|
|
 |
|
| Созвучность названия с одним всемирно известным арабским словом уже сыграла злую шутку с этими выходцами из Новой Зеландии – вскоре, после известных событий сентября 2001 года, группа, впечатлившись кадрами из Нью-Йорка (или же «добровольно-принудительно», под влиянием Warner Bros.) сменила вывеску на Pacifier. Впрочем, выпущенный под ней единственный альбом, несмотря на наличие в «credits» таких имён, как Джош Абрахам, Скотт Вайланд и DJ Lethal, мало того, что «провалился в прокате», так ещё и вокалист Джон Тугуд вскоре отвесил в его адрес красноречивые «overproduced» и «bullshit», после чего, спустя пару-тройку лет, старое доброе имя было успешно восстановлено. Помимо этого, в биографии коллектива есть и не менее интересные факты. Кроме завидной стабильности состава (последний исход-приход в группу датирован аж 1991 годом), Shihad могут похвастаться тем, что первый «выход в свет» произошёл под чутким началом на тот момент новоиспечённого гражданина Новой Зеландии Джеза Коулмана. Сами музыканты рассказывают о процессе записи того альбома лишь в общих чертах, но сопоставив особую репутацию вокалиста Killing Joke с тем фактом, что после этого они с ним не общались почти 20 лет, а когда, после предложения барабанщика Тома Ларкина вновь с ним поработать, уже упомянутый Тугуд выкатил веское «к чёрту его!», выводы делаются сами собой…
Впрочем, те самые 20 лет не прошли даром. Коулман бросил пить, что явно повлияло на согласие группы вновь с ним поработать, а в творческом плане наворотил столько всего, что описывать страшно. Деятельность же Shihad в «нулевых» с её ярко выраженной синхронизацией с пульсом рок-мейнстрима была, как бы сказать… весьма отчаянной, и музыканты не чурались никаких методов. Нужен опытный гуру? – всесильный Алан Молдер вам в помощь! Разрядить свою типичную плотную ритм-секцию до вполне себе модерновых «фишек» с налётом post-punk-revival - да кто же нам запрещает?! При всех этих входных данных, воссоединение в студии со старым добрым знакомым – шаг любопытный и даже намекающий на некую усталость от сложившихся условий.
Безусловно, при всей относительной предсказуемости конечного результата, вряд ли кто-нибудь ждал возврата группы к кондициям 20-летней давности, к тем самым временам первой коллаборации с Коулманом. Shihad того периода выглядели самобытной, но очень «сыроватой» версией ранних Helmet – те же самые нойзовые диссонансы, искрящиеся поверх увесистого сухого риффинга. Однако, альбом хоть и страдает определённым ретроградством, но весьма положительным, что защищает его от большинства избитых за последние 20 лет приёмов. Наверное, так, с отдельными нюансами, и должен был звучать ещё следующий за «Killjoy» полноформатник, не решись группа «продаться» в первый раз... Что немаловажно, на «FVEY» (кому интересно, это отсылка к «Five Eyes» - союзу разведок 5 стран: Великобритании, США, Новой Зеландии, Австралии и Канады) Shihad и по концентрации хитов оставили далеко позади самих себя из 2005 года – на том альбоме, уже тридцатилетние дядьки с самого начала взяли настолько молодецкую прыть, что после «экватора» натурально выдохлись. Группа образца же 2014 подобных ошибок себе не позволяет – она поступательна, расчётлива, даже, если хотите, высокомерно вальяжна - скоростные партии и те предельно дозированы и, как кажется, вводятся крайне неохотно. Что же до минусов… Они могли БЫ появиться, загорись группа желанием оттянуть хронометраж ещё на сколько-нибудь. Но даже прилагаемые в лимитированной версии бонус-треки настолько хороши, что за их присутствие в «основе» альбома, я был бы готов простить ему и возможную утомительность от 15 песен.
В одном из интервью периода записи альбома, музыканты пошутили (а может и нет...), сравнив работу с Коулманом с «тренировкой». Учитывая склонность Shihad к «свободному полёту», невольно задумываешься: уж не устанет ли группа от этой тренировки и установленного во время неё «режима» настолько, что её снова потянет «на волю»?
|
|  |
|
|
|
|
|
| Первое, что бросается в глаза на третьем альбоме этих малоизвестных «мазафакеров» из Индианы – количество песен. Подобная щедрость более характерна для того же грайндкора или для прочих «лаконичных» жанров, но в ню-метале, как минимум, вызывает удивление… Правда, отбросив всякого рода сантименты, стоит признать, что с качеством «начинки» на предшествующих альбомах Downbreed были, мягко говоря, проблемы – размашистый, но незатейливый поток риффов с явным грув-металлическим привкусом в стиле тех же Soulfly не давал группе ни единого козыря. Но в этот раз, мало того, что «пронесло» - так ещё и похвалить, оказалось, есть за что. Если прежде Downbreed как будто стеснялись разбавлять свою шквальную ритм-секцию хоть какими-либо намёками на мелодичность (помнится, на дебютнике в «Takin’ it All» и «Six Feet Under» они всё же дали «слабину»), то здесь все их новоприобретённые достоинства словно подчёркивают уже давно имеющиеся – оказывается, что технически группа «оснащена» достойно, а вокалист Джефф Конн не только хорош в минуты остервенения, где ненароком срывается в Chad Gray-style, но и своими чистыми распевками.
Впрочем, старые вредные привычки оказались ой как живучи, и ребята от всей души харкнули себе «в тарелку», забив половину хронометража тем, что успеха им ранее не приносило, а в данный момент выглядело настоящим преступлением. Как бы то ни было, скрестив пальцы, и при всех недостатках – «Killing the Drama» не просто самый заметный релиз группы, но и в некая хрестоматия всей их недолгой карьеры. Набравший немало клише постепенно затухающего тогда стиля (и далеко не самых худших, попрошу заметить, клише!), альбом может стать неплохой находкой для любителей покопаться в забытом и малоизвестном. Ну, а вопрос о дальнейших перспективах Downbreed оказался снят по причинам отнюдь не музыкальным – в 2003 году басист Сэм Ханикатт погиб в автокатастрофе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Споры об «опопсении» групп, представляющих жанры, которые в большей или меньшей степени претендуют на ярлык «тяжёлых», уже давно перешли в разряд чуть ли не философских. Вечный вопрос о первичности предложения или спроса здесь так же остаётся открытым. Равно, как и о количестве «старых» фанатов Primer 55, которых схватил приступ после релиза сингла «This Life» с третьего по счёту альбома. Как говорится, не они первые, и они же далеко не последние – уж если крест «продажности» на тот момент несли и первопроходцы в виде Korn, то что говорить о последователях?
Тот же самый рэпкор, без преувеличения, эталонный образец которого представили Primer 55 за год до этого, к тому времени за полную «десятилетку» прошёл полный цикл развития – от статуса «нечто нового» с подачи Anthrax и Beastie Boys, через политические и остро-социальные манифесты Rage Against the Machine и Downset, до окончательного развенчания ореола «опасности» при активном участии Limp Bizkit или того же Kid Rock’a (и Lin… Ладно, не будем лишний раз их называть). Собственно, наверное, это и имел ввиду гитарист Бобби Бёрнс, выдав уже классические по своему типу заявления о «куче пластиковых групп» и о намерении «вернуться к корням». Однако, забегая вперёд, можно сделать вывод, что его слова имеют отношение к обозреваемому альбому с большими оговорками. Если короткое и очень красивое интро на пианино ещё способно заинтриговать, то последующее начинает вызывать ощущение дежа-вю, причём, не в самом лучшем смысле. Сколько альбомов, начинающихся с хит-сингла и продолжающимися откровенными филлерами мы уже слышали? Дабы не быть голословным – «Growing» и «Tricycle» хоть и задуманы взять слушателя агрессивным напором, но мы-то знаем, как Primer 55 это делать умеют (см. «Introduction to Mayhem»), плюс, тот самый «пластмассовый» звук изрядно крадёт «градус». Впрочем, просвет замаячил довольно скоро – да, не в виде действительных хитов, но всё же: и «Pills», и «Lessons» радуют не только простым, но запоминающимся риффингом, но больше всего полуакустическим, почти фанковым обрамлением куплетов. И скромно промелькнувший флюгельхорн в 7-й песне оказался лишь первым звоночком – тут же, казалось уже оформившийся вектор альбома разносится в пух и прах – если интерлюдия и могла сойти за откровенное баловство («Кому-то волынкой дудеть можно, а нам мандолиной брынчать нельзя? Фи!»), то дальше всё подаётся насколько вкусно и основательно, настолько и неожиданно. Связка из «Lou Evil», где на «саббатовский» блюз спускается целая свора духовых, и фанковой «Hesitation» оставляет чёткое ощущение, что кое-кто решил потоптаться на полях небезызвестных Fishbone! Да, без фанатизма и без ухода в их фирменный жанровый винегрет, но всё-таки?!
И пусть подобная дерзость стала акцией разовой, но после неё альбом словно вздохнул полной грудью, завершившись разными по содержанию, но одинаковыми по убедительности песнями – если «My Girl» и «All in the Family» уверенно восполняют недостаток в поп-припевах, то «Ricochet» удивляет чуть ли не самым настоящим «прихардкоренным» Slayer’ом, а корни «No Sleep» растут (иронично) в «Roots» Sepultura. Кстати, именно в этой песне сбивками напоминает о себе бывший барабанщик Helmet Джон Стэньер, который, что ожидаемо, обошёлся без излишних «извращений», коими он отметился на прошлом месте работы.
И всё-таки… Будь «55-е» чуть посмелее и поудачливее – получилось бы у них занять нишу, абсолютно невостребованную в жанре? Нет, конечно, они не должны были становиться кем-то, вроде «Bloodhound Gang/Fishbone/Sugar Ray от ню-метала». Но смогла бы, например, «Texas», закрути её основу на том же кантри (обязана же группа из Кентукки помнить о корнях?), превратиться в поп-сингл, текст которого подчёркивал бы ироничность, а не давил бы вычурной пошлостью? Вполне. Но насколько оправданы подобные требования – вопрос из разряда упомянутых в начале рецензии…
|
| |
|
|
|
|
|
| Крайне редко встречаются альбомы, которые гениальны от самой первой и до самой последней песни. Но это, пожалуй, тот самый случай.
Испанский коллектив Tierra Santa в нашей стране не особо известен, но, тем не менее, в среде ценителей качественного хэви-пауэра его многие знают и любят.
«Tierras de leyenda» («Легендарные земли») - пластинка тонко продуманная, несмотря на то, что это - всего лишь третья по счету студийная работа группы. Проходных треков вы здесь не найдете – все композиции талантливо сыграны, гитарные соло необыкновенно мелодичны и красивы. Может быть, Анхель и не дотягивает по своим вокальным данным до Брюса Дикинсона или Роба Хэлфорда, но голос у него действительно приятный: необычайно чувственный и проникновенный в балладах и напористый - в боевиках.
Тексты песен, по традиции, посвящены историческим событиям, мифам и легендам.
Открывает диск короткое интро «La tormenta», за которым сразу же следует бронейбойная атака в лице «Tierras de leyenda».Этот «хит на все времена» команда до сих пор с успехом исполняет на всех своих концертах.
Далее в ход идет еще более тяжелая артиллерия. Композиция «Sodoma y Gomorra», припев которой намертво врезается в вашу память буквально с самого первого прослушивания, отпустит вас еще очень нескоро.
После мелодичного боевичка «La canción del pirata (Part I)» («Песня Пирата (Part I)») вас ждет душещипательная баллада «La canción del pirata (Part II), в которой наиболее полным образом раскрываются вокальные возможности Анхеля. В этой теме звучит лирика испанского поэта эпохи романтизма XIX века - Хосе де Эспронседа.
