Шведской команде Miss Behaviour удалось поразить намеченную первым релизом “Heart of Midwinter” цель и чарты выпуском нового диска под названием “Last Woman Standing”. Переступив рубеж нового десятилетия, группа до неузнаваемости преобразила первоначальные музыкальные ориентиры — позиции скучноватого поп-хард-рока ничтоже сумняшеся занял мелодичный и современный AOR. Интересно, что коллектив добивался успеха, опираясь лишь на собственные силы и талант, в роли продюсеров пластинки выступили сами музыканты. Так что вывод о приглаженной солидным лейблом четвёрке очередных коммерчески-ориентированных мальчиков будет весьма скоропалителен.

Альбом способен погрузить в блаженную негу большинство поклонников мелодичного рока 80-х и новых команд в лице Eclipse, поздних Danger Danger, и H.E.A.T. Музыка Miss Behaviour слегка меланхолична, объёмна и сладкозвучна, но в звучании коллектива не чувствуется приторности и помпезного сумбура. Представлена масса бесподобных хитов, способных украсить как эфир любой радиостанции, так и спокойную вечеринку, романтический вечер и движение по ночной автомагистрали.

Прозрачные клавишные партии создают впечатление свежести и эфирной прохлады, а Себастиан Росс, ответственный за лидер-вокал и бас-гитару, прекрасно справился с тем и с другим. Как было упомянуто, все треки, записанные коллективом для “Last Woman Standing” — как на подбор, но необходимым представляется упомянуть следующие композиции: волнующая стартовая “1988”, моментально создающая нужное настроение, стильно приправленная битловской мелодикой и пленительными гармониями “Cynthia”, ослепительная “Give Her a Sign”, напоминающая “Be Good to Yourself” от грандов жанра Journey, и трогательная баллада “Till We Meet Again” способны заставить трепетать сердце любого приверженца стиля. Отлично слушаются “Taking Hostage” с почти танцевальным ритмом, “Living the Dream” с переливающимися хроматизмами и кокетливая “Average Hero”. Ну а жемчужиной и главным хитом диска наверняка является изумительная “Emergency” с проникновенными вокальными линиями и трогательной мелодией. Обилие ярких хитов вкупе с компетентным продюсированием, современными аранжировками и актуальным саундом создают впечатление отточенной и продуманной работы, — над созданием альбома музыканты трудилась целых 2 года, не потеряв при этом искринку души за методичным шлифованием материала.

Диск совершенно точно войдет в пятёрку лучших Adult Oriented Rock-релизов 2011 года, и, вероятно, станет её флагманом, а также имеет все шансы пополнить почетный ряд альбомов на все времена. Очень сильный и взрослый релиз, способный потеснить признанную классику мэтров жанра. Шведские музыканты в очередной раз не подвели.

Umbrella   6 апр 2011

Мне очень нравится польская дэт-метал-школа, которая, на мой взгляд, меньше всего утеряла связь с хэви. И вот как-то раз, слушая Vader и Decapitated, роясь в Интернете, я совершенно случайно обнаружила группу Panzer X, выпустившую на сегодняшний день одну-единственную EP с незамысловатым названием "Steel Fist". Обнаружилась она, поскольку в её состав входят гитарист Vader Пиотр 'Peter' Вивчавек и ныне уже покойный ударник Decapitated - Витольд “Vitek” Келтыка.

Первым, что я заслушала, была инструментальная баллада "In Memory". Шок! Благоговейный ступор! И все дела были отложены в тот вечер, и время остановилось, и больше ничего не существовало вокруг, кроме этого гитарного соло! Собственно, в основном из-за "In Memory" я пишу эти строки, потому что не знаю, как ещё поблагодарить Panzer X за те чувства, которые возникают у меня, когда я слушаю это. В этой гитарной мелодии нет навороченности, нет никакой оригинальности. Зато какой силы эмоциональный посыл! Это соло в буквальном смысле лечит, приводит мысли к определенному порядку, позволяя разглядеть всё наносное и ненужное. "In Memory" помогает справиться с тоской по тем близким, кого ты уже никогда не увидишь, принося в душу смирение.

Всё же, наверное, нужно добавить моей рецензии хоть каких-то рациональных ориентиров (а стоит ли?!), и сказать, что подобное гитарное соло скорее можно было бы ожидать от группы, играющей прог-рок, чем от заявленного в описании Panzer X хэви-метал. Сходные ощущения «полёта над пропастью» возникают при прослушивании Pink Floyd или Arena. Это совсем не те соло-запилы, которые выдаёт Пиотр в «Predator» или вязкие и низкие по звучанию как «Revelation of Black Moses», типичные для его игры в Vader, это именно мелодия «полёта над пропастью».

Остальные композиции представляют собой высококлассный хард-энд-хэви с великолепным вокалом, шикарнейшими драм-партиями от безвременно ушедшего ударника-вундеркинда, слаженной игрой всей команды. Кавер группы на роллинговскую «Paint It Black» - на мой взгляд, лучший кавер этой песни!

В конце скажу лишь, что хотелось бы надеяться, что Пиотр вдруг возобновит свой интерес к этому проекту, сможет переключиться со своего основного, замечательного, но всё же несколько стагнирующего Vader, и запишет полноценный альбом Panzer X. А даже если такого не произойдёт, то и на том спасибо!

Demon Hunter   6 апр 2011

После того, как Nick Cave and the Bad Seeds записали такие успешные и во многом канонические альбомы как "The Good Son" и "Henry’s Dream", которые были тепло встречены как критиками, так и слушателями, группа не стала почивать на лаврах, и собравшись в студии, записала альбом, который по праву считается одним из лучших релизов группы (а многими признается лучшим, даже несмотря на вышедший двумя годами позднее знаменитый “Murder Ballads”).

