|
|
 |
|
| Tamás Kátai продолжает серию творческих терактов с диском 2015 года «Sgùrr». Перебравшийся в Великобританию, он как профессор Мориарти от авангардного метала опутал не Англию, но всю Западную Европу сетями своей эпической и киношной музыки. Даже учитывая 2-х, а то 3-х годичные промежутки между выходом альбомов, Катай все равно стахановец, если взять в расчет многослойность его саунда и многочастность полотен.
Одни из направлений гитарных дел проекта – лайтовые авантюрные и игривые риффы, другое – нарочито брутализированный, гротесково мощный монолит, объединяют их брейкбитовые пласты драм-машины. И, конечно, обильные арт-роковые эксперименты в структуре лояльного к влияниям метала. Венгр нынче комплектует альбом парой эпических трэков, парой коротких интро и аутро, а остаток добивает номерами средней продолжительности. Это самый инструментальный диск музыканта, 3 трэка суммарной продолжительностью 12 минут проходят без участия вокала.
Как только начинаешь слушать "Oldódó formák a halál titokzatos birodalmában" или "Sgùrr eilde mòr", сразу понимаешь, что больше так атмосферно, ненавязчиво, сбалансированно не творит никто. При том, что гитары с этническим ореолом или грувоносные блэковые риффы и тем более долбящая со всей дури (все еще китайская?) драм-машина бесспорно узнаваемы, устать от них в творчестве Thy Catafalque сложно, благо оно достаточно многолико. “Oldódó formák a halál titokzatos birodalmában” производит впечатление некоего национального спортивного гимна воздушным скандированием, но и там после игривости появляется космическое крошилово в дэтовой оболочке. “Jura” самый брутальный трэк альбома, с раскатами мелодий и бластовым вихрем, как доктор прописал. В заглавной+ композиции “Sgùrr Eilde Mòr” Катай закрепляет полученный результат, еще раз вроде как напоминая скептикам, что он умеет жестить и оперировать монументальными формами, и тут появляется непримиримый чес по струнам, бласты и злобный скриминг. Самое же классное в композиции – ее космический размах, неустанная эволюционность, начиненность яркими событиями, не дающая передохнуть до самого финала. Такой колосс и не снился большинству пост-блэкеров нулевых. Ну и схожесть узлового риффа в “Élő lény” и в вышеупомянутом эпике, на мой взгляд, не случайность и небрежность, а сознательный прием, вносящий лишнюю долю цельности и запоминаемости в альбом.
Наконец, любому музыканту начинает быть тесно в оковах синтезированного творчества, и он начинает привлекать живых музыкантов. ‘Keringő”, навеявшая мне Vangelis-а, есть необычайно удачное, эффектное и ностальгичное вложение в альбом, удачно контрастирующее с предыдущим трэчищем своим мирным и домашним звучанием. Ulver с успехом практиковали, пора и венгру в саундтрэки. Утонченная “A hajnal kék kapuja” тоже внушает доверие утонченностью и мелодическими узорами.
Что ж, Thy Catafalque по-прежнему является синонимом качества, крупных замыслов и тщательной реализации. Не хватает ему только разгильдяйства и самоиронии и хитовости, которые, например, Solefald никогда не покидали. У Катая же это последнее величина переменная. С тем же, что здесь, немного привкус National Geographic остается. Да и запилите нам уже живые ударные, неужели при всей грандиозности творений проекта это одно так сложно?
|
|  |
|
|
|
|
|
| Cамая интересная, на мой взгляд, бригада блэк-метала безукоризненной, недешевой эстетики, которая не станет опускаться до самоповторов, иначе не видать им элитного пива и широкого гастрономического арсенала до конца дней. Lugubrum – группа увлекающаяся и начитанная, посему куда их заведет кривая дорожка познания, никто не знает. Глумливая «эббироудная» обложка, возможно, намечает эпоху, в которую теперь погружаются бельгийцы. Полагаю, закат классической джазовой эпохи, расцвет психоделического рока и заря краут-рока.
Это самый лаконичный и самый винтажный их альбом, он и звучит так тепло и камерно, что его надобно выпускать только на виниле. Я долго был невнимателен, но в конце концов постиг, что на этом диске впервые множество гостей. Просто амбиции мозга группы таковы, что тут своими силами не обойдешься. Вливания со стороны включают джентльменский набор джаз-бэнда: саксофон, тромбон, контрабас, перкуссию. И сам подход группы – то, что люди западного мироощущения окрестили бы этим многозначительным «cool»: неброское, но ритмически захватывающее приключение с нуаровым шармом.
Структура композиций такая, что можно погрузиться и не вынырнуть. Путеводной звездой служат старые-добрые, но уже отдаленно напоминающие архаичный Darkthrone прогоны и бунтарские выкрики Midgaars-а, Barditus ну вообще не слушался бы в этих реалиях. Крыша гитариста продолжает ехать, на сей раз он открывает альбом траурной партией трубы. Косноязычный блэк-метал, впрочем, не заставит себя долго ждать, однако его царствование, по большому счету, как начинается, так и заканчивается. Он напорист, но мало похож на то, к чему мы привыкли даже в некоторых прогрессивных формах. Слишком сильна его инаковость, тут какая-то не то блюзовая, не то джазовая окантовка. Но на сей раз меньше дисторшена, больше психоделии, примочек, камерного околоджазового музицирования.
Центральный опус работы действительно находится в центре. Ностальгический инструментал, варварский блэк с упоротыми созвучиями, а потом стильный эпизод, кивающий в сторону скорее групп типа Can и Neu. “Orakelsnoer” радует бойкой перекличкой гитары и баса под цепкую работу барабанщика, пока наконец блэкарский нарыв не вскрывается. А “De zoete geur van de meester” – это полное искоренение блэка и мрака как класса, пестрый и мозаичный авангард.
Второй альбом поздней реинкарнации группы Lugubrum Trio демонстрирует, что ребята не собираются останавливаться в своей эстетической деградации, но готовы идти дальше и дальше, сдувая пыль с более широкого круга винила, врубая гитарные эффекты. Начинаешь подозревать, что блэк с самого начала был для них прикрытием, именно эксперименты были и остаются главным богатством. А я, например, уже далеко не первый альбом недоумеваю по поводу названия диска…
Конечно, полублэк бельгийцев кажется результатом европейского пресыщения всем на свете, но пока эксперименты не выходят за рамки хорошего вкуса и стиль не останавливается в развитии, но и не движется в сторону моднявых «атмосферных» тенденций, никаких претензий к коллективу!
|
| |
|
|
|
|
|
| Каждый альбом Daughters – это самостоятельная история в особых тонах. Если дебют «Canada Songs» сегодня видится некой предтечей целого сонма групп, играющих по подвалам причудливую хаотику (см. See You Next Tuesday, Heavy Heavy Low Low, Duck Duck Goose), а более комплексная работа «Hell Songs» видится, как минимум, достойным продолжением заложенных в релизе 2003 года тем, то пластинка рубежа нулевых и десятых есть обильно сдобренный «нойзом» hardcore punk. «You Won't Get What You Want» же подчеркивает очередную смену парадигм и настроений в музыке Daughters, ныне исполняющих длинный список жанров.
При ближайшем рассмотрении Daughters едва ли стали менее одиозными, чем были ранее. Однако, четвертый альбом существует в иных формах, и вместо желания создать максимально агрессивное полотно мы скорее видим стремление утвердиться в разных ипостасях – тут вам и некие, полные электроники, опыты на ниве industrial, dark wave и даже synthpop; тут вам и оды noise rock с post-punk. В конечном счете «You Won't Get What You Want» будто бы хочет выглядеть и выглядит как Cold Cave, скрещенный с Lightning Bolt и Editors времен третьего альбома. Сумбурно? Да, но вместе с тем и жутко интересно.
