|
|
 |
|
| Данный альбом позиционируется, как топовый на AFM, а сама группа - как новая надежда лейбла. Видя такие претенциозные заявления, невольно испытываешь желание подробнее изучить подопытного, что называется, с пристрастием, ведь, к сожалению, подобные оценки часто бывают довольно далеки от истины. Оправдаются ли ожидания после такой характеристики?
"Prophecy of Ragnarök" представляет собой довольно легковесный Power с потугами на эпичность и вкраплениями жесткого "типа-pagan" вокала, разбавляющего основную линию, исполненную вокалисткой Ylva Eriksson. Слушая все это раз, другой и третий, приходится усиленно чесать репу, пытаясь понять, что же такого услышали в этом проекте боссы AFM и те слушатели, которые наградили диск столь лестными оценками. Если вот это вот — новая надежда тяжелой музыки, то до чего же плохо у нас обстоят дела, господа. Нельзя сказать, впрочем, что альбом совершенно плох и бесталанен, поначалу он может даже местами и зацепить, но дело в том, что человек, не вчера и не сегодня пришедший в мир Heavy Metal, сможет назвать с десяток групп, которые обыгрывают фишки данной формации куда лучше и оригинальнее. Возьмем, к примеру, разудалую скандинавскую эпичность со всеми этими Одинами и Рагнарёками. Те же Turisas преподносили ее куда оригинальнее и аутентичнее. Там, где просоленные холодными морями драккары на всех своих полосатых парусах входили в порт, где суровые бородатые мужики рубили и жгли, или пили пьяный мед, разбирая награбленное, нынче собрался какой-то доморощенный утренник с физруком Петровичем в роли рассказчика, который выдавливает из себя тонны пафоса в седую бороду из клочковатой ваты. Опять же, бесячий рассказчик, корчащий гномика (как говорят в озвучке), был и, к примеру, у Bal-Sagoth, но там, простите, настолько эпичная музыка с неповторимой темной атмосферой Муркока, что даже вышеуказанный рассказчик воспринимался должным образом, не заставляя кривиться от лимонного привкуса "не верю". Скоростные клавиши из одноименной с названием альбома композиции на фоне гитарного чёса и двухголосие с хрипящим вокалом уже были у Rhapsody в дни их славы ("Power of the Dragonflame"), в чем здесь заслуга "Братьев"? Переиграть оригинальную задумку итальянцев один в один? А народные мотивы? Тут помимо уже названных коллективов можно и In Extremo вспомнить, у которых это было раньше и лучше. Хоры и цепляющие припевы из песни "Tyr"? Мы их слышали у Powerwolf, и у них, опять же, это все звучало оригинальнее и честнее; хотя на данный момент даже у самих "волков" эта фишка уже порядком поистрепалась. Или, вот, красивая, без дураков, полубаллада "Yggdrasil" с весьма приятным припевом: безусловно хороша, но такие вещи мы слышали не раз, не два и не десять.
Кто-то может сказать, да хватит уже, напыщенный критикан, к черту вторичность, если оно качает. Но беда в том, что не так уж оно и качает: звучание у альбома довольно легкое, обильно заправленное оркестром, аранжировками и прочими радостями жизни, и здорового олдскульного кача при таком полированном звуке ожидать не приходится. И, самое главное, что крайне негативно влияет на восприятие данного опуса, это наличие просто слоновьих тонн пафоса. Даже так, ПАФОСА. О, великий Один, и Хугин с Мунином! Как можно в двадцать первом веке с серьезным лицом исполнять, да и слушать такую ахинею? Я не из тех, кто ждет от Metal альбома поэзии уровня Мильтона и Шелли, и научной работы по антропологии; я вообще считаю, что тексты это дело десятое, но надо же всё-таки меру знать. Все эти "Kings of Heavy Metal" и тому подобное. Такое ощущение, что слушатель прямо с порога получает из реквизиторской облупленный пластиковый меч и меховые труселя не первой свежести. И ведь самое удивительное, что у исполнителей не чувствуется ни тени самоиронии как у тех же Powerwolf, или откровенно пародийных Nanowar.
Можно сколько угодно кивать, например, на подлинных "Королей Метала", которые также отнюдь не выглядят интеллектуалами, но те, не считая того, что были первыми в своем роде и записали несколько настоящих шедевров, обладали своим уникальным звучанием и манерой, здесь же мы наблюдаем лишь эпигонство в своём самом низменном виде.
Что-то как-то злобно получилось, жестоко. Но, как говорится, чем выше заберешься, тем сильнее упадешь. Будь это всего лишь очередной Wannabe-Power альбом, вторичность и глупость можно было бы простить и забыть, но здесь не тот случай. Все, что есть у Brothers of Metal хорошего, наглым образом украдено у других команд, и преподносится как какое-то откровение. От такого, ей-богу, начинаешь поневоле вспоминать про пресловутые миллионы мух.
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
|  |
|
|
|
|
|
| Если я буду утверждать, что Wishbone Ash - недооценённая группа, то буду и прав и неправ. Для специалистов и коллег по ремеслу весомость этого талантливого квартета в музыкальном рок-пространстве уже в первой половине 70-ых годов не подвергалась сомнениям. По многим критериям музыканты WA не уступали лидерам британского хард-рока. И в индивидуальном исполнительском мастерстве были по меньшей мере не хуже, чем те же звёзды, чьи выцветшие от времени постеры до сих пор, как забытые иконы, болтаются на стенах жилищ некоторых маргинальных престарелых почитателей Led Zeppelin, Black Sabbath или Deep Purple. А уж изобретательность в композиционном плане и умение, а главное - неуёмное желание тратить многие часы своей молодости в четырёх стенах студий, у этих парней было, пожалуй, и повыше. Трудоголиками они были, как мало кто.
Вот чего недоставало WA, так это впечатляющих сценических шоу и яркого брутального фронтмена. А ещё эта скромная группа в заочном соперничестве всё с теми же лидерами из великой четвёрки (приплюсую сюда ещё и Uriah Heep) проигрывала в том, что не было в её рядах по-настоящему сильных вокалистов. Эту свою очевидную слабость музыканты WA старательно скрывали за удобными для вокала Мартина Тёрнера, и в то же время эффектными гармониями и искусными вокальными раскладами на два, и даже три голоса. И ещё один, быть может, самый существенный фактор. При всех несомненных достоинствах программ альбомов WA в целом, у них никогда не было убойных хитов, а стало быть и хотя бы какой-то ротации на радио, столь важной необходимости регулярно напоминать о себе массовому слушателю. Разумеется, музыковеды и немногочисленные эстеты отслеживали творчество WA, а вот фанатичного поклонения у группы не было никогда.
Но одна значимая особенность у этой группы всё же имелась. Это наличие в её составе двух равнозначных лидер-гитаристов, зачастую исполнявших изящные сольные партии (что важно - разные!) параллельно, но при этом слаженно и гармонично. Причём, гитаристов если и не виртуозов, то уж точно несомненных мастеров своего дела. Случай по тем временам почти уникальный.
Альбом "Wishbone Four" демонстрирует это в полной мере. Хотя и не сразу с места в карьер, сделаю оговорку. Но как принято считать в среде завсегдатаев ипподромов, только плохая лошадь начинает с галопа. После умеренного старта ("So Many Things To Say") и сдержанного, но уже узнаваемой для знатоков музыки WA композиции "Ballad Of The Beacon", с "фирменным", так называемым, кентерберийским звучанием (у нас его, благодаря альбому "Argus", принято почему-то называть средневековым), группа разряжается редкостным для своего репертуара рок-н-роллом "No Easy Road". С секцией духовых и акустическими клавишными. Едва ли не единственный подобного рода номер у команды с почти полувековым стажем.
И, вот оно! "Everybody Needs A Friend" - роскошная элегия с мягкими завораживающими гитарными переборами и органично вплетёнными в мелодическую ткань клавишными, с вкрадчивым вокалом Мартина Тёрнера, наполненного лёгкой меланхолией, и пленительной гитарной партией Теда Тёрнера. Идеальный образец, демонстрирующий лучшие качества группы в целом и каждого её музыканта в отдельности.
Увы, но этот альбом станет последним для Теда Тёрнера в том составе WA. По одной из версий он покинул группу из-за неприемлемых по его мнению контрактных условий со стороны компании MCA Records. Через пятнадцать лет он ненадолго вернётся в группу, чтобы затем исчезнуть навсегда. Кстати говоря, эту пластинку музыканты готовили без своего продюсера Дерека Лоуренса, чтобы "избавить себя от его консервативного влияния", так они это объясняли.
В завершении отмечу ещё одну композицию. "Sorrel" ("Гнедая лошадь" или просто "Гнедой") - это своего рода прощальный гимн с ярко выраженными "средневековыми", если угодно, мотивами в исполнении покидающего группу Теда, гитариста от бога. Никогда впредь WA ничего похожего уже не сыграют. К сожалению.
|
| |
|
|
|
|
|
| Юность! Этот бесконечно восхваляемый период жизни, действительно, чаще всего оказывается самым ярким, хоть столь же часто и является самым несчастным. Так много сильных эмоций мы испытываем в первый раз, будучи юными и не вполне сообразительными людьми – первая самостоятельная покупка, первая драка, первая потеря, первая любовь… Первая музыкальная любовь, в том числе. Запоминается она, как известно, навсегда, но время порой способно на такое святотатство, как изменить оценку на диаметрально противоположную. Моей любовью, как и для многих ранних миллениалов, была альтернатива в лице Linkin Park, The Rasmus и Evanescence, но то ли ухо начинающего меломана тут же опознало коммерчески выверенную простоту большинства их композиций, то ли что-то ещё пошло не так, но удовольствие очень быстро сошло на нет, а хотелось его всё сильнее. Вскоре в компанию к вышеперечисленным отправились Within Temptation и несметное количество феноменально пафосных и вторичных готик-коллективов типа Edenbridge и Delain, выделявшихся только внешностью вокалисток и которые сейчас вспомнят с трудом даже самые преданные фанаты. Так тихой сапой я и добрался до сего произведения, которое нынче тоже не найти днём с огнём даже на вездесущих онлайн-платформах, но на этот раз о таком положении вещей стоит пожалеть.
