|
|
 |
|
| Думаю, что не сделаю открытия, если для людей интересующихся поясню суть названия этого альбома. Здесь всё, что называется, лежит на поверхности. Octoberon - это составное слово, полученное путём наложения слова Oberon (имя короля фей в средневековой британской мифологии) на слово October (всего лишь осенний месяц октябрь). А персонаж, что изображён на обложке альбома (CD или LP), должно быть и есть тот самый король Oberon в роскошном одеянии бабочки, являющейся маскот-символом группы Barclay James Harvest с незапамятных времён, с жезлом-светильником в руке на фоне погружающегося в ночь пасторального холмистого пейзажа с поблёкшими жёлто-зелёными красками середины осени. Октябрь - это тот самый осенний месяц, когда ещё порхают последние бабочки...
Акулы пера ведущих западных изданий, связанных с музыкальной индустрией, не слишком жаловали последний альбом BJH "Time Honoured Ghosts", бесконечно и беспричинно сравнивая его с "лучшими образцами" из былого наследия группы, крайне редко указывая при этом, что за "образцы" имеются ввиду. Но сами музыканты по-видимому твёрдо верили в себя, справедливо полагая что ещё не время делать выводы. Музыка той пластинки как доброе вино должно было настояться, вызреть, набраться кондиций... И лет десять (или чуть больше) спустя такое время настанет, когда BJH окончательно сползут в обезличенный поп-рок и те же самые муз. эксперты, на все голоса ругая современную (второй половины 80-х годов) музыку этого квартета, будут заверять растерянных поклонников группы, что "золотая эра" BJH пришлась как раз-таки на середину 70-х.
Релиз альбома "Octoberon" состоялся... Как думаете, когда? Правильно, 1 октября 1976 года. На этот раз музыканты всё решили делать дома и самостоятельно. Запись программы проводилась в Strawberry Studios маленького городка Стокпорт, что чуть южнее промышленного Манчестера. Тихое, с провинциальными традициями графство Чешир (Сheshire) консервативной английской глубинки с умиротворяющей холмистой местностью, где в глухом средневековье зарождались легенды и мифы о королях и рыцарях, эльфах и феях... Что могло быть лучше, чтобы с головой погрузиться в работу над такой пластинкой, как "Octoberon"?
Не секрет, что в студию музыканты BJH являлись уже с "домашними заготовками". Каждый со своими. И уже в студии готовились инструментальные и вокальные партитуры, делались аранжировки и записи треков. К некоторым уже готовым записям квартета в лондонской студии Chappell, где места хватало для большого симфонического оркестра, дописывались оркестровки и академический хор с дирижёром Ричи Клосом... На этот раз всё было именно так. Казалось, группа вернулась в "дополидоровские" времена, когда струнные секции академических оркестров охотно участвовали в записях отдельных композиций BJH. Если бы не одно но... В качестве основы, на которой базировалась программа нового альбома, музыканты использовали материал и опыт работы над этим материалом именно своего предыдущего диска "Time Honoured...", где не было ни хора, ни оркестра, и готовилась та пластинка в далёкой и шумной Калифорнии с американским продюсером, с которым группа и обрела тот самобытный, только ей свойственный музыкальный стиль, которого она будет придерживаться ближайшие годы.
Модель умеренного прог-симфо-софт-рока, выразившаяся в интроспективной балладе "The World Goes On", где Лес Холройд в который уж раз проявил тяготение к изящным мелодическим конфигурациям с навязчивым меланхолическим настроением, которое словно перекочевало из прошлогоднего LP квартета. Только функции активных насыщенных клавишных Стюарта Уолстенхольма на сей раз уверенно заместила струнная секция оркестра Ричи Клоса. Причём, "встроена" оркестровка настолько тонко, что являясь, выражаясь образно, не более, чем театральной сценической декорацией, совсем не отвлекает, но ощутимо усиливает впечатление.
В "May Day" Джона Лиса этим фоном будут являться уже органные завесы Уолстенхольма, да и ситуация здесь совсем иная. Это более бодрящая композиция с резвыми выпадами сдержанной силы клавишных Уолли и гитары Дж. Лиса в их комбинированных инструментальных проигрышах после каждого припева, которые в определённый момент достигнув кульминации готовы, казалось бы, разрядиться разящей хард-роковой эскападой. Но нет, за последним из серии таких выпадов следует всё тот же изначальный гитарный ритм. Разрядка, впрочем, всё же происходит, но совершенно неожиданным образом - музыка резко обрывается и звучит величественное хоральное песнопение под смягчившиеся органные рулады. Создаётся ощущение присутствия на некой соборной мессе по случаю большого религиозного события.
Ставшая уже традиционной органная сюита Уолстенхольма "Ra" на сей раз более академична, чем сюрреалистичная "Beyond The Grave" из "Time Honoured...". Вокал Дж. Лиса в этом эпическом номере на фоне его убедительной гитарной партии как-то потерялся. Ну, а в авангарде, само собой разумеется, бурлящее органное многообразие в обрамлении оркестра. Аранжировка этой композиции приблизила звучание BJH к образцам классической музыки, очевидно оттого она и кажется излишне затянутой и утомительной.
Многообещающее название номера "Rock 'n' Roll Star" Л. Холройда не оправдает ожиданий слушателя - новичка или человека, который эту работу группы ранее не слышал. Вместо вожделенного огненного рок-н-ролла звучит крайне сдержанный поп-рок с предельно лаконичной сольной гитарной дорожкой Дж. Лиса и, пожалуй, излишне мягким вокалом Холройда. На долгих высоких нотах ему определённо не хватает глубины дыхания и, как следствие, твёрдости в голосе, что для Леса уже становится слабым местом. Подобным "ватным" тоном непросто образумить амбициозного юнца и внушить ему, что не всё так легко и радужно на этом обманчиво-скользком пути в "звёзды". Привлекает внимание фрагмент с гитарой Лиса, когда он в фоновом режиме играет а-ля Эрик Клэптон.
Самой "агрессивной" в программе альбома воспринимается песня "Polk Street Rag". Подобным образом аранжированными номерами как правило открываются программы с умеренным рок и даже хард-рок-звучанием. Но никак не для данного случая - поместить эту достаточно жёсткую композицию в начало этого альбома было бы непоправимой тактической ошибкой. Размашистая, с наконец-таки осязаемой ритм-секцией версия классики The Who первой половины 70-х годов, с бэк-вокалом в режиме гаснущего эха (интересная находка, стоит признать), "подмяла" бы под себя прочие более изящные песни этой пластинки. У этого номера, кстати, вполне себе конкретная сюжетная канва: Polk Street - улица в районе "красных фонарей" в Сан-Франциско, где среди прочего находится кинотеатр с рейтингом Х, т. е. демонстрирующий кинопродукцию порнографического содержания. Достаточно смелая по тем временам и неожиданная для этого альбома тема.
Возвращает слушателя к осеннему настроению ещё один трогательный номер Леса Холройда "Believe In Me". На контрасте с предыдущей "Polk Street..." воспринимается как утончённый сентиментальный ноктюрн с роскошным бэк-вокальным многоголосьем, но на удивление "твёрдым" инструментальным фрагментом в средней его части. Самая, пожалуй, характерная композиция, иллюстрирующая концепцию LP "Octoberon".
Ощущение некой кинематографичности происходящего в завершающей программу пластинки загадочной "Suicide?" возникает от характера восприятия этой интересной сюиты. Словно бы воспроизводится саундтрек к "кино" с трагическим концом, о котором авторы дают понять уже в самом его начале. Джон Лис, как вокалист-рассказчик, будто бы на диктофон бесстрастным будничным тоном вещает всю хронику происходящего, начав с того, что подвигло этого парня к такому решению. Ну, а далее будто бы раскадровка текста композиции. Эти несколько минут вызывают неподдельные эмоции, когда на фоне постепенно стихающей на дальнем плане музыки следует "шумовой дизайн", медленно, но неуклонно продвигающий эту историю к развязке. Длинная затухающая кода, эмбиентное нисходящее звучание органно-оркестровой мелодии под пространственно-шумовое сопровождение продвигающегося на крышу здания человека и чьей-то завершающей фразой "самое время..." Мгновенное крещендо падающего тела и тишина. Занавес.
Своим знаком вопроса в названии Дж. Лис озадачил слушателя. Что это было? Запланированное самоубийство или вмешательство кого-то ещё, кто, возможно, и произнёс эти два последних слова? В тексте ответа не найдёте.