Daughters вновь удалось создать нечто радикальное, существующее вне установленных границ. Отсылок к прошлому на четвертом LP почти что нет, и весьма заметная разница между «до» и «после» наверняка может оттолкнуть какую-то часть фанатов, ну а широким массам сей эксперимент априори тоже не будет симпатичен. Новая работа «Дочек» требует внимания к себе, и как никогда ранее в дискографии именно пиетета она и заслуживает. Большое видится издалека, и широкий музыкальный кругозор – это именно тот необходимый базис, требуемый, чтобы «раскусить» данный релиз. Его совершенно точно можно назвать очень хорошим, грамотным, толковым экспериментом, в котором, на поверку, достаточно сложно найти изъяны. «Десятку» ставить было бы опрометчиво, ну а «восьмерку» «You Won't Get What You Want» более чем заслуживает. Как-то так.
|
| |
|
|
|
|
|
| У некоторых коллективов нет производственных мощностей, позволяющих сделать монументальный, размашистый альбом на час, но есть вдохновение и таланты мастерить вкусную и непротиворечивую эклектику. Это второй диск словацкого коллектива после 7-летней паузы и на нем ребята точно не отбывают номер, а предлагают освежающую и гармоничную работу, приготовленную из добротных ингредиентов. Крепкий черно-металический стержень, как влитые сидящие на нем хард-роковые моменты, грамотная инкрустация электроникой, немножко ориентальной эзотерики, – соединение всего этого, с одной стороны, ярко и внятно звучащие партии инструменталистов и эмоциональный небрежный вокал, с другой, компактный хронометраж номеров, с третьей – и у нас всесторонне приятное произведение. Сперва о том, что привычно. Заглавный трэк безмерно торжественен и хитов, ради него одного стоит послушать этот альбом, а в ряде мест открывающей композиции замечены утехи наиболее эксцентричных металкорщиков минувшей декады – элементы нинтендокора. По сути, более блэк-металичные композиции – лишь первые две, уже в “The Gunfighter's Quest for Enlightenment” стучится фолк, серф, все, с черным металом покончено. Теперь верховодит большей частью психоделический хард-рок и соло наипрекраснейши.
Инструментарий расширен за счет варгана, мелодики, тибетских тарелочек тингша, кубинского клаве, маракасов – и словно кричит нам о том, что музыкантам тесно в оковах современной западной музыкальной традиции и тянет испробовать все и отовсюду. Так что мы не только слушаем альбом, но и духовно путешествуем с группой, загораемся (пусть и поверхностным) интересом к далеким культурам. Синтезируют свое, блэкарское и чужое, этническое словаки в крайнем опусе диска – авангардном коллаже “The Coming of Kalki”, который определенно является один из самых экспериментальных вещей в рамках блэк-метала за всю его историю. Первая половина альбома зарекомендовала Remmirath как хитовых прог-блэкеров, а вторая – адептов экзотических трипов. Прошедшись по верхам с постмодернистской ветреностью сначала, словаки реабилитировались через духовность в дальнейшем. Что ж, ожидая опусы грандов стиля, не стоит отказывать себе и в маленьких радостях.
|
| |
|
|
|
|
|
| После такого самобытного, можно сказать мифологического диска, как «Gin», в котором блэк-металическому исконно организму перелили неврозисовской кровушки и полностью трансформировали его, только крайне нелюбопытный слушатель не захочет услышать, каковой была предыдущая остановка отважного штатовского дуэта, что же за слово было вначале, ну, не совсем, но как минимум пораньше. Такой шаг американцы сделали от мощного и своеобразного же блэка, эпического, но в американской традиции, с пустошами, байкерской удалью, whatever, как говорится. Настоящий, национально осмысленный черный метал, на мой взгляд, должен звучать именно так, варварским блэк-трэшем, в меру панково, в меру сладжево, с деликатно замалчиваемыми тремоло-треллями. Гитары поданы очень здорово, никакого и намека на то, чтобы просто плыть по течению, технично, разнообразно, но в пределах очерченной парадигмы. Ведомый в целом столь же ритуальным, но в частностях более воинственным драммингом, блэк Cobalt блистает то южными ароматами, то заражает панковской анархией, но риффы всегда освежающие и неказенные, острые и современные в лучшем смысле слова. Вернемся к ритуальности. Эрик Вандер, который и так задокументировал все свои многогранные гитарные находки здесь, колдует и барабанными партиями, организуя их в кольца, квадраты, шаманская повторяемость их обогащает не сказать, чтоб мрачную, но определенно эзотерическую атмосферу. И да, достаточно хоть как-то продумать комбинации томов, то ты уже следуешь по стопам Дэнни Кэрри (Tool), своим умом-то естественно до установления интригующей статики таким образом мол хрен дойдешь. Трилогия интерлюдий “Ritual Use of Fire” призвана воссоздать контекст музыки и придать некий исторический колорит воинственному металу коллектива.
За квинтэссенцией стиля альбома далеко ходить не надо – одновременно атакующая и задумчивая “Ulcerism” мигом покажет экстремальную диспозицию, какие силы задействованы и в какой момент. После разящих ратных риффов группа частенько уходит в столь же напористое инструментальное странствие. Если «Gin» это приблэкованный сладж, то «Eater of Birds» наоборот – блэк со сладжевыми элементами. Заглавный же эпик доводит до максимума эпическую линию американцев, и это, пожалуй, одна из самых амбициозных песен-закрывашек десятилетия, очаровывающая своей интенсивностью и упрямой стабильностью 6 минут кряду. Трэки с Джарбо тут, как и на следующем диске, тоже есть. Минусом этого является только незначительная однотипность черного материала, он так и напрашивается почаще быть разбавленным материями помедленнее (как “Invincible Sun”), что и было сделано в 2009 году, но тоже с перекосом, теперь уже в грязный дум.
Рискну предположить, что Эрик Вандер для штатовского впередсмотрящего черного метала вполне может быть той же личностью, которой Фамин является для европейского. По меньшей мере, он уверенно концентрирует вокруг себя внушительное арт-пространство, наполнение которого в целом довольно разнообразно. Забавно, что на концертах он стабильно оставляет за собой ударные, словно никто не может выполнить норму по самобытности именно на этом инструменте. И более того, именно он больше всех переживает за идею. Все никак не собраться оценить т.н. magnum opus Cobalt-а, последний их диск.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Звезды и Кресты", как и предыдущий альбом группы, шел к релизу долгие шесть лет. И оно того не стоило.
Обложка получилась неоднозначной. При беглом взгляде выглядит довольно сумбурно и непонятно. При продолжительном - простой. Рассматривать её для поиска множества штрихов и мелких интересных деталей не приходится. В принципе, как и сам альбом, не имеет какой-то четкой определенной концепции и включает в себя множество разрозненных элементов.
Альбом, как водится, открывает инструментальное "Интро", первая половина которого не представляет из себя ничего, кроме набора эмбиентных звуков, но во второй части всё-таки появляется хоть какая-то мелодическая линия. Далее идут 9 полноформатных трэков, что стало уже классикой для группы. И завершает альбом инструментальная версия одной из песен, по сути являющаяся "минусом" без каких-либо дополнений, чем оказывается совершенно лишней и не к месту на альбоме.
Можно сказать, что музыка в новой работе звучит прогрессивно. Альбом получился разноплановым и в то же время не выбивается из привычных рамок - в каждой песне с первых же нот угадывается фирменный стиль звучания, благодаря чему не возникает вопросов - да, это именно Кипелов. Это один из немногих плюсов альбома. К ним же отнесём отличное качество записи. Сведением и мастерингом занимался лично Mike Portnikoff, широко известный во всем мире звукорежиссер, поэтому звук на альбоме получился ожидаемо превосходный, вылизанный и практически академический. Но на этом всё. Музыканты старались, работали, не забывая подогревать интерес публики в социальных сетях в процессе записи своих партий. Но песни щеголяют банальными мотивами и печально предсказуемыми гитарными партиями.
По причине солидного возраста в этот раз Валерий Александрович не пытается брать самые высокие ноты, которыми радовал в свои молодые годы и на последнем полноформатнике. Значительную долю вокала занимает мелодекламирование, хотя и с выражением, чего крайне не хватает старым коллегам Валерия.
Тексты по традиции в основном писались Маргаритой Пушкиной, поэтому здесь откровений ждать не стоит. Всё по классике и максимально в стиле группы.
