|
|
 |
|
| Сингл, выпущенный до выпуска альбома, как правило, служит рекламой предстоящего материала. Что же мы слышим на новом творении Омелы? Альбом будет другой. "Viscum Album" получил очень тёплый приём, как среди музыкальных критиков, так и среди простых слушателей. Многие, я в том числе, считают Омелу неким уникальным явлением на отечественной тяжёлой сцене. И оттого вдвойне приятно, что музыканты не стали останавливаться на достигнутом, эксплуатировать полученный высокий результат, а продолжают свои поиски и исследования. Первый альбом был больше, как мне кажется, сольным проектом Сергея Абрамова – как известно, проект «Омела» он вынашивал ещё с 1993 года, и "Viscum Album" стал результатом этих поисков Сергея. Новый же альбом станет уже полностью результатом деятельности группы Омела. На первом альбоме группы вся инструментальная часть служила как бы помощником прекрасному вокалу Абрея, несмотря на отдельные чудесные фрагменты, выполняла роль вспомогательную. На втором альбоме у всех теперь равные роли (безусловно, Сергей при этом остаётся главным вдохновителем). Это и отразилось в сведении – теперь вокал не выдвинут вперёд, более сочно звучит гитара (влияние нового гитариста ощущается в каждой песне), вся инструментальная часть стала более насыщенной. И ещё, как мне кажется, новый альбом явит нам Светлую Омелу, тогда как на первом альбоме она была Тёмная. Не в отрицательном смысле, день и ночь – это два полярных состояния, и ничто из них не является плохим – каждое чудесно по-своему. Так и здесь. Атмосферой первого альбома был грусть, в нём мы покидали различные миры, новые же были лишь приоткрыты, их очертания скрыты дымкой. Атмосфера второго – улыбка открытию новых. Дымка развеялась. Это, конечно, моё субъективное восприятие. Но думаю, каждый знакомый с творчеством группы отметит, что новые композиции в большей степени насыщены Светом.
Все три песни хороши, но заглавная тема – это такое же откровение, как «Дыхание Зимы» или «Половодье», уверен, она станет одной из центральных тем нового альбома.
Признаться, я не ожидал, что после шедевра 2009 года музыканты явят нам так быстро новые творения, по качеству не уступающие "Viscum Album". Как я уже говорил, сингл должен нести в себе рекламную, анонсирующую составляющую – и полагаю, что он с ней справился на все 100 процентов. Он не только заставит сердца поклонников биться чаще в ожидании релиза, но и понравится незнакомым с творчеством группы, и даже заинтересует тех, кого по каким-либо причинам не понравилось содержание либо атмосфера первого альбома.
Не ставлю 10 лишь потому, что это сингл – жду с нетерпением альбома!
|
|  |
|
|
|
|
|
| «Passing Through the Outer Gates» - стартовый релиз в серии « Eulogy», задуманной американским лейблом «First Fallen Star». Принимая участие в серии, музыканты, чьи интересы лежат на территории dark ambient, neoclassic, drone и industrial, должны в своих произведениях выразить свое отношение к посмертному опыту, осмыслить бытие души после смерти, ее скитания и переживания, различные аспекты бытия «по ту сторону».
Первый диск серии (прекрасно оформленный шестипанельный digipack формата A5 с тиснением серебром) стал и первым «штампованным» CD в истории Mystified, проекта Томаса Парка, в котором гигантоман успешно уживается с графоманом – это если судить по его обширной дискографии, щедро раскиданной по малотиражным «болванкам», изданным никому не известными DIY-лейблами и по просторам Интернета в виде сетевых релизов. Можно было предположить, что Парк для этого знакового в своей творческой биографии издания постарался изо всех сил, чтобы не ударить в грязь лицом – в принципе, он это сделал, но в меру своих сил, которых ему упорно не хватает для создания чего-то действительно интересного. Давая жизнь композициям с «Passing Through the Outer Gates», Томас использует монотонную электронную основу, плавный и бесформенный гул, короткие сэмплы из классических произведений, найденные или сгенерированные индустриальные звуки, а также разного рода доступные эффекты, вроде гоа-трансовых мерцаний в «Soul in Motion». Сэмплы, содержащие партии скрипок, контрабасов, траурных колоколов и различных духовых инструментов он зацикливает, наслаивает и перемешивает с резковатыми и чуть зашумленными текстурами, добиваясь или довольно атмосферного, медитативного звучания, или провоцируя скачки эмоционального напряжения – все это слушается, как отчетный концерт ученического оркестра, хотя и есть здесь свои сильные моменты, способные приковать к себе внимание. Общий мрачный фон своих творений автор подчеркивает ритмом похоронной процессии с еле уловимыми следами tribal, однако в случае с «Approaching Something» разгоняет программируемые барабаны до довольно быстрого темпа, останавливаясь в итоге где-то в районе «темного» downtempo. Во всех этих треках, к сожалению, присутствует «фирменная» черта Mystified - прилежно сводя все (немногочисленные) элементы вместе и расставляя их в нужном ему порядке, автор не особенно заботится о развитии композиции, не стремится к сложным аранжировкам, отчего окончание каждого трека не сильно отличается от его начала. Насколько этот диск Томаса Парка отличается от его же произведений, щедро раскиданных по всемирной паутине – трудно судить, но есть подозрение, что вы не много потеряете, если просто скачаете десяток-другой его альбомов, минуя «Passing Through the Outer Gates». А вот за идею подобной серии лейблу спасибо, будем надеяться, что к дальнейшему ее существованию приложат руки более известные и творческие люди.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Этот мир кошмаров и трагедии - чарующий и темный мир»
Это определение, данное самими музыкантами после записи альбома, кратко и точно характеризует эту запись. То, что альбом чарующий – это бесспорно, он просто великолепный, как говорится, «все включено».
Музыка стала, скажем, более зрелой. Парни не просто повзрослели, они пережили огромную потерю в лице барабанщика, прекрасного музыканта и просто друга Джеймса Салливана. И, слава Богу, они нашли в себе силы и мужество закончить эту запись, взяв в союзники прекрасного барабанщика Майка Портного. По стилю альбом более близок к предшественнику 2007 года, мне в их случае нравится определение «New wave of American heavy metal». Хотя здесь музыканты еще более раздвинули свои музыкальные рамки, не говоря о грустном настроении новой записи. Как всегда, в начале песни ты не знаешь, чем она закончится. То ли драйвовый боевик перетечет к концу в красивую балладу, как в "Danger Line", или, наоборот, прекрасная баллада закончится «качевыми» риффами ("Buried Alive"). Меломану здесь есть, чем поживиться. Для всплеска адреналина и энергии нужно слушать "Nightmare", "Welcome to the Family", "Danger Line", "Natural Born Killer", "God Hates Us", если есть желание погрустить и потосковать, то рекомендуются "Buried Alive", "So Far Away", "Victim", "Tonight the World Dies". Песни "Fiction" и "Save Me" я решил поставить особняком. Первую из-за необычной для группы аранжировки (только фортепиано и ударные), и потому, что песня исполнена дуэтом М. Шэдоуса и Джимми Салливана. Очень необычно, красиво и даже местами жутко. Песня "Save Me" – это шедевр сам по себе, 11 минут крутых риффов, чумовой ритм-секции, великолепных соло и прекрасного вокала. Все творчество группы пролегло через эту песню. Майк Портной здесь заслуживает отдельного упоминания, уж очень классно сыграно, особенно в ракурсе того, что на альбоме он старался играть по записям Джимми. Супер!