Безусловно, группе удалось этим альбомом еще более поднять планку своего творчества, когда казалось, что лучше "Henry's Dream" Нику Кейву уже ничего не записать. Но сразу же после выхода первого сингла с альбома “Let Love In” - "Do You Love Me?" стало ясно, что ему еще далеко до звания исписавшегося невротика и мизантропа. Ну а вышедшие уже вслед за альбомом классические "Loverman" и "Red Right Hand" в этой мысли всех лишь укрепили. "Loverman" должна быть вам известна благодаря группе Metallica, которая записала на эту композицию кавер для альбома "Garage Inc." 1998 года. И после прослушивания “Let Love In” сразу становится понятно, что оригинал им вполне предсказуемо превзойти не удалось. Третий сингл с альбома "Red Right Hand" вы наверняка слышали, просматривая трилогию «Крик» Уэса Крейвена, так как во всех трех частях (и, надеюсь, в грядущей четвертой) эта композиция присутствовала. Но, конечно, это не единственные стоящие песни на этом альбоме. Наглядное тому подтверждение - титульная "Let Love In" - великолепно аранжированная и цепляющая с первых секунд потрясающим клавишным «скелетом», на который «насаживается» чувственный вокал Кейва. Для того, чтобы прочувствовать альбом в полной мере, безусловно нужно познакомиться с полными символизма, аллегорий и отсылок к самым разным произведениям текстами Ника Кейва, которые придают еще большую глубину музыкальному полотну, создаваемому талантливыми музыкантами The Bad Seeds.

Об альбоме "Let Love In" (как и о большинстве альбомов Nick Cave and the Bad Seeds) не хочется много говорить - его хочется много раз слушать и получать удовольствие от этого окологениального музыкального произведения. Рекомендую к прослушиванию всем, кому нравится хорошая музыка в любых ее проявлениях.

YNWA   6 апр 2011

Моя девушка недавно спросила меня: "А ты какую песню больше всего любишь слушать в дороге? Я вот "Прованс" обожаю! Едешь в родное захолустье, но в мечтах представляешь себе, что завтра-то сможешь отправиться в куда более увлекательные места". Эх, милая, ответить ли тебе честно, или завуалировать правду, дабы психом не показаться? Ведь при поездках в отнюдь не "пожилой", но уже основательно раздолбанной маршрутке, подпрыгивающей на многочисленных выбоинах дороги, в каждый километр которой, согласно документации, было вбухано 200 тысяч американских вечнозеленых банкнот, ничто не подходит к окружающей обстановке лучше, чем "Go to Hell", ревущая в наушниках. В ней-то все действительно "немного круче", и нам предлагают оказаться в месте, гораздо более отдаленном, чем Борисполь, причем даже не "в семь двадцать две", а гораздо раньше. "Прямиком в ад", как злорадно вещает Джефф Уолкер, следуя за жутковатой крылатой головой с обложки, столь гротескно вписанной в обычную картину семейной жизни. На протяжении всей истории своего существования Carcass были чем-то подобным - необычной, фантасмагоричной, ярко выделяющейся (как пресловутая физиономия на общем сером фоне кавер-арта) на тяжелой сцене группой. Её умом, честью и совестью, если хотите; командой, так и не позволившей себе снизойти до пошлости, и не сорвавшейся в своих экспериментальных порывах в открытый космос, где, несмотря на полную свободу действий, нет воздуха, чтоб насытить легкие.

Нельзя не согласиться с тем, что в дэт'н'ролле, как жанре, бывали альбомы если не лучше "Swansong", то уж, как минимум, не уступающие ему. Можно ли упрекнуть группу и в "травоядности" представленного материала, приведя сравнения со Stonehange, Entombed, Xysma, да и с Gorefest второй половины 90-х? Скорее, необходимо говорить о специфическом видении пограничных областей между рок'н'роллом, классическим хэви и трэш/дэтом, когда вполне уместными и сочетаемыми кажутся и "позитивные" вибрато "Tomorrow Belongs to Nobody", и развернутые минорные мелодии "Childs Play", и скорострельные боевики разряда "R**k the Vote", и весьма "флегматичные" треки. Подбор песен, кстати, просто исключительный: хит на хите, и при этом все максимально разнообразно (разве что риффы из "Keep on Rotting in the Free World" и финальной композиции можно упрекнуть в некоторой схожести). И - исключительный случай для Carcass - очень распевные припевы ("Блэк стааа"(с) Оаким) - настоящее счастье для любителей погорланить в такт вокалисту! Ну а главные характеристики "Swansong" таковы: мощнейший кач (совершенно исключительный по воздействию в громоподобной, втаптывающей в землю "Don't Believe a Word"), задиристые соло и бескомпромиссный вокал Уолкера.

Судьба "Лебединой песни" нелегка. Мало того, что этот альбом музыкально очень контрастирует с бескомпромиссным и шокирующим ранним творчеством группы, так ему еще и предшествуют два уже достаточно зрелых шедевра. Для большинства поклонников этих англичан "Swansong" - эдакий "младший брат", судьба которого - всегда оставаться в тени. И все же я верю, что благодаря своей универсальности и искренности финальный релиз Carcass не уступит своим вычурным "родственникам". Ну и атмосфера метал-вечеринки здесь просто бесподобна: разве можно не уступить перед приглашением "LET'S BURN IN THE FLAMES, YEAH!!!!"? Наверняка в "километры пленки" этого альбома не было вложено и десятой части тех деньжищ, что идут на километры отечественных дорог, но он способен увести за собой в такие пространства безраздельной эйфории, куда ни на одном хайвее не добраться. Да, Carcass все же сумели остаться в памяти "молодыми да энергичными", а этого дорогого стоит.