На выходе получился обычный и максимально вымученный альбом. Ни одной хитовой песни, которая бы с первого раза западала в памяти. Всё сделано по инерции. Альбом выглядит вторичным даже на российской метал-сцене и не вызывает желания вернуться к нему вновь. Такова последняя работа уставшей группы Кипелов на данный момент.
|
| |
|
|
|
|
|
| Дебютный альбом группы Burning Witches ("Пылающие ведьмы") из Швейцарии. Я заинтересовался их творчеством после прослушивания трека "Hexenhammer" из одноименного альбома 2018 года.
Группа интересна тем, что она чисто женская. Лидер группы, гитаристка Romana Kalkuhl (Романа Калькуль), хотела создать чисто женскую группу, играющую классический олдскульный металл. Продюссером группы стал басист и вокалист DESTRUCTION Марсель «Schmier» Ширмер.
Но вернемся к дебютному альбому.
Явно прослеживается влияние Judas Priest, чего не скрывают сами музыкантки, т.к. включили в альбом кавер на песню "Jawbreaker". Риффы и архитектура песен действительно похожи на классиков металла. Однако, Burning Witches уже на первом альбоме начинают развиваться и идти дальше. Прослушиваются элементы Power metal. Это начало формирования собственного стиля, отчетливо прослеживающегося в следующем альбоме "Hexenhammer".
Музыкальные достоинства альбома:
- отличные, «забойные» риффы;
- шикарный, сильный, вокал от Seraina Telli (Серейна Телли), она умеет петь и с «хрипотцой», и чистым пронзительным звуком запоминающегося тембра;
- скупые, но мелодичные соло на гитаре.
Недостатки:
- местами «сыровато», не доведено до отточенности;
- иногда слишком академично, слишком правильно, как швейцарские часы :)
Общий вывод: Хороший дебют, группа показала свой потенциал.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ещё один альбом замечательной и всенародно любимой группы Scorpions, который стоит в одном ряду с такими работами группы, как "Blackout", "Lovedrive", "Animal Magnetism", "Crazy World" и, конечно же, "Love At First Sting". По мнению "критиков" - это слабейшее звено из этого ряда, но не для меня. Кто-то неоднократно говорил, что это чуть ли не самый коммерческий и лёгкий альбом группы (кроме "Eye II Eye"), но это абсолютное заблуждение! Ребята так считающие наверняка мало разбираются в рок-музыке 80-х годов, и тем более во всей дискографии группы. Да, альбом тщательно "отполирован", но драйва и тяжести в нем хватает. Да, он мелодичен, но зато какие это мелодии...
Разбирая этот альбом, не буду делать акцент на каждой песне. Подобно "Love At First Sting", его можно поделить на 4 части:
1) Тяжёлые "метал-гимны", с ярким припевом ("Don't Stop At the Top" и "We Let it Rock... You Let it Roll");
2) Мелодичные рок-боевики, типичные для той эпохи ("Rhythm of Love", "Passion Rules the Game", "Media Overkill" и "Every Minute Every Day");
3) Спид-металлический номер ("Love on the Run");
4) Павер-баллады ("Walking on the Edge" и "Believe in Love").
Звук очень яркий и, в отличие от предыдущего альбома, более отшлифованный. Каждая мелодия запоминается с первого прослушивания. Вокал Майне уже до конца сформирован, после злосчастного случая и последней операции на горле. В плане хитовости, альбом уступает предыдущему, но в плане инструментальной техники нисколько не отстаёт. Для меня всегда было загадкой - почему группа почти не исполняет песни с этого альбома "в живую", кроме "Rhythm of Love"? Лично я этого не понимаю.
Через два года после выпуска этого диска, Scorpions создали, пожалуй, самый коммерчески успешный альбом в их дискографии, но по яркости и разнообразию "Savage Amusement" навсегда останется лучше его (по крайней мере, для меня). И в итоге, не могу поставить этому диску ниже 10-ки.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нет ничего нового в том, что данный альбом является лучшим достижением группы за всю их карьеру. Кто-то может вспомнить альбом "Crazy World", с въевшейся "в кожу" "Wind Of Change" и супермелодичной "Send Me An Angel", и безусловно, они окажутся правы... Но вот стилистически, мелодикой и набором хитов "LAFS" опережает все ранние и поздние творения группы. И это, товарищи, факт... Данный альбом можно сравнить разве что с "Hysteria" от Def Leppard. Даже если вспомнить, что на концертах группа исполняет большую часть своих песен именно с этого альбома - уже весомый аргумент.
Итак, поехали... Стилистически "LAFS" более разнообразный и коммерческий, нежели "Blackout", но по тяжести нисколько не уступает последнему. Материал можно поделить на четыре части:
1) Яркие и мощные "метал-гимны", напрочь заражающие своим припевом ("Bad Boys Running Wild" и "Rock You Like A Hurricane");
2) Скоростные, и местами даже спид-металлические боевики ("Coming Home" и "The Same Thrill");
3) Мелодичные и среднетемповые песни ("I'm Leaving You", "Big City Nights", "As Soon As the Good Times Roll" и "Crossfire");
4) Одна единственная (но зато какая!) рок-баллада ("Still Loving You").
Все песни отточены, что называется, до "последнего винтика". Нельзя не заметить возросший профессиональный уровень музыкантов, потенциал которых до конца проявился именно на этом альбоме. Уровень записи хотелось бы, конечно, получше, но дадим скидку тому, что это был далёкий 1984 год, а не 2004, к примеру. Из музыкантов хотелось бы выделить Маттиаса Ябса, соло-партии которого являются также лучшими во всей его дискографии, все его произведения легко запоминаются и, конечно же, являются примерами для подражания у многих молодых гитаристов. Клаус Майне запел более мощным и уверенным голосом, словно птица Феникс - "возродился из пепла и засиял ещё ярче", приобретая в конце концов всеми узнаваемый высокий тембр, сравнимый с такими вокалистами, как Фредди Меркьюри и Ронни Джеймс Дио.
В отступлении хотелось бы отметить, что сие творение является достоянием рок-культуры. Лично я, спустя годы, не менее одного раза в год переслушиваю данный альбом, и каждый раз - как будто в первый. Проходить мимо этого альбома, и при этом хоть отчасти, но знать творчество группы, как минимум будет неуважительно. Для коллекционеров старых классических рок-произведений, я советую купить его и поставить на одну полку с лучшими работами Deep Purple, Iron Maiden, Def Leppard и т.д.
|
| |
|
|
|
|
|
| Всегда отрадно знать, что в российском андеграунде и, уж тем более, в андеграундной тяжелой музыке еще теплится жизнь. Свидетельством этого является, например, бодрый дебютный релиз команды с самобытным названием «Загон для Собак». Весьма непродолжительная работа (чуть менее десяти минут) тут зиждется на hardcore punk и chaotic hardcore с отсылкой к The Chariot, ранним альбомам Stray From The Path, ну или недавнему релизу Snakehound. Повествование тут разворачивается ускоренными темпами, и почти что грайдкоровый хронометраж композиций буквально вынуждает переслушивать и переслушивать их заново – по первому впечатлению расшифровать палитру пластинки не так-то просто. Собственно, с этого момента «Девять» и начинает врезаться в память, и каждый отдельный элемент начинает работать на формирование крайне положительного впечатления от данного LP. Выделить же хочется явные хиты – «Озеро», «Где пропадал», «Выйду», - но стоит отметить, что и прочие треки пластинки тут чудо, как хороши. Отдельного упоминания заслуживает качество записи, исполненное на достойном, ничуть не хуже заокеанских команд того же толка, уровне. Невозможно не воспринимать положительно старания участников банды выпустить релиз не только качественным по наполнению, но и грамотным в плане технической составляющей. Минус же у оного альбома один – продолжительность. Остается лишь только надеяться, что дело «Загона для Собак» будет жить и дальше, и мы их еще услышим – в той же форме и с хоть чуть более плотным релизом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Hate Eternal была чуть ли не последней группой, от которой я ждал перемен. Достаточно очевидно, что у Рутана с годами выработалась своя зона комфорта, выход из которой (или же просто шаг за пределы) стал бы шоком. Бластбиты, занимающие практически 100% пространства и гитары, техничность которых едва можно рассмотреть за пулемётными очередями, - вот его родное и тёплое. Мелодические излишества являют себя совсем уж по большим праздникам, и конкретно тут стоит заметить, что Рутан-мелодист явно сильнее Рутана-технаря, в эти моменты хотя бы чувствуется желание созидать, а не тупо лепить по морбидовским шаблонам.