«El secreto del faraón» перенесет вас в эпоху Древнего Египта, а среднетемповый эпик «La momia» со сложными и завораживающими гитарными партиями и все с тем же экзотическим египетским колоритом лично у меня почему-то сразу вызвал ассоциации со знаменитыми британцами Iron Maiden. Впрочем, ничего удивительного в этом нет, поскольку музыканты, вроде, никогда и не скрывали своего восхищения этой группой.
Если вдруг вы уже успели заскучать, то скоростной и забойный номер «La torre de Babel» не позволит вам предаться унынию - под эту песню очень здорово трясти башкой.
Безумно красивая эпическая композиция «Una juventud perdida» («Потерянная молодость»), которая посвящена всем матерям погибших солдат, которые отдали свою жизнь за интересы Аргентины, едва ли сможет вас оставить равнодушными: лиричное фортепианное вступление, нежный, чувственный голос Анхеля… Можно подумать, что нас ждет еще одна баллада… Но нет! Дальше музыка постепенно набирает обороты, появляется напор, в силу вступают гитары, а припев начинает постоянно крутиться у вас в голове.
Еще один шедевр этой пластинки «La caja de Pandora». Скорость, яркая, запоминающая мелодика, хитовость – именно за эти качества фанаты любят Tierra Santa, и все вышеперечисленное вы здесь найдете.
Завершает этот примечательный альбом крышесносящий боевик «El caballo de Troya», который надвигается на вас, как торнадо и сносит все на своем пути.
В общем, если вы по каким-то причинам еще не познакомились с творчеством этих испанцев, то срочно исправляйте ситуацию!
Уверена, что данный диск подарит вам такую огромную порцию металлического драйва и угара, что положительных эмоций вам точно хватит еще надолго.
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда мы, начинающие меломаны, только-только выскочившие из-за школьных парт (кто-то чуть раньше, кто-то позже) во второй половине 70-х годов, слушали забугорную рок-музыку первой половины 70-х, мы даже не могли себе и предположить, что слушаем самую лучшую, самую настоящую, самую искреннюю тяжёлую музыку, которая когда-либо будет дарована человечеству. Нам-то ведь представлялось, что это всего лишь начало рок-музыкальной эпохи и впереди нас ожидает вечность! Это сейчас мы в силу прожитых лет и какого-никакого жизненного опыта понимаем, что, как бы это ни было грустно и даже прискорбно, но именно тогда в тех самых 70-х годах всё это веселье и закончилось. Одновременно с нашей юностью. А музыканты тех старых групп, что мы слушали, для нас нынешних будут представляться в образах почти что святых, и по сей день оставаясь такими, какими они выглядели на обложках своих пластинок. Даже те, при упоминании имён которых мы когда-то корчили гримасы или как-то иначе выражали своё брезгливое "фи".
Ах, что это были за люди! Они записывали по два альбома в год, мотались с нескончаемыми гастролями по всему земному шару, зарабатывая огромные деньги, предавались всем доступным прелестям жизни и неизбежно несли потери в своих рядах. Кто-то раньше времени сходил со своей звёздной орбиты, кто-то вопреки логике и жизненной необходимости продолжал на своей вращаться, медленно и незаметно погружаясь в забвение.
Как много они успевали! Но самое главное - они умели делать великолепную, а порой просто гениальную музыку. Из скудного студийного оборудования они умудрялись выжимать максимум и записывали пластинки-шедевры. Хотя и не все. И не всегда. И потом, для того чтобы получился настоящий шедевр, непременно должны были сложиться определённые обстоятельства.
Когда в ходе их дебютного американского тура, совместного с уже достаточно опытными бойцами из Mott The Hoople, группа Queen понесла невосполнимую потерю - Брайан Мэй был госпитализирован с острым гепатитом, как раз-таки подобные обстоятельства и сложились. Гастроли были прерваны и трое оставшихся не у дел музыкантов были вынуждены заняться подготовкой материала для будущего альбома. Отталкиваясь от предыдущего LP ("Queen II"), но с учётом корректировок от продюсера Роя Т. Бейкера. И по сложившейся традиции - каждый сам по себе. Едва пришедший в надлежащую форму Б. Мэй вернулся в обойму квартета и все вместе они собрались в Trident Studios, что располагалась в фешенебельном районе Soho английской столицы, случилась новая беда. Мэй опять сломался и загремел на больничную койку уже с другой напастью. Этот 1974 год был явно не годом гитариста группы Queen. Под гнётом таких сложившихся обстоятельств мало бы кто не прогнулся. Каким-то невероятным образом Р.Т. Бейкер сумел тогда мотивировать оставшихся в строю музыкантов, группа кружила по разным лондонским студиям в поисках свободного места и времени, и при этом умудрялась что-то нарабатывать для своей новой пластинки. Когда же в состав влился Б. Мэй со своими набросками, программа стала вырисовываться в очевидном хард-роковом направлении.
Была ли там твёрдая продюсерская концепция, или всё это было навеяно ситуативно, но в меньшей степени прогрессив и в большей аутентичный арт-рок предыдущего диска "Queen II" оказались замещены ярко выраженным hard rock. И даже hard&heavy, который тогда по сути пребывал в самом начале своего развития ("Brighton Rock" и "Now I'm Here"). Замысловатая комбинаторика хард-рока и симфо-рока явилась основой нескольких композиций Фредди Меркьюри ("Flick Of The Wrist", "Killer Queen" и обе части "In The Lap Of The Gods").
"Sheer Heart Attack" следует считать во многом новаторским, но по большому счёту переходным альбомом к тому звучанию Queen, которое будет свойственно группе ближайшие пять лет. Некоторые номера были задуманы и даже опробованы ещё ранее. Так, скажем, тот же "Brighton Rock" Б. Мэй подготовил к LP "Queen II" в несколько иной интерпретации, а "Stone Cold Crazy" у Меркьюри был задуман ещё в до-куиновские времена и только на "Sheer Heart..." эта миниатюра была воплощена в жизнь в суматошном темпе, где вокал Фредди едва поспевал за разгорячённой гитарой Брайана. Этот этюд в разных вариациях ещё ранее не раз исполнялся группой на их концертах. Любопытно, что текст его неоднократно редактировался, к чему были причастны все участники квартета, потому у этой вещицы такой необычный авторский состав.
Шумно-балаганный фокстрот-микс "Bring Back That Leroy Brown", где Мэй играет на гавайской гитаре и банджо, Джон Дикон на классическом контрабасе, а Фредди Меркьюри бряцает на пианино в манере "honky-tonk" тапёра образца 50-х годов, а все вместе на две с половиной минуты воссоздают ретро-атмосферу, сменяет задумчивая композиция "She Makes Me..." с умиротворяющей пасторальной глубиной в духе Barclay James Harvest. Здесь Мэй и Дикон дуэтом играют на акустических гитарах, а финальная фаза этого трека по меткому выражению одного солидного музыковеда переходит в "нью-йоркский звуковой кошмар" с тревожным воем полицейской сирены, ощущением погони и тяжёлым дыханием смертельно раненого беглеца...
Короткий этюд Брайана Мэя "Dear Friends", легкомысленная песенка Джона Дикона "Misfire" и невероятно роскошная фантазия "Tenement Funster" Роджера Тэйлора как важные кусочки мозаики продуманно встроены в многоцветную панораму этого альбома. И тот факт, что Брайану Мэю в какой-то части номеров пришлось, что называется вдогонку добавлять свои гитарные партии, равно как и вокальные (хотя мы знаем, что Брайан так себе вокалист) к тому и без того восхитительному многоголосью, что уже было "напето" прочими участниками группы, никак не сказался на конечном качестве программы этой пластинки.
Вопреки непростым обстоятельствам "Sheer Heart..." получился самым тяжёлым, но на удивление разнообразным, в меру помпезным, но умело сбалансированным, с отменными аранжировками альбомом Queen. Популярный в те годы английский еженедельник "Disc" по итогам 1974 рок-года оценил "Sheer Heart Attack" как третий лучший LP года, и в своём многолетнем списке 60 Top Albums поместил его на 24 место. Это была высокая оценка авторитетного издания.
ВВС отмечала: "... они (Queen) расширили современные методы музыкального производства до полного совершенства со своим вокальным хоровым многоголосьем и разнообразием гитар, театрально-водевильным вокалом Фредди... Это тот самый альбом, где Queen обрели свой истинный образ".
Историк современной музыки Пол Фаулз (Paul Fowles) в своей "Concise History Of Rock Music" позже напишет, что "в "Sheer Heart Attack" группа со всей очевидностью сфокусировалась на Фредди Меркьюри, как грядущем лидере Queen и культовой фигуре певца и фронтмэна на ближайшие годы".
Завершающий фрагмент "In The Lap Of The Gods" в окончании программы звучит как стадионный гимн футбольных болельщиков. Этой композицией группа нередко завершала свои выступления и вместе с Ф. Меркьюри стоя и вдохновенно скандировал весь многотысячный зал или стадион. И это было потрясающе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Эти норвежцы никогда не ходили прямыми путями. Первые их альбомы, соединившие в себе ярость блэка и мечтательность Bathory времён "Hammerheart", отличались от остальной трушной норвежской черни тех лет так же разительно, как отличались Pink Floyd от прогрессивщиков своего времени.
Это уже потом, в 2000 году вышел "Mardraum", который по-прежнему остаётся самым странным альбомом Enslaved. Куда его только не определяли – технический дэт-блэк, прогрессивно-авангардный метал, арт-метал…
Именно тогда эти мечтательные норвежцы и начали заигрывать с атмосферной психоделией. Последующие альбомы при непохожести на что-либо ещё, были выдержанны в похожем стиле относительно друг друга.
И вот приходит 2012, и Enslaved выпускают монументальный "RIITIIR", на котором органично соединяют эксперименты с атмосферой, тяжестью и нестандартным подходом к написанию песен, подытожив поиски с начала 2000-х. Тогда же группе и стали инкриминировать похожесть на шведских монстров прог-дэта Opeth. О прямом закосе никто не говорил, однако в музыке всё же были моменты, которые заставляли подумать, что Enslaved пытаются заместить ушедших в прог-рок Акерфельдта сотоварищи.
Следующий полноформатник "In Times" стал последним для прекрасноголосого клавишника Хёрбранда Ларсена, который достиг там вершины своей вокальной карьеры. Собственно, ничем особым этот альбом больше и не запомнился.
И вот – свеженький релиз от норвежских философов.
Что бросается в глаза при первом прослушивании – музыка стала более расслабленной, созерцательной. Без преувеличений, такой расслабленной (по меркам Enslaved) пластинки у них ещё не было. Новый поющий клавишник Хакон Винне обладает более мягким тембром (кстати, местами похожим на голос Микаэля Акерфельдта из Opeth) чем Хёрбранд Ларсен. Однако это не делает музыку вторичной или попсовой. Это всё тот же Enslaved, просто слегка успокоившийся. Грултле Хьёльссон хрипит всё так же ожесточённо и яростно (да, да, всё те же энслейвдовские контрасты спокойной музыки и яростного скримагроула), гитары всё так же мягко обволакивают, гармонии всё так же заковыристы и необычны, лирика всё так же отстранённа и замешана на нордических верованиях и философских размышлениях о собственном месте среди бытия.
Открывается альбом монументальной и возвышенной "Storm Son". Группа выкладывала эту вещь в сеть до выхода альбома. Для её композиции характерны очень резкие смены настроения, ритма и размера. В целом, задаётся созерцательный настрой всем последующим полотнам.
"The River’s Mouth" – мощный боевичок, с уверенным ритмом и хоровыми вставками. Есть ощущение, что сама композиция откуда–то из предыдущих релизов, в целом, наиболее энслейвдовская вещь на альбоме.
