|
|
 |
|
| Eighteen Visions по праву можно отнести в неформальную «Большую пятёрку» калифорнийского металкора вместе с Avenged Sevenfold, Atreyu, Bleeding Through и Throwdown. С последними же двумя узы связывают не только дружеско-соседские, но и поистине родственные – запутаться в отслеживании «кровосмешения» трёх групп не составит особого труда, отметим лишь, что вокалисты Дэйв Питерс и Брендан Скьепатти вполне официально занимали гитарные вакансии в Visions, причём именно последний успел приложить свою руку к «Vanity», ставшим переходным в творчестве группы. Впрочем, первый «звоночек» грядущих перемен прозвенел ещё за год до этого, когда в компиляцию The Best Of затесалась «Motionless and White» - песня ныне культовая в определённых кругах, а некоторых вдохновившая и на создание своей группы.
Что же тут особенного? Идея для тяжёлой музыки, в принципе, далеко не нова – начать впечатлять слушателя, не только брутально заваливая его кувалдоподобными гитарными хуками и оглушая треском барабанов, а начать воздействовать на «чакры» повыше. С этой целью Eighteen Visions обращаются к уже почти принявшему свои привычные для современного слушателя очертания пост-хардкору - точнее, к его самозабвенной мелодической компоненте. Однако, Visions, несмотря на все свои нововведения, от старого курса ушли не так далеко, как может показаться - хоть амплитуда волн здесь намного «милосерднее», чем на том же «Until the Ink Runs Out», но и хребет представленная стихия поломать способна!
Все нововливания привели к тому, что перспектива песни в формате данного альбома – дрожащая линия, с небрежно отмеченными на ней сменами ритма, брейкдаунами, барабанными сбивками и яркими очагами мелодий, вспыхивающих как ради непродолжительного эффекта, так и постепенно разгорающихся в полноценный пожар. Подобный подход проявляется в значительной доле песен, в том числе и в во всех самых заметных – тут и «Vanity», которая, как и полагается «титульнику», является физической и ментальной квинтэссенцией альбома в целом, и «One Hell of a Prize Fighter», в которой отметился на тот момент ещё не особо известный Говард Джонс, и «Sonic Death Monkey»… Даже поп-сингловая «You Broke Like Glass», в которой Джеймс Харт невозбранно подражает Скотту Вайланду, и не думает сидеть в стандартной для своей роли «клетке» из формулы «куплет-припев».
Однако же, есть в этом альбоме и гораздо более занятные явления. Если сейчас, по-настоящему The Cure-овские «Gorgeous» и «Love in Autumn» выглядят логичными предвестниками последующих жанровых кульбитов группы, то в 2002 музыканты были поистине преданы анафеме со стороны определённой части своей фан-базы. Следует добавить, что именно Eighteen Visions и стали родоначальниками того, что спустя несколько лет воплотится в каноничный эмо-образ, вдохновив на создание термина fashioncore. Ещё в конце 90-х, тогдашний басист Хавьер ван Хусс активно посещал курсы стилистов, а вокалист Джеймс Харт подрабатывал в одном из крупных модных бутиков, что и привело к некоторым изменениям во внешнем виде группы. Кстати, сам ван Хусс, судя по его Инстаграму, не зря покинул группу в 2000 ради своего увлечения, а любовь к музыке осталась с ним до сих пор. А Калифорния в очередной раз оказалась виновной в «обабивании» ещё одного «мужского» жанра...
|
|  |
|
|
|
|
|
| Калифорнийцы Candy (есть ли более подходящее для пауэр-попа название?) в хронологии 80-х скромно расположились между стоящим особняком дебютом Motley Crue и в меру известными Enuff Z’Nuff. Скромно – наверное, мягко сказано. Хоть и ходили «сластёны» под знаменем вполне себе солидного Mercury Records, который через год будет «толкать» по миллиону копий «Slippery When Wet» в месяц, но для наших героев это погоды не сделало. Однако, слушая «Whatever Happened to Fun», понимаешь, что вина группы в этом вряд ли присутствует. Музыканты настолько искренне решили навалить Каноничности™ на всех уровнях, включая технический (дебют был записан под присмотром Джимми Йеннера, продюсировавшего Bay City Rollers и Raspberries, и вокалиста последних Уолли Брайсона), что выйди этот альбом лет на десять пораньше – быть ему безоговорочно в разряде классических для жанра! Погорячился ли я? Вполне может быть, ведь Candy удаётся выдерживать просто-таки потрясающую свежесть звучания, не обращаясь ни к металлическим, ни к AOR-элементам, и извлекая из классического саунда 70-х всё самое лучшее и избегая любого намёка на «нафталин».
От него же спасает и другой нюанс – «Whatever Happened to Fun» буквально насквозь пропитан универсальной тематикой юности и, особенно, типичной для многих тоски по ней. Беззаботность, «зависание» с друзьями, первая любовь и поцелуй, мечты о будущем… Мы проходим через это ярко, шумно, но быстро, а воспоминания остаются навечно внутри нас, иногда выцветая и затираясь куда-то в «складки» памяти. Сами же Candy и взывают именно к ним через свои простецкие рефрены, настолько умело протягиваемые через такие же незамысловатые, но цепкие мелодии, что подпевать сладкоголосому Кайлу Винсенту хочется в любой песне без исключения, а его призыву в «Electric Nights» - stay forever young – хочется следовать безоговорочно!
Подвести итог хочется насколько банально, настолько же и искренне: «Whatever Happened to Fun», пробив панцирь возрастной чёрствости, оказался для меня альбомом волнующим, «тёплым» эмоционально и, не залезая за словом в далёкий карман – душевным. Очень хочется верить, что подобная соплив… сентиментальность есть следствие убедительности самой музыки, а не исключительно моей излишней впечатлительности.
И, дабы сбавить градус этой самой сентиментальности, обратимся к фактам энциклопедическим – гитарист Гилби Кларк в начале 90-х заменит в Guns N’Roses уставшего от всех и вся Иззи Стрэдлина. А сама ритм-секция Candy окажется весьма дружной троицей и составит костяк ещё одного недолго жившего хард-рокового проекта Electric Angels.
|
| |
|
|
|
|
|
| После многократного прослушивания, самые стойкие ассоциации первенец Professional Murder Music обрёл не с кем иными, как с… мэнсоновскими «Механическими Животными». Нет, под этой ярко-фиолетовой обложкой вряд ли получится найти китчевую гламурность, малейший намёк на концептуальность или какие-либо отсылки к Ницше и Уорхолу. Самое мудрёное, что здесь есть – это название (которое, по моему мнению, очень уж гармонично бы встроилось в грайндкоровый аттитюд), а вместо попыток заигрывания с настроением и пафосом 70-х – предельно простой в своей физиологии, но очень уж «стильный» и обаятельный вариант в меру тяжёлого альт-рока.
Но вот что их роднит, так это сам способ выражения. Под «глянцевым», но плотным слоем въедливых гитар пробивается по-настоящему мощный пульс меланхоличных и хитовых мелодий. А разного рода клавишные и эффекты хоть и добавляют лоска, но не сковывают дыхание музыки излишней «синтетичностью», интегрируя все компоненты в чуть ли не по-рок-н-ролльному живую материю. Именно это и мешает с чистым сердцем нацепить на альбом ярлык даже коммерческого индастриал-рока – нет здесь типичной для стиля напускной «механистичности» и сухости. Чередующиеся и накладывающиеся друг на друга вспышки риффов, сольных минорных проигрышей и насыщенной электроники сливаются в сплошной наваристый, но лёгкий поток звуков и эмоций, к скорости относящийся весьма пренебрежительно – за исключением почти танцевальной «Everything in the World» и ядовитых «Your World» и «Of Unknown Origin», а всё напряжение концентрирующий последовательно на каждом «квадратном метре» песен.
Перехвалил? Отнюдь, но, впрочем, есть тут пространство и, самое главное, пара поводов и для дегтярных клякс. «Нуарная» вальяжность группы срабатывает исключительно при наличии соответствующих мелодий, нюх на которые подвёл в «Sleep Deprivation». А инструментальный «фит» с DJ Lethal выглядит бесполезным довеском ради громкого имени в «credits». Но всё это вряд ли помешает мне считать Professional Murder Music достойнейшим образцом «дарк-поп-тяжеляка», как сподобившегося на отъявленные хиты – «Slow», «Fall Again» с великолепным участием Троя Ван Леувена и один из лучших каверов на The Cure в истории – так и имеющего своё собственное лицо.
И как, после такого начала, группа умудрилась закончить свою карьеру акустическими каверами – в том числе, на Radiohead – вопрос на засыпку.
|
| |
|
|
|
|
|
| Snake River Conspiracy имеют шансы остаться в памяти не только благодаря незаурядному названию, но и делам музыкальным. Группа, но фактически дуэт – не беря во внимание немалый список туровых музыкантов, костяком проекта в течении всей его непродолжительной жизни оставались неприжившийся в небезызвестных Third Eye Blind Джейсон Слэйтер и соблазнительная носительница латиноамериканских кровей Тоби Торрес – как и большинство female-fronted проектов на стыке веков пустили свои корни в плодородные почвы, возделанными не кем иными, как Curve. Но от британского, опять же, дуэта, выросшего на полях лондонской электро-поп-сцены, SRC заимствуют лишь самую основу в виде увлекающей диффузии элетроники и гитарного звука, оставив склонность к полному подражанию своим таким же, недолго жившим, калифорнийским землякам из Dollshead (что вполне ожидаемо, тоже дуэт).