“Upon Desolate Sands” был прослушан просто от нечего делать, все эти “А что, если?” и ему подобные вопросы априори не поднимались, в отличие от ситуации, например, с Deicide, ибо последние хотя бы давали когда-то повод следить за ними и в дальнейшем. Не веря собственным словам, готов сказать, что время было потрачено с некоторой долей пользы. Не назову революцией то, что я услышал, но приятную тенденцию отмечу. Во-первых, это ударные. Они больше не являют собой непробиваемую стену звука, и теперь хотя бы заметно, что играет человек. Не знаю, сам ли Гроссманн тому виной, или это мастермайнд группы отдал команду, но результат налицо – слушабельность заметно повысилась. Во-вторых… Уже достаточно “во-первых”. После того, как ударные зазвучали, как надо (прошу не беспокоиться адептов молотьбы, бластов тут по-прежнему хватает), гитары получили больше пространства, и стало намного проще понять, что Рутан умеет. Принципиально впечатления не изменились – умеет он много, но безлико. Типично морбидовской мощи тут отгружено с достатком, но если в первой половине это ещё хоть как-то слушается, то после главной удачи релиза “All Hope Destroyed” слушать альбом становится в тягость.
К сожалению, поле мелодики и в этот раз оказалось почти нетронутым и всё, что можно было бы отнести к этой категории, находится в последней инструменталке, которая изо всех сил старается закрыть альбом на мажорной ноте. Туда же, в принципе, можно отнести и соло, но это как раз таки отнюдь не находка данного полноформата, ведь Рутан радовал ими и раньше, и это было чуть ли не единственное, за что хотелось материал прошлых лет похвалить, ведь он явно чувствует соло лучше, чем риффы. Стоит ли жалеть, что их мало? Принимая во внимание их некоторую однообразность, думаю, что нет.
Велика вероятность, что “Upon Desolate Sands” является всё же разовой акцией, кратковременным помутнением сознания, поэтому надеждам на продолжение и, тем более, развитие банкета в дальнейшем решительно отказать. Не раз и не два уже на этом попадался.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как показывает практика, к сожалению, реюнионы старых групп крайне редко заканчиваются чем-то хорошим, нечасто воссоединившиеся коллективы бывают в состоянии родить что-нибудь более-менее приличное, не говоря уж о том, чтобы превзойти свое ранее творчество. Но на этот раз перед нами – исключение из правил.
Американский гитарист-виртуоз Джек Старр начал свою музыкальную карьеру еще в 70-х. В 1981 году он вместе с Дэвидом ДеФейсом и Джо О’Райлли создал группу Virgin Steele, но после выпуска двух альбомов он покинул ее из-за творческих разногласий.
В 1984 году Старр основал группу Burning Starr, которая записала в 80-х четыре альбома: «Rock the American Way» (1985), «No Turning Back» (1986), «Blaze of Glory» (1987) и «Jack Starr's Burning Starr» (1989). После этого банда прекратила своё существование.
Но во второй половине 2000-х Джек решил ее возродить уже с новым составом. Восставшие из пепла американцы с рьяным упорством взялись за сочинение нового материала и за последующие несколько лет успели выпустить целых три альбома: «Defiance» (2009), «Land of the Dead» (2011), и последний на сегодняшний момент «Stand Your Ground» (2017).
Как ни странно, этот последний диск, получился, пожалуй, самым удачным за всю долгую историю группы. Кажется, на нем Старр переиграл самого себя и неожиданно для всех выдал самый настоящий шедевр.
Грамотное продюсирование и прекрасное качество записи, буквально с первого раза запоминающиеся мелодии и блистательные вокальные партии…
Кстати, хочется сразу отдельно отметить вокал - Тодд Майкл Хоол постарался на славу и выполнил свою работу на все 200%. Его сильный и очень красивый голос - один из лучших на современной металической сцене.
«Stand Your Ground» («Стоять на своем») - это концептуальный альбом, на котором почти все песни посвящены упадку западного мира и происходящему сейчас столкновению цивилизаций.
По словам Джека Старра, западу придется вести борьбу за сохранение своего наследия и национальной культуры перед лицом быстро меняющейся демографии и неконтролируемой иммиграции.
Открывает этот примечательный релиз гимноподобная композиция «Secrets We Hide», за ней следует бодрая «The Enemy», припев которой мгновенно врезается в память.
Тема «The Enemy» («Враг») - это «современная интерпретация легенды о троянском коне, поучительная история о том, как иногда враг возникает изнутри, и что в этом случае он даже более опасен, чем враг, которого вы можете увидеть и от которого вы можете защитить себя».
Заглавный трек пластинки «Stand Your Ground» идет под номером три. Это - заводная вещь с завораживающими гитарными партиями и мелодичным припевом.
«Hero» - еще один стопроцентный хит, не зря на эту песню даже был снят клип.
После не особо приметной «Destiny» очень хорошо слушается среднетемповая вещь «The Sky Is Falling», ну а дальше нас ждет великолепная баллада «Worlds Apart», лично мне навевающая ассоциации со Scorpions. Соло-гитара плачет, а голос Хоола согревает душу удивительной проникновенностью и лиричностью. Однозначно, это – лучший медляк Старра.
Размеренная композиция с яркой мелодикой «Escape from the Night» тоже наверняка вам придется по душе, а самая длинная песня на альбоме – 8-минутный эпик «We Are One» пролетает так быстро, что вам обязательно захочется продолжения.
Два следующих номера – «Stronger than Steel» и «False Gods» нельзя назвать проходными - общего впечатления об альбоме они не портят, но и желания петь дифирамбы тоже не вызывают. А вот закрывающая диск - распевная «To the Ends» очень даже хороша.
Поэтому советую послушать этот альбом всем поклонникам качественного хэви-пауэра, даже тем, кого предыдущие полноформатники Jack Starr's Burning Starr не вдохновили.