"Octoberon" более контрастный альбом, чем идеологически связанный с ним "Time Honoured Ghosts". И, пожалуй, будет поострее и поярче в плане восприятия, сколько их оба ни слушай. Впрочем, имея свои давно уже сформировавшиеся эмоциональные оценки тому и другому, никому не намерен навязывать своё мнение. Эту музыку надо слушать. И далеко не один раз. Но она того стоит, вот в этом никаких сомнений.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Лебединая песнь Розза, которую я имею честь рецензировать, и всё предшествующее творчество Shadow Project похожи друг на друга, как небо и земля. Со стороны это всё выглядит так, как будто в последние часы жизни в рассудке безнадёжно больного наступило прояснение. И где тот грязноватый лоу-файный звук, псевдоблэксэббатовские риффы, околовосточные мотивы и вызывающие интонации в вокале, давно ставшие визитной карточкой Shadow Project? Вместо этого нашему уху предстаёт чистый, как слеза ребёнка, пронзительный и звенящий акустический рок – до мозга костей американский в лучшем смысле этого слова, не чуждый влияния таких «неготичных» жанров, как фолк, психоделия 60-х, блюз, фанк, соул, кантри. The Doors, Pink Floyd, Jefferson Airplane, ранние приблюзованные Deep Purple, Janice Joplin, Whitney Houston, Amy Winehouse, Johnny Cash, Chelsea Wolfe – именно такие разномастные и разношёрстные ассоциации приходят в голову при прослушивании данного творения.
Из «фаворитов» на данном диске хотелось бы отметить в первую очередь чарующую печальную балладу «Forever Came Today», а затем задумчиво-романтичную «Home Is Where», у меня почему-то ассоциирующюся со степями-прериями, реднеками, фургончиками-трейлерами и прочими вещами, русским человеком воспринимающимися как сугубая экзотика, и эмоциональную, мнимо радостную «By God» с «раздражающе» крикливым вокалом Ивы Ортис, отдающую не то соулом, не то фанком, а также выдержанную в схожей стилистике трагическо-наркоманскую «Bitter Man». Одним словом, слушайте, впитывайте и проникайтесь.
|
| |
|
|
|
|
|
| Спору нет, Batcave, конечно, велик, но и последующие волны готик-рока, в том числе на материке, сумели сказать новое слово, не отвергая наследия «отцов». В свете этого немалый интерес представляет диск «Sylphes» за авторством галлов Corpus Delicti.
Можно поддаться соблазну описать содержимое пластинки как готик-рок с неповторимым, чисто французским шармом, и ограничиться этим, но такая характеристика при ближайшем рассмотрении оказывается далеко не исчерпывающей. На диске парадоксальным образом уживаются жанры от грубого, исступлённого припанкованного дэт-рока с озверелыми криками и прочими приятными сюрпризами, который наверняка напомнит Kommunity FK любителям класссики жанра («...Of All Desperations», «Circle»), до обволакивающего, отрешённого эмбиентоподобного дарквэйва («The Smile of Grace»), дарквэйва же неоклассического («The Lake…») и гипнотизирующего этно-этереала (титульный трек). Особняком стоит трек «Private Slaughter», представляющий собой абстрактный хаотичный набор зловещих звуков. Нечто подобное было в своё время у Christian Death в «Of the Wound» и других шизофренических закосах под дарк-эмбиент и нойз. Всё это богатство и разнообразие, тем не менее, звучит весьма целостно и монолитно.
В целом же альбом представляет собой добротный гот-рок – потусторонний, иномировой, холодный, отстранённый, загадочный, с обилием ревербераций, которые здесь смотрятся на удивление к месту. Немудрено, что в бытность свою на первом курсе я чертовски любил засыпать под эти треки после честного, самоотверженного сычевания в интернете в то время суток, когда часовая стрелка давно уже замкнула круг.
|
| |
|
|
|
|
|
| Перед нами достойный продукт своего времени – релиз переходного периода трэша, когда инновации сломили сермяжные устои, но только не в сторону упрощения. Сходу альбом настраивает на правильный лад - крепкие узловатые риффы быстро буровят звуковое пространство, в то время как аранжировки складываются пазлами, а вокалист издаёт вибрации на пределе сил. Развитие сюжета закономерно для субжанра, что-то подобное делали Intruder, к примеру. Не ново, но крайне доходчиво и развернуто, с разнообразными красивостями на фоне трэшевой эстетики. В плане интеллекта можно также вспомнить британцев D.A.M., чьи приёмы находят отклик в местном вареве из скоростных наслоений и перевертов. Балансировка в классическом ключе, что подразумевает быстрые искрящиеся разгоны и гулкую ритм-секцию, а на десерт умелый басовый нестандарт. Вокал высокий с надрывными интонациями, что опять же хорошо работает на большое тех/прог трэшевое наследие. Соло залихватские, с уместным шреддингом, но мудро скомпанованные. Копоть и жар, а как результат связка хуковых проходов - проекция на трэшевый задор. Самобытность присутствует, но насчёт наличия харизмы и узнаваемости, то тут можно поспорить, так как подход принципиально не нов и опирается на старые методы. Все же, довольно ровный и сильный образчик прог/тех трэшевых областей, где нюансы значат многое.
|
| |
|
|
|
|
|
| Прошел год с момента релиза, концерты сыграны, оценки выставлены, мнение сформировано. Возвращение в игру отмечено с "шиком и блеском", а сами авторы пластинки более чем довольны результатом, ведь публика, особенно та, что в "этих ваших интернетах", хотела одного - хлеба и зрелищ. Как приятно осознавать, что в альбоме, который выкатили спустя 8 лет паузы, этого предостаточно.
S/T 2010 года выпуска был эдаким шагом в сторону. Уход на покой прошёл более чем изумительно, ведь группа продемонстрировала тот самый свистящий-скрипящий-оркестровый-пугающий-пронзительный звук, который и по сей день звучит... изумительно. Пластинку хорошо встретили и "Дочери" ушли на покой, который продлился 8 лет.
Выпустив сингл "Satan In The Wait", группа дала ясно понять, что материал планируется мрачный, жуткий и, как ни странно, эпичный. Крики Маршалла "Today is gonna feel like tomorrow someday...", наряду с абсурдным перегрузом шума, воспринимались как мантра, которая, навязчивым образом, вклинивалась в голову и не покидала её очень долго. А потом вышел сам альбом...
50-минутный хаос, наполненный какофонией звука, разрушительными ударными, "тем самым звуком" и вокалом Маршалла, который вещает словно проповедник перед своей преданной, но помешанной свитой, при этом сам проповедник явно не из тех, кто здоров на голову. "YWGWYW" является слушателю в виде очень неприятной темной сущности, которая, по завершению альбома, будет не чем иным как той самой темной стороной души, хранящая в себе самые ужасные черты, повадки и желания. Сущностью, которой не стоит выходить на свет, ибо она - Тьма.
Лирическая составляющая играет особую роль на пластинке, ибо в ней, как и в самом исполнении, зарыт интересный посыл. Метафоры, аллегории, посыл дают понимание того, что мы имеем дело, как минимум, с литературным текстом, который заслуживает называться поэзией... Словно читая пугающий рассказ, песни создают симбиоз, медленно погружая слушателя в конфликт лирического героя, который окунается в пасть безумия. Героя, одержимого и напуганного настолько, что он становится захвачен желанием бежать до боли по всему телу ("Ocean Song"). Героя, поглощенного своим сумасшествием, который отдает этому безумию полный контроль над собой ("Less Sex"). Героя, который, прибежав в безопасное, как ему кажется, место, оказывается обречен на отсутствие спасения ("Guest House").
Говорить об альбоме я готов часами, ибо уровень, показанный Daughters, очень высокий. Но если сократить те дифирамбы, которые я готов петь этой пластинке, суть будет ясна. Великолепная работа, которая в моём сердце заняла особое место. Работа, которую можно считать одной из лучших в прошедшем уже десятилетии.
"Remember, these are just the words to somebody else's songs".
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть жанры, сами детские, добрые и наивные, к которым иногда льнут дети, у которых были нужные родители. Sockweb – группа, стершая понятие generation gap из своего вокабуляра, состоявшая из отца 29 лет и его дочки, которой на момент основания коллектива было 6. Записывать вместе довольно профессиональный дэтграйнд было, мне кажется, поистине гениальной идеей. Отношение между детьми и родителями, оказывается, легко переносятся на пленку и оформляются в форме традиционной грайндовой конфронтации. Тексты писала Джонни Янг (заглавия песен вполне себе отражают детский угол зрения), она же и довольно неприятно, но вполне по-взрослому экстремально вокалила. За гитары и драм-машину отвечал папаша. Распиарившись в Интернете, дуэт взяли под свое крыло люди из Agoraphobic Nosebleed, и оный гитарист Скотт Халл сделал мастеринг альбома. Тайна качественного продакшена была раскрыта.
Почему приходится использовать прошедшее время... Да потому, что отец Джонни Адам стал жертвой, как теперь оказалось, лживых доносов об истязаниях и покушениях на свою жизнь не сильно психически устойчивой подружки (по совместительству порноактрисы) Ryden Armani и был найден повесившимся в подвале собственного дома 10 июня 2016 года. Девочку жалко. На этом "Пусть говорят" закончим, давайте к музыке.