10 песен, готик-метал, девушка на вокале. Знаем, слышали, да и последующие альбомы Flowing Tears, хоть и хороши, но нового ничего не предлагали. Глядя на него с высоты сегодняшнего музыкального опыта, в глаза тут же бросается дилетантское исполнение и сведение. Ударные то и дело выбиваются из ритма, грозясь разрушить удовольствие от прослушивания. Гитары порой вступают значительно раньше нужного, да и вообще с интервалами слишком часто наблюдаются проблемы. Синтезатор звучит плоско и примитивно (98-й год, собственно, это вам не во FruityLoops пердёж через хорус пропускать), тембр у певицы как будто безжизненный, поёт зажато и иногда срывается в молоко, но всё равно это происходит где-то на фоне – чтобы расслышать находящееся за массивным басом, приходится напрягать уши. Кстати, никакая это не готика в привычном её толковании, вот сюрприз-то! Скорее, какой-нибудь атмосферный рок/метал, такой по-юношески простой и незатейливый. Но прослушивая альбом сейчас, я то и дело покрываюсь мурашками с ног до головы, и это точно не приступы слезливой ностальгии о временах, когда трава была зеленее, а указатели стояли лучше! При недостающем профессионализме и заставляющей усмехнуться наивности, эти ребята оказались абсолютными мастерами в воздействии на эмоциональный фон. Вокруг вечереющий осенний день. Печаль увядающей природы точно отражает тяжёлые мысли в голове. Но руку греет стакан любимого горячего (не горячительного) напитка, глоток которого чувствуется словно объятие любимого человека. Серое небо оживляется, в обнажающихся деревьях чувствуется их вековая мощь, опавшие листья шелестят ещё звонче живых, а красота их – предмет поэтических фантазий на протяжении многих веков. Самое главное – этот маленький глоток приоткрывает внутри завесу из переживаний, сквозь которую дребезжит свет, чудесным образом рассеивающий тоску и облегчающий душу. Лучше всего это волшебное ощущение передаётся через заглавную "Joy Parade" и, особенно, "Rainswept". Последняя – удивительная по своей силе вещь из нескольких переборов на акустической гитаре и отрешённым голосом певицы. Так в чём секрет, за счёт чего достигается великолепная атмосферность этого альбома при столь серьёзных минусах? Вероятно, дело в синтезаторной подложке. При всей простоте, она сделана с невероятным вкусом, и это можно ощутить уже на первом треке – без клавиш и с иным сведением это был бы весьма зажигательный трек, и только гитарная концовка сыграна в типичном для альбома минорном ключе. Но, помимо клавиш, совершенно точно нужно отметить не менее важный элемент. Со временем я понял, что именно он делает чувство тепла ощутимым – вокал. Он бесподобен в своей незатейливости и уникальном тембре, который по большей части спокоен и бесстрастен, но на мажорных нотах в припевах словно способен заставить бумагу загореться. К типичным оперным руладам вокалисток групп заявленного жанра голос Стефани Духене не имеет никакого отношения - это низкий альт с узким диапазоном, но моментальной узнаваемостью, характерной для самоучек. Большое спасибо группе за то, что они разглядели в этой певице потенциал! Без неё бы характер произведения был совсем иным, и очень вряд ли – лучше, слишком уж хорошо у неё получилось. Впоследствии ей пришлось покинуть группу, но это уже иная, более печальная история.
Можно ли закрыть ли глаза на существенные изъяны для музыкальной продукции? Нельзя. Но нет никакого смысла отбирать больше одного балла, зная, какая сила заключена в этой незаслуженно забытой всеми вещи. Будь группа удачливее и трудолюбивее, они могли бы стать легендами и иметь последователей, но торжество меланхолии закончилось банальным коммерческим унынием. Однозначно рекомендую к прослушиванию если уж не весь альбом, то треки "Joy Parade", "Rainswept" и "The Day You Took My Breath", и за сим отлыниваю.
|
| |
|
|
|
|
|
| Когда-то давно в одном журнале я прочитал забавное объяснение стремлению некоторых рок-музыкантов записывать альбомы с симфоническими оркестрами. Дескать, обильный волосяной покров на их головах закрывает ушные раковины, и музыкантам требуется все больше инструментов, чтобы просто слышать собственную музыку. Лично я считаю подобное объяснение не выдерживающим критики, так как Металлика, к примеру, записала свой симфонический двойник, когда все участники группы, кроме Хэммета, уже коротко подстриглись. Или, к примеру, Удо и Хоффман, которые недавно тоже работали с оркестрами; эти двое нынче волосатостью могут соперничать разве что с парой бильярдных шаров. Значит, дело все-таки не в пышных гривах? Если у вас есть какие-то соображения на сей счёт, можете поделиться ими в комментариях. От себя лично могу предположить, что музыкантам просто нравится пробовать новое звучание, экспериментировать с аранжировками и всячески украшать свою музыку на радость фанатам.
Вот и Manic Depression не остались в стороне от модных тенденций и выпустили "симфонический" EP с обновлёнными версиями классических композиций и немалым количеством гостевых участников. Вообще, если смотреть объективно, то настоящий симфонический альбом, с реальным, несемплированным оркестром, это та ещё работенка: ведь помимо очевидных трудностей с написанием оркестровых партий (здесь вспоминается интервью Helloween с рассказом о сложностях создания классических аранжировок для "Chameleon"), добавляется ещё и масса организационных вопросов и, очень часто, банальное отсутствие опыта. Для меня эталоном грамотного соединения традиционного Heavy Metal с оркестровой музыкой, был и остаётся оригинальный "Lingua Mortis" Rage, одна из первых работ такого рода. С ним и буду сравнивать "Symphony of Depression".
Прежде всего, симфонизм этого диска исключительно студийный, и отвечает за него Keat Tikhones, он же Никита Тихонов из Невиди, и реальных арф и скрипок на работе нет. Впрочем, в век технического прогресса сам факт присутствия оркестровых партий в цифровом виде, при условии достойного материала, никак нельзя считать признаком некой халтуры. Напротив, если не ставится задача реально гастролировать с оркестром по стране и миру, куда проще, надёжнее и качественнее будет обойтись компьютерными аналогами. Никита поработал на славу: стена струнных, рокот духовых, свиристель флейт и переборы арфы звучат органично и к месту, не отваливаясь от основных "металлических" партий, и не перетягивая в то же время одеяло на себя. Само собой, наиболее заметен симфонизм на более спокойных композициях вроде эпика "Судьба Атлантиды", баллады "Скажи мне правду" и в их инструментальных вариациях: вот там действительно есть за что зацепиться любителю оркестрового звучания. В боевиках же вроде "Позиции несогласия" классические аранжировки играют явно вторичную роль, не особенно добавляя что-то в звучание, но, впрочем, и не портя его. Они вполне здорово воспринимаются и без оркестра, и не нуждаются в уплотнении или обогащении звука. Забавно, но если слушать EP, не вникая в трек-лист, можно и в трёх последних бонусах оркестр услышать, хотя его там и нет: это к тому, что в thrash-номерах, изначально не заточенных под классические выкрутасы, не так-то просто добавить что-либо действительно заметное.
В итоге, мы имеем экспериментальный EP с пятью песнями в новой обработке (интро и инструменталы не в счёт, хотя вторые — классные, особенно "Атлантида"), качественно записанный и исполненный, и способный доставить удовольствие слушателю. Стал ли он важной вехой в истории группы? Вряд ли. Думается, сборник перезаписанных хитов на русском языке "Одиннадцать приступов депрессии" — куда более значимая ступень в биографии московского коллектива. "Symphony of Depression" это, скорее, просто очередной удачный эксперимент из разряда "fans only".
(Диск предоставлен Meat Sound Production).
|
| |
|
|
|
|
|
| Десятилетиями нечестивое потомство Дума, Сладжа и Стоунера Мартенсов сношает друг друга, порождая волну за волной генетически замкнутых отродий, которые мало похожи на людей, зато как две ягодицы Сатаны схожи друг с дружкой. Только глупец, влезая в этот поросший плесенью паноптикум, будет искать там призраков оригинальности, новизны или хотя бы разнообразия, да и то – эти злые духи найдут его раньше, да хорошенько проучат, прогнав под аккомпанемент пятой бемольной доли по гулким кольцевым коридорам, где жертва будет оскальзываться на грязной плитке (в тех местах, где она сохранилась целой) и проклинать тот день, когда перестала слушать пост-хардкор, и, поддавшись на уговоры бати (так-то старик давно сгинул где-то в Новом Орлеане, решив половить раков в местных болотах; но беспокойный дух его всё являлся в дождливых осенних снах и требовал уважить его память шестикратным рипитом третьего альбома Black Sabbath), переключилась на ретро-думец.
Автор давно утратил порыв к подобным глупостям,автор не желает искать ничего (вы, гончие паноптикума, слышите меня? Я больше ничего там не ищу!..) нового в нарастающих стаях мартенсовских потомков, дорывших тоннели аж до Матушки-Руси, потому они его пока и щадят: и вот намедни, оказавшись (хранит вас провидение, от знания, как) в ленинградской канализации (сбережет вас судьба от понимания, зачем), он встретил в одном из ветхих, тронутых гниением подземных миазмов, источаемых костьми, на которых, как всем известно, город тот и зиждется, одного из таких кошмарных созданий. Облик его напоминал вооруженного примитивной монтировкой грузного Конана с неизгладимой печатью печорского происхождения на низком покатом челе. Однако существо отпустило автора этих строк невредимым (кроме, разве что, чуть пошатнувшегося рассудка), но с требованием: поведать о нем в вышнем мире, в деталях и с подобающим персонажу величием; в противном случае – было обещано весьма близкое и исключительно неприятное знакомство с монтировкой.