|
| |
|
|
|
|
|
| 11 лет. За это время люди успевают жениться, развестись, получить профессию, отправить детей в школу, а французы в XVIII столетии умудрились провернуть буржуазную революцию, поставив всю Европу на уши и изменив ход истории. Monstrosity же после “Spiritual Apocalypse” залегли на дно и замолчали на эти самые 11 лет…
И вдруг, нежданно-негаданно, когда я уже совсем и думать забыл о существовании данной уважаемой, хотя, на мой взгляд, и, несколько недооценённой общественностью, флоридской формации, был анонсирован выход нового диска. “The Passage Of Existence” производит впечатление своей обложкой. Давненько меня так не радовало “лицо” дэтового альбома, пусть даже картинка больше подходит для павера, и, если бы не знакомый логотип, я бы подумал, что это очередная работа каких-нибудь Rhapsody. Но ведь на одной симпатичной обложке далеко не уедешь, ведь так? Поэтому лидеру команды Ли Харрисону (который с некоторых пор является ещё и гитаристом Terrorizer и записал с ними убойный “Caustic Attack” в этом году) с подопечными пришлось наполнять диск и соответствующей музыкальной составляющей. Без малого час техничного, на грани техникал-дэта, качественного старорежимного американского олдскула с характерными для группы риффами и ходами. При этом “The Passage Of Existence” звучит вполне сочно и очень современно, как это ни парадоксально, и уж точно не воняет нафталином. Новый материал от Monstrosity интересен и не скучен, он показывает, что сочинять достаточно сложноструктурированные композиции, оставаясь в узких рамках классического флоридского дэта группа не разучилась. Тут вам и акустическая интерлюдия в “Kingdom Of Fire” и отличная барабанная работа Харрисона; и частые смены темпа и ритма, по этой причине довольно сложно однозначно указать быстрые или медленные композиции, ибо скорость меняется по два-три раза за песню; и лягзающий бас Майка Поджионе периодически всплывающий на поверхность. Про вокал Майка Хрубовчака много не скажешь: мы имеем стандартный гроул, не лучше, но и не хуже многих других. А вот деятельность гитарного дуэта Марка Инглиша и Мэтта Барнса требует к себе более пристального внимания: узнаваемая риффовая отрывистая рубка, перемежающая тремоло-заходами и соло. Много соло. Если сравнивать работу Марка на “The Passage Of Existence” и на последнем диске Deicide, то, на мой взгляд, бентоновский “Overtures Of Blasphemy” проигрывает обозреваемому релизу – тут Инглиш однозначно выложился на все сто. Вообще, о достоинствах новой работы ветеранистых флоридцев можно говорить ещё долго, можно распинаться в цветастых панегириках в адрес звукоинженеров, так как качество записи возмутительно хорошее (по правде говоря, я бы хотел более грубого и непричёсанного саунда – но это уже вкусовщина). Но есть у “The Passage Of Existence” один недостаток – хронометраж. Всё-таки 58 минут пусть даже отлично записанного, нескучного и техничного дэта – это, на мой взгляд, многовато. Сократив длительность материала минут на 10-15, группа бы только выиграла, но это единственный минус такого хорошего альбома.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пока мы тут скорбим по трагическому финалу Lifelover, вешаем на них авангардные ярлыки, попсим, так сказать, эту ветку пост-блэка, незаслуженно обойденными вниманием оказываются их соотечественники, группа куда более ненормальная и пугающе странная.
Заключительный опус Woods Of Infinity «Förlåt» – час с лишком ненадежного в идеологическом плане черного метала со сказочным ореолом. Группа не скрывает, что ее эстетике близка национальная поп-музыка и чистое пение, хотя крякание и прочие техники опереточного злодейства никуда не деваются. Только что AББЫ тут нет (слишком поп), но клавиши вовсю сообщают музыке мечтательную атмосферу. В целом, настрой музыки остается задорным, хотя и печальным, в чем и убеждаемся по ходу альбома. Неслучайным гостем на диске является кавер на один из самых тиражируемых саундтрэков “Walking in the Air”. Но куда большим хитом предстает перверсивный шлягер “Slicka Fitta” (даже озаботился перевести название и текст).
Woods Of Infinity на своем заключительном диске играют атмосферик симфо-блэк с той оговоркой, что они сами не знают, куда их приведет такая фривольная атмосфера. Это то ли детские шалости в блэке, то ли невинная эксплуатация детства. Сердце и душа коллектива заключены в неправдоподобных 26 минутах коллажа всех их поп-культурных пристрастий и предпочтений “Våt ängsmark”. Правда в том, что это зарезу амбивалентный поп-блэк-метал, экстремистский более, чем все прецеденты.
Смущает, как обычно, неорганичная ударка, да и в целом много фэнтезийного симфонизма, но ничего не поделать, таковы девиации коллектива. Честно признаться, мне спокойно знать, что он распался. А то странствуешь по трэклисту и каждый раз будто попираешь разные статьи, которые объективно нарушать не хочется. Данный же альбом рекомендуется тем, у кого сердце радуется от расширения тематического спектра черного метала и его эстетической универсальности: масштабы разложения огромны!
|
| |
|
|
|
|
|
| Зима пришла… Немцы-романтики до мозга костей, Aaskereia записали всего лишь два полноформатника за 14 лет. Зато аккуратно дозируемое творчество группы не приедается, а коллектив страхуется от самоповторов. «Dort, wo das alte Böse ruht» – один из самых атмосферных релизов, что я слышал, лес, холод и тьму мы можем запросто осязать, как в «Bergtatt» Ulver-а. У команды мастерски поставлено соположение печальной акустики и жужжащего электричества, звучный меланхолический голос принадлежит и басу, мелькают мысли даже, что он безладовый. Но наиболее звучны вокальные таланты Grim-а, чье эпически-раздольное пение и мизантропический вой, по большому счету, и создает особый саунд группы.
Aaskereia делает в своем альбоме довольно очевидные вещи, но они так и не стали общим местом в жанре: акустика под бластбит, скупой акустический же гитарный мотив, из которого вырастает песня, на фоне гнетущего эмбиента ну и множество удачных случаев оттенения переборами акустической гитары тремольного вихря, шрайка чистым вокалом и наоборот. И «less is more» для них не пустой звук, и классический саунд на месте, без скатывания, как справедливо заметили в Интернетах, ни в печальные клише дсбм-а, ни в сопли пост-рока, ни еще в какую-нибудь модную ересь. Только лес, холод и волки, милые сердцу общие места мизантропов-любителей и профессионалов.
По композициям ребята несколько переусердствовали с быстрым темпом, медленных эпизодов можно бы побольше, и здесь бы в полной мере раскрылись козыри их саунда. К счастью, альбом в целях максимального прочувствования эстетики заканчивается 13-минутной сюитой “Als der Blick erlosch”, которая вводит нас в заблуждение развернутым вступлением-симбиозом звуков природы и музыки, но потом в колонки врывается все те же обнаженные нервы вокала и самоотверженный атмосферный блэк.
Что тут можно сказать… Всем, увязшим в сложности и единственно в этом видящим свое будущее, – урок: избавьтесь от многословности и слушайте природу и себя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Содержание творчества трио Flourshing довольно неплохо отражает изящное название их лейбла – The Path Less Traveled Records. Менее хоженными дорожками они предлагают пройти нам на своем сдержанном альбоме, роднящим 2 направления: ужасняцкий вал болезненного техно-дэта и диссонирующие угловатые конструкции пост-хардкора и его освобождающий дух. Последний в своем исконном виде всегда казался мне труднопостижимой и малопривлекательной музыкой, не ищущей дешевой популярности, а потому отказывающейся от однозначных броских черт. Если UIcerate начали черпать сразу из пост-метала, тоже трио Flourshing взяли за источник вдохновения более ранние и менее рафинированные срезы наследия оклендских гигантов, имя которых слишком известно, чтобы его называть.
Самый частый эпитет, которым награждают самое явление и звучание Flourshing – освежающий. Группа охотно делает бывшие чуждыми элементы органичными для смертельного метала, они неплохо растворяются в музыке, но не бесследно. Альбом можно слушать и параллельно развлекать себя игрой распознания дэтовых и пост-хардкорных элементов в саунде. Имеем нервозные динамики пост-хардкора, механистичные скрежетания технарского дэта и черно-белую контрастную атмосферу в результате сложения первого и второго. Пост-рока, к счастью, нет, его заменил тягостный индустриальный налет, рассеянный в музыке крупицами. Ребята обычно одинаково хорошо работают сразу на 2-х фронтах в одном трэке. Так, "In Vivid Monochrome" имеет стильный тревожный пост-хардкорный зачин, напоминающий Neurosis зрелых экспериментальных лет, но в этой же композиции музыканты наворачивают захлебывающиеся структуры, которых не постыдились бы и Gorguts. Чаще идеологически "чуждые" элементы раскрепощают трэки, разрежают пространство и позволяют порефлексировать. Легкие пост-панковые перестуки создают подобающий фон для атмосферных диссонирующих мелодий и воздушных вокальных комментариев, груженый рычанием баса и скрежетом гитар бластбит – только для олдскульного рева.
Группа балует нас разнообразием дебютов и многогранностью начинки прямо как норвежский состав Diskord, которых нью-йоркцы, пожалуй, мне напомнили из менее нарицательных имен. "By Which We’re Cemented" c техно-дэтовым вступлением, продолжающимся декорациями опустошения, даже довольно хитова за счет этих мелодических фраз и отчаянного чистого вокала, и его противовеса в виде гроулинга. Дэт или не дэт Flourshing ничего не оставляет за бортом и в честном творчестве не брезгает и кусками межпесенных джемов из чахоточных гармоний и воющего фидбэка, что напоминает икону атмосферного экстрима Weakling. Ядовитые минорные нойз-роковые гитары сменяются рваным громоздким риффингом в "Momentary Senses", а далее музыкантам еще удается четко положить просветленные мелодии на рельсы довольно плотного бластинга. В "Fossil Record" гнетущее эмбиентное вступление разрешается интенсивным и бесстрастным гитарным крошиловом. Одна из самых содержательных и остро-выразительных композиций – завершающая альбом. В "As If Bathed in Existence" музыканты отдались порывам, позволили себе мантровые чистые вокалы по ходу трэка и выплеснули нагнетающие эмоциональные мелодии а-ля пост-блэк.
О музыкантах можно только при помощи восклицательных конструкций, рукастое, мозговитое, взявшееся вроде неоткуда, но имеющее солидный культурный бэкграунд трио не менее профессионально, чем сами Ulcerate. Хотя, казалось бы, громаду "суммы всех ископаемых" тащит на себе полистиличный гитарист/вокалист Гаррет Бусаник, Брайан Коркоран тоже, как мы слышали, может все от припанкованных драйвовых ритмов, марширующих секций до больного бластбита. Темная лошадка записи басист Эрик Ризк. Что бы мы делали без его перегруженного накаленного баса. Не было бы тех акцентов грома, сопровождающие спиралевую мелодику в конце "The Prospects of Rejection".
«The Sum of All Fossils» можно с дрожью в сердце назвать поп-версией Gorguts, имея в виду, что ребята делают интересную, но вполне доступную, лишенную пошлости и отчетливо хитовую, насколько позволяет стиль, музыку. За 8 трэков и 43 минуты, что длится альбом, Flourshing дают не менее, чем двойную норму материала по содержанию, которое обогащено палитрой ассоциаций, калейдоскопом монохромных образов и нестандартными приемами, и послевкусие, доложу вам, сильнейшее и одно из самых долгоиграющих, что я припоминаю. Команда, судя по всему, просуществовала всего 5 лет (3 активных), после «The Sum of All Fossils» подарила миру прощальный 3-песенный релиз «Intersubjectivity» и переродилась в коллектив под названием Aeviterne, только в мае сего года выпустивший EP. Слушаю же единственный полноформатник Flourshing спустя 7 лет после его выхода, и он все столь же оригинален, сбалансирован и крепок. No-nonsense, как говорится.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось бы, не так давно многие металхэды проклинали "Риппера" Оуэнса, и отказывались переваривать альбомы с его вокалом. Не буду лицемерить, я и сам не люблю эти записи, но исключительно из-за музыкальной составляющей. И шутка ли, но даже после возвращения Хэлфорда Judas Priest не стали делать музыку лучше. "Angel of Retribution" и "Redeemer of Souls" больше похожи на альбомы группы Fozzy, нежели на старый-добрый NWOBHM, а "Nostradamus" кажется вымученным, да еще и размазан на два диска.
Что же предприняли корифеи в 2018-ом году? Пошли по стопам своих растерянных коллег по цеху Manowar и записали то, чего требовали фанаты: абсолютно безыдейный и старомодный Heavy Metal. И чёрт бы с ним, многие группы не делают ничего нового, но при этом сочиняют запоминающиеся альбомы: Queensryche, Metal Church, U.D.O., Saxon. Но разница в том, что Judas Priest забыли вставить на "Firepower" хотя бы один хит.
Все песни альбома вроде бы бодренькие, с сухими гитарами и звонкими соло, но ничего из этого не остается в голове после прослушивания. Уже на второй песне начинает чувствоваться усталость, потому что альбом звучит очень монотонно. Стоит чуть отвлечься, и не заметишь что уже следующий трек начался. Настолько всё одинаково и серо.
Я пытался слушать этот диск несколько раз, в разное время суток, с разным настроением, даже в уязвлённом состоянии, чтобы убедиться в том, что альбом пустой. Не могу себе представить, что через 10 лет я бы сказал: "А ну-ка, пойду поставлю старый-добрый "Firepower"", в отличие от того же "Stained Class" или "Painkiller". А потому и вас призываю не тратить время впустую.
|
| |
|
|
|
|
|
| Уже лет 5 я знаю: если хочу услышать думовое мировосприятие и океанические пост-металические текстуры в техно-брутале, нужно включить Ulcerate. Замороченный дэт все же как-то не ассоциируется у меня с атмосферой апокалиптического разрушения, действительно переживаемого и довольно эмоционально. У новозеландцев же по всему новому эпосу «Shrines of Paralysis» разлита горечь и скорбь. Больше всего эмоционально, не технически, их позднее творчество перекликается, на мой взгляд, с творчеством ирландцев Altar Of Plagues. Дэт из Океании никак не стал менее атмосферным, он стал интенсивнее и яростнее в гитарной части, но таким же одновременно созидательным и конструктивным в ударной. Хотя все относительно. Бесспорно одно, новый альбом – как всегда вызов. Вызов копать структуру, постигать связи и искать закономерности. Что исполняет Сен-Мерат в 2016-м? Еще более клочкастый бластбит, море разливанное наполнений-сбивок-перебежек, стиль жестокий, свободолюбивый, неуловимый, более чем когда-либо играющий с ожиданиями аудитории. Гитары Ulcerate то смыкают – в удушающую хватку – то размыкают цепкие объятия, позволяя вдохнуть пустоту постапокалипсиса через тлеющие, обессиленные конструкции. Альбомы новозеландцев всегда столь насыщены страстью истощения и подведения к финальной черте, что прямо уму непостижимо, почему появляется на свет очередной их диск, откуда он берет начало и чем наконец закончится.
Как по мне, предел у ребят достигается почти на каждом диске и затем достижения вроде как обнуляются, будто новозеландцы решают дать фору сонму благословленных Gorguts и вдохновленных Омегой формаций. И каждый раз в принципе побеждают, делая неуловимую и очень «свою» музыку. На месте и сгущения саунда, и диссонирующая рябь рассеянных частиц мелодий, и тщательная рефлексия над пустотой. Но это так или иначе продолжение первой брутал-пост-металической любви под названием «The Destroyers of All», которая не гаснет. Гаснут и запросто, однако, спекуляции на любви. Зачем нам несколько копий уникального творческого видения группы? Чуть подретушированные, подразработанные в деталях абстрактные эскизы. Музыканты крутят настройки яркости, контрастности, но это все те же картины и вдохновение уже не то. Ну и зачем идти дальше, когда ниша нащупана, хайп установлен, спутать монолитность с монотонностью ни у кого мысли не возникает… Мне, однако, того, прорывного опыта трио было достаточно. Важно, конечно, выдерживать стиль, стремиться к перфекционизму, но ребята тут усилили напор, выкрутили на максимум громкость и мудреность и зыбкая гармония простоты и сложности, загруженности и разреженности нарушилась. Некоторые элементы в количестве уже очень приедаются, постоянная тяга группы наворачивать бесстрастное диссонирующее мясо под тоннами бластбита с прицепом в виде серии сбивок уже не вполне уравновешивается усталыми «провисаниями». Мне кажется, истина рядом, и в вещах вроде “Bow to Spite” заложен еще нереализованный минималистский потенциал коллектива.
Уверен в одном: еще один такой опус, пожалуй, точно не пройдет, поэтому предлагаю радоваться моменту. PS. Я свою долю потаенных гармоний словил, а оценку ставлю не в соответствии с ожиданиями, а по факту осмысления.
|
| |
|
|
|
|
|
| После известного краудфайндинг-провала вопрос о дальнейшей студийной активности Cryptopsy повис в воздухе, ведь группа могла воспринять его, как сигнал к бездействию. Поэтому три года ожидания – это ещё хороший срок. Могло быть куда хуже. Как там дальше будут обстоять дела с обещанным когда-то полноформатом – дело десятое, а вот второй “Том” преподносит ровно тоже самое, что было на “Томе” первом: слонобойный технодэт, не склонный к сантиментам. Но почему в этот раз мне мерещится привкус халтуры? Не знаю, стоит ли учитывать влияние бэкграунда на качество записанного, но мне кажется, что когда материал пишется на “деньги налогоплательщиков”, то некоторое чувство долга должно являться мотивацией к более ответственному и кропотливому труду. К первому “Тому” претензии если и были, то они касались исключительно Дональдсона и его несколько топорного видения наследия Cryptopsy, но ситуацию спасла его чуйка на мелодии + грувовые вкрапления, что и дало достаточно разнообразный материал в итоге. Второй же “Том” был написан исключительно стараниями и финансами самой группы и - вот совпадение! - звучит он не без толики “наотъебительства”. Практически полностью пропали как мелодика, так и качовость – все четыре песни как на подбор занимаются скоростным вдалбливанием технодэтовых истин. Базара ноль, мощью и напором этих вещей можно лес валить, но Cryptopsy я всегда ценил не только за атлетизм, но и за определённый интеллект, который способствовал не только балансу деталей, но и запоминаемости/цепляемости. Видимо, “None So Vile” ещё долго будет примером по-настоящему хитового технодэта. Ну или хотя бы любой другой альбом, где Левассёр присутствовал на полную ставку. Работам, записанным группой без него, как раз присуща подобная манера спасаться в крайностях, а не поиске. Даже на “The Unspoken King”, который весь из себя такой “внезапный, свежий, необычный”, всё равно всё сводилось к молотьбе. Формат релиза в таком случае выглядит наиболее оптимальным вариантом и все 4 песни слушаются на одном дыхании, не успев надоесть. Но подобный материал, будучи растянутым уже до полноформата… безусловно найдёт своего слушателя и одной левой уберёт процентов 80 конкурентов по стилю, но лично для меня, привыкшему к несколько иным баталиям, зрелище будет скучноватое.
Стоит ли что-то выделять из этого достаточно однородного массива? Пожалуй, “Sire of Sin” и “The Laws of the Flesh”. Первую за относительную контрастную прямолинейность и крутой зловещий рифф, а вторую за чётко просматривающуюся нонсоувайлевскую мелодику посреди машинизированной рубки. Если бы ещё соло было исполнено в том же ключе, то вообще был бы блеск, но тут Кристиан ну никак не ровня Йону.
Вот уж кто от меня, вероятно, так и не получит претензий (кроме Фло, но какие претензии к Богу?), так это Мэтт. В группе он уже более 10 лет, все его фишки давно известны, но каждый его перфоманс вызывает эмоции, словно в первый раз. Он из тех, кто берёт не столько оригинальностью и разнообразием, сколь техникой, усердием и всё той же мощью, и нынешний Cryptopsy без него представить крайне сложно. На фоне этого очень забавно читать неодобрительные слова в сторону его “дэткорного войса”, которые зачастую сдабриваются призывом “вернуть Червя”. Кажется, что одной частью своего сознания эти люди застряли в 2008-м, а второй – в 1996-м. Стереотипы вещь упрямая и, зачастую, они мешают увидеть истинное положение вещей, где стилистическая принадлежность вокала не имеет веса на фоне его очевидной гармонии с музыкой. Я, может, тоже не отказался бы послушать Грининга в рамках “The Book of Suffering”, но воспоминание о его “вокале” на Rage Nucleaire превращает это желание в жалость: такой материал его просто раздавит.
Поэтому пусть 96-й останется в 96-м, а лично я в 2018-м буду принимать Cryptopsy такими, какие они есть. Тем более что при всех “но” они до сих пор дают жару.
|
| |
|
|
|
|
|
| В свое время я чисто случайно наткнулась на данную банду и потом долго не могла поверить своему счастью, потому что этот коллектив оказался для меня настоящий находкой.
Поляки Bloodthirst рубят безумно злой, яростный трэш-блэк сатанинской направленности, иногда кажется, что их музыка – один сплошной поток бластбитов. Весь альбом проносится на бешеной скорости, музыканты не дают передохнуть своему слушателю ни на одну секунду. Поэтому здесь нужно отдать должное мастерству барабанщика – руки у него точно растут оттуда, откуда надо. Но и вокалист (и по совместительству гитарист) Рэмбо – тоже не промах – рычит свирепо, аки зверь лесной, изрыгая из себя проклятия всем христианам и всему роду человеческому.
Выделять какие-то отдельные треки не вижу особого смысла – вы просто включаете альбом и получаете от его прослушивания огромный кайф. Мне кажется, именно на это и рассчитана подобная музыка.
Рекомендую всем поклонникам «чернушного» трэша и таких групп, как Cruel Force, Nocturnal Breed, Nocturnal, Gospel of the Horns, Desaster, Nifelheim, Aura Noir, Urn и т.п. в обязательном порядке познакомиться с творчеством этих поляков.
|
| |
|
|
|
|
|
| Безусловно, британские рок-легенды Deep Purple навсегда останутся "бриллиантом" в российской культуре. И случилось это с далёких 70-х годов, когда за "железный занавес" стали просачиваться первые записи этого великолепного ВИА. Но вот сами музыканты начали знакомиться с Россией аж с середины 90-х, когда группа, наконец, вздохнула после давления "человека в чёрном". Именно с середины 90-х русские люди стали активнее покупать записи группы, одной из этих записей стал этот альбом.
Сказать, что это просто хороший альбом легендарной группы, не сказать ничего... Именно на этом альбоме, по-видимому, группа раскрыла все свои амбиции, какие присутствовали лишь до 1973 года, когда она была более раскрепощённой, не обременённой никакими конфликтами и скандалами. На этом альбоме прослушивается вся смелость и открытость, какой не было долгие 20 лет, выражающаяся в тяжёлом, драйвовом звучании песен. Иногда складывается впечатление, что это продолжение "In Rock", только более современное. Поэтому данный альбом я считаю последним по-настоящему "пурпурным" творением группы. После этого альбома DP перешли на более прогрессивное и мелодичное звучание. Здесь же мы слышим хард-рок со всеми его блюзовыми истоками. Не согласен с теми, кто считает "Purpendicular" лучшим творением эпохи Стива Морса. Именно на этом альбоме Морс раскрыл свое мастерство и выразительность.
Рассмотрим часть композиций.
1) "Almost Human" - среднетемповый боевик, но при этом имеющий элегантное блюзовое звучание. Впечатлило двойное соло клавишника и гитариста.
2) "Seventh Heaven" - почти что хеви-металлический боевик, с ярким и эмоциональным вступллением, с агрессивным классическим исполнением Гиллана. Больше всего западает соло Стива Морса.
3) "Watching The Sky" - мелодичный боевик с великолепным фирменным риффом. Очень тяжёлая песня, но при этом звучит очень лирично и искусно. Отлично сочетается медленный, почти что "шепчущий" куплет с оглушительным припевом.
4) "Fingers To The Bone" - отличная, но сложная по своей структуре баллада. Посвящённая
Ричи Блекмору, отчасти напомнившая группу Rainbow.
5) "Whatsername" - удивительно, но несмотря на весь напор и тяжесть, композиция поражает своей лёгкостью и воздушностью. Одна из тех песен, в которых присутствует настрой "In Rock".
6) "Evil Louie" - чем-то напоминающий предыдущую композицию. Разбавляет это дело, потрясающее своей красотой, главное соло Морса.
7) "Bludsucker" - старая перезаписанная композиция с ранее упоминаемого альбома. Своим драйвом боевик нисколько не уступает оригиналу.
Проходных композиций практически нет. Несправедлив тот факт, что группа редко исполняла песни с этого альбома. И, конечно же, обидно, что альбом недооценён слушателями и поклонниками. Примечателен также тот момент, что этот альбом является последним для Джона Лорда. Не могу не поставить сему творению меньше 9 баллов. Уж увольте...
|
| |
|
|
|
|
|
| 1997-й год – пик европейского авангардного метала на базе блэка или дэта, год создания великолепнейшего альбома "Skycontact", так же, как и равно гармоничного "Omnio" норвежцев In The Woods... Театральный альбом Arcturus и тем более брильянт обскурной мистики Anubi стоят несколько в стороне, поскольку содержат черты авангардного аристократизма, удаляющей их от слушателя. А вот Phlebotomized c In The Woods... удалось слепить идеальные именно общечеловеческие и светлые альбомы, не ложась в прокрустово ложе всяких там жанров и идеологий. Я бы назвал это Adult Alternative Death Metal, по меньшей мере параллель этому диску я легко нахожу в работах подобных "Let It Be" The Replacements или "Low" Дэвида Боуи, т.е. содержащих зрелые и слегка эклектичные песни высочайшего уровня и с бесспорным хитовым потенциалом. Музыканты настолько развили в себе чувство гармонии и их дэт-метал с охапкой влияний дорос до такого уровня, что действительно жестокие пассажи запросто уживаются с мелодичным, но не сопливым роком, и это соседство взаимовыгодно.
Дэт-метал, представленный на «Skycontact», обладает всеми качествами, которыми только может обладать лучшие и смелые: нешаблонными формами, драйвом, атмосферностью, хитовостью, наконец! Уже в первом трэке "StoleShowSoul" можно оценить магию составляющих их звучания: сильный и ладный риффовый костяк, сражающее наповал гитарное и клавишное оформление, раскованная атмосфера безграничного творчества, отраженная также в статных вокальных партиях – и все при не покидающем голландцев чувстве меры. На самом деле, нельзя вспомнить ни одного инструмента, который бы не был трэкообразующим: ни вкрадчивые басовые переборы, ни филигранные гитары, создающие мощный рельеф и яркие декорации, ни клавиши, которыми пропитано все художественное полотно, ни драйвовые и хлесткие барабаны в классической традиции, содружество легких и тяжелых вокалов – все на первых ролях в постановке Phlebotomized.
"Omnio" диск исключительно романтический и созидательный, "Skycontact" более зависим от грубой действительности. Соседом элегической грусти можно распознать сатиру и сарказм. Преобладающие же краски все же неброские, ребята выигрывают не за счет скорости или громкости, только “I Lost My Cookies in the Disco” врывается в колонки с провокационным нахальством симфонического дэта. Но если вернуться к утонченности, я не слышал ни одного такого потрясающего красивого и разностороннего инструментала, как "Sometimes", где в ряд идут интроспективный симфо-рок, просветленный пост-панк и подчеркнуто безыскусный дэт-метал. Не припомню и лирическую тетралогию уровня “I Hope You Know”, где все-так незатейливо и одновременно художественно сильно. На все 20 минут 2-3 важнейших мотива, 1 общий рефрен – и хрупкие личностные фрагменты, постепенно обретая голос, и воздушный тяжеляк, всегда его имевший, выдерживают кинематографическую нагрузку и их достаточно для создания цельной истории, никакого трип-хопа, джаза или чего бы то ни было еще.
Это не просто диск, это художественное пространство или убежище, к которому можно обратиться в горе и радости, чутко отзывающаяся на все и находящая эмоциональный эквивалент всему эстетика арт-дэта с атмосферно-космическим креном. «I Hope You Know»…
|
| |
|
|
|
|
|
| Как минимум в одном месте на просторах Интернета Phlebotomized включили в устойчиво траурный контекст (да, именно необычайно ценное интервью на этом портале). Однако неспроста. Но тут стоит говорить не только о коротком времени их творчества и не только об относительной неизвестности коллектива для масс (хотя и это влияет на восприятие, конечно), а также о том, что первый их альбом непосредственно трагичен в своем содержании, оторван от традиции духом, хотя близок буквой. Последнее мы услышим, а первое извлекаем уже из заглавия. В Phlebotomized всегда был какой-то усиленный эмоциональный заряд, они всегда старались как бы выдать большее за меньший промежуток времени и узкую дискографию, стремились сгореть на творческой вахте. Поэтому кажется, что они живее и более заряжены творчеством, чем большинство их современников. И нет ничего зазорного в том, чтобы достигать это порою через животную агрессию. Через рубленные дэтовые риффы ли, через грайндовые бластинг-замесы или небрежный рык – неважно, так как все уравновесится инструментальным тактом, которым голландцев владеют в совершенстве. К такту относятся и уже рвущаяся софтовость вокала, однако она сделана, конечно, не так, как в наше время. Динамичные изменения в музыке наряду с ее временами органично-классицистическим характером демонстрируют податливость музыкальной культуры, возможность преобразовывать ее в своих целях. Phlebotomized – деятельные разрушители канонов и мастера возведения на месте собственной громады звука – и кощунственной, и сакральной, но всегда эпичной, имеющей нить, связующую эпохи. Воодушевившись сокровищницей «Immense Intense Suspense», трудно поверить, что можно называть вещи своими именами, но как будто вот действительно стучит дерзновенный бластбит, а вон там гремит бешеный гроул вокалиста или слышатся коллективные возгласы (как тот «Heeeeeeell!» в “Desecration of Alleged Christian History” или серия из «Should one cross... It's cracking up... Were the works...» в “Barricade”). Но Phlebotomized овеяли свое произведение магией творчества, и отсвет высокой печали клавиш и скрипок падает на все наполнение альбома, канонизируя его целиком без изъятия. Впрочем, голландцы не тупят нигде, они только заигрывают с брутальной первобытностью, противопоставляя ей обобщение векового опыта в симфоник-дэт-думе.
В отличие от прощального опуса группы, «Необозримое Впечатляющее Беспокойство» – альбом вполне грубого материального великолепия: говоря топорным языком, прокачает будь здоров! Напряженные риффы, тревожные, стремительные даже в декадансном звучании мелодии, основательный драмминг с прочувствованными брэйками. И рядом с этим разворачивают дали необозримые: потерянные души скрипок, торжественные клавишные увертюры, холодный, но окрыленный знанием определенных истин чистый вокал. Выверенными путями и стройно оформленными выразительными средствами с переключениями на яростные порывы Phlebotomized демонстрируют поиск гармонии. Эстетическим пиком, моментом катарсиса в первый раз является милитаристская чеканка дэтовых риффов под эмбиентное оцепенение и мотивы умирающей скрипки. Но именно баллада “Gone”, поначалу годящаяся для любого квартирника благодаря уютному акустическому бою и вокалу а-ля Майкл Стайп из R.E.M., но затем взрывающаяся еще более сильными эмоциями, ставит жирную точку в «Immense Intense Suspense». Так просто, финальным перебором заканчивается диалог голландцев с небесной канцелярией. До следующего взлета до этих вершин и самого великого «Контакта»!
|
| |
|
|
|
|
|
| Американская группа Drawn And Quartered - прекрасный представитель мрачного, пещерного, олдскульного дэт-метала. В их музыке вы не услышите никаких новомодных фишек, эти суровые бородатые парни – не сторонники сомнительных экспериментов. Поэтому если вы являетесь поклонником таких команд, как Incantation, Immolation, Infester, Ignivomous, Disma, Father Befouled – эта банда вам точно придется по душе.
Музыканты не гонятся за скоростью, они берут слушателя своеобразной давящей атмосферой - атмосферой агонии и хаоса. Созданию такого мрачного настроения весьма способствует работа гитариста. Кстати, особенностью этой банды является то, что гитарист в ней всего один, для дэт-метала – это большая редкость. Но Kelley Kuciemba отлично справляется со своими обязанностями, гитарные соло в его исполнении отличаются тягучестью и особым драматизмом.
К вокалисту (и по совместительству басисту) Хербу Берку тоже нет никаких претензий, его утробный рык звучит достаточно убедительно и очень удачно вписывается в музыку. Тексты песен при этом, естественно, соответствующие.
Пожалуй, на данный момент это – самый сильный альбом группы за всю долгую историю ее существования, поэтому очень сложно выделить какие-то отдельные треки. Ты просто включаешь диск, погружаешься в эту зловещую атмосферу, и она не отпускает тебя до самого конца прослушивания. Хотя меня лично больше всего зацепили композиции «Horde of Leviathan» и «Feeding Hell's Furnace».
Советую обязательно ознакомиться с этой пластинкой всем любителям дэта старой школы.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.