Она непроста: интенсивна, грувова и джентова, немного маткористо-пластмассова, сдобрена спорадическим симфонизмом и шредерским поливаловом (соляки играют Эдаму гости). Вокалы гармонично сосуществуют, хардкоровый гнев Джонни, параллель его у отца, гроул папаши с претензией на утробность, тявкающий скрим дочурки... Заменить бы поганую никчемную драм-машину мастеровитым мясником за установкой, и было бы еще лучше. Посреди мясца и особенно в качестве эпилога к трэку легко может встретиться хард-роковый пассаж ("Werewolf") или лаконичный проигрыш. Без сэмплов тоже не обошлось, финальный джингл Ералаша неплохо проканал бы. Любимые песни среди грайндерских считалок: "I Want Pancakes", "Monkeybar Massacre", "Cletus the Fetus". Sockweb напомнил мне комиксовый техно-дэтовый дуэт T3h Shred Boiz, что про него сказать еще, что это Интернет-экстрим 10-х и шутка юмора. Больше чем альбом, "Werewolf" есть андерграундная медиасенсация. Для другой вариации на данную тему см. дуэт Grindmother. Эти же ребята запомнятся нам за первопроходство, уют и теплую атмосферу.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нью-джерсийский техничный грайндкор никогда не умрет равно как никогда и не изменит состав людей, которые его играют. Discordance Axis - Gridlink - No One Knows What the Dead Think, меняются комбинации игроков, в каждом составе появляется по дополнительному японцу, но искусство боевого вопля всегда принадлежит единственному и неповторимому Джону Ченгу. No One Knows What the Dead Think есть нежданно-негаданное счастье для страждущих изведать тот самый вкус техно-грайндкора кистей выходца из Discordance Axis. Роба Мартона. У микрофона Ченг, на драмсах какой-то новый японец, но все равно, не в них, последних, счастье – все в порядке, можно начинать!
No One... совмещает самые сильные черты DA и Gridlink-а: методичный, чеканный риффовый поток с ароматными диссонансами от первого и мелодическое изобилие от второго. Из-за мелодий гитарист потихоньку скатывается в ускоренный техничный мдм (синдром Gridlink-а), но без квазипауэрского пафоса. Слегка суховатая, но экспрессивная, мясистая, богатая своими диссонансными штрихами игра быстрее достигала цели, особенно если материал структурированно и изобретательно обстукивает Дейв Витте. Новый японец мощен, но предсказуем и изюминок в его игре резко не хватает, чтобы цеплять слух. Бластбит во всю Ивановскую, неустанно, почти без послаблений – скучновато, товарищи. Кроме того, ладно мелодии, сами гитарные идеи не сильно различаются от трэка к трэку: риффы прямо 3-х песен подряд от "Stars Hide Your Fires" до "Sayaka" более походят на вариации одной темы.
Нет, остаются еще моменты, когда раскрываешь рот от изумления от молниеносных риффовых построений ("Rakuyo"), есть некие разбавляющие общую плотность эпизоды: настойчивые финальные брейкдауны в "Dagger Before Me", но в целом планку изобретательности ребятам пришлось уронить. Крайний диск Gridlink боле художественный, развлекательный, первому No One... не хватает фишек, чтобы оправдать свое существование. Альбом тянет по размеру едва лишь на приличный EP, зачем нужны караоке-версии всех трэков по порядку, как водилось у Gridlink, кроме удлинения хронометража "альбома"? Видать, это к тому же, что в каждой из групп Ченга есть песня про осень ("Compiling Autumn", "Constant Autumn", "Autumn Flower"). Ченг он всегда Ченг, им грайндовую кашу не испортишь, визжит, подрыкивает, все как положено...
Диск нужный для поддержания былого огня, так-то получился, но демонстрирует, что даже былым пророкам в одну реку нельзя войти дважды. На сегодняшний день перспективнее звучит более разреженный мелодик-грайнд Beaten To Death.
|
| |
|
|
|
|
|
| С Gridlink все вроде бы просто, это очередная изощренная грайндовая бригада из Нью-Джерси вслед за великолепными Human Remains и Discordance Axis. Вокалист Джон Ченг из последней формации, с ними также одно время играл Стив Прокопио из HR. Новая команда Ченга, в которой количество японцев увеличилось на 1 позицию, представляет собой интенсификацию и до того не косолапых вышеперечисленных групп. Не совру, если скажу, что тут мы имеем примерно ту же планку техники, но новую – мелодии. Грайндкоровая молотьба от Gridlink искрится сверхмелодичностью, оттого она отлично слушается. Такафуми Матсубара может выкидывать какие угодно техно-фортеля, рваные диссонансные безумства, но мелодический бальзам сгладит все. Чего греха таить, порою музыкальные решения кажутся более заурядными, закрадывается мысль, что японец не изобрел что-то свое, а как следует прокачал что-то знакомое. Подобное мы могли бы услышать у какого-нибудь мелодичного блэк-коллектива (вспоминают Impaled Nazarene) или в раннем скандинавском мелодик-дэте, только последний был ускорен и усилен гипербластами. Скорости преимущественно реактивные, замедлений не столь много, оттого Брайн Файардо долбит и долбит, в общем-то другого и не требуется. Это была моя главная претензия к диску и группе в частности, Матсубара заслащавил, карикатуризировал саунд (пауэрская мажорность в "Ketsui" просто вымораживает), а Файардо лишил его разнообразия, просто давит слушателя бластбитом весь диск, мерзавец. Это ж грайнд, скажете вы. Но типа как незаурядный, артовый, возражу я, так зачем так нивелировать свои возможности и глушить фантазию. К счастью, буквально волшебная атмосфера, один инструмент, о котором позже, звонкость гитарных решений не позволяет затеряться этому релизу среди когорты себе подобных, он-таки самобытен: передает слушателю пламенную героику через весь свой технадрыв.
"Longhena" продолжает традицию использования максимально нетипичных для стиля образов в кавер-арте, заложенную еще крайним опусом Discordance Axis: то было мечтательное небо, казалось бы, только что украденное у эмбиентового альбома, а это анимешная барышня, хорватская модель Nea Dune, обращенная своей наиболее сладкой частью к зрителю. Поддерживая заявленные с порога дружелюбные потребителю тенденции, парочку своих боевиков ребята заканчивают сентиментальной хрупкой скрипкой, и она же главная во всецело неоклассическом трэке "Thirst Watcher", образце идеальной гармонии в миллиардах миль от ваших этих грайндкоров.
Мне больше по душе предшественники коллектива, в них больше остроты, мясистости, но и Gridlink как рукастую донельзя команду списывать со счетов нельзя. К сожалению, мозг и руки коллектива пострадали от инфаркта, так что боевая мощь группы под угрозой, хотя гитарист в этом году уже успел выдать сольник. В качестве огневой поддержки Ченг и Роб Мартон из того же Discordance Axis выпустили self-titled альбом проекта No One Knows What The Dead Think, снова с нестандартной для жанра облогой.
|
| |
|
|
|
|
|
| В самом начале 90-х в испанской Риохе, знаменитой на весь мир своими вкусными винами, Анхель Сан Хуан (вокал и гитара) со товарищи (Артуро Моррас - гитара и Роберто Гонсало - бас) создали банду Privacy, которая через несколько лет сменила свое название на Tierra Santa, что в переводе с испанского означает «Святая Земля».
«На самом деле та группа, которая была раньше, не была группой как таковой. Я имею в виду, что это была группа без какого-то самоопределения, но пришло время сделать пару записей на скромном уровне. У нас уже было готово несколько песен, и тогда мы подумали, что нам нужно сменить название на испанское, потому что старое название было на английском языке, и это была типичная ошибка, ошибка в кавычках, потому что группы, которые называются по-английски, должны и петь на английском, но мы-то пели на испанском, поэтому мы и решили назваться «Святая Земля». (Анхель Сан Хуан)
В 1993 году молодая команда собственными силами выпустила одноименное демо «Privacy». На данном релизе, в состав которого вошли 6 композиций, одна из которых – инструментал («Aquelarre»), представлен забойный спид-метал, вдохновленный творчеством таких коллективов, как Motörhead, Accept и Iron Maiden.
Лучшая вещь на миньоне – стремительная «Teotiuacan», честно говоря, для меня загадка, почему ребята ее впоследствии не включили в свой дебютный альбом.
Но, конечно, весь материал еще достаточно сырой, а качество реализации, к сожалению, очень сильно хромает, что значительно портит общее впечатление об этой работе.
Тем не менее, данная демозапись сыграла свою важную роль в становлении испанской школы пауэр-метала, который в те годы еще только зарождался. Анхель и Ко, без сомнения, стали первопроходцами этого стиля в своей родной стране.