Хочется еще отметить прекрасную работу на альбоме М. Шэдоуса. Он поет и проникновенно с надрывом, как в "Buried Alive" и "Tonight the World Dies", и агрессивно и жестко, как в "Nightmare" и "God Hates Us". Великолепный музыкант и вокалист, который умеет исполнять как тяжелые, так и мелодичные песни. Один из лучших фронтменов тяжелой индустрии. Также не могу оставить в стороне Синистера Гейтса, волшебника шести струн. У парня сформировался свой неповторимый и узнаваемый стиль, он хорош всегда, то ли исполняет фоновую ненавязчивую партию, то ли выдает крутое соло.
Пусть со мной многие и не согласятся, но я считаю, что группа очень уверенно входит в ранг «Великих». Дай Бог парням здоровья и желания писать классную музыку!
|
| |
|
|
|
|
|
| Один из лучших примеров такого ныне подзабытого стиля, как speed metal. В отличие от земляков и собратьев по стилю из Agent Steel (гитарист которых, Хуан Гарсия, поначалу в Abattoir, собственно, и играл), также выпустивших в 1985 году дебютник, музыка ВИА "Скотобойня" не так технична и менее мелодична. Зато заметно влияние Motorhead. Кстати, на альбоме присутствует ускоренная версия хита "Ace of Spades" легендарных англичан.
Добавим, что "Vicious Attack" имел довольно серьезный успех в Старом Свете. Однако всю эту замечательную спид-металическую кашу несколько портит низкое качество записи: сказывается малый бюджет.
Хотя "низкое" - это, пожалуй, слишком, ведь тот же первый альбом Agent Steel, если признаться честно, также записан не ахти как. Тем более, что все огрехи компенсируются нехилой энергетикой музыки калифорнийцев.
|
| |
|
|
|
|
|
| На своем втором альбоме испанцы «As Light Dies не просто не замечают прокрустова ложа, по которому многие музыканты отмеряют каноны и рамки стилей - они разрубают его в щепки и играют по нему панихиду, смешивая doom, black, death & trash, готику, фольклорные мотивы и электронную неоклассику так, что критикам и рецензентам остается только развести руками и обозвать творчество этих музыкантов как-нибудь вроде progressive dark metal, что бы это ни значило. Начинается «Ars Subtilior from Within the Cage» с мрачноватой, но, безусловно, мелодичной и качественно спрограммированной неоклассики «The Very End», пассажи которой вбирают в себя гнетущий гул хора и эмоциональные всплески оркестра. Думается, что если бы испанцы решили застолбить именно эту нишу «темной музыки», их ждал бы вполне ощутимый успех. Скрежет разминающегося перед выступлением оркестра открывает также и «The Disinherited», но быстро уступает место тяжелым и быстрым риффам, довольно блеклым ударным и выразительному мужскому голосу (к испанскому акценту которого, впрочем, нужно привыкать на протяжении нескольких песен), позади которого тревожно пищат скрипки, вызывая ассоциации с кельтской тематикой. Музыка As Light Dies часто строится на диссонансах, когда партии инструментов словно на несколько мгновений теряют друг друга из вида, разъезжаются в разные стороны, двигаясь каждая со своей скоростью – пример этого можно услышать и в идущей следом песне «Le Nebuleux Sentier», и в «Insignificant Among Insignificance». Впрочем, «Le Nebuleux Sentier» подчеркивает также и интерес группы к акустике, фольклорным веяниям, готической тоске, выраженной плаксивыми скрипками, а также демонстрирует вполне разумную французскую речь, которая звучит здесь чуть более органично, нежели испанский-английский предыдущих и последующих композиций. Упомянутая готика расцветает пышным цветом в «Die letze Fuge vor der Flucht», в чем ей очень способствует пафосная и атмосферная основная тема, исполненная на органе. В «Trapped in Flesh» разудалые пляски соседствуют с брутальным дэтом, в шумливой тяжести которого находится место и для минорных расслабляющих проигрышей. За коротким «Yearning for Blissful Moments While Standing upon the Ruins» (шаги, ветер, колокольчики, ветер, гуляющий по пыльным улочкам заброшенного городка, мрачный синтезаторный гул и траурное пианино) следуют продолжительные, многочастные композиции, которые, с одной стороны подчеркивают умение авторов гармонично сочетать все вместе и сразу, с другой стороны, ясно показывают, что поползновения за пределы десяти минут – не их конек. Вот «Sombra y Silencio» всем хороша – женский вокал, страстно шепчущий и трагично вздыхающий на родном испанском языке, темная, тяжелая атмосфера с тревожными романтическими интонациями, сбалансированный готический метал, построенный на небанальных риффах и сольных партиях гитар. Но ближе к окончанию песни запал музыкантов гаснет, и они скатываются к монотонной музыке, растерявшей всю свою энергию, и даже бесконечные «охи-ахи» не способны ее оживить. «Insignificant Among Insignificance», как уже было сказано выше, полна диссонансов, скрипки в первой половине плохо сочетаются со всем остальным, зато вторая половина превращена в яростный зомби-хоррор с хрипами оживших мертвецов, тяжеленными скоростными раскатами гитар, могучим рыком и чистым вокалом. Видимо, потом все умерли, и бесплотные духи летают над выжженной землей в outro «When Everything Fades Away», представляющий собой бесформенный, размазанный эмбиент с промелькнувшим эхом большого оркестра. Безусловно, талантливый альбом, которому, однако, не избежать вопросов и упреков – в разобщенности некоторых элементов, например, или в их чрезмерном нагромождении. Но, в случае «Ars Subtilior from Within the Cage», симпатии слушателей будут, все-таки, определенно на стороне испанцев.
|
| |
|
|
|
|
|
| Финляндия в географическом плане всегда была "задворками" Европы, ну а в музыкальном оставалась таковыми до средины девяностых годов (нельзя не заметить, что вне рок-сцены Финляндия ничего выдающегося не произвела до сих пор, если не считать Яна Сибелиуса, Bomfunk Mc's, и нескольких оперных исполнителей). И вот на этой периферии параллельно с упражнявшимися в дэт-метале Amorphis и Sentenced выросло еще несколько очень серьезных коллективов, наиболее значительными из которых стали Demigod и Demilich. Группы, близкие не только по стилю и названию. Первые еще и стали, во многом, образцом для подражания для вторых. Хотя Demigod явно проигрывают Demilich в свежести идей для наполнения альбома. По большому счету, в 1992-м году таким дэтом никого нельзя было удивить. В разряд техничных дэтстеров финнов записали, скорее, задним числом - материал не прямолинеен, но ритмическими сбивками и виртуозностью исполнения похвастать не может. С точки зрения брутальности звучания Demigod тоже явно не изобрели ничего нового, скорости на "Slumber of Sullen Eyes" вполне умеренные, бластбиты отсутствуют напрочь. Однако культовый статус этого альбома был заработан непосредственно уровнем представленного материала. Дэт-метал до мозга костей, разбавленный лишь малюсеньким клавишным интро, с мощным звуком, отличными риффами (образцовыми, я бы даже сказал), с реально ощутимой плотной бас-гитарой и низким утробным гроулом. Глядя в добрые глаза вокалиста Есы Линдена на фото тех времен, абсолютно не веришь, что он может настолько увесисто и убедительно рычать в микрофон. Ну что ж, придется поверить... Кстати, не обошлось и без мелодий (Финляндия, все-таки), и иногда весьма приятных мелодий ("As I Behold, I Despise"), однако слушать альбом исключительно из-за них я бы не стал по причине ограниченного их числа. А вот чего реально не хватает в этом альбоме - так это гитарных соло. Без них музыка излишне суховата, и иногда непростительно скучна - все же, простора для сольных проходов оставлено достаточно, но не в почете они были у дэтстеров Суоми, что уж тут поделаешь? А в целом "Slumber of Sullen Eyes", если сравнить его, скажем, с отдаленным аналогом, коим может служить раннее (до 1991-го года) творчество Death, звучит несомненно круче.
