснет эта очень грузная мелодия.
Конечно, второй альбом The Mentors - это, можно сказать, лишь бледная тень дебютника, но все же и не падение в грязь лицом. Просто он лишен свежих идей и поэтому во всем проигрывает. Но также это фактически последний действительно стоящий альбом легендарных The Mentors.

Omen X  18 июн 2017

Коллективов в жанре hardcore punk (и его производных), хотя бы больше пяти лет существующих и продолжающих нет-нет, да выпускать релизы, на самом деле не очень много. Очень часто стремление музыкантов играть подобное часто сходит на нет, что и определяет ситуацию, когда целый ряд интересных групп спустя пару-тройку лет коротких туров канет в лету. О тех же Masakari, Calvaiire, Alpinist, Children Of God и иже с ними уже который год ничего не слышно, что только подтверждает печальную статистику.

No Omega, в этом смысле, пока что живет и бодрствует, отмечая свое семилетие третьим по счету полноформатом. Завышенных ожиданий к анонсированному «Culture» не могло не быть - последний EP группы был весьма и весьма интересен, представляя собой одну из самых достойных работ жанра в 2015 году. Но надеяться на выход очередного шедевра, на самом деле, не стоило. При всем уважении к коллективу, «Culture» оказался самой слабой их работой. Причин такого определения сразу несколько – тут и постоянные заимствования из своих же прошлых альбомов, тут и совершенно отвратительный звук пластинки, тут и явно провисающая вторая половина LP. Строго говоря, добрая часть треков тут действительно не кажется интересной, ибо пережевывание набивших оскомину риффов не может цеплять априори, что вкупе с постоянным ощущением некой затянутости отдельных песен вызывает лишь скуку. По какому-то странному совпадению все слабые эпизоды альбома начинают сквозить тут и там лишь с седьмого трека, когда первые шесть, при этом, более чем достойны. Претензий же к саунду альбома наверняка бы не было, не запиши группа просто отличную по звуку предыдущую свою работу, да и первые, к слову, альбомы так же звучат явно лучше «Culture». Старая, и уже совсем не используемая в нашей речи поговорка «дорого да мило, дешево да гнило» тут подходит как нельзя кстати – экономия на студии шведам явно выходит боком.

crabvpi13  17 июн 2017

Музыкальная группа Accept Death - это коллаборация "богемы" американской сладж-метал сцены в лице: Matt J. Rositano, Bahb Branca, Corey Bing, или попросту музыкантов, причастных к десятку культовых (в определенных кругах) сладж-ориентированных коллективов (а-ля Fistula, King Travolta, Scumchrist и десятка других менее известных, но почитаемых всё в тех же определенных кругах). Собравшись в 2005, уже через год они записывают свой одноименный музыкальный альбом, своего рода некий ящик Пандоры, к которому категорически не следует прикасаться, а в данном случае - музыкальный продукт, от которого следует держаться подальше. Но если вдруг жажда любопытства сыграет с вами злую роль, то, как писал некогда классик, "оставь надежду, всяк сюда входящий".

Это альбом, который способен не то что похоронить хоть какую-то надежду, но и запросто навредить тонкой душевной организации психики слушателя. Развить острый негативизм, взрастить стойкую мизантропию, или с легкостью подвергнуть, например, паническим атакам, когда всю оставшуюся жизнь придется просыпаться по ночам - в лучшем случае, от кошмаров. Сладж-метал высшей пробы от мастеров своего дела, которые на этот раз примешали в свое творчество буквально толику влияния от классического death metal. Они записали материал вполне качественно и, что самое характерное - весьма читаемо, а на выходе получили настоящего монстра, который вырвался наружу. Девять треков звучат то ли как исповедь психопата, то ли как диалог неуравновешенного больного со своим альтер эго. И виной этому абсолютно "нездоровый" вокал Matt J. Rositano, где он использует плотный гроул на расщеплении, который зачастую сменяется на утробную гортанную истерию и удачно дополняется своеобразными сэмплами. Эффект, мягко выражаясь, весьма ошеломляющий - особенно учитывая концепцию альбома, где поднимаются такие душераздирающие темы, как смерть, страдания, перверсии, ненависть... Вся эта психопатия чувствуется не только в голосе и лирике, но и полностью отражена в музыке! Общее настроение, тембр звучания, а постоянная смена ритма есть не иначе, как прямая аналогия с частой сменой настроения в психиатрии. Да, собственно, о чем тут говорить, когда начало альбома встречает нас строчкой "Hi! My name is Ted. Nice to meet you!", а через две с небольшим минуты на стол уже выкладываются все карты - разумеется, в форме инфернально-психопатического стенания "I'm fucking sick...". И так далее примерно битых 45 минут, построенных на столь ненадоедающих музыкальных диссонансах, что не замечаешь как альбом приходит к своему логическому завершению. И вот тут-то становится действительно страшно... Возможно от того, что за какой-то короткий промежуток времени через тебя прошло столько чужой злобы и ненависти, от которой в лучшем случае придется как-то избавляться, а в худшем - впитать в себя, как лакмусовая бумажка, и жить с этим дальше. Ну или, как вариант, получить от этого полоскания в нечистотах неизгладимое удовольствие и поставить на repeat.

В общем, как бы там ни было, Accept Death заслуживают определенного внимания и по сей день. Независимо от того отыграли ли музыканты роль психопатов, подобно гениальным актерам в кинематографе, или взаправду настолько поехавшие, но то, как они воплотили натуральное безумие в формате музыкального творчества, достойно похвалы. Своего рода феноменальный материал, начисто лишенный фальши и прочей показной мишуры. Отличное подспорье - поиграть на психике или, при определенном стечении обстоятельств, расслабиться и получить удовольствие!