Окончательная же реакция произошла под влиянием сугубо американских реактивов – как и в случае с Curve, имевших влияние таких личностей, как Алан Молдер и Flood, звучание SRC оформилось под присмотром Дэвида Кана (Fishbone) и Чарли Клоузера. Наверное, именно, последний и помог группе не стесняться своей чувствительности к флюидам Nine Inch Nails, которые, как ни странно, не сыграли ведущую роль на альбоме. Да, есть и «Breed», и «Oh Well», и «Somebody Hates You», и ещё пара образцов уже полюбившегося на тот момент синтеза дисторшированных гитар и почти танцевального бита, но, несмотря на всю их симпатичность, при упоминании Sonic Jihad, первыми в памяти всплывают очень уже неожиданные, почти Принсовские номера! Слушая «Act Your Age» и «Casualty», с одной стороны, не грех вспомнить его эксперименты конца 80-х, в том числе и психоделические, а с другой, невольно посещает мысль – а может, так и звучал бы мистер Нельсон с поправкой на 90-е, не сойди он с ума от наркоты и не ударяясь в религию и трёхчасовые опусы.
Вообще, «Заговор Змеиной Реки» не постеснялись обращаться к стороннему творчеству, поместив на альбом сразу три кавера. Тут и мрачное электронное воплощение «Lovesong» The Cure, и Бог весть какая по счёту версия «How Soon is Now?». Кстати, нетленка The Smiths на стыке веков пережила вторую молодость – тогда о ней заставили вспомнить и Paradise Lost, и Love Spit Love, чья версия прославилась благодаря некогда популярному сериалу «Charmed», и даже t.A.T.u. А ещё один кавер явно был вдохновлен одним из продюсеров альбома – Эриком Валентайном, когда-то барабанившим в лос-анджелесской фанк-простихосподи-хэви-метал формации T-Ride, чья «You and Your Friend» спустя десять лет скинула фанковый «кокон», дабы обрести настоящий поп-шарм.
К какой точке музыкальной шкалы оказалась ближе единственная «полнометражка» Snake River Conspiracy – к роковой или «попсовой» – вопрос из разряда вечных, неблагодарных, да и, по сути, ненужных. Несмотря на описанные жанровые «шершавости», воспринимается альбом крайне цельно далеко не без помощи Тоби Торрес – шепчущей, кричащей и ласково напевающей. Кстати, она, вместе с мужем – одним из бывших гитаристов Snake River Conspiracy – несколько лет назад, впервые за долгое время, напомнила о себе с новым проектом Mojave Phone Booth, однако, лишённого всех «вкусностей» описываемого альбома. Впрочем, это уже совсем другая история…
Sonic Jihad крайне рекомендуется потреблять вместе с двумя другими мини-релизами группы. Во-первых, ради любопытства, а во-вторых, качество их ничуть не ниже представленного «главного блюда». Во всяком случае, «Coke & Vaseline» или «Homicide» выглядят куда убедительнее, чем до боли банальный кавер на The Smiths.
|
| |
|
|
|
|
|
| После знакомства с единственным альбомом Endeverafter начинаешь сомневаться – а на своём ли они были месте, разогревая в середине нулевых пенсионерские вылазки Kiss, Cinderella и Poison? Впечатлять публику из неуклонно стареющих и подверженных ностальгии бэби-бумеров для группы с таким материалом выглядело не совсем перспективно, и вполне оправданно, что впоследствии Endeverafter всё чаще оказывались в компании разной степени унылости, но гораздо более актуальных для молодёжи пост-гранжеров.
Фабула «Kiss or Kill» предельно проста. Достаточно средние скорости компенсируются как плотностью и насыщенностью ритма, на который иногда навешиваются айронмейденовские «кружева», так и заигрыванием с очень уж занимательными мелодиями. Именно последние и заставляют альбом дышать полной грудью, а их недостаток, как в той же «Road to Destruction», хоть и не приводит к асфиксии, но зевнуть мотивирует. Вообще, несмотря на символизирующий имидж, группа мало того что брезгует обращаться к затасканным приёмам из эпохи своего вдохновения (которые по сотому кругу пустят прочие Crazy Lixx), так ещё и не стесняется умеренно баловаться вполне модерновыми фишками («From the Ashes of Sin») – 2007 год же на дворе, а что вы хотели? А пуристов от 80-х должна удовлетворить убедительная в своём исполнении «All Night».
Имеющаяся склонность к более тяжёлому, в рамках «волосатых» групп, звуку, явно вписывает в число вдохновителей Endeverafter небезызвестных L.A. Guns, от которых наших молодых героев выгодно отличает навык создания более интересных в мелодическом плане структур. С «оружейниками» же группа породнилась и в прямом смысле: лидер и основатель Endeverafter Майкл Грант, вскоре после роспуска своего детища, 5 лет проведёт в качестве напарника Трэйси Ганза.
С коммерческими же делами у калифорнийцев сложилось не ахти как. Дружба с Epic Records была многообещающей, но недолгой, из-за чего альбом пришлось выпускать под вывеской поскромнее. А так, при должной раскрутке, Endeverafter сумели бы пошатать монополию скандинавских банд в деле ревайвла глэм-метала 80-х, несомненно.
|
| |
|
|
|
|
|
| "South of Heaven" - наверное, один из самых сложных для восприятия альбомов Slayer. После "Reign in Blood" '86 фанаты были настроены на продолжение скоростного рубилова и многих настигло разочарование: большинство композиций выдержаны в среднем темпе. Но время быстро расставило всё на свои места, альбом приняли и приняли очень хорошо. Чуть терпения - и вдумчивому слушателю с каждым разом открывались и открываются совершенно потрясающие грани композиторского и исполнительского мастерства музыкантов Slayer.
Казалось бы, всё те же Арайя, Ханнеман, Кинг и Ломбардо. Всё тот же Рик Рубин. Но на этом альбоме Slayer сделали ставку не на сокрушающий гвалт огня и металла. А на музыку. Дьявольскую и изощрённую, которая проникает в каждую клетку твоего мозга и остаётся там навсегда.
Да, именно в музыкальном отношении это самая богатая работа Slayer, а рифф заглавной композиции легко войдет в десятку лучших за всю историю металла.
Рик Рубин со своими инженерами намутили очень прозрачный и в то же время очень атакующий саунд. Не люблю этих банальных эпитетов, но на мой взгляд пронзительные гитары и зубодробительные бочки появились именно на альбоме "South of Heaven".
Такое звучание, вкупе с мрачным мелодизмом, создает атмосферу о которой большинству блэк-металлистов до сих пор остается только мечтать. В этом альбоме нет не то что проходных песен, но и проходных кусков, работа музыкантов филигранна и разнообразна. И да, "South of Heaven" - тот редчайший случай в трэш-метале, когда следующую песню легко отличить от предыдущей.
Мало того, именно здесь одни из создателей thrash-metal раздвинули его рамки так широко, как не удалось, пожалуй, никому из их последователей и коллег (не считая Metallica и Pantera, но это отдельная тема).
Этой пластинкой Slayer впервые заявили о своём желании избегать самоповторов и неустанном творческом поиске. И видимо, здесь Джефф Хэннеман в полной мере продемонстрировал свой композиторский талант, ведь большинство музыки принадлежит его гению. "South of Heaven" и "Mandatory Suicide" - непременные номера в концертах группы, также альбом примечателен тем, что сюда Slayer единственный раз за историю включили кавер Judas Priest - "Dissident Aggressor".
Несмотря на то, что сам Керри Кинг не очень жалует "South of Heaven", этот альбом является эталонной работой в тяжелой музыке, до сих пор не теряющей своей свежести и актуальности вот уже более 30-ти лет. Многочисленные каверы других метал-групп на песни "Юга Небес" - тому лишнее подтверждение.
|
| |
|
|
|
|
|
| Эти оголтелые американцы уже не одно десятилетие нарезают жесткий трэш с элементами хардкора в духе Slayer, Nuclear Assault, Carnivore, ранних Overkill, Sepultura, Hatebreed, Municipal Waste и Suicidal Tendencies.
Группа образовалась еще в далеком 1996 году, только тогда она носила название Machine. После выпуска двух альбомов ребята решили переименоваться в 8mm Overdose. Под данной вывеской они и выступали вплоть до 2007 года. После этого произошла очередная смена названия, и сейчас команда именуется Corrupt Absolute.
Скажу вам честно, я не в курсе, зачем эти парни столько раз меняли вывеску, хотя, по сути, их музыка на протяжении всего времени существования группы не претерпевала каких-то существенных изменений. Она всегда была предельно жесткой, агрессивной и бескомпромиссной, высокие скорости в ней всегда превалировали. Не исключено, что всему виной проблемы с лейблами.
На сегодняшний день коллектив выпустил всего три студийных альбома (два, как Machine, и один, как 8mm Overdose). Но, как говорится, дело всё-таки не в количестве, а в качестве.
Материал, представленный на рассматриваемом нами студийнике «Harder than Hardcore», представляет из себя очень скоростной и забойный трэш/кроссовер.
Продолжительность композиций, как и ожидалось, небольшая: в среднем 2-3 минуты, и все они проносятся, как одно мгновение. Но зато вас ждет просто невероятный шквал драйва и эмоций.
Несмотря на то, что эта банда никогда особой популярностью не пользовалась и так и осталась недооцененной, я всё-таки очень рекомендую познакомиться с ее творчеством всем поклонникам подобной музыки. Возможно, вас ждет очень приятный сюрприз.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если вы любите веселый и угарный спид и регулярно трясете башкой на концертах, если вы в свое время дико фанатели от дебютника Metallica «Kill 'em All» и тысячу раз переслушивали одноименный миньон Helloween, то дебютник этой команды вам точно придется по вкусу.