Поэтому хотя бы чисто ради интереса ознакомиться с этой работой стоит.
|
| |
|
|
|
|
|
| Волна ностальгии по былым хаеротрясным временам и как следствие возвращения к жизни былых легенд докатилась и до ушедших, возможно, ранее многих других Phlebotomized. Все, однако, получилось как всегда и далеко не все участники группы разделили эмоции по факту, точнее их испытывал только основатель, гитарист Tom Palms. Полагаю, для многих непосредственных создателей «Skycontact», так же, как и для меня, этот чудесный альбом стал в полном смысле слова итоговым, постулирующим их взросление и уход из экстремального метала. Не могу их винить, что никто не вернулся.
Окружив себя способными и могущими в олдскульный саунд музыкантами, гитарист Phlebotomized сделал по сути микс из 1-го и 2-го альбомов, но базой сделал диск 1994 года "Immense Intense Suspense" с его местами грубыми пещерными нравами, брутализированным симфонизмом, создаваемым каноничными клавишными думового рода и племени, кровожадным гроулом и иногда молотобойным бластбитом ("Eyes on the Prize", "Proclamation of a Terrified 'Breed'"). Все излюбленные приемы команды тут есть: и реминисценции наивного дэтового риффинга, романтические ортодоксальные брейкдауны, маршевые интонации ударных. Соло-гитары кристальны и обворожительны с тем самым смыслом возвращенного величия. Направлена на возрождение особых ностальгических импульсов также и скрипка. На энергетику жаловаться не приходится, ее у музыкантов нового поколения хоть отбавляй. Том нашел настоящих энтузиастов олдового подхода, который не пришлось особенно переделывать. Стиль особо не был осовременен, голландцам нравится так. Они были и остаются мастерами элегических думовых штрихов и обволакивающего симфоничного дэта, который после них настолько волнующим делали его лишь итальянские мдмщики Dark Lunacy. Ну, чуток электроники добавили, изобразив трансовую эйфорию в "Desideratum". В целом это та же группа, словно и не было затяжной паузы в два десятка лет, не поменялся весь состав... и не было последнего доселе альбома... Немного понесло товарищей к приблэкованному звуку а-ля ранний Dark Tranquillity в своих главных хитах "Chambre Ardente" и "Deformation of Humanity", что прозвучало немного заурядно и клишированно, поэтому мне больше по душе развитие этих вещей в их 2-х половинах. Вокальные хуки этих песен тоже довольно быстро приелись, будучи излишне ломовыми и безыскусными. А может, гроул современных Флебов, мешаемый со скриминговыми выпадами, лишен обаяния и самобытности... Dennis Geestman тут только в гостях на паре песен. Еще современность принесла с собой немного пост-блэка как главного гаранта атмосферности наших дней.
Гораздо приятнее на альбоме ретро-влияния, сближающие его со «Skycontact», удаляющие от стародавних печалей и порывающие с земным притяжением: психоделические космофильские гармонии ("Desideratum"), рафинированный воздушный дэт-метал c опять же межпланетным нервом ("Until the End") и немного фолковых радостей жизни, дополняемых солированием в лучших традициях гитарной классики 70-х ("Ataraxia II"), вах! Хоть последний альбом кажется мне ребутом "Immense Intense Suspense", но и влияний "Skycontact" тут можно наскрести: ищите, короче, воздушный и более интроспективный материал – фанатам альбома 1997, коим являюсь я, это первейший бальзам на душу. Иронично, но именно с началом "Атараксии 2" я почувствовал, что "Skycontact" вот-вот должен по-настоящему начаться. А по-хорошему такта и пластики в подступах к нему ребятам явно не хватило (если они хотели этого, как говорится, надо было стараться раньше).
Радость приносит осознание факта, что есть тот, кто ударит классическим одухотворенным звуком по бездуховности и творческому обнищанию, тот, на кого всегда можно положиться. Возможно, "Deformation of Humanity" есть Phlebotomized ‘90 для бедных, но плохим альбомом его могут назвать только те, кто чего-то ждали. Мне обычно до фонаря все реюнионы, поэтому ожиданий особо и не было. Но 90-е и дэт-метал это своеобразная магическая и неразрывная комбинация, не будем обманываться, что это можно скопировать без потерь. Продолжать же с того места, где закончили в 97-м, оказалось чересчур сложно для Флебов, они пошли по пути наименьшего сопротивления.
|
| |
|
|
|
|
|
| Предтеча технично-брутального феномена Lykathea Aflame интересна прежде всего как колыбель цивилизации и будущего золотого стандарта арт-мясорубки, с этим сложно спорить. Состав Appaling Spawn полностью перекочевал в Ликатею, однако на этом альбоме стучит вовсе не одиозный мастер заковыристого бита и апокалиптического бластинга Tomáš Corn, а паренек по имени Gabriel Pavlík. Собственно, после его ухода бригада подающих надежды мясников переродилась в Жар-птицу художественного дэт-метала.
Тем не менее, и на этом пласте 1998-го года перед нами не варварское племя с первобытной дикостью и монотонностью нарезающая мясо, а уже довольно опен-майндовый коллектив с широкими воззрениями на узкий стиль и с той самой пресловутой широкой славянской душой. Хотя и зачинается все с надрывающегося Petr-а Tománek-а, гуманистическое и оптимистическое заглавие "Freedom, Hope & Fury (The Second Spawn)" неспроста повешено над этим материалом, он его не раз оправдает. Мелодические щедроты навроде тех, которыми наводнен "Elvenefris" уже проклевываются сквозь рубку ("Sublime Fury", мечтательный инструментал "Azure Waters of Inthera"), сами внутренности трэков часто преображаются в эпическом экстазе, а инструментальный забой часто проясняется до членораздельного пробивного мелодизма, при этом на фоне того же "Elvenefris" это все имеет масштаб квартирника, камерного и уютного (я не о том, что ребята на акустиках местных легенд чешского рока лабают). Во всепоглощающих монументализме и экзотике LA не читались так хорошо доходчивые гитарные мотивы и задорный бас, который тут вообще отличнейше слышен. Как ты группу ни назови, хоть Appaling Spawn, хоть Lykathea Aflame, талант мелодической инкрустации у чуваков не отнять. Достаточно включить одну "Open Arms of Celestial Home", чтобы оценить крепкие мелодические нити, которыми связаны все элементы трэка. Я уже успел раз 5 употребить слово с корнем "мелоди", да? Потому что в данном подстиле ТАК и СТОЛЬКО больше никто. Стоит ли казенно проговаривать, что это не ущемляет звериной мощи диска, так сказать, не попсит брутал. Основные инструментальные отличия Appaling Spawn в этом виде от грядущего апогея – меньшее количество клавиш ну и более стандартный мясной драмминг от тогдашнего барабанщика, в 2012-м году, увы, покинувшего этот мир. Альбом пролетает не успеешь и глазом моргнуть благодаря синтезу страстей и технической искусности, что олицетворяет и обложка диска.
Appaling Spawn '1998 – не бледная копия позднего коллектива для тех, кто слушает не хронологически, не зародыш, а вполне самостоятельное, полноценное творческое целое. Чехи вообще часто уникальные дэтстеры и грайндеры по соотношению техники и эмоционального богатства, художественной яркости произведений, и данный диск одно из первых свидетельств тому.
|
| |
|
|
|
|
|
| Cattle Decapitation всегда были довольно смелой Grindcore группой, а теперь квинтет стал одним из самых интересных экстремальных коллективов в мире.
«Death Atlas» - наверное, самый мрачный, злой и разрушительный альбом, который когда-либо был сотворен под вывеской Cattle Decapitation. Сложно выразить словами насколько впечатляющим оказался для меня этот апокалиптический и концептуальный альбом. Музыкальное полотно всё соткано из захватывающих и выразительных лоскутов. Прогрессивность возведена в культ, но слащавых моментов не наблюдается, мелодии довольно-таки аскетичные, но выразительные.
Альбом сочетает в себе напор и зверство на стыке жанров Death Metal и Grindcore, с музыкальностью и драматической поэтичностью. Атмосфера мрака и хаоса здесь управляемая константа, музыканты-творцы направляют и управляют ими, вовремя разбавляя их гармониями, не позволяя музыке скатится в пустоши ужаса.
Гитарные риффы одновременно техничные, скоростные и привлекательные для слушателя, благодаря высоко изобразительным стремительным пассажам и поэтичным соло.
Барабаны довольно разнообразны как на высоких скоростях и в бластбитах, так и во время медленных паттернов. Давид Макгроу демонстрирует всему миру почему он считается одним из лучших и самых быстрых барабанщиков в экстремальном металле на сегодняшний день.
Вокалист Тревис Райан - один из самых самобытных и талантливых «певцов» в экстремальной музыке. Он использует гуттарал, гроулинг скриминг и даже чистый, очень специфический вокал, варьируя его по необходимости, т.е. где следует он выражает мелодизм или нагнетает напор в музыке.