Uncle Drown  15 июн 2017

Альбом "Time Stands Still" стал третьим полноформатником канадцев Unleash the Archers и первым, который вышел на лейбле Napalm Records. Две свои предыдущие работы команда выпустила своими силами.
На многих сайтах стиль группы классифицируют как melodic death/power metal. Однако, справедливости ради надо сказать, что «лучники» играли мелодез только на своем первом альбоме. С тех пор их стиль развивался в сторону чистого пауэра, однако тег melodic death так и кочует из альбома в альбом. Да, мужики и здесь периодически «подрыкивают» Бриттни, но в целом экстремальный вокал занимает незначительную долю эфирного времени. Да и кого нынче удивишь харш-вокалом в пауэре? Этим баловались даже Kamelot и Rhapsody of Fire – неужели и они теперь дез/блек? Кроме того, с предыдущего релиза в команде изменился состав: пришли новые гитаристы, которые привнесли в звучание группы некоторые элементы традиционного хэви в духе восьмидесятых. В итоге, имеем хэви/пауэр альбом по звучанию, по духу и по лирике.
В отзывах я периодически встречал критику в отношении недостаточно плотного звучания гитар в общем миксе. Однако мне кажется, что именно такое звучание является скорее плюсом, чем минусом. Оно явно идет на пользу альбому, поскольку как следствие на первый план выводится великолепный голос Бриттни. О последней стоит рассказать поподробнее.
Если, увидев в центре групповой фотографии команды девушку, вы решили, что перед вами очередная обладательница псевдо-оперного сопрано, то вы глубоко ошибаетесь. Эта ратница с заснеженного севера (как она сама себя именует) ориентируется на таких хэви/пауэр вокалистов, как Bruce Dickinson (Iron Maiden), Geoff Tate (ex-Queensryche), Daniel Heiman (ex-Lost Horizon) и Jonas Heidgert (Dragonland). Её мощный голос то и дело норовит сорваться на форсированный крик в кульминационных моментах. Надо сказать, что эти моменты выбраны весьма удачно, причем в разных песнях они занимают разное положение в структуре композиции. Например, в песне "Tonight We Ride" таковыми являются куплеты, а в песне "Crypt" – конец припева. Далее, в эпике "Dreamcrusher" Бриттни дает по газам в ответ на спокойное балладное начало, а на последнем треке "Time Stands Still" (если не принимать в расчет урезанную версию "Tonight We Ride") она рвет и мечет в самом конце песни – в финальном повторении припева. Разное эмоциональное наполнение песен делает каждую композицию запоминающейся, отчего весь альбом слушается свежо.
Лично я остался равнодушным только к двум песням на альбоме: "Frozen Steel" и "No More Heroes" (причем первая из них очень даже котируется у их поклонников). Все остальные песни хочется переслушивать снова и снова.
Итог: 9/10. Очень приятная неожиданность от малоизвестной группы. Один из лучших дисков года в своем жанре, во многом благодаря Brittney Slayes, которая стала одной из моих любимых вокалисток.

ghost900  14 июн 2017

Казалось бы, за 3 года можно было не только выявить все недочёты и ошибки дебюта, но и проработать пути их решения. Задача лёгкая, особенно, если ты не первый день на сцене и тем более особенно, если ты прагматичный финн. На альбоме 2014-го года очевидным для меня и, как мне казалось, для музыкантов косяк был по сути один – мелодика. Водянистая, размазанная, робкая и вечно развивающаяся куда-то не туда. Отсюда задача: выкристаллизовать её, придать форму, указать правильный вектор. Этого было бы достаточно для успеха. Но если бы сама группа видела проблемы там, где вижу их я.

Направление диагностики было выбрано верное, но обозначенная цель оказалась иной. Ясно как божий день – с музыкальной “водой” нужно что-то делать. Но вместо того, чтобы избавиться от неё, образовав прочный лёд мелодий, финны просто вылили туда ведро тлена. Музыка на “Vapaus” стала более грузной и степенной, попросту говоря, мелодэт группы ощутимо одумился. Подобные начинания можно только приветствовать, не получается страдать мелодично – пусть страдают угрюмо. Тем более известно, что делать это они ой как умеют – волшебство одинокой “Aamu” с дебюта до сих пор не растеряло своих красок. Но это волшебство достигнуто за счёт того, что в ней, едва ли не единственной на альбоме, нет вообще никакой воды, ни чистом виде, ни разбавленном. Только затвердевшее озеро предрассветной боли. И именно такой ориентир должен быть, ведь вода, хоть смертью её разбавь, останется водой. В итоге все ограничивается лишь потугами изобразить хмурую гримасу на лице при полном безразличии в душе. Ход апатией, это тоже здорово, но только когда отдаёшься ей всецело, не пытаясь при этом выдавить из себя те чувства, которые на данный момент дефицитны. На дебюте куда больше верилось в подобные эпизоды помутнения.

И во всём этом болоте в очередной раз выделяется Mikko Heikkilä, отвечающий за чистый вокал. Его голос в одиночку как может придаёт музыке хоть какое-то лицо, контуры, очертания. Запоминаемость и, тем паче, хитовость он уже не вытягивает, но требовать это от человека, который и так в одиночку жопу рвёт за группу - это уже издевательство. Кое-как аккумулировал немногие крупицы мелодики в себе – уже хорошо. В остальном… Наверняка кого-то тронет действительно мощный гроул Suvanto, действительно мощные гитары, эпизодические женский вокал и клавиши, а также приверженность канонам дебюта, но лично мне мало этих просто соблюденных формальностей.