Первый блин канадцев во главе с Заком Слотером точно не вышел комом, и хотя материал, представленный на данной пластинке еще немного сыроват, нужно признать, что альбом всё равно нереально крут.
Одинадцать скоростных, убойных треков выносят музыканты на суд слушателей, один из которых – «Attack Attack» - кавер на песню Tokyo Blade.
Заглавная композиция «Head of the Pack» радует слух великолепным гитарным соло и запоминающимся припевом.
Также хочется отметить такие номера, как «Commanding the Night», «No False Metal» и уже вышеупомянутый кавер. Остальные темы не сильно им уступают, просто они чуть менее хитовые.
Вокал Слотера как всегда на высоте, по-моему, он – один из лучших вокалистов в стиле спид-метал.
В общем, категорически рекомендую данный диск для ознакомления всем поклонникам олдскула. Если вдруг так случилось, что вам уже приелись первые два альбома Anthrax, то, возможно, есть смысл познакомиться с этими ребятами.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сильно много мелодраматизма нагнали британцы, озаглавив свой первый полный метр «Надежда окончательно умерла» и поместив на обложку эдакие эстетические штампы в сепии. Однако первый альбом стал и последним, надежда для слушателя воистину умерла. Между тем, не берусь утверждать, что эстетика на входе оправдывает содержание, из убыстренного дума или замедленного дэта ребята явно склоняются ко второму. Много того, что противоречит плавным замутненным контурам и сонной пассивности изображения. Моторности и спорадического драйва у Decomposed целый погребальный кузовок, но без троглодитской агрессии как у австралийских практиков условно аналогичного подхода. Мелодических линий, беззастенчиво лирических соло в основном Джеймса Огавы, напоминающих возвышенные каркассовские полеты '91-93, в достатке. Структура песен не головокружительно развлекательная, но фишки, разбавляющие и декадентскую и деятельно-насильственную линейность, легко различимы и немало улучшают потребительские характеристики олдового пласта: вдруг сбивающееся дыхание стройных монументальных риффов и запинающаяся ритм-секция, тремольные заплывы, сюрреальные холодные акустические вкрапления. Вокал – стандартный, но в принципе безукоризненный гроул и лишь намеки на чистый в "At Rest". В целях достижения выгодного баланса Decomposed запилены 2 немаленьких инструментала, 2-й почти по преобладанию акустический с приглушенным рычанием электричества. Солидно вкладывается барабанщик Тим Спир, динамично и ловко отрабатывая дэтовые куски, а вот бас отсутствует как класс.
Альбом предназначен любителям погрустить, но оставаться на жестких экстремальных позициях, не стагнировать заметно в своем музыкальном путешествии и отлично демонстрирует умеренное разнообразие исканий под общим энергетическим знаменателем. Недостаточно, чтобы смачно плюнуть в вечность, но попредставительнее иного.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как срок выдержки хоть даже на 2 года больше в принципе дает больше благородства и округлости напитку, так и пара лет между выходами альбома такого мастодонта, как Cianide, в идеале должны бы сказаться на глубине саунда и его архитектурной отделке. За точность выводов не ручаюсь и высчитывать соотношение динамики и грузной доминации обреченности не берусь: анализировать подобный американский лубок сложновато.
Группа вроде бы не изменилась ни на йоту, всё то же бессмертное трио, всё так же адово 7 раз отмеряет и 1 раз отрезает отборные примитивистские формы с сольцей. Но последней-то как раз и недобор, как по мне этот диск менее эффектен и наполнение его менее красноречиво. На "The Dying Truth" Майк Перун не штампует такие хлесткие вокальные хуки, у барабанщика Джеффа Кабеллы не столь афористичная манера ритмического поведения, не особо прогрессирует Скотт Кэррол, обтачивая грани прежних глыб, внедряя мелодику и суровейшую плавность в замшелой эстетике команды. Cianide не перестали баловать слушателя чередованием скоростей, скорбный жир плавных гнетущих риффов перетекает в непритязательный босяцкий типа бластбит, соло в типа драйвовый разгонный пассаж, но… куда делось вдохновение и хиты, как их можно было понимать и опознавать на дебюте?
На "Сошествии во Ад" чикагцы представляют то, что им лучше всего удается и то, что они весь альбом играют более-менее одну песню, не должно никого возмущать, это молчаливое соглашение, которое заключают все адекватные и дипломатичные адепты олдскульного дэта, так и должно быть, а малейшее оживление происходящего – не в порядке вещей, но благодать. Такая позитивная движуха и желаемое напряжение были достигнуты в галопирующих риффах "Darkness", скоростном нахрапе кавера "Death Dealer". Боевой сэмпл в финальном трэке и литургическое интро к "Eulogy" – еще к тому немногому, что разбавляет монотоннный кровавый кисель какими-то ароматами.
Своеобразно-незатейливо или заурядно-затрапезно... кому как, но грань эта очень быстро преодолевается, и в 94-м году чикагцы сваяли непроходимо нудный диск.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый альбом Nuclear Death – пир подвального духа, экстремальная перверсивная эйфория. И какая плотная бесноватая атмосфера созидается на этих скоростях в этих мельтешащих как помехи на экране (не заглохшее эхо спид-трэша), но грозных авторитетных риффах и фанатичной cтучалке. У Лори Браво самый нестабильный, эмоциональный, страстный и артистичный вокал, который только может звучать под промышленное лязгание гитары и сверхзвуковое долбилово. Голос обычно несколько запаздывает по отношению к грайндовому вихрю, поскольку поэтическая декламация, даже искорёженная, не терпит суеты.
"The soundtrack to watching a grainy, unlabeled VHS snuff film" – как с языка сняли эквивалент этой восхитительной самодеятельной атмосферы. Менее чем получасовой релиз безапелляционно вываливает нам в рожу свою темную деструктивную энергию, дерзость дебютантов неслыханна не только в их энергетике, но и в расширении кругозора грайнд/дэта за счет фрагментов подсознания. И риффы не легкомысленны, в них есть драматизм столкновения с собственными тараканами, а трэки не всегда начинаются с места в карьер... Где-то нужна сутолока баса, где-то барабанное интро. Когда в "Fetal Lament: Homesick" начинаются чистые переборы, думаешь, вот оно, кайф ностальгии... последующая бластовая резня также не разочаровывает, атмосфера не отслаивается... Да и вообще, безо всякого снисхождения к даме во главе шайки, "Bride of Insect" исключительно авторский грайнд, столь же крутой, сколько лоуфайный и дебоширский. Гитарист считал, что вдохновение находит в хоррор-саундтрэках 70-х, Лори – в смеси хардкора, хэви, спида, русской классической музыки. Лирический мир ND – попурри из сексуальных девиаций, какого-то боди-хоррора и прочего ада, мало не покажется.
Одержимость, закономерно отсутствие тормозов, помноженные на внятную самобытность даровали нам эту дюжину грубых, неотесанных страшилок, но в них есть нужные качества того самого магнетического первобытного олдскула, невыхолощенной и нестерильной экстремальности, который заставляет закрыть глаза на пофигистический подход к исполнению и огрехи продакшена. В конце концов записать ЭТО за сутки – это тоже достижение. Но цветной диск 1992 года побогаче, более осмысленный и художественный.
|
| |
|
|
|
|
|
| На обложке альбома "Армия тьмы" изображён лирический герой, который бьёт кувалдой гниющих тиранов прошлого. На лице героя - следы недельного запоя, а еще у него горят подмышки. На этом обзор альбома можно было и закончить. Потому что его содержание ничем не интересней горящих подмышек. Чьих бы то ни было.
Но я люблю Кувалду с начала нулевых, мне нравилось её развитие и для таких же я обосную своё мнение по поводу данного альбома.
Предыстория создания "Армии тьмы" весьма неоднозначна. Кувалда начала запись первых четырёх песен еще в 2012-м. И вдруг всё затихло. Как стало известно позже, между ключевыми участниками группы Сергеем Любавиным и Владимиром Мартынкиным произошли некие разногласия. В результате чего группа впала в спячку на шесть лет, а потом вернулась к сумбурной деятельности. Меняя планы и cостав на каждом концерте. И тут, по словам Любавина, появились те, кого он так долго ждал...
Где-то за Уралом есть группа (точнее, дуэт) Стахановцы. Они известны своими бесплодными стараниями стать известными. Обнаружив бесхозный брэнд – Кувалда - и впридачу его постаревшее лицо - Любавина, Стахановцы решили сделать очередную попытку пробиться в люди. Они предложили Любавину должность свадебного генерала и замутили «грандиозный» тур - Стахановцы+Кувалда - по репбазам России. Сначала они играли свой сет, а потом переодевали футболки и выдавали себя за “тех самых ребят, которые записали Бетономешалку” (цитата из анонсов). Это было странно и глупо, поскольку на момент записи "Бетономешалки" стахановцам было лет 8-9. Примерно столько, сколько продавалось билетов на концерты этого коллаба. Срочно нужен был козырь. И козырем решено было сделать новый альбом якобы Кувалды. По-быстрому. Между делом этот альбом и был записан. На скорую руку. Любительскую руку. Кое-как.
Звук плох. На "Деликатесах" тоже был не фонтан, но там сквозь саунд пёрла такая мощь и угар, что он не был проблемой. По крайней мере, всё читалось, всё было свежо и первозданно, альбом до сих пор слушается на ура. Тут мы слушаем демо школьной группы из провинции. Гитары чавкают как промокшее мыло, ни один рифф нормально не сыгран, соляки корявые, партии миди-драмсов примитивны.