Так вот: трио Sheva записало весьма крутой и смачный EP, который, впрочем, позиционируется ими самими как концептуальный альбом (да, потому что у нас длинные треки и тексты по Лавкрафту). Материал представлен двумя полноценными треками в русле Conan, Electric Wizard и Crowbar (т.е., это очень качевый, риффово-ориентированный doom с сильным мужским чистым вокалом), записанными с помощью предельно лампового оборудования (фузз-педаль Boss FZ-2, усилитель Orange Thunderverb 200 и прочее) и доведены до релиза с минимумом звукоинженерных правок, в целях придания записи живой энергетики (за что и спасибо, поскольку на выступлениях эти композиции исполняться не будут), а также выполненными на аутсорсе эмбиент-зарисовками от проекта Nightmares & Dreamscapes. Вот, собственно и всё, что можно о нем сказать (не надо монтировок, господи, не на…).
…
Сутулый старик в грязном восточном халате рассказывает в тупиковом переулке сказки на потеху толпе: про древних Богов, тень крыльев которых закрывала солнце, а поступь раскалывала землю, про чуждые города, населенные теми, кто заблудился в собственных снах и грезит о нашей реальности, про обжигающий свет Полярной звезды, который тревожит незаживающую рану вины. Голос его вкрадчив и зычен, истории его влекут слушателей снова и снова, но остерегайся: те, кто внимают им слишком рьяно, становятся героями его новых, поистине ужасных сказок, и нити их судеб в нашем мире рвутся, дабы накрепко привязать их к миру иному. Иногда кто-то видит, как из-под полы халата мелькает судорожным порывом ...щупальце? Но нет, то лишь тени бегут по земле, тени от незримых крыльев, что под толщей вод вечно хранят на себе радиоактивную печать солнечного поцелуя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Еще один альбом великих австралийцев, не ставший суперхитом, продажи в США – скромно 1 000 000 экземпляров (для сравнения «Back in Black» (1980) - 22 000 000). Множество любителей творчества группы считают «Fly on the Wall» одной из самых провальных работ коллектива.
Данная пластинка записана без оригинального барабанщика группы Фила Радда, который был вынужден после ссоры с Малколмом Янгом покинуть группу на десять лет. Как следствие: другой ударник – другой звук ударной установки и звучания в целом. Если Радд был адептом сухих тяжелых барабанов и оригинальной манеры акцентирования тарелок, то пришедший ему на смену Саймон Райт привнес в группу более современный, на тот временной отрезок, гулкий объёмный саунд.
«Fly on the Wall» записывался и сводился под руководством братьев Янгов, Мэтт Ланг, однозначно причастный к успеху трех альбомов рубежа 1980 года, был уволен еще после записи «For Those About to Rock (We Salute You)» (1981). Старшего брата Джорджа Янга, участвовавшего в продюсировании альбомов AC/DC до 1978 года, тоже не позвали, его время еще не пришло. Кстати, возможно, у многих пытливых поклонников группы возникает вопрос, а почему Янги отказались от услуг успешного Мэтта Ланга? Смею предположить, что все очень просто. Деньги. Стоимость работы Ланга в студии начиналась от отметки в сто тысяч долларов США.
Надо сказать, что 85 номерной, у меня лично, один из самых любимых. Я могу его слушать всегда и в любом настроении, с любого места. Есть тут какая-то магия, мне непостижимая. Я прекрасно вижу и слышу достоинства альбомов «Back in Black» или «Highway to Hell», но жесткие резкие гитары вкупе с бодрыми воплями Джонсона на «Fly on the Wall» мне дороже.
Одной из основных причин, по которой «Муха на стене» у многих зачастую удаляется из плей-листа в пользу творений опять-же 1979,1980,1981, 1990 годов, мне представляется мелодическая составляющая припевов. На «Fly on the Wall» многие припевы похожи просто на выкрикивания каких-то лозунгов, как то песни «Stand Up», «Hell or High Water» или «First Blood». Да и вообще звук стал тяжелее и жестче, а структуры песен прямолинейнее по отношению к альбомам периода Бона Скотта.
Ну а что касаемо продаж, есть мнение, что всем трем альбомам, записанным после 1980 года, на которых еще только разворачивался Брайан Джонсон («For Those About to Rock (We Salute You)» (1981), «Flick of the Switch» (1983) и «Fly on the Wall» (1985)), здорово помешало решение рекорд-компании выпустить в США в апреле 1981 года пластинку 1976 года «Dirty Deeds Done Dirt Cheap», ранее не издававшуюся в Северной Америке и оттянувшую на себя очень много внимания и денег. Как-никак, аутентичный тяжелый сырой рок-н-ролл от AC/DC, да еще с покойным Боном Скоттом на вокале.
В целом, я оцениваю «Fly on the Wall» на семь баллов, но ставлю восемь, что является обыкновенным проявлением моего личного субъективизма.
|
| |
|
|
|
|
|
| После вялой реализации невразумительного LP 1977 года "Whatever Happened To Slade" группа получила вполне ожидаемую отставку от Polydor Rec. Int. И следующий свой студийный альбом музыканты начали готовить уже без своего продюсера Часа Чандлера, того самого, который в своё время их, что называется "вывел в люди". Однако новая для Slade компания с названием Barn Records решила не рисковать и выпустила эту пластинку ограниченным тиражом лишь в Англии и Голландии, где группа была особенно популярна. Это была тёмная история, завершившаяся финансовой неразберихой, в результате которой квартет оказался на грани развала. Строго говоря, какое-то время группа Slade как единая боевая единица и в самом деле не существовала. Нодди Холдер и Джим Ли на скорую руку собрали трио с безымянным барабанщиком и отправились на заработки со старым проверенным слэйдовским багажом. Впрочем, та авантюра продлилась недолго, клон Slade не встретил должного понимания у взыскательной европейской публики;
И пока в рядах некогда знаменитого коллектива наблюдались разброд и шатания, Час Чандлер совместно с Polydor Rec. Int. организовал выпуск сборника, в который по замыслу организаторов был помещён самый что ни на есть убойный материал, своего рода ретроспектива творческого наследия Slade на протяжении целого десятилетия 70-х годов. Идея запустить в производство эту компиляцию для попытки спасения терпящей бедствие команды каким-то чудесным образом совпала с внезапно возникшей для группы возможностью принять участие в престижном рок-фестивале в Рединге, где квартет в пожарном порядке заменил Оззи Осборна, снявшегося буквально перед самым его началом.
Каких усилий стоило Часу Чандлеру собрать четвёрку вместе в классическом составе, знал по всей видимости только сам Ч. Чандлер, но на сцене Рединга Slade устроили настоящий фурор. Столь нежданное, да ещё и удачное выступление на фестивале вызвало всплеск возродившегося интереса к угасающей группе. И на этой волне как нельзя кстати оказался выход в релиз сборника "Slade Smashes". Два этих фактора и способствовали тому, что четвёрка осталась на плаву и не канула в пучину забвения.
1 ноября 1980 года компиляция из 20 треков поступила в продажу и совсем уже скоро объёмы её продаж преодолели "золотой" рубеж. Что же это за феномен такой, возможно заинтересуется кто-то? На мой застенчивый взгляд - ничего особенного. И оценку этой пластинке следует давать не исполнительскому мастерству музыкантов, а выбору её продюсера. Люди, хорошо знакомые с творчеством Slade того времени с 1971 по 1978 год, должно быть уже по названиям композиций определили для себя, чего эта подборка стоит. И как для любого сборника для какого угодно исполнителя разброс мнений и масштабы критических замечаний и в нашем случае будут запредельными. Потому не называя песен, без которых по моему мнению этот сборник будет не сборник, или наоборот, которые в нём совершенно не по делу (а те и другие в нём присутствуют), выскажусь так: три-четыре номера заменил бы не задумываясь, ещё столько же вызывают разного рода сомнения. За оставшиеся голосую обеими руками.
Другое дело, как этот альбом был оценён компанией-производителем по итогам его реализации. Так вот, каждый из четвёрки музыкантов получил от Polydor Rec. Int. по золотому именному диску. Судя по всему, не просто так.
|
| |
|
|
|
|
|
| Московские трешеры Manic Depression в представлении не нуждаются: уже почти двадцать лет мужики рубят качественный Thrash и радуют отечественных, и не только, слушателей альбомами и горячими выступлениями. В последнее время, пережив несколько встрясок и смен состава, команда активно подвизается на почве разнообразных музыкальных экспериментов, то перезаписывая наиболее значимые свои номера на русском языке, то выпуская "симфонический" EP с оркестром: проекты вполне пристойные для состоявшейся уже группы, что называется, с историей. И, пока фанаты сосредоточенно ждут нового материала, Manic Depression решают тряхнуть стариной и к этой самой истории обратиться, переиздав на лейбле Meat Stocks Records своё первое демо 2001 года "Who Deals The Pain". Результат — лаконичный, но стильный диджипак с оригинальным артом, но новым логотипом, оказался в наших шаловливых ручонках.
Подумаешь, демо! — скажет иной индивид, — да все те же самые песни можно услышать на альбоме 2003 года, да ещё и в качестве, зачем мне тратиться на ещё одну болванку? Данный индивид забывает лишь об одной простой вещи: подобные диски издаются прежде всего для фанатов группы или всего направления. Для них и, наверняка, для самих музыкантов, заново обратиться к материалу, ставшему отправной точкой для многолетней истории группы, это большое дело, равно как и собственно обладание артефактом той, уже давно ушедшей эпохи. Не стоит забывать и о том, что новое, ремастированное издание звучит всяко лучше хрипящей запиленной кассеты, вышедшей семнадцать лет назад, которую сейчас, к тому же, днём с огнём не найти. Так что, для фанатов, собирающих физические носители, релиз, как ни посмотри, хорош: есть, что послушать с комфортом, на концерте подписать и на полочку поставить. Ну, а тем, кто не собирает, им и так ни хрена ничего не нужно, эта штука не про них.
Теперь, что касается музыки. Почитателям MD со стажем, само собой, рассказывать ничего не нужно, они в теме. Для тех же, кто только решил ознакомиться с командой посредством данного издания, скажем пару слов. "Who Deals The Pain", это классический, ортодоксальный и чистопородный Thrash metal на стыке европейской и американской школ. Тем, кто фанатеет от признанных работ Sodom, Kreator и Slayer, будет приятно осознать, что в России, на заре двадцать первого столетия, выходили релизы ничем не хуже. Добротное, техничное исполнение, классические жанровые риффы и конструкции, разбавленные оригинальными соло, традиционный вокал: демо звучит словно релиз европейской или штатовской Thrash-команды тех времён, чего, надо полагать, музыканты и добивались. Нельзя сказать, что материал особенно оригинален, но жанровыми экспериментами Manic Depression начнут заниматься чуть позже. Данный же релиз, равно как дебютный альбом, хорош именно в своей первозданной верности традициям. Пусть заголовок "демо" вас не пугает, в конце концов, это демо двухтысячных, так что со звуком там все обстоит вполне пристойно, разве что ударные глуховаты и кастрюльны.
В одном из интервью лидер группы Виталий Новожилов заметил, что в нынешние времена классический олдскульный Thrash отошёл на второй план, и на чистом олдскуле сегодня может выехать разве что группа, участникам которой по 15-16 лет. Но, на самом деле, интерес к классике вкупе с ностальгией всегда будут подогревать интерес к подобным релизам из-за желания вернуться к простоте форм, к истокам жанра. И, выпустив подобный экскурс в историю, Manic Depression только подтверждают это правило.
(Диск предоставлен Meat Stocks Records).
|
| |
|
|
|
|
|
| Много ли вы знаете музыкальных групп из Италии?
Италия известна не только как страна с богатым историческим наследием и кухней, но и как колыбельная таких музыкальных жанров, как диско (легендарная “дискотека 80-х”) и уже более современный альтернативный металл (ярчайшие представители - Lacuna Coil, Evol, Cadaveria).
Группа Methedras (Милан) относится скорее к жанру thrash/death metal. Набирающие популярность в России, на родине они выступают с 1996-го года, не изменяя первоначальному звучанию, делая его с каждым годов все интереснее и качественнее. Их отличительная черта – хорошо различимый вокал, позволяющий насладиться не только тем, как группа звучит, но и смыслом песен.
7-го декабря ушедшего года музыканты представили миру свой пятый по счёту студийный альбом ‘The Ventriloquis’ – ‘Чревовещатель’. Альбом вышел на немецком лейбле Massacre Records, и стилистически он отличается от первых произведений группы: на этот раз звук стал более современным, ярким и вместе с тем плавным, гармоничным (насколько это возможно для thrash/death metal). Музыканты на этот раз отказались от резкости и грубости звука, присущих типичному трэшу, в пользу мелодичности звучания и запоминаемости мелодий.
Темы песен классические – оккультизм, сделки с темными силами, ненависть ко всему живому, но подано это без излишнего пафоса, без штампов, зрелый качественный музыкальный продукт. Отдельно можно выделить следующие треки:
“A Deal With The Devil” (“Сделка с дьяволом”) – первая композиция сразу же задает настроение всему альбому, давая ответ на вопрос о том, способен ли человек жить без сердца? Клип к песне тоже хорош – непривычно видеть металлистов в классических строгих костюмах. Казалось бы, обычная съемка группы “из зала” - дергающаяся камера, быстрая смена ракурсов – но внимательный зритель может увидеть весьма интересное развитие событий на этом странном концерте.
“Sham Knockout” (буквальный перевод – “Переворот”), об участи того, кто решится все-таки отвергнуть свое настоящее. Здесь уже на первый план выходит личность самого “Чревовещателя”, история человека, сомневающегося в себе, самого себя спрашивающего и тут же самому себе отвечающего на извечные вопросы - “Кто я есть в этом мире и для чего я живу?”
“Alive Or Convict” (“Жив или осужден”) повествует о заевшей обыденности, вторичности человека в огромном мире, когда в голову невольно приходит мысль о том, будет ли это продолжаться вечно, или же есть какой-то конец всему этому? Беспомощность человека перед обстоятельствами, его нерешительность, чувства пленённого жизнью человека.
Схожая ситуация, но в более символичном воплощении - “Into The Maze” (“В лабиринте”). Попавший в смертельную, бесконечную ловушку герой ищет выход, умоляя Создателя ему помочь… и получает отказ. Теперь он наедине с собой, ищет спасение, стараясь не отчаиваться и выжить в поединке, прежде всего, с самим собой.
Продолжает историю трек “Fire Within” (“Огонь внутри”) – огонь ненависти, подпитываемый самим его носителем, служит единственным источником энергии для героя, заставляя идти вперед, уничтожая все на своем пути, не задумываясь о последствиях.
Альбом ‘The Ventriloquist’ наверняка понравится поклонникам жанра “живым”, чистым звучанием, необычным построением мелодий, новым прочтением старых тем - копания в себе и поиска в себе чего-то тёмного, и для самого себя пока что непонятного.
Принять ли сторону добра? Сложно ответить на этот вопрос. Принять ли новую группу в свой плейлист? Однозначно да, тем более что итальянцы полюбили выступать в России - и, надеемся, скоро снова посетят нашу страну с новым альбомом.
|
| |
|
|
|
|
|
| При всем уважении к огромному количеству коллективов жанра post-metal – стагнация в этом направлении наметилась уже достаточно давно. Слушать релизы Mouth of the Architect, Rosetta, Amenra и многих других сегодня уже нет никаких сил. В отсутствии даже желания привносить в свою музыку какую-то новую струю, команды топчутся на одном и том же месте едва ли не все 2010-ые года. К когорте обозначенных коллективов вполне можно было бы приписать и Phantom Winter, чьи первые два альбома иначе, как с зевотой слушать было просто невозможно. Однако, надежда умирает последней – и попавшийся под руку «Into Dark Science» оказался едва ли не самым толковым альбомом за последние года. Конечно же, в основании релиза лежат все те же самые базовые настройки по-настоящему кондового post-metal – внедрения же в оного black и dark ambient сотворили, по-настоящему, чудеса. Приятно чувствовать и слышать, что музыканты постарались максимально разнообразить палитру релиза, сочетая разномастные элементы и подавая их под соусом агрессии аналогично, например, Dragged Into Sunlight. Дань уважения хочется отдать гитаристам, которые, наконец, поняли, что в жанре можно использовать не только одну струну – да и барабанщик нет-нет, да ввернет в свою партию какую-то самобытную сбивку. Безусловно, сочетание достойного инструментала и всевозможных форм экстрим-вокала дает альбому особую атмосферу, в дымке которой сложно заметить какие-то изъяны (да и нет их, по большому счету). Некое провисание пластинки можно отметить, как ни странно, именно на одноименной с LP композиции – на ней участники коллектива, кажется, позволили себе расслабиться и выдать нечто, скорее напоминающее предыдущий релиз «Sundown Pleasures». Тем не менее, заключительная «Godspeed! Voyager» возвращает всё настроение на круги своя, финальным штрихом подводя пластинку к концу. По итогу, «Into Dark Science», конечно же, совсем не тянет на хит, оставляя, вместе с тем, действительно положительное впечатление. А это в настоящее время уже совсем немало!
|
| |
|
|
|
|
|
| Этот альбом для Status Quo мог стать прорывным, возможно даже эпохальным, и группу второго (если не третьего) эшелона англо-американской рок-музыкальной лиги вывести на небывалый для неё уровень. Но не стал. И не вывел. Невероятная по своему потенциалу программа этой пластинки оказалась заложницей всё ещё слабой технической готовности музыкантов эту самую программу и создавших. Здесь правильнее, наверное, будет сказать - гитаристов, а ещё точнее - Фрэнсиса Росси. И это при том, что в сравнении с прошлогодним Фрэнсисом, который работал над предыдущим альбомом "Piledriver", этот Фрэнсис Росси был уже на порядок более умелым и мастеровитым гитаристом.
Здесь я совсем не имею ввиду, что перспективная программа альбома была бездарно загублена. Вовсе нет. Но получилось то, что получилось. Музыканты отработали в студии ровно настолько, насколько были тогда способны. И две стержневые, самые сложные композиции - "Blue Eyed Lady", этот локальный шедевр Алана Ланкастера, и "Forty-Five Hundred Times", комбинированная десятиминутная рок-сюита Рика Парфитта, в которых особенно много сольных гитарных партий, наглядно-показательно продемонстрировали "школьный" исполнительский уровень ведущего гитариста. Была ли это вина Фрэнсиса Росси или его беда, теперь об этом трудно судить, но наивная прямота и простота так и сквозят в исполняемых им сольных дорожках. Порой гитарист сбивался и начинал путано импровизировать, с трудом выбираясь на ранее отрепетированную тропу. Слабым утешением для Фрэнсиса могла служить его относительная молодость - тем летом 1973 года ему было только 23 года. Для рок-музыканта - детский возраст.
Впрочем, с другими номерами программы дело обстояло куда лучше. Ввиду того, что все они технически проще и группа отыграла их должным образом в уже привычном для себя, достаточно хорошо освоенном стиле рок-буги, апологетами которого S.Q. стали окончательно считаться именно с выходом этой пластинки. Классика жанра - "Caroline" и "Reason For Living" с отменной синхронизацией гитаристов с ритм-секцией. Уверенно и без заметных сбоев исполнены напористые зажигательные "Roll Over Lay Down" и "Softer Ride", с ещё чистым как горный хрусталь вокалом дуэта Росси-Парфитт. Лёгкие разгрузочные песни "Claudie" и "And It's Better Now" не портят целостности программы.
Попутно замечу, что этот альбом стал первым в истории S.Q., в котором все композиции были написаны и аранжированы музыкантами группы. И продюсировали его они тоже сами без вмешательства старших товарищей. Но в этом, возможно, и кроются причины тех издержек, что негативно отразились на впечатлениях от пластинки. И то, что в процессе студийной работы рядом с молодым составом не оказалось авторитетного продюсера, который бы вовремя внёс необходимые корректировки, привело к тому, о чём отмечено выше.
Осенью 1973 года "Caroline" (а она выходила и отдельным синглом) добралась до 5-го места в UK Singles Chart. Альбом "Hello!" взлетел (правда, ненадолго) на верхнюю строчку рейтинга в категории UK Albums, сместив оттуда супер-сборник "Sladest" популярной уже тогда группы Slade. А группа Status Quo уже готовила программу для своего нового альбома с лаконичным названием "Quo".
|
| |
|
|
|
|
|
| Некогда покинув Rage, Виктор Смольский, недолго думая, собрал весьма убедительный коллектив под названием Almanac, являющийся примером качественного европейского стандарта пауэр-метал. Как раз таки здесь и кроется довольно понятная мысль, о том что уйдя из одной команды, пускай и талантливый гитарист в принципе не изменил своему музыкальному курсу. С одной стороны, конечно же, похвально, ведь узнаваемость - это фирменная особенность любого музыканта с профессиональной точки зрения, но в то же время Смольский остался в прежнем звучании, какое он, собственно, и выдавал в компании Пиви Вагнера.
Дебютник “Tsar” - это классический пауэр с великолепным звучанием. Безусловно, возможности записи безграничны в наше время, когда материал пишется не из-под полы, но в то же время, с приходом прогрессивного развития, пропало стремление вдыхать жизнь в свои работы, и если такое случается, то скорее как некое чудо. А так то, что ожидаешь, то и получаешь. Касательно пластинки “Tsar” ситуация именно такая - материал безукоризненен, гитарная техника отработана максимально, вокала пускай местами и не хватило на верхах, но тем не менее, планка уровня выдержана. Но что конкретно не имеет здесь своего места, так это, собственно, своеобразность материала. Нет того, что, возможно, и не ожидали от Смольского, воспринимая работу команды Almanac. Стоит учесть, что коллектив собран из довольно укоренившихся музыкантов на метал-сцене, но работа совершенно проносится на коне мимо поля битвы, так и не успев снести головы с плеч.
Величественность ещё со времён прихода Смольского в Rage уже тогда довольно сильно сгладила звучание команды, теперь же белорусский музыкант в полной мере отыгрался в собственном проекте. И не сказать что плохо, ведь по сути пластинка получилась довольно акцентной, и проблески колорита, который Виктор Смольский попытался преподнести, вроде бы словно дождевые капли проступают на окне. Но всё же не столь важно как и что ты делаешь, более ценно что ты способен продемонстрировать своё Слово, особенное, благодаря чему оставишь след в мире. С дебютным альбомом “Tsar” этого относительно не произошло, это знакомая дорога, которая была проложена уже так давно, да и путь ещё не забыт. Довольно примечательно, что творцу видней куда идти, но здесь же, пускай и ярко, но не основополагающе были сделаны шаги, которые со временем сотрутся во множестве.
|
| |
|
|
|
|
|
| Все-таки скандинавы знают какой-то секрет успеха в популярной музыке. Такое чувство, что практически каждый берущийся за микрофон или музыкальный инструмент швед, норвежец или датчанин автоматически становится выдающимся мелодистом, композитором, исполнителем и автором хитов мирового масштаба. Это, конечно же, не так, но, если назвать наобум десяток самых популярных западных хитов из золотого фонда поп-музыки, так или иначе, минимум на двух-трёх скандинавов вы попадёте. Бессмертные ABBA, экстравагантные Army of Lovers, романтичные a-ha и Ace of Base, звезды миллениума Aqua; нету среди имеющих уши человека, который не слышал хотя бы одной из этих команд из земель фьордов и троллей. И это только на первую букву алфавита. А сколько скандинавских талантов обрелось в роке и более тяжёлых направлениях? Думаю, нет смысла перечислять, так как затянется такой список надолго: скажем лишь, что и сейчас подавляющее количество топовых релизов больших лейблов выходит оттуда, из Скандинавии.
Наши нынешние гости, Dynazty, — шведы в своём истинном виде. Техничные, мелодичные и замечательные во всех отношениях. "Firesign" — уже шестой альбом коллектива, и он во многом продолжает славные традиции предшественников. Впрочем, от великолепного диска 2014 года "Renatus" данная работа отличается заметным креном в большую мелодичность и легкость, но это отнюдь не портит восприятие материала. "Firesign" разнообразен и многолик: на нем можно услышать мощные Power-номера, обильно приправленные симфонизмом в духе Nightwish и Kamelot, и, в особенности совершенно потрясающая "The Darkest Hour", которая просто уносит слушателя в космос своей мелодикой. Также присутствуют и более лёгкие номера, не менее хитовой породы, которые с полным основанием дают Dynazty право претендовать на лавры наследников Europe (надеюсь, сами музыканты на такое сравнение не обидятся, ведь, хоть "Европа" и занимает особое место в сердцах народа, многие "продвинутые пользователи" склонны относиться к авторам "Обратного отсчета" с презрением, ну и черт бы с ними). К таким песням относится, к примеру, "Closing Doors", которая, возможно, и расстроит любителей более тяжелого "Renatus", но именно такие треки, на которых поет весь зал, и на сцену летят предметы женского туалета, становятся любимцами толпы.
Самое главное, в каком бы направлении не развивались композиции альбома, они всегда интересны: скоростные номера не превращаются в монотонную долбёжку, а более мелодичные — в пресную кашу. Какие тут припевы, какие соло и проигрыши! Возьмите хоть "Ascension" или "Let Me Dream Forever ". Как звучит, а? Да, мы такое уже слышали, и слышали не раз (у тех же Nightwish, например), но это стоит того, чтобы слушать ещё и ещё, тем более, что вышеназванные прототипы свой запал и вдохновение давно растеряли. А вот у шведов вдохновение льётся полноводной рекой через край. Это слышно и в прямо по-гастрономически вкусной записи, которую хочется впитывать каждым микроном слухового канала, и в потрясающе-выразительном вокале Нильса Молина, который звучит настолько ярко, искренне и полно, что в некоторых моментах (да, я опять про "Darkest Hour", песня — шедевр) слушателя просто уносит далеко и надолго. И если мурашки, бегавшие когда-то по спине от громоподобных вокализов Аттилы Дорна из Powerwolf, пресытившись, расползлись кто куда, то заслышав Нильса они снова пускаются в свой меломанский марафон. Подкупает здесь именно искренность голоса и лёгкость, с которой вокалист Dynazty переключается между диапазонами и манерами пения: то он звучит как Йорн, подражая Дио, то, набирает высоту, по всем канонам классического Power вокала, но не срываясь при этом в поганый визг, который многих попросту отвращает от всего жанра в целом. Выдающийся исполнитель; шведская школа, что уж там.
Я бы много мог ещё чего сказать о выдающихся во все стороны достоинствах альбома, но предпочту просто охарактеризовать его как один из лучших Melodic Power релизов прошлого года и отправить почтенную публику слушать его в едва ли не принудительном порядке.
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
| |
|
|
|
|
|
| Одна из главных достопримечательностей Брюсселя, известная во всем мире – Атомиум, модель кристаллической решетки железа, увеличенная в 165 миллиардов раз. Какие еще достопримечательности в бельгийской столице вы можете назвать? Так и Enthroned – пожалуй единственная известная блэк-метал группа из Бельгии.
Скоро должен выйти их очередной альбом, так что давайте взглянем на последнюю на сегодняшний день работу.
Строго говоря, «Sovereigns» - типичный альбом Enthroned XXI века, после того, как в группе не осталось ни одного участника оригинального состава (вокалист Lord Sabathan свалил в 2006 году, видимо предпочтя карьеру порноактера :-). Альбом очень ровный в своей мрачной атмосфере – после Интро, вызывающего образы ритуалов вуду, начинаются яростные треки, идушие один за одним. Можно отметить качевую «Lamp of Invisible Lights», почему-то ассоциирующуюся у меня с игрой «Penumbra», «Of Shrines and Sovereigns» с ураганными барабанами и яростным вокалом, да что там говорить, весь альбом слушается на одном дыхании.
Enthroned стараются особо не экспериментировать, стараются избегать чрезмерной усложненности своей музыки, придерживаясь достаточно ортодоксального блэка. Но на самом деле, ничего плохого в этом нет – оставаясь в рамках жанра, на этом альбоме бельгийцы создали целую палитру настроений – от спокойного медитативного до невероятно энергичного. Одна из лучших работ Enthroned и лучший вариант для ожидания нового альбома!
|
| |
|
|
|
|
|
| Пятый полноформатник финской команды Behexen – один из моих любимых альбомов в их дискографии, да и вообще среди ненорвежских блэкарей. Финский блэк традиционно слушается «тяжелее», он мрачнее, как-то атмосфернее что ли.. «The Poisonous Path» знаменует эдакое возвращение к эпохе «By the Blessing of Satan» после предыдущих двух дисков, но с улучшенным качеством записи.
Короткое жужжащее вступление превращается в вихри пылающих гитарных ритмов, утолщенных, тяжелых риффов и мутных басовых линий. Лид-гитара подкреплена громким басом и острыми тремоло-риффами.
Главное отличие от двух предыдущих альбомов – своеобразная смесь яростного скоростного исполнения и в чем-то думового звучаний «My Soul for His Glory». В то же время по сравнению с ранними дисками Behexen здесь меньше шума и более четко прописаны все инструменты. С музыкальной точки зрения получилась почти идеальная смесь свирепого финского блэка и редких вкраплений мелодики – сравните ярость "Cave of the Dark Dreams" или "Umbra Luciferi" и медитативность "Rakkaudesta Saatanaan".
Нельзя сказать, что “The Poisonous Path” однозначно лучше “By the Blessing of Satan”, но категорически рекомендую его для всех поклонников пуританского блэка.
|
| |
|
|
|
|
|
| Никогда наперёд не знаешь, чего ожидать от сольных работ известных и даже знаменитых музыкантов-групповиков. Ещё экс-битлы приучили нас к подобному гаданию на кофейной гуще. Но с теми крутыми парнями всё уже в прошлом, а вот люди, задумавшие ныне этим удивить музыкальный мир, который в наше прагматичное время давно уже ничему не удивляется, либо черезчур уверены в себе, либо неисправимые оптимисты. А возможно ими движет обычная и понятная корысть - что-то заработать на этом деле. Не берусь судить чем руководствовался Джо Перри, но любой из этих факторов в его случае уместен.
Как у основного вокалиста, своей истории у Перри не было. Что-то было у него связано с вокалом в The Joe Perry Project, но это давняя и мутная история, не стоит её ворошить. В общем, сравнивать то, что у Джо получилось (или не получилось) в этом его альбоме, будем здесь и сейчас.
Итак, бодрая стартовая "Shakin' My Cage", по Aerosmith узнаваемые фамильные гитарные ходы Перри. Сама песня достаточно тривиальна, так "кузнецы" играли ещё в середине 70-х, и это инструментальное давление несколько отвлекло поначалу внимание слушателя от того, что там пел Перри и как он это делал. Следующий трек "Hold On Me" добавляет огня в инструментальную топку, с чем приходит понимание, что с этой составляющей всё в полном порядке и самое время прислушаться к вокалисту. Заметно, что отдельные ноты даются Джо нелегко, пожалуй даже с трудом. И глубины голоса явно не хватает. И как показало дальнейшее прослушивание, всерьёз рассуждать о Перри-вокалисте преждевременно.
Впрочем, пока что не всё так плохо. Показателен номер "Can't Compare", в котором инструментал выжимает вокальную партию Д. Перри на задний план, тем самым как бы вуалирует её, отчего создаётся некое равновесие. И песня, в целом, удалась. Та жа история и с "Lonely". Мощное инструментальное сопровождение скрашивает невзрачное пение, отчасти компенсируя его. Несколько иначе обстоит дело в "Crystal Ship". Здесь медленная блюзовая мелодия, а блюз - это такая тема, которую голосом можно интерпретировать как угодно, и в любом случае что-то должно получиться. Будем считать, что у Джо получилось.
Далее, впрочем, откат в прежнюю колею. "Talk Talkin'" - сильный инструментал и бледный на его фоне вокал, даже в сопровождении группы случайных бэк-вокалистов. А вот в "Push Comes To Shove" Джо Перри не пришлось слишком напрягаться, здесь в его исполнении скорее речитатив, и тянуть длинные ноты ему не пришлось.
Несколько инструментальных этюдов, рассредоточенных по всей программе, отчасти смягчают нарастающие ощущения озадаченности, и даже какой-то безнадёги. Гитарная фантазия "Twilight" одна из самых ярких в программе. А следом, как приговор, "Ten Years" - самый, пожалуй, убедительный пример очевидной вокальной несостоятельности Джо Перри.
Наверное, без сравнений всё же не обойтись. Здесь напрашивается аналогия относительно Ринго Старра. Тому, впрочем, во многом было проще. Но хотя старина Ринго и был безголосым барабанщиком, коллеги по The Beatles время от времени допускали его до микрофона. А когда Р. Старр записывал свои собственные пластинки в его распоряжении, как правило, были солидные инструментальные составы, обоймы бэк-вокалистов и куча продюсеров с именами. Джо Перри же практически всё делает сам, и за исключением вполне объяснимых проблем с вокалом, у него получилось вполне себе достойно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если в новогоднюю ночь, которая, как известно, в наших широтах случается в ночь с 31 декабря на 14 января не валять дурака и не филонить, а пить как надо, то в случае последующего пробуждения наверняка захочется магии и поединков с драконами, что будет тем острее и настойчивее ощущаться, чем меньше у вас в холодильнике окажется рассола, а в аптечке цитрамона. И вот тут-то вам на глаза вполне может попасться новенький, второй по счёту (и кстати говоря, даже изданный на физическом кругляше-CD) альбом молодого one-man-проекта, географически располагающийся в местах с затейливым названием Вытегра.
Итак – на дворе у нас 14 января, рассол подходит к концу, цитрамона нет вовсе, а из колонок на нас вот-вот готова обрушиться лавина “Граней эмоций”. Гм, а вот и первая нестыковка: почему название диска на английском, а треки на эльфийском? В прочем, большой разницы в данном случае нет, поскольку петь единственный участник проекта Макс Богачёв на актуальном альбоме не собирается, а упирать будет исключительно на музыку, которая по-прежнему является языком универсальным и должна быть понятна хоть Ивану, хоть Джону, хоть Арагорну Арахорновичу, хоть неведомой зверушке с острова Буян, где правит царь Салтан.
А вот и второй облом: в поисках хоть каких-нибудь данных, я нарыла в Интернете инфу о том, что Silivren исполняет нечто в духе хэви и пауэра, а на деле вышло, что эти данные вот уже два года как устарели и ныне относятся лишь ко временам дебютного EP, а сейчас проект играет в 70% случаев возвышенный эмбиент-нью-эйдж с элементами фолка, а в оставшихся 30% раз пробует себя где-то на территориях Jethro Tull и King Crimson, но с явным уклоном в фэнтези-тематику и с какой-то неожиданной блюзовой тоской. Кроме того на пластинке присутствует ещё неоклассический гитарный бонус, который не относится ни туда, ни сюда.
В итоге ощущение остаётся такое, что мы получили 2 по цене 1 – два альбома в одном: “Verge Of Emotion” стартует как глубокомысленный саундтрек про Средиземье и похождения нолдоров, авари и иже с ними леголасов, а время от времени будет пробовать выковырнуть на свет нечто эдакое неожиданное. Немного металла здесь слышится разве что в предпоследней “Gilgalad”, отчасти близка к ней чуть более сдержанная, но тоже обогащённая дисторшном “Caum”, есть ещё пожалуй самые экспериментальные (и самые блюзовые) на всём альбоме “Baul” и “Calar”, в остальном же перед нами нечто в духе Dargaard и Lind Erebros, только совсем без голосов.
Отсутствие вокала особо не напрягает в силу того, что композиции по большей части воспринимаются как саундтрек для прогулок по тропинкам близ Ородруина, а экспериментальные скетчи уже одной своей экспериментальностью говорят сами за себя (что уж петь, если маэстро ведёт соло, и гитара за шаг за шагом продвигает своё повествование, подражая блюзовым и джазовым гитареро из полугендарных ныне уже 50-х и 60-х годов прошлого столетия). По большому счёту, музыка на CD это именно эмбиент/нью-эйдж, но обогащённый неоклассической шестистрункой и едва уловимыми вкраплениями фолка. Собственно, когда начинаешь вникать в музыку, считать обломы уже не хочется, поскольку материал затягивает и уверенно диктует свой ритм и настрой, но всё-таки третий облом не заметить сложно: звук гитар.
Есть легенда, что металлисты с жестокого бодуна очень любят разгружать свой мозг под такой вот эмбиент, и именно так появились нетяжёлые альбомы Burzum, Wongraven, Mortiis и иже с ними. Вероятно, с такими мыслями записывал свой альбом и Макс, хотя на фоне похмельного синдрома под такую музыку легко можно словить “белочку”, а слушать подобный материал всё же лучше не в те дни, когда вся страна пытается придти в себя после долгих и активных отмечаний, а в более спокойном, нормальном и адекватном состоянии духа, поскольку эмоций на альбоме немало, идей – тоже, а похмельное сознание под такую музыку очень быстро начинает “спотыкаться”, путаться и нервно ёрзать, рискуя ещё больше протереть и без того протёртые штаны.
Отдыхать от кондового “дж-дж-дж” время от времени под такое весьма полезно, засыпать – приятно, просыпаться – долго, а мечтать – великолепно. So, альбом для мечтателей и для желающих обнулить впечатления после прослушивания одной тяжёлой пластинки перед прослушиванием другой (эдакий васаби…или как там у японцев называется штука, которой они заедуют роллы одного вида перед употреблением роллов со вкусом другим?). По большому счёту пластинка фоновая, но начиная юзать её в таком фоновом режиме, есть опасность изрядно подсесть на эти гитарные ковыряния, нежные переборы, патетическую атмосферу и тонны прозрачной эльфийской меланхолии и не заметно для себя потеряться в этих ледяных чертогах. Альбом неровный и совсем не блестящий (особенно в плане саунда и сведения), но занятный.
|
| |
|
|
|
|
|
| В определённом смысле, Status Quo - группа, если и не уникальная, то уж точно особенная. И эта её особенность напрямую связана с состоянием её ведущего гитариста. В истории рок-музыки - случай не редкий. Ведущий гитарист как правило является флагманом и мерилом успешности для многих рок-коллективов (как пример - Элвин Ли для Ten Years After); В SQ эта связь, эта зависимость крепка как ни в каком ином случае. Становление этой группы самым непосредственным образом зависело от творческого роста Фрэнсиса Росси. И вот здесь-то и кроется та самая особенность группы Status Quo.
Дело в том, что "образовательный" процесс у Ф. Росси растянулся на долгие лет 10-12. Это сопоставимо с учащимся обычного колледжа, который первоклассником начинал с нуля и по истечении десяти лет (а в каких-то случаях и больше) получал среднюю степень в своём образовании. Так было и у Ф. Росси. К 1975 году он как ведущий гитарист наконец-то достиг уровня выпускника колледжа. Не университета или академии, как, скажем, Steve Howe в Yes или Jimmy Page в Led Zeppelin, а всего-то обычного колледжа. Однако, этого оказалось необходимо и достаточно (как говорят преподаватели математики в этих самых учебных заведениях), чтобы SQ записали хорошего уровня альбом "Blue For You".
Здесь, по-видимому, требуется небольшое пояснение. Дело в том, что фактически группа SQ как таковая возникла ещё в 1962 году, когда тринадцатилетние пацаны Алан Ланкастер и Фрэнсис Росси начали собирать ансамбль при школе, в которой учились. Однако только во второй половине 60-х годов появились первые записи группы, которая лишь с 1967 года стала называться The Status Quo. И это были простые песенки, по большей части чужие, а собственные, как правило, сочинялись в стиле примитивной психоделии. Вот, собственно, с середины 60-х и начинается становление и гитариста Фрэнсиса Росси и группы Status Quo.
Экзаменом на зрелость Ф. Росси можно считать его сольную дорожку в "Ease Your Mind". Ну а гитарная партия в титульной блюзовой "Blue For You" - это настоящее достижение Фрэнсиса, граничащее с подвигом. Никогда ранее гитарист Росси не играл так убедительно и чисто.
Альбом "Blue For You" стал той работой группы, с выходом которой Status Quo стали восприниматься в рок-музыкальном пространстве, как серьёзный коллектив. А два боевика в этой программе: "Rain" и "Mystery Song", явились показателем того непреложного факта, что хилые тела приверженцев аутентичного рок-буги, каковыми доселе воспринимались музыканты Status Quo в первой половине 70-х годов, наконец-то обросли мясом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Всё-таки меня очень сильно радует тот факт, что в последнее время появляется всё больше молодых команд, которые пытаются воскресить славные традиции метала 80-х, и вопреки моде и всем современным музыкальным тенденциям, в наше время играют настоящий олдскул. Респект и уважуха таким коллективам!
Вот и немцы Stallion взялись за это нелегкое дело. За свою недолгую историю существования группа уже успела выпустить два миньона и два полноформатных альбома.
На дебютной пластинке «Rise and Ride» представлен весьма сильный и интересный материал. Нет, ничего нового музыканты, естественно, не изобрели, но они и не ставили перед собой такой задачи. Зато благодаря их стараниям у нас появилась возможность еще раз окунуться в атмосферу 80-х. Поскольку банда стремиться звучать олдскульно, качество записи соответствующее. Если вы являетесь поклонником таких групп, как Skull Fist, White Wizzard, Enforcer, Striker, Speedtrap, то такая музыка вам точно придется по вкусу! Крайне быстрый, в меру жесткий, угарный и башкотрясный хэви-спид в духе 1980-х непременно заставит вас поностальгировать и вспомнить былые времена. Как ни странно, не обошлось тут и без влияния глэма (недаром вокалист Stallion – вылитый глэмер) – кое-где вам могут почудиться отголоски творчества Motley Crue, а в некоторых композициях группа заимствует элементы из таких стилей, как трэш-метал и хард-рок.
Диск начинается с недвусмысленной отсылки к хиту «Port Royal» знаменитых соотечественников Running Wild. Таким образом, Stallion сразу же обозначают свою приверженность традициям и определенную преемственность поколений.
Заглавный трек «Rise and Ride» стоит отметить за великолепную гитарную работу и очень запоминающийся припев. Высокий, немного грубый голос вокалиста Поли прекрасно подходит к музыке банды
Далее следует крайне забойный боевичок «Wild Stallions». После относительно среднетемповой «Streets of Sin» отлично слушается композиция «Stigmatized», в которой быстрые риффы весьма удачно сочетаются с мелодичным припевом.
«Canadian Steele» - еще одна зажигалка, после нее парни решили дать нам немного отдохнуть - вторая половина альбома начинается с хард-роковой качевой вещицы «Bills to Pay».
Но дальше спид-металлическое безумие продолжается – едва ли вы удержитесь от того, чтобы не потрясти башкой под драйвовые номера «Watch Out» и «The Right One».
Самая длинная композиция на альбоме «The Devil Never Sleeps» начинается с мелодичного гитарного вступления и также оставляет о себе приятное впечатление.
Завершает диск заводная песенка «Wooden Horse», которая сразу же врезается в память благодаря хитовому припеву.
В общем, рекомендую данную работу всем любителям олдскула.
|
| |
|
|
|
|
|
| Мой двоюродный дедушка Луис с самого детства обожал вестерны. Стоило ему в нежном возрасте увидеть киноленту про ковбоев и индейцев, как он потерял покой, ежечасно мечтая о славной эпохе Дикого Запада. Живя на ферме, Луис сразу понял, что повседневная жизнь скотовода совершенно лишена какой-либо романтики и приключений, поэтому сметливый юноша обратил свои мечтания в сторону чуть более достижимой цели, а именно, волшебного мира Голливуда. Он бросил все свои силы на то, чтобы стать образцовым актёром вестерна: научился объезжать даже самых ретивых, брызжущих пеной, скакунов, арканить на полном ходу сразу несколько быков одной веревкой и мог, как рассказывают, попасть в десятицентовую монету с пятидесяти ярдов. Постигнув помимо этого тайны системы Станиславского и техники Мейзнера, дедушка Луис отправился покорять фабрику грёз. И вот тут-то и случилась главная загвоздка: в Голливуде Луису сказали, что он хоть и всем хорош: и прищур у него отменный, голос и стать, рука верная, но тогда, в пятидесятые года, никто не стал бы снимать кино про чернокожего ковбоя. Продюсеры очень извинялись, и даже предлагали ему роль беглого раба или гладиатора, но, мысленно повращав их на своём "Писмейкере", дедушка Луис хлопнул дверью и ушёл. Позже он уехал в Чикаго, запил и начал играть блюз, как и полагается каждому уважающему себя чернокожему.
К чему же эта трагическая история? А к тому, что предубеждения это всегда плохо. Само собой, на жизненном пути определённые тенденции складываются в общее восприятие, и тем самым мы оберегаем себя от возможных разочарований и неприятностей, но все же порой предубеждения затуманивают наш взгляд и ограничивают выбор. Когда мне попался диск с новым мелодик симфо-павером из Финляндии, да еще и с какой-то наивной обложкой, я уже заранее закинул его в коробку с мусором, ничего хорошего от него не ожидая. Но чувство долга в кои-то веки взяло верх, и альбом с рядом других релизов пролез на мой плеер и был от дорожной скуки прослушан. И на фоне совсем никаких ожиданий весьма приятно удивил. Это что-то вроде фильма, на который идёшь от безысходности, выбирая меньшую из зол, и который ни с того ни с сего оказывается весьма недурён.
Стандартное пафосное интро не предвещает ничего нового и хорошего, но за ним идёт ряд весьма бодрых композиций, заставляющих проснуться, отложить в сторону книгу или телефон и прислушаться повнимательнее. Уже вторая песня после заставки, "At The Break Of Dawn", раскрывает главную фишку альбома: это набор заводных и цепляющих поп-хитов с модными современными фишками в обрамлении хорошо сыгранного и записанного power metal. И это, знаете ли, работает. "At The Break" вполне могла бы исполнять какая-нибудь Рианна и получить за неё платину. Бонус-трек в электронной обработке это наилучшим образом доказывает. Как ни странно, но подобная "попсовость" мелодий нисколько не раздражает, "Life Is Not Beautiful" слушается не в пример лучше всяким пустотелым power релизам вроде Bloodbound, в которых, вроде, было все то же, но материал совершенно не цеплял.
Здесь же песни действительно впечатляют и запоминаются, например, отличный скоростной номер "The Last Sacrifice" с величественными оркестровыми аранжировками. Но не попсой единой; финны не менее ловко заигрывают и с "высокими" жанрами вроде prog-power, украшая свои композиции вычурными соляками в духе Symphony X и Ring of Fire. Заглавная композиция, с другой стороны, радует мрачным звучанием и уханьем кастрюльно-карданной ритм-секции, присущей жанрам потяжелее. И слушается это довольно органично, без ощущения безблагодатного салата немыслимых и нелепых сочетаний. Не обошлось, естественно, без добавления неизбежной "тимберлейк"-баллады, которая, опять же, построена по лекалам модной современной поп-музыки, и могла бы запросто стать номером очередного Евровидения. Ценность подобных опусов на метал-альбоме, как правило, стремится к нулю, но, благо, в отличие, например, от Suidakra (внимание спойлер!), выпустивших целый диск подобной нудятины, Arion могут порадовать целым набором хороших скоростных песен вроде "Unforgivable" и "Punish You".
Разумеется, ни о каком новом слове в павере здесь говорить не приходится, материал местами не то, что вторичен, а даже третичен, (например, Seven звучит будто Stratovarius в лучшие годы), но сочинителям удалось сложить знакомые элементы очень аккуратно, с хорошим чутьем на хиты. Пластинка звучит очень бодро и совершенно не вымучено, и не проседает почти до самого финала. Прибавьте к этому хороший вокал, более чем достойную запись, и общее позитивное, но не слащавое; яркое, но не по-глупому пафосное настроение пластинки, и вы получите замечательный современный melodic power-релиз в духе ранних Sonata Arctica, Iron Mask и Helion Prime. Так что, если вы ищете качественный power metal с необычными моментами — вам сюда. И главное: не становитесь заложниками собственных предубеждений, ведь порой самые неожиданные вещи могут преподнести приятный сюрприз.
(Диск предоставлен компанией FONO)
|
| |
|
|
|
|
|
| Зачем лемминги прыгают в океан? Что находится на тёмной стороне луны? Чего добивался чудак, накормивший слона слабительным? Почему хорошие группы записывают плохие альбомы? Первые три заковыристых вопроса оставим на откуп ученым с философами, а с последним попробуем разобраться вместе на примере нового альбома Suidakra.
Пару лет назад немцы записали субъективно весьма хороший релиз под названием "Realms Of Odoric". Он получил сносные оценки критиков, показал неплохие продажи и даже умудрился попасть в мой личный топ того года. Это была солидная, запоминающаяся и разноплановая работа в духе эпичного метала с фолк и pagan элементами. На нем были как мощные боевики так и приятные акустические номера, исполненные плеядой умелых вокалистов.
В этот же раз музыканты решили устроить эксперимент, сочинив акустический альбом. Причём именно сочинив новые композиции, а не перезаписав их без электронной обработки. Скажете, такой метод куда более креативен, нежели банальная перепевка старых вещей? Как правило, да. Создание нового материала — это более творческий и интересный подход. Но, к сожалению, не в этот раз. Альбом прекрасно записан и талантливо исполнен людьми, которые действительно умеют сочинять классную музыку, но ему не хватает какой-то искры, огня, чувства. "Cimbric Yarns" банально скучно слушать. При вдумчивом изучении замечаешь интересные ходы, красивые мелодии, изящные партии вокала и аранжировки, но они просто не складываются в одну цельную картину, рассыпаясь на тускнеющие угольки. Даже играя фоном, диск начинает нагонять тоску и попросту раздражать однообразием.
Почему так вышло? Большая загадка, потому что, далеко ходить не надо, на "Realms" были просто прекрасные акустические номера, например, "Braving the End" и "Rememberance". Можно было бы возразить, что восприятие портят неоправданные ожидания, или, по-простому, по-нашенски, отсутствие джж-джж гитар, но ведь нет же! Куда более простые в изготовлении неофолк альбомы и даже безыскусный Dungeon Synth ложатся на слух и радуют добротной атмосферой, а "Cimbric Yarns" нет. Он утомляет. Отсутствие гитар лишь подчёркивает безликость материала, которую могли бы хоть как-то скрыть качевые риффы и резвые барабаны. Некоторые уже давно списали Suidakra в утиль, но, честно говоря, хотелось бы, чтобы нынешняя неудача не стала последним гвоздем в гроб немецкой команды. Будем надеяться, что в дальнейшем Suidakra сделают выводы из неудавшегося эксперимента, запишут снова хорошую пластинку, и не станут больше продавать сборник акустических би-сайдов под видом полноценного альбома.
(Диск предоставлен компанией FONO)
|
| |
|
|
|
|
|
| Обсуждать чью бы то ни было концертную работу - дело непростое и рисковое. Здесь как ни в каком другом случае народ пристрастен и спектр мнений подчас невероятно обширен. И потом наверняка найдётся немало людей, погружённых в данную тему, у которых твой казалось бы убедительный анализ вызовет скепсис и иронию. В таких случаях было бы полезно рассматривать несколько самых разных рецензий. Для полноты картины.
Но к делу. Моё видение ситуации таково. Главным саунд-мейкером на сцене в составе UFO являлся гитарист "Atomik Tommy" McClendon. Его экзальтированная манера игры неистового металлиста совсем не соизмерялась со сдержанным образом Фила Могга у микрофонной стойки. С классическим образом рокера старой формации ощущался заметный диссонанс. И особенно это было заметно в видеоматериалах по тому самому туру. А если рассмотреть ситуацию шире, то положение Фила становится совсем безрадостным. Судите сами.
Басист Пол Грей , как и барабанщик Джим Симпсон - это были люди по сути своей тяготеющие к стилю хэви-метал. Вольно или невольно, оба старались соответствовать ведущему гитаристу. И когда пятый участник группы Пол Рэймонд в каких-то номерах программы своим правым хватом брался за гитару (в UFO он совмещал клавишные и гитару), то становилось совершенно очевидно насколько Рэймонд выпадал из общекомандного звучания. На фоне беснующейся гитары Макклендона, рокера Пола не слышно было совсем, в такие моменты на сцене он выглядел потерянным и был явно лишним звеном. И, думается мне, Рэймонд и сам это понимал, что не делало его более уверенным в себе. Это, вероятно, и стало одной из причин его ухода из группы. Произошло это, правда, уже под самый занавес тура, Пол уступил своё место в составе Дэвиду Джэкобсону, приятелю Симпсона, с которым когда-то они были в одной из групп.
Получалась занятная картина. Используя футбольную специфику, охарактеризовать её можно таким образом: в команде, где вокруг тебя сплошь легионеры со своими игровыми принципами, а ты один среди них со своим пониманием игры, то что это за команда?
Было очевидно, что Фил Могг ощущал себя некомфортно в таком окружении, однако что-то менять не представлялось возможным. Тур был ещё в разгаре и UFO обязаны были выполнить контрактные условия и доработать тур тем составом, который сложился в сентябре 1986 года.
Всё это не могло не отразиться на качестве того материала, который группа продемонстрировала в программе этого концертного альбома. Одноплановые мелодические трактовки, пусть даже с мастерски исполненными сольными гитарными пассажами Макклендона. Изредко это разнообразится темами, придуманными Полом Греем (баллада "The Only Ones"). И даже две легендарные композиции из далёкого прошлого UFO с М. Шенкером ("Doctor Doctor" и "Only You Can Rock Me") на финише программы мало что меняют.
Допускаю, впрочем, что маргинальные поклонники творчества UFO, в каких бы составах те ни выступали и какую бы музыку при этом ни исполняли, назовут эту работу группы эпохальной. Порадуемся за них.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бельгийские прогпаверщики Ethernity (синтез слов «ether» и «eternity», если кто-то не догадался) – это настоящее воплощение совкового термина «семейный подряд». В группе играют два родных брата, жена одного из них, а также кузен. То есть, две трети секстета составляют «чисто свои». А недавно примкнувший и ни с кем не связанный родством лид-гитарист Francesco Mattei также играет с одним из братьев, клавишником Julien Spreutels, в другой очень неплохой прогпаверной формации Noveria.
Это уже третий альбом Ethernity и первый, выпущенный на физическом носителе. По всей видимости, второй релиз «Obscure Illusions» 2015-го года, в котором гостевым участием отметились такие вокалисты, как Tom Englund (Evergrey) и Kelly Sundown Carpenter (ex-Adagio), вызвал интерес со стороны AFM, в результате чего группа оказалась в обойме лэйбла. И не зря! Потому что третий альбом «The Human Race Extinction» продемонстрировал недюжинный прогресс малоизвестной группы.
Бельгийцы продолжили идти тропой Symphony X, комбинируя помпезную паверную мелодику с мощными грувово-джентовыми риффами. Но главная фишка Ethernity – это всё-таки грубый и достаточно сильный вокал Julie Colin, сильно напоминающий Magali Luyten, блеснувшую в проекте Ули Кюша Beautiful Sin. Плюс, крайне востребованный в последние годы Simone Mularoni из DGM обеспечил команде отличное современное звучание, что в купе с возросшим композиторским талантом дало весьма впечатляющий эффект.
Уже превьюшный сингл «The Prototype» крайне заинтриговал, и поэтому я с нетерпением ждал выхода этого концептуального альбома, посвящённого довольно тривиальной, но модной «терминаторной» теме. И, на первый взгляд, всё сделано на очень приличном уровне – всё хорошо записано, сыграно, клавишные и гитарные соло также на достойном уровне, аранжировки весьма неплохи, а жёсткий вокал порой не лишён мелодий… Но 12 полноценных композиций и 2 интро на 71 минуту – это, увы, перебор…
И хотя любителям прогрессива такие хронотметражи вовсе не страшны, паверщиков данный альбом вполне может утомить. К тому же, по-настоящему ярких хитов я отметил всего два – вышеупомянутую «The Prototype» и финальный, 14-й трэк «Indestructible» (лично на мой вкус, опять же), до которого, к сожалению, «доживут» не все… При том, что отдельных ярких моментов на альбоме хватает (например, припев в «Beyond Dread»), некоторые композиции немного затянуты («Grey Skies»), также материал можно было сделать чуть более разнообразным (ведь сильно отличается от остальных только неплохая балладка «Warmth Of Hope», остальные же хоть и динамичны, но немного шаблонны), а тембр вокалистки понравится далеко не всем…
Но, при всех недочётах, работа очень солидная и профессиональная. И, конечно, хотелось бы надеяться, что группа продолжит держать марку и в будущем, ведь прогресс по сравнению с предыдущим, вполне сносным, релизом весьма ощутим… Однако, после записи альбома группу покинула вокалистка, временно на концертах её подменяет вышеупомянутая Magali Luyten, и что будет дальше – сказать сложно. Остаётся лишь посоветовать ознакомиться с данным альбомом всем любителям тяжёлой, но мелодичной музыки. И, конечно же, фанатам умеренно-брутального женского вокала!
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Лист благодарностей группам в буклете данного альбома начинается с Coroner, и это совсем неслучайно, потому что препарируемые в рамках данного обзора швейцарцы если и продолжают линию своих именитых соотечественников, то делают это аккуратно, не забывая о собственном видении прог/тех трэша. Обращает на себя внимание тяга коллектива к кроссоверным вставкам, придающим полотну некоторый налет безрассудства и экспрессии поздних 80-х. В остальном базисные идеи коррелируются с наработками уже упомянутых Coroner времен «No More Color» с некоторыми вариациями на тему общих тенденций в жанре на тот момент времени. Вокал с некоторыми кривляниями пусть и не является самым удачным образцом, но опять же в реалиях той эпохи совпадает с эксцентричными интонациями общепринятыми в среде исполнителей прогрессивного и прифанкованного трэша. Компромисс находится между энергичной составляющей, но с суховатым звуком, и извлечением осмысленных дроблений ритма. Материал, по большому счету, легок для восприятия и не несет подводных камней, но, как сказано выше, обладает приятной ритмикой. При всей местечковой несерьезности, музыка несет зачатки умудренной атмосферности с толикой диссонансов, умело раскиданных по ходу повествования.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.