MAX DE SADE  13 июн 2017

«Валиум (Диазепа́м) — лекарственное средство группы бензодиазепинов <...> препарат обладает седативным, снотворным, противотревожным, противосудорожным, миорелаксирующим (расслабляет мышцы) и амнестическим действием. Усиливает действие снотворных, наркотических, нейролептических, анальгетических препаратов, алкоголя. Приём диазепама длительное время может привести к зависимости от препарата».

Хоть альбом и назван в честь персонажа пародийной комедии под хлёстким названием «Космические яйца», но именно за сухим и переполненным терминами определением из Википедии лежит ключ к пониманию тревожной концепции этого альбома. Только связь эта отнюдь не сюжетная, а, скорее, эмоциональная - страх на грани с паникой, разочарование, поиск ответов, злость... Проект Medication явно был задуман как «лекарство от неизвестности» двумя «заблудшими душами» - Уитфилд Крэйн продолжал оставаться не у дел после развала Ugly Kid Joe, а «белый туземец» Логан Мейдер продолжал искать себя после ухода из Machine Head. Пересеклись же две кривые творческого поиска достаточно далёко от места их старта - ни сатирический хард-н-хэви «Уродца Джо», ни тем более грув-метал «машиноголовых» никак не могли предвосхитить появление Prince Valium, чьи корни явно виднеются где-то в районе Сиэтла. При всей своей «простоте», история самой группы пестрит такими известными именами, как Кайл Сандерс и Рой Майорга. Последний, правда, покинул Medication перед самой записью ради возвращения к Максу Кавалере, но успев отметиться на одноимённом мини-альбоме. Да и незаменимых людей не бывает, особенно, когда их заменяет такой человек, как Джош Фриз (A Perfect Circle).

Да-да, очевидный пост-гранж здесь заявляет о себе если и не в полной мере, но как о правящем бал, это точно. И правит он его чуть ли не по металлическим канонам - нет тут ни выстраданной экспрессивности (читай - сопливости), ни коммерческой наигранности на грани с пошлостью - зато по полной отдавая дань как «элисинчейнсовскому» вокально-гитарному героиновому сумасшествию, так и суровому альт-металу начала 90-х. Не зря же Крэйн, откатав год с в турне с нью-йоркцами Life of Agony, выдал вокальный трибьют (тогда ещё Киту) Капуто в открывающей «Loaded Gun». Да и в дальнейшем, именно его голос, во многом, является катализатором того, что не имеющий ярких хитов альбом, с каждым прослушиванием кажется намного крепче, сбалансированнее и, что уж греха таить, искреннее своих облагороженных MTV-шных собратьев. Эта работа - музыкальный конфессионал. Закрытый от посторонних глаз, лучей славы, ставший новым опытом для его посетителей. Таковым он, наверняка, и остался, как в музыке, так и в жизни музыкантов, выпустивших своих демонов в его немых стенах. Таковым он может стать и для Вас, но только не увлекайтесь - выход из него потерять довольно просто.

Tomahawk  12 июн 2017

Этот альбом стал вторым (и последним) саундтреком к фильму у Пинк Флойд, причём опять к картине Барбе Шрёдера. Я её (как и "More") не смотрел, но что-то о ней читал. Если честно, не заинтересовало и не уверен, что когда-нибудь посмотрю.
Читая названия альбома, я ждал чего-то либо таинственного, либо умиротворенного, с обилием клавишных и акустики, и оказался прав. Таких тут половина композиций. Первые два инструментала служат своеобразным интро и контрастируют с остальным материалом. И если "Obscured By Clouds" - довольно средний синтезаторный трек, то "When You're In" - хороший и мощный тяжёлый инструментал, играемый в унисон всей группой. Именно эти два трека я бы назвал самыми тяжелыми на альбоме как по звуку, так и в плане восприятия, а не бодрый и позитивный хард-роковый номер в духе Led Zeppelin под названием "The Gold It's In The...". Хотелось бы отметить возросшие композиторские способности Райта. Если раньше он нас вгонял в сон такими вещами, как "Remember A Day" и "See-Saw" (которые даже хотелось переключить), то теперь он нас радует такими красивыми и душевными вещами, как "Burning Brigdes" (хотя гитара там играет не меньшую роль и написана она вместе с Уотерсом) или "Mudmen". Последнюю я хотел бы отметить, как лучший трек на альбоме с запоминающейся темой, приукрашенный проигрышами Гилмора. Что до композиции "Stay", то она опять о группиз. Получилась лучше, чем "Summer '68", но всё равно значительно проигрывает двум вышеупомянутым композициям. "Absolutely Curtains", чем-то похожая на "Shine On You Crazy Diamond", демонстрирует нам все прелести синтезатора, но запоминается больше пением племени Мапуга в конце. Гилмор тоже не подкачал. Кроме вышеупомянутой "The Gold It's In The...", я бы отметил трогательную "Wots...Uh The Deal", где основную роль играет акустическая гитара, и хард-роковую "Childhood's End", смысл текста которой понятен по одному названию (о том же, к слову, и "Burning Bridges"). "Free Four" - песня, написанная одним Уотерсом, в которой центральную роль играет акустика, сопровождаемая синтезатором Райта. Сама песня довольно неплохая, но довольно блеклая на фоне остальных. Я не считаю Уотерса плохим басистом и музыкантом, но когда он сочиняет музыку один, то получается не самое лучшее зрелище, что нам показал последний альбом группы с Уотерсом (фактически, ставший его сольником).
В общем, мы имеем отличный душевный альбом, но шедевром его назвать не могу (в отличие от предыдущего и, особенно, от следующего), в основном из-за довольно проходных "Obscured By Clouds" и "Free Four".
P.S. Чем-то мне этот альбом напомнил поздние альбомы ПФ (те, что без Уотерса), особенно "The Divsion Bell" (скорее всего тем, что здесь так же много акустики и клавишных, а также своей умиротворенностью в некоторых песнях).

