Созвучность названия с одним всемирно известным арабским словом уже сыграла злую шутку с этими выходцами из Новой Зеландии – вскоре, после известных событий сентября 2001 года, группа, впечатлившись кадрами из Нью-Йорка (или же «добровольно-принудительно», под влиянием Warner Bros.) сменила вывеску на Pacifier. Впрочем, выпущенный под ней единственный альбом, несмотря на наличие в «credits» таких имён, как Джош Абрахам, Скотт Вайланд и DJ Lethal, мало того, что «провалился в прокате», так ещё и вокалист Джон Тугуд вскоре отвесил в его адрес красноречивые «overproduced» и «bullshit», после чего, спустя пару-тройку лет, старое доброе имя было успешно восстановлено. Помимо этого, в биографии коллектива есть и не менее интересные факты. Кроме завидной стабильности состава (последний исход-приход в группу датирован аж 1991 годом), Shihad могут похвастаться тем, что первый «выход в свет» произошёл под чутким началом на тот момент новоиспечённого гражданина Новой Зеландии Джеза Коулмана. Сами музыканты рассказывают о процессе записи того альбома лишь в общих чертах, но сопоставив особую репутацию вокалиста Killing Joke с тем фактом, что после этого они с ним не общались почти 20 лет, а когда, после предложения барабанщика Тома Ларкина вновь с ним поработать, уже упомянутый Тугуд выкатил веское «к чёрту его!», выводы делаются сами собой…

Впрочем, те самые 20 лет не прошли даром. Коулман бросил пить, что явно повлияло на согласие группы вновь с ним поработать, а в творческом плане наворотил столько всего, что описывать страшно. Деятельность же Shihad в «нулевых» с её ярко выраженной синхронизацией с пульсом рок-мейнстрима была, как бы сказать… весьма отчаянной, и музыканты не чурались никаких методов. Нужен опытный гуру? – всесильный Алан Молдер вам в помощь! Разрядить свою типичную плотную ритм-секцию до вполне себе модерновых «фишек» с налётом post-punk-revival - да кто же нам запрещает?! При всех этих входных данных, воссоединение в студии со старым добрым знакомым – шаг любопытный и даже намекающий на некую усталость от сложившихся условий.

Безусловно, при всей относительной предсказуемости конечного результата, вряд ли кто-нибудь ждал возврата группы к кондициям 20-летней давности, к тем самым временам первой коллаборации с Коулманом. Shihad того периода выглядели самобытной, но очень «сыроватой» версией ранних Helmet – те же самые нойзовые диссонансы, искрящиеся поверх увесистого сухого риффинга. Однако, альбом хоть и страдает определённым ретроградством, но весьма положительным, что защищает его от большинства избитых за последние 20 лет приёмов. Наверное, так, с отдельными нюансами, и должен был звучать ещё следующий за «Killjoy» полноформатник, не решись группа «продаться» в первый раз... Что немаловажно, на «FVEY» (кому интересно, это отсылка к «Five Eyes» - союзу разведок 5 стран: Великобритании, США, Новой Зеландии, Австралии и Канады) Shihad и по концентрации хитов оставили далеко позади самих себя из 2005 года – на том альбоме, уже тридцатилетние дядьки с самого начала взяли настолько молодецкую прыть, что после «экватора» натурально выдохлись. Группа образца же 2014 подобных ошибок себе не позволяет – она поступательна, расчётлива, даже, если хотите, высокомерно вальяжна - скоростные партии и те предельно дозированы и, как кажется, вводятся крайне неохотно. Что же до минусов… Они могли БЫ появиться, загорись группа желанием оттянуть хронометраж ещё на сколько-нибудь. Но даже прилагаемые в лимитированной версии бонус-треки настолько хороши, что за их присутствие в «основе» альбома, я был бы готов простить ему и возможную утомительность от 15 песен.

В одном из интервью периода записи альбома, музыканты пошутили (а может и нет...), сравнив работу с Коулманом с «тренировкой». Учитывая склонность Shihad к «свободному полёту», невольно задумываешься: уж не устанет ли группа от этой тренировки и установленного во время неё «режима» настолько, что её снова потянет «на волю»?

Tomahawk  12 июн 2019

Первое, что бросается в глаза на третьем альбоме этих малоизвестных «мазафакеров» из Индианы – количество песен. Подобная щедрость более характерна для того же грайндкора или для прочих «лаконичных» жанров, но в ню-метале, как минимум, вызывает удивление… Правда, отбросив всякого рода сантименты, стоит признать, что с качеством «начинки» на предшествующих альбомах Downbreed были, мягко говоря, проблемы – размашистый, но незатейливый поток риффов с явным грув-металлическим привкусом в стиле тех же Soulfly не давал группе ни единого козыря. Но в этот раз, мало того, что «пронесло» - так ещё и похвалить, оказалось, есть за что. Если прежде Downbreed как будто стеснялись разбавлять свою шквальную ритм-секцию хоть какими-либо намёками на мелодичность (помнится, на дебютнике в «Takin’ it All» и «Six Feet Under» они всё же дали «слабину»), то здесь все их новоприобретённые достоинства словно подчёркивают уже давно имеющиеся – оказывается, что технически группа «оснащена» достойно, а вокалист Джефф Конн не только хорош в минуты остервенения, где ненароком срывается в Chad Gray-style, но и своими чистыми распевками.

Впрочем, старые вредные привычки оказались ой как живучи, и ребята от всей души харкнули себе «в тарелку», забив половину хронометража тем, что успеха им ранее не приносило, а в данный момент выглядело настоящим преступлением. Как бы то ни было, скрестив пальцы, и при всех недостатках – «Killing the Drama» не просто самый заметный релиз группы, но и в некая хрестоматия всей их недолгой карьеры. Набравший немало клише постепенно затухающего тогда стиля (и далеко не самых худших, попрошу заметить, клише!), альбом может стать неплохой находкой для любителей покопаться в забытом и малоизвестном. Ну, а вопрос о дальнейших перспективах Downbreed оказался снят по причинам отнюдь не музыкальным – в 2003 году басист Сэм Ханикатт погиб в автокатастрофе.

Tomahawk  12 июн 2019

Споры об «опопсении» групп, представляющих жанры, которые в большей или меньшей степени претендуют на ярлык «тяжёлых», уже давно перешли в разряд чуть ли не философских. Вечный вопрос о первичности предложения или спроса здесь так же остаётся открытым. Равно, как и о количестве «старых» фанатов Primer 55, которых схватил приступ после релиза сингла «This Life» с третьего по счёту альбома. Как говорится, не они первые, и они же далеко не последние – уж если крест «продажности» на тот момент несли и первопроходцы в виде Korn, то что говорить о последователях?

Тот же самый рэпкор, без преувеличения, эталонный образец которого представили Primer 55 за год до этого, к тому времени за полную «десятилетку» прошёл полный цикл развития – от статуса «нечто нового» с подачи Anthrax и Beastie Boys, через политические и остро-социальные манифесты Rage Against the Machine и Downset, до окончательного развенчания ореола «опасности» при активном участии Limp Bizkit или того же Kid Rock’a (и Lin… Ладно, не будем лишний раз их называть). Собственно, наверное, это и имел ввиду гитарист Бобби Бёрнс, выдав уже классические по своему типу заявления о «куче пластиковых групп» и о намерении «вернуться к корням». Однако, забегая вперёд, можно сделать вывод, что его слова имеют отношение к обозреваемому альбому с большими оговорками. Если короткое и очень красивое интро на пианино ещё способно заинтриговать, то последующее начинает вызывать ощущение дежа-вю, причём, не в самом лучшем смысле. Сколько альбомов, начинающихся с хит-сингла и продолжающимися откровенными филлерами мы уже слышали? Дабы не быть голословным – «Growing» и «Tricycle» хоть и задуманы взять слушателя агрессивным напором, но мы-то знаем, как Primer 55 это делать умеют (см. «Introduction to Mayhem»), плюс, тот самый «пластмассовый» звук изрядно крадёт «градус». Впрочем, просвет замаячил довольно скоро – да, не в виде действительных хитов, но всё же: и «Pills», и «Lessons» радуют не только простым, но запоминающимся риффингом, но больше всего полуакустическим, почти фанковым обрамлением куплетов. И скромно промелькнувший флюгельхорн в 7-й песне оказался лишь первым звоночком – тут же, казалось уже оформившийся вектор альбома разносится в пух и прах – если интерлюдия и могла сойти за откровенное баловство («Кому-то волынкой дудеть можно, а нам мандолиной брынчать нельзя? Фи!»), то дальше всё подаётся насколько вкусно и основательно, настолько и неожиданно. Связка из «Lou Evil», где на «саббатовский» блюз спускается целая свора духовых, и фанковой «Hesitation» оставляет чёткое ощущение, что кое-кто решил потоптаться на полях небезызвестных Fishbone! Да, без фанатизма и без ухода в их фирменный жанровый винегрет, но всё-таки?!

И пусть подобная дерзость стала акцией разовой, но после неё альбом словно вздохнул полной грудью, завершившись разными по содержанию, но одинаковыми по убедительности песнями – если «My Girl» и «All in the Family» уверенно восполняют недостаток в поп-припевах, то «Ricochet» удивляет чуть ли не самым настоящим «прихардкоренным» Slayer’ом, а корни «No Sleep» растут (иронично) в «Roots» Sepultura. Кстати, именно в этой песне сбивками напоминает о себе бывший барабанщик Helmet Джон Стэньер, который, что ожидаемо, обошёлся без излишних «извращений», коими он отметился на прошлом месте работы.

И всё-таки… Будь «55-е» чуть посмелее и поудачливее – получилось бы у них занять нишу, абсолютно невостребованную в жанре? Нет, конечно, они не должны были становиться кем-то, вроде «Bloodhound Gang/Fishbone/Sugar Ray от ню-метала». Но смогла бы, например, «Texas», закрути её основу на том же кантри (обязана же группа из Кентукки помнить о корнях?), превратиться в поп-сингл, текст которого подчёркивал бы ироничность, а не давил бы вычурной пошлостью? Вполне. Но насколько оправданы подобные требования – вопрос из разряда упомянутых в начале рецензии…

Tomahawk  12 июн 2019

Крайне редко встречаются альбомы, которые гениальны от самой первой и до самой последней песни. Но это, пожалуй, тот самый случай.

Испанский коллектив Tierra Santa в нашей стране не особо известен, но, тем не менее, в среде ценителей качественного хэви-пауэра его многие знают и любят.

«Tierras de leyenda» («Легендарные земли») - пластинка тонко продуманная, несмотря на то, что это - всего лишь третья по счету студийная работа группы. Проходных треков вы здесь не найдете – все композиции талантливо сыграны, гитарные соло необыкновенно мелодичны и красивы. Может быть, Анхель и не дотягивает по своим вокальным данным до Брюса Дикинсона или Роба Хэлфорда, но голос у него действительно приятный: необычайно чувственный и проникновенный в балладах и напористый - в боевиках.
Тексты песен, по традиции, посвящены историческим событиям, мифам и легендам.

Открывает диск короткое интро «La tormenta», за которым сразу же следует бронейбойная атака в лице «Tierras de leyenda».Этот «хит на все времена» команда до сих пор с успехом исполняет на всех своих концертах.

Далее в ход идет еще более тяжелая артиллерия. Композиция «Sodoma y Gomorra», припев которой намертво врезается в вашу память буквально с самого первого прослушивания, отпустит вас еще очень нескоро.

После мелодичного боевичка «La canción del pirata (Part I)» («Песня Пирата (Part I)») вас ждет душещипательная баллада «La canción del pirata (Part II), в которой наиболее полным образом раскрываются вокальные возможности Анхеля. В этой теме звучит лирика испанского поэта эпохи романтизма XIX века - Хосе де Эспронседа.

«El secreto del faraón» перенесет вас в эпоху Древнего Египта, а среднетемповый эпик «La momia» со сложными и завораживающими гитарными партиями и все с тем же экзотическим египетским колоритом лично у меня почему-то сразу вызвал ассоциации со знаменитыми британцами Iron Maiden. Впрочем, ничего удивительного в этом нет, поскольку музыканты, вроде, никогда и не скрывали своего восхищения этой группой.

Если вдруг вы уже успели заскучать, то скоростной и забойный номер «La torre de Babel» не позволит вам предаться унынию - под эту песню очень здорово трясти башкой.

Безумно красивая эпическая композиция «Una juventud perdida» («Потерянная молодость»), которая посвящена всем матерям погибших солдат, которые отдали свою жизнь за интересы Аргентины, едва ли сможет вас оставить равнодушными: лиричное фортепианное вступление, нежный, чувственный голос Анхеля… Можно подумать, что нас ждет еще одна баллада… Но нет! Дальше музыка постепенно набирает обороты, появляется напор, в силу вступают гитары, а припев начинает постоянно крутиться у вас в голове.

Еще один шедевр этой пластинки «La caja de Pandora». Скорость, яркая, запоминающая мелодика, хитовость – именно за эти качества фанаты любят Tierra Santa, и все вышеперечисленное вы здесь найдете.

Завершает этот примечательный альбом крышесносящий боевик «El caballo de Troya», который надвигается на вас, как торнадо и сносит все на своем пути.

В общем, если вы по каким-то причинам еще не познакомились с творчеством этих испанцев, то срочно исправляйте ситуацию!
Уверена, что данный диск подарит вам такую огромную порцию металлического драйва и угара, что положительных эмоций вам точно хватит еще надолго.

Elena_Kalistka  11 июн 2019

Когда мы, начинающие меломаны, только-только выскочившие из-за школьных парт (кто-то чуть раньше, кто-то позже) во второй половине 70-х годов, слушали забугорную рок-музыку первой половины 70-х, мы даже не могли себе и предположить, что слушаем самую лучшую, самую настоящую, самую искреннюю тяжёлую музыку, которая когда-либо будет дарована человечеству. Нам-то ведь представлялось, что это всего лишь начало рок-музыкальной эпохи и впереди нас ожидает вечность! Это сейчас мы в силу прожитых лет и какого-никакого жизненного опыта понимаем, что, как бы это ни было грустно и даже прискорбно, но именно тогда в тех самых 70-х годах всё это веселье и закончилось. Одновременно с нашей юностью. А музыканты тех старых групп, что мы слушали, для нас нынешних будут представляться в образах почти что святых, и по сей день оставаясь такими, какими они выглядели на обложках своих пластинок. Даже те, при упоминании имён которых мы когда-то корчили гримасы или как-то иначе выражали своё брезгливое "фи".
Ах, что это были за люди! Они записывали по два альбома в год, мотались с нескончаемыми гастролями по всему земному шару, зарабатывая огромные деньги, предавались всем доступным прелестям жизни и неизбежно несли потери в своих рядах. Кто-то раньше времени сходил со своей звёздной орбиты, кто-то вопреки логике и жизненной необходимости продолжал на своей вращаться, медленно и незаметно погружаясь в забвение.
Как много они успевали! Но самое главное - они умели делать великолепную, а порой просто гениальную музыку. Из скудного студийного оборудования они умудрялись выжимать максимум и записывали пластинки-шедевры. Хотя и не все. И не всегда. И потом, для того чтобы получился настоящий шедевр, непременно должны были сложиться определённые обстоятельства.
Когда в ходе их дебютного американского тура, совместного с уже достаточно опытными бойцами из Mott The Hoople, группа Queen понесла невосполнимую потерю - Брайан Мэй был госпитализирован с острым гепатитом, как раз-таки подобные обстоятельства и сложились. Гастроли были прерваны и трое оставшихся не у дел музыкантов были вынуждены заняться подготовкой материала для будущего альбома. Отталкиваясь от предыдущего LP ("Queen II"), но с учётом корректировок от продюсера Роя Т. Бейкера. И по сложившейся традиции - каждый сам по себе. Едва пришедший в надлежащую форму Б. Мэй вернулся в обойму квартета и все вместе они собрались в Trident Studios, что располагалась в фешенебельном районе Soho английской столицы, случилась новая беда. Мэй опять сломался и загремел на больничную койку уже с другой напастью. Этот 1974 год был явно не годом гитариста группы Queen. Под гнётом таких сложившихся обстоятельств мало бы кто не прогнулся. Каким-то невероятным образом Р.Т. Бейкер сумел тогда мотивировать оставшихся в строю музыкантов, группа кружила по разным лондонским студиям в поисках свободного места и времени, и при этом умудрялась что-то нарабатывать для своей новой пластинки. Когда же в состав влился Б. Мэй со своими набросками, программа стала вырисовываться в очевидном хард-роковом направлении.
Была ли там твёрдая продюсерская концепция, или всё это было навеяно ситуативно, но в меньшей степени прогрессив и в большей аутентичный арт-рок предыдущего диска "Queen II" оказались замещены ярко выраженным hard rock. И даже hard&heavy, который тогда по сути пребывал в самом начале своего развития ("Brighton Rock" и "Now I'm Here"). Замысловатая комбинаторика хард-рока и симфо-рока явилась основой нескольких композиций Фредди Меркьюри ("Flick Of The Wrist", "Killer Queen" и обе части "In The Lap Of The Gods").
"Sheer Heart Attack" следует считать во многом новаторским, но по большому счёту переходным альбомом к тому звучанию Queen, которое будет свойственно группе ближайшие пять лет. Некоторые номера были задуманы и даже опробованы ещё ранее. Так, скажем, тот же "Brighton Rock" Б. Мэй подготовил к LP "Queen II" в несколько иной интерпретации, а "Stone Cold Crazy" у Меркьюри был задуман ещё в до-куиновские времена и только на "Sheer Heart..." эта миниатюра была воплощена в жизнь в суматошном темпе, где вокал Фредди едва поспевал за разгорячённой гитарой Брайана. Этот этюд в разных вариациях ещё ранее не раз исполнялся группой на их концертах. Любопытно, что текст его неоднократно редактировался, к чему были причастны все участники квартета, потому у этой вещицы такой необычный авторский состав.
Шумно-балаганный фокстрот-микс "Bring Back That Leroy Brown", где Мэй играет на гавайской гитаре и банджо, Джон Дикон на классическом контрабасе, а Фредди Меркьюри бряцает на пианино в манере "honky-tonk" тапёра образца 50-х годов, а все вместе на две с половиной минуты воссоздают ретро-атмосферу, сменяет задумчивая композиция "She Makes Me..." с умиротворяющей пасторальной глубиной в духе Barclay James Harvest. Здесь Мэй и Дикон дуэтом играют на акустических гитарах, а финальная фаза этого трека по меткому выражению одного солидного музыковеда переходит в "нью-йоркский звуковой кошмар" с тревожным воем полицейской сирены, ощущением погони и тяжёлым дыханием смертельно раненого беглеца...
Короткий этюд Брайана Мэя "Dear Friends", легкомысленная песенка Джона Дикона "Misfire" и невероятно роскошная фантазия "Tenement Funster" Роджера Тэйлора как важные кусочки мозаики продуманно встроены в многоцветную панораму этого альбома. И тот факт, что Брайану Мэю в какой-то части номеров пришлось, что называется вдогонку добавлять свои гитарные партии, равно как и вокальные (хотя мы знаем, что Брайан так себе вокалист) к тому и без того восхитительному многоголосью, что уже было "напето" прочими участниками группы, никак не сказался на конечном качестве программы этой пластинки.
Вопреки непростым обстоятельствам "Sheer Heart..." получился самым тяжёлым, но на удивление разнообразным, в меру помпезным, но умело сбалансированным, с отменными аранжировками альбомом Queen. Популярный в те годы английский еженедельник "Disc" по итогам 1974 рок-года оценил "Sheer Heart Attack" как третий лучший LP года, и в своём многолетнем списке 60 Top Albums поместил его на 24 место. Это была высокая оценка авторитетного издания.
ВВС отмечала: "... они (Queen) расширили современные методы музыкального производства до полного совершенства со своим вокальным хоровым многоголосьем и разнообразием гитар, театрально-водевильным вокалом Фредди... Это тот самый альбом, где Queen обрели свой истинный образ".
Историк современной музыки Пол Фаулз (Paul Fowles) в своей "Concise History Of Rock Music" позже напишет, что "в "Sheer Heart Attack" группа со всей очевидностью сфокусировалась на Фредди Меркьюри, как грядущем лидере Queen и культовой фигуре певца и фронтмэна на ближайшие годы".
Завершающий фрагмент "In The Lap Of The Gods" в окончании программы звучит как стадионный гимн футбольных болельщиков. Этой композицией группа нередко завершала свои выступления и вместе с Ф. Меркьюри стоя и вдохновенно скандировал весь многотысячный зал или стадион. И это было потрясающе.

МихаилБогданов   8 июн 2019

Эти норвежцы никогда не ходили прямыми путями. Первые их альбомы, соединившие в себе ярость блэка и мечтательность Bathory времён "Hammerheart", отличались от остальной трушной норвежской черни тех лет так же разительно, как отличались Pink Floyd от прогрессивщиков своего времени.

Это уже потом, в 2000 году вышел "Mardraum", который по-прежнему остаётся самым странным альбомом Enslaved. Куда его только не определяли – технический дэт-блэк, прогрессивно-авангардный метал, арт-метал…

Именно тогда эти мечтательные норвежцы и начали заигрывать с атмосферной психоделией. Последующие альбомы при непохожести на что-либо ещё, были выдержанны в похожем стиле относительно друг друга.

И вот приходит 2012, и Enslaved выпускают монументальный "RIITIIR", на котором органично соединяют эксперименты с атмосферой, тяжестью и нестандартным подходом к написанию песен, подытожив поиски с начала 2000-х. Тогда же группе и стали инкриминировать похожесть на шведских монстров прог-дэта Opeth. О прямом закосе никто не говорил, однако в музыке всё же были моменты, которые заставляли подумать, что Enslaved пытаются заместить ушедших в прог-рок Акерфельдта сотоварищи.

Следующий полноформатник "In Times" стал последним для прекрасноголосого клавишника Хёрбранда Ларсена, который достиг там вершины своей вокальной карьеры. Собственно, ничем особым этот альбом больше и не запомнился.

И вот – свеженький релиз от норвежских философов.

Что бросается в глаза при первом прослушивании – музыка стала более расслабленной, созерцательной. Без преувеличений, такой расслабленной (по меркам Enslaved) пластинки у них ещё не было. Новый поющий клавишник Хакон Винне обладает более мягким тембром (кстати, местами похожим на голос Микаэля Акерфельдта из Opeth) чем Хёрбранд Ларсен. Однако это не делает музыку вторичной или попсовой. Это всё тот же Enslaved, просто слегка успокоившийся. Грултле Хьёльссон хрипит всё так же ожесточённо и яростно (да, да, всё те же энслейвдовские контрасты спокойной музыки и яростного скримагроула), гитары всё так же мягко обволакивают, гармонии всё так же заковыристы и необычны, лирика всё так же отстранённа и замешана на нордических верованиях и философских размышлениях о собственном месте среди бытия.

Открывается альбом монументальной и возвышенной "Storm Son". Группа выкладывала эту вещь в сеть до выхода альбома. Для её композиции характерны очень резкие смены настроения, ритма и размера. В целом, задаётся созерцательный настрой всем последующим полотнам.

"The River’s Mouth" – мощный боевичок, с уверенным ритмом и хоровыми вставками. Есть ощущение, что сама композиция откуда–то из предыдущих релизов, в целом, наиболее энслейвдовская вещь на альбоме.

"Sacred Horse" – трек-оборотень. Бодрое викингское рубилово в начале сменяется атмосферным, пульсирующим хором в средней части, и потом снова возвращается в викингское рубилово. При этом ни один из элементов не размазывает общей картины. В итоге, имеем одну из лучших композиций в дискографии Enslaved.

"Axis Of The Worlds" – прямое цитирование Opeth. Ранее норвежцы не позволяли себе напрямую ссылаться на шведских коллег. Но поскольку шведы сейчас сменили стиль, Enslaved видимо решили всё же развить кое-что из их наработок, приправив собственными идеями и мелодикой. Результат спорный, песня хорошо звучит в контексте альбома, но вот будет ли звучать отдельно – время покажет.

"Feathers Of Eohl" – экспериментальная композиция в необычном музыкальном размере. В наличии горловое пение, закольцованный гитарный ритм, красивый чистый вокал, чем-то неуловимо напоминающий Muse. Одна из самых расслабленных композиций на альбоме – тут тебе и отсылки к Pink Floyd, и к Anathema позднего периода… При этом, как уже говорилось ранее, плагиатом и не пахнет – это 100% Enslaved.

"HIindsiight" – ещё одна «умиротворяшка». Несмотря на резкие перепады настроения, необычную гармонию, и резкий гроул Хьёльссона, музыка спокойна и красива, а в середине имеется весьма уместное соло на саксофоне. В паре с предыдущей композицией является музыкальной квинтэссенцией всего альбома, и лучше всего передаёт настроение. В музыке присутствует явный диалог с творчеством Дэвина Таунсенда времён "Terria" и "Synchestra". Особенно это проявляется в конце композиции. В общем, одна из красивейших вещей на альбоме.

"Djupet", что в переводе c норвежского означает «бездна». Мрачное атмосферное интро с жутковато звучащим текстом на норвежском переходит в качовое рубилово с надрывным скримом и очень мощной ритм-секцией. Думовая концовка песни явно родом с "Isa" или "Below The Lights". Светлый альбом завершается мрачно и тревожно.

"What Else Is There" - кавер на электронных норвежцев Röyksopp. Просто качественный кавер, с "парадайзлостовским" вокалом, и атмосферными гитарами.

Общее впечатление от альбома двоякое. С одной стороны – это новая композиторская грань Enslaved, с другой – в некоторых песнях чересчур резкая смена настроений, ритмов, размеров. Новый вокалист звучит в разных песнях по-разному, так что непонятно – нарочно это сделано, или же он талантливый имитатор. Музыка ближе к "Monumension" общей психоделичностью и направленностью на атмосферность, но в то же время есть однозначные хитяры вроде "The River’s Mouth", которую можно добавлять в золотой фонд группы рядом с "Isa" и "Return To Yggdrasil". Также смущают явные отсылки к Opeth, Anathema и Таунсенду, что ранее не было свойственно Enslaved.

Проблема в том, что этих норвежских мудрецов невозможно мерять общепринятыми рамками – каждый альбом создаёт собственный стиль, свойственный только этой группе, а раз нет чётких привязок, вердикт один – слушать, авось когда-нибудь станет понятно, что в этой музыке к чему…

Любителям «умного» метала обязательно к прослушиванию, возможно это самый необычный альбом 2017 года в прог-метале.

Faustzp   6 июн 2019

В 1755 году в Лиссабоне произошла трагедия, которая перераспределила влияние Португалии на собственные колонии, и надолго задвинуло морскую державу во второй ряд европейских стран. Речь идёт о чудовищном по силе землетрясении 1-го ноября, которое убило 80 тысяч человек за 6 минут. Довершили дело пожар и цунами.

Всё вышесказанное уже является достаточной причиной, чтобы самая именитая группа из Португалии отреагировала на это самое жуткое событие в истории своей страны.

Они и отреагировали. И высказались. На родном языке.

Разбирать это полотно довольно непросто. Несмотря на очень чёткие музыкальные образы, для Moonspell совершенно нехарактерен оркестр (пусть и сэмплированный), а лирику на португальском в гугл-переводчике читать не слишком удобно.

Однако альбом получился знаковым. Можно сказать, что Moonspell впервые вышли за пределы собственного стиля. Это уже не первый для них концептуальный альбом. Ранее были относительно библейский "Sin\Pecado", и "The Antidote", навеянный одноимённым сборником новелл Жозе Луйша Пейошту. Однако это первый альбом с действительно сквозной событийной линией.

Несмотря на тематику, странно было бы ожидать от Moonspell брутал-дэтовых изображений кровищи, увечий и прочей расчленёнки. Из того, что удалось разобрать в текстах – Фернанду Рибейру живописует крушение духа и веры в людях в эпицентре катаклизма. И самым парадоксальным является то, что тексты песен напоминают скорее фаду, чем дарк-метал, который обычно приписывают группе. Да, весь альбом построен на обвинениях небу, которое допустило гибель целого города, не вмешавшись.
Как никогда ранее, полноформатник пропитан национальным колоритом. Были эксперименты на эту тему и на "Wolfheart", и на "Irreligious", и на "Under The Moonspell (Under Satanae)", однако такого изобилия не было никогда. Отдельно хочется похвалить работу с хором, который на протяжении всего альбома создаёт контрапункт с брутальным рёвом Фернанду, и воплощает собой религиозность Португалии того времени.

Нет смысла подробно расписывать музыкальные достоинства каждой композиции. Из общего ряда сильнее всего выделяются "Em Nome do Medo" (порт. "во имя страха"), с совершенно Elend'овским подходом к оркестровке, "In Tremor Dei" (ит. "в трепете") где погостил известный в Португалии исполнитель фаду Пауло Браганца, добавив ещё больше колорита и тревожности, потрясающе яростная и качовая "Desastre" (порт. "бедствие"), и печальная, но светлая "Lanterna dos Afogados" (порт. "утонувший маяк"), единственная песня где есть чистый вокал Фернанду. Остальные логично развиваются одна из другой, и периодически выстреливают то ярким оркестром, то гитарным соло, то тревожным хоралом.

Так что же преподнесли слушателю португальцы на сей раз? Ведь от них почему-то всё время ожидают второго "Wolfheart" или "Irreligious"… В итоге имеем очень цельный музыкально и лирически альбом, с математически точно выверенным участием электронного оркестра, и монолитным единством общего замысла. Понравится разумеется не всем, ведь Elend сейчас мало кто помнит, а вот Septic Flesh знают все. Однако Moonspell продолжают торить свою дорогу, где нет ни одного похожего альбома, и где, не теряя собственного творческого почерка, группа постоянно эволюционирует сама, и заставляет меняться тех, кто её слушает.

Faustzp   6 июн 2019

Samael принадлежит к командам, которые либо слушаешь запоем, либо ненавидишь всей душой. Почти никого они не оставляют равнодушным. Причин несколько. Samael были у истоков европейского блек-метала, потом одни из первых внесли электронику в звучание, в итоге «скатились в Рамштайн какой-то», да и вообще ударка у них не живая…

Среди фанатов группы есть давний конфликт насчёт того какой альбом считать «классическим». Одни считают, что это "Ceremony Of Opposites", другие что это бесспорно гениальный "Passage", наметивший вектор всего дальнейшего творчества Ворфа и Ксая.
Я же всегда считал лучшим "Eternal", на котором группа впервые нашла баланс между тяжестью и электронной составляющей.

Как бы то ни было, истина всегда где-то посередине. И "Passage", и "Ceremony Of Opposites" вышли в годы формирования дарк-метала как стиля. В Греции уже шумели Rotting Christ, в Чехии Root выпустили гениальный альбом "The Book", а в Португалии Moonspell вовсю концертировали с "Wolfheart" и готовились к записи "Irreligious". Samael подошли к формирующемуся стилю со стороны индастриала – драм-машина, примочка на вокале, использование различных электронных сэмплов, средний темп, мрачные философские тексты.

Этим швейцарцам всегда было свойственно очень аккуратное экспериментирование в рамках прежде всего собственного стиля. Хотя и были у них такие альбомы как лёгкий "Reign Of Light", электронный "Era One", и нарочито грязно записанный "Above", где в общей каше звука простреливали фирменные самаэлевские гармонии. Но был и самый спорный в плане достоинств альбом "Lux Mundi", который ругали за отсутствие оригинальных идей.
Однако, братья Лочеры всегда возвращались к стилистике "Eternal".

Тем не менее, новый альбом – это полноценный возврат к наработкам "Passage". Осталась маршеобразность и симфоничность предыдущего релиза "Lux Mundi", однако нет проходных песен, альбом очень разнообразен и сразу западает в память. Samael заметно потяжелели, местами ускорились, даже озверели. А в паре песен Ворф вообще выдаёт весьма мощный низкий гроул, чего за ним не водилось со времён "Blood Ritual".

Условно трек-лист можно разделить на 3 основных группы песен. Агрессивные, традиционные и экспериментальные.
"Rite of Renewal", "Black Supremacy", "This World", "Dictate of Transparency" – «зубастая» часть альбома. Скоростные ритм-гитарные риффовки, западающие в голову припевы, местами бластбиты, Samael снова нащупали баланс между тяжестью и мелодичностью. При этом композиции отличаются друг от друга, и нет ощущения монотонной долбы, присущей, например, "Above".

"Hegemony", "Angel Of Wrath", "Red Planet", "Land Of The Living", бонусный "Storm Of Fire" – тот самый Samael на стыке "Passage" и "Eternal". Однако, и сэмплы посовременнее, и играют профессиональнее, и записано лучше, чувствуется приобретённое с годами композиторское мастерство. По стилю ближе к "Passage" – мрачно, монументально, мелодично. Среди этих треков не найти таких красивых номеров как "The Cross" c "Eternal" или "Western Ground" с "Solar Soul". Да и не нужны они здесь, "Hegemony" очень цельный альбом, и обладает своей мрачной и тревожной атмосферой, которую не нужно разбавлять. Да и треки расположены таким образом, что при общей похожести запоминаешь каждый.

Отдельно стоит упомянуть композицию, одноимённую названию группы – крепенький такой боевичок, с маршеобразным и мелодичным припевом.

А ещё есть три необычных для группы вещи. Это мрачная "Murder Or Suicide" с зловещим припевом и странной партией клавиш, тревожная "Against All Enemies" которая бы очень хорошо смотрелась на "Era One", и, О БОЖЕ ЧТО ЭТО, кавер на "Helter Skelter" Битлов, в котором вообще не распознаётся оригинал.

Альбом бесспорно удался. Samael реабилитировались после спорных "Above" и "Lux Mundi", сохранив статус культового коллектива. Разумеется, найдутся и те, кто скажет, мол, группа снова ничего нового не придумала, удачно процитировала себя же… Но мы ведь говорим про Samael. И говорим в то время, когда в тяжёлой музыке уже 15 лет как не было никаких глобального толка прорывов. Да и много ли выходит сейчас качественного материала, от групп, которые 15-20 лет назад стояли у истоков целых направлений? Вот то-то и оно…

Рекомендовано к прослушиванию, 9 Самаэлей из 10.

Faustzp   6 июн 2019

Для меня, как и, вероятно, для многих, Vader почти всегда был Slayer’ом, который оброс бластбитами. При этом поляки неохотно стремились играть с содержанием, ограничиваясь игрой с формой. Именно поэтому иной раз я предпочитал слушать оригинал, так как Vader предлагали по сути то же самое, да ещё не всегда могли контролировать уровень адреналина, из-за чего музыка то и дело превращалась месиво с передозом ударных. В такие моменты Slayer’а становилось, конечно, меньше, но и смысла это слушать особо не прибавлялось.

“Tibi et Igni” на первый взгляд был всё про то же, даже симфоническое интро в первой песне не озадачило. Как будто в первый раз, Господи. Вторая песня туда же. Третья, четвёртая… Крепкий, узнаваемый, одноразовый Vader. И когда ты уже морально готов закончить с альбомом на той же ноте, с какой его начал, “Hexenkessel” хватает тебя за нацминсы и настойчиво уговаривает пересмотреть свое к нему отношение. Матерь Божья, да это же почти мелоблэк! К тому же, преисполненный торжественностью и просто-таки олимпийским рвением. Дух захватывает. “Промежуточные” “Abandon All Hope” и “Worms of Eden”, конечно, пытаются вернуть звучание в русло привычного рубилова, но выходит это неубедительно, - вторую из названных тем, например, так и тянет согрешить с мелодикой. Главный столп альбома, “The Eye of the Abyss” путь “Hexenkessel” не повторяет и на мелодии достаточно скупа, но оно ей и не надо – она валит с ног величественностью и монументальностью. И это вам не беспредельное рубилово “Impressions in Blood”, о котором вспоминается в первую очередь, когда речь заходит об эпической ипостаси Vader. Бластбиты тут дозированы и на своих местах, а гитарам чужд тупой упор на мощь, зато близка вальяжность и степенность. Блин, да тут даже орган сидит, как влитой! Слышать от группы, которая, казалось бы, намертво осела в своей зоне комфорта, такие чудеса – дорогого стоит.

На то, что происходит после “The Eye of the Abyss”, уже как-то и не обращаешь особого внимания. Эйфория от услышанного настолько сильна, что даже о странном звуке и наглом плагиате в “Triumph of Death”, как главных минусах “Tibi et Igni”, говорить не хочется. Пожалуй, и не будем. Хороший альбом, молодцы.

MAX DE SADE   5 июн 2019