Jotun   6 апр 2011

Итак. Могучее и всеобъемлющее слово «ох*енно» таки обросло неуклюжими словесными конструкциями, которыми я так люблю оперировать.

Никогда не следует усложнять то, что не следует усложнять. Этому девизу, в отличие от вашего покорного слуги, и следовали фронтмен-движок проекта Илья и энное количество брутальщиков и депроблэкеров, внезапно решивших врезать с ним думца в суровый год Красной Свиньи. Получилось неплохо. Оф корз, какой-нибудь посвященный каннабисового бога обязательно возденет перст свой к унылому небу и провозгласит, что лишь очередные всходы семени Electric Wizard и Sons of Otis взошли среди терриконов, и не более того. Возможно. Глупо отрицать влияние указанных выше на объект нашего внимания. Но ведь проще влить свежие воды в старое русло, нежели рыть новое, не так ли?

Под мерные и простые щелчки барабанной бочки, гудящими неторопливыми риффами заворачивают нас в паутину вязкого и липкого звука, который, тем не менее, нисколько не давит. Ваще. Ни-ни. Вокалисты (Илья и многостаночник черного цеха Вальдмаар из широко известных в узких кругах актов Selvmord и Aeon 9) подзабивающим на всё чистым войсом, наждачным скримом и гулким гроулом, ассоциирующимся не иначе как с отрыжкой господней, взрезают не каменную, гипсокартоновую стенку местного саунда, удачно перекликаясь и не мешая друг другу. Чрезвычайно органично (по итогу n-го прослушивания, на первый слух – хаотично и резковато) вшиты в местами прохудившееся полотно альбома акустические, очень красивые и меланхоличные переборы, самый обширный из которых заслужил статус отдельного трека и личный номер «4». Хех, и тут же, следом, в противовес меланхолии акустики - ядовитые сэмплы, бурящие мозги периодически забегающими в ультразвук мелодиями в «Stupid Bitch & Freaked Witch», z. B. Не, реально, в каждом треке есть что-то особенное, пусть мелочь (а иногда и кое-что пообъемней), как то: источающий сладкий аромат восточной курильни гитарный перебор в открывашке, «эффект волны» в «Слишком пьян, чтобы сдохнуть» (когда тебя _физически_ качает вверх-вниз), да тот же сэмпл из жизни пиратов в «Китовом наезднике» - мелочи, но из них складывается нечто, что лучше всего характеризуется замацанным словечком «атмосфера». Отличный, кое-где кривовато скроенный (fuckт: бочки иногда вымораживают щелчками, щелчками, блджад!), но более-менее ладно сшитый релиз.

Напоследок, о лирической составляющей, из первых рук, такскать: «…А заглавный трек первого альбома был о великом потопе, который устроил бог одним серым похмельным утром, потому что его все за*б*ло» (с) вокалист ртом из Mozergush.

Oakim   6 апр 2011

Покупая (скачивая\беря у друга послушать\находя в дальних углах шкафа) альбомы, к которым приложил руку Стивен Уилсон, можно, как минимум, рассчитывать на отменное качество как материала, так и его подачи\обработки\записи. В нашем случае минимум остается далеко позади, ибо тандем Стивена и Авива разразился очередным сильным альбомом. В силу того, что речь идет все же об очень свежем релизе, придется отложить разглагольствования о роли альбома в современной музыкальной картине мира. Однако хочется сказать несколько слов об альбоме, как отдельной единице в океане музыки, наполняющем современный мир.

Это Blackfield. Не "Blackfield III" - выполнен "Welcome" уже на несколько другом уровне, хотя свое харизматичное звучание, наполненное легкими клавишами, минимумом гитарного перегруза и воистину смачным двухголосьем, группа решила оставить при себе. Характер альбома достаточно ярко подчеркнут обложкой. Перед нами все тот же арт\прог (?)\инди\альтернатив-рок (как его только не обозвали привередливые скептики), добрый снаружи и не менее добрый внутри, созерцательный в одних композициях и раздирающе трогательный в других. Мне кажется, именно эти качества песен и отражает выбранная обложка, - на ней одинокое созерцание граничит с впечатляющими красотами неба.

Немного о песнях. Начало весьма недурно, "Glass House" создает атмосферу, которой нам предстоит дышать ещё 38 минут, здесь и немного 60-х и тот Blackfield, к которому за два альбома многие уже успели привыкнуть. Далее с бьющих по ушам грубостей начинается "Go to Hell", неожиданный эмоциональный выпад, изначально немного омрачающий общую картину (но как кажется после 3-4 прослушивания, скорее, весьма вкусно приправляющий).

За сим разогрев закончен и приходит время основного материала альбома. И в эту часть отлично вписались светлая грусть "Rising of the Tide", игриво-танцевальное "лалалай" "Waving", струнный ансамбль почти акустической "Far Away", странное сочетание эпического и психоделического в "Dissolving with the Night", в чем-то немного "поркупайновское" утяжеление звука в "Blood".

И воистину отличной центральной части альбома суждено перейти в не менее цепляющее завершение в виде текущей "On the Plane", динамичной "Oxygen", эпичной "Zigota" с запоминающимися всполохами звука и, наверное, самой красивой вещи на альбоме - "DNA".