Летун_Как_Гагарин   8 июн 2017

«The Children of the Night» — настоящий прорыв для Tribulation. Удивительно, как группе, игравшей прогрессивный дэт-блэк, удалось создать настолько разнообразный, пронизанный классикой 60-70-ых годов вроде The Doors, Deep Purple и Джимми Хендрикса, альбом. Причём он звучит не столько как металл с отзвуками психоделического, блюз-, арт- и хард-рока, а скорее как произведение того времени, лишь облечённое в более близкую музыкантам форму. Здесь прекрасные мелодии, столь редкие даже у мастеров пауэр- и прогрессив-метала, сочетаются с соло, вызывающими в памяти Pink Floyd, а отнюдь не Metallica и Death. Да и общее настроение альбома ближе к спокойствию и некоторой драматичности релизов золотой эпохи рок-музыки, уйдя далеко от безысходности, традиционной для дэта.
Тем не менее, прекрасно слышны корни группы уже в том, как всё сыграно, но это лишь делает «The Children of the Night» ещё лучшим альбомом. Явно изменённый вокал добавляет шарма композициям, а тяжёлые гитарные риффы прямиком из Black Sabbath и Mercyful Fate создают таинственную и мрачную атмосферу, на которую также работают и нередкие органные вставки. Грохочущие барабаны своим чётким и сильным звуком прекрасно выделяют все особенности музыки релиза.
Альбом прекрасен от начала и до самого конца. Лучшими песнями являются открывающая «Strange Getaways Beckon» и следующая за ней «Melancholia», а также «Holy Libations», наиболее близкая по стилю к року 60-ых. Так или иначе, у каждой композиции есть свои отличительные черты, делающие релиз интересным все 56 минут его длительности.
Итого: всё прекрасно сочинено, сыграно и спето. Этот альбом не из тех, которые двигают музыку вперёд, но он показывает, почему жанрам не стоит замыкаться на самих себе, его никогда не скучно слушать. Определённо, один из главных альбомов года.

Arhidrag0n   8 июн 2017

Казалось бы только недавно я покупал данный альбом по лицензии CD-Maximum, а уже шестнадцать лет прошло. И возвращаясь в прошлое, помнится я думал, что подобного рода сольники у Йорна будут, сродни сольным работам Котипелто, выходить время от времени, но не станут основным занятием вокалиста.

Шутка ли, но история пошла вразрез с моим предсказанием, позволив мистеру Ланде петь в куче различных проектов, но основным оставив именно его сольное творчество. И, лично мое мнение, всему виной, безусловно, амбиции норвежца. Человек посчитал свои взгляды на музыку гораздо более весомыми, нежели его участие в коллективах с другими основными композиторами.

"Starfire" получился вполне себе удачным стартом сольной карьеры певца в первую очередь благодаря умеренности собственного эго. Ланде не стал бросаться с места в карьер, а потому песни собственного сочинения разбавил каверами на хиты таких легенд, как, например, Journey и Deep Purple. Он не постеснялся взять узнаваемые песни, типа "Burn", что по большому счету располагает к нам Йорна как "своего парня".

Также, в 2017-ом, "Starfire" может быть интересен тем, что голос Йорна звучит практически кристально чисто, и лишь редко проскакивает, ставшая сейчас визитной карточкой, хрипотца в голосе.

В целом, альбом выдерживает проверку времени, и спустя шестнадцать лет слушается вполне легко. Да, многие фишки норвежца, ставшие сейчас нормой, здесь только начали зарождаться, но материал на альбоме удивительным образом органично вписывается в историю сольного творчества Йорна Ланде. Хороший старт.

Exceptional   7 июн 2017

Перед нами первый альбом Группы, которой суждено стать не просто величайшей в металле, а его олицетворением. Кто-то скажет, что это произошло из-за раскрученного "Чёрного альбома" (то, что он раскрученный, не означает, что он мне не нравится), второй причиной назовут, естественно, "Мастер". Это правда, но мне кажется, что это далеко не всё. Для того чтобы понять одну из причин почему группой, ассоциирующейся с металлом в глазах всех (в том числе и не-фанатов), стала Метла, следует прослушать этот альбом.
Но перед тем как приступить, скажу о стиле альбома. Одни говорят, что это первый трэш-альбом, другие - что это пока ещё спид-метал, третьи говорят, что первыми в трэше были Venom. Все частично правы. "Убить их всех" - это трэш с ещё сохранившимися элементами спид-метала. Тем не менее, трэш тут уже преобладает, что даёт право считать этот альбом первым трэш-альбомом.
Чем же этот альбом отличается от других дебютников? Ну, во-первых, здесь хорошее качество записи. Тут я вспомнил ходящую по интернету легенду о том, что Металлика - проект какого-то влиятельного человека из музыкального бизнеса, который и сочинял им музыку, поэтому они записались в хорошей студии и качество записи было отличным (ну это уже как следствие). Я не верю, но даже если так, то могу тому человеку сказать спасибо. Во-вторых, талант и исполнительское мастерство. Для дебютного альбома (обычно сырого и примитивного) здесь очень высокий исполнительский уровень. Мне кажется, что тут дело не только в талантливом басисте Клиффорде Бертоне (RIP), обучившем Хэта и Ко нотной грамоте, и в таланте написавшего множество песен Мастейна (хотя и в нем тоже), но и в таланте других металликовцев, в мощных риффах и агрессивном вокале Хэтфилда и соло Хэмметта.
Но по текстам это настоящий дебютник. Тексты тут примитивные, в основном про металл и жизнь металлиста, смерть, одна про Всадников Апокалипсиса и одна про людей, попадающих в ад. Тем не менее, для дебютника такие тексты очень хорошо написаны.
На своём первом альбоме Металлика представляет нам на обозрение мощный, интересный и разнообразный материал. В песнях мы то и дело встречаем смены темпа и множество риффов, в "Phantom Lord" даже есть довольно мрачная акустическая вставка. Также здесь мы имеем знаменитое бас-соло Клиффа "(Anesthesia) Pulling Teeth".
Если отмечать какую-то песню... Даже не знаю, здесь все песни отличные и хорошо запоминающиеся. Хотя нет, все же отмечу "The Four Horsemen", "Jump In The Fire" (вторая песня Метлы, которую я услышал, первая - "Master Of Puppets"), бас-соло Клиффа Бертона "(Anesthesia) Pulling Teeth", "Whiplash" и, конечно же, "Seek And Destroy".
Первый альбом легенд металла получился очень удачным и передовым для своего времени. Конечно, это ещё не шедевр, какими будут "Лайтнинг", "Мастер" и "Джастис", но многие группы не могут выдать такого даже на своём третьем или четвертом альбоме. Недостатков не наблюдаю, а потому не вижу смысла ставить ниже десятки.