"Sacred Horse" – трек-оборотень. Бодрое викингское рубилово в начале сменяется атмосферным, пульсирующим хором в средней части, и потом снова возвращается в викингское рубилово. При этом ни один из элементов не размазывает общей картины. В итоге, имеем одну из лучших композиций в дискографии Enslaved.
"Axis Of The Worlds" – прямое цитирование Opeth. Ранее норвежцы не позволяли себе напрямую ссылаться на шведских коллег. Но поскольку шведы сейчас сменили стиль, Enslaved видимо решили всё же развить кое-что из их наработок, приправив собственными идеями и мелодикой. Результат спорный, песня хорошо звучит в контексте альбома, но вот будет ли звучать отдельно – время покажет.
"Feathers Of Eohl" – экспериментальная композиция в необычном музыкальном размере. В наличии горловое пение, закольцованный гитарный ритм, красивый чистый вокал, чем-то неуловимо напоминающий Muse. Одна из самых расслабленных композиций на альбоме – тут тебе и отсылки к Pink Floyd, и к Anathema позднего периода… При этом, как уже говорилось ранее, плагиатом и не пахнет – это 100% Enslaved.
"HIindsiight" – ещё одна «умиротворяшка». Несмотря на резкие перепады настроения, необычную гармонию, и резкий гроул Хьёльссона, музыка спокойна и красива, а в середине имеется весьма уместное соло на саксофоне. В паре с предыдущей композицией является музыкальной квинтэссенцией всего альбома, и лучше всего передаёт настроение. В музыке присутствует явный диалог с творчеством Дэвина Таунсенда времён "Terria" и "Synchestra". Особенно это проявляется в конце композиции. В общем, одна из красивейших вещей на альбоме.
"Djupet", что в переводе c норвежского означает «бездна». Мрачное атмосферное интро с жутковато звучащим текстом на норвежском переходит в качовое рубилово с надрывным скримом и очень мощной ритм-секцией. Думовая концовка песни явно родом с "Isa" или "Below The Lights". Светлый альбом завершается мрачно и тревожно.
"What Else Is There" - кавер на электронных норвежцев Röyksopp. Просто качественный кавер, с "парадайзлостовским" вокалом, и атмосферными гитарами.
Общее впечатление от альбома двоякое. С одной стороны – это новая композиторская грань Enslaved, с другой – в некоторых песнях чересчур резкая смена настроений, ритмов, размеров. Новый вокалист звучит в разных песнях по-разному, так что непонятно – нарочно это сделано, или же он талантливый имитатор. Музыка ближе к "Monumension" общей психоделичностью и направленностью на атмосферность, но в то же время есть однозначные хитяры вроде "The River’s Mouth", которую можно добавлять в золотой фонд группы рядом с "Isa" и "Return To Yggdrasil". Также смущают явные отсылки к Opeth, Anathema и Таунсенду, что ранее не было свойственно Enslaved.
Проблема в том, что этих норвежских мудрецов невозможно мерять общепринятыми рамками – каждый альбом создаёт собственный стиль, свойственный только этой группе, а раз нет чётких привязок, вердикт один – слушать, авось когда-нибудь станет понятно, что в этой музыке к чему…
Любителям «умного» метала обязательно к прослушиванию, возможно это самый необычный альбом 2017 года в прог-метале.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1755 году в Лиссабоне произошла трагедия, которая перераспределила влияние Португалии на собственные колонии, и надолго задвинуло морскую державу во второй ряд европейских стран. Речь идёт о чудовищном по силе землетрясении 1-го ноября, которое убило 80 тысяч человек за 6 минут. Довершили дело пожар и цунами.
Всё вышесказанное уже является достаточной причиной, чтобы самая именитая группа из Португалии отреагировала на это самое жуткое событие в истории своей страны.
Они и отреагировали. И высказались. На родном языке.
Разбирать это полотно довольно непросто. Несмотря на очень чёткие музыкальные образы, для Moonspell совершенно нехарактерен оркестр (пусть и сэмплированный), а лирику на португальском в гугл-переводчике читать не слишком удобно.
Однако альбом получился знаковым. Можно сказать, что Moonspell впервые вышли за пределы собственного стиля. Это уже не первый для них концептуальный альбом. Ранее были относительно библейский "Sin\Pecado", и "The Antidote", навеянный одноимённым сборником новелл Жозе Луйша Пейошту. Однако это первый альбом с действительно сквозной событийной линией.
Несмотря на тематику, странно было бы ожидать от Moonspell брутал-дэтовых изображений кровищи, увечий и прочей расчленёнки. Из того, что удалось разобрать в текстах – Фернанду Рибейру живописует крушение духа и веры в людях в эпицентре катаклизма. И самым парадоксальным является то, что тексты песен напоминают скорее фаду, чем дарк-метал, который обычно приписывают группе. Да, весь альбом построен на обвинениях небу, которое допустило гибель целого города, не вмешавшись.
Как никогда ранее, полноформатник пропитан национальным колоритом. Были эксперименты на эту тему и на "Wolfheart", и на "Irreligious", и на "Under The Moonspell (Under Satanae)", однако такого изобилия не было никогда. Отдельно хочется похвалить работу с хором, который на протяжении всего альбома создаёт контрапункт с брутальным рёвом Фернанду, и воплощает собой религиозность Португалии того времени.
Нет смысла подробно расписывать музыкальные достоинства каждой композиции. Из общего ряда сильнее всего выделяются "Em Nome do Medo" (порт. "во имя страха"), с совершенно Elend'овским подходом к оркестровке, "In Tremor Dei" (ит. "в трепете") где погостил известный в Португалии исполнитель фаду Пауло Браганца, добавив ещё больше колорита и тревожности, потрясающе яростная и качовая "Desastre" (порт. "бедствие"), и печальная, но светлая "Lanterna dos Afogados" (порт. "утонувший маяк"), единственная песня где есть чистый вокал Фернанду. Остальные логично развиваются одна из другой, и периодически выстреливают то ярким оркестром, то гитарным соло, то тревожным хоралом.
Так что же преподнесли слушателю португальцы на сей раз? Ведь от них почему-то всё время ожидают второго "Wolfheart" или "Irreligious"… В итоге имеем очень цельный музыкально и лирически альбом, с математически точно выверенным участием электронного оркестра, и монолитным единством общего замысла. Понравится разумеется не всем, ведь Elend сейчас мало кто помнит, а вот Septic Flesh знают все. Однако Moonspell продолжают торить свою дорогу, где нет ни одного похожего альбома, и где, не теряя собственного творческого почерка, группа постоянно эволюционирует сама, и заставляет меняться тех, кто её слушает.
|
| |
|
|
|
|
|
| Samael принадлежит к командам, которые либо слушаешь запоем, либо ненавидишь всей душой. Почти никого они не оставляют равнодушным. Причин несколько. Samael были у истоков европейского блек-метала, потом одни из первых внесли электронику в звучание, в итоге «скатились в Рамштайн какой-то», да и вообще ударка у них не живая…
Среди фанатов группы есть давний конфликт насчёт того какой альбом считать «классическим». Одни считают, что это "Ceremony Of Opposites", другие что это бесспорно гениальный "Passage", наметивший вектор всего дальнейшего творчества Ворфа и Ксая.
Я же всегда считал лучшим "Eternal", на котором группа впервые нашла баланс между тяжестью и электронной составляющей.
Как бы то ни было, истина всегда где-то посередине. И "Passage", и "Ceremony Of Opposites" вышли в годы формирования дарк-метала как стиля. В Греции уже шумели Rotting Christ, в Чехии Root выпустили гениальный альбом "The Book", а в Португалии Moonspell вовсю концертировали с "Wolfheart" и готовились к записи "Irreligious". Samael подошли к формирующемуся стилю со стороны индастриала – драм-машина, примочка на вокале, использование различных электронных сэмплов, средний темп, мрачные философские тексты.
Этим швейцарцам всегда было свойственно очень аккуратное экспериментирование в рамках прежде всего собственного стиля. Хотя и были у них такие альбомы как лёгкий "Reign Of Light", электронный "Era One", и нарочито грязно записанный "Above", где в общей каше звука простреливали фирменные самаэлевские гармонии. Но был и самый спорный в плане достоинств альбом "Lux Mundi", который ругали за отсутствие оригинальных идей.
Однако, братья Лочеры всегда возвращались к стилистике "Eternal".
Тем не менее, новый альбом – это полноценный возврат к наработкам "Passage". Осталась маршеобразность и симфоничность предыдущего релиза "Lux Mundi", однако нет проходных песен, альбом очень разнообразен и сразу западает в память. Samael заметно потяжелели, местами ускорились, даже озверели. А в паре песен Ворф вообще выдаёт весьма мощный низкий гроул, чего за ним не водилось со времён "Blood Ritual".
Условно трек-лист можно разделить на 3 основных группы песен. Агрессивные, традиционные и экспериментальные.
"Rite of Renewal", "Black Supremacy", "This World", "Dictate of Transparency" – «зубастая» часть альбома. Скоростные ритм-гитарные риффовки, западающие в голову припевы, местами бластбиты, Samael снова нащупали баланс между тяжестью и мелодичностью. При этом композиции отличаются друг от друга, и нет ощущения монотонной долбы, присущей, например, "Above".
"Hegemony", "Angel Of Wrath", "Red Planet", "Land Of The Living", бонусный "Storm Of Fire" – тот самый Samael на стыке "Passage" и "Eternal". Однако, и сэмплы посовременнее, и играют профессиональнее, и записано лучше, чувствуется приобретённое с годами композиторское мастерство. По стилю ближе к "Passage" – мрачно, монументально, мелодично. Среди этих треков не найти таких красивых номеров как "The Cross" c "Eternal" или "Western Ground" с "Solar Soul". Да и не нужны они здесь, "Hegemony" очень цельный альбом, и обладает своей мрачной и тревожной атмосферой, которую не нужно разбавлять. Да и треки расположены таким образом, что при общей похожести запоминаешь каждый.
Отдельно стоит упомянуть композицию, одноимённую названию группы – крепенький такой боевичок, с маршеобразным и мелодичным припевом.
А ещё есть три необычных для группы вещи. Это мрачная "Murder Or Suicide" с зловещим припевом и странной партией клавиш, тревожная "Against All Enemies" которая бы очень хорошо смотрелась на "Era One", и, О БОЖЕ ЧТО ЭТО, кавер на "Helter Skelter" Битлов, в котором вообще не распознаётся оригинал.
Альбом бесспорно удался. Samael реабилитировались после спорных "Above" и "Lux Mundi", сохранив статус культового коллектива. Разумеется, найдутся и те, кто скажет, мол, группа снова ничего нового не придумала, удачно процитировала себя же… Но мы ведь говорим про Samael. И говорим в то время, когда в тяжёлой музыке уже 15 лет как не было никаких глобального толка прорывов. Да и много ли выходит сейчас качественного материала, от групп, которые 15-20 лет назад стояли у истоков целых направлений? Вот то-то и оно…
Рекомендовано к прослушиванию, 9 Самаэлей из 10.
|
| |
|
|
|
|
|
| Для меня, как и, вероятно, для многих, Vader почти всегда был Slayer’ом, который оброс бластбитами. При этом поляки неохотно стремились играть с содержанием, ограничиваясь игрой с формой. Именно поэтому иной раз я предпочитал слушать оригинал, так как Vader предлагали по сути то же самое, да ещё не всегда могли контролировать уровень адреналина, из-за чего музыка то и дело превращалась месиво с передозом ударных. В такие моменты Slayer’а становилось, конечно, меньше, но и смысла это слушать особо не прибавлялось.
“Tibi et Igni” на первый взгляд был всё про то же, даже симфоническое интро в первой песне не озадачило. Как будто в первый раз, Господи. Вторая песня туда же. Третья, четвёртая… Крепкий, узнаваемый, одноразовый Vader. И когда ты уже морально готов закончить с альбомом на той же ноте, с какой его начал, “Hexenkessel” хватает тебя за нацминсы и настойчиво уговаривает пересмотреть свое к нему отношение. Матерь Божья, да это же почти мелоблэк! К тому же, преисполненный торжественностью и просто-таки олимпийским рвением. Дух захватывает. “Промежуточные” “Abandon All Hope” и “Worms of Eden”, конечно, пытаются вернуть звучание в русло привычного рубилова, но выходит это неубедительно, - вторую из названных тем, например, так и тянет согрешить с мелодикой. Главный столп альбома, “The Eye of the Abyss” путь “Hexenkessel” не повторяет и на мелодии достаточно скупа, но оно ей и не надо – она валит с ног величественностью и монументальностью. И это вам не беспредельное рубилово “Impressions in Blood”, о котором вспоминается в первую очередь, когда речь заходит об эпической ипостаси Vader. Бластбиты тут дозированы и на своих местах, а гитарам чужд тупой упор на мощь, зато близка вальяжность и степенность. Блин, да тут даже орган сидит, как влитой! Слышать от группы, которая, казалось бы, намертво осела в своей зоне комфорта, такие чудеса – дорогого стоит.
На то, что происходит после “The Eye of the Abyss”, уже как-то и не обращаешь особого внимания. Эйфория от услышанного настолько сильна, что даже о странном звуке и наглом плагиате в “Triumph of Death”, как главных минусах “Tibi et Igni”, говорить не хочется. Пожалуй, и не будем. Хороший альбом, молодцы.
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть ли в России запрос на самобытную, экспериментальную музыку? Порой создается ощущение, что нет. В условиях, когда даже максимально удобоваримый для широких масс рок переживает не лучшие свои годы и времена, мы, так или иначе, изредка можем встретить некие прецеденты, идущие в противовес устоявшимся стереотипам.
Альбом «Волкособенность», в этом смысле, является одним из немногих свидетельств того, что жизнь в тяжелой российской сцене всё еще теплится. Инструментальный post-metal с вкраплениями noise тут предстает слушателю в виде неких джем-сессий, разделенных на отдельные композиции без четкой структуры, начала и конца. При этом каждый трек, так или иначе, имеет свое настроение и подачу, что выделяет его на фоне остальных. Ощущения, что в потоке случайных дерганий струн и барабанных сбивок композиции могли бы быть дольше нет, и конкретный хронометраж является более, чем достаточным для передачи слушателю подаваемой музыкантами идеи. На фоне того же последнего альбома Sumac, «Волкособенность» видится гораздо более комплексным, целостным произведением, прелесть которого кроется уже в том, что он, совсем как какие-нибудь ранние альбомы Летова, является результатом творчества ради творчества, записью ради записи. Более чем часовой альбом, бесспорно, требует внимания к себе - первоначально кажущиеся сумбурными мотивы вряд ли получится распробовать уже на первом прогоне пластинки. Что, впрочем, не отменяет возможности повторных, многократных прослушиваний в дальнейшем – релиз Волкособа этого более, чем заслуживает.
|
| |
|
|
|
|
|
| К сожалению, Kaunis Kuolematon превращается в группу из числа вечно подающих надежды. Первые два их релиза были восприняты мною сдержанно-положительно, в том числе потому, что я чувствовал, что им есть куда расти и над чем работать для улучшения результата. И надеялся, что то же чувствуют и они. Вот уже и третий релиз подоспел (пусть и миник), а воз и ныне там. “Elama Ei Tarvitse Minua” звучит традиционно и даже как-то уже по-родному, но из каких-то относительных новшеств здесь только “чистые клавиши” в “Yon Tunteina”. При дальнейших попытках поиска натыкаешься на глухую стену.
Казалось бы, и чёрт с ним, это ведь проблема формы, а не содержания, но и оно тут несильно лучше и являет собой чересчур сухое полотно, несущее в себе лишь маленькую толику привычной эмоциональности. Нет, главный проводник мелодики в группе Микко Хейккиля никуда не ушёл, но божит он только “Elämä ei tarvitse minua”. В оставшихся двух песнях с его участием его голос подчистую поглощается угрюмыми риффами, которые ясно дают понять, что группа окончательно выбрала путь дума. Лично я не считаю этот ход успешным, ибо “голым” минорным риффингом меня не удовлетворишь, но занятную деталь отмечу: в музыке KK стало заметно больше влияния Swallow the Sun. И если про прошлые релизы можно было сказать (и было сказано), что на них можно услышать кучу разных финских групп разом, то на “Elama Ei Tarvitse Minua” диапазон заметно сузился. Пусть данное обстоятельство несильно скрасило релиз, но преемственность заметна: если уж сами StS предпочитают беспонтовые колыбельные и уже то ли не могут, то ли не хотят быть думовой группой, то за них это будут делать другие. Жаль только, что Kaunis Kuolematon при этом не стараются воспроизвести тот уровень мелодики, которым радовали их старшие братья в период 2003-2009 годов.
Результатом этого может стать скверная ситуация, где из двух небесталанных групп мы получим две посредственности: одну исписавшуюся, другую потерявшуюся.
|
| |
|
|
|
|
|
| Один из самых ожидаемых релизов года встречает нас совершенно странным выбором обложки. Она скорее бы подошла для какой-нибудь инди-группы или релиза абстрактного рэпера, но никак не для Раммштайн. На ней отсутствует даже логотип Rammstein, поэтому велеки шансы, что фанат группы, пребывающий в информационней спячке, увидев эту обложку у себя в ленте VK/FB или в плейлисте на YouTube, смело пролистает страницу далее, так и не ознакомившись с данной работой.
Переходя к синглам — "Deutschland" вероятно попала на альбом только из-за удачной тематики песни и возможности привлечь внимание посредством клипа. Клип получился отличным, возможно, один из самых дорогих клипов, который я когда-либо видел, но сама песня тянет скорее на крепкий средняк. После n-ого количества прослушиваний, припев в старом стиле хоть и начинает немного греть душу, строчки с перечислением "Uber..." радовать ухо, а главная мелодия уже не так раздражать, но это не сильно тянет на комплимент для открывающей песни с альбома этой группы, правда? Особенно комично звучат слова "Du hast du hast" в самом начале песни: при первом знакомстве с композицией от этого момента, вкупе с не особо выразительным вступлением, можно и офигеть.
"Radio" радует работой клавишника и атмосферным куплетом, имеет приличный припев, звучит, в целом, достаточно интересно, но как и "Deutschland" не хватает звезд с неба, и не вызывает особо бурных эмоций.
К чему же такой детальный разбор первых двух номеров с альбома? К тому, что они, в принципе, отражают и весь оставшийся материал. "Rammstein" звучит достаточно приятно, практически всем песням группа дала такое развитие, которого от них ждешь. Где-то это классные припевы, выбивающиеся из настроения заданного в куплете, где-то это синтезаторный запил, где-то классный соляк, иногда встречаются и неожиданные моменты, вроде криков в "Puppe" или откровенно "клубного" звучания в "Ausländer". В общем, набор достаточно пестрый. Альбому в этом плане стоит отдать должное: он практически не проседает, не дает тебе зевать, в целом держится ровно. Из участников группы хотелось бы выделить вокалиста и клавишника, в этот раз они действительно постарались и значительная часть очарования пластинки держится на них. Аранжировки и инструментальное наполнение в этот раз оказались богаче, чем во всей предыдущей дискографии немцев.
У вышеперечисленных плюсов, к сожалению, есть и обратная сторона. "Ровность" данного альбома, учитывая средний уровень песен, означает отсутствие хайлайтов, проще говоря достойных кандидатов на попадение в сборник "The Greatest Hits". Кто бы что не говорил в сторону LIFAD'a, а тройка "Ich Tu Dir Weh" - "Haifisch" - "Pussy" (даже не начинайте, нормальная, запоминающаяся песня, хоть и лирика не фонтан) на нем присутствует. На одноименном же альбоме вещей подобного уровня нет - песен, способных дать группе новых, преданных фанатов. Относительное разнообразие материала выливается в отсутствие целостности альбома — у него нет своего звучания, особых звуковых фишек, свойственных только ему. Может быть в лирике прослеживается какая-то концепция, но англоговорящий мир это не особо заинтересует. Какая-то атмосфера на нем тоже не прослеживается, а относительное композиционное и инструментальное разнообразие аннулируется скудноватым материалом который оно покрывает.
Что мы имеем в результате? Неплохой альбом, который можно включить когда не знаешь что послушать. Он не раздражает, но и не восхищает. Навряд ли вы к нему будете возвращаться чаще, чем раз в год с момента релиза, если вы, конечно, не совсем упертый фанат. В памяти у большинства людей он останется альбомом, на котором группа вроде бы не обосралась и даже местами привнесла что-то новое, но по сути не выдала ничего запоминающегося. О нем даже писать немного лень, приходится высасывать строки из пальца, хотя и хочется поделиться мнением с человечеством, настолько он не выразителен в целом, хоть и радует местами. Вердикт: пойдет, слушать можно, но не долго.
|
| |
|
|
|
|
|
| То были хлебные времена. А те парни были молоды, амбициозны, дерзки и тщеславны. Чуть "став на крыло" и едва познав ощущение по-настоящему большого успеха, они срывались с мест и, оттолкнувшись от родных британских берегов, гнали за океан в сытую Америку на заработки. Их было много, но американский рынок был так обширен, что места хватало всем. И денег тоже.
Вторая волна Британского вторжения началась сразу после Вудстока. Английские группы, как пчёлы из тесного улья, устремились на обильные американские луга. Возвратившись в родной британский улей и записав очередную пластинку, многие вновь отправлялись в заокеанские медоносные штаты.
Ten Years After были среди первых. Для них заморский медок оказался особенно притягателен. Настолько, что в 1971 году группа сменила работодателя и покинула скромную Deram Rec. (филиал старой, проверенной временем компании Decca), на которой выпустила 7 (включая два концертных) альбомов, чтобы устроиться на Columbia Rec. Тем самым став ещё ближе к привередливому американскому потребителю. В те годы подобным образом поступали наиболее самоуверенные и отчаянные. В большинстве своём британские рок-группы всё же предпочитали "совмещение", когда часть тиража выпускаемой пластинки "штамповалась" где-нибудь в Европе для внутреннего, так сказать, потребления, а часть, порой даже большая, выходила на каком-нибудь американском лейбле. Нередко под другим названием и с изрядно перекроенной программой. Но британские рокеры и их менеджмент закрывали на это глаза - американцы очень хорошо платили.
Связавшись с Columbia Элвин Ли и его группа сразу же попали под "каток" условий. Отказаться от утомительно-затяжных композиций (продолжительностью в десять и более минут) или наоборот, коротких этюдов и зарисовок (до двух минут звучанием), для них было легче, чем внести требуемые изменения в стилистику своей блюз-роковой музыки. TYA, у себя в Великобритании являвшиеся апологетом стиля и одними из начинателей психоделического блюза, вынуждены были уступить американцам. Columbia переориентировала группу под радио-стандарт и на откровенно коммерческое звучание. И если на "A Space In Time", первом из альбомов, вышедших на Columbia Rec., перемены эти были не столь ещё очевидны, то на "Rock 'n' Roll Music To The World" музыканты TYA почти уложились в рамки выдвинутых им условий. Композиции подровнялись по времени, отформатировались под стандартную поп-схему, ощутимо прибавили клавишные, более конкретными стали тексты. И главное - группа добавила экспрессии и "позитива", т.е. стало больше рока, меньше блюза и унылых гитарных импровизаций. Как правило, столь радикальные перемены влекут за собой сбои в привычно-отлаженной за предыдущие годы системе. TYA этих неприятностей удалось избежать. Скажу больше, их музыка стала более привлекательна и интересна.