Тексты относительно эклектичны, имеют ярко выраженную антиутопичную и разрушительную основу. В лирическом плане этот альбом мрачный, злой и концептуальный. Мизантропические тексты повествуют об изменении климата, планетарном экологическом кризисе, и о губительном влияние современной цивилизации на окружающую среду.
Инструментальная часть альбома разбавляется и фокусируется на печальных окружающих интерлюдиях, которые добавляют кинематографическое выражение записи и заставляют слушателей наиболее глубоко погрузится в концепцию этого творения.
Обложка альбома представляет образ мрачного жнеца в космосе с косой, держащего горящую землю, с песочными часами, сигнализирующими о «конце времен», что наводит на размышлениям о близком финале нашего бытия.
|
| |
|
|
|
|
|
| Крайний музыкальный опыт эксцентрика Furze – еще один сеанс упоения ретро, но не без реверансов к чернометалическому отрочеству. Нравятся мне эти инцесты блэка со стариной, но не сказать, что бы там глубины и бездны. Точнее они-то может и есть, но Woe J. Reaper или ленится или не хочет их вскрывать. Я о том, что львиную долю диска он закатывает мелодизированные "боевики" под трад-дум со зловещими нашептываниями, наркоманским чревовещанием или скулением. Это донельзя ровное и неблагодарно некрофильское творчество для демонстрации талантов мастера. Самое интересное на диске – завораживающая открывашка "The Presence..." и психоделические интерлюдии, от гитарных ритуалов под мрачный фолк ("Zarathustra's Overkill") до клавишных этюдов времен детей цветов ("Drammadur"). Эти трэки-смычки, поставленные в трейлисте как бы невзначай играют важную роль, обрисовывают бэкграунд, источники вдохновения музыканта, и особенно любопытна вышеупомянутая винтажная танцевальная психоделия "Drammadur". Вылазки в штормовой блэк, оголтелый спид, селтикфростовский шлягер "Bat Cobra" с заправскими ускорениями и бластовыми пассажами тоже неплохо вдохновляют, но думовая база заставляет заскучать. К гитарным и перкуссионным выкладкам Рипера претензий нет, присутствуют и перец в риффах, и соль в барабанных партиях, но в целом действо скучновато и стереотипно.
Помнится, еще об одной из более ранних вылазок в архаичную оккультно-думовую эстетику Woe J. Reaper говорил, дескать, это наша открытка к юбилею, 40 лет, все дела… Теперь впору открывать сувенирную лавку, ибо тут и открытки, и значки, и амулеты, и шкатулки. В гонке вооружений (кто быстрее, диссонанснее или кто лучше вплел религиозные песнопения в канву гитарного чеса и бластинга) музыкант не участвует, вместо этого упрямо и самозабвенно гнет линию почитания музыки прошлого, на все лады склоняя сэббэтовский дум-метал и роняя скупую слезу над ранним чернометальем. Иные прог- и пост-, Рипер же прост и прото-. Линия поведения, безусловно, заслуживает уважения, но можно шагнуть и дальше, не нарушая канонов. Как насчет развить интерлюдии в полный формат? В них, ей богу, на данный момент и данном альбоме самый потенциал.
|
| |
|
|
|
|
|
| J.R. Preston довольно интересный музыкант в сфере Черных Искусств. В его творчестве, помимо, так сказать, определенного дуракаваляния и впихивания невпихуемого, наблюдается то, что достойно уважения: глубокая связь с почвой, с музыкальной культурой звездно-полосатой Родины (сам он из штата Иллинойс). Как бы это назвать, blackened americana? Короче, сквозь его стиль глубоко проросла всякая аутентичная штуковина: кантри, блюграсс, блюз, коупанк, психоделию etc. Чувак черпает из истоков и не пытается молодиться, для того у него есть разудалые 8-битно-блэковые (Xexyz) и нойз-блэковые (Enbilulugugal) проекты. Американец творит обильно, обозреваемый альбом первый из триады, выпущенных в 2012-м, и речь ведь идет пока только о формации Tjolgtjar! Кстати, массовый слушатель имел шанс видеть ее на сплите с The Meads of Asphodel "Изведай божественного гнева".
На "The New Age" перед нами как на скатерти-самобранке: южные ароматы, реднековский свэг, рок-н-ролльный танцевальный настрой, но и патентованные чернушные атрибуты: недобрая пелена жужжащих гитар и плотная стена любительского сырого бластбита. Это путешествие увлекательно и затейливо, чтоб показать, что он не пальцем делан, мистер Престон (он указан как Преподобный) 3-м же трэком выставляет 10-минутный эпик "Cahokian Legacy", в котором замешивает теплую ламповость старины от 60-х до 80-х – пронзительные блюзовые нотки, бравый хард-рок с влиянием кантри, более авантюрный хэви-метал и монохромный дарктроновский инструментал с подобающим каркающим скримом, по трэку много и грустных отступлений и задорных разгонов. Иными словами, полный кузов приключений и музыкальных трансформаций под знаменами аутентичного американского рока. J.R. здесь создает целый роман с поиском себя и становлением своего музыкального почерка.
Мужик умеет и могет не только затяжные хард-роковые соло ("The Tjolgtjarian Trinity"), но и торжественные органы ("Dance of the Sun"), психоделические пленочные манипуляции ("Trance Und Menschenopfer", "Osjaar Interpreted", "Run, Enlightened!"), активно играет голосом, поет то духоподнимающий госпел ("American Demon"), то фальцетом что твой психоделический герой 60-х, задорно стучит на живых барабанах...
Воображение рисует эклектичную картину: наполовину солнечный деревенский мир или можно даже бодрые байкерские клубы, наполовину мрачные подвалы с оккультным инструментарием. Или же этот тип просто кощунственно мешает народное наследие (деды играли) и мужицкий хард-рок из клубов с сатанинскими проказами. Насколько все это всерьез и как это понимать? Прослушанный мной альбом был уж точно нескучным, но последовательным ему не суждено было стать. Но от другого предложения побывать на мракобесной и сумасбродной ярмарке музыкального тщеславия автора я бы не отказался, авось это сложится в более цельную и гладкую картину?
|
| |
|
|
|
|
|
| ОСВЯЩЁННЫЕ ВРЕМЕНЕМ ПРИЗРАКИ.
Так уж вышло, что альбомы Barclay James Harvest середины 70-х годов мне довелось услышать достаточно поздно, наверное где-то ближе к концу 90-х. Эту своеобразную команду я никогда не считал "своей", хотя в давние виниловые времена был обладателем нескольких их LP. В том числе и "бородатого" "Once Again" (1971 г.), и невнятного "Turn Of The Tide" (1981 г.), и тоскливого по тогдашним моим восприятиям "Ring Of Changes" (1983 г.). Всё, что у этого квартета было сосредоточено между ними, в своё время прошло мимо меня. И хорошо что прошло. Не думаю, что в пору своей наивной молодости, я был бы способен правильно оценить достоинства тех грандиозных работ.
Казалось бы с выходом в 1974 году знаменательного "Everyone Is Everybody Else" BJH окончательно определились со своими музыкальными предпочтениями на ближайшие годы. Привлекательный и востребованный тогда прогрессивный рок с элементами умеренного хард и арт-рока вполне себе соответствовал стилистической философии этого снобистского квартета. Однако, что-то по всей видимости не совсем устраивало музыкантов группы и их окружение в том "продукте", что они тогда произвели. BJH сменили "работодателя", оформив контракт с Polydor Inc., перебрались из туманного Лондона в солнечную Калифорнию, где наладили контакты с Эллиотом Мэйзером, опытным авторитетным продюсером, с которым сотрудничали такие звёзды западного побережья США, как Bob Dylan, Michael Bloomfield, Crosby, Stills, Nach & Young, Janis Joplin, Linda Ronstadt и мн. др. Здесь группа из Англии запланировала студийную работу над своим очередным альбомом с намерениями что-то поменять в системе своих творческих основ. Первым за пределами Великобритании.
Экспансия британских музыкальных коллективов, обозначившаяся их стремительным и массовым наплывом на восточное и особенно на западное американские побережья в первой половине 70-х годов, была обусловлена не столько желанием хорошо подзаработать на всеядном американском рынке, сколько из-за драконовской налоговой системы в Объединённом Королевстве. И это обстоятельство тоже мотивировало BJH перебраться за Атлантический океан. Существовала, впрочем, ещё одна причина, которая была не столь очевидной, но от этого не становилась для группы менее значимой. BJH задолжали своей прежней компании грамзаписи Harvest немалые, по всей видимости, деньги за использование в записях своих предыдущих пластинок отдельных секций дорогостоящих симфонических оркестров. При невысокой доходности от реализации тех самых пластинок группы, затраты оказались весомее прибыли. Отсюда и задолженность, погасить отчасти которую обязался лейбл Polydor Inc. A BJH условились впредь обходиться без оркестровок, что успешно и весьма эффектно проделали в своём новом альбоме.