Летун_Как_Гагарин   4 июн 2017

Шестой альбом Pink Floyd ознаменовал начало прогрессива в творчестве группы. Нет, его элементы были и до этого, просто именно "Meddle" можно назвать самым прогрессивным альбомом PF. Самыми прогрессивными тут, бесспорно, являются первая и последняя композиции; они же, на мой взгляд, самые лучшие - с этим соглашаются почти все, что неудивительно, учитывая мощь и глубину этих номеров. Также здесь есть два номера с элементами фолка, один - с элементами джаза ("San Tropez") и ещё один с элементами кантри и блюза ("Seamus").
Приступим:
1) "One Of These Days" - инструментал, строящийся на басовом риффе с эхо-эффектом "Binson", к которому позже присоединяется гитара. Звучит очень мощно и угрожающе. Также в песне есть "вокал" Мейсона через вокодер, ограничивающийся, правда, одной строчкой: "One of these days I'm going to cut you into little pieces!", которой песня и объявлялась на концертах. Как я уже писал, одна из двух лучших композиций альбома (наряду с "Echoes").
2) "A Pillow Of Winds" - неплохая, довольно красивая фолк-композиция о любви, явно контрастирующая с предыдущим треком (и правильно, слушателю надо отдохнуть), но всё же довольно невыразительная, а потому худшая на альбоме.
3) "Fearless" - Безумный Бриллиант Сид Барретт ушёл из группы, но продолжает сиять. Это я к тому, что здесь используется нестандартный строй гитары, а так настраивать гитару научил Роджера Уотерса именно Сид. В целом, это хорошая фолк-композиция, уже побыстрее, поэнергичнее предыдущей, и местами даже запоминающаяся. Только вот непонятно к чему в конце гимн болельщиков.
4) "San Tropez" - хорошая, довольно романтичная джаз-роковая композиция, с упором на клавишные. Текст повествует об отдыхе в указанном в названии месте на французском Лазурном Берегу, только вот без всяких мажорских понтов (да, я к тому, что мажоры это место очень любят, к которым относится и исполнивший так же названную песню Тимати), а спокойно и красиво. Порадовало гитарное соло Гилмора и фортепианное соло Райта, бас Уотерса также украшает песню.
5) "Seamus" - хороший шуточный кантри-блюз с собачьим лаем (к слову, тут есть и нормальный, не собачий вокал, исполняющий текст об этом самом псе). Создан, видимо, специально для резкого контраста со следующей композицией.
5) "Echoes" - после выпуска "Atom Heart Mother" Флойдам где-то предложили "снова похипповать" (с), но вместо этого они решили сделать ещё одну композицию с похожей структурой. И что же вышло? А вышла из этого одна из величайших прог-рок композиций, послужившая важным моментом в творчестве Пинк Флойд, и много на кого повлиявшая. Начинается композиция с клавишного вступления (в том числе и тех самых звуков, с которых начинается песня), затем начинается довольно грустное гитарное соло и основная тема. После куплетов идут соло и бриджи, затем звучит нечто, похожее по ритму на фанк, и наконец, мы приходим к каким-то довольно приятным авангардным звукам, например, пению чаек и альбатросов, после чего тема снова повторяется. Шедевр, самая лучшая композиция на альбоме (даже лучше "One Of These Days"). Именно эта песня навела группу на мысль о концептуальном альбоме.
"Meddle" - бесспорно, очень важный альбом в истории группы. Он стал первым по-настоящему прогрессивным альбомом группы и именно благодаря нему мы увидели четыре классических альбома ПФ (от "Луны" до "Стены"). На мой взгляд, альбом - шедевр и получился на голову выше предшественников.