Кстати, в отличие от Demilich, распавшихся окончательно, Demigod нашли в себе силы и желание для реюниона и выпуска еще нескольких альбомов. Жаль только, что на грани тысячелетий в моде была совсем другая "музыка из Финляндии".
|
| |
|
|
|
|
|
| Очень хороший альбом, несмотря на то, что ничего нового тут нет. Хотя кто ждал от Акселя нового?
В первую очередь, хочу похвалить Джонни Джиоли - спел прекрасно. Ярко, эмоционально, и главное, очень мощно. ДД беспощаден и к себе, и к слушателям, отрываясь по ходу всего альбома на полную катушку, он вытягивает все и везде по максимуму. Теперь Аксель. Он в форме: вгрызающиеся в память риффы, пронзительно-красивые соло и даже пара почти интересных моментов. Ударник стучит очень хорошо, басист не отстает, и в целом парни достойно держат ритм-секцию.
Саунд стал немного мягче, но при этом немного суше, поэтому альбом звучит довольно-таки жестко.
Музыка на этом альбоме, как и на всех альбомах Акселя - синтез из "Радуги" с Дио/"Саббат" с Дио/просто Дио и славных немецких тяжелых традиций (а-ля "Скорпы", "Акцепт", "Бонфаер").
Фанатам Акселя и просто любителям гитарного рока с мощным вокалом слушать обязательно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Какой неожиданный и могучий виниловый сплитищще от двух коллективов-тезок с норвежской пропиской! Лейбл "Курск" стабильно удивляет своими занимательными раскопками на давно забытых северных курганах, вот и в этот раз грекам удалось раскопать удивительный драгоценный артефакт. Лейбл не поскупился на соответствующую огранку для этого артефакта - он упакован в плотный конверт с чумовым оформлением, с постерами обоих коллективов и с объемными вкладышами, которые содержат множество фотографий и информацию о рекорд-сессиях для этих песен.
Открывает сплит Manes из города Аским. Этот проект по сути является детищем Vicotnik'а, который позже приобрел известность в рядах Dodheimsgard и Ved Buens Ende. Именно его перу принадлежит львиная доля представленного материала, хотя при записи ему и помогали басист да барабанщик. Изначально все это создавалось и записывалось в далеком 1993 году, но примечательно то, что некоторые части этих композиций были специально перезаписаны для этого сплита, так что эксклюзив, как ни крути. Слушая и переслушивая этот материал, отчетливо понимаешь, что по сути викотниковский Manes во многом явился предтечей всем хорошо известного Ved Buens Ende. Уже тут чувствуются ростки того неординарного и прогрессивного мышления, что расцветут буйным цветом на "Начертанном в водах". Нелинейные, подчас рваные композиции со звонким, чуток перегруженным звуком одновременно волнуют и настойчиво тормошат. И темп повествования, и его эмоциональный окрас меняются с периодичностью калейдоскопа, но после нескольких внимательных прослушиваний все встает на свои места - безупречная сюжетная логика являет себя во всей красе, и остается только снять метафизическую шляпу перед одаренностью юных норгов. Точная ритм-секция, яркая мелодика, витиеватая и сочная гитарная пурга, страдающий вокализ, необузданные рывки энергии и творческой мысли - все к лицу этим песням. В них чувствуются как вдохновение, так и долгая кропотливая проработка деталей. Реально сильный материал. В нем необходимая трушность сочетается с раскованностью и незашоренностью творческого мышления. В масть.
"Манес" номер два имеет прописку в Трондхейме. Это довольно известный коллектив, который в девяностых писал классный, загадочный и малеха депрессивный черный металл, кульминацией коего явилась полноформатная работа "Under Ein Blodraud Maane". В нулевых годах сего века этот проект ударился в экспериментальную электронику и чуть ли не в джаз, и потуги их на этом поприще, право, вовсе безынтересны. В последнее время трондхеймцы вроде как одумались и намекнули на возврат к корням. Результат возвращения блудных сынов мы можем слышать на длиннющей 15-минутной "Solve Et Coagula". Возвращение получилось не сказать чтобы триумфальным, но вполне вменяемым и вызывающим определенный интерес. Неспешное и загадочное действо балансирует на грани армированного клавишами депрессивного черного металла и насыщенного, вязкого дума. Гитарная работа не сказать, чтобы козырная, скорее дежурная. Но очень хороши клавишные атмосферные секвенции и шикарные вокальные дорожки, которые принадлежат голосовым связкам Малефика из Xasthur и Кварфорта из шведского Shining. В целом, этот опус однозначно неплох, но я бы решительно сократил его раза в полтора, а то слишком уж долго и муторно. Следующий, и заключительный, номер про Древнего музыканты вытащили из каких-то совсем уж несусветных закромов. Не удивлюсь, если это свидетельство их первого звукозаписывающего опыта. Оно представляет из себя размытое, немного даже аморфное нечто на расстроенных инструментах. Все гудит и трепещет, слегка фонит, атмосферно "переухивается" само с собой и жадно пожирает секунды жизни слушателя. Безусловно, получилось атмосферно и загадочно. Но вот обязательно ли к прослушиванию? Ответ отнюдь не очевиден.
Дочитавшие до этого абзаца уже наверняка догадались, что мои симпатии в контексте данного сплита принадлежат трио из городка Аским. Трондхеймцы тоже в форме и в теме, но, по видимому, на данный промежуток времени это не совсем форматная для меня музыка. В целом же, это классный и оригинальный сплит от двух некогда грозных сил в северном андерграунде.
|
| |
|
|
|
|
|
| На втором лонгплее «Доноры» развивались и эволюционировали, в общем, взрослели. Что похвально. Был подтянут звук, он стал более резким и ясным. Кажется, коллектив сумел в целом вырасти над своим мастерством, показанным на «Triangle of the Lost». Сильнее всего это заметно в сольных партиях гитары: они и на первом альбоме сильно напоминали игру гитариста Toxik, тут же гитаристы развернулись именно так, как это было удобно им (скорее всего, надо бы говорить: насколько это было удобно музыке Donor, этому своевольному организму). Группа стала напоминать такие техничные коллективы, как те же Toxik и Mekong Delta, которые, представим себе, не стали бы ничего вымучивать и заиграли бы немного грязновато, оставив позади всё кудрявое позёрство в духе «вот гляньте-ка, как мы круто вдохновляемся классической музыкой». В некотором смысле, «Доноры» уже оставили трэш как таковой позади. Большая часть песен выдержаны либо в медленном, либо в среднем темпе, в галоп банда практически не пускается (исключением является десятиминутная «Release», но за 10 минут в ней происходит очень много чего). Зато создаёт довольно тревожную, загадочную атмосферу. Не без помощи синтезаторов, кстати. И как ни странно, такая простая вещица (именно что не «вещь») как «Whispering Waves» прекрасно вписывается в общую картину.