Как бы то ни было, но на раннем этапе работы над LP в качестве образца группа приняла настроение и звучание своего альбома "Watt", что отразилось на стартовой песне "You Give Me Loving" c повторяющимся рефреном гитарным риффом от начала и до конца. Кстати, девять из одиннадцати песен этого альбома TYA записали на лондонской Olympic Studios (здесь творили многие британские звёздные составы, такие как, допустим, The Rolling Stones, Led Zeppelin, The Who), но два трека (оба первых на обеих сторонах LP) Элвин Ли со своими одногруппниками сподобился записать на мобильной студии "роллингов". Случилось это летом 1972 года. Тогда студия находилась в особняке Nellcote на мысе Феррат, что на французском лазурном берегу Средиземного моря. С апреля 1971 года по октябрь 1973-го этот недешёвый отель арендовал Кит Ричард, когда The Rolling Stones почти полным составом жили за границами Великобритании как налоговые изгнанники, и от скуки время от времени записывали песни для своего альбома "Exile On Main St.". Студия размещалась в подвальном помещении особняка и помимо самих "роллингов" там джемовали частые и порой многочисленные гости. К тому времени, когда на мыс Феррат каким-то ветром занесло квартет TYA, музыканты RS уже закончили работу над тем своим двойным альбомом и находились в очередном туре. Nellcote был пуст, группе TYA никто не мешал, но более чем на две песни их не хватило. Звучание этих двух треков качественно отличается от всех прочих.
В общем и целом альбом "Rock 'n' Roll Music..." получился солидным и притягательным, я не нахожу в нём ни единой проходной или недостойной вещи. Но выделю сразу несколько хитовых номеров. Это породистый блюз "Turned Off T.V. Blues", выдержанный в лучших классических блюз-роковых традициях. Впрочем, кто как не сами TYA эти традиции в те времена и формировали, наряду с некоторыми другими титанами британского хард-рока, разумеется. Это и отменная композиция "Standing At The Station" с простой, казалось бы, мелодией, в основе которой пресловутый "квадрат" (а по сути "треугольник", три чередующихся аккорда без каких-либо синкопов и обертонов). Здесь ведущим инструментом является эл. орган Чёрчилла, в концовке совместно с гитарой создающий впечатляющую звуковую панораму набравшего ход поезда. Песня с внятным жизненным сюжетом. А ещё не менее интересная и в чём-то даже созвучная со "Standing..." композиция с названием "Religion", где мелодия строится вообще на двух (!) аккордах. Остаётся лишь восхищаться мастерством музыкантов, сумевшим буквально из ничего создать такие полновесные номера.
Ну а самым ярким и запоминающимся треком в этой программе без сомнений является совершенно чумовой буги "Choo Choo Mama" c абсолютно бессмысленным текстом "ни о чём". Текст, впрочем, в данном случае - дело десятое. Всё внимание забирает на себя гитара Элвина Ли и его сдавленный с нарушенной артикуляцией вокал. Создаётся впечатление, что эта его вокальная партия записывалась с одной из гитарных партий (их, кстати, в этой безумной песне несколько, случай для TYA неординарный). Невольно вспоминается одна давнишняя публикация, в которой рассказывалось о том, что своё незаурядное мастерство гитариста, раскрепощённость и фантазии импровизатора Э. Ли демонстрировал исключительно на концертах. В студиях ему то и дело что-то мешало, он не находил в себе сил сосредоточиться, собраться и проявить свои истинные способности. И почему-то принято считать, что подобное с Э. Ли происходило из-за проблем с алкоголем. Но так и осталось непонятным, когда те его проблемы (а они, безусловно, были) проявлялись - в студиях или на концертах.
Альбом был сработан в пору самого пика зрелости и творческого расцвета TYA. А вся история группы лишь подтверждает, что "Rock 'n' Roll Music..." - одна из лучших, если не самая лучшая страница в её недолгой биографии. Но это мы сейчас так понимаем, а тогда, в конце 1972 года, рейтинги популярности этой пластинки почти повсюду говорили об обратном. И если более ранние LP группы, выходившие ещё на Deram Rec. в чартах Albums U.K. неизменно входили в первую пятёрку (в Штатах с этим дела обстояли значительно хуже, там лишь единственный их альбом "Cricklewood Green" добрался как-то до 14-й позиции, остальные "тонули" на дальних подступах), то с переходом группы на Сolumbia успехи и в Англии пошли на убыль. Причина? Она лежит на поверхности. Консервативная британская музыкальная общественность не прониклась в те перемены стиля, не столь уж и кардинальные и уж точно не катастрофичные, что произошли с одним из флагманом британского блюз-рока. Но этого оказалось достаточно, чтобы звезда легендарного квартета под названием Ten Years After за какую-то пару последующих лет стремительно закатилась.
|
| |
|
|
|
|
|
| Death Metal - любопытный, но очень скудный жанр. Да, с этих смелых слов я решил начать, и прежде чем меня закидают камнями фанаты данной категории Metal'a, предлагаю обратить ваше внимание на историю стиля. До сих пор спорят, кто был первым: Death или Possessed? Но спорить с тем, что Шульдинер сделал в жанре больше, чем подавляющее большинство других именитых представителей, никто не станет. И каждый новый альбом Чака был всё более далек от брутальности, всё более дальше его музыка уходила в Progressive, а то и Heavy Metal. А что можно сказать про Possessed?
Прошло немало времени с момента выхода последних альбомов обоих коллективов. Не буду врать, понятия не имею почему Possessed столько времени не записывали новые пластинки. Есть ли смысл в возвращении старичков в студийное русло? "Revelatons of Oblivion" - 100% обыкновенный, олдскульный Death Metal, вдохновлённый старой Metal'ической школой. Тяжелые гитары, витиеватые риффы, скоростные и мелодичные соло. Мне такой подход по душе.
Учитывая полную стагнацию жанра, "Revelatons of Oblivion" слушается на удивление свежо и приятно. Более того, песни запоминаются. Не только "качают", но и цепляют мелодически. А в связи с этим, появляется вопрос: когда что-то пошло не так? В какой момент дэтстеры решили, что стена звука и тяжесть должны быть более значимы, чем мелодика? Возможно, ради этого Possessed и записали новый альбом, чтобы показать нынешним представителям жанра ту идею, из которой вырос Death Metal.
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда я был девственно чистым подростком, то, как и всё моё окружение, слушал тяжелую музыку, такую как Rammstein и Linkin Park. Если говорить про первых, то все мои друзья тащились от песен в духе "Keine Lust" и "Ich will", но моему юному сердцу милее всего были первые два альбома, хотя мой неокрепший бунтарский ум и не понимал почему.
Много позже мне удалось сформулировать причину. Rammstein периода девяностых делали свое дело с печатью угрюмой серьезности на своих суровых нордических лицах. Их музыка была первобытно дикой, сексуальной, и, как ни странно, изящной по своей подаче. Подумать только, сколько экзистенциального трагизма можно было затолкать в 11 альбомных треков. Да и мнимая прямолинейность песен скрывала в себе и второе, и третье дно, благодаря чему слушать их не надоедает и спустя почти двадцать пять лет – это целая жизнь. Но прошли годы, сексуальность и изящность сменилась "маршеподобными ритмами", апокалиптические картины превратились в форматные заявления, и, в конце концов, это привело к "Pussy".
Десять лет молчания, за исключением импотентского "Mein Land", не могли принести ничего хорошего. Туровые покатушки, рассуждаения в SOAD-стиле о планах записать альбом, и наивные сольники не заменят практику студийной работы. Но история не терпит сослагательного наклонения. Размышлять о том, что и как надо было делать не имеет никакого смысла (тем более таким Львам Толстым, как я).
"Rammstein" - это альбом, о котором говорить не хочется, но не говорить не получается. Открывашка "Deutschland" - предельно простая, скучная, и, очевидно, расчитанная на стадионные выступления. В бодрых риффах "Radio" и "Zeig dich" есть небольшой проблеск надежды, но хипстерский "Ausländer" на пару с чемпионом по банальности "Sex" запарывают первую половину альбома. "Puppe" звучит, как потомок кровосмесительного союза "B********" и "Wiener Blut" с предыдущего альбома. "Was ich liebe" определенно лучше "Klavier" или "Seeman", но в трек-листе просто теряется, потому что следом идет кастрированный "Diamant". Кто вообще придумал поставить их рядом? Это тоже эксперимент? Тогда представьте, что бы было, если бы альбом начинался с "Puppe". Последние три трека тонут в океане тоски и безнадежности, разве что в "Weit weg" запихнули забавный нью-вэйв синтезатор. "Hallomann" закрывает альбом немногим лучше, чем "Roter Sand" или "Ein Lied", но, честно говоря, гордиться тут особо нечем. Стоит отметить клавишника, он хотя бы старался, так же как и Линдеман. Чем занимались басист и барабанщик неизвестно: они оба слышны где-то на заднем плане, но за такую работу им должно быть мучительно стыдно. Звук гитар облегчен настолько, насколько возможно, из-за чего альбом звучит диетически (спасибо, Крюспе).
Можно было бы написать еще очень многое про обманутые ожидания, про сомнительные эксперименты, про сухость подачи и прочее, но это всё уже не имеет никакого смысла. Если это конец, то слишком вялый. Уходить надо уметь. Нужно иметь достоинство и мужество, чтобы признать что ты уже стар, что тебе пора на покой, что ты уже с трудом бросаешь палку и по три раза за ночь ходишь пописать. Это требует определенной честности, и не только к слушателю, но и по отношению к себе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Даже малознакомому с творчеством группы человеку должно быть известно, что Rammstein на данный момент времени являют собой больше клипмейкеров и крутых шоуменов, нежели крутых музыкантов. С музыкой именно как ремеслом они справляются отлично, но так и хорошее шоу без этой составляющей не сильно жизнеспособно. Поэтому, основным вопросом ожиданий перед выходом “Rammstein” был следующий: насколько сильно в этот раз немцы позволят визуально-концептуальной составляющей подавить музыкальную? Последний раз идеальный баланс был соблюдён, вы не поверите, аж на “Mutter”. Кто-то ждал, конечно, и его повторения, но эти люди сейчас наверняка проходят усиленную терапию галоперидолом. На “Reise, Reise” и “Rosenrot” стрелочка качнулась в сторону картинки, ну а на “LIFAD”...
Скажем так – хуже точно не стало. Известные клипы по-прежнему движутся сильно впереди своих песен по качеству, но качество в целом далеко не безнадёжно. Энергии тут действительно побольше, чем на предшественнике, но в очередной раз вынужден констатировать промах по части распределения композиций. Всё самое боевое было отгружено в первую половину диска, когда как во второй части Раммы со всей дури дали вялого и превратили рубль в копейку. Lacrimosa на “Hallomann”? Серьёзно?
Для любителей грубого описательно-ассоциативного подхода раскидаю компоненты таким образом: “Sehnsucht”+”Reise, Reise”+миазмы “LIFAD”. По каждому компоненту можно высказать претензию, и отнюдь не на ровном месте. Для 97-го тут не хватает жёсткости, бескомпромиссности и, банально, электроники, для 2004-го эпических, стадионных припевов, для 2009-го хватает всего. Но всё это второй план, ведь при подобном смешении сложно довести каждый компонент до исходного (читай, нужного) состояния. Загвоздка в том, что альбом косплеит “Rosenrot” и звучит, как сборник би-сайдов. Далеко не самых паршивых, но всё же. Мне очень нравятся ураганная “Zeig Dich”, кичевая “Ausländer” (Вудман, про тебя ли?), нежная, хоть и преступно короткая “Diamant”, и ещё, как минимум, три вещи я назову неплохими, но размести их по “своим” альбомам и случится потеря. Согласитесь, после 10 лет тишины это выглядит странно.
Отдельной строкой про важный для меня нюанс/расстройство. Единственная здесь песня, которую можно назвать музыкальной отсылкой к “Матери”, она же “Deutschland”, пусть и несёт в себе те самые характерные масштабность и монолитность, звучит слабо даже для внеконкурсной программы того альбома. Тот случай, когда фраза “Песня сделана под клип, а не наоборот” будет уместной. От звания худшей её спасли несколько атмосферно-однообразных филлеров во второй половине, посреди которых, кстати, очень удачно заблудился призрак “Hallelujah” - “Tattoo”. Да и чего греха таить – время лечит, первоначальное неприятие стало слабее, и вот уже припев “Deutschland, Deutschland über allen” буквально принуждает преисполниться гордостью совсем не за родную страну и со всеми её косяками.
В 2017-м году Круспе сказал, что данный альбом имеет высокие шансы стать последним. Если ему суждено стать таковым, то студийная карьера Rammstein, бесспорно эпохальная, окончится на достаточно невнятной ноте. “Rammstein” нормальный альбом, но закончить таким релизом, это словно отделаться отпиской. Даже после “LIFAD” было бы больше логики в таком поступке, дескать, всё, не вывозим, сил нет и т.д. Суть в том, что “Rammstein”, при всей своей “бисайдности”, имеет определённый потенциал, который делает возможным питать некоторые надежды на светлое будущее. И поэтому оставить всё, как есть – выход отнюдь не очевидный. С другой стороны, хреновая реализация этого самого потенциала и выпуск ещё одного такого альбома сделает конец студийной карьеры фарсом.
Улыбаемся и машем?
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть такие альбомы, которые любишь сердцем; разумом, при этом понимая, что они полны объективных и подчас серьёзных недостатков. Но хоть тресни, если музыка по сердцу, на эти недостатки ты просто не обращаешь внимания. Не буду приводить конкретных примеров, для каждого они свои; рискну предположить, что у любого меломана найдется в списке дорогих сердцу пластинок подобный "гадкий утёнок", и не один.
Но бывает и обратный пример: музыка по всем объективным параметрам качественная, но, к сожалению, душевных струн не бередит. Слушая в который раз очередной релиз Herman Frank, я который раз вспоминаю об этом несоответствии.
Не могу сказать, что ждал новый альбом господина Франка с нетерпением. Первый альбом немецкого ветерана был неплох, второй — в принципе, на том же уровне, но уже с третьего диска началось, на мой взгляд, некое топтание на месте, плавно переходящее в спад. Изначально я был склонен связывать данную тенденцию с вокалистом Риком Альтци, который, на мой взгляд, способен утянуть в пучину уныния любой материал (как, например, когда он натурально изувечил песни Helloween на сборнике "PumpKings"), но услышав "Fight The Fear", лишний раз убедился, что корень проблемы куда глубже.
Герман Франк — замечательный гитарист, который не только умеет великолепно играть, но и досконально знает, как должна звучать настоящая Heavy Metal гитара. Все его риффы и соло можно спокойно издавать в виде самоучителя для будущих поколений: это, что называется, старая школа и образец для подражания. Он круто играл и в Accept, и в Victory, и в рамках своего сольного творчества. Но вот в качестве автора ему заметно не хватает чувства хита — той неуловимой материи, которая отличает просто хорошие альбомы от великих. Несмотря на все качественные элементы, из которых состоят песни, несмотря на отличный звук, большая часть песен не откладывается в голове, а некоторые, особенно с середины альбома, начинают просто раздражать своей затянутостью и однообразием.
Новый альбом изо всех сил старается вырваться из порочного круга, и местами это ему удается. Например, весьма сильное начало в виде "Until The End" и " Fear", которые действительно цепляют, запоминаются и заставляют подпевать. Плюс очень хорошо получился скоростной, почти паверный номер "Wings of Destiny". Забавно, что мне некоторые наиболее интересные песни альбома, например "Sinners", чем-то напомнили композиции Helloween дерисовского периода. Может, показалось, а может действительно, Альтци во время работы с Граповым над "PumpKings" вдохновился тыквенными мелодиями. Впрочем, так как Франк был и остается основным автором материала, то ответственность за все взлеты и падения в трек-листе несёт именно он.
Взлеты я перечислил выше, на падения же приходится утомительно-затянутые композиции с середины альбома. И если грувистая "Terror", да удалая "Are You Ready", в принципе, звучат неплохо (первая за счёт очень мощного, перемалывающего риффа, а вторая благодаря бодрой рок-н-ролльной атмосфере), то то, что идет дальше, подвержено типичной болезни многих старых металлистов — уклону в тягомотный блюзовый хард-рок. Заунывный вокал Рика и однообразная структура песен только усиливает гнетущее впечатление. Такие композиции, как "Hatred" и "Hail & Row" воспринимаются словно не самые удачные проходняки от AC/DC, Whitesnake или Джо Линн Тёрнера. Но не стоит здесь винить Германа, потому что это общежанровая тенденция, и такие пресные и однообразные песни как "Hitman" вы можете услышать и у нынешних Accept, U.D.O., Grave Digger и Running Wild.
Впрочем, надо отдать альбому должное, некоторое количество действительно хороших и интересных песен на нём всё же присутствует, поэтому можно сказать, в этот раз чувство хита старик Франк всё-таки уловил (пусть вы, наверняка, из всего альбома запомните максимум одну-две песни), но вот чувство меры ему самую малость изменило. Будь альбом на пару-тройку песен короче, он мог бы не только стать вершиной дискографии гитариста, но и потеснить с пьедестала работы его более знаменитых коллег.
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
| |
|
|
|
|
|
| Для многих, возможно для подавляющего большинства меломанов и даже "глубоких" почитателей творчества Дэвида Ковердэйла и группы Whitesnake, ощутимых различий между двумя этими символами и не существует. Помнится, как во времена "развитого социализма" в ходу был коммунистический лозунг: "Мы говорим Ленин - подразумеваем Партия, мы говорим Партия - подразумеваем Ленин". Как-то вот так.
Что до меня, так я эти два понятия вообще никогда не разделял (речь не о Ленине, как вы понимаете, тем более, не о Партии). Представить себе группу Whitesnake без Ковердэйла никак невозможно. Такого просто не может быть. С другой стороны - что из себя представляет вокалист Д. Ковердэйл и его группа сопровождения? Ответ очевиден независимо от того, кто и когда входил в состав этой группы. Но даже когда в едва зародившейся команде (середина 70-х годов) пребывали такие авторитеты, как Йон Лорд и Ян Пейс, центром притяжения и главной движущей силой в её рядах всегда был Дэвид Ковердэйл. И никто иной. Потому мне всегда было непривычно воспринимать две самые первые его пластинки, как сольные работы вокалиста Дэвида Ковердэйла. У меня они проходят по единому списку под логотипом Whitesnake. И это уже не исправить.
И вот "Into The Light". Третий официальный сольный альбом. Двадцать с лишним лет спустя.
Была, впрочем, занятная история с альбомом 1997 года "Restless Heart" ("Неспокойное сердце"). Изначально Дэвид задумывал его как свой сольник, однако компания EMI Rec. Ltd., с которой Д. Ковердэйл состоял в договорных отношениях, напомнила ему, что согласно контракту за его группой Whitesnake завис должок на один LP. А программа будущего альбома меж тем на тот момент времени была практически готова. Её и утвердили без поправок. Вот и получается, что содержание её никак не влияло на то, под каким именем тот альбом должен был выйти в релиз. В итоге CD был выпущен с компромиссной надписью на обложке David Coverdale & Whitesnake. Сам Дэвид, впрочем, для себя считал (и, надо полагать, считает до сих пор) эту работу своей сольной. Для него, по всей видимости, это было важно. В ноябре того года, кстати говоря, группа Whitesnake в рамках мирового тура в поддержку "Restless Heart" приезжала в холодную, предзимнюю Москву, где Ковердэйл подхватил сильнейшую простуду.
Вернёмся, однако, к "Into The Light". В своих воспоминаниях великий рок-вокалист поведал миру, что освободиться от сковывающих его "снейковских цепей" способствовало отсутствие на этот раз постоянного соавтора репертуара Whitesnake последних лет, ведущего гитариста Адриана Ванденберга. В результате, по словам Ковердэйла, он записал "неконъюктурный блюз-роковый альбом", в котором лишь два энергичных, по-настоящему хардовых номера, выдержанных в стилистике "Белой змеи" образцов второй половины 80-х годов: это захватывающий боевик "Don't Lie To Me" и чуть менее убойный "Cry For Love". Остальные композиции, за исключением, пожалуй, "She Give Me...", представляют собой романтический эстрадный блюз-рок с любовной в основе своей тематикой, под сдержанные аккомпанементы двух креативных гитаристов. В общем, Д. Ковердэйл остался верен себе.
Апогеем взлёта, или кульминационным номером этой программы, можно считать (но совсем необязательно) балладу "River Song". В инструментальной её составляющей в полной мере проявились несомненные достоинства очередного открытия Ковердэйла - молодого гитариста Дуга Босси, сумевшего свои понимания истинного блюзового чувства совместить с бэнг-роковыми навыками лучших образцов тяжёлой музыки. Не менее хорош, впрочем, в этой программе (как и в балладе "River Song", в частности) и ветеран-виртуоз Ирл Слик, тот, что лет 25-27 ещё тому назад сотрудничал с такими легендами, как Джон Леннон и Дэвид Боуи. В тандеме эти два гитариста создали роскошное мелодическое сопровождение Ковердэйлу, который уже также достиг звания ветерана рок-сцены, но, как и прежде, всё ещё хорош.
Теперь пара слов о "She Give Me...". В основу мелодии этой песни Дэвид заложил довольно-таки специфический стиль. Это скиффл, такой на моей памяти активно практиковала лишь экзотическая британская бригада Mungo Jerry ещё на стыке 60-70-х годов. А в остальном же мы слышим хорошо знакомые ещё с "пёрпловских" времён ковердэйловские мотивы. Не устаю удивляться, как в столь тесных структурных рамках, ограничивающих мелодические решения, которые Д. Ковердэйл когда-то сам для себя определил и крайне редко выбирался за их пределы, он и его без конца меняющиеся музыканты умудряются не повторяться. Хотя в каких-то моментах мелодии его сегодняшних композиций подозрительно близки по звучанию тем, что мы уже слышали лет 15-20, и даже больше тому назад. Это касается как меланхоличных романсов "Love Is Blind" или "Wherever You May Go", так и большинства баллад этого альбома.
И эта его невероятно насыщенная любовная тематика...; Можно лишь догадываться, с чем это было связано (если, конечно же, и было). Возможно, старина Дэвид в силу возраста вступил в трогательную жизненную стадию сентиментального романтизма. Не исключено опять же, что на тот момент определённым образом складывались его душевно-сердечные обстоятельства - очередная влюблённость или синдром второй молодости. У художников (в широком понимании этого слова) это дело обычное.
|
| |
|
|
|
|
|
| Возможно я что-то упустил, но упоминания о “Far Away From the Sun” в русском сегменте интернета мне встречались крайне редко. Я, конечно же, не могу оставить вас без ознакомления с данным альбомом хотя бы с моих слов, поэтому приступим.
Начиная с обложки, стоит сказать, что она превосходно отражает музыкальное содержание альбома - потенциальный слушатель прекрасно видит то, что услышит. Из предыдущего пункта в данном случае вытекает и следующее: как и любая по-настоящему хорошая обложка, эта усиливает впечатление от полученного музыкального опыта, за что художнику и команде несомненно плюс.
Альбом начинается с сочного, атмосферного (даже так) взрыва. Казалось бы, зачем я вообще его упоминаю? Но он проявил себя отличным ходом в контексте этого альбома – сразу погружает в пучину мелодий, ну и я бы полжизни переслушивал этот взрыв, настолько он хорош. Что можно сразу же заметить далее - альбом имеет достаточно густой и “мягкий” звук, ничто не режет ухо, этот саунд очень хорошо сочетается с представленным материалом. Гитаристы выдают цепляющие мелодии, которые будут сопровождать нас до самого конца релиза. Что касается звука гитар, то они слегка размыты, но не мешают друг другу в миксе. Иногда, намеренно это было сделано или нет, мы можем слышать приглушенные, едва уловимые гитарные мелодии по бокам в каналах. Характерный пример – момент с 2:22 в песне “The Vision and the Voice”, внимание на левый канал. Такие легкие мелодические оттенки играют на руку общей подаче альбома. С вокалом всё тоже в порядке, он отлично вписывается в общее музыкальное полотно, избыточно не перетягивая на себя внимание. Лирика здесь стандартная для блек-метала: поклонение Сатане и темным силам, ночь, холод, одиночество и так далее, но всё звучит достаточно органично и скрашивает музыку потоком подходящих образов и ассоциаций.
“I had found the castle of myself
and I fell asleep far away from the sun.”
Главной звездой пластинки я бы назвал барабанщика. Именно у него самые интересные партии, да и настолько, что за ними зачастую интереснее следить, чем за гитарами. Именно ударник вытягивает все “сухие” моменты альбома, когда не выступают красивые гитарные мелодии или вокальная линия, настолько же изящно он оформляет и переходы между разными частями песен, которых здесь всё же больше чем на стандартном блековом альбоме, из-за чего местный рецензент нашел в этой работе детовые оттенки. В последний раз я получал такое удовольствие от игры драммера разве что на дебютнике At The Gates.
Ради чего действительно стоит слушать этот альбом, и почему он таки сыскал популярность – его окутывающая атмосфера. Если описать прослушивание какими-то образами – после долгих скитаний вы присаживаетесь на ступеньки, расположенные слева на обложке, и смотрите на этот сине-фиолетовый замок, окутанный туманом. Отдыхаете и думаете. Погружаетесь в свои мысли, за считанные секунды переживаете разные эмоции из своего прошлого, в итоге выходя на состояние некоторой гармонии. Он просто имеет магию, создает свой маленький мир, в который всегда приятно возвращаться. Как возврат к игре детства или в памятное место, он оставляет достаточно приятное послевкусие, заставляя на мгновения ощутить себя немного в другом месте, подумать о некоторых вещах и печально улыбнуться по окончанию путешествия. Несмотря на наличие достаточно быстрых песен, альбом всё равно ощущается медленным и размеренным, умиротворяющим, наталкивает на ощущение спокойствия. Вкупе с отличными мелодиями и ударными это и выделяет его среди прочих.
Несмотря на тег “мелодик-блэк-метал” и достаточно навороченную ритм-секцию, материал воспринимается на удивление легко. Идеально подходит для тех, кто только решил подступиться к блеку, или кого утомил стандартный мдм-овый саунд. Слушать его лучше всего ночью, так как он имеет именно “ночной” характер звучания.
Лучшие треки? Пожалуй, забойная “Blood Shall Be Spilled” и раскрывающие потенциал альбома “When Night Surrounds Me” и “Beyond All Horizons”. Худшие? Меньше всего лично мне приглянулась “Obsolete Tears”.
Какие выводы можно сделать в итоге: “Far Away From the Sun” имеет свое неповторимое настроение и умеет буквально “погружать в себя”, барабанщик, мать его, молодец, а для вас данный альбом может стать любимцем в жанре, ну или как минимум задержаться в плейлисте.
Не знаю, можно ли назвать эту работу “шедевром” или “идеальным альбомом”, но он явно выходит за рамки просто “хорошего и качественного” альбома, поэтому оценка от меня – 9/10.
|
| |
|
|
|
|
|
| Их исход не предвиделся и не прогнозировался. После убедительного прогрессивно-новаторского LP "How Dare You!" представлялось, что для этого квартета группы 10СС всё только начинается, главные победы впереди и уже не за горами. Другого такого же крепкого и перспективного состава, уже в полной мере сложившегося и отчасти воплотившего свой невероятный потенциал в четыре добротные пластинки, на британской сцене ещё надо было бы поискать. Более того, на традиционном ежегодном рок-фестивале Knebworth-1976 группа оригинальным квартетом 21 августа выступила с новой песней "Good Morning Judge", предназначавшейся для будущего альбома. Но затем была студийная демо-запись ещё одной песни с рабочим названием "Voodoo Boogie" авторского дуэта Стюарт-Гоулдмэн, но к аранжировке которой приложили руки Кевин Годли и Лол Крим. Когда все куски и фрагменты тех записей смикшировали случилось нечто, о чём затем была громкая шумиха в британской музыкальной среде. Состав 10СС раскололся ровно пополам. И лишь после этого многие тогда обратили внимание, что уже на "How Dare You!" между двумя парами музыкантов группы наметился некий водораздел, что наглядно отразилось на авторстве песен второй стороны пластинки.
Без скандалов и, как принято у интеллигентных англичан не прощаясь, Годли и Крим вышли из состава 10СС, чтобы обнародовать собственный проект Godley & Creme. Тут стоит заметить, что эта пара быстрее адаптировалась в новых условиях и уже в текущем году разродилась альбомом "Consequences". В дальнейшем они сконцентрировались на производстве видеоклипов, а ещё эти парни разработали и внедрили в практику гитарное приспособление Gizmo, которое использовали уже в работе над собственным альбомом. Gizmotron представлял собой приставку к электрогитаре, снабжённую клавишами, которая крепилась к гитарному грифу. Этим устройством достигалась имитация звучания струнных инструментов, которую выполнял гитарист, не выпуская из рук гитару.
В каком-то интервью Кевин Годли так объяснил исход их пары из состава 10СС: "Мы ушли потому, что нам больше не нравилось, что писали Стюарт и Гоулдмэн. 10СС стали слишком очевидными. Мы чувствовали себя в заточении". Поклонники группы в большинстве своём грустили по оставшимся Эрику и Грэму, а наиболее впечатлительные были почти уверены, что история 10СС на этом закончилась.
Эрик Стюарт позже вспоминал: "Передо мной стояла непростая задача доказать всему миру, что мы с Грэмом не просто половинка 10СС, или 5СС, как нас уже стали называть некоторые британские издания. Да, наша музыка стала проще, но более доступней и понятней, чем это было на наших предыдущих пластинках. Альбом готовился быстрее, чем это было обычно, и с большим энтузиазмом. Я был на позитиве, меня буквально распирало, как никогда ранее, я чувствовал, что у нас получается очень сильный альбом. Я хотел доказать, что новые наши песни без участия Кевина и Лола будут не хуже, а может быть даже станут хитами".
Стюарт и Гоулдмэн сумели перегруппироваться и при поддержки барабанщика Пола Бёргесса, который в предыдущем расширенном составе 10СС являлся концертным дублёром у Кевина Годли, осенью 1976 года приступили к работе над новым альбомом, пригласив в обновлённую студию Strawberry South (Доркинг, Суррей) нескольких сейшнменов, в первую очередь Дела Ньюмэна, аранжировщика и дирижёра струнного оркестра. Без участия этого человека как минимум два шедевра из программы этого LP могли попросту и не состояться.
Оставив за бортом (за стенами Strawberry South Studios) всю ту авангардно-новаторскую мишуру, что стараниями Годли и Крима была отягощена творческая мудрость Стюарта и Гоулдмэна, новообразовавшееся трио 10СС включилось в созидательный процесс. Задача непременно понравиться взыскательной публике посредством будущего альбома была равносильна расхожей дилемме: выжить или умереть. Или так, или иначе.
Первым делом была переработана композиция "Voodoo Boogie", получившая новое название "People In Love", очаровательная симфо-баллада с участием струнной секции академического оркестра. Без очевидного влияния "извне", однако, обойтись никак не могло. И не обошлось. Эрик Стюарт, впрочем, никогда и не скрывал, что образцами композиционного искусства для него всегда являлись творения "поздних" The Beatles. Правильнее даже будет сказать - мелодизм Пола Маккартни, его кумира, а позднее (в 80-е годы) близкого по духу товарища. И это влияние (или попытка "соответствовать") в известной мере отразилось в лирической "The Things We Do For Love" и романтичной "Marriage Bureau Rendezvous". От себя добавлю, что и "битлам", и самому сэру Полу в тех их, куда более аскетичных условиях, исполнить подобное было бы не по силам.
Смелые стилистические "пробы" и эксперименты, причудливые сочетания и комбинации с разными стилевыми направлениями (этим в особенности увлекался Грэм Гоулдмэн), всё это имеет место в программе "Deceptive...". Причём, такие "замесы" наблюдаются как в целых номерах ("Honeymoon With A Troop"), так и и в отдельных музыкальных фразах (или строках), неожиданно проскакивающих в тех или иных композициях.
Поп-арт, так, пожалуй, можно кратко и ёмко охарактеризовать всё то, что в изобилии демонстрируют музыканты на этой пластинке. Под это определение подпадают и такие целостные номера, как крепкий блюз-роковый "Modern Man Blues", где затейливое переплетение партий гитар и клавишных создают глубину и насыщенность звучания, или умеренно-роковый трек "You've Got A Cold", самый, наверное, жёсткий номер всей программы, так и короткий этюд в стиле фокстрот "I Bought A Flat Guitar Tutor".
Но всё это, что называется, только "цветочки". Завершает это пиршество симфо-рок-сюита "Feel The Benefit", придающая весомость всему альбому и особый статус группе. И это даже не десерт после знатного обеда и уж тем более не вишенка на торте. Это, если продолжить кулинарную аналогию, самое изысканное блюдо этого застолья, самое вкусное и обильное, ради которого и собирали гостей.
А теперь серьёзно: в окончании этой чудо-композиции терпеливого слушателя ждёт роскошная сольная партия гитары Эрика Стюарта. Ничего круче для завершения альбома и придумать невозможно.
Принято считать, что именно в "Deceptive Bends" изменившиеся 10СС достигли своего потолка изощрённости в сочинении свойственных лишь этой группе ажурных мелодических конструкций, расцвеченных многообразием вокальных партий. Последующие работы будут лишь повторением и подтверждением верности избранного вектора развития команды. Сейчас, как, впрочем, и двадцать, тридцать лет назад даже представить невозможно, что могло быть как-то иначе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Предыдущий альбом Flotsam & Jetsam с одноимённым названием по мнению многих открыл новую главу в истории группы и вернул её на олдскульно-трэшевые рельсы, став одним из самых ярких в её истории. Сменился состав (что у «флотов» происходит практически постоянно), но вернулся поистине юношеский задор и скорость, которая в данной стилистике является ключевым критерием «трушности».
После ухода из группы бессменного на тот момент гитариста Эдварда Карлсона главным композитором стал вернувшийся после долгого отсутствия Майкл Гилберт, который, по всей видимости, решил дать фанатам то, что они хотят – а именно материал, приближённый к первым двум альбомам Flotsam & Jetsam (один из которых даже был перезаписан и перевыпущен). И хотя в своём интервью после выхода альбома 2016-го года Майкл хвастался огромным количеством готового материала, ждать «The End Of Chaos» пришлось почти 3 года. Зато он получился ещё более угарным, чем его предшественник.
Уже с первых секунд музыканты демонстрируют недюжинную прыть, а новый именитый барабанщик Кен Мэри хвастается своим мастерством владения техникой игры сдвоенными бочками практически во всех песнях, в результате чего материал всего релиза выдержан примерно в одном ключе. По сути, новый альбом вместе с «Doomsday For The Deceiver» (1986) и «No Place For Disgrace» (1988) можно смело назвать тремя самыми скоростными альбомами «флотов», что наверняка должно порадовать фэнов классического thrash metal.
Приятно порадовал на этом альбоме и вокал Эрика, который на предыдущем звучал весьма натужно и, увы, старчески. Здесь же он хоть и не избавился от необратимых возрастных изменений тембра, но добился более уверенной подачи, голос зазвучал более чисто, а в финальной композиции с соответствующем названием «The End» фронтмен даже продемонстрировал некие давно недосягаемые «верха».
Плюс к этому, вокальные партии в большинстве песен не только хорошо продуманы, но и весьма мелодичны, что на фоне бодрого трэшевого инструментала позволило группе сочинить несколько реально классных песен типа «Demolition Man» или «Control». Причём, иногда мелодика в припеве вытягивает и не самые удачные трэки типа «Recover».
Но при этом, на мой взгляд, при всех плюсах «The End Of Chaos» идеальным назвать сложно, да и своему предшественнику по качеству и разнообразию материала он уступает очень сильно. Прежде всего, к сожалению, «флотам» в этот раз не получилось выдать весёлых грувовых песен типа «Taser», да и вообще какие-либо модерновые фишки пропали, хотя они могли бы удачно разбавить прямолинейный материал нового релиза. Плюс, в репертуаре группы давно не хватает баллад, которые всегда удавались на славу и украшали как конкретно проходные, так и классические альбомы.
Помимо этого, лишь 4 песни из 12-ти я бы назвал безупречными. По сути, альбом для себя я разделил на три части: 4 отличных трэка, 4 под настроение и 4, которые не цепляют вообще, хотя все обладают достаточно высоким энергетическим уровнем и слушаются, вроде бы, неплохо, как я уже написал выше. Таким образом, если по выбору нового/старого музыкального курса претензий нет, а успех в чартах подтверждает хороший фидбэк со стороны фэнов, то по качеству «The End Of Chaos» вышел весьма неровным, что всё-таки не умаляет его значимости для группы, которая переживает пресловутое «второе дыхание».
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| По словам композитора, звукорежиссёра, гитариста, вокалиста и лидера Iron Savior во всех отношениях Пита Зилка, при написании песен для нового альбома вдохновение ему принесли: в плане лирики – произведения писателя-фантаста Питера Гамильтона, а в плане музыки – перезапись своих же ранних песен для ретропспективного двойного сборника «Reforged – Riding On Fire», а также новый альбом Judas Priest «Firepower». Удалось ли ему найти новый источник свежих идей, как на альбоме «The Landing» или, может, вернуть залихватскую прыть первых двух альбомов?
Увы, нет. Перед нами новый лишь в смысле даты выпуска альбом, по сути повторяющий одни и те же наработки и клише, которыми оперировал господин Зилк всю свою карьеру. С одной стороны, вряд ли стоило ожидать от такого олдскульного во всех смыслах музыканта каких-то дерзких экспериментов, которые бы фанаты наверняка бы встретили в штыки. С другой, главное – это всё-таки качество материала, ведь и вышеупомянутый «The Landing» ни в коей мере не явился музыкальной революцией, но порадовал всех своей энергетикой и искренностью. А с качеством и в этот раз всё в порядке.
«Kill Or Get Killed», конечно, трудно поставить в один ряд с лучшими работами Зилка, но альбом получился очень ровным, хрипловатый вокал Пита не растерял своей харизматичности, а композиции построены достаточно уверенно, гитарные риффы и соло исполнены очень чётко и профессионализм сквозит в каждой ноте. Ну, и главный плюс данного релиза – это, конечно, звук. Лидер Iron Savior всегда отличался качественной продюсерской работой мирового уровня, но в этот раз он буквально превзошёл себя, благодаря чему новый опус группы звучит просто убийственно!
На альбоме один явный хит - «Eternal Quest», два неплохих условно-скоростных трэка – заглавная «Kill Or Get Killed» и «Heroes Ascending» c приятным Blind Guardian’овским налётом. Тем не менее, и самые шаблонные среднетемповые хэви-трэки типа «From Dust And Rubble», составляющие добрую половину альбома, не вызывают отторжения. И хотя именно быстрые композиции у Пита получались обычно наиболее удачно, в этот раз общее замедление темпа не повлияло на слушабельность релиза.
Под конец альбома терпеливого слушателя всё-таки ждёт пару сюрпризов – а именно трэк «Never Stop Believing» с неожиданным цепким мелодик-хардовым хоровым припевом, где скромный, но хорошо выверенный набор аранжировочных решений Пит разбавил небольшим вкраплением электроники и клавишных. Ну, и на полную он «разошёлся» в плане продакшна в восьмиминутке «Until We Meet Again», которая по настроению слегка напомнила мне пристовскую «Desert Plains» - здесь тоже и электроника, и клавиши, и наслоения гитар, и даже намёк на прогрессивность.
Так или иначе, альбом многим не понравится, кого-то оставит равнодушным, а кого-то порадует – уверен, мнения разделятся кардинальным образом. Но лично для себя я отнёс его в категорию крепких середнячков, которые можно не без удовольствия переслушивать раз в несколько лет (а отдельные композиции и почаще), когда самые любимые альбомы «запилены до дыр», а чем-то новым в этом случае может стать хорошо забытое старое. К тому же, вышеупомянутое шикарное звучание «Kill Or Get Killed» лично для меня стало весьма важным плюсом этого вполне неплохого релиза.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| После двух очень сильных релизов «Hymns For The Broken» (2014) и «The Storm Within» (2016), нового творения шведских darkprog-металлистов пришлось ждать почти два с половиной года, и на то есть свои причины. Очевидно, сыграла роль тщательная проработка новых песен, дабы не уронить планку последних работ, но также были и другие факторы. Например, разграбление личной студии музыкантов и утрата уже записанных трёх вокальных трэков, что слегка отсрочило запись и, соответственно, выпуск «The Atlantic».
Но и на этом злоключения лидера группы Тома Энглунда не заканчиваются – ведь параллельно с записью опуса своей основной группы ему пришлось в срочном порядке петь на новом альбом Redemption и даже сниматься в клипе в его поддержку. Помимо всего прочего, с момента выпуска «The Storm Within» он развёлся с женой Кариной, которая была его творческим спутником с самого первого альбома, и вокальные дуэты с которой были хоть и не ключевым, но достаточно эффектным творческим инструментом. Несмотря на то, что пара эпизодических фрагментов, очень похожих на женскую подпевку, на альбоме всё-таки присутствуют, бывшая жена «шефа» даже как гость в буклете не числится…
Но главное, к счастью, что свою задачу по созданию достойного продолжения двум последним релизам группа выполнила вполне успешно, и все фирменные «фишки» Evergrey на месте – это и трагический, эмоциональный вокал Тома (который в разы интереснее здесь, нежели в Redemption), фирменная меланхолия, достойный технический уровень всех музыкантов и просто восхитительные аранжировки. Надо сказать, что саунд на новом альбоме превзошёл все ожидания и теперь я не побоюсь назвать его лучшим в современном прогрессивном металле. Немаловажную роль в этом сыграл именитый Джейкоб Хансен, в очередной раз сделавший отличный микс.
Аранжировки, опять же, выполнены не громоздко, но достаточно плотно и с изысканным вкусом. Клавишные не выпирают, но всегда интеллигентно подчёркивают мелодию, лишь иногда выходя на первый план (кстати, небольшое клавишное соло тоже есть, но лишь в одном трэке). Ну, и прочным музыкальным фундаментом являются очень интересные партии ритм-секции, которые хорошо разнообразят плотные гитарные риффы, стилистически относящиеся преимущественно к djent и groove metal. И лишь чуть усложнённая структура композиций (как ни странно, две самые длинные и сложные песни открывают альбом) и фрагментарно «кривые» музыкальные размеры подгоняют группу под прогметаллическое лекало. Помимо клавиш, настоящее аудиофильское наслаждение доставляют мелкие, но удачные детали звуковой картины – это шумовые и речевые сэмплы, немного электроники, наслоения гитарных партий. Одним словом, саунд выше всяких похвал!
Сами песни, в основном, также весьма хороши и достаточно тяжелы, о чём говорят закрывающая альбом при-джентованная «The Ocean», где в концовке нашлось место даже гроулу (правда, на далёком бэкграунде) или конкретно грувовая «Weightless». Но чуть больший акцент на риффы всё-таки лишь условный – красивый, атмосферных фрагментов, создающих особое настроение, тоже хватает. Чего стоит одна уносящая в пинкфлоидные высоты концовка «Currents»! И, конечно, лирическая составляющая тоже сыграла важную роль – полубаллады представлены в виде блестящей «End Of Silence» и просто неплохой «All I Have». Так что, фанаты группы должны быть как минимум не разочарованы.
Но всё же надо отметить, что в плане качества музыки идеальны далеко не все композиции – минутная инструменталка «The Tidal» звучит не совсем полноценно, на первый взгляд бодрая «A Secret Atlantis» грешит самоповторами (да и просто излишними повторами одних и тех же музыкальных фраз), в «The Beacon» можно услышать некоторую творческую усталость и вялость, а «The Departure» и того хуже – попахивает халтурой… Так что, «The Atlantic» я бы назвал лишь неплохим дополнением к «Hymns…» и «Storm…», которое слушается хорошо, но уже к следующему релизу нужно что-то менять. И пусть семейные драмы господина Энглунда принесут ему не уныние, а творческие силы для создания новых мрачных, но искренних опусов.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Время, как основа изменения в этом мире, имеет движение к раннее неизведанному, тем самым оказывая влияние на всё существующее в нём, и безусловно, творение как прозрение творца на окружающую изменчивость, таким образом перерождается, выходя за привычную частоту. Работа питерской команды Amatory получившая название “Шесть” показательно демонстрирует, что возможно продолжать путь, делая шаги там, где не ступал.
Говоря о музыкальной составляющей отмечу, что работа получилась довольно качественной, что собственно всегда и отличало группу от большинства массового засилья альтернативы. Конечно же, не стоит отрицать и довольно глубокого проникновения в творчество и данного веяния… Но всё же… Музыканты всегда стремились делать западный вариант, нежели творчество убитое ограниченностью сознания.
Возвращаясь к работе “Шесть”, примечательным, конечно же, является полный отказ от экстрим-вокала, упор на мелодичность, даже более коммерциализированное звучание не станет лишним в представленном, но собственно по такому пути и существует современный тяжёлый рок на западе, музыканты создают моду и варятся в ней. Здесь же попытки выйти из знакомого звучания, конечно, в первую очередь вынуждены, так как вокал Славы Соколова не столь привержен брутальной кульминации. Тем не менее, это дало нечто новое, благодаря чему группу можно воспринимать не как часть субкультуры некогда ушедшей в небытие, а как всё же создателей, ищущих вибрации во множестве.
Альбом “Шесть” отличается довольно насыщенной электронной мелодикой, это уже не столь обреченное непонимание мира, в котором существует каждый, кто способен не быть как все. Это слова о том, что же будет дальше, куда способен стремиться творец, каждый раз познавая что-то. Работа питерцев, несмотря на всеобщее непонимание с одной стороны фэнов, с другой тех кто не привык смотреть дальше своего мнения, показала, что путь изменчив, но, лишь делая шаг в неизведанность, ты способен что-то сказать.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.