Летун_Как_Гагарин   3 июн 2017

Пятый альбом британцев можно назвать одной из важнейших вех в их карьере. Это пока не до конца прогрессив, но уже точно не психоделика (хотя элементы остались), полный переход будет на следующем альбоме.
Обложка, кстати, отличная, при всей своей минималистичности. Конечно, как уже писали до меня, она к музыке отношения не имеет (музыканты хотели отойти от имиджа "космической" группы), а название альбома взяли из газетной статьи про беременную женщину с кардиостимулятором (в котором были батарейки, работающие на радиоактивной энергии), но по непонятным причинам название альбома у меня ассоциируется с коровами (не только с этой, с любыми). Наверное, это связано с тем, что четвёртая часть сюиты называется "Funky Dung" (по-русски "Музыкальный навоз"), а навоз обычно ассоциируется с коровами и другими сельскохозяйственными животными.
Итак, начнём:
1) "Atom Heart Mother" - сюита из пяти частей. Записана совместно с оркестром Рона Гисина. А) "Father's Shout" (рус. "Возглас отца") - после вступления на духовых инструментах идёт главная тема, затем дуэт органа Райта и виолончели и, наконец, соло Гилмора. Б) "Breast Milky" (рус. "Грудно-молочный") - хоровой вокализ, сопровождаемый органом. В) "Mother Fore" (рус. "Передний план матери") - джем-сейшен, затем вступает хор, после чего повторяется главная тема. Г) "Funky Dung" (рус. "Музыкальный навоз") - какие-то странные авангардные звуки. Д) "Mind Your Throats Please" (рус. "Берегите свои глотки, пожалуйста") - повторение различных уже исполнявшихся фрагментов, после которых идёт главная тема. Е) "Remergence" (рус. "Повторное появление") - повторение дуэта органа и виолончели, гитарного соло и главной темы.
В целом, композиция получилась отличная. Музыканты и пресса критиковали её, последние вообще предложили группе снова похипповать. Недостатки действительно есть, местами сюита получилась скучной и, как говорили сами музыканты, напыщенной. Тем не менее, её значение в прогрессе группы отмечали все, и на следующем альбоме флойдовцы выдадут действительно шедевр.

2) "If" - акустическая песня от Уотерса, с проигрышами от Гилмора. Песня очень красивая и поражает своей искренностью. Строчка "If I were a good man, I'd understand the spaces between friends" очень трогает и почему-то вспоминаешь об отношениях Роджера с Дэвидом в период "The Wall" и "The Final Cut". Как сказал Рон Гисин, "...эта песня показывает настоящего Роджера намного лучше, чем все его антивоенные выдумки...", а в уже приведённой мной цитате из текста "...вся сущность этого человека". Песню можно назвать первой по-настоящему философской песней ПФ. Мой однозначный фаворит на этом альбоме.

3) "Summer '68" - клавишная композиция от Райта, повествующая о группиз. Ричард к этому моменту уже был женат и испытывал разочарование от жизни рок-звезд. На мой взгляд, получилось хорошо, намного лучше всех предыдущих его опусов. Помимо спокойных, в песне есть также и более оживленные моменты. Сам же Рик считал эту композицию одной из любимых своих вещей группы, так как в ней он "...сказал всё, что хотел".

4) "Fat Old Sun" - спокойная фолковая композиция, продолжающая тематику "Grantchester Meadows" с предыдущего альбома, и рассказывающая о детских годах Дэйва в Кембридже. В конце звучит довольно медленное, но запоминающееся соло от Гилмора (к слову, он и бас записывал). Из всех песен альбома для меня она на втором месте.

5) "Alan's Paychedelic Breakfast" - записи завтрака, между которыми находятся проигрыши на гитаре и клавишных с примесью конкретной музыки. Эксперимент получился неплохой, но самим авторам он не понравился после первого же его исполнения, где они сами готовили на сцене еду.

Итог: альбом действительно был прорывным - сами участники ПФ отмечают его роль в прогрессе группы, даже несмотря на то, что не очень его любят (особенно сюиту и финальную песню), а титульная сюита оказала влияние на развитие симфо-рока. Ещё не шедевр, но уже отличный альбом.

Летун_Как_Гагарин   3 июн 2017

Всего полтора года ушло у гитариста/вокалиста Фло Шварца для выпуска продолжения камбэк-альбома «A Century In The Curse Of Time» (2015). По всей видимости, за более чем десятилетний перерыв в студийной деятельности проекта у него поднакопилось достаточное количество идей, которые он запланировал выпустить в виде трилогии. Данный релиз, по сути, продолжает музыкальную концепцию своего предшественника – а именно эклектичную смесь альтернативы, панка, дэта и дума. «A Kingdom To Disappear» всё же не стал копией прошлого диска, но сохранил стилистическую спонтанность и оригинальность, всегда свойственные Pyogenesis и, по сути, выделившие группу среди однородной дум-дэтовой массы и принёсшую некий успех.

Тем не менее, самые сильные стороны группы являются и её минусами. Творческий поиск вне жанровых рамок привёл к тому, что все песни сделаны в разных стилях и не всё получилось удачно. Скажем, нарочитый реверанс в сторону дэтовых корней в этот раз звучит довольно вымученно – особенно это слышно в куплетах «Every Man for Himself... and God Against All», где мощный гроул странным образом сменяется довольно невыразительным, вялым «чистым» припевом. Зато неплохой припев «I Have Seen My Soul» под бодрый дабл-бас и перегруженные гитары, спетый в надрывно-роковой манере, если не делает песню суперхитом, то уже вызывает интерес после довольно смелого, но слабого начала альбома… Следующая за ней заглавная «A Kingdom to Disappear (It's Too Late)» с налётом панка тоже восторга не вызывает, но цепляет драйвом и непринуждённой распевностью.

Середина альбома выдержана в мягком лирическом ключе и, по моему скромному мнению, она получилась наиболее интересной. Акустическая баллада «New Helvetia» звучит довольно красиво и по своей мелодраматике слегка напоминает такой трэк, как «Empty Space» с «Twinaleblood». Следующая за ней «That's When Everybody Gets Hurt», по сути, также весьма неплоха с точки зрения вокальных партий, но аранжирована довольно странно. Фоновые клавиши и барабаны (почти без гитар) чем-то напомнили Rush середины 80-х, когда некогда прогрессивная группа стала экспериментировать с модными электронными фишками, но в целом это вышло успешно. Здесь же похожая ситуация, хотя эта песня воспринимается строго под настроение, а неуместая туповатая электронная концовка также портит впечатление.