Подводя итог, можно только похвалить и порекомендовать «Release», как шикарный образчик прогрессивного трэша (равно как и предыдущий «Triangle…»).
|
| |
|
|
|
|
|
| Если кто-то ведёт специальные записные книжечки, где записывает всякие хитрые и незаслуженно забытые группы в духе «must have heard», записывайте ещё одну: голландский трэшевый коллектив Donor. Если быть кратким: это что-то вроде Realm и Watchtower. Если более подробно: разнообразие ритмов и тональностей, кружева из баса и ударных, проглядывающие сквозь эпические полотна характерных гитарных риффов, высокий, временами очень драматичный голос, рассказывающий / поющий свои странные длинные истории. Материал достаточно железен и лейблу прогрессивного трэша соответствует вполне, однако, ввиду своей ритмической сложности к беспрерывному расколбасу не располагает. Держит, тем не менее, всю дорогу в напряжении. Даже когда песни начинают сливаться в одну длиннющую мрачную композицию (разграничивать их, и правда, сложно; может быть, это существенный минус альбома), слушать её интересно от начала и до конца. А потом снова и снова. Так что вот, найдите себе своего «донора» и подпитывайтесь.
|
| |
|
|
|
|
|
| В середине девяностых Pantera была на пике своей популярности: только что вышедшие “Cowboys from Hell”, “Vulgar Display of Power” и “Far Beyond Driven” продавались миллионными тиражами, группа ездила в суперуспешные турне как соло, так и сопровождая виднейших монстров тяжёлой музыки, Даймбэг Дэррел купался в заслуженной славе одного из лучших гитаристов поколения.
И поэтому, когда Филип Ансельмо объявил о выпуске альбома сайд-проекта, записанного с помощью четверых корешей из Нового Орлеана, ожидания были высоки, ведь супергруппу Down, помимо самого Фила, сформировали участники таких коллективов, как Corrosion of Conformity и Crowbar, которые тогда пользовались устойчивой популярностью и даже грелись в лучах MTV. Но смотрели прежде всего на вокалиста, и видели в нём исключительно Pantera, и поэтому от “NOLA” ждали одного – очередного диска техасских «Ковбоев из Ада» с незначительными изменениями.
И тем больше было удивление почтенной публики, когда выяснилось, что Down – это даже близко не Pantera, вместо пост-трэша на вышедшем альбоме играет замечательный стоунер-метал, мелодичный, мощный, «качовый» и просто отвязный. Музыканты сполна отдают дань уважения своим далёким предшественникам из Black Sabbath, показывая, как бы звучали англичане, будь они помоложе, поироничнее и порасслабленнее. Вязкие мелодичные риффы, стильные гитарные соло, мощнейшая ритм-секция – вот что такое “NOLA”. И конечно же, великолепный вокал Фила, который лишний раз доказывает, что он умеет воистину красиво петь в любом стиле. Знал ли он, догадывался ли, что много лет спустя Down станет его основной группой? Вряд ли…
Итак, казалось бы, перед нами – классический образец обманутых ожиданий, ведь публика ждала новое детище "Пантеры" под несколько иным соусом. Но только самый упёртый поклонник «Ковбоев» может скривиться и поворотить нос от “NOLA” – уж слишком искренним получилось у Фила Ансельмо посвящение любимому городу.
|
| |
|
|
|
|
|
| Monstrosity всегда причисляли ко второму, а то и третьему эшелону американского дэт-метала, и очень многие знают об этом коллективе лишь как о первой группе вокалиста Cannibal Corpse, Джорджа Фишера. Между тем, сами Monstrosity заслуживают не меньшего внимания, чем знаменитые мясники. А быть может, да простят меня поклонники "Каннибалов", и большего.
“Spiritual Apocalypse”, как и его предшественник “Rise to Power”, - по-настоящему современный, интересный, отлично написанный и звучащий дэт. Каждый инструмент – на своём месте, исполнительское мастерство – на высоте (думаю, претензий к профессиональным качествам такого мастера барабанного дела, как Ли Харрисон, быть не может), песни разнообразны и полны интересных находок, музыка ни на мгновение не превращается в однообразный шквал экстремального бласт-бита вроде Hate Eternal. Отдельно стоит отметить и нового вокалиста, Майка Хрубовчака. В 2003-м мне очень понравилась работа Джейсона Эвери на “Rise to Power”, и узнав, что его в группе больше нет, я был немного разочарован – качественного «ревуна» нынче найти не так-то просто, всё чаще натыкаешься на бессвязное хрипение или харканье в духе дэткора. Но Майк развеял мои опасения – его мощный и сочный рык превосходно дополняет монолит альбома.
Конечно, здесь не услышать ни оригинальность и запредельную техничность Nile, ни ломаные больные ритмы Morbid Angel, ни бесконечную энергию Krisiun, но на фоне безжизненной жвачки, предлагаемой уже упомянутыми CC и Deicide, “Spiritual Apocalypse” будет отличным приобретением для любого поклонника самого тяжёлого металла.
|
| |
|
|
|
|
|
| Что сказать? Пожалуй, лучший альбом этой группы. С первых секунд прослушивания он окунёт Вас в прекрасный, мелодичный и агрессивный мир нью-металла, причём самого его лучшего сорта. Начинается он с мощного риффа песни "Sinner", который сразу врывается в уши. Отмечу, что все песни этого прекрасного альбома являются хитами. По отдельности хочется отметить соло в песне "Follow". Настолько запоминающееся соло, с "космическим" эффектом мало где можно найти. Также очень важно - гитары, ударные и сам вокал имеют свой отличительный звук, так сказать, "правильно-агрессивный" и "эталонно-мощный". Лирика песен не лишена смысла, но слов в каждой песне всего 10-12 строчек. Но они так хорошо запоминаются, что хочется петь их вместе с DP вместе каждый раз, когда слышишь. Качество записи также на высоте, никаких нареканий. В общем - слушайте и наслаждайтесь!