Как, наверное, очень заметно, у меня весьма положительные впечатления. Я думаю, они ждут и вас. У вас есть возможность окунуться в мир светлой атмосферной музыки. Музыки, которая после себя оставляет приятное послевкусие. Здесь нет проходного материала, много ярких, запоминающихся с первого раза вещиц. Малый хронометраж и все попытки утяжелить этот альбом в некоторых его местах, как мне кажется, были весьма показными, ибо настроение, которое создает "Glass House", не покинет вас до "DNA" уж точно.

По моим меркам альбом, возможно, и не главный в году, но меньше 9 поставить рука просто не может. Если вы еще этого не слышали, не упускайте возможность - перед нами отличный саундтрек для хорошей весны.

Alarmwolf   5 апр 2011

Мизантроп Ник Кейв - личность культовая, уважаемая и безусловно талантливая. Широкой публике группа The Bad Seeds во главе с угрюмым австралийцем Кейвом стала известна после блестящего сингла "Where the Wild Roses Grow", записанного дуэтом с Kylie Minogue для шедеврального альбома "Murder Ballads". Но не всем известно, что еще до этого Кейв сотоварищи записывали не менее блестящие пластинки. Одной из них и является эта запись длиной почти 42 минуты.

С первых же секунд акустическое вступление и вокал Кейва в "Papa Won't Leave You, Henry" захватит вас в водоворот сменяющих друг друга настроений и уникальной, свойственной только Кейву (ну, и, пожалуй, Тому Уэйтсу) музыкальной атмосфере. Взрывные "I Had a Dream, Joe", "Brother, My Cup Is Empty", "Papa Won't Leave You, Henry" соседствуют с великолепными, лиричными и необыкновенно запоминающимися балладами, которые в настоящее время стали своеобразной визитной карточкой этого талантливого сонграйтера. "Straight to You", на которую отличное видео снял культовый фотограф, клипмейкер, а теперь еще и режиссер («Контроль», «Американец») Антон Корбайн, который также поработал и над оформлением этого альбома. "When I First Came to Town" с первых же аккордов заставляет окунуться в своеобразное путешествие вслед за вокалистом. "Christina the Astonishing", лирика которой основана на книге Alban'а Butler'а "The Lives of the Saints", также заслуживает внимания. Но настоящая жемчужина этого релиза запрятана в самом конце. Это дикая, цепляющая, неистовая "Jack the Ripper" - посвященная, как нетрудно догадаться, Джеку-Потрошителю - знаменитому серийному убийце из Уайтчепела, орудовавшему во второй половине 1888 года.

В общем, после отлично принятого как критиками, так и слушателями "The Good Son" 1990 года, Ник Кейв и его группа доказали, что в состоянии записать два блистательных альбома подряд . А принимая во внимание, что следующими студийными альбомами будут "Let Love In", "Murder Ballads" и "The Boatman's Call", то такая мысль кажется абсурдной. Так что "Henry's Dream" абсолютно заслуженно входит в число лучших альбомов Nick Cave and the Bad Seeds. И пусть музыкальный стиль Вас не смущает, ибо втиснуть творчество Кейва в какие-то рамки и штампы не представляется возможным. Да это и не нужно. Шикарная пластинка!

YNWA   5 апр 2011

"Romavarium" по некоторым данным является уже вторым на день сегодняшний DVD-диском от международного фэн-клуба этой, без сомнения, замечательной группы. И, кроме всего прочего, это диск из серии "an evening with Dream Theater", то есть, когда команда выступает на сцене порядка нескольких часов, переигрывая зачастую свои альбомы целиком и полностью. Так, в данном случае, на своём римском концерте они переиграли почти нота в ноту свой альбом "Octavarium". Нота в ноту означает, что ЛаБри и компания практически не импровизировали (разве что в заглавной теме, одноимённой альбому, Джордан Рудесс позволил себе несколько отойти от студийного варианта), что лично мною относится к минусам работы, особенно, если учитывать, какие великолепные концертные релизы записывались ими ранее. Ещё один отрицательный момент диска - качество съёмки. Хоть оная и производилась сразу четырьмя камерами (причем одна из них давала черно-белую картинку), но на одном из музыкантов какая-либо из них дольше 3-5 секунд не задерживалась, из-за чего возникло некоторое мельтешение кадра, что меня к концу просмотра начало немного раздражать.

По всем же остальным параметрам данный диск представляет собой прекрасный образчик концерта одного из моих любимых коллективов. Если же ещё учитывать, что материал для диска записывался в канун праздника Самайн (Хэллоуин), то атрибуты этого торжества заметные в оформлении сценических подмостков и имидже музыкантов, добавляют некую толику разнообразия и эксклюзива релизу.

Что же касается видеоряда и работы светотехников, то по данному пункту лично у меня также претензий не имеется, поскольку работа, проделанная техперсоналом, не вызывает нареканий, и в итоге окупилась сторицей в виде очень тёплого приёма со стороны фанатов.

Кому же, в таком случае, стоит рекомендовать приобрести данный продукт? В первую очередь, он сделан итальянскими фанатами для себе подобных людей во всём мире. Это тот самый случай, когда потенциальный покупатель диска, не являясь поклонником команды, вполне может стать оным после просмотра.