Далее снова следует панковский драйв на простецки-роковой «We (1848)», которая звучит довольно нейтрально, но радует неожиданной дуэлью басового и гитарного соло. А вот за ней следует один из самых интересных трэков «Blaze, My Northern Flame», где death metal в куплетах звучит напористо, в духе творчества шведов начала 90-х (никакого вам мелодэта!) или раннего Amorphis, а мелодичный припев сочетается с ним весьма неплохо. Ну, а завершает альбом, как и в прошлый раз, медленная полуакустическая «колыбельная» «Everlasting Pain» на 13 минут, достаточно красивая и атмосферная, но тоже строго «под настроение»… В итоге получился достаточно интересный альбом, который уступает предыдущему почти во всём параметрам – и по хитовости, и по звуку (в этот раз с гитарным перегрузом явно перебор), и по качеству материала. Но при этом работа достаточно разнообразная и даже смелая. Вот только оценят её, боюсь, только упёртые фэны Pyogenesis…

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 июн 2017

Мой бедный, бедный Южный Пришелец, что с тобой стало? Нездоровый блеск в глазах, запах алкоголя, зеленый торс забит татухами "NYHC", на треугольном подбородке - вполне земная щетина. Ты и подкачался вроде, да и кастет на лапе не просто так таскаешь, но выпирающие ребра, все шестьдесят четыре, говорят о том, что твой образ жизни не назовешь спортивным. И я даже не спрашиваю, куда делась твоя летающая тарелка.

Такие дела... Стоит признать, что главная особенность данного альбома в том, что это уже не слишком-то Alchemist, скорее, условный дебют того, что в будущем станет новым проектом Адама Эйджиаса, The Levitation Hex. На бескрайних онлайн-просторах встречалось мне такое определение "Tripsis", как "Cynic meets Madball". Довольно неплохо, но с той лишь поправкой, что мечтательных и эклектичных Cynic кое-где стоило бы заменить интровертами Death. Собственно, вся суть изменений музыки группы в том, что психоделическая ее компонента, во-первых, ужалась, во-вторых, сменила - скажем так - эмоциональный вектор. И теперь гитарные примочки производят больше не былые плавные, мягкие, объемные и чистые звуки, а резкие, быстрые, и даже какие-то злые по настрою. Былой космос еще царит в отрешенно-возвышенной "Wrapped in Guilt", встречается в прологе "Nothing in No Time" и мелькает кое-где в других песнях яркими, но короткими метеорными вспышками. Однако в целом австралийцы зазвучали более грубо и приземленно - в текстах в том числе. Да и вообще ядро альбома по-настоящему хардкорное, это прослеживается в гитарных риффах, но гораздо сильнее - в шквальных ударных партиях, закручиющих полотна компoзиций в сумасшедшие спирали. А каковы плотность и объем! Ну и собственно Адам с точки зрения вокала склоняется не столько к гроулу, что он практиковал на "Jar of Kingdom" и "Lunasphere", а могучему ору закаленного бойца с улиц Бронкса.

Однозначная вершина "Tripsis" - "Tongues and Knives". Взрывной ритм, лихо вплетенная в непростой рельеф композиции затейливая мелодия в духе болливудского серф-рока, ну и монументальный финал со стеной шума, венчаемый одним из самых отчаянных воплей, что только знала экстремальная музыка. Настолько брутальных концовок у Alchemist не было даже в 93-м, вот еще один яркий знак перемен, произошедших с австралийцами. Да уж, это вам не песни галактических китов...

Но вообще впервые минимум за десять лет группа произвела релиз достаточно ровный по качествy и не вызывающий горячего желания схватиться за монтажные ножницы и вырезать к чертям собачьим пару-другую песен. Может, это благодаря тому, что наши герои почувствовали себя более органично в несколько скорректированной музыкальной парадигме. А может, банально из-за того, что процесс записи и подбора материала растянулся на целых два года, что позволяло все трезво взвешивать и оценивать - это вам не десять дней, отведенных "Austral Alien". Но в любом случае жаль, что все это группу от распада не спасло. The Levitation Hex хоть и наследует "Tripsis", но все же несколько беднее идейно, а уж от старого доброго Алхимика там и вовсе почти ничего не осталось.

Jotun   1 июн 2017

Итак, на обложке второго альбома бельгийского неофолк-проекта наконец-то появился Черный Кот собственной персоной. Грустный вид малыша будто говорит нам "поцелу... то бишь, погладь кота, негодяй!". Жалостливость картинки, видимо, неслучайна, поскольку взята она из книги "Права животных". И огромное спасибо книге за то, что в ней не нашлось фото в формате "вид сзади".

Ну ладно, пытаться как-то еще подковырнуть тему кошачьих анусов было бы глупо, так что перейдем к музыке. И сразу подмечаем довольно значительные изменения. Хоть ядро формата Sol Invictus+Woven Hand сохранилось, в миксе заметно прибавилось рок-н-ролла и инструментального разнообразия, что придало материалу похожести на Angels of Light Майкла Джиры. Впрочем, любое слишком навязчивое сходство нивелирует вокал Стефана: у микрофона он чувствует себя уверенно, диапазон его возможностей широк, поет он добротно - а по меркам жанра и вовсе изумительно - и достаточно громко, еще сильнее подчеркивая рОковые акценты. Несмотря на то, что акустическая гитара по-прежнему "ведет" за собой все инструментальные партии (а там чего только нет, от электрики до волынки и шарманки даже), она гораздо чаще уходит на фон, давая раскрыться самым разным исполнительским навыкам Стефана. Ну и, наконец, куда больше задействована ритм-секция. Давно, кстати, пора: Kiss the Anus of a Black Cat заявлялся, как проект, вдохновленный, в том числе шаманскими ритуалами. А какое может быть камлание без хорошего, динамичного ритма?

С первой половиной "An Interlude to the Outermost" вообще абсолютный порядок: красивые разнообразные песни с мощными, образными текстами, полные цепких мелодий. Помутнение наступает, когда дело доходит до парочки девятиминутных треков-жиробасов, хронометраж которых достигнут, прежде всего, мучительно долгими паузами и бесконечными повторениями одних и тех же фраз. Трудно, правда, понять, почему "You Will Reap a Whirlwind" кажется отталкивающей, а с, кгм, особенностями "Beyond the Tanarian Hills" можно будто бы и смириться - даже обозвать ее, в оправдание, как-нибудь по-умному. Гипнотическим экскурсом там, погружением в транс, инструментальной медитацией - вариантов много. Возможно, тут как-то сказались таланты легендарных анархопанков- дэтрокеров Rudimentary Peni, оказавшихся причастными к созданию этого опуса.

Однако "Beyond..." все равно кажется избыточной, да и завершающие альбом номера уже не слишком вдохновляют. Занятно, что и на дебютнике оказалась одна невероятно тягучая композиция, тоже смазывавшая впечатление. Всего одна, но и треков-то было лишь четыре. Здесь же, по первым пяти песням, имеем практически шедевральный альбом, корону с которого сбивает неумение Стефана вовремя остановиться. Он хороший композитор, но, увы, количество достойных номеров, которые бельгиец способен сочинить за определенный период времени, явно недотягивают до его представлений о пристойном хронометраже студийного релиза...

Jotun  31 май 2017

В качестве предисловия стоит, в первую очередь, вспомнить о некогда хорошо распиаренном шведском коллективе Ghost. Который начинал свой творческий путь при активной помощи небезызвестного Ли Дорриана и его лейбла Rise Above, а вскоре, неплохо так достигнув некой (насколько это возможно в рамках стиля) всемирной славы, благополучно скатился в бездну скандалов, интриг и ухода большей части музыкантов из группы. Которые, в общем-то, без дела не остались - кто-то восстановил старые музыкальные проекты, кто-то ударился в откровенную электронщину, а вот некий Aksel Holmgren, отыгравший в Ghost четыре года на ударных, пригласил к творческому сотрудничеству свою старую подругу по имени Fia Kempe, и под вывеской The Great Discord они заиграли весьма интересную музыку.

Дебютный альбом группы, вышедший в пятнадцатом году, представляет на суд слушателю весьма авангардный и драматичный материал, вдохновленный прогрессивом и альтернативной музыкальной сценой, хотя сами музыканты окрестили свое детище не иначе как Progressive Death Pop. Что, в общем-то, сложно будет оспорить! Приятная на слух музыка, зачастую дисгармоничная, местами до невозможности лиричная, и тут же всецело меланхолично-подавляющая. Ну а так как лирика группы концептуально касается различных сторон человеческих состояний и отношений, причем явно не самых положительных, то вкупе с музыкальной составляющей звучит это всё неимоверно целостно. Плотные гитарные риффы плавно дополняются и сменяются клавишными партиями и спокойными гитарными проигрышами, зачастую срываясь в натуральную музыкальную "шизофазию". Но безусловно, отдельным и самым ярким инструментом в этом коллективе является вокалистка Fia Kempe, которая своим голосом не то что там дополняет или вписывается в музыкальное полотно, а наоборот - ведет за собой все музыкальные партии. Барышня весьма специфичной внешности, рожденная в семье профессиональных музыкантов, однозначно не лишена таланта! И пусть в альбоме она не хвастает какими-то немыслимыми диапазонами своего голоса, зато сполна восполняет его атмосферу своим потрясающим тембром и чистотой вокального исполнения.

Конечно, на этой пластинке под названием "Duende" не найти свежих музыкальных идей, но то, с каким это преподнесено чувством (если хотите - душой), и насколько это в целом гармонично контрастирует, безусловно заслуживает внимания, что также и подкупает своей искренностью. Хороший дан старт для этого молодого коллектива, но вот немного огорчает некий прохладный прием данной записи и по сей день...

Uncle Drown  31 май 2017

"Все ищут и не находят причину, по которой началась война. Их поиски тщетны, причину эту они не найдут. Война началась не по какой-то одной причине, война началась по всем причинам сразу."
Томас Вудро Вильсон, 28-й президент США

Ну что же, наконец, мы имеем честь послушать последнюю главу монументального и амбиционного начинания от God Dethroned про Первую мировую войну. Лично я ждал её довольно долго, но стоило ли вообще заканчивать трилогию? На мой взгляд, скорее нет, чем да. По крайней мере, с таким материалом. Ибо “The World Ablaze” по качеству содержания проигрывает и “Under The Sign Of the Iron Cross”, и “Passiondale (Passchendaele)”. На новом альбоме голландских менестрелей иприта и артиллерии нет ничего особо интересного. На альбоме мы слышим самый обычный европейский дэт, в меру олдскульный, в меру современный. Некогда яркий и рявкающий гроул Генри Саттнера совсем осип, стал несколько ниже и больше не пробирает до костей, как это было в 2009-2010 годах. Исчезла присутствовавшая на двух предыдущих альбомах пафосно-трагичная, в хорошем смысле этого слова, мелодика – потуги нового гитариста изобразить нечто подобное, к сожалению, успеха не имеют. Нет, я не могу сказать, что “The World Ablaze” является совсем уж провальной работой, ни в коем случае. Но песен уровня “Under The Darkening Sky”, “Storm Of Steel” или “No Survivors” на нём нет. Просто… Ну, не погружает новая работа God Dethroned в атмосферу отчаяния, окопной и бессмысленной бойни, хоть ты тресни. Да, сыграно и записано всё по высшему стандарту, но как-то без искорки совсем. В общем, ни к чему не обязывающий альбом: и восхищаться нечем, и хвалить особо не за что. Неплохо, но могло быть и лучше.

rassol  30 май 2017