Сделав ставку на уникальное техническое оснащение и мастерство своего пианиста Стюарта Уолстенхольма (или просто Уолли), группа внесла коррективы в своём звучании, обойдясь, впрочем, без революционных перемен. Достаточно акцентированный прог-рок с "пинкфлойдовским" привкусом времён "Obscured By Clouds" оказался потеснён меланхоличным пасторальным симфо-софт-роком с оттенками прога на грани с попсой. Однако, в ещё большей степени изменения коснулись вокальной составляющей обновлённого саунда BJH. При таком формате гитарное сопровождение утратило свою доминанту и оптимально минимизировалось, а сольные партии Джона Лиса упростились до аутентичного уровня. Уточню, что подобная характеристика применима главным образом к композициям Леса Холройда, а вот партии клавишных во всех их проявлениях как раз-таки насытили атмосферу изящных лёгких номеров бас-гитариста весьма обильно. Самый показательный тому пример - утончённая, невероятно мелодичная с чарующим клавесином Уолли "Moongirl". С рационально ограниченными партиями гитары и трогательным вокалом Холройда, не опускающимся из пределов второй октавы. Удивительное свойство голоса Леса, баритона, что называется по жизни, практически все свои вокальные партии исполнять в диапазоне тенора. При этом он умудряется вытягивать музыкальные фразы на долгих нотах без заметных искажений. Как подтверждение этому непреложному факту - вокальное исполнение Холройдом композиции "Song For You" с дискретной мелодической структурой. Мажорное инструментальное начало и оптимистичное продолжение, обеспеченное связкой гитары и клавишных, внезапно обрывается своеобразным диминуэндо (снижение звука). Последующий сегмент этой пространной сюиты представляет из себя сдержанный монолог-исповедь, срывающийся на мольбу, где Лес в порыве чувств добирается до ноты "си" второй октавы и успешно с ней справляется. Дыхание его при этом, однако, настолько на пределе, что голос уподобляется комариному писку. Далее следует ещё одно ожидаемое диминуэндо и эта свербящая душу композиция завершается.
Кстати, по подобной схеме воспроизводится и стартовая "In My Life" Джона Лиса. Любопытно, что оба эти созвучных номера открывали Side 1 и Side 2 винилового изделия, на котором в далёком теперь уже 75-м году впервые прозвучала эта программа.
Сложно заподозрить "Time Honoured Ghosts" в какой-либо концептуальности даже при столь близких гармонических решениях почти всех композиций этого альбома. Впрочем, первая часть программы (или Side 1 LP) судя по текстам выдержана в некой религиозной тематике. Возможно, это всего лишь случайное соседство и его не стоит брать в расчёт. Однако есть в этой условной части один номер, который никак не вписывается в этот казалось бы строгий логический ряд, выстроенный авторским тандемом Лис - Холройд. Речь о пост-психоделической кантате на четыре с небольшим минуты Стю "Уолли" Уолстенхольма "Beyond The Grave" ("Загробный мир"). Величественные органные накаты сразу же нагнетают предчувствие какой-то обречённости. Скорбный вокал Дж. Лиса и тревожные волны холодного звучания клавишных, по своему характеру в духе ранних Black Sabbath, создают иллюзию присутствия в пустом зловещем замке неких недобрых сил.
Совсем иного рода "Titles" Дж. Лиса. Текст этой оригинальной композиции собран из названий песен The Beatles, кумиров музыкантов BJH, и обрывков фраз из этих песен. Найти какой-либо смысл в таком тексте крайне сложно. Возможно, его, смысла, и вовсе в нём нет, так что не стоит и напрягаться в его поиске. В завершении этого номера кто-то из четвёрки BJH пытаясь имитировать Джона Леннона цитирует первую строчку из легендарной "All You Need Is Love" ("There's nothing you can do that can't be done..."), одного из гимнов приснопамятного движения хиппи конца 60-х.
И всё же - религия и человеколюбие. Вот, пожалуй, те две категории, которые проявляются в тематике песен BJH в этой их пластинке. Вторая половина её программы вполне соответствует второй из этих категорий. Что заложено уже в отдельных названиях - "Hymn For The Children" с глубоким философским содержанием. Или вот остросоциальная с мало о чём говорящим названием "One Night" - песня-памфлет о том, как легко разменять судьбу своего будущего на звонкую монету, что исправить потом будет вряд ли возможно.
В программе альбома нет очевидных номеров-фаворитов (как, скажем, в том же LP "Everyone Is Everybody..."), как нет и откровенно проходных. Это мастерски смоделированная , с органично увязанными между собой колоритными композициями программа, которая невероятно притягивает и вызывает подчас откровенные проявления чувств у людей с тонкой душевной организацией.
Можно предположить, что этот лонг-плей группа ориентировала прежде всего на американского потребителя. Для чего, собственно, "домоседы" из BJH и предприняли ту командировку в Калифорнию. Да и вокальная составляющая с глубоким хоральным звучанием не иначе как преобразована продюсером Э. Мэйзером с этой же целью. Не обошлось и без определённого влияния звёздного американского квартета Crosby, Stills, Nash & Young и их сакраментального альбома "Deja Vu", но при неизменных британских мелодических построениях, симфо-роковых аранжировках и меланхолическим настроением далёкого туманного Альбиона.
Музыканты BJH никогда не считались технарями-инструменталистами. Гитара Джона Лиса не поражает воображение виртуозными выкрутасами, а простые органные темы Стю Уолстенхольма никогда не сбивались на суматошные экзерсисы Рика Уэйкмана или Кита Эмерсона. Это был не их путь. Они умели брать другим - проникновенным мелодизмом и способностью увлечь доходчивостью и душевностью своей музыки, которая не будоражит кровь и кому-то даже покажется скучной.
Но в жизни любого из нас наверняка случаются моменты, когда именно такая музыка бывает необходима, чтобы в какой-то мере успокоить расстроенные чувства и привести хотя бы на время к умиротворению и может быть даже к гармонии каждого с окружающей действительностью и прежде всего с собой самим.
Возможно, нечто подобное и задумывали музыканты BJH. И я хочу в это верить.
|
| |
|
|
|
|
|
| Коллектив IMPUREZA был образован во Франции в 2004 году. На тот момент уже достаточно опытные музыканты загорелись идей создать группу, которая бы сочетала в себе элементы таких стилей, как дэт-метал, блэк-метал, хардкор и… испанское фламенко.
Поэтому совсем неудивительно, что творчество данной команды весьма оригинально и самобытно. По крайней мере, ничего подобного я до сих пор не слышала.
Как классифицировать тот стиль, в котором работают эти французы, пусть решает каждый сам для себя. Возможно, ему бы подошло название «Technical Brutal Death Metal with Flamenco elements» или даже «Progressive Death Metal». Сами же участники банды предпочитают обозначать его, как BRUTAL FLAMENCO.
Дебютник коллектива «La iglesia del odio» - весьма ровная и крепкая работа. Материал, на ней представленный, можно охарактеризовать как очень техничный, брутальный и мелодичный одновременно. Особую мелодику ему придают как раз элементы фламенко.
Также достаточно сильно чувствуется влияние таких команд, как Nile, Immolation, Incantation и Decrepit Birth.
Казалось бы, в музыке этих ребят сочетается несочетаемое. Но при этом всё смотрится очень органично, не возникает ощущение чего-то неестественного, инородного, слепленного из каких-то отдельных кусков, частей и фрагментов.
Еще одна интересная особенность данной команды – испаноязычная лирика, которая добавляет музыке группы своеобразный местный колорит (ведь, как известно, родина фламенко – Андалусия) и носит антирелигиозный характер – она, в основном, направлена против католицизма.
В общем, рекомендую познакомиться с этой уникальной бандой всем поклонникам дэт-метала. Наверняка она станет для вас большим открытием.
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий по счету альбом испанской дэт-металической формации Neter, "Inferus", был выпущен 15 января 2018 года сразу на четырёх лейблах: Satanath Records, Cimmerian Shade Recordings, Murdher Records и Black Plague Records и стал, пожалуй, самой успешной работой группы за всю историю её существования.
Если вы вдруг не в курсе, эти ребята нарезают оккультно-мистический, мрачный дэт-метал, вдохновленный наследием таких грандов стиля, как Immolation, Morbid Angel и Nile. Музыке данной команды одновременно присущи и брутальность, и техничность, и атмосферность; испанцам удалось гармонично соединить воедино элементы дэт-метала старой школы и более современных веяний.
«Мы слушаем много разной музыки, и мы слушаем много коллективов, которые не имеют отношения к металу, поэтому у каждого из нас есть длинный список групп, которые на нас повлияли. Но когда мы сочиняем музыку, мы забываем обо всем этом и фокусируемся только на одном дэт-метале. Наша музыка развивалась на протяжении многих лет, и вы можете увидеть большую разницу в звучании таких альбомов, как «Nec Spe Nec Metu и «Inferus». Мы всегда стались найти свой собственный стиль, и мы считаем, что нам это удалось», - рассказывал в интервью лидер коллектива Мануэль Гестосо.
Кроме более зрелого подхода к сочинению музыки, "Inferus" примечателен ещё и концептуальной составляющей. Вот что по этому поводу говорят сами авторы:
«Когда вы пишете музыку, важна каждая деталь, и лирика не является исключением. Каждый написанный нами альбом рассказывает свою собственную историю, но главной темой является гибель цивилизаций.
«Inferus» - это как путешествие по истории, в котором мы рассказываем о том, как разные культуры сталкивались с собственным исчезновением и, другими словами, со своей смертью. Многие примитивные религии поклонялись смерти как богу, и мы обращались к ней таким же образом в наших текстах. Таким образом, получается, что обожествление смерти стоит за концом цивилизаций, и человечество почитает ее, потому что боится ее. Мы предпочитаем не выражать эти идеи в явном виде, поэтому используем метафоры и символизм, чтобы рассказать эти истории».
Некоторые люди ошибочно считают, что наша лирика сосредоточена исключительно на теме Древнего Египта, видимо, из-за нашего логотипа. Но на самом деле у нас нет ни одной песни о Египте, хотя мы пишем о многих разных культурах».
«Все иллюстрации к «Inferus» были сделаны Дави Орельяной. Дави уже много раз работал с нами в прошлом, и мы очень близки с ним. Нам нравится работать с ним из-за качества его работ, а также потому, что он обычно придает смысл каждой детали своих рисунков. Все на обложке сделано не просто так, и эта причина связана с текстом песни, поэтому мы так довольны результатом. В лирике мы говорим о разных цивилизациях, но храм Гёбекли-Тепе - самый представительный символ, поэтому именно он должен был быть выбран для обложки».
Советую ознакомиться с творчеством этой крайне перспективной команды всем поклонникам дэт-метала, в том числе и любителям олдскула. Уверена, что Neter вас очень приятно удивят.
|
| |
|
|
|
|
|
| Коллектив Valhöll-Dûm был образован в Мадриде, Испания, в середине 2014 года, когда Morghûl (лид-гитара), Exael (бас) и Häel (барабаны), старые приятели и музыканты, решили наконец собраться вместе и создать общую группу. Сначала команда состояла только из этих трех участников, и им был нужен еще один гитарист и, самое главное, вокалист. В общей сложности они искали фронтмена почти целый год, пока не встретили Disharmony, тогда они поняли, что это был тот вокалист, который им нужен. После того, как состав банды был полностью укомплектован, парни вплотную приступили к сочинению материала для дебютника, и 9 февраля 2018 года альбом «Under the Black Sun» увидел свет.
Что скрывать, довольно часто первым блин выходит комом, и далеко не каждой молодой команде удается так удачно стартовать. Но эти испанцы представили на суд публике очень сильный релиз, преисполненный злобы и агрессии, и при этом не лишенный присущей блэку атмосферности.
Лирика группы сосредоточена в основном на Одинизме и скандинавской мифологии.
Сами участники Valhöll-Dûm считают себя язычниками и классифицируют свою музыку как black/pagan, хотя и признаются, что они не играют чистый блэк-метал с грязным звуком: «Мы cоздаем black/pagan metal с собственным оригинальным звучанием. Наши композиции совмещают в себе много стилей, мы не играем чистый блэк. В нашей группе 5 участников, и все мы привносим в музыку наши личные влияния, которые, конечно, выходят за рамки Black Metal. Однако Bathory и Burzum, несомненно, оказали на всех нас наибольшее влияние, они стали тем основным толчком, благодаря которому мы пришли к этому стилю».
Когда слушаешь этот альбом, он воспринимается как единое целое, поэтому сложно выделить какие-то отдельные треки. Каждый номер по-своему хорош. Кстати, на заглавную одноименную композицию «Under The Black Sun» было снято довольно зрелищное видео.
В общем, рекомендую данную работу всем поклонникам блэка и пэйган-метала, думаю, что эти ребята вас точно не разочаруют.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как известно, легендарные испанцы Tierra Santa после своего реюниона попали под крыло лейбла Maldito Records. В связи с этим было принято решение о переиздании первых двух альбомов команды в ремастированном виде.
Данный бокс-сет появился в продаже 7 февраля 2012 года и стал самым настоящим подарком для истинных поклонников группы.
Ремастеринг был произведен компанией Crossfade Mastering, расположенной в Валенсии, Испания, и он был выполнен на самом высоком уровне.
Звук эти ребята нарулили просто шикарный: сочный и кристально чистый. Прекрасно слышен каждый инструмент. Четко прописанные гитары, бас и ударные, звонкий голос Анхеля в сочетании с мощными хорами – всё это производит очень сильное впечатление на слушателя. Кстати, на этом обновленном издании используются новые версии клавишных и хоров, которые делают звучание даже лучше, чем то, которое мы можем наблюдать на оригинальных работах.
Бокс-сет состоит, соответственно, из двух дисков: на первом представлен дебютник команды «Medieval» (1997), а на следующем – второй студийный альбом «Legendario» (1999). Никаких специальных бонусов, как это обычно бывает в таких случаях, здесь не предусмотрено.
Альбом «Medieval» («Средневековье») Tierra Santa записали и издали самостоятельно. Материал, репрезентированный на данной пластинке, написан под значительным влиянием знаменитых британцев Iron Maiden, перед которыми Анхель и Ко всегда преклонялись.
Достаточно длинные по продолжительности композиции (5-7 минут), преобладание среднетемповых вещей и вещей с частой сменой ритма и сложной структурой, обилие эпиков – это, пожалуй, главные отличия этой пластинки от всех последующих студийников коллектива.
На диске есть два безусловных хита: распевная «Tierra Santa» («Святая Земля»), ставшая своего рода гимном группы, и ураганный боевик «Nunca más» («Больше никогда»), посвященный Адольфу Гитлеру.
«Legendario» без всякого преувеличения - воистину легендарный альбом и, наверное, самый эпический у Tierra Santa. На этом диске вы найдете все то, что характерно для ранних работ команды: бодрые боевички, быстрые и мелодичные гитарные пассажи, запоминающиеся мелодии, талантливо написанные тексты и, разумеется, задорный и одновременно очень проникновенный голос Анхеля.
Без влияния великих Iron Maiden здесь тоже, конечно же, не обошлось, что, в общем-то, и неудивительно, ибо ребята тогда еще только начинали свой творческий путь, и им нужно было на кого-то ориентироваться.
Самые удачные, на мой взгляд, номера на пластинке это: открывающая альбом огнестрельная вещица «Séptima estrella» («Седьмая звезда»), которая подобно вихрю сметает все на своем пути - в ее основе лежит евангельский сюжет о Вифлеемской звезде, ознаменовавшей собой рождение Спасителя; композиция «El bastón del diablo» («Скипетр дъявола») - несомненный хит на все времена, без которого до сих пор не проходит ни один концерт команды.
Одноименный металлический гимн «Legendario», посвященный участнику Реконкисты и испанскому народному герою Эль Сиду Кампеадору, также уже более 20 лет присутствует в сет-листе группы, и фанаты всегда встречают его с огромной радостью.
Стремительный боевик «Atlántida», который базируется на популярном древнегреческом мифе, - еще одно доказательство того, с какой страстью в дни молодости музыканты отдавались своему любимому делу. В этом номере столько бешеной энергии и какой-то молодецкой удали, что просто сносит крышу.
Среднетемповый эпик «Drácula», рассказывающий о легендарном вампире, - еще одна удачная находка группы. Припев этой композиции сразу же врезается в память после первого прослушивания.
Закрывающий альбом величественный номер на библейскую тематику «Los diez mandamientos» («Десять заповедей») - своеобразная дань уважения Iron Maiden. Но, несмотря на то, что этот номер явно был вдохновлен творчеством культовых британцев, хуже от этого он никак не становится.
В общем, если вдруг кто-то из вас не знаком с творчеством Tierra Santa и хочет это дело исправить, то данное переиздание как нельзя лучше подойдет для этой цели.
|
| |
|
|
|
|
|
| Немало в мире некоммерческой экстремальной музыки самородков-мультиинструменталистов, в одну харю творящих свою аудиогалактику, но не перед каждым проектом пасуют Метал-Архивы в определении стиля, останавливаясь на растерянном абстрактном Various. В сноске приходится беспомощно и бессистемно перечислять весь диапазон музыкальных исканий и стилевых аллюзий. Но... не все альбомы одинаково полезны и разнообразны, мы будем иметь дело с монолитом и, на мой взгляд, ярким примером т.н. guilty pleasure: названия трэков отчетливо намечают то болото, в которое увяз автор.
Не важно, насколько жарко в Азербайджане, чтобы было не по понятиям делать блэк, потому что тут мы пляшем от пост-блэка, предполагающего куда более либеральный творческий климат и исходную точку не в лесах, а на орбитальных станциях. Некий Эмин Гуляев с 2013 года сыплет синглами (за один 2014 год их около 20), с 2015-го пошли альбомы, в 2019-м какой-то застой: всего 2 релиза.
Костяк "Kosmik" – дружелюбный... да, космос в обличии пресловутого блэкгейза, близкий теплой воздушной истерии голландцев An Autumn for Crippled Children. Воздушный метал мужик делает на 5, он эйфоричный, местами заводной, ностальгичный до воскрешения воспоминаний о наших фильмах на космическую тематику. Открывающий трэк "Contact" – то, чем промышляли травоядные эмбиентщики еще на заре 90х, чиллаутные гармонии и неагресcивный бит, но потом все-таки ожидаемый вал звука и прорывающийся женский вокал, напоминающий этнические моменты Thy Catafalque. Чтобы похвалить творца, акцентировать разнообразие его метода и находчивость, упомянем все, что находится в промежутках между торжеством монументальных полетов в космос: перкуссионные мантры, драм-н-бэйсовые барабанные дорожки, сильные партии баса...
Качественность подхода автора сомнению не подлежит, но этот диск не балует нас какой-то перспективой и жизненностью, это красивые и скучные красоты Вселенной, и просчитать это впечатление, мне кажется, просто как дважды два. И порою излишне попсовато, как транскор. Но творец честно потакает своим сантиментам, поэтому многое простительно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Атмосферный блэк, какая простая и неизживаемая идея для музыкантов! Все континенты испытывают свои силы в вытачивании объемных яростно-воздушных полотен. И голландское трио Turia также готовит в меру предсказуемое атмосферное блюдо с гудящими интро, дребезжащими, но благородно мелодииточивыми гитарами (здесь замешан Лео Фендер с сыном Стратокастером), гипнотическими в статике ударными канонадами и гулкими женскими стенаниями. Это не каскадный экземпляр, но общего хватает, и в форме и в средствах. Резонирующие с нетронутыми пространствами чернеющие зарисовки скорее обслуживают более обжитые территории. Между монструозными мизантропическими прогонами то акустика, то губная гармошка, оба элемента при участии органа. Из парящих в негативных областях вокалов T я особо сенсацию делать не склонен, они впечатляющи, но и одномерные, немного выйти за пределы блэк-металического образа не стремятся. Из чего сенсацию сделать можно, так это из того, что альбом был записан одним дублем живьем, и тут все более-менее непосредственно и спонтанно. И размеренный шаг вдумчивого и воодушевляющего черного метала, и приглушенное рубилово – все обнаруживает сноровку музыкантов. На фоне безучастного гудения фолковые переборы дают жизнь "De Toorn der Goden", заряженному сдержанным инструментальным напряжением большей частью неспешному номеру. Вот и кончился альбом.
Группа неплохо переняла визуальную эстетику отцовских атмосферно-блэковых коллективов Голландии: на концертах и дюжина свечей, и что-то приятное курится, и черепа и кости животных ну и вокалистка пригубляет из винной бутылки. Музыкально здесь больше Штатов и Канады. Я не против, но какое-то развитие за пределы канона прямо напрашивается.
|
| |
|
|
|
|
|
| В стороне от ритуальной, почти неоклассической манеры одних голландцев, в Нидерландах в 20-х годах XXI века возникла и активно заявляет о себе целая плеяда атмосферных блэкарей, которые также хотят зарубаться по эпике. С аутентичными заголовками, их некороткие пьесы обретают силу и пафос, несвойственные одним из самых благополучных и тихих стран Европы.
Запись дышит духом цельной классики, который так редко встречается сейчас, с уверенным ритмическим курсом и безусловными неслащавыми мелодиями. Трэки, в которых нет никакого особого оригинальничания, сделаны так, что от развития стройной музыкальной мысли не оторваться. Почти при полном исключении быстрых темпов, голландцы пышут здоровьем неспешных темпов и в каждых отдельной взятый момент не отпускают поводья, особенно в периоды мелодических обострений и двухбочечного цементирования.
Особыми изысками и факультативными инструментами мир Fluisteraars не загрязнен, только щепотка акустики и все. Груз ответственности за музыкальную фактуру взвалил на себя паренек Mink Koops, работающий за щедрого на мелодии гитариста и мощного ударника, который все время сдерживает себя в узде, не разгоняя запись, окромя двух небольших отрезков. В заключительной части "Wortels van angst" срыв в бластинг словно дань традиции и извинение за самодовольный отказ от штампов. Приятна и логика построения альбома, с постепенным сокращением продолжительности трэков от 16 минут до 8.
Про этот альбом много не скажешь, но не лишнее подчеркнуть цельность замысла (триада трэков) и уверенность реализации. Задушевно. Хочется выкинуть все пост-блэковые записи 10-х и забыть, что такое вообще существовало.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вполне возможно, что я бы в свое время так и не узнала о существовании этой уникальной группы, если бы не Росс Долан из Immolation, который засветился на «Advent Parallax» в качестве гостя и выступил на альбоме в качестве бэк-вокалиста.
В общем-то, американский блэк не настолько популярен, как норвежский или шведский, да и годных групп, играющих в этом стиле в Штатах не так уж и много. Поэтому очень жаль, что данная команда в 2012 году распалась.
Достаточно длинные по продолжительности композиции (в среднем 6-7 минут), сложные песенные структуры, частые смены темпа, запутанные гитарные партии… Во главу угла здесь ставится совсем не скорость, а давящая мрачная атмосфера, поэтому какого-то безумного рубилова ждать от этих ребят точно не стоит. В каком-то смысле Averse Sefira близки таким группам, как Immolation и Incantation. Это – не совсем блэк в его традиционном понимании, а скорее блэк-дэт.
Лирика также несет очень важную функцию. Нужно сказать, что у группы была своя собственная интересная философия, отличающая её от других коллективов.
Выделить какие-то отдельные треки просто не представляется возможным, поскольку весь альбом великолепен от начала до конца.
Однозначно, рекомендую к прослушиванию всем поклонникам экстремальной музыки, будь то блэк, дэт или даже дум-метал.
|
| |
|
|
|
|
|
| “Карабин машиновы” – пулемёт то бишь, так, если верить андеграундной прессе начала 2000-х, поляки называют Вёдра. И насладиться слаженной работой этой машины смерти можно на представленном видео. “More Vision And The Voice” – это переиздание на DVD старого концерта, который впервые был выпущен в декабре 98-го на видеокассетах. Итак, что мы имеем? Vader в своём, не побоюсь этого слова, “золотом” составе, то есть с Доцентом за ударными и Маузером на гитаре. Коллектив под чётким управлением пана Вивчарека находился тогда на пике своей музыкальной формы выдавая на гора раз за разом материал повышенной убойности. Вот как раз после выхода ЕР “Kingdom” группа решила порадовать поклонников видеоверсией своего выступления в Кракове от 25 марта 1998 г. “Меньше слов – больше дела!” – именно под таким девизом работают поляки и прямо с места в карьер после непродолжительного помпезно-торжественного интро заряжают один из своих главных хитов – “Sothis”. Идёт весь концерт чуть меньше часа, за это время Vader успевают пройтись по всем трём вышедшим на тот момент полноценным альбомам, сделав упор на свой монументальный шедевр “De Profundis” и увидевший свет годом ранее “Black To The Blind”. Песни с последнего на студийной записи звучат зло и колюче, в ходе живого исполнения нарастили на свой по-трэшевому сухой скелет плоти (“Carnal” – уж простите за каламбур) и превратились плотоядный и свирепый дэт. “More Vision And The Voice” даёт возможность насладиться филигранной работой Доцента, который легко и непринуждённо, даже можно сказать, с некоторой ленцой разносит барабанную установку. Вокал Петера, как всегда максимально членоразделен, зол и узнаваем – Вивчарек за всю свою долгую карьеру почти никогда не доводил свои партии до полноценного утробного классического дэтового гроула. Несколько механистично-отстранённая манера игры гитаристов на месте и перемежается припадочными соло в духе Slayer, что является непременным атрибутом музыки поляков периода 90-х. Звук на концерте более чем приличный, нареканий к нему с моей стороны никаких, а вот картинка соответствует своему времени, но тоже вполне пристойна. Вообще, эта запись живого выступления Vader является отличным артефактом той безвозвратно ушедшей от нас эпохи, когда и трава была зеленее, и солнце ярче, и дэт угарнее.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.