Frostauskas   5 апр 2011

Контора Relapse частенько радует поклонников брутала и просто качественного дэта отличными пластинками, благодаря которым можно запросто заработать грыжу шейного отдела позвоночника. Dying Fetus принадлежит к числу команд, которые в принципе никогда своего слушателя не разочаровывали, так как бешеная энергетика, довольно нетривиальные композиционные ходы, позволяющие говорить о довольно высоком уровне мастерства музыкантов, всегда подкупали поклонников стиля. Правда, я бы не стал применять приставку brutal к данной формации из Мэриленда. Применительно к этому альбому можно применить и термин technical death metal, но не это важно, ибо такие вопросы каждый вправе решать самостоятельно в силу своей наслушанности и общей вменяемости. "Descend into Depravity" не открывает новых горизонтов в развитии стиля и вряд ли на это претендует. Четкая, слаженная ритм-секция, сочный гроул "высокий сип/низкий хрип", отличное оформление от штатного художника Relapse Ориона Ландау, ответственного за визуальное оформление огромного количества релизов этого уважаемого лейбла (обложки Misery Index, Сephalic Сarnage и т.д.), все это, если честно, подкупает, несмотря на то, что ничего принципиально нового на этом альбоме вы не услышите. Другой вопрос: нужно ли вам это самое новое? Пару слов об оформлении: любую картинку из 18-страничного буклета можно было использовать в качестве обложки, особенно изображение, где священнику вышибают мозги из пистолета, или младенца, высасывающего из груди кровушку. Весь art-work, по стилистике идущий прямиком к шутеру Max Payne, приятно порадует всех неравнодушных к качественному оформлению пластинок. В общем, в отношении альбома от чрезмерных восторгов я бы воздержался, но релиз действительно стоящий, хотя поклонники стиля это и так знают. Крайне приятная и полезная покупка.

YNWA   5 апр 2011

После мегапопулярного дебюта "Fallen" Эми Ли сотоварищи заставили нас три года ждать следующего альбома. И, казалось бы, ожидания были весьма высокими, но "The Open Door" в каком-то смысле оказался шагом назад.

Очень печально, но новая работа группы совершенно не дотягивает до уровня своего предшественника, который почти полностью состоял из замечательных хитов. Здесь же мы имеем местами чуть утяжеленный, а местами весьма попсовый саунд, причем голос Эми Ли стал каким-то другим. Не знаю, связано ли это со взрослением фронтвумен, или тут виной технологии, но факт остается фактом: вокальная составляющая этого альбома перетерпела значительные изменения.

Что касается музыки, то ее несет от бодрого рока ("Sweet Sacrifice", "Weight of the World") к мелодичным фортепианным балладам (действительно замечательная "Lithium"), а баллады сменяются экспериментами в области холодной готики и попа ("Lacrymosa", "Show White Queen"). Последний трек на альбоме, напоминающий, что Evanesence все-таки рок-группа, это "All That I'm Living For", с плотной гитарой и громким голосом Эми, напоминающем о какой-нибудь там Кристине Агилере своим попсовым налетом. "Good Enough" опять демонстрирует пианино\голос, и, в целом, не оставляет никакого послевкусия, подводя черту под этим альбомом.

Да, "The Open Door" можно назвать разочарованием. После "Fallen" поклонники группы были вправе ожидать не менее сильного материала, но вместо этого, увы, нам подсунули нечто попсово-экспериментальное, далекое от полюбившегося нами звучания. Хотя и гитары звучат, и фортепиано на месте, и Эми Ли демонстрирует свое меццо-сопрано в должной мере (хотя и в сильно измененном виде), но это все равно не то. Посмотрим, что будет дальше...

Artur Schadrin   5 апр 2011

Как я и ожидал, новый альбом Benighted полностью выдержан в стиле двух предыдущих работ. Никаких экспериментов и никаких отклонений в сторону — это всё тот же своеобразный дэт-грайнд: скоростной, бесшабашный и мелодичный. Даже в звучании нет ни малейших изменений — всё те же грохочущие барабаны и "жирнейшие" гитары создают всё ту же известную нам стену звука, которая буквально уничтожает сознание слушателя своей мощью. Да, как вы, наверное, уже поняли, я хочу сказать, что французы не преподнесли нам ничего свежего или нового, но несмотря на это, я с превеликим удовольствием и невероятным упоением вкусил очередной пласт гипертрофированного безумия от Benighted.

Технически команда работает очень слаженно. Мощная ритм-секция сопровождается разнузданными, чуть ли не хардкоровыми риффами, затем постепенно переходит в безудержный бласт-бит, который, в свою очередь, сопровождают залихватские мелодичные соляки. Конечно, не только по такому примеру строится весь "Asylum Cave". Альбом достаточно разнообразен, по крайней мере, ровно настолько, сколько нужно, чтобы не дать слушателю заскучать. Не меньшую роль в этом играет и разносторонний вокал Julien'а Truchan'а. Он использует практически все виды экстремального пения, свойственные дэту, и грамотно перемешивает их между собой, не создавая при этом излишней хаотичности. Складывается ощущение, будто в группе не один вокалист, а несколько, и это, безусловно, талантливая работа.

Материал на "Asylum Cave" представляет из себя монолитное, несокрушимое полотно. Ни одна композиция не нарушает общее деструктивное настроение и не выбивается из цельного потока бешеной и необузданной энергии. Заглавный трек "Asylum Cave" задаёт очень мощный настрой на весь альбом, а последующие "Pray" и "Let the Blood Spill..." здорово его поддерживают. Очередной удар по слушателю наносят два, на мой взгляд, лучших боевика - "Fritzl" и "Unborn Infected Children". Это две очень мощные песни, в записи которых участвовали приглашённые музыканты, такие как Asphodel из Pin-Up Went Down, и Sven De Caluwe из Aborted. Лучше остальных, на мой взгляд, вписаться в концепцию группы получилось у Свена. Учитывая его манеру пения и разноплановый вокал Жульена, они создали впечатляющий тандем, то исполняя партии совместно, то своевременно "подменяя" друг друга на вокале. И если прислушаться, то звучит это очень эффектно. Ещё отдельного упоминания заслуживает композиция "A Quiet Day", которая является одним из самых боевых треков на альбоме, и к которой приложил свой ужасный гуттурал Mike Majewski, вокалист Devourment. Хотя, конечно же, не стоит исключать и остальные треки, так как в каждом из них найдётся что-нибудь особенно интересное и по-своему цепляющее.