|
| |
|
|
|
|
|
| Немного постучав по различным ударным инструментам на своем предыдущем альбоме, шведы Arcana вернулись в лоно более традиционных для себя дарквейва и эмбиента. Если "Le Serpent Rouge" был своеобразным инструментальным трибьютом к песне "Yulunga (Spirit Dance)" великих Dead Can Dance, то на "Raspail" дань отдана классической европейской музыке, на место шаманских ритмов пришли возвышенные хоралы католических церквей, на место змей и древних храмов пустыни - зеленые леса и журчание ручьев. В 2004-м главная ошибка группы заключалась в том, что музыканты, создав форму, забыли наполнить ее содержанием. Атмосфера на альбоме, несомненно, присутствовала, но она была очень разреженной, малопригодной для "дыхания" и вникания. На "Raspail" все встало на круги своя: вместо невнятных шумов - красивый женский голос, уверенный и эмоциональный мужской, и изобилие чарующих клавишных и струнных мелодий. Еще один несомненный плюс - отсутствие пресловутой "готичности" в ее современном понимании, поднадоевших напускных слез и удушливого мрака. Тем впечатляющей получаются "темные" и печальные композиции релиза - превосходные сами по себе, они много выигрывают на контрасте с основным материалом. Обреченная "Autumnal" буквально сотрясает душу, наполняя ее предчувствием чего-то фатального и необратимого. Благо, наполненная жизненной энергией и силой "Lost in Time" способна вернуть к жизни даже пребывающих в апатии (а каков здесь вокал!). Ну а воплощение лучших сторон альбома - это почти космические по своему воздействию композиции "Invisible Motions" и "Circumspection". Arcana вновь подтвердили свой статус лидеров мировой ethereal-сцены. Впрочем, Dead Can Dance сказали почти все в этой музыке задолго до возникновения данной группы, и большинство композиций "Raspail" так или иначе имеют аналоги и прообразы в творчестве австралийцев, и в альбоме "Within the Realm of a Dying Sun" в частности. Попытка уйти от навязчивых сравнений была сделана за счет уменьшения удельного веса вокальных партий, сведения их числа к минимуму. Не самый удачный ход, учитывая воистину волшебное воздействие голоса в сочетании с подобной музыкой. Впрочем, это не лишает "Raspail" моей благосклонности. Честное слово, он почти идеален, а пресловутая неидеальность обусловлена лишь попытками Arcana быть непохожими на ту самую, уже дважды упомянутую мною группу, пусть даже иногда наступая на горло собственной песне. А так их музыка просто прекрасна. Не на десять, но на девять с огромным плюсом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Суммируя название этого второго по счету альбома one-man-проекта из США The Howling Void и звучание представленного на нем материала, можно предположить, что эта музыка идеально подошла бы для церемонии похорон в космосе – оказывают сейчас и такую услугу, отправляя прах на орбиту, ближе к звездам. Впрочем, картина на обложке за авторством Федора Васильева (умерший в 23 года художник уже сам по себе довольно интересная фигура для funeral-эстетики), показывающая русскую распутицу, такую же бескрайнюю, как и звездное небо над головой, быстро возвращает с небес на землю, заставляя мыслить немного другими категориями.
Некто Райан (обозначенный в буклете просто как «R»), отвечая за существование The Howling Void, словно бредет себе неторопливо по той самой распутице (хотя еще неизвестно, как с ней обстоят дела на его родине), часто блуждая и двигаясь по кругу, слушая окружающий мир и предаваясь тоске. Вот и его музыка ходит по кругу – во-первых, она старательно кружит вокруг давно установленных канонов жанра, боязливо пытаясь выдать что-то свое, новое. Во-вторых, Райан, принимая за основу каждой композиции действительно впечатляющую мелодию (особенно западает в душу своей неземной красотой и эмоциональностью тема из заглавной «Shadows over the Cosmos»), начинает постоянно повторять ее, стараясь то ли загипнотизировать слушателя, то ли утомить (первое удается ему чаще, утомить получилось только в «Wanderer of the Wastes», ставшей своего рода границей альбома, за которой раскинуты бескрайние поля совсем уж промозглого doom ambient`a). В этом путешествии из ниоткуда в никуда мелодии прирастают шумом дождя, далеким перезвоном траурного колокола, тяжелым, неразборчивым рыком, гитарными риффами, которых трудно упрекнуть в оригинальности (но и любят их не за это), переливистыми тремоло и короткими интерлюдиями, окунающими слушателя в гнетущую тишину. Также в большом количестве представлен синтезатор - выдавая плавный «космический» гул и эмоциональные зарисовки, а также партии хора, имитирующие похоронный плач, этот инструмент порой занимает слишком много места, отодвигая на задний план и гитары, и без того не самые выразительные ударные. Ничего в этом страшного нет, только у ярых блюстителей жанра могут возникнуть неприятные вопросы к автору. Итог этих стараний американца – хорошо сыгранный и записанный, атмосферный и не очень тяжелый альбом, находящий в себе силы быть (местами) весьма интересным, и показывающий, что главное в музыке – это по-прежнему эмоции и чувства, которые у The Howling Void никак не получится скрыть за пеленой дождя и изгибами безжизненных звездных дорог.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось бы, Швеция начала девяностых поставляла исключительно олдовый death metal. Но у всех правил бывают свои исключения. Описываемая группа предложила на своём дебютнике разнообразный подход к вопросу о сочетании продвинутости с традициями сцены своей страны. Такая позиция сразу выделяет коллектив на фоне более стандартных терзателей струн того времени. Ближневосточное вступление настраивает на внимательное восприятие и подготавливает почву для дальнейших массированных действий. Развитие событий показывает значительную динамику, правда, характерно грязноватый звук вносит элементы негатива в общую картину восприятия. Сложно сразу понять, что перед нами не просто очередные шведы, а коллектив, способный предложить как интересные ритмовые модуляции, так и гибкий подход к гитарным партиям. Звук вносит свои коррективы, но через некоторое время начинаешь проникать глубже в структуру композиций и выявлять для себя прогрессивное наполнение альбома. Примечательна работа ритм-секции, которая, используя стандартный комплект приёмов, может закрутить неплохую спираль полиритмичных форм или фрагментарно пуститься в бластовую агонию более характерную для штатовских групп. Гитарные же ходы под стать ритмовой компоненте пластичны и способны манипулировать как чёткими отрывистыми фразами, так и широкими пластами перестраивающегося размера. Атональные мотивы в сцепке с проявлениями размытых диссонансов, обеспечивают глубину гитарным риффам. Характерно, что в таком материале нашлось место и редким проявлениям лиричности, обозначенным во вступлении. Наполнение альбома поначалу завораживает и сбивает столку своей причудливой и неожиданной формой. Потом же перестаёшь обращать на это внимание и просто наслаждаешься сильным материалом, способным удивить рядом неожиданных трактовок. Подводя итоги, хочется назвать данный лонгплей исключением, подтверждающим правило о шведской сцене начала 90-х. Таким образом, нет ничего удивительного в том, что коллектив не известен многим интересующимся сценой этой страны, но чертовски обидно, что такие альбомы, как описываемый, незаслуженно забыты.
|
| |
|
|
|
|
|
| Стыдно признаться, но предыдущие два альбома таинственной группы EA прошли мимо меня, так что, набивая эти строки, буду оценивать именно этот альбом, а не всю задуманную и реализованную трилогию – хотя после прослушивания «Au Ellai» желание ознакомиться с ней выросло многократно. Как и прежде, музыканты поют свои песни на древнем и забытом языке (скорее всего, выдуманном прямо по ходу создания материала, тем более манера исполнения вокалиста такова, что слов все равно не разобрать, да и буклет угрюмо молчит, отказываясь делиться какой-либо информацией), воссоздавая атмосферу давно исчезнувших цивилизаций. Стиль «Au Ellai» можно охарактеризовать как epic funeral doom, причем стоит оговориться, что от funeral здесь осталась манера подачи материала, но никак не общий настрой музыки. Она, музыка, получилась возвышенной, масштабной и довольно эмоциональной, чему очень способствует разнообразие использованных инструментов и приемов – мелодичные гитарные соло (с которых альбом начинается), положенные на характерный медленный ритм, соседствуя с тяжелым рыком вокалиста, сменяются вспышками размашистого оркестрового гула, атмосферными партиями синтезаторов, грустными переборами пианино, мелодичным перезвоном треугольника, раскатистыми партиями хора. Совмещая все это в монументальной композиции «Aullu Eina», музыканты четко соблюдают гармонию и логику, лишь под конец допуская некоторое «провисание» повествования, когда неторопливое течение музыки отдается на откуп скупым и монотонным риффам. Вторая композиция «Taela Mu» - это симбиоз синтезаторной подложки, меланхоличных клавиш и обступающих их со всех сторон напряженных гитар. Эта вещь становится предтечей «Nia Saeli a Taitalae», вот уж воистину монументальной и эпической вещи, слушая которую, совершаешь путешествие уже не по древним странам и континентам, а по сказочным, фэнтезийным мирам. Заполняющие пространство и соседствующие с тишиной голоса, масштабные мелодии, впечатляющие гитарные соло в конце – все это производит впечатление качественного саундтрека к высокобюджетным странствиям придуманных героев. Подчеркивая кинематографичность своей музыки, Ea делают очень убедительную заявку на самое достойное завершение альбома (и всей трилогии в целом) – многоголосье хора еще долго будет витать вокруг слушателя после окончания диска, не давая ему покинуть созданный музыкантами волшебный мир – его малую частичку запечатлели на обложке, а все остальное каждому придется додумывать самостоятельно в меру своей фантазии. Не удивлюсь, если после этого альбома Ea или исчезнут, так же таинственно, как и появились, или же кардинально сменят направление своего творчества – в данном воплощении они сказали и показали все, что хотели, оставив нас наедине с замечательной музыкой, которую не скоро удастся заменить чем-то новым.
|
| |
|
|
|
|
|
| Разглядывая обложку альбома французских хулиганов Tamtrum, сочетающую розовые подтеки гламура и панковский беспредел, хочется поначалу прокомментировать ее строками из песен коллектива, в которых без труда можно найти забористую матерщину и термины, более подходящие для порнофильмов, однако, когда начинает звучать музыка, это желание естественным образом проходит. Tamtrum вообще предприняли смелый шаг – издали два самодостаточных и довольно разных по звучанию EP на одном диске, как бы предлагая слушателям самим выбрать, куда группе следует развиваться в дальнейшем. На деле же получилось, что «Fuck You I'm Drunk» - это, по сути, буйная вечеринка со всеми вытекающими последствиями (хм, в контексте творчества французов фраза вышла какой-то двусмысленной, ну да ладно), а «Stronger Than Cats» - злое, беспробудное похмелье, когда болит голова и хочется материться совсем по другому поводу.
Итак, материал первого «мини-альбома» - забавный, хитовый и разухабистый электро-панк, щедро замешанный на гитарном саунде (опять же, можно представить себе вечеринку, «отягощенную» соревнованием в «Guitar Hero»), в хлестких порывах которого можно расслышать и блюзовые интонации (заглавная песня) и старомодный хард-рок. Все это поставлено на прямолинейный, как рельсы, ритм, не меняющийся на протяжении почти что всех песен, лишь уплотняющийся ближе к «Smart». Звучит все это по-хорошему старомодно – сердцем, конечно, понимаешь, что ребята стебутся, но какие-то повороты мелодий и нарочитый минимализм аранжировок (впрочем, проявится он в большей мере на «второй стороне» диска), вкупе с простоватыми звуками старых синтезаторов, навевают ностальгию по девяностым, когда многие электронщики смешивали техно и рок, выдавая энергичные хиты (и, конечно, KMFDM можно тоже вспомнить). Главный хит здесь – именно «Fuck You I'm Drunk», моментально приседающая на уши вещь, под которую можно прыгать с друзьями, расплескивать пиво и орать фразу, вынесенную в заголовок. Трек создан для ротации на музыкальных каналах и для составителей чартов, не зараженных ложной скромностью.
Второй «мини-альбом» - похмельный. Гитары убраны (или, после вчерашнего, сломаны), есть только драм-машина и винтажный синтезатор, а также сильное желание заехать кому-нибудь по морде. Французы достаточно уверено выдают увесистые порции добротного и экспрессивного олдскульного EBM, тут же заставляющего помянуть Nitzer Ebb. Еще более прямой ритм, скупо раскиданные холодные, «технологичные» звуки и вышеупомянутый минимализм аранжировок, доведенный здесь практически до абсолюта, плюс агрессивный вокал – сейчас такого в «массовом производстве» не встретишь, тем ценнее то, что предлагают Tamtrum.
И «Fuck You I'm Drunk», и « Stronger Than Cats» - идеальны для танцпола, разве что только танцующих лучше развести по разным залам, во избежание проблем. Люди, колбасящиеся под первую часть диска, предпочтут заехать противнику по голове бутылкой текилы, а те, кому придется больше по душе вторая половина, предпочтут воспользоваться булыжником, тем самым оружием пролетариата. Кто из них победит – вот вопрос.
|
| |
|
|
|
|
|
| Прослушивание сего монументального творения заняло у меня больше двух лет, и все это время, учитывая тот эффект, который произвели на меня в сей раз "Кримсоны", мне совсем не хотелось снова слушать эту пластинку. Однако что-то заставляло меня к нему вернуться и сформировать свое мнение по поводу этой работы. Возможно, то, что давал подруге переписывать кое-что из их дискографии и сам включился в процесс и переслушал основные работы "Кримсона", включая "Red", "Larks", и первые три с Адрианом Белью. И только через недельку после всего этого я принялся слушать заново "Power to Believe", пытаясь воспринять его насколько возможно объективно. И скажу я вам, снова ни черта я в нем не услышал! Ничего нового в новой студийной работе! Кроме четырех треков ("Eyes Wide Open", "Power to Believe II", "Happy with What", и "Facts of Life") тут слушать, пожалуй, нечего. «Пожалуй» сказано к тому, что в работах великих английских пурпурных шизофреников всегда можно что-то отыскать, и вполне возможно, что лет через пять я пойму, что что-то я таки упустил. Но пока что, сдается мне, что король-то голый (эх, вот это каламбурище! Фрипп не простит!).
Во-первых, добивает непомерно вязкий, тяжелый звук. Не поймите меня неправильно, в этом ничего плохого нет. Вот только атмосфера им навеваемая... давит. Хотя, что говорить, как с первым альбомом начали грузить еще до Black Sabbath, так и продолжали все это время, попеременно. На последнем альбоме, "Construction of Light", звук тоже заметно усилили, но здесь товарищи переборщили – вкупе с определенной долей депрессивности, демонстрации подобных навыков по художественному лязгу и техничному танкопробегу хватает для того, чтобы выключить эту хрень и послушать Morbid Angel "Blessed are the Sick". Здесь хоть какая-то душевная музыка (душа правда чорная, но все же!).
Во-вторых, большинство новых композиций КС – демонстрация перфекционизма самоплагиата. Что "Level Five", из которой, скорее всего, хотели слепить очередную "Larks Tongues Part X" или "Red", что "Dangerous Curves". Потому в контексте King Crimson, которые делают это уже довольно давно, когда-то считавшаяся крайне новаторской зацикленность мелодий и их необычные разрешения в композициях уже не спасают. Команде развиваться по жизни суждено, что они столько раз уже доказывали. И вот, по сравнению с подобными экзерсисами на "Construction...", вышедшем тремя годами ранее, это звучит именно, как ни грустно это признавать, опять же, как самоплагиат. Быть может, музыканты и пытались развивать идеи предыдущего полноформатного студийника, но как-то не очень вышло. И прошлый мини-альбом много креатива не выявил. Быть может это закат карьеры КС...
Еще одна вещь, которая сильно достает на диске (хотя, быть может это субъективно), это пение «She cursed me...» которое встречается на пластинке аж в четырех местах и представляется мне пением девушки, бредущей через Берлин периода второй мировой, который интенсивно бомбят, а она знай себе бредет, или ползет, и все-то её никак не накроет шквалом артиллерии. Наверное, у нее хватает Силы Верить. Извините, у меня, судя по всему, нет.
P.S. А, кстати, классная обложка! Хоть что-то радует!
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий Samhain – еще один классический альбом из всей данцигофикации, то есть того, чего коснулся своим креативным даром Глен (справедливости ради скажу, что на "Самайновских" пластинках старались все). Пока что автор великого в недалеком будущем хита “Mother” еще не старается петь под Элвиса или Моррисона, что ему стало хорошо удаваться на втором и третьем соло-альбомах, но вовсю воет, скрежещет зубами и порыкивает.
“Diabolos ’88”. Это короткое вступление, которое позволяет погрузится в мрачную и таинственную атмосферу мира "Самайн" - демонические бормотания и церковные хоралы, позвякивания колокольцев, и неспешные перебежки ударных со звуком литавр. Затем следует “In My Grip” - эта вещь могла бы войти на один из поздних альбомов Misfits первого созыва. Она несколько шустрая, гитары играют что-то вроде спид-метала, но ударник совершенно никуда не торопится и играет в одном темпе. “Mother of Mercy” - возможно, лучший трэк "Самайн", сокрушительный и размеренный. Текст убивает, а припев можно петь бесконечно. Классика! Лязгающая “Birthright” сменяется балладно-спокойной “To Walk the Night.” Дальше еще один убивец, “Let the Day Begin.” Не скоростнее второго трека, но с более хищной хваткой и яростной лирикой про мировые религии. За ним идет вещь Misfits – “Halloween II.” Danzig еще долго её потом играли вживую, и правильно делали – это мрачнейший хит с риффом, напоминающим заколачивание гвоздей, оккультным текстом на латыни и примитивнейше-шедевральным припевом. Эри Вон хорошо, глухо и коротко подрыкивает. Под такие песни, пожалуй, трудно меситься в моше, но, наверняка, легче задрав руки в воздух, орать большой толпой, пока глотка не откажет и молотить лбом по плечам впереди стоящих. За мало чем выделяющейся “Novembers Coming Fire” следует “Kiss of Steel”. Ну, снова трек под стать зубодробительным "Мисфитс", только с более крутым крепким звуком, в частности, более глубоким басом. То же можно сказать и про “Unbridled.”
Что касается “Human Pony Girl”, то это вещь особенная. В ней присутствует атмосфера болезненности и мрака. Гитара крайне медленно и зацикленно играет одну и ту же партию над всеми другими инструментами. У ударных тоже одна партия из двух ударов, но воспринимается это как медитативная партия там-тама. Все остальное пространство занимают бас и вокал, выплевывающий проклятия и угрозы. Пожалуй, это один из тех треков, которые могли повлиять на скандинавский блэк-метал не меньше самых важных вещей Venom и Hellhammer (на которых, как я писал уже ранее, похож и первый диск "Самайн"), главным образом, по части атмосферы.
Таков предпоследний релиз Samhain, после которого ребята тиснули еще один мини-диск "Final Descent" (одна из версий которого включала в себя также мини-диск "Unholy Passion"), а затем половина команды двинула раздвоенные копыта в неизвестном направлении, и оставшиеся, найдя замену, сменили название на Danzig.
|
| |
|
|
|
|
|
| Для начала немного истории. В 1992 году британский коллектив Salem Orchid, игравший black/death metal с сатанинскими текстами, вдохновленный Suffocation, и выпустивший четыре демо, получил приглашение новоявленной команды Cradle of Filth на свой концерт. Приглашение тогда отклонили, так как барабанщик решил, что нечего время тратить на команду, которая с таким дерьмовым названием вряд ли когда-нибудь выберется в свет. Вскоре Salem Orchid и сами распались. Пять лет спустя три четверти состава "Салемов" собрали новую команду под названием Akercocke, которое они позаимствовали из “Фауста” Гёте. Пока они распадались, собирались, и сочиняли новый материал, музыка CoF получила мировое признание, что "Акеры" признали, выйдя из креативного затворничества в 1997-ом, попав как-то на концерт земляков. Завязалась дружба и вскоре Пол Райан, один из основателей CoF, а также Blood Divine, стал посредником группы при заключении контракта с Peaceville (который, правда, долго не длился).
Всё это я пишу по той причине, что без желания быть каверзным, при условии вышеописанного, нахожу любопытным, что несмотря на различие в стилистике чисто музыкальной, ибо Akercocke в момент выпуска данного, дебютного, альбома играли брутал-дэт с примесью блэка с очень низким звуком, эстетические и идейные ценности обоих команд были схожи. И те, и другие пели (ну ладно, рычали и визжали) о богохульстве, сексе, извращениях (трек-лист показывает, что эти сатанисты хорошо осведомлены о работах де Сада и Мазоха), привлекали женский вокал для разнообразия (а эти барышни еще солидарно вопили, как резанные), и запечатлевали на обложках обнаженных девок, а в буклетах – их же, только парами и в страстных позах. Кроме того, они использовали ревущий, «скрим», а то и чистый вокал.
Что же касается отличий – на обозреваемом дебюте "Акеры" не чужды всяким экспериментам. Будущие альбомы покажут отрыв от корней и путешествие к чрезвычайно прогрессивным формам. На дебютнике они используют шумовые эффекты (в коротеньких трэках “Goat” и “Sephiroth Rising”, местами в “Justine”). Еще тут в нескольких местах имеются отдельные треки, посвященные всяким чернокнижным заклинаниям и проклятиям. Еще в одном месте появляется виолончель.
Дэт, который старательно режут одетые в костюмы и галстуки господа англичане, звучит скорее по-американски, нежели по-европейски. Может, где и проскальзывает линия ранних Entombed, но мне все больше чудится Deicide, только, как уже писалось ранее, с более низкой настройкой звука. На следующем альбоме будут более частые смены ритма и зарисовок, а пока приходится довольствоваться менее изощренным рубиловом. Да и соло-гитаристу еще стоит попрактиковаться в более-менее слаженном звукоизвлечении, а то, как он пилит, и детсадовец может выпилить.
Я как-то уже писал, что терпеть не могу “запрятанные” треки. Вот еще один пример этого, непереносимого мною, баловства. Только здесь парни пошли в точности по дороге, проложенной Гленном Данцигом на его четвертом альбоме. На диске в целом, как показывают цифры, 66 трэков. После “Justine” все затихает. Трек “Blood” – трех секундная тишина, и эта традиция продолжается до 66-го трека, который представляет из себя две минуты шумовых эффектов.
А в целом - динамичный дэт с необычными и оригинальными моментами. Дальше будет больше.
|
| |
|
|
|
|
|
| Оформление данной пластинки вполне подошло бы какому-нибудь power-электронному релизу - этому способствуют как общие милитаристко-геноцидные мотивы, так и фотографии музыкантов в шапках с прорезями для глаз вместо обычного корпс-пэйнта... ну а по факту "Warmongers of the Doomsday Cult" объединил на одном компакт-диске достижения двух малоизвестных Black-металлических формаций-единомышленников с разных сторон света.
Дуэт SEGES FINDERE развеивает мнение о Бразилии как о стране, в которой умеют играть в футбол и выращивать кофейные культуры, но хронически не умеют сочинять правильный Чёрный Металл. Шесть представленных сочинений не являются выдающимися, но тем не менее звучат солидно и убедительно: жёсткий и прямолинейный поток бласт-битов в связке с плотной трамбующей гитарой и яростным гроулом идут напролом сквозь слушателя, не размениваясь на мелодии, авангардизм и прочие эмбиенсы... элементов индастриала, которых я ожидал от этого материала, в музыке обнаружено не было, и даже заключительный трэк "White Noise", располагающий к чему-то шумовому и колючему, звучит слегка рок'н'ролльно и пожалуй что наименее экстремально в сравнении с прочими. Нелишним будет добавить, что некогда участники SEGES FINDERE находились под некоторым влиянием экстремистских NS-идей - это к тому, что вопреки соответствующему облику и сопутствующей атрибутике никакого патриотизма за бразильцами и близко не ощущается. Ну а вообще материал вполне способен заинтересовать любителей современной интерпретации заветов Ross Bay-культа, ибо музыка получилась столь же прямолинейной и недвусмысленной.
Вторые шесть треков представляют собой дебютный EP "Третий Потоп Человеческой Крови" команды DOOMSDAY CULT не то из Омска, не то из его окрестностей... эксплуатируя приблизительно тот же имидж, что и SEGES FINDERE, КУЛЬТ СУДНОГО ДНЯ звучит совершенно иначе: творческое мышление музыкантов тяготеет к современным стандартам быстрого Black Metal с участием воинственных сэмплов, но также без электронной поддержки. Как и многие другие молодые ансамбли-единомышленники, DOOMSDAY CULT отказываются делать упор на зажигательность риффов, изысканность атмосферы или хотя бы самобытность, компенсируя их отсутствие интенсивностью музыки и общей агрессивностью написанного. Скажем так, в сравнении с альбомом THY REPENTANCE "Control Shot/Halls of the Red" этот материал звучит не в пример более жёстко, но на порядок менее эффектно и запоминаемо. Звук, напротив, вышел удачным - сочный и разборчивый микс позволяет без труда проследить за траекторией каждой инструментальной дорожки... в-общем, все минусы музыки упираются, как слышится мне, в развитие композиторских навыков и DOOMSDAY CULT на текущий момент являются не более чем одними из многих.
По итогам прослушивания я не могу заключить, что обе команды как вместе, так и по отдельности в полной мере оправдали обещания пресс-релиза касаемо образцового war-металла - это относится скорее к прошлогоднему дебюту NEBELWERFER. Несмотря на то, что сплиту не уготовлена учесть попасть в пятёрку лучших мурманских релизов, слушается он без напряга и не без интереса, и рекомендовать его к приобретению считаю нужным тем слушателями, в понимании которых главное воплощение сатанинской доктрины заключается в массированных бомбардировках, грохоте канонады, всполохах ядерных взрывов, всеобщем глобальном милитаризме и методичном геноциде гражданского населения.
|
| |
|
|
|
|
|
| За одно только название "Шлюха-головорез" воронежская РУИНА вызвала моё почтение ещё до прослушивания диска: чем больше адептов латыни и высших философий рождается вокруг Чёрного Металла, тем более ценными мне видятся такие вот чернушные шалости.
Кредо RUIN образца 2007-2008 гг. - оголтелый Black Metal, пропитанный ароматами гнилой плоти и разрытых могил. Первые четыре "обрубка" посвежее - они представляют собой второе безымянное демо, записанное в 2008 году. Музыканты не привязываются к определённому темпу и на скоростях от быстрой до средней рубят Black Metal исключительно гитарой и ритм-секцией. Риффы Дмитрия Мясолюбова вышли незамысловатыми и немногозвучными, но вполне драйвовыми и качающими, так что любители прямолинейного Чёрного Металла с трэшевым отливом должны остаться довольными услышанным... ритм-секцию Дмитрий поделил с барабанщиком Александром Богоедовым: линии ударных укладываются в чётные интервалы, а плотный и рельефный бас периодически выползает на передний край микса. Хриплый вокал представлен в лающей речитативно-повествовательной манере и не без сарказма повествует о всяких брутально-кладбищенских делах... среди прочих сочинений слегка выбивается из общей колеи лишь "Катарсис" - на фоне сосредоточенного чёса предыдущих пьес он воспринимается более медленным и неровным. Общее впечатление от услышанного остаётся благоприятным... вторая половина диска отведена под первое демо трёхлетней давности. Несмотря на то, что заключительные три песни названы и спеты на английском, суть музыки от этого не изменилась - RUIN начинали с того же яростного и незамысловатого саунда, к которому пришли спустя год. На мой слух, этот материал звучит более агрессивно и ядовито, но несколько менее собранно и самобытно, что запросто списывается на творческую "молодость" авторов.
Для справедливости следует отметить, что на альбоме нет песен, заслуживающих статуса хита, однако каждая из семи дорожек крайне недурна собой и достойна неоднократного прослушивания, да и второе демо ложится на слух ровнее первого, что иллюстрирует наличие творческого роста ансамбля... ну а в целом рекомендовано тем слушателям, которых не смущают простые и прямолинейные формы Black Metal.
|
| |
|
|
|
|
|
| После того, как гитарист AsbestosDeath Том Чой был заменен на Джастина Марлера, банда сменила название на Sleep, и уже через год после смены состава выпустила свой дебютный альбом. Если вам доводилось слышать AsbestosDeath, вы поймете, что из себя представляет "Volume 1", так как кардинальных изменений музыка не претерпела. Если же вы знакомы только со стоунеровым Sleep, то первенец команды для вас, возможно, будет не просто большой неожиданностью, а неожиданностью очень неприятной и занудной, особенно если нестерпимо медлительный сладж-дум вроде Burning Witch или Grief кажется вам чем-то из ряда вон выходящим и не поддается восприятию. Думаю, в таком случае попытка дотерпеть до финального трека будет стоить огромных усилий и вряд ли увенчается успехом. Но не стоит ставить крест на этом диске, так как постепенное приобщение к отмороженной музыке может со временем пролить на него новый свет, очень привлекательный и завлекающий.
Хотя на "Volume 1" чувствуется манера игры и подход всех участников "классического состава", исполняемая в 1990-91 годах музыка эмоционально является, с позволения сказать, противоположностью каноничного (читай - беззаботного, угарного, бодрящего и так далее) стоунер-дума (несущего, впрочем, отголосок раннего творчества группы), который содержит культовый "Sleep's Holy Mountain". Медлительные, однообразные, уродливо искаженные "сэббетообразные" риффы, окунающие с головой в угольного цвета ил, для развеселого стоунера не характерны, а кричащий, безалаберный вокал и монотонные ударные только подливают масла в огонь. По ощущениям это близко к сладж-думу, и для создания подобных впечатлений тут имеется хорошее подспорье. Музыкальной грязи на CD предостаточно - хромая ритмика, изрыгающая то хардкоровый долбеж, то постепенное нагнетающее ускорение, короткие, визжащие язвы-соло, исполосованный немыми паузами и затишьями блюзовый в своей основе риффинг и неперевариваемый примитивизм. Это, конечно же, не эталон музыкальной экстремальности, скорее, болезненный зародыш современного сумасшествия, но, с другой стороны, один из первых смачных плевков из лагеря doom metal в сторону гармонии и мелодичности. Если вам нравится мрачная и сальная музыка, то с истоками в лице сего альбома ознакомиться нужно обязательно, а людям, предпочитающим "нормальные" и здоровые направления, рекомендую обойти "Volume 1" десятой дорогой, дабы не испачкаться в уныло расползающемся мусоре.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.