C музыкой всё грустно. Хоть как-то слушаются песни, сочинённые с участием Мартынкина - "Брёвна", "Армия тьмы", "Порошок", "Газ". Жаль, что звучат они как кавера на Кувалду от Стахановцев. Остальное сливается в однородную бурду. Из этой бурды выделяется лишь хитовый припев песни "Красный кхмер". Жаль, что это калька Sepultura - "Roots Bloody Roots".
В текстах – вольный пересказ исторических фактов о диктаторах далёкого прошлого. Если кратко: диктаторы плохие, они убивают людей, пусть горят в аду. Ну что ж, борьба Любавина с мертвыми львами увенчалась полной победой. Жаль не упомянут местный диктатор, действующий уже 20 лет как, но есть подозрения, что вокалист Кувалды – тот ещё путиноид.
А что случилось с его вокалом? Раньше этот рык раненого хищника вызывал мурашки у слушателя. Сейчас он вызывает лишь неловкость. Чувак так старательно орёт, будто гадит кирпичами, сидя на унитазе. Да и звучит точно так же - как из сортира.
Попытка Любавина спеть чистым вокалом в "Бокассе" – это отдельный провал по всем пунктам. Дрожащий голосок мимо нот, мимо тональности, мимо такта – нет, я не хочу это слушать второй раз.
Сморщенной вишенкой на этом просроченном торте стала переписанная без изменений "Бетономешалка". Очевидно, для того, чтоб стахановцы могли называть себя “теми самыми, которые записали Бетономешалку” и не краснеть при этом.
Пафосно объявленный тур по России в поддержку "Армии тьмы" оказался провальным и вторая его часть – по Сибири - просто тихо слилась. Чего, впрочем, никто и не заметил. Также тихо из жизни Любавина слились и Стахановцы.
Сила цепи определяется слабым звеном. Кто явился слабым звеном в "Армии тьмы" – Стахановцы, которые писали этот альбом, или сам Любавин, который им это позволил – трудно сказать. Но группа Кувалда, которая в начале нулевых потрясла MTV и была надеждой метал-андеграунда России, на этом альбоме мутировала в заурядную трэш-формацию, которых в регионах прошлого века было на рупь ведро.
|
| |
|
|
|
|
|
| 2018 год выдался для Second To Sun плодотворным. “The Walk” стал вторым выпущенным группой за год альбомом. На этой работе Second To Sun решили сбавить обороты. Не уверен, правда, насчет «решили», но альбом получился самым размеренным в дискографии. Особенно остро чувствуется контраст по сравнению с взрывным и яростным “The Black”, который вышел пятью месяцами ранее.
В плане стилистики на “The Walk” мы вновь слышим смесь из атмосферного пост-блэка и завернутого грува, только акцент в музыке сместился в сторону первого. Не считая дебюта, возможно, это самый «блэковый» альбом Second To Sun. Можно сказать, что в данном случае нам наглядно продемонстрировали, что можно по максимуму выжать из блэка без его чрезмерного усложнения. Несмотря на неизменную приставку «пост», многие гитарные риффы на “The Walk” прочно уходят корнями в традиционный норвежский блэк. Уже открывающий альбом трек “We Are Not Alone” в полней мере демонстрирует эту связь зацикленный риффом в духе классического Darkthrone, вокруг которого выстроена вся композиция. И подобные аллюзии то и дело возникают на протяжении всего альбома. При этом то и дело создается ощущение, что «надстройка» получилась более навороченной, чем «базис». Кажется, что присущая традиционному блэку консервативная музыкальная форма, которая легла в основу “The Walk”, ограничивает музыкантов. От грува здесь, по большому счету, только ритмические выкрутасы. Меланхоличная этника, которая осталась на месте, придает разнообразие и хорошо ложится на тревожный ландшафт, стелясь подобно легкому туману. На этом альбоме группа продвинулась дальше в развитии своего звучания, сделав упор на атмосферность. Качество продакшена также шагнуло вперед, и на “The Walk” мы слышим очень мощный и прекрасно сбалансированный звук.
Главным недостатком альбома является то, что он получился неровным. Прежде всего, вызывает вопросы его структура. С точки зрения концептуальной последовательности “The Walk” выверен практически идеально, чего не скажешь о самих композициях. Середина альбома практически провисает из-за концентрации медленных и излишне монотонных на фоне остального материала композиций. Самые продолжительные композиции - “Home” и “The Owls” - получились и самыми скучными. Эмбиентный инструментал “From Outer Space” тоже кажется не на своем месте. Будь он менее продолжительным, то хорошо бы смотрелся в качестве интро (а по сути, так и было задумано) к “The Train 1702” – убойная вещь, которую вообще можно считать одной из сильнейших во всей дискографии группы. Но здесь, окруженная эмбиентом и полусонным блэком, она теряется. В итоге динамика альбома разрушается, несмотря на наличие таких прекрасных вещей, как упомянутая “The Train 1702” и “New World Order”. Примечательно, что заготовки к этим трекам в черновом виде уже появлялись в качестве бонусов на предыдущих альбомах. Дозрели.
Конечно, я не стану утверждать, что альбом не удался. Более того, с точки зрения творческой эволюции он необходим. Здесь есть собственная атмосфера, новые идеи, отличные вещи и всё сделано очень качественно. Особого внимания также заслуживают истории, послужившие основой для текстов и их подача – это вообще отличительная черта Second To Sun. Но по сравнению с предыдущим и последующим альбомом “The Walk” получился не столь выразительным. Если другие альбомы словно набрасываются на вас, то этот больше похож на сонно ворочающееся чудовище. С другой стороны, учитывая упомянутый сильнейший материал группы как до, так и после, и даже тот, который присутствует на этом альбоме, начинаешь судить с максимально пристрастностью… И всё же отмечу, что именно на “The Walk” в музыке Second To Sun появились те элементы, которые придали звучанию группы новые черты, благодаря чему следующий альбом “The Legacy” получился столь разносторонним и завершенным.
|
| |
|
|
|
|
|
| На тот отрезок времени, когда формировалась программа этого альбома, Энди Пауэллу было уже 60 лет. Четыре десятка лет в составе одной группы, ни одного дня вне её, это, согласитесь, достойно уважения, как бы по разному мы ни относились к творчеству Wishbone Ash и гитаристу Э. Пауэллу. Признаюсь, и сам считаю, что два десятка лет из этих четырёх для W. A. бездарно потеряны (от начала 80-х годов прошедшего столетия - до начала нулевых столетия наступившего). О девяностых же годах лучше вообще забыть. И лишь с приходом в 1997 г. в состав бас-гитариста Роберта Скита и чуть позже гитариста Бена Грэнфельта в группе наметился качественный сдвиг.
Нет, это не был кардинальный откат в прошлое, как бы многим из старшего поколения поклонников W. A. этого ни хотелось, но то, что квартет пробовал делать (начав с альбома "Bona Fide", 2002 г.), уже обнадёживало. В сущности в звучании группы с того времени принципиально мало что изменилось.
Главное, что сумел сберечь для коллектива его бессменный участник и давнишний лидер Э. Пауэлл - это ставшее традиционным для квартета двух-гитарное (twin-guitars) сочетание. А с началом нулевых старину Энди неотвратимо потянуло к истокам. В силу ли возраста Пауэлла или по иным причинам, в меняющемся звучании обновлённой четвёрки всё отчётливее стали слышны навсегда, казалось бы, забытые уже мотивы из далёких 70-х. А когда в 2004 году в составе появился бывалый гитарист Ярки (он же Мэдди) Маннинен, жизнь в W. A. наладилась. В лице этого угрюмого финна Э. Пауэлл обрёл родственную душу, близкую к той, что в начале тех самых 70-х олицетворял собой Тед Тёрнер, а затем в течении одиннадцати лет Лори Уайсфилд.
Изящная гитарная вязь, ажурные мелодические комбинации, мультитекстурированные аранжировки вне зависимости от стилистических привязок тех или иных композиций в комплексе с колоссальным опытом обоих музыкантов и отточенным исполнительским мастерством по крайней мере Эдди Пауэлла - с таким багажом новому гитарному дуэту по силам было многое. Даже с учётом солидного возраста.
Итак, виртуозное владение инструментом ветераном W. A. и его надёжная сыгранность с М. Манниненом, как само собой разумеющееся гарантировали высококачественный материал для новой работы группы. В этом не стоило и сомневаться. А с учётом того, что разрывы между релизами последних альбомов раз за разом всё увеличивались, в то время как гастрольные туры становились всё более редкими и короткими, времени на подготовку очередного альбома было более чем. Не вызывал сомнений и уровень композиционного мастерства у ведущих участников команды.
Не стоит, впрочем, заблуждаться, глядя на трек-лист программы "Elegant Stealth", и принимать всё за чистую монету. То, что здесь коллективное творчество, верно лишь отчасти. Как это бывало и прежде, основная авторская работа проделана Энди Пауэллом. И это так же очевидно, как и то, что изысканное гитарное звучание программы обеспечено двумя гитаристами. Их случай сравним с теннисом, где невозможно показать искромётную игру в одиночку, даже если один из двоих превосходный теннисист. Необходимо, чтобы по другую сторону сетки партнёр был не хуже, иначе достойной игры не получится.
Классифицировать "Elegant..." со строгой привязкой к какой-либо стилистической категории вряд ли возможно. В целом музыка альбома - это скорее искусное сочетание прог и хард-рока с заметной примесью поп-рока и немного ранних W. A. С элементами прога, впрочем, здесь достаточно сложно, пожалуй, это и будет то самое раннее, так называемое "кентерберийское" звучание группы.
С него, собственно, и начинается номер "Can't Go It Alone". В самом что ни на есть чистом виде. По ходу этой дискретной блюз-роковой гитарной баллады в сопровождении скрипки это самое звучание (его ещё нередко называют средневековым) прорезается не раз, но не это самое примечательное в "Can't Go..." Вторая половина баллады способна привести в восторг и смятение истинных ценителей изящной гитарной музыки, когда Пауэлл и Маннинен переходят на встроенную в композицию роскошную сольную дорожку сдвоенных гитар. Продолжительные сольные гитарные партии - характерная особенность данного альбома.
Далее следует не менее сильный ход: "Give It Up" - завораживающая пьеса с гитарными хитросплетениями. На их фоне вокально-бэк-вокальные комбинации невероятно хороши. Но здесь стоит заметить, что это едва ли ни единственная в программе песня, где к вокалу Э. Пауэлла нет претензий. И только лишь потому, что его мягкий вкрадчивый вокал здесь удивительным образом сочетается с мелодией этой композиции. В большинстве же других номеров лидер-вокал старины Энди самое, пожалуй, слабое звено всей программы.
Первые лет двадцать в составе W. A. голоса Э. Пауэлла практически не было слышно. У микрофона стоял Мартин Тёрнер, с середины 70-х функции лидер-вокалиста с Тёрнером делил Лори Уайсфилд. Неважные, прямо скажем, это были певцы для достаточно статусной группы, но даже на их фоне Пауэлл был неубедителен. Но когда штатные солисты один за другим покинули W. A., он вынужден был запеть всерьёз и, как оказалось, надолго. Между тем тембр его голоса никак не соответствовал той достаточно тяжёлой музыке, что во все времена практиковала эта группа, диапазон узок и ограничен одной октавой, а обертоны и долгие ноты хорошему гитаристу Э. Пауэллу были просто недоступны.
Пожалуй, ещё в размеренно-мелодичной "Searching For Satellites" старина Энди с вокалом в целом справился, однако для этой мягкой волнующей элегии его голосу не хватает теплоты и эмоций. Он вполне мог позволить себе пригласить в W. A. достойного "чистого" солиста, что было бы самым правильным. Однако, взвалив однажды на себя эту непомерную ношу, Э. Пауэлл покорно тащит её вот уже более двадцати лет.
По-настоящему серьёзный хард-рок звучит в инструментальной пьесе "Mud - Slick", где в дуэт двух агрессивных гитар пробует вписаться легендарный клавишник Дон Эйри со своими едва уловимыми пассажами на Hammond.
Два достаточно сложных и достойных номера отложены на самую концовку программы, когда у слушателя, надо признаться, уже притупляется и рассеивается внимание, отчего об этих опусах может сложиться искажённое представление. В особенности о завершающем "Invisible Thread" ("Невидимая нить"), где ностальгирующий Пауэлл в очередной раз пытается наладить связь с отступающими всё далее в прошлое 70-ми годами, что невозможно не прочувствовать в неожиданно жёстком гитарном изложении этой философской притчи.
Однако, чуть ранее слушатель непременно подвергнется магическому воздействию "Больших проблем" ("Big Issues"). Несомненный Top всей программы "Elegant...", ему бы ещё побрутальнее вокальное сопровождение...! Увы. Но, как бы то ни было - мощное размашистое хард-роковое вступление, которое словно речной буксир тянет за собой громоздкую инструментальную "баржу" в виде невероятно продолжительного фрагмента с джемующей гитарой Э. Пауэлла. По сути - это квадрат в четыре аккорда, в котором квартет музыкантов как по замкнутому кругу вращается в течении шести минут. На своей разгорячённой гитаре Энди в свои шестьдесят демонстрирует фантастический мастер-класс для начинающих рок-гитаристов.
И это отнюдь не поражающие воображение чудеса эквилибристики ну, скажем, И. Мальмстина, это и не безумные дум или трэш-навалы, это всего лишь рок-умеренная сольная партия пожилого гитариста. Но этот всецело поглощающий тебя гитарный эпос хочется слушать до бесконечности... Думаю, я не одинок в столь эмоциональном восприятии этой композиции.
В феврале 2020 года Энди Пауэллу исполнилось семьдесят. Не удивлюсь, если этот крепкий старик всё ещё в деле.
|
| |
|
|
|
|
|
| После воссоединения в 2010 году Psychotic Waltz потребовалось почти 10 лет, чтобы найти достаточную мотивацию для записи нового альбома. Учитывая былые заслуги музыкантов на ниве прогрессива, а также то, что с момента выхода предыдущего альбома “Bleeding” прошло 24 года (!) – совершенно чудовищная цифра в контексте музыкальной индустрии – анонс новой работы Psychotic Waltz вызвал если не трепет, то волнение уж точно. Довольно часто с точки зрения если не качества, то интересности нового материала подобные камбэки оставляют осадок разочарования, который старательно пытаешься прикрыть радостным ощущением самого факта возвращения былых героев. Хотя, сказать по правде, даже в лучшие годы не вписывающаяся ни в какие рамки музыка Psychotic Waltz была уделом не самого широкого круга слушателей, а сейчас, спустя почти три десятилетия, и подавно.
Что же нам предложили музыканты на “The God-Shaped Void”? Скажу сразу, что альбом не стал разочарованием, хотя и сногсшибательного эффекта сразу тоже не производит. Прежде всего хочется отметить, что альбом не стал на 100% продолжением работ 90-х и подход к сочинению изменился. Конечно, узнаваемая манера игры музыкантов слышна по-прежнему, но в целом на новом альбоме Psychotic Waltz шагнули дальше в музыкальном развитии. Группа заметно осовременила как свое звучание, так и саму музыку. И в этом, как ни странно, кроется главный и по сути единственный минус новой работы. Безусловно, было бы глупо ждать, что группа станет играть так же, как и 30 лет назад. Да это и совершенно ни к чему. Просто на “The God-Shaped Void” отдельные гитарные риффы и некоторые решения видятся слишком очевидными в контексте сегодняшних реалий жанра. В меру жесткий суховатый звук также излишне отдает «цифрой». Это немного разочаровывает и удерживает от высшей оценки, учитывая исключительную самобытность первых альбомов Psychotic Waltz.
Во всем остальном “The God-Shaped Void” прекрасная работа. У альбома есть свой характер, который в полной мере раскрывается лишь после нескольких прослушиваний, что, впрочем, характерно для прогрессивного жанра. Неспешный и вязкий прог с кружевами неторопливых ритмов навевает философски-мрачное и тревожное настроение. Словно погруженная в себя, музыка пронизана темной, подчас депрессивной атмосферой. Отличавшая ранние альбомы прифанкованность исчезла, уступив место отстраненной рефлексии. Структуры композиций стали более комплексными и насыщенными, но отнюдь не перегруженными. Большинство песен могут предложить интересные сюжеты, и вообще материал получился разнообразным, со сменами настроений и переходами от жесткого звучания к более мягким партиям. Именно эти характеристики и олицетворяют для меня настоящий прог. В отличие от многих прогрессивщиков, скрывающих за надуманной техничностью и навороченностью аранжировок неумение писать цепкий материал, Psychotic Waltz создают прежде всего интересную и запоминающуюся музыку. Несмотря на сложность композиций, мелодии весьма доходчивы и быстро оседают в памяти.
Также на этом альбоме музыканты решили переосмыслить роль гитарных соло в своем творчестве, выдав эмоциональные и обстоятельные партии. Соляки получились действительно увлекательными и классно взаимодействуют с основными риффами. Вокал Девона Грейвза, хоть с годами немного и подсел, по-прежнему является одним из самых выразительных не только в проге, но и в целом в метале. Голос Грейвза всегда был подлинным украшением Psychotic Waltz. Несмотря на все изменения в музыке, группа не забыла напомнить в “Demystified” и даже в таком напряженном, агрессивном треке как “Pull the String” о своем уважении к Jethro Tull, что всегда отличало этих американцев. И хотя вокальная манера Грейвза теперь в значительно меньшей степени пронизана интонациями Яна Андерсона, некоторые музыкальные решения и партии флейты живо напоминают о творчестве классиков арт-рока.
Что касается отдельно взятых композиций… Я честно хотел выделить какие-то, но еще раз прослушав альбом, понял, что это сложная задача. Практически каждая из 11 представленных вещей хороша по-своему и обладает собственной харизмой. Это тот редкий пример, когда все песни находятся на своем месте и взаимодействуют друг с другом. Чисто субъективно я бы отметил настоящую жемчужину “While the Spiders Spin” и мощнейшее завершение альбома в лице “Sisters of the Dawn” и “In the Silence” – очень комплексные, грамотные и насыщенные драматизмом композиции.
Что ж, подводя итог можно смело говорить о том, что камбэк удался. Несмотря на то, что год только начался, “The God-Shaped Void” может смело претендовать на звание альбома года в своем жанре. Это очень серьезная работа, которой вполне по силам занять важное место в современном проге. Остается надеяться, что группа продолжит работу, и “The God-Shaped Void” не станет последним альбомом в дискографии Psychotic Waltz.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сложно не воспринимать положительно возвращение к активной деятельности такой команды, как Beneath The Massacre – явления, по сути, едва ли не уникального на сцене. При всем желании найти столь же неистовый в своей ярости проект весьма и весьма сложно – на ум приходят разве что распавшиеся в прошлом году Brain Drill. И тем более позитивно воспринимается камбэк этого канадского коллектива, выпустившего четвертый альбом на радость слушателю, изголодавшемуся по всему тому, что вообще Beneath The Massacre из себя представляют.
Строго говоря, «Fearmonger» весьма успешно продолжает линию, заданную выпущенной ранее дискографией – ходы и решения, принципы построения композиций тут все те же самые, что лежали в основе ранних релизов. Но в том и состоит мастерство музыкантов, которые и в этот раз выдали разнообразный, с обилием идей материал, который идеально ложится в концепцию пусть и непродолжительного, но крайне насыщенного релиза. Действительно, «Fearmonger» - это самый короткий по хронометражу LP в истории коллектива, - хотя каждый из них, по сути, и представляет собой плюс-минус получасовую нарезку зубодробительного technical death/deathcore, которого всегда оказывается ровно столько, сколько нужно данному диску. Будь этот альбом хотя бы на треть больше – наверное, восприятие от него уже было бы несколько иным, причем не обязательно в лучшую сторону. Каждую из десяти композиций обязательно стоит слушать не раз, и не два – только так слушателю удастся раскусить, распробовать их смысл и увидеть некую, пусть и крайне специфичную, но всё же красоту данного направления музыки в исполнении Beneath The Massacre. «Fearmonger» - крайне занятный альбом, как нельзя лучше доказывающий, что группа в строю и полна сил; и, кажется, именно таким должен быть идеальный камбэк.
|
| |
|
|
|
|
|
| В свое время этот бокс, выпущенный ограниченным тиражом японским лейблом Zodiac, стоил мне безумно больших денег, а сейчас его даже на Discogs купить невозможно.
Данное неофициальное издание состоит из трех дисков – двух CD, на которых представлен концерт группы в Кавасаки, проходивший 31 мая и 1 июня 2014 года, и шоу, записанное в Токио, в зале «Косейненкин», 17 августа 1989 года. Собственно, на нем я и предлагаю остановиться поподробнее.
Сразу нужно сказать, что эта запись уже давно распространялась среди фанатов TNT в виде бутлега, причем существует несколько разных версий видео, которые отличаются по качеству изображения.
Естественно, на рецензируемом DVD мы можем заценить этот лайв в оригинальном качестве.
Когда-то этих норвежцев сравнивали с Europe, и они вполне могли бы составить сильную конкуренцию шведам и тому же Bon Jovi, если бы группу лучше продвигали. По крайней мере, лично мне их творчество импонирует гораздо больше.
Такие пластинки, как «Tell No Tales» (1987) и «Intuition» (1989) вполне можно назвать шедеврами мелодичного хард-н-хэви и AOR'а, они почти полностью состоят из одних хитов.
И как раз живое исполнение этих самых хитов и запечатлено на видео, снятом в Токио. Поэтому лучшего подарка для поклонников команды сложно придумать.
Концерт продолжается около 50 минут, и заметно, что все музыканты на нем выкладываются полностью. Они играют, что называется, с огоньком и действительно наслаждаются самим процессом.
Отдельно стоит сказать пару слов о харизматичном Тони Харнелле, который по праву считался одним из лучших вокалистов второй половины 80-х, и чей чувственный голос будоражил не одно женское сердце. Кстати, в то время у него были одни из самых длинных волос в метале.
Харнелл начал петь еще в пятилетнем возрасте, а в семнадцать присоединился к своей первой группе. Примерно тогда же он начал брать уроки вокала у известного преподавателя Дона Лоуренса. За каких-то пару лет Тони успел сменить 15 команд, а в 1984 году, когда ему было 21 год, он присоединился к группе TNT и стал ее фронтменом.
В общем, если вдруг когда-нибудь случайно вам попадется данный бокс-сет, то хватайте его и бегите. Море удовольствия вам гарантировано. Ну и ностальгию по старым-добрым 80-м, конечно, еще никто не отменял.
|
| |
|
|
|
|
|
| В Австралии давно уже есть своя профсоюзная ячейка по потаенному с экспериментальными ароматами блэк-дэту. Долгое время оставалась вне зоны моего внимания, а точнее откладывалась в долгий ящик формация StarGazer, существующая аж с 1995 года. На первом полноформатнике работают мультижанровик Damon Good, известный и по плавным, медленным и деликатным делам в Mournful Congregation, и по гитаре в пиратской бригаде Cauldron Black Ram и наконец по разительно узнаваемому басу здесь и еще в Portal и в One Step Beyond... и товарищ Denny Blake, ударник в Cauldron Black Ram и на паре релизов Portal, тут закладывающий партии гитар и барабанов и подводящий подо все текстовую базу.
Плод только лишь их совместных бдений – цветастый "The Scream That Tore the Sky", остроумно замешанный приблэкованный дэт с трэшевыми резкостями, из рваных, заковыристых гитар, чутко реагирующих на их возбуждение ударных (благо тут у руля один человек) и опоясывающего все ластящегося баса. Драмминг хорош в тарелочках, урчащие басовые флюиды заставляют вспомнить и Atheist и Cynic, нередко греют южностью, таким латинским бризом. Блэковые куски, которыми не брезгуют музыканты, очень теплы и изрезаны мелодическими финтами, находчивые, ритмически щедрые ударные никогда не скатываются в бластовую рутину. К неоднозначной жанрово музыке австралийцев отлично подходит едкий скрим, сдабриваемый гроулинговыми завываниями и декламацией. Ребята затейники и творцы, поэтому открывают и закрывают альбом содержательными, непустословными инструменталами, а в середине начисляют то пущенное задом наперед назад гитарное соло ("Harbringer"), то соло на басу ("Tongues"), поэтому диск не кажется перегруженным техникой и натиском. В созерцательных инструменталах группы, кстати, немало общего с лиричными зарисовками Mournful Congregation. Но главное богатство StarGazer – кипучая гитарно-ударная смесь с теплым согревающим басом, подаваемая с нескончаемым вдохновением и любовью к музыкальности. Как пестрый кавер-арт, так и идейное наполнение мультиконтекстуально. Плавно переходящий от легких эпизодов к закрученным и экстремальным альбом предстает как сумма всего этого несводимого мира чувств и творчества к одной философии или правде. И сделан с легкостью, свойственной ушедшим временам.
В общем талантливый дуэт, а затем и трио StarGazer можно с чистой совестью наречь самобытной командой, атмосферной очень в своем ключе и грациозной, хоть и с реминисценциями ключей былых эпох от джаз-дэтовых дверей. Просвещенный мастеровитый экстрим из Австралии действительно тот, к которому можно прикручивать ожидания диковинности, смело рекомендую.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Embrace the Mutation" – витиеватая репродукция фантасмагоричных мутаций плоти. Научно-фантастический топос, симфонически подзвученные мизансцены. Можно поспорить, от кого тут следует отталкиваться, вычленяя остов саунда – от Nocturnus, Immolation, мне иногда слышится некий облегченный Portal cо своим рвано-кошмарным видением или угрожающим нарастанием саспенса, тем более, что хоррор плоть от плоти их образного ряда. Дэт-металическая старина и архаичный ужас прорезается в Psypheria неоклассическими гитарными соло и клавишными увертюрами. Чтобы не потратить структуру зазря, музыканты оперируют небыстрыми темпами, в которых проще прочувствовать их бурлящий с уклоном в старообрядную тремольность риффинг, заливистые соло, импрессионистскую фортепианную игру. Ужасы обернуты в упаковку качественного звука, позволяющего если не разлагать саунд на составляющие, то хоть как-то ориентироваться в инструментальном клубке. И гитары, и ударные, и клавиши, и зловещий, доминирующий гроул создают действительно заражающие картины сюрреалистического нф-хоррора, нет ни одного трэка, в котором не было бы цепкой, завладевающей вниманием детали. Конечно, одна сторона в детали клавишная. И вроде бы всё есть, не просто симфоничный дэт, но техно- его вариант, увлекающий за собой своей хитростью и ловкостью, гитары и клавиши перекликаются друг с другом в инфернальном танце , так чего же еще желать? Но вот не может кнопочник порой не уходить в некоторую слащавость, задвигать эту придворную неоклассику, как и гитаристы не могут без эфирного шреда в духе Некрофагиста и вносят тем самым когнитивный диссонанс эстетства в этот диск. Не трожьте хоррор, он хочет существовать не только в угрюмых перипетиях немелодичного дэта, но и в соло, и в клавишных орнаментах, для чего ему не нужны все эти рюши, кружева, манерности волшебных сказок. Вдобавок проблема для меня есть и в несколько косноязычной манере работы ритм-секции, какая-то она нестройная, с выдающимися бочками и суетящимся малым, не эпично, но истерично.
Вроде в хорошем смысле парадоксально и в лучшем – авангардно, слушается как симбиоз условно Кита Эмерсона и Трея Азагтота, но что-то ретроградно это всё слушается и вроде еще не времена неоолдскула. Американцы дали нам карамелизированный ужас, что по зубам не всем неискушенным, хотя, наверное, и искушенным тоже.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый альбом Fates Warning на фоне дальнейшей дискографии группы выглядит как чумазый и неловкий оборванец. На этом альбоме группа играет вполне стандартный для того времени хеви-метал. Причем не сказать, чтобы оригинальный. Музыканты не предлагают слушателю ничего такого, что не было бы сыграно уже до них. На момент выхода “Night on Brocken” в 1984 году жанр был на пике, и все классики хеви успели записать программные работы, по сравнению с которыми материал Fates Warning звучит откровенно вторично. Отчетливо слышно, что основным источником вдохновения для американцев были Iron Maiden. Старательно копируя манеру британцев, Fates Warning временами допускают прямое цитирование классиков. Однако американцам еще не хватало мастерства и сыгранности, чтобы звучать столь же целостно. Неуклюжая ритм-секция часто портит впечатление от изначально неплохого материала. Да и качество записи чересчур сырое даже по меркам начала 80-х. Кроме того, песням не хватает запоминаемости. Впрочем, есть и вполне удачные вещи, такие как “Kiss of Death”, инструментальная интерлюдия "S.E.K.", по всей видимости вдохновленная инструменталом “Orchid” Black Sabbath, ну и “Misfit” – действительно хорошие песни. Хотелось бы обратить внимание и на продолжительную композицию “Damnation”, на которой группа в черновом виде обозначила свое дальнейшее движение к оригинальному и сложному материалу.
Альбом можно было бы счесть проходным, если бы не ряд положительных моментов, которые всё же есть. Прежде всего, несмотря на вторичность, в музыке улавливается потенциал, который начнет раскрываться в полную силу уже на следующем альбоме. Также, несмотря на некоторую неуверенность и угловатость, мне кажутся очень хорошими гитарные соло. Причем порой создается впечатление, что на этом хромом дебюте гитаристы солируют даже больше, чем на последующих записях. Очень хорош и вокал Джона Арча. Конечно, ему еще не хватает техники, но в остальном мы слышим уже почти состоявшегося вокалиста, у которого своя манера исполнения. Тексты песен, несмотря на преимущественно чернушное содержание, весьма талантливы и обладают удивительной поэтичностью. Ну и самое главное – на “Night on Brocken” царит совершенно непередаваемый дух золотой эпохи метала, подкупающий своей искренностью и бесшабашностью.
|
| |
|
|
|
|
|
| Pyrexia – коллектив известный, заслуженный, и, не побоюсь этого слова, культовый, относящийся к условной северо-восточной американской брутал-дэтовой сцене (Suffocation, Immolation, Broken Hope, Master). Но, к сожалению, “Лихорадке” не очень повезло, выпустив в 1993-м зубодробительный “Sermon Of Mockery”, она так и осталась в тени более удачливых коллег по мясницкому цеху. В 2018 году после пятилетнего перерыва Pyrexia неожиданно разродилась свежим альбомом, который по хронометражу больше подпадает под категорию ЕР. “Unholy Requiem” буквально сносит с ног своей нарочитой архаикой: 25 минут сшибающего всё на своём пути старорежимного дэта прямиком из 90-х с соответствующим глуховатым и невылизанным звучанием. “Непричёсанный” саунд лично меня откровенно порадовал, особенно в сравнении с вышедшими в тот год работами Mostrosity и Deicide, где чистый и глянцевый звук убивал на корню всю атмосферу правильного олдового дэта. Музыка Pyrexia то ускоряется до вполне приличных скоростей, то замедляется и, как ни странно, её не портят даже дебильные брейкдауны в “Path Of Disdain”. Короткие лаконичные песни: всё по делу, ничего лишнего. Крис Бэзил насочинял жирных брутальных риффов, облёк их в правильную форму, накрутив на усилках приятный для моих ушей палеонтологический звук из позапрошлого уже десятилетия, за что хочется отвесить ему низкий поклон. Джим Бич не слишком утробно, но крайне убедительно гроулит, проклиная всё на свете и обещая не давать пощады никому. Остальные музыканты тоже времени даром не теряют и показывают свой профессионализм. Короче, “Unholy Requiem” звёзд с неба не хватает, но мужики успешно реанимировали и форму, и содержание старорежимного дэта, за что им большое спасибо конкретно от меня. Один минус - продолжительность. Хорошо, но мало.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бесконечная кадровая карусель в рядах почтенных голландских мясников Sinister стала уже притчей во языцех. Складывается ощущение, что через данную команду прошли, наверное, уже все музыканты маленькой страны тюльпанов, у которых есть желание и физические/технические возможности играть олдовый дэт. Но это всё частности, отбросим их за несущественностью. В 2017 году Аад сотоварищи решили познакомить нас со своим кретинизмом, тьфу, синкретизмом. Зачем надо было давать альбому такое философское название, совершенно не отражающее мировоззрение группы, которое всю свою долгую жизнь Sinister базировалось исключительно на железобетонном постаменте из антихристианства, богохульства и сатанизма, мне непонятно. Что ж оставим данный вопрос на совести музыкантов. Итак, “Syncretism”. Первое, что можно сказать – смена художника-оформителя пошла на пользу. Обложка диска радует своим качеством и детализацией, парад человеческих уродов, изображённый на ней, заставил меня помянуть добрым словом Иеронима Босха и Питера Брейгеля-старшего. Так что за обложку можно в актив группы скинуть жирный такой плюс. А что же скрывается под таким красивым “лицом” диска? Конечно, можно сказать, мол, а что там вообще может быть на очередном альбоме такой закостеневшей группы, как Sinister? Только твердолобый ветхозаветный дэт! В принципе, верно, но в данном случае не до конца. Некоторое изменение, забронзовевшей в своём консерватизме, музыки голландцев заметно невооруженным глазом и ухом. Причём крен сделан в ту сторону, которую, если верить старым интервью, главный идеолог группы – товарищ Клоостерваард, терпеть не может. А именно, в блэк. Нет, Sinister не заиграли пилильные тремольные пассажи под бесконечный бластбит, а сам Аад не стал верещать, как недорезанный боров на бойне. Тут коллектив остался верен себе и однажды выбранному направлению. На “Syncretism” мы слышим всё тот же дэт, но различные оркестровки с хорами, которыми группа украсила свои композиции, наводят меня именно на такие мысли о некотором “почернении” музыки голландцев. Вот “Convulsion Of Christ”, начинаясь с бодрого полутрэшевого риффа, в середине таит минорно-тревожные клавишные зарисовки. Длительность почти всех песен переваливает в среднем за пять с половиной минут, что производит впечатление некоторой затянутости. Бонусом идёт 14-минутная “Unhallowed Blood”, на кой чёрт надо было вообще записывать этот унылый полуэмбиентный псевдоэпик я ума не приложу. Если не считать этого ненужного и натужного многоминутного “философствования”, то у нас в наличии, в принципе, неплохой очередной альбом Sinister с ранее нехарактерными для группы музыкальными ходами.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не замечали, что народ в большинстве своём гораздо больший интерес проявляет к несчастью других, чем к счастью? Это, собственно, и не вопрос даже, а констатация факта. Потому как ответ лежит на поверхности: чужое счастье нагоняет скуку, а несчастье нет. К чему это всё?
Применительно к данному альбому американской группы Boston этот незатейливый жизненный постулат соответствует непосредственным образом. Сама по себе эта дебютная работа "бостонцев" была бы малоинтересна, кабы не занятная история его происхождения. Как, пожалуй, и история самой группы. По сути - это одна и та жа история.
История эта поистине уникальная. История пластинки и группы, о которой до 26 августа 1976 года ничего не было известно. Вообще ничего. А между тем 26 августа того самого 76-го у этой неизвестной бостонской группы состоялся релиз их первой пластинки, феномен которой вызывает интерес и по сей день. Да и сама группа по-существу сформировалась за несколько месяцев до этой знаменательной даты, не успев провести ни единого публичного выступления.
Меж тем уже в конце октября объёмы продаж их альбома с яркой привлекательной обложкой обеспечили ему статус "золотого", а в ноябре того же года уже "платинового". К январю 1977-го LP под лаконичным названием "Boston" разошёлся тиражом уже под 2 млн. экземпляров, а к концу того года было реализовано 6 млн. LP. Более 9 млн. копий к 1986 году, и это только в Штатах. Наконец в 2003 г. были зафиксированы такие цифры - 17 млн. проданных экземпляров в Северной Америке, а всего по всему миру более 20 млн.
Что должна была из себя представлять эта пластинка, вызвавшая подобный ажиотаж? По моим представлениям ничего настолько уж выдающегося в ней нет. Просто удивительным образом всё сошлось - пластинка появилась ровно в тот момент, когда американская (в первую очередь) публика была максимально к этому готова.
Этот лонг-плей оказался одним из самых продаваемых дебютных альбомов (наряду с дебютником Guns n' Roses "Appetite For Destruction", 1987 г.) в истории мировой рок-музыки - первая "платина" и премия Century Award от RIAA (Recording Industry Association of America) за менее, чем три месяца продаж.
Маниакальная потребность у основателя и лидера гр. Boston Тома Шольца все свободные вечера после работы на корпорацию Polaroid на протяжении нескольких лет пропадать в своей студии в городке Уотертаун, что рядом с Бостоном, у близких и просто знающих Шольца людей могла в равной степени вызывать как чувства восхищения, так и вполне обоснованной тревоги. В тесном подвальном помещении он наигрывал какие-то мелодии, подбирал к ним какие-то тексты и вряд ли задумывался, что подспудно уже готовит материал для будущей пластинки своей будущей группы. Впрочем, Шольц не ограничивался лишь сочинительством. Это была масштабная комплексная работа, содержащая в себе ещё и внедрение своих же инновационных разработок в студийное оборудование, что являлось частью его основной профессии инженера-электронщика, а ещё упорное стремление освоить все мыслимые инструменты, используемые в рок-коллективах.
Это был человек не от мира сего, с головой погрузившийся в свою рок-н-ролльную мечту. В конечном итоге эта его мечта чудесным образом реализовалась в виде чёрного винилового диска с восемью треками, семь из которых он выстрадал практически в одиночку.
Принято считать, что группа Boston стала тем самым проводником господствовавшей в американских штатах и уже к середине 70-х годов достаточно устаревшей музыки blues-based-proto-metal (апологеты этой музыки The Beach Boys, The Byrds), устаревшей настолько, что на западном побережье она уже считалась традиционной, к прогрессивной формуле power pop (AOR). Но вряд ли о чём-то таком думал тогда Т. Шольц, сидя в четырёх стенах своей студии с гитарой в руках. Всё, что он делал, он прежде всего делал для себя, ему нравилось этим заниматься. Но так уж вышло, что разработанные Шольцем усложнённые мелодические гармонии, те, что легли в основу композиций той самой пластинки Boston, задали импульс целому направлению мелодического хард-рока, которое поначалу так и называли "Boston-sound".
Вокальные гармонии для Брэда Делпа Том Шольц вместе с Брэдом смоделировали с малоизвестной американской команды The Left Banke, что было и смело и верно. На фоне впечатляющего пронзительно-мощного вокала Делпа меркнут банальные тексты песен с нейтральным псевдо-философским уклоном и трафаретными словосочетаниями по-американски - "обо всём и не о чём". Пожалуй, лишь в песне "Rock & Roll Band" прослеживается некое подобие сюжета, но похожих сюжетов о доблестных рок-бэндах и до Boston было немало. Партию ударных, кстати, для этого разудалого номера Т. Шольц выудил из своих архивных демо-записей ещё с участием барабанщика Джима Мэсди. Прочий инструментал был наигран пару лет назад силами прежнего состава Mother's Milk с ведущими гитарами Шольца и Гудро.
Ещё один огненный рок-н-ролл "Smokin'" в духе англо-американского квартета Foghat (самой рок-н-ролльной группы того времени) вообще записан в 1973 году под названием "Shakin'" (текст с вокалом обновлены в калифорнийской Columbia Studios). Сольная партия Шольца на органе (а-ля Джон Лорд начала 70-х) в сочетании с дуэтом гитар длится более трёх минут. Этот захватывающий инструментальный фрагмент - настоящее украшение даже не трека, а всей программы LP.
Разумеется, невозможно обойти вниманием стартовый номер "More Than A Feeling". Считается, что это визитная карточка группы и самый титулованный трек в истории Boston. "Ода грёзам наяву" с гитарным соло, которое Шольц, по его же словам, раскопал и реставрировал из инструментальной пьесы пятнадцатилетней давности "Telstar" заштатной британской группы The Tornados. Тему этой помпезной композиции Тому вроде бы как навеяла его собственная любовная история, оставшаяся в недавнем прошлом.
"Песню "More Than A Feeling" впервые по радио я услышал в ходе рабочего дня на Polaroid. Было ощущение, что это чья-то чужая песня," - делился воспоминаниями Шольц.
Ему, как и всякому начинающему сочинителю музыки, было трудно избежать мелодических повторений. Созвучная с "More Than..." песня "Hitch A Ride" по сути единственная в программе, что в ходе калифорнийской сессии была переписана с новой версией текста (первоначальное название "San Francisco Day").
Обращает на себя внимание каскад "Foreplay / Long Time". Инструментальная заставка "Foreplay" целиком и полностью записана Томом Шольцем в его Foxglove-студии ещё в 1972 году и на слух это достаточно ощутимо. Та же история и с инструментальной частью "Long Time". Здесь я заметил определённое влияние Grand Funk Railroad, одного из лидеров северо-американского хард-рока начала 70-х годов, в особенности это касается вокала. В какие-то моменты приходят сомнения, что на вокале Брэд Делп, а не Марк Фарнер, настолько идентичны их голоса даже в интонациях.
Самая сложная композиция в альбоме - это завершающая программу "Let Me Take You Home Tonight". Единственный трек, который был придуман и записан в Columbia Studios. И это уже не похоже на унитарные номера Шольца с его синтезированными мелодиями, здесь заметна аранжировочная работа продюсера Джона Бойлэна. Усложнённое дискретное мелодическое построение с расширенным спектром гитарного звучания, с виртуозными инструментальными переходами и впечатляющей сольной гитарной дорожкой, здесь много органного наполнения и сочного бэк-вокала. Так, или примерно так зазвучит Boston на следующем альбоме группы 1978 года "Don't Look Back".
Эта же их первая пластинка не год, не два, а несколько десятков лет была популярна в Штатах. Все восемь композиций регулярно звучали в радио-эфирах, некоторые на old-school-радиостанциях звучат до сих пор.
Первый тур группы в поддержку LP был пробным и сравнительно коротким (1,5 месяца по Среднему Западу), где они как правило выступали на разогреве у более статусных команд (Black Sabbath, Foghat). При этом Boston публика принимала настолько горячо, словно это они являлись хедлайнерами. Более расширенный 10-месячный тур они начали с роскошного Мэдисон Сквер Гардена в Нью Йорке, как самый что ни на есть великий коллектив уровня The Rolling Stones или Kiss.
В том же 1977-м Boston были номинированы на премию Грэмми как "Лучший новый исполнитель".
Это было похоже на сказку. Недолгую, но яркую.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как-то, блуждая по просторам интернета в поисках чего бы послушать, глаз мой зацепился на обложке дебютного альбома Unsane. Собственно, тут есть на что посмотреть. Радостно потерев руки, в ожидании какого-нибудь неизвестного мне грайндкор релиза, я с удивлением обнаружил, что это нойз-рок/пост-хардкор группа. Да, моя наслушанность по части нойз-рока была и есть достаточно скудная. В основном, с жанром я знаком по проектам Стива Альбини, ну или по материалу The Jesus Lizard, Sonic Youth или там Swans. Понятно, что некоторые из них к нойз-року тоже имеют весьма полярное отношение. В общем, о группе я не слыхивал и просто начал слушать, так сказать, с нуля. Закончилось всё это каким-то запойным прослушиванием всей дискографии нью-йоркцев с маниакальной быстротой и неимоверным количеством репитов. Уже сейчас я с уверенностью могу сказать, что прослушивание дебютника Unsane стало для меня одним из главным музыкальных открытий последних лет. И по сути, этот момент я запомню на всю оставшуюся жизнь. Вспомните свои первые прослушивания альбомов, которые остаются вашими любимчиками и по сей день, даже несмотря на изменившиеся вкусы и уже порядком ускользнувшее время. Вот это тот самый момент и один из тех самых альбомов. Для меня, конечно.
Давайте разбираться почему так произошло. На самом деле альбом (да и всё творчество группы) не назовёшь каким-то откровением, но та первобытная ярость и какой-то животный магнетизм, как минимум, у дебютного альбома не отнять. Первый лонгплей Unsane во многом даже неприятен, но он жутко запоминающийся и предельно интенсивный. Россыпь простых, но жесточайших риффов, которые просверливают барабанные перепонки; неповторимый, пронзительный крик Криса Спенсера, которого будто натурально избивают ногами и руками во время записи вокала; грохочущий бас и, конечно, великолепные барабанные партии Чарли Ондраса. Если бы всё это пришлось описывать "потегово" я бы сказал, что Unsane звучит как какая-то больная смесь из нойз-рока, альтернативного металла и блюза. Вообще, надо сказать, что это шумное трио из Нью-Йорка никогда пленных не брали. Гитарист и вокалист Крис Спенсер и басист Пит Шор впервые начали играть вместе ещё в колледже Сары Лоуренс в 1988 году и мало кто там испытывал к музыке коллектива симпатию. Мягко говоря. К счастью, толпа панков в "Большом яблоке" оказалась более восприимчивой к их композициям. Собственно, поэтому Спенсер, Шор и барабанщик Чарльз Ондрас собрали свои вещи и переехали в изобилующий криминалом Нижний Ист-Сайд Нью-Йорка, где они уже стали играть вместе с такими музыкальными коллективами, как Sonic Youth, The Jon Spencer Blues Explosion и Surgery. На одном из выступлений Gerard Cosloy (на тот момент уже работавший в Matador Records, основанный Крисом Ломбарди годом ранее) услышал их, подсуетился и всё это привело к выпуску в 1991 году одноименного дебюта.
Вернёмся к вокалу. На альбоме всего два трека, в которых не "поет" Спенсер: "AZA-2000" и "Action Man". На этих песнях барабанщик Чарли Ондрас исполняет вокальные обязанности и тоже делает это весьма своеобразно. На "AZA-2000" он, конечно, больше подражает стилю Спенсера, но делает это таким образом, что его вокал хорошо сочетается с достаточно медлительным инструменталом. А вот на "Action Man" он будто дурачится, что внезапно даже помогает песне, делая ее довольно веселой. И как раз на контрасте с ней, закрывает альбом "White Hand" которая, определенно, является одним из ключевых треков на альбоме, благодаря запоминающейся игре Пита Шора. Его бас даёт дополнительную основу блуждающим гитарным линиям Спенсера (особенно это заметно в середине композиции). Что касается "гитарных линиий" Спенсера. Это тоже одна из изюминок не только данного альбома, но и всего творчества группы. В частности, то, как он использовал свой Fender Telecaster, гитару, традиционно любимую музыкантами стиля кантри (потому что форма гитары с цельным корпусом, как Fender Telecaster, позволяла музыкантам приблизиться к звуку акустических гитар, что как раз немаловажно в музыке кантри). Тот особенный звон "Телекастера", слышимый над всеми воплями и гулом, который поднимает Unsane, как раз и делает этот дебют таким дерзким и передовым.
После выпуска альбома последовал тур с, внезапно, Entombed; выпуск сборника синглов в 1992 году и трагическая смерть Чарльза Ондраса от передозировки героином. "Just another overdose", как пели в своём хите группа Everclear. Но, к счастью, эта трагедия не остановила поступь группы. Её движущая сила, Крис Спенсер, стал этаким Трэвисом Биклом подпольной музыки, благодаря вокалу и лирике, полных страха и отвращения. Дебют Unsane звучит, как и должен звучать человек, загнанный в угол, кричащий проклятия всем и вся перед тем, как сделать что-то очень плохое. В общем, этот альбом - настоящий взгляд на образ жизни, которого другие, вероятно, не должны вести. Блестящий и дерзкий дебют, пропитанный кровью и потом.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.