В целом, хочется сказать, что альбом получился хорошим. Пусть это и повторение пройденного, но "Asylum Cave" всё же является сильным релизом, который явно не будет лишним ни в творчестве группы, ни в мире экстремальной музыки вообще.

KrasT   5 апр 2011

Смерть бессменного барабанщика Джимми Салливана подтолкнула группу продолжить запись альбома "Nightmare", который, как стало понятно после прослушивания, можно смело назвать шедевром и современной классикой.

Конечно, альбом от начала и до конца пропитан трагизмом, в каждой песне чувствуется, что все это от души, изнывающей от потери близкого человека. И конечно, Avenged Sevenfold создали потрясающе красивый, наполненный завораживающими мелодиями альбом, запоминающийся, кажется, навсегда.

Начиная с красивого вступления и последующих гитарных излияний "Nightmare", жестких риффов и бодрого вокала "Welcome to the Family", и заканчивая эпической десятиминутной "Save Me", эта пластинка умудряется при всем своем трагизме сочетать в себе красивейшие баллады с почти что трэшевыми номерами, а M.Shadows с легкостью переходит на скрим, когда это нужно. Спокойная "So Far Away" сменяется металкоровой "God Hates Us", быстрой и наполненной громоподобными риффами. А "Tonight the Worls Dies" заканчивается для того, чтобы подарить нам последнюю композицию, написанную Джимми и переданную им группе за три дня до своей смерти - "Fiction". Божественное фортепиано, ударные, вокал Шэдоуса и Салливана. Все. Никаких тебе гитар и вскрикиваний. Но, наверное, "Fiction" можно назвать самой завораживающей и проникновенной песней на альбоме. Особенно учитывая печальные обстоятельства, связанные с ней...

Остается только удивляться, как группе хватило мужества закончить запись таким образом, чтобы впоследствии это стало классикой на все времена. При поддержке Майка Портного группа, только что потерявшая своего брата, активизировала все свои силы и выдала этот чудесный, искренний, волнующий альбом, который вряд ли оставит кого-нибудь равнодушным. И после того, как у вас мурашки побегут от финального эпика "Save Me", вам непременно захочется повторить это. Этот опыт. Почувствовать всю глубину и близость кошмара...

Artur Schadrin   4 апр 2011

Четыре года пришлось ждать поклонникам Wuthering Heights нового релиза своих любимцев. Датчане настолько высоко подняли планку мастерства на "The Shadow Cabinet", что, казалось бы, куда уж выше? Но не тут-то было! Эрик Равн и команда просто сорвали к чертям эту воображаемую планку, так же как и головы всех своих фэнов новым альбомом, получившем незамысловатое название "Salt" ("Соль").

Если бы у меня спросили, на что похожи по звучанию Wuthering Heights, то, скорее всего, я бы задумался. И надолго. Ибо они настолько самобытны и уникальны, что сравнение с какой-либо даже близкой по стилю командой просто немыслимо. Можно было бы попробовать сопоставить их со шведами Falconer или итальянцами Elvenking, но при этом нужно будет учесть, что датчане в два раза мощнее, в три раза оригинальнее и в пять раз задорнее. Кроме всего этого, у них уже третий альбом подряд за вокальные партии отвечает талантливый швед Нильс Патрик Йохансон, чьё мастерство и профессионализм я бы не побоялся поставить на один уровень с самим Ронни Джэймсом Дио.

Судя по названию альбома, можно было бы заранее предположить, что нас ждёт некое повествование о столь необходимой для существования любого человека пищевой добавке, как хлористый натрий. Однако если обратить своё внимание на обложку с изображением разбитого корабля, а затем и на названия песен (которых тут всего девять), становится понятно, что нам предстоит услышать целую историю о приключениях моряка-поэта в бескрайних просторах холодных северных морей. И открывает это эпическое творение датчан незамысловатое интро "Away!" (что означает "Прочь!"), погружая нас в атмосферу альбома и перенося на морской причал к нашему судну, на котором нам предстоит совершить небезопасное, но очень увлекательное путешествие длиной в 8 треков. Ну а потом, потом на нас обрушивается буквально шквал захватывающих дух мелодий. Никто не останется равнодушным к историям Отчаянного Поэта ("The Desperate Poet") и Безумного Моряка ("The Mad Sailor"). При этом темп композиций то постепенно спадает, будто наш корабль медленно забирается на гребень волны, то затем срывается в бешеные гитарные соло, скидывая наше судёнышко как щепку в разверзнувшуюся морскую пучину. И не стоит ждать пощады от природной стихии, на всём альбоме мы не встретим ни одной проходной песни, ни одного слабого места. Все инструменты звучат максимально слаженно, а вокал Йохансона отлично вписывается в общую картину, не переставая нас поражать своей мощью и диапазоном. Идеальным штрихом на этом грандиозном музыкальном полотнище с морским пейзажем становится внесение таких фолковых элементов как мандолина и аккордеон.

Ничто уже не сможет утолить жажду приключений настоящего моряка, кроме бескрайнего морского простора и огромных штормовых волн ("Weather the Storm"). Солёная вода разъедает его кожу, постоянная качка выматывает, он даже неожиданно для себя начинает снова мечтать о далёкой и желанной суше ("The Field"). Но через некоторое время понимает, что море - это его родной дом, и вода - единственный источник, дающий ему силы и волю к жизни ("Water of Life"). Уставший и промокший моряк всё же отрекается от столь привлекательной твёрдой земли и отдаёт предпочтение вечным скитаниям и борьбе с морской стихией ("Lost at Sea"). И покуда его корабль не разбит об острые скалы, он будет плавать и петь, вдыхая холодный ветер, глотая брызги волн и Соль.

SleepingSun   3 апр 2011

Удивительно, но единственным из тех, кто основал Wuthering Heights в 1989, к моменту выхода их четвёртого студийного альбома в 2006 остался только гитарист Эрик Равн (Erik Ravn). И, несмотря на частые смены состава, этот парень сдаваться совсем не собирался. Покончив в 2004 году с нудной трилогией, тематика и концепция которой не позволяли им проявить свой композиторский талант в полную мощь, Эрик и команда выдали настоящую бомбу под названием "The Shadow Cabinet" ("Теневая сторона"). Опять же в сотрудничестве с Томми Хансеном, записываясь в четырёх различных студиях в Дании и Швеции, Wuthering Heights создали шедевральный альбом, полный хитов и запоминающихся мелодий, которых им так не хватало на предыдущих работах.

На этот раз вы не услышите никаких лирических вступлений, никаких убаюкивающих плесканий волн, никаких хоровых завываний, потому что альбом открывает скоростной и крышесносящий боевик "Demon Desire" с врезающимся в память припевом, с неожиданными сменами ритма, с оригинальными гитарными соляками и, конечно же, с великолепным вокалом Нильса Патрика Йохансона. И так на протяжении одиннадцати песен, то сбавляя темп, усыпляя ваше внимание, то вдруг затем взрываясь ураганным инструментальным проигрышем, заставляя подскакивать на месте, датчане не оставят вас в покое, так же как и не оставит вас желание переслушивать альбом снова и снова.

Что же касается явных отличий этого релиза от его предшественника, то тут стоит заметить появление скрипки (хорошо слышна на "Faith"), мандолины, аккордеона и органа Хаммонда. Можно обратить внимание на интересный эксперимент датчан с введением некоторых элементов heavy (особенно заметно на первой половине "The Raven"). Также отмечу, что единственной более или менее спокойной и "не дёрганной" композицией на альбоме является заключительная "Midnight Song" ("Полночная песня"), вышедшая в Европе бонусным треком. Ну а в остальном датчане продолжают гнуть свою палку, просовывая её между слоями power, folk и progressive-метала, причём делают это настолько умело и профессионально, насколько это вообще наверное возможно.

Лирика, так же, как и все песни, написана Эриком Равном и наравне с ними заслуживает самых высоких похвал. Она не имеет конкретной тематики, но в основном в ней затрагиваются глубокие философские проблемы. Это взаимоотношения человека с природой, с окружающими людьми, с самим собой, бесконечный поиск смысла существования. И хотя подобные стихи больше подходят для групп, например, готического направления, а никак не для пауэрщиков, вечно жаждущих приключений, баталий и схваток с драконами, но в этом-то как раз и заключается талант Эрика, которому удалось совместить быстротемповую и задорную музыку с наполненной смыслом лирикой. Поэтому я бы порекомендовал ознакомиться с текстами Wuthering Heights поближе, если только знание английского языка это вам позволяет.

Примечательно, что даже после нескольких прослушиваний "The Shadow Cabinet" ничуть не надоедает. Мелодии задевают, мелодии запоминаются. Музыканты действительно вышли на новый уровень, став наравне с элитой европейского метала. И теперь с уверенностью можно сказать, что Wuthering Heights наконец-таки по-настоящему раскрылись и зазвучали.

SleepingSun   3 апр 2011

В 2004 году свет увидел третий альбом датских folk progressive power-металлистов Wuthering Heights. Он должен был стать заключительной частью трилогии о блуждающем философе-натурафиле, и поэтому название "Far from the Madding Crowd" ("Вдали от безумной толпы") подошло ему как нельзя лучше. Как и в прошлый раз, скооперировавшись с продюсером Томми Хансеном, музыканты отправились для записи в Jailhouse Studio. Единственное значимое изменение со времени выхода их последнего альбома произошло в стане самой группы. Я имею в виду уход в неизвестном направлении вокалиста Кристиана, заменой которому стал швед Нильс Патрик Йохансон (Nils Patrik Johansson) из Astral Doors. И знаете, такое ведь иногда бывает, что смена вокалиста полностью преображает музыкальный коллектив, и в случае с Wuthering Heights это верно на все сто процентов. Своей харизмой, прекрасным владением голосом, порой отдающим приятной хрипотцой, Йохансон привнёс в звучание группы свежую струю, которой ей определённо не хватало на предыдущих работах. По мощи вокала его можно смело ставить в один ряд с такими профи как Russel Allen (Symphony X), Jorn Lande (Masterplan) и Attila Dorn (Powerwolf).

В музыкальном плане альбом ничуть не уступает своему предшественнику. Опять нас встречает великолепный вступительный трек ("Gather Ye Wild"), на этот раз переносящий наше сознание на просторы зелёных датских лугов и лесов. К флейте и виолончели, которые слышны уже буквально в каждой песне, прибавилось ещё два фолковых инструмента - волынка и банджо, что, конечно же, в сочетании с замечательными хоровыми подпеваниями придало всему альбому только больше эпичности. Никуда не делись и фирменные смены ритма датчан, всё в порядке у них и с техникой игры (три инструментальных композиции с учётом бонусных треков). Клавишные создают прекрасную атмосферу и мелодику, а самое главное то, что они никогда не вылазят на передний план, звуча всегда как дополнение к солирующим гитарам. Заметно улучшилось качество ударных: если на "Within" и "To Travel for Evermore" бочки были какими-то приглушёнными, то теперь они звучат намного сочнее и уверенней. Также этот альбом примечателен и отличен от предыдущих работ датчан тем, что на нём впервые появилась полностью акустическая композиция (при этом не являющаяся ни intro, ни outro) - "Lament For Lуrien" ("Плач по Лириену"). А обусловлено это вот чем.

Дело в том, что главный герой трилогии - сумасшедший философ-одиночка, силуэт которого красуется на обложках всех трёх альбомов, обошёл все поля и леса, реки и горы Дании вдоль и поперёк, провёл кучу глубокомысленных бесед со всеми природными стихиями, но так и не нашёл ответа на мучающие его вопросы человеческого бытия. Внезапно, продираясь сквозь лесные заросли, он встречает загадочного старичка (случается это на "Longing for the Woods Part III: Herneґs Prophecy"), который пытается втолковать юному философу, что поиски смысла жизни бесполезны, а ответ на все вопросы лежит в глубине сердца самого паренька. Ну а потом старик зачем-то настоятельно рекомендует ему прекратить существование в материальном мире и исчезает в лесной чаще. Сдаётся мне, что это был всего-навсего заплутавший грибник, объевшийся чего галлюциногенного, но наш герой воспринял его слова всерьёз и не промедлил отправить себя на новый уровень существования. Именно смерть главного героя, которую датчане воспели в "Lament for Lуrien", и стала развязкой истории, начатой ими 1999 году на альбоме "Within".

Подводя итог, могу сказать, что альбом "Far from the Madding Crowd" показал истинное лицо Wuthering Heights. Конечно, он не был совершенным, группе ещё не хватало хитовости, но задорные и оригинальные мелодии, умелое соединение фолковых элементов с пауэрными, отличные гитарные партии и мощные припевы без сомнения дали надежду на то, что лучшие альбомы у датчан ещё впереди. Так оно и оказалось.

SleepingSun   3 апр 2011

На волне успеха дебютного альбома датчане Wuthering Heights отправились в концертный тур по Европе (читай "по окрестностям Копенгагена"), после чего, в 2001 году, засели в Jailhouse Studio с известным продюсером Томми Хансеном для записи своего второго полноформатного альбома, получившего название "To Travel for Evermore" (Путешествовать вечно), который должен был концептуально продолжить тематику, начатую ими три года назад на их первенце "Within". Для воплощения своих музыкальных задумок датчане даже воспользовались услугами нескольких приглашённых музыкантов.
Как и на прошлом альбоме, мы снова вначале слышим завораживающее intro ("Behind Tearstained Ice"), погружающее нас в атмосферу северной природы, холодных морей и бесконечных скитаний в поисках ответов на извечные вопросы человечества. Затем на нас обрушивается неплохой progressive power с вкраплениями folk'a в виде иногда появляющихся в начале или в конце песни флейты и виолончели. Сразу заметно, что по сравнению с предыдущим альбомом звук стал качественнее, плотнее, вокал Kristian'a окреп, появились хоровые подпевания, а для демонстрации техники владения гитарой музыканты на этот раз отвели отдельный инструментальный трек ("Battle of the Seasons") длиной почти девять минут. Клавишные по-прежнему во многом определяют звучание, имитируя клавесин, орган, духовые, и отлично вписываются в общее музыкальное полотно, придавая ему мелодичность, насыщенность и разнообразие. Длительность альбома - главная ошибка "Within" была исправлена, и теперь девять песен длятся практически час, что является стандартной продолжительностью для групп подобного стиля.

Резкая смена ритма стала фишкой Wuthering Heights, сделавшей их в какой-то степени уникальными и отличающей от большей части европейских пауэрных банд. За два альбома у них не получилось написать ни одной композиции, которая была бы от начала и до конца ровной, без скачущего ритма и смены акустических или клавишных проигрышей на ураганные гитарные соло. Наверное, именно эта особенность позволила им обрести довольно широкую известность не только в их родной Дании, но и далеко за её пределами. Например, в России распространением "To Travel for Evermore" в 2002 году занимался небезызвестный лейбл CD-Maximum, а для своих поклонников в Корее и Японии датчане записали два бонус-трека ("La Chanson de Roland" и "When the Jester Cries" соответственно).

На самом деле, несмотря на все старания музыкантов и сотрудничество с именитым продюсером, альбом получился довольно скучным. Оно и понятно, ведь философскую лирику, нагнетающую тоску и уныние, довольно трудно совместить с задорными и срывающими башню мелодиями. Однако нет ничего невозможного, и следующими релизами Wuthering Heights это всем доказали.

SleepingSun   3 апр 2011

Да будет вам известно, что "Wuthering Heights" ("Грозовой перевал") - это не только известный роман Эмили Бронте, но ещё и одна из самых интересных групп современной датской метал-сцены. Объединившись в далёком 1989 году под именем Angelica, сменив его позже на Minas Tirith, а затем на Vergelmir, но, видимо, разочаровавшись как в женщинах, так и в творчестве Толкиена, датчане объявили себя поклонниками средневекового романтизма и назвались Wuthering Heights. Тем не менее, десять лет, потраченные на придумывание названий для самих себя, смены состава и лейблов, не прошли для группы даром, и в 1999 году свет увидел их дебютный альбом под названием "Within" ("Внутри").

Стиль, в котором играют датчане, охарактеризовать даже труднее, чем прочитать их название задом наперёд. Сами они утверждают, что играют symphonic speed metal с элементами прогрессива. Но честно скажу, что после прослушивания первых двух песен с данного альбома (одна из которых является intro-треком), складывается такое впечатление, что перед нами очередной клон уже довольно известных к тому времени итальянцев Rhapsody с совершенно обