|
|
 |
|
| К сожалению или к счастью, время великих субкультур и сцен, кажется, прошло. В наши дни всё больший вес и авторитет обретают музыкальные формации, держащиеся вдали от каких-либо крупных сцен со строго заданными шмотками, имиджем, эстетикой и идеями. Может, оно и к лучшему – чай не нулевые. Одна из наиболее интересных и самобытных среди новых групп такого рода – питерский дуэт со странным названием «Кроль». По какой-то причине подобные отрывисто-односложные названия считаются хорошим тоном у молодых музыкантов, но ладно, сейчас не об этом.
Фирменное звучание проекта (точнее, его дебютника) представляет собой довольно-таки эклектичную смесь этно-электроники, шугейзинга и дрим-попа с небольшим привкусом эмбиента и нойза. Участники проекта также утверждают, что испытывают существенное влияние эстрадных музыкальных форм (ну не знаю, если бы такое крутили по радио, я был бы всеми четырьмя конечностями «за»). Но потенциального слушателя я всё же предупредил бы от преждевременного навешивания на группу ярлыков – потребителя аудиопродукции, привыкшего к массовым и «нормальным» звучаниям, эти звуковые полотна надолго оставят в недоумении. Ещё бы, ведь характерные «попсовые» ритмы и мелодии здесь мирно уживаются с экзотическими инструментами и эмбиентной подложкой – довольно-таки грязной и шумной, между прочим. Кстати об инструментах – в числе оных, использованных при создании альбома, заявлены перкуссия, укулеле, банжолеле, тромбон, флейта, окарина, и это далеко не полный список. Тем не менее, слушателю далеко не с первой попытки удастся различить их голоса за этим дерзким и напористым массивом звуков. Композиции варьируются от весьма бравурных и угрожающих («Подземельные песни», «Когда я умру») до довольно-таки «медитативных» («Снег», «На подземной земле»), но от этого не менее тревожных. Стоит добавить к этому также невесомый отрешённый голос Ольги «Jorgan» Рощиной, и искомая атмосфера почти нагнана. Отдельных комплиментов достойны тексты альбома – весьма своеобразные, лишённые пафоса и претенциозности, но достаточно абсурдистские и не чуждые налёта иронии. В частности, в треке «Рот» с игривым названием и «провокационным» вербальным содержанием, логически развивающим это заглавие в том же духе, прослеживается то ли случайное, то ли вполне осознанное влияние одного раннего стихотворения Ивана Ахметьева. А в качестве вишенки на торте выступает болезненно-инфантильного вида обложка, выполненная художником Аркадием Тропинкиным.
А теперь – о грустном. Альбом держит в непрерывном и нетерпеливом «ожидании чуда»; слушателю кажется, что ещё чуть-чуть, и будет она, жемчужина альбома. Но чуда не происходит, и альбом торопится к развязке, так и не достигнув кульминации. Остаётся послевкусие невыразительной в данном случае недосказанности, как будто не хватает чего-то важного. В этом плане последующий коллаб сабжа с молодой питерской певицей Юлией Накаряковой звучит гораздо более взвешенно и убедительно. Да и позднейший сингл под говорящим названием «Тьма» с его вселенским мраком, тягучими похоронными ритмами и неприкаянными псевдофольклорными текстами за авторством бессменной вокалистки и Павла Домбровского мне зашёл куда лучше (но это уже чистой воды вкусовщина). Что же до оценки, пожалуй, представленный на альбоме материал тянет на классическую «7».
|
|  |
|
|
|
|
|
| Невооруженным ухом заметно, что в современности музыканты гораздо смелее и более умело внедряют сторонние компоненты в дэт-метал, чем в годы расцвета, дерзче они и с тематиками. Вот и Gigan творит совершенно улётный космический стафф и повествует о монстрах ряда Годзиллы, Мотры и иже с ними. С музыкальной стороны это то ли элементы наркотического трипа в техно-дэте, то ли обрамление кислотного эмбиента экстремальными канвами. Большое облегчение испытываешь когда узнаешь, что не одним традиционным инструментарием создается эта спейс-вакханалия. Американцы лепят плотную и ритмичную гитарную круговерть, имеющую прототипом нойз-рок, с диссонансными акцентами и больными мелодиями, выполненными теппингом, но авангардность метода этим не исчерпывается. Как только начинаешь чувствовать выход в открытое пространство, с обнажающими космические дали гитарными соло слышишь синтезаторные омуты, а также завывающий терменвокс и добавляющий упоротости в общий котел игрушечный японский инструмент отаматон.
Саундтрэковых кусков, например живописных инструменталов в музыке коллектива практически нет, хотя первый трэк "Beneath the Sea of Tranquility" и задает альбому достаточно эпический тон. В целом музыка слишком фрагментарна и изменчива, чтобы обслуживать кинотрейлеры, ничего кроме головной боли обывателю прослушивание даже фрагментов "Multi-Dimensional Fractal Sorcery and Super Science" не принесет. Хотя, слушая подобные группы, мы в равной степени ищем испытание для восприятия и освобождение от условностей в диком экспериментальном духе. Это американцы гарантируют нам в полной мере, дышащий психоделическим дурманом и озабоченный другими галактиками дэт-метал дает карт-бланш ритм-секции, бросающейся от натурально звучащего бластбита к задорным скачущим свободным битам. Очень крут вокал, выполняющий функцию еще одного угнетающего инструмента абстрактный рык. Главное же, чем уникален данный ВИА – донельзя связным, хоть и парадоксальным, потоком космического сознания, из этих песен действительно не выкинешь ничего. То, что только намечали их соотечественики Timeghoul, было написано прописнымии буквами в летописи "другого" дэта. Творчество Gigan и "Multi-Dimensional Fractal Sorcery and Super Science" в частности полноправно являются манифестом перерожденного научной фантастикой дэта. И усложнение структуры музыки не переводит ее в разряд малослушабельной, может, ребята и балансируют на грани, но не более того...
Gigan занял свое место на карте экспериментально-техничного дэт-метала XXI века: это научно-фантастический Portal, менее серьезный, но в то же время и не балаганный, Wormed, не перенасыщающий нас брутальностью, и Ulcerate, лишенный экзистенциального груза мироздания. С последними они могут запросто поспорить, кто накачивает больше атмосферы в техно-дэт. Блеск.
|
| |
|
|
|
|
|
| Свято место королей техно-брутала, как известно, пусто не бывает. Wormed удивили: предыдущая пауза между альбомами составляла целых 10 лет, а тут через 3 года вот вам новая доза сверхточного зверства. Но, находясь на пике формы, грех отмалчиваться. Еще не успели затянуться раны и утихнуть восторги от "Exodromos", испанцы выстреливают композиционно навороченным, технически безупречным, качовым и оригинальным материалом "Krighsu". И все снова очень круто: живописный гуттурал, словно слувающий космическую пыль, а то и всасывающий ее, риффовые лабиринты, сокрушительное прессование слэмом, молотобойные ударные. Нет устали и разрядки, трэки играются наотмашь, на брейкдауны свое время отводится, но не зазеваешься, как снова риффы увлекут куда-то далеко в пространство. Но это все и так было...
И вот, чтобы не стоять на месте, Wormed взялись за оркестрирование собственных брутальных номеров. Симфонические элементы, прорастающие сквозь металическую фактуру, и вкрапления электроники дополняют технократический мир Wormed, делают его ярче и, позволю себе дерзость, гармоничнее. С ними и мясорубка неизбежно звучит богаче, рельефнее. Мудрость дедов "нельзя сделать брутал сложнее, не облегчив звучание" справедлива и тут. По-видимому, Wormed уже не будут кондовыми слэм-брутальщиками. С каждым следующим альбомом над низкостроенным крошиловом больше диссонансных штрихов, между бластинговыми секциями, где так и сяк барабанщик играет скоростями карданного вала, больше джазовых синкоп. И все ломаности, завихрения воспринимаются на "ура", испанцы умело балансируют между "мясом" и "мозгами". Но лучшие композиции диска – те, что с новым подходом, выбрасывающие в холодную бездну космоса не только металическими средствами: "Eukaryotic Hex Swarm", "A-Life Omega Point". Пиком изысканий Wormed стал самый контрастный боевик "Molecular Winds", частично повторяющий метод закрывашки предыдущего альбома – на этот раз это перекличка звенящих гитар и мелодичного бас-проигрыша с нарастающим симфонизмом. Высящиеся громады этого последнего укрепляют место испанцев в 1-ом стартовом кармане брутал-дэта. И хоть в "Krighsu" нет такой изумительной фишки, как разбрасывание разных мотивов по альбому, а потом сплетение их в единую ткань практически инcтрументала "Xenoverse Discharger", это по-прежнему высшая лига и топовый продукт жанра. Если самое ценное в жизни человека время, Wormed берегут его нам, позволяя послушать за интенсивные и накаленные до предела 35 минут как минимум 2, а то и 3 альбома, с которых мы могли бы нацедить нетривиальных композиционных решений и формалистских трюков.
Но есть у "Krighsu" и проблема. С все большим усилением всех потребительских характеристик продукта (скорости, техники) Wormed обретают все более выхолощенный, сухой саунд. "Krighsu", увы, стерилен и пластмассов более чем того бы хотелось, особенно это касается барабанов. Кристальный звук не может быть минусом, но лично я и на прошлых релизах слышал все что нужно при тамошнем уровне звукоотделки. Инородные и смежные с экстрим-металом элементы, будучи проявлением кругозора, незашоренного мировоззрения и здорового вкуса не содействуют коммерциализации какого-либо коллектива, этому, если угодно, потворствует как раз вышеупомянутый продакшен.
Как бы то ни было, Wormed остаются знаменосцами первого эшелона законченных мясников и их стиль на месте не стоит. Горестное воспоминание о кончине талантливого барабанщика Guillermo Calero, от сбивки до сбивки отстучавшего этот альбом, однако, омрачит финал моей рецензии.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не Nagelfar-ом единым в чернометалической концептуализации времен года. Тоже немцы. Тоже в частях, соответствующих сезонам. Пиратская копия этого диска долго пылилась у меня в шкафу, настал час пролить свет на плоды творчества коллектива, «Nektar – Teil I…»
.
Как оказалось, по содержанию и на этом альбоме немцы оригинальничают умеренно, больше упорно оттачивают традиционную формулу забойного мелодик-блэка с задумчивыми послаблениями. “Весна” встречает радушными потоками тремоло, в самые эйфорические моменты удивляет кивками немцев в сторону пауэр-металической героики, замедления подкупают хрустящим мелодизмом и рассудительной ударной работой. Несмотря на хороший звук, немцы позаботились о достаточной сырости блэк-метала и дума, последнюю заложив в щедром фидбэке. Вокал – компромиссное использование скриминга и гроула (второго даже поболее), чистый вокал гостит на альбоме лишь раз в виде декламации, его чаще заменяет зловещий шепот. Вроде и хорошо все, но я привык к более своеобразным вокальным проявлениям (отчаяния и ратного шарма Nagelfar, Grabnebelfürsten и Aaskereia и др.) в рамках немецкого интересного блэка и здесь на полумеры идти тоже не хочется. Да и ранняя Обдукта в вокальном плане была занимательнее, хоть и безмерно наивна.
Подлинно экспериментальную часть можно измерить и взвесить: таков экзотический симбиоз африканской перкуссии и настороженного эмбиента в самом первом сезоне ну и немного робкой электроники во втором. Что-то кроме? Не нужно. Романтическое мировоззрение Nocte Obducta все-таки довольно ортодоксально и привыкло чтить традиции, посему внятных неметалических элементов больше особо как-то и нет, музыканты добивают арт-сторону своего творчества сменами темпа, пост-рокообразными (ага!) звенящими инструменталами и тягучими гудящими пассажами. И пока еще и с исходным стилем все в порядке: гитарный костяк вдохновенен, изобразителен и харизматичен, а барабанщик бластует даже больше в дэт-грайндовом разбитном ключе и не забывает подогревать происходящее энергичными сбивками – грешно придираться. Также немаловажно, что, имея амбиции и мастеря длинные трэки, немцы заботятся сделать свою музыкальную мысль максимально бесшовной и органичной, и это им, пожалуй, удается, о чем нам кричат и “Весна” и “Зима”, последняя вообще идеально спаявший все элементы воедино номер.
Не сказал бы, что мне удалось проникнуться концепцией альбома в содружестве с вытекающим из нее звукорядом, очевидно, что возможности того инструментария, которым владеют Nocte Obducta, не безграничны, но мне в принципе понравился их поиск, умение быть и тонко чувствующими романтиками, и агрессорами, и прогрессивщиками. Только, слушая этот альбом, я немного ностальгирую по раннему их звучанию, мистики и органики там было побольше. Но этот альбом имеет еще и хороший запас прочности в плане ненадоедаемости. По меньшей мере, до 2-й части, которую немцы подогнали вскоре, продержится.
|
| |
|
|
|
|
|
| Театр, как известно, начинается с вешалки, а музыкальный альбом – с заглавия. «Таверна – в сумраке ветхого кабака», как-то так? Название в свое время сразу привлекло мое внимание апелляцией к такому неожиданному артефакту – неужели тоже что-то сродни алкоблэку? Неплоха и создающая настроение обложка. Внутри искрящийся и эмоциональный блэк-метал норвежской волны (варварская традиция в самом соку), немного дэта с думом и готические пьесы романтического мироощущения, где полноправно сосуществуют гитары и клавиши, обволакивающие слушателя и подбивающие его на меланхолию (слушатель неминуемо соглашается). Да, и еще слушателя пресыщают вербальным наполнением – текста много и он словно начитывается речитативом в наиболее черных трэках команды.
У Nocte Obducta, конечно, довольно мягкая, непротиворечивая стилистика с логичным прогрессивным наполнением; не в том смысле, что тут нет истошных воплей, грязного жужжания гитар, вездесущей стучалки – нет, экстремальные эпизоды горят ярким пламенем и впечатляют сумасбродством, но эксперименты отвечают общему мироощущению, воспринимаются как естественное продолжение базы, вырастают из нее и в нее же вливаются. Таковы готические штрихи к портрету группы или беспредельные дали эмбиента, в начале "November" последние почему-то с научно-фантастическим душком. Но и черная ткань музыки не ставит себе задачу стагнировать: музыкантов хлебом не корми – дай понасиловать гитарный саунд флажолетами.
На более дерзкие нонконформистские вещи немцы пока не идут. Впрочем, есть чудесное обыгрывание центрального риффа звонкой гитарой в ритме вальса ("Prinzessin der Nachtschatten"). Кроме того, как истинные творцы, Nocte Obducta позволяют себе развернуться в созерцательной линии своего творчестве. Квинтэссенцией оной является "November", сюита, полная эмбиента, мрачных и загадочных гитар, фортепиано, пасторальной флейты и сокрушительных железобетонных акцентов, отходная мелодичная часть вещи при этом сотрясается тремоло-бластовыми всплесками. Любопытен и загадочный дум-дэтовый инструментал по мотивам Лавкрафта с психоделическими клавишами – "Die Ratten Im Gemauer”. Второй эпик альбома – "In Erinnerung an Herbststürme" суматошнее, слушать его вы сможете с бОльшим аппетитом только после парада блэк-метальных и трэшевых риффов на 7-8 минутах, в минуты инструментальных просветления и обновления.
В общем, в раннем творчестве Nocte Obducta можно смело выделить 2 качества – суета и достоинство. И вот когда степенные акустические переборы, фортепиано, готика с психоделией окончательно поработят забойный лесной метал, тогда группа начнет создавать зрелые полотна. Ну а здесь пока рулит аутентичность и непритязательный шарм андерграундной классики.
|
| |
|
|
|
|
|
| От Bee Gees до Herman's Hermits, от Joy Division и New Order до The Stone Roses, от The Smiths до The Charlatanes, от The Fall до Oasis и так далее — список можно продолжать еще долго, — Манчестер многое дал популярной музыке второй половины XX и начала XXI века, и для артистов он был и остается особенным местом — по крайней мере, чем-то большим, нежели просто точкой на карте или очередной строкой в календаре грядущего тура. В разное время в Манчестере процветали самые разные направления и субкультуры: поп и панк, рок и хаус (привет, мэдчестер!), — но походя вспомнить успешные и востребованные коллективы с манчестерской пропиской, заведующие тяжелым и грязным гитарным звуком, не получается. При этом в отсутствии интереса к тяжеляку город упрекнуть нельзя: сцена тут есть, она своеобразна и способна удивлять. Так, именно в мекке музыки попс на излете 2010-х появилась группа, которую журналисты поспешили окрестить ни много ни мало «новым лицом хардкора». Группа называется Leeched. Аванс от медиа — лестный, жанровое определение — схематично, тем не менее вышедший в конце августа 2018-го на Prosthetic Records дебютный альбом трио ‘You Took The Sun When You Left’ заслуживает внимания.
В Leeched играют Лори Морби (Laurie Morbey, бас и вокал), Джадд Лэнгли (Judd Langley, гитара) и Том Хэнселл (Tom Hansell, ударные и вокал). Парни давно знакомы и следили друг за другом в разных манчестерских хардкор и металкор командах. Leeched они задумали как сайд-проект, чтобы в некотором смысле «отдохнуть» от основных коллективов, похулиганить и заодно попробовать что-то новое.
Собравшись весной 2017-го, уже в октябре музыканты выкатили на суд слушателей десятиминутную EP ‘Nothing Will Grow From The Rotten Ground’. Резвая, яростная, ядовитая запись тяготела к грайндкору, хотя слышались в ней и отголоски любимых и важных для манкунианцев Trap Them, Nails и Cult Leader. Кипящая злоба Leeched пришлась слушателю по вкусу, группу заметили в СМИ, и уже в марте 2018-го англичане подписали контракт с американским лейблом Prosthetic Record, в каталоге которого можно найти первые альбомы Lamb of God, записи Skeletonwitch, Gojira, Beneath the Massacre, Septic Flesh, тех же Trap Them, а также полноформатники Animals as Leaders, Kylesa, 1349, Rebel Wizard, Schammasch, наконец, французов Neckbeard Deathcamp — провозвестников набирающего популярность в США RABM (Red and Anarchist Black Metal — не спрашивайте, это отдельная история). Разумеется, после этого ни о каком сайд-проекте уже не могло быть и речи.
В апреле Leeched отправились в студию, где за пять дней записали ‘You Took The Sun When You Left’ — приблэкованный хардкор-снаряд, что за полчаса с копейками не столько разносит жанровые условности в щепки, сколько предлагает слушателю несколько сменить оптику. Характерные для жанра радикализм и агрессия никуда не делись, но на смену каноничному рубилову пришли грузные риффы с добавлением сэмплов и синтезаторов, на смену прямолинейным речевкам и плакатным лозунгам — рефлексивные, местами даже иносказательные тексты. В скелет песен то и дело вплетаются более характерные для металкора брейкдауны, вокал порой напоминает о бескомпромиссности Godflesh.
Вообще, на ‘You Took The Sun When You Left’ Leeched демонстрируют мастерское владение инструментами, материалом, темой, что можно считать большим достижением для столь молодой во всех отношениях группы. На альбоме нет ни одной проходной минуты, не то что песни, он слушается на одном дыхании и по завершении просится на повтор. Тот случай, когда ажиотаж вокруг группы и записи не напрасен и, хотя и усложняет музыкантам жизнь, частично оправдан, ведь амбиции трио тоже высоки. Станут ли Leeched «новым лицом» хардкор-поколения? Пока сложно сказать, но голос их слышен, и он выделяется. Послушаем, что будет дальше.
|
| |
|
|
|
|
|
| Начиная знакомиться с творением новой в рамках сцены группы, в состав которой входят относительно немолодые музыканты, можно задаться вопросом. А что же тут особенного? Впоследствии, продолжая углубляться, становится ясно, что состав действительно пестрит авторитетными именами участников: Элис Купер, Джо Перри (Aerosmith), ах… ну и, конечно же, Джонни Дэпп. Да да, вы не ослышались, последний не преминул приложить руку к данному проекту в качестве гитариста, а также соавтора двух композиций, к счастью, руки у него растут оттуда, откуда нужно. Но, опять же, вопрос остается открытым… Что же тут такого особенного?
Да, конечно… Собрались корифеи рока, решили сколотить супергруппу и поиграть в рок-н-ролл – но это уже было не раз, когда известные музыканты собирались вместе и создавали что-то. Примеров достаточно - взять хотя бы Avantasia, проект Тобиаса Саммета, в котором звёздных имён на порядок больше. Но здесь дела обстоят иначе. Во-первых, проект, в котором нет патриархата и руководящими моментами занимаются несколько потрясающих и талантливых личностей, а не один; речь идет о вышеперечисленных - отце шок-рока Элисе Купере, гитаристе Aerosmith Джо Перри и Джонни Дэппе, в обойме с остальными музыкантами, которые также вносят неоценимый вклад в общую копилку. Во-вторых, материал на дебютном альбоме в основном состоит из кавер-версий классики рока - тут вам и Led Zeppelin, и Pink Floyd, и ещё много чего. Тем самым музыканты отдают дань уважения далёким 70-м и не забывают окунуть туда слушателя, а вот это, на мой взгляд, главное примечание - музыкантам удаётся создать тот драйф, ту атмосферу, присущую именно тому времени, несмотря на то, что на дворе 21 век со своей технократией и проникновение неестественного в обыденность.
Оформление альбома приятно радует глаз красками достаточно яркими, но не до такой степени, чтобы претить взору, скорее, даже завораживает какой-то магией и колдовством. А вот что действительно поражает слух, а впоследствии и воображение, так это то озорство, та молодость в каждой нотке голоса Элиса Купера. В данном случае здесь можно добавить - рок только закаляет. Наиболее ярчайшей композицией на альбоме являются кавер-версия Led Zepellin “Whole Lotta Love”, которая, по моему скромному мнению, может соперничать с оригиналом, если даже не оставит его позади.
Также примечательна завершающая вещь уже авторского содержания, принадлежащая перу самой группы. “My Dead Drunk Friends” по праву можно назвать эталоном хард-рока - сочетание достаточно рваных, жёстких риффов и ярко выраженной блюзовой основы, которой, собственно, пропитан весь альбом, говорит о высоком знании дела и мастерстве участников, хотя в этом сомневаться и не приходится. Имея в наличии пока что один дебютный альбом, этот замечательный музыкальный водевиль, состоящий из ветеранов-смельчаков, возвращающих моду на крепкий рок-н-ролл, доказывает, что возраст не помеха для безумства, только сделай чуть погромче, и вперёд!
|
| |
|
|
|
|
|
| Любому музыканту тяжело раз за разом выдавать полноценные альбомы, особенно если за плечами маячат 30 с лишним лет в индустрии. Удо Диркшнайдер не является исключением, ведь в его карьере было как немало взлётов, так и падений. Вполне вероятно, что частые смены состава служат способом для обновления не только атмосферы в коллективе, но и для перемен в звучании, для введения более модных и новых течений.
С приходом в группу Смирнова и Хейккинена, музыка U.D.O. изменилась, в отличие от предыдущих трех дисков. Если "Mastercutor", "Dominator" и "Rev-Raptor" обладали пластиковым, едва ли не индустриальным звучанием, то "Steelhammer" и "Decadent" возвращают слушателя к более традиционному для гитар звуку. К сожалению искушенного слушателя и радости "старых" фанатов, последующие альбомы будут звучать более традиционно для тевтонского Heavy Metal.
"Decadent" является последним на данный момент альбомом маэстро, где ставка сделана на разнообразие. Песни, вроде "Mystery" или самой "Decadent", являют собой атмосферные и вдумчивые треки, с пилящими гитарами, мелодии которых звучат очень зловеще. Конечно, есть чисто Accept-овские песни, вроде "Untouchable" с характерными хоровыми припевами, но в целом альбом создаёт очень давящее впечатление. Сам Удо действительно демонстрируют разносторонние типы вокала, от Лемми-подобного, до насмешливо-едкого, чем нехило перекрывает свою неспособность брать такие же высокие ноты, как в молодости.
К слову, очень много проблем, связанных с вокалом, перекрывается инструменталом. Особенно впечатляет трек “Words in Flame”, где ключевая роль отдана клавишным.
С момента выхода "Decadent" прошло уже 8 лет, вышло 4 студийных альбома, на подходе очередной. Настоящему фанату вроде бы и жаловаться не на что, однако время показало, что тяга к экспериментам с годами угасла. Почему альбом 2015-ого года оказался последним в череде любопытных откровений Диркшнайдера? Виной тому, как мне кажется, смены состава, а также застой среди слушателя. Вряд ли условному фанату раннего Accept придётся по нраву баловство с клавишными, игра с разноголосьем в вокальных линиях. Это же не "Balls To The Wall", не "The Undertaker".
Но можно ли назвать "Decadent" шедевром? Нет, это крепкий альбом, который делает ставку на нетрадиционные для группы мотивы. Этот альбом не цепляет каждой песней, не вызывает желания слушать его несколько раз подряд. Но это тот самый альбом, который остаётся в памяти, с которым, спустя время, хочется сравнивать. Более того, этот альбом хочется ставить в пример. Нет, это не та запись, которая станет культовой, как "Metal Heart", но это отличный образец того, как должны "стареть" ветераны.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2018 году уместно сказать, что рок в традиционном понимании скорее мёртв, чем жив. Иначе как объяснить, что явления вроде Imagine Dragons, которые лет 10-13 назад ни у кого бы не поднялся язык назвать рок-группами, называют лидерами и ведущими рокерами современности, а само явление рок-звезда скорее подразумевает деньги, наркотики и распутный образ жизни. На этом фоне кондовые рокеры из Clutch выглядят просто бородатыми динозаврами из ушедшего времени, которые по-прежнему грезят любовью к Black Sabbath и рокерской романтике 70-х. Нет сомнений, что музыку Clutch уже следует записывать в категорию "dad-rock", или, как у нас иногда говорят, "батьковский рок". Но есть одно "но" - эти мужчины в возрасте прекрасно понимают своё положение в музыке и при этом полностью верят в то, что исполняют, не забывая разбавить своим фирменным юмором свой статус бодрящихся старичков. Эта музыка, на фоне современного, полностью компьютерного продукта, записанного в строго определённых клише, грохочет грубым и сырым аналоговым звуком, в котором полностью проигнорированы все современные тенденции. И надо сказать, что этот подход работает на все 100%, ибо с каждым годом у группы растёт аудитория достаточно преданных поклонников, которые с радостью ездят на все концерты вместе с группой, с большой охотой покупают их записи и мерчендайз. Возможно, этой мудрости они научились у великого Лемми.
Новый альбом "Book of Bad Decisions" прекрасно дополняет каталог группы. Музыканты по-прежнему верны своему грубому и громкому саунду, ничего радикально нового тут не найти. Люди не слишком хорошо знакомые с творчеством группы скажут: ну очередной альбом Clutch, ничего особенного. Отчасти они будут правы, но только отчасти, потому что оставаясь в определённых рамках своего стиля и почерка, Clutch каждый раз умудряются внести какие-то новые изюминки и фишечки, благодаря чему это блюдо из стоунера, хард-рока, фанка и блюза из раза в раз по-прежнему вполне съедобно и даже приятно на вкус. Нельзя не отметить, что четвёрка из Мэриленда прокачивает свои навыки в хитмейкерстве. Прошлый альбом "Psychic Warfare" содержал несколько весьма нетипичных хуковых номеров, здесь же появились ещё более "хитовые" треки - "How To Shake Hands", стеб над политикой, в которой вокалист Нил Фэллон обещает поместить Хендрикса на двадцатидолларовую купюру и устраивать вечеринки с живой музыкой в Белом доме, если его выберут в президенты; совершенного сногсшибательный фанк-хит "In Walks Barbarella" с духовой секцией в духе go-go 80-х, и блюзовый "Hot Bottom Feeder" с шуточным текстом про приготовление кексов из крабового мяса и цепляющим вокалом. Остальные треки вполне себе крепкие боевички, никаких соплей - провальных треков на альбоме совсем нет. Начинаясь с шустрого свинга "Gimme The Keys" и заканчиваясь мрачной мистической "Lorelei", альбом идёт одной сплошной стеной, практически ни на секунду не давая передышек. Плотный гитарный звук, монструозный драмминг, ревущий блюзовый вокал - эту музыку определённо стоит слушать на большой громкости, в машине или на мощной аудиосистеме, тогда просто невозможно не поддаться на этот простой и искренний рок-манифест. Clutch - это определённо уникальный артефакт в мире современной музыки.
|
| |
|
|
|
|
|
| В преддверии выхода нового альбома, господа из U.D.O., ссылаясь на тур Dirkschneider, заявляли, что альбом создан под большим влиянием ранних Accept. И в подтверждение своих слов, группа обозначила главными хитами "Rising High" и "One Heart One Soul", сняв для них лирик-видео и клип.
Что сказать, Удо Диркшнайдер всегда придерживался определенного направления тевтонского Heavy Metal, поэтому своеобразное "возвращение к корням" в своей сути быть плохим не должно. Другой разговор, что группа U.D.O. никогда не стояла на месте, меняя своё звучание от альбома к альбому: иногда кардинально, например от "Faceless World" к "Timebomb", а иногда просто последующий альбом развивал идеи предыдущего, как, например, от "Rev-Raptor" к "Steelhammer". И пусть даже ностальгический, но шаг назад... в моём понимании это немного нарушает концепцию группы U.D.O.
В итоге, все мои сомнения были напрасны. "Steelfactory", как ни странно, развивает идеи, заложенные на "Steelhammer" и "Decadent". Группа то и дело играется с ритмами, иногда даже индустриальными, заигрывает с клавишными. Немало бесовщины привнес Андрей Смирнов. Гитарные партии на этом альбоме, пожалуй, самые интересные за всё время, что Смирнов играет в U.D.O. Отдельной похвалы достоин его креатив в "Make The Move", где соло служит главным стержнем всей песни. Особо интересными для многих покажутся "Keeper Of My Soul" и "Raise The Game", содержащие в себе восточные мотивы и классические для группы хоровые партии вокала.
Вообще, хитов на альбоме достаточно много, и перечислять их все нет смысла. В этом отношении альбом становится некой противоположностью предыдущему лонгплею. Если "Decadent" представлял из себя техничность и крепость кирпичной стенки, то "Steelfactory" предоставляет слушателю новые грани мелодичности и лиричности U.D.O. Уровень мелодичности не дотягивает до "Faceless World" лишь потому, что в отличие от альбома 90-ого года новый LP исследует новые направления для группы и преследует цель собственного творческого обогащения и роста.
Отдельно коснусь особо важной для меня детали - звука. Гитары очень тяжелые и звучат сухо. Стилистически группа не ограничивает себя только рамками Heavy Metal, включая, где необходимо, такие стили, как Power и Speed Metal. Особо это многообразие выделяется на необычной “Blood On Fire”.
Возвращаясь к заверениям группы относительно звучания нового альбома, хочу заметить, что подобный ход должны использовать киношники. Вместо того, что бы раскрыть все карты в первом же трейлере, U.D.O. выбрали для промо-кампании самые привычные для слушателей песни и тем самым сыграли на "эффекте неожиданности". Что же, я на эту удочку попался, и теперь с удовольствием жду коллектив в ноябре, чего желаю и всем остальным ценителям настоящего Heavy Metal.
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбомы Kekal этой поры (2003-2005) отличаются наибольшим гармоническим равновесием между экстремально-металическими элементами и электронными, между агрессией и ностальгической грустью. При всем тяготении группы к авангардным штукам музыка остается верной песенным формам и крайне доступной. Если вы глянете на обширный список влияний, то увидите не только разные полюса жанровых высоколобостей – от Майлза Дэвиса и Autechre, но и богатый перечень прог-роковых и нью-вэйвовых коллективов. В общих же чертах чувствуется влияние Voivod. Чистый вокал у ребят под стать альтернативному року, зачины песен часто включают электронный бит и мрачные синтезаторы, но на другой стороне мощные брейкдауны, кибернетический бластинг, роскошные соло. Атмосферность многих трэков довольно светлого толка, наверное, все еще пропитывают музыку прохристианские настроения. На примере индонезийцев видно, что можно не быть изобретательным в гитарном массиве риффов, главное – контекст, мастерство аранжировки. Стержневые риффы трэков могут быть и несколько заезженными, но они не тянут группу ко дну. Так, качовый рифф “Thy Neighbor's Morality” мог бы звучать сухо и безвкусно, но композиция начинается с чудного эмбиент-техно под Aphex-а Twin-а или Boards Of Canada, а сам молотобойный пассаж сопровождается фантасмагоричными клавишами, за ним следует гудящий бластинг, а выплывает из этого омута пронзительная соло-гитара. Тоже можно сказать и о "Strength in My Weakness" и о "The Way of Thinking Beyond Comprehension". Особенно замечательны у Kekal срывы в экспериментал с калейдоскопом влияний, разгульно-креативный образ жизни раскрепощает песенные формы и позволяет вдохнуть авангардизма полной грудью.
Скажем, в готовом радиохите "A Dream for a Moment" музыка переживает диссонансные изломы и вторжение атональных духовых, сходно лихорадит группу с последующими богатыми хэви-соляками в "Broken", а в середине "The Way of Thinking Beyond Comprehension" индонезийцы даже исполняют коллективную мантру. Если вы ждете от Kekal национальной идентичности, инструментал "Romantika Destruksi" в утонченном, а "The Way of ... – в базарном ключе выполняют норму по ориентальному мистицизму.
О гитарах я уже сказал, они сделаны качественно, особенно в мелодическом аспекте, нужно признать, что запись красят также партии баса, ненавязчивые, но заметные. Драм-машина забита нескучно, ребята на этом собаку съели. Отсутствие барабанщика – это настолько глубокая и неизбывная черта коллектива, что им даже не надо придумывать теоретические обоснования этой ситуации, хотя, конечно же, живой драммер, достаточно техничный или еще лучше – богатый на идеи – никому еще не мешал.
Камнем преткновения для меня в музыке группы всегда являлся вокал: чистый звучит недостаточно эпически, зрелым, каркающий же скриминг все менее уместен по мере удаления от unblack-а, тогда, когда мы уже убедились в незлобивом характере группы.
Почему-то самые безукоризненные трэки в сочетании музыки и вокала спрятаны в самом конце альбома – "Blessing in Disguise" и "Empty Space": тут слышится эдакий солидный AOR. Кстати, тема альбома – стресс в современном городе – тема неувядаемая, близкая и понятная почти всем, чем и подкупает.
Вечная история с Kekal и группами наподобие них в том, что в такой межжанровой и общемузыкальной эрудированности их участников, их концептуальных постмодернистских амбициях нельзя не отметить оправданные замашки на шедевр, но их легко подводят частности. Тем не менее, этот их альбом, на мой взгляд, кульминационный, сделанный людьми для людей (не путать с массами!).
|
| |
|
|
|
|
|
| Как-то в рецензии на альбом 2006 года этой команды "Antithesis" я предрекал им большое будущее. Как оказалось, у них уже есть довольно солидное прошлое. Это более чем часовой опус 2004 года "Carved in Stigmata Wounds", где немцы демонстрируют просто блестящий образец содержательного, тщательно структурированного, технически компетентного блэка. Правда, избыточного по времени звучания, безукоризненного именно до безобразия и в конечном счете порождающего равнодушие. Но сначала о хорошем, ложки с дегтем подождут.
"Carved in Stigmata Wounds" – идеальный альбом доступного, не отягощенного унынием или сырых оккультных глубин блэк-метала; это ловкое галопирование по мраку слушается непринужденно и живо: забуксовать просто негде. Гитарный саунд чистый, легкочитаемый, бас активно заполняет пустоты в эволюции трэков, барабанщик группы Thrawn Thelemnar наваливает в очень мобильном, проворном стиле, помимо бластбита нарезая десятки вкусных ритмических пассажей. Музыкантам не чужды ни меланхолия чистых гитар, ни мелодическое украшательство, ни клавиши. Что поделать, романтизм и темная поэзия у немцев в крови. Но столь же горазды они рубить скоростной лесопильный блэк ("Evolution Valour Admission", "Epoch"). Вокал – отлично ложащийся на слух скриминг и периодические срывы на громовой чистый ("Cosmogenesis").
Творческий метод и прогрессивный подход немцев приводит к тому, что нередко по трэку непонятно, то ли это все еще приготовления, прелюдия к чему-то главному, то или уже вовсю это самое главное, долгожданная сердцевина. Мы должны пройти через беспокойный сюжет мрачной пьесы, пережить все его изломы, отражающиеся в напластовании дэтовых и блэковых гитарных построений и неутомимом вариативном драмминге. Но энергетика группы, их стремление быть харизматичными делают эти путешествия несложными. Для улучшения усвояемости музыканты еще и поделили альбом на 3 части по схеме: 4-3-3, соответственно "Prophecy", "Destiny", "Extinction'.
Теперь об удручающем, о злоупотреблениях и перегибах, мешающих процветанию. На развитие каждого трэка все-таки требуется от 7 до 12 минут, не без повторений, и вся запись изрядно затягивается. Приметы саунда группы здесь – повсеместные маршеобразные элементы и широкое использование stop-and-go динамических схем, т.е. рваных эпизодов – становятся клише в рамках альбома. Диску, помимо этого, как воздуха не хватает ощутимой доли неряшливости, мрака и ужаса продакшена, славных традиций 90-х. У наших героев все выхолощено и опустошено, забито лишь техникой. Так что те, кто видит в работе S.O.T.M. формальные упражнения, не совсем неправы.
Но послушать ударника стоит обязательно.
|
| |
|
|
|
|
|
| В немногочисленном полку хоть сколько-нибудь значимых для жанра mathcore команд прибыло – квартет Snakehound заявил о себе выходом дебютного полноформатного альбома. Подробно расписывать, что же из себя представляет материал пластинки уже давно моветон, а если же вкратце – это бодрый микс из Norma Jean и The Chariot времен их первых альбомов, поздних General Lee и небольшого реверанса в сторону “Miss Machine” от TDEP. В тексте выглядит замечательно, в музыке – еще лучше! Нестандартная структура композиций, обилие диссонансов, не режущий слух вокал и, в целом, приятное звучание самой пластинки – что может быть лучше? Музыканты лихо меняют один формат повествования на другой, создавая уникальную картину происходящего, вместе с тем окончательно не ударяясь в кашу хаотики (не оставляя шансов слушателю хоть как-то запомнить материал альбома). Почти что каждый трек звучит как потенциальный хит команды, и уже спустя пару проб прослушиваний релиз хочется ставить на «REPEAT». Остается только надеяться, что данной пластинкой банда не ограничится, сделает в следующий раз еще более мощный и ценный альбом. «Imitation Crown» же пока что нет-нет, да сквозит признаками именно дебюта времен, когда сама команда еще не очень знает, что же будет играть дальше – что, впрочем, не отменяет написанного выше.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что это, изощренный блэк-метал с многочисленными элементами арт-рока или злой арт-рок с жестким вокалом, гитарными неистовствами и бластбитом? Однозначно второе. Греки, вышедшие из заметной на небосклоне экспериментального блэка 2000-х группировки Transcending Bizarre? сохранили любовь к клавишным и тяжелому риффу, но их умами завладел именно прогрессивный рок, каким он был в лучшие свои годы. По сравнению с TB?, где они эксплуатировали современные технологии, и это был почти киберблэк, их нынешний стиль – дань прошлому, упоение ретро. Ревизионизм заключается в том, что все старые-добрые наработки арт-рока преломляются под углом темных материй. Зло истощают и названия, и тексты. При этом участники группы чрезвычайно быстро сбрасывают маски добропорядочных рокеров и обращаются в прогрессивных блэкарей. И наоборот.
Зацените хоть первую винтажную “Mountain of Horror” в части блюз-роковых куплетов и
в части головокружительного срыва в блэк: какие лихие пируэты совершают и барабаны, и бас, и гитары и более всего – клавиши. Такие пассажи ярко свидетельствуют, что перед нами команда рукастая и начитанная, способная к интеллектуальному сочинительству и увлеченному музицированию. Периодическое внедрение меллотрона в звуковую палитру, конечно, наводит на мысль о King Crimson (чистый вокал в трэке тоже явно тяготеет к лирическому перфекционизму Лэйка), флейта – о Genesis или Camel, ксилофон – черт знает о ком, может, о Gentle Giant? Риффы у ребят довольно свежие и разнообразные, даже пост-панк, довольно узколобый стиль, звучит у них живенько и вариативно. Но еще слаще присутствие органа, муга, упомянутого выше меллотрона – оккультизм переплетается с ностальгией, прямо как у Sigh, а клавишник группы Haris – ну чисто греческий Кавасима. И переходы от рока к металу у Hail Spirit Noir так же органичны и ненапряжны. Наконец, стоит сказать и про заключительную, заглавную для коллектива, вещь: это настоящий стадионный хит с приставучей оргАнной темой и чрезвычайно хитовым припевом. Определенно, вокальная работа на этом альбоме мне нравится в разы больше, чем на последнем диске Transcending Bizarre?.
Альбом греки для жанра сделали сверхкомпактный, почти EP по меркам других коллективов. Даже мне немного не хватило. Но с другой стороны, за это время придумано и сказано довольно много, записан один 13-минутный трэк. Думаю, это идеальный вводный альбом, альбом-проводник в мир эклектичного блэк-метала. Мне же немного недоставало в этом альбоме какого-то риска, экспериментаторской удали, выхода за песенные формы, возможно, и экстрима... Очень уж «Pneuma» правильный, почтенный к прошлому до подражательства, прирученный, компромиссный в плане эстетики. Да и зла для рока на альбоме слишком, для метала – недостаточно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Привык любить этот альбом наименее из трех выпущенных группой, хотя массы, мне кажется, недвусмысленно указывали на него как на отражение творческого роста команды. Может быть, я не люблю сказки. Между тем, это последний альбом греков и наиболее мрачный. Усилилась, как мне показалось, роль гитар. Техничные риффы, действительно многообразие и разноплановость их (тремоло, дэт-трэшевая рванина), здоровое изобилие приемов (разные мелодичные хуки и флажолеты), проникновенные классические соло, искусный программинг ударных, театрализующее участие клавиш – все это есть, однако на сей раз декорации мрачнее и карнавальная атмосфера затянута в поясе, дабы не очень брызгала красками жизни. Острая гитарная работа и технологично точная драм-машина в единстве напоминают мне поздний Abigor, точнее их «Fractal Possession», хотя последние, конечно, недосягаемы в своей холодной отрешенности и основная идея у них суровее. Нет, роскошного симфонизма по-прежнему много, но точечно: "Envisaging the Ideal Planet", "Broad Daylight Misanthropy". Чемпионом по размашистости синт-оркестровок является крайний трэк "The Return to Nothingness", быть может, именно такой формат изложения привел бы их к появлению шедевра. В нем сразу кипа тяжелых стилей, пронзительность хрупких клавишно-гитарных элементов и их громкий расцвет.
Вернемся к идеям. У греков они тоже не на задворках, этот альбом концептуальный, и слово часто предоставляется главному герою злой сказки Р. Декарту, озвучиваемому язвительным скрипучим голосом, и вот он-то мне сильно не по душе, сильно наигранно выходит и натянуто. При доминировании монологов стало меньше нейтрального гроула/скрима. Кроме того, во времена цветущей юности у Transcending Bizarre? были роскошные женские оперные вокалы, теперь же здесь рулит Детский театральный хор Ронтидис, и участники группы не ошибаются, когда говорят, что добавление его в музыку усилило хоррор-компонент. В глобальном же смысле можно процитировать одну из строчек альбома: "Nothing is new, your nadir is reached". Никаких новых, сенсационных вливаний стиль группы не испытывает. Может, поэтому через 2 года зажжется звезда правопреемника коллектива – Hail Spirit Noir, где все будет начато если не с чистого листа, то не на основе былых штампов.
Увы, уход со сцены группы совпал со смертью верховного звукотехника, студийного манипулятора и программиста ударных S.A.Akis-а. Очень жаль, продакшен команды всегда был на высоте... В этом же альбоме Transcending Bizarre? наконец дисциплинировали свой дикий композиционный дух и привели пестроту элементов своего звучания к единому концептуальному знаменателю.
|
| |
|
|
|
|
|
| После того интенсивного креативного всплеска, который был присущ "Albino de Congo", бельгийцы предсказуемо умерили аппетиты и остепенились. Очередной их альбом посвящен еще одной историко-культурологической теме, связывающей Западную Европу и Северную Африку и Ближний Восток – (Египетский) поход Наполеона в Сирию (1799) и был записан в студии, расположенной в винном погребе.
Этот альбом отчасти танцевальный. Считаете, что скатологический экспериментальный блэк не про это – скажите о том парням с именами Midgaars, Noctiz и Svein, когда они исполняют великолепную "El Arish": с переливающимися гитарными гармониями, раскачивающимся из стороны в сторону басом и задорной пост-панковой стучалкой. Вспомнился культовый ансамбль 70-х Pere Ubu, что несомненно хороший знак. Блюзо-джазовые ритуалы группы – интригующе звенящая гитара, блуждания баса, тихонькие перестукивания – создают почву для других, медленных заторможенно-наркоманских танцев. Как в исключительно оригинальном трэке "Jaffa": бельгийцы сначала ювелирно джемуют под декламацию на французском, и только спустя 3 минуты оформляется авантюрный грубый рок с нестройным хором, а затем уже и скоростной блэк. Последний номер "Acre II" можно назвать многочастным дэтообразным шатанием и разбродом, где несколько сменяющих друг другу кровожадных эпизодов и магнетический рифф в финале. Вот такие вот лапидарные, отягощенные неуклюжим качем конструкции нужны Lugubrum как воздух еще с конца 90-х, и они не менее жизнеспособны, чем блэковые клише. Собственно, черный метал ("Mont Tabor"), как водится, у бельгийцев заковыристый, вихреобразный, плотный, настоянный на стройном бластбите и удобренный рыками и плевками Barditus-а. В последний раз. Так что запоминайте, так звучит деликатная экстремальная музыка со звериным оскалом и похабным тембром. На дальнейших работах вокалит Midgaars и хоть его вокал тоже далек от конформизма, но гораздо аристократичнее.
Наверное, присутствие Barditus-а – даже единственный повод подумать о чем-то натуралистичном в связи с концепцией альбома. Midgaars в одном интервью говорил, что в египетском походе Наполеона примечательна научная составляющая. Не берусь соотносить характер композиций с топонимами, но точно, что где-то музыканты оголтело шпарят черный метал, а где-то уходят в сосредоточенные отступления, обнаруживающие методичность своего подхода к сочинительству. Часто в пределах одной песни.
Музыки на «Face Lion Face Oignon» до обидного мало, он немногим больше получаса. Но и на этих крошечных пространствах бельгийцы умудряются развернуться и озадачить нас, а материал успевает сверкнуть разными своими гранями. При всех инструментальных неметалических вывертах, ориентальных электронных аутро к трэкам Lugubrum все еще 100% блэк-метал.
|
| |
|
|
|
|
|
| Песня длиною в альбом, музыкально-трансцендентальное странствие всего в 32 минутах! «Mensch aus Gold», дебютный опус исключительно анонимного немецкого проекта Ekpyrosis, увлекает и воодушевляет, несмотря на некоторый минимализм. Будучи выполнен в типично чернометалических техниках гитар, с традиционно сырой, фенризовской, формулой драмминга (такое действительно водится на «Under a Funeral Moon»), альбом между тем звучит абсолютно свежо и нескованно благодаря настроению и колориту музыки. А колорит самый что ни на есть солнечный, другой я просто не в состоянии вообразить при прослушивании этого диска.
В Ekpyrosis не видно ярко выраженной мизантропии, музыка дистанцируется от тьмы, и эта терпимость, уравновешенность, умеренность звучания достигается не в последнюю очередь благодаря отсутствию экстремального вокала (доминирует чистая декламация, самое радикальное здесь – всего лишь пару патетических возгласов). Идейно Ekpyrosis блэк разве что по своей мистико-символистской подоплеке и тяготению к природе, перевернутый крест тут всего один – тот, что на обложке – и выглядит крайне целомудренно.
Абстрактное содержание обусловливает форму: неутомимый гитарный чес исключительно воздушен, то же впечатление легкости производят то интенсивные, то расслабленно поданные барабанные дорожки. Искрящаяся тремольная живопись показывает и движение вперед, и неизбежность лейтмотивов. На протяжении крупной песни достаточно запоминающихся финтов: эффект какого-то реактивного ускорения музыки, настойчивые бенды как своеобразный музыкальный рефрен, загадочный выкрик: «Black Metal Thrash!» в последней части композиции. Ekpyrosis умеет быть и созерцательным, и воинственным, в периоды затишья словно накапливая энергию для выброса ее в пространство. Мягкие интроспективные сегменты без дисторшена попадаются только во второй половине трэка и разделены лишь небольшими порциями метала.
В общем, Ekpyrosis без технического надрыва и брызгания слюной, но зато с богатым воображением намекает нам, что сделать интересный альбом можно и заведомо ограниченными музыкальными средствами. Но куда расти, безусловно, есть.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как только раздались вести о том, что группа Deep Purple записывает новый альбом, изо всех подъездов, как гопота после зимы, повылазило старичье, выросшее на "Smoke On The Water", а также им сочувствующая молодежь из разряда "не слушал, но они же ОТЦЫ!", которые с восторженным придыханием начали ожидать очередного чуда. Ожидание хорошего альбома от Deep Purple уже лет 20 вещь сама по себе достаточно бесперспективная, но после последнего "Now What?!" были надежды, что хоть совсем уж "высокопрофессиональный мусор" они не запишут. Под это дело вновь подрядили престарелого продюсера-многостаночника Боба Эзрина (видимо, самим сочинить опять сил не хватило).
К чему уж претензий нет, так это к оформлению. В кои-то веки группа поняла, что оказывается, хорошая обложка - это тоже один из плюсов пластинки. Окиньте взглядом дискографию британцев… После 1974-ого года, кроме "The House of Blue Light", кругом одни "вырвиглазные" обложки. А тут: ледокол "USCGC Healy" береговой охраны США, который формирует инициалы Deep Purple, расположенные так, чтобы напоминать символ бесконечности! Это, действительно, отлично смотрится. Хотя, как справедливо отметили многие меломаны, после публикации обложки, несколько напоминает логотип Devin Townsend Project. Ну, да ладно... Звук, сведение и мастеринг тоже на высоте. Боб Эзрин, все-таки фирмач и "нарулить" звук он, наверное, и во сне может. Тем более, что записывалось и микшировалось все в Нэшвилле, на минуточку, музыкальной столице США. Хорошие песни, как ни крути, на альбоме тоже присутствуют. "All I Got Is You" одна из тех песен, которые, своим, этаким винтажным звучанием, дают возможность вспомнить классические альбомы Purple. Запоминающееся гитарное вступление, которое затем поддерживают бас-гитара, ударные и клавиши. Даже вокал Гиллана в этой песне не вызывает отторжения. Но, очевидно, что песне не хватает какого-то убойного хука в конце, чтобы эффектно ее завершить. А вот "The Surprising", пожалуй, лучшая песня на альбоме, действительно, хороша. Вступление в восточном стиле, отличная вокальная мелодия... Песня была бы еще лучше, если бы не эти ужасные клавишные соло Эйри в середине (да, я ненавижу клавишные соло, которые длятся больше пяти секунд). Вот, собственно, две песни, на которые я сразу обратил внимание и которые хоть как-то, но захватили меня.
А вот первый сингл с альбома - "Time for Bedlam", меня изрядно повеселил. Преимущественно, своим текстом с "этими вашими": «Sucking my milk from the venomous tit of the state» и завываниями Гиллана «No pity, no pity / Don't want no pity for me in this filthy ceil / I'll see you in hell / See you in hell» - ну, это просто Spinal Tap на выезде. В принципе, всякая квазирелигиозная чепуха частенько встречается в текстах группы. Если говорить о музыкальном наполнении, то уже упомянутый мной Дон Эйри наводняет всю эту запись своими броскими клавишными партиями, будто пытаясь доказать, что он не хуже Джона Лорда. Результат немножко предсказуем. Кашель… Ой, извините! - пение Йена Гиллана, это предмет отдельного разговора. Простите, но я просто не понимаю, как это можно слушать, чтобы это еще и нравилось… Вот, реально нравилось, без скидок на былые заслуги. Где-то с минуту в "On Top Of The World" Гиллан просто читает с листа текст. Видимо не знал, как это спеть и решил, а почему бы просто не прочитать о том, как он лежал с самой красивой девушкой во Вселенной («I lay beside the most beautiful girl in the universe / Her name was Venus in Heaven»). Но об этом позже… Если в предыдущем альбоме прогрессивные элементы в музыке Deep Purple были очень слышны, то новый альбом более прямолинеен и хард-блюз-рок ориентирован, да простят меня борцы за чистоту тегов. Гитарная работа Стива Морса… Как бы сказать, чтобы не обидеть? Хм.. Она стандартна и предсказуема. Нет, конечно, он хороший гитарист, профессионал своего дела, но нет в нем "полета фантазии", "пальцы парят по грифу", "филигранная техника звукоизвлечения" и много чего еще, что я прочитал смешного про его игру на "inFinite", написанную страждущими фанатами в рецензиях. Но что-то я отвлекся…
Следующая за "Time for Bedlam", "Hip Boots" - ничем особо не выделяющийся блюзовый номер. "One Night in Vegas", конечно, подкупает своим уверенным, почти фанковым настроением, но после "All I Got is You" понимаешь, что это какая-то проходная вычурная песенка, про какого-то бухарика в Вегасе и его женитьбу по пьяни. "On Top Of The World" и "Birds Of Prey" закрывающие альбом (кавер на "Roadhouse Blues", абсолютно не к месту, я "закрывашкой" не считаю), в инструментальном плане вполне себе хороши (хотя порой мне казалось, что Дон Эйри просто нажимает на клавиши в хаотичном порядке), но вокал Гиллана уже просто невозможно слушать, уж простите. Какое-то дикое растягивание слов, компьютерное эхо… В общем, мрак!
Я нисколько не пытаюсь принизить наследие Deep Purple или обвинить их в непрофессионализме. Нет-нет. Но извините, профессионалы тоже могут записать скучный, вторичный и неинтересный альбом. А Deep Purple этим занимаются последние лет 20. И даже помощь Боба Эзрина, ни в кои-то веки хорошее оформление или две хорошие песни, не спасает эту пластинку. Ваша ностальгия по былым временам и классическим альбомам Deep Purple меня абсолютно не волнует. А если вам это понравилось, то слушайте на здоровье, кто же вам запрещает? Знаете, хорошо, конечно, когда такие преста... заслуженные группы продолжают давать концерты, что-то записывать, дедушки надевают футболочки и джинсовки без руковов, но хотелось бы, чтобы таких вымученных альбомов, записанных под очередное «прощальное» турне, больше не было.
|
| |
|
|
|
|
|
| Furze не единственный блэкер, подавшийся в прошлое и зачерпнувший там пригоршню вдохновения, но его стиль наиболее законченный и полновинтажный. После энергичного запильного блэка он решил строить, как и прежде в одиночку, свою Вселенную из вязких, прокуренных риффов, медленных и средних темпов, вокалов, простирающихся от сладкозвучных чистых напевов до таинственных нашептываний и всяческих добавляющих старомодного оккультного шарма перкуссионных приблуд – гонга, колокольчиков. Маэстро явно наслаждается тем, что делает. Как ранее справедливо заметил многоуважаемый Kurgan в рецензии на ранний опус Woe J. Reaper-а, он одаренный музыкант. Свидетельства его таланта я слышу и в «Reaper Subconscious Guide» поминутно: сочный, хоть и суховатый риффинг по всем канонам, тщательная проработка барабанных партий, нескучные композиционные построения. Риппер в курсе, что только лишь думовать скучновато, поэтому периодически разгоняет музыку, добавляет бочек. Я уже намекал, что из-под пера музыканта выходит невозмутимейший олдскул с авторитетным саундом, немало этому способствуют и неотступные секции глокеншпиля – добавляют и некоей кинематографичности. За всем вышеперечисленным далеко ходить не надо: в самом первом трэке и харизматичные гитарные дела, и прилежное остроумие сбивок и психоделический звенящий туман, который затем разрезает одинокая ритм-гитара.
Авторскость и творческая индивидуальность работы Риппера заставляет вспомнить и о других артовых уан-мэн-бэндах черных областей, например, The Ruins Of Beverast Александра фон Миленвальда, но у них больше различий, чем сходств. Furze не практикует особо тяжеловесных конструкций, сырого звука и собственно уже и блэк-метала: его саунд довольно чистый, легко читаемый и камерный. Материал альбома вполне органично бы вписался в ночной концерт в небольшом клубе, не сомневаюсь, что Кристиан Кнапстад (под конец можно вспомнить и его реальное имя) умело бы держал аудиторию. Никакого ломового сатанизма не только в музыке, но и в текстах: там щепетильные астрология, теософия.
Разреженность музыки возрастает от первой половины альбома ко второй и достигает кульминации в затяжной обволакивающей “Essential Wait”, где уже дух Сэббэт более чем явен, особенно из-за этого бессмертного вибрато… Однако эта неравномерность разброса рок-н-ролльной энергии идет во вред альбому, делает его недостаточно цельным. Ну и блэк-метала все же немного не хватает.
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий альбом опенмайндовых швейцарцев Blutmond продолжает тенденцию снижения экстремальности и усиления либерализма в темах. Музыка даже для пост-блэка стала бессовестно хитовой, а темы непотребно лирическими, даже, грубо говоря, сопливыми. Да что уж там, «The Revolution Is Dead!» полон не только экзистенциальной горечи, но и юношеского протеста, это наполовину эмо-блэк, и я тут не преувеличиваю: тексты “Putting Hearts Together”, “Regret 2.0”, “Pas de Deux” и конкретно монологи “Moonlit Chair™” – подтверждением тому.
Как я уже сказал, жести в музыке поубавилось: композиции очень атмосферные и мелодичные, крайне легко ложатся на слух. Облегчает их усвояемость и большое количество меланхолического чистого вокала, а также гармоничный кричащий. Экспериментальные техники Blutmond за 2012-й вовсе таковыми не кажутся, здесь уже нет риска, а есть сытая уверенность в правильности выбранного пути. Эпизодические появления саксофона, электроника, акустика, женский вокал от участницы Eluveitie, но все в общей невозмутимой канве атмосферного метала. В ряде трэков (“Stop the Rain, Neuzeit Jesus”, “Absolution Lies in Evolution”) вокально и отчасти музыкально можно услышать зрелую Анафему, в 100% хите альбома “Attention Whore! (Lost in Bliss)” – быстро ушедших Amesoeurs. Наиболее авангардные приемы услышим в начале 5-ой песни: это будет неожиданный фри-джазовый пассаж, продолжаемый лихим живым брейкбитом.
Трэки первой трети альбома – хит на хите, но рано или поздно наскучивают. Самой долгоиграющей мне кажется мощь закрывающего трэка, там раскрылись и сила тяжелого риффа и красоты гитарно-клавишной атмосферики и бронебойность ритм-секции. А главный мотив этой композиции имеет акустический прототип в конце “If I Could Reach The Stars...”, так что начинайте слушать раньше. Сыграно в целом все, конечно, отлично и слышно тоже – и лид- и ритм-гитары, и ударные – экспрессивно и четко, не придерешься. Единственно, бас ничем не блистает, но это не такая уж и редкость. На фоне «The Revolution Is Dead!» прошлый диск швейцарцев звучит очень грязно.
Но лично мне в этом альбоме резко не хватило глубины и поиска. Я, естественно, загонял вусмерть основные шлягеры, но загонял, как это было с некоторыми более мейнстримными мдм- или металкоровыми группами, урбанистическая же мистика во многом творчество Blutmond покинула. Я не ханжа и не пурист, но ребята малость перегнули палку с «общечеловеческими ценностями» и эмотивностью. Музыканты словно движутся к конъюнктурному пост-хардкору, но раз тремоло и бластинг звучат – записывать туда их еще рано. Правда, что-то ребята задумались, и уже 6-й год молчат. Может, потому что более доступной, цепляющей работы в рамках сего эклектичного жанра сделать невозможно, далее только атмосферный рок. Тем не менее, их также хотелось бы пожелать швейцарцам не раскисать и не сопливиться. Хотя за них также и обидно: делать такой красивый и печальный материал с выдумкой и неплохим набором сессионщиков и быть настолько малоизвестными (ср. Lifelover, Amesoeurs).
|
| |
|
|
|
|
|
| Писать об альбомах с ярко выраженной спецификой, с прущим наружу характером – легко и приятно. И одним из самых норовистых релизов на моей памяти является средний опус немцев Dark Tribe. Это достаточно театральное действо. Группа представляет нам психопатию в наиболее законченном виде. Средства и предсказуемы, и оригинальны в то же время. Темное Племя заряжает свою больную музыку ненормальной оголтелостью через связку мракобесных гитар и ударных. О дсбм и речи никакой быть не может: здесь не уныние, а деятельная ненависть. Специфичные риффы – шизофреническое повторение связок аккордов, устрашающая квазицирковая музыка или же что-то вроде воя сирены, пьянящие волны тремоло вместе с сокрушительными лязгами ударного железа – это уже полный комплект одержимости ненавистью и безумия, а тут еще контрастирующие вокальные партии – истошные вопли чернушного толка и патетическое мужское хоровое пение. Можно сказать, что блэк с Dark Tribe с хаосом воплей, действительно, родом из первобытности, а хоры – окультуривающее влияние Средних веков. Подобным уже тогда занимались и Urfaust, но эффект чистоголосых партий Dark Tribe порою даже сильнее – они коллективно-безличны, словно усмиряющий беснующуюся плоть групповой дух, очищающая и одухотворяющая рубку сила.
В структуре многих трэков можно вычленить момент особого напряжения: так, в середине “Iron Grave” это закольцованный рифф с методичной молотьбой по малому барабану и тарелке, в “The Seed Is Rising” свирепый переменный штрих с милитаристским оскалом под аккомпанемент одних только ударных. Самая масштабная, симфоничная даже, вещь с альбома – заглавная “In Jeraspunta”. Замедления темпа у Dark Tribe вообще невероятны: величавые риффы и драматически захлебывающийся вокал монументальны что твой Summoning, хотя созерцательность и поэтичность у наших сегодняшних героев – крайне нечастые гости на альбоме. Однако единожды в них просыпается тяга к гармонии и очеловечиванию, свидетельством чему лирические пассажи в виде мелодичных гитар во второй половине “The Unknown Light” – так что готовьте скупые мужские слезы. Идеально оформление альбома: черно-белые всполохи огня и полная обезличенность коллектива.
Итого: данный альбом явился пиком сугубо анонимной карьеры Dark Tribe, здесь они вышли за пределы комнатной мизантропии первого альбома и еще не свалились в бездну депрессивного уныния последнего. Последний рубеж испепеляющей ненависти. За штучность работы (недешевую) накину еще балл.
|
| |
|
|
|
|
|
| Фундаментальной работе ВИА Weakling, кажется, было суждено стать единственным релизом коллектива. Пишут, что тематика творчества группы – война. Что ж, поверим на слово, ибо текстов песен днем с огнем не сыщешь. Но это далеко не ортодоксальный документ о войне в рамках пресловутого Черного Искусства, альбом – словно сам по себе отдельный подстиль блэка. Странный, болезненный, расшатывающий каноны, не выходя за рамки некоей традиции, «Dead as Dreams» – парад откровений под неослабевающий натиск. Истеричный скриминг и тяжеловесные минорные конструкции сообщают работе не только ощущение разрушения основ, но одновременно человеческое измерение. «Мертвый как мечтания» органично бы слушался как саундтрэк к «Иди и смотри», эмоционально сокрушительному произведению с серией довольно странных и непременно мрачных образов. Спектр настроений «Dead as Dreams» – угрюмый милитаристский оскал, красивая безнадежность, трогательная скорбь.
Американцы играют блэк эпических пропорций с дэтовыми акцентами, вымороченными флажолетами, нагнетающей клавишной подложкой, изобразительными ударными и, как уже было отмечено, истязающим производителя и слушателя вокалом. Трэки на 10 или на 20 минут в равной мере созерцательны, разрежены и чрезвычайно событийны: ни одного лишнего повторения, ни искусственных длиннот. Соло ребята не злоупотребляют, предпочитая выплескивать креатив по ходу трэка, развлекать себя и нас нестандартными решениями (следует заметить, что за почти что 20 лет они стандартными так и не стали). Назову пару-тройку абсолютно незабываемых эпизодов. Пытка флажолетами, напряженное затишье и неистовый бластинговый шквал в “This Entire Fucking Battlefield”, постепенное разворачивание торжественно-тленной гитарной темы при активизации ритм-секции в “No One Can Be Called as a Man While He'll Die”, апокалиптические гитарные завывания в “Desasters in the Sun”.
Кто-то предъявляет претензии к звуку. Ну, это ж все-таки блэк, возмутитель гармониии хорошего вкуса. Могло быть, наверное, чище и читаемее, а надо ли? Здоровая размытость, зернистость записи только сыграла на руку материалу, обреченному на андерграундность и культовость. А так, например, некоторая нечеткость ударных комбинаций дает простор воображению и догадкам, что там играет на самом деле Сэм Фостер, скрывающийся под псевдонимом Little Sunshine (какая ирония!)
Что сказать напоследок? Не знаю ни одной настолько цельной, сложной и оригинальной работы с таким грузом черно-белой горечи и яда. Дорогого стоит. Недаром единственный творческий плод коллектива, которая так и осталась one-album wonder...
|
| |
|
|
|
|
|
| Новаторство и консерватизм – две противоположные в творчестве тенденции, и не ясно, которая из них является более истинной и верной, ведь и за то, и за другое можно сорвать аплодисменты или огрести порцию критики. Если группа продолжает эксплуатировать уже однажды открытую формулу успеха, ее обязательно упрекнут в отсутствии новизны. А когда музыкант начинает экспериментировать, непременно находятся те, кто брезгливо морщит нос и говорит: «фу! верните все, как было». В общем, надо понимать, что металл в целом - довольно консервативная среда, и если кто-то и жаждет инноваций, проверенные рецепты работают всегда. Есть группы, которые сделали надежность и стабильность своей визитной карточкой, и PRIMAL FEAR из их числа. Не удивительно, ведь Мэт Синнер и Ральф Шиперс основали PRIMAL FEAR уже в достаточно зрелом возрасте, и в 1998 году эти музыканты четко знали, чего они хотят. Совершив небольшой и достаточно условный стилевой поворот без потери идентичности где-то в районе альбомов “Seven Seals” / “New Religion”, в какой-то момент группа вообще стала выдавать созданные по единому рецепту работы, не перестающие быть от этого менее ценными.
Со своим новым альбомом «Apocalypse», появившимся ровно через два десятка лет после дебютника, PRIMAL FEAR явили на свет абсолютно то, чего от них ожидали, и то, что не сильно отличается от предыдущих зрелых работ группы: достаточно ровный материал с парой шустрых пауэрных боевиков в стиле раннего материала, несколько среднетемповых хэви композиций с ощутимо перегруженным но весьма чистым звуком, яркую и мелодичную полубалладу, а также эпик с солидной инструментальной партией.
Ностальгирующих по более быстрому и энергичному Фиру, безусловно, порадует первая композиция “New Rise” – классический пауэр даже с некоторыми отсылками к Gamma Ray. Следующая вещь – “The Ritual” была выпущена в качестве сингла и являет собой скорее образец «зрелого» творчества группы с характерным лязгающим железом саундом, с хрипловатым вокалом Ральфа, мелодическими соло и цепляющим припевом. Следующая, “King Of Madness”, тоже была выпущена до релиза, и на первый взгляд показалась несколько легковесной. Тем не менее, за мелодией «для радио» таится типическая праймалфировская тяжесть, и хотя именно эта песня лично мне показалась слабее и банальнее всего остального материала, судя по отзывам - это, похоже, один из основных ударных моментов альбома. “Blood Sweat & Fear” снова чем-то напоминает о том, что одним из двух создателей и неизменных членов коллектива является бывший музыкант Gamma Ray и больше отвечает чаяниям сторонников скорости и пауэра.
Однако все это кажется лишь возбуждающей «закуской» к основному блюду, а вот дальше начинается, пожалуй, самое интересное на альбоме. Шестым номером идет вышеупомянутая баллада, или скорее, полубаллада/полуэпик - “Supernova”. Может показаться странным, что одной из сильнейших сторон этих брутальных мужиков, поющих о конце светах и прочих ужасах, являются именно душещипательные песни. Тем не менее, это так, и “Supernova” всерьез претендует на звание лучшей композиции на диске. Зовущий в дальние дали припев мгновенно оседает в голове, ласковые и виртуозные гитарные соло льются как река, вокал Ральфа завораживает как голоса древнегреческих сирен… Стоит отметить симфонические и фортепианные аранжировки – также сильнейшая сторона PRIMAL FEAR, недаром Мэт Синнер стал музыкальным директором весьма уважаемого в Европе проекта Rock Meets Classic.
“Hail to the Fear” – мощнейший из хэви треков на “Apocalypse” с весьма ярким бриджем и припевом - несет типичнейший саунд истинно немецкого хэви, но не без мелодичности, созданной в первую очередь филигранными и теплыми гитарными соло. “Hounds Of Justice” – еще один боевик, первым прозвучавший в качестве сингла. Очередной вокальный шедевр, где Ральф показывает, что с годами он стал силен не только в чистом высоком стиле, но также в агрессивных техниках. Еще одна классическая тевтонская вещь, но с достаточно радийно-форматным припевом. Бодрая “The Beast” с куплетом в пафосно-пауэрной манере и припевом в удоподобном ключе становится отличной прелюдией к 8-минутному эпику “Eye Of The Storm”. С эпическими вещами PRIMAL FEAR умеет работать еще лучше, чем с балладами. Этой песне, конечно, очень тяжело конкурировать с практически идеальной “We Walk Without Fear” с предыдущего альбома, в некоторых частях мелодия “Eye Of The Storm” выглядит немного «избитой», но все придирки забываются, когда приходит черед инструментальной части, и на первый план снова выходят гитаристы и оркестр. Эта часть волнует, будоражит душу, она могла бы стать саундтреком к какому-нибудь крутому голливудскому фильму… Композиция даже сама рисует собственный сценарий в голове. Единственная печаль – можно было бы сделать инструментальную часть немного дольше… Яростная и могучая “Cannonball” вытирает сопли и слезы и фактически обрывает повествование основной части альбома красноречивым троеточием, как будто «пушечное ядро» замирает на краю пропасти и пока еще не летит вниз… Конец света откладывается…
«Десертом» идет череда бонус-треков, из которых выделяется “My War is Over” – более точно соответствующая определению «баллада» и по своему качеству могущая стать частью основной программы альбома, но, видимо, музыканты посчитали ее слишком лиричной для достаточно серьезного настроя “Apocalypse”.
При все при этом, я не могу назвать общий настрой альбома ни злым, ни мрачным. Да, серьезным… Да, перегруженным мировыми проблемами… Но никак не сердитым. По своей атмосфере “Apocalypse” – это скорее некое размышление зрелого человека об абсурдных сторонах современного мира. Ощущается, что материал создан и записан достаточно возрастными музыкантами: именно не своей традиционностью, а больше мастерством и очень мудрым подходом к музыке и к тому, как она сыграна и записана. Тяжелый, перегруженный, местами быстрый материал ясен и чист, как горная речка, которая яростно мчится вниз, но в глубине можно разглядеть каждую деталь. Ральф Шиперс с годами стал намного интереснее как вокалист, превратившись из горлодера лучевых времен в очень разумного и разнообразного певца. С одной стороны, заметно, что на альбоме аж три гитариста – Том Науманн, Магнус Карлссон и Алекс Байротд, с другой, они настолько органично сочетаются, что кажется – это один гитарист с шестью руками и тремя гитарами в руках. За продюсирование альбома, как это последнее время принято, отвечал Мэт Синнер, - так что аплодисментов он заслуживает не только как басист и один из основных авторов, за сведение и мастеринг – Якоб Хансен.
Этот альбом может не понравится тем, кто ждет перемен, “Apocalypse” в первую очередь адресован фэнам группы, а также любителям традиционного немецкого стиля в целом или стремящимся к нему приобщиться, он вполне может стать и первым знакомством с творчеством PRIMAL FEAR, так как весьма для них типичен и хорош по качеству. По словам самих музыкантов, именно в последние годы группе удалось выйти на новый уровень популярности во всем мире. И если творчески PRIMAL FEAR уже давно «устоялись», то с точки зрения успешности стабильность и постоянство по-прежему двигают группу вперед, и новый альбом очевидно станет новой вехой на этом пути.
В общем, в случае с “Apocalypse” консерваторы одерживают сокрушительную победу. Согласна, что старый конь новой борозды не проложит, но старую отпашет так, что вашим ушам мало не покажется!
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом, своим названием беззастенчиво указывающий на амбиции и нечистые концептуальные помыслы его создателей, "Kosmonument" вновь соединяет яростную музыку финских лесов и психоделические мистерии конца 60-х -70-х, первое на сей раз в почти незначительном количестве. Дико нравятся мне пустоголовые пуристы с metalarchives: где-то у них метал (наши сегодняшние герои), а где-то неформатный экспериментальный рок (Aluk Todolo) при равных соотношениях того и другого в стилях обеих команд. Привычного лесопильно-бластующего блэк-метала на этом альбоме финнов трэка полтора от силы, первая половина "Uusiolentonousee" и "Loputontuntematon". Остальные квоты распределены между удаленными от метала космическими пьесами (их можно назвать блюзами – "Luhistuva aikahäkki"), небыстрыми композициями с глючными околосладжевыми риффами ("Sienipilvi", "Maavaltimo", "Kaaoshallitsee" – это, видать, можно считать пресловутым оккультным думом, если бы не повышенная нервозность гитарных партий) и эмбиентом ("Siirtorata 100 10100" и аутро). Есть на "Kosmonument" и настоящий спейс-роковый-хит – агрессивно-танцевальная песенка "Komeetta" (название без малого китчевое). Музыканты, судя по всему, чередуют продолжительности своих творений, 1-ое и 3-е чуть более 40 минут, 2-е и 4-е – больше часа. Вот как раз хитов на час с небольшим остро не хватает. OP, как видим, вообще отлично могут играть и космический дэнс-панк, но привычнее для них не традиционные песенные (пусть и блэк-метал-) формы, а гипнотические джемы с заговорческими комбинациями баса и ударных и рвущимися наружу гитарными эффектами – треском, визгом, воем. С такими трэками сомнений в серьезности музыкантов по-прежнему нет: они хотят создавать мизантропические оккультные хэппеннинги, а не объединять людей через трубку мира. Вот только такая музыка более действенна и лучше пробирает в живом исполнении, в студийной версии она несколько суховата, как заметил мой друг (крайне впечатленный выступлением команды в 2017-м году на литовском фесте Devilstone).
Мне, признаться, казалось, что я не способен влюбиться в блэк на рельсах такой навязчивой психоделики, но французы год спустя доказали мне, что я не прав. Очень бодрый, запоминающийся, атмосферный, хоть и длинный, диск выдали французы, но об этом в следующей серии. "Kosmonument" же, по-моему, перегружен трэками и вполне мог бы обойтись без пары-тройки некоторых давящих на мозг неудобоваримых риффов, нарочито утяжеляющих восприятие альбома. И еще у альбома не вполне уместная обложка, подходящая скорее для техно-дэта, с их стилем нужно бы чего-то попроще и повинтажнее. Размах по сравнению с дебютным альбомом шире, эффект же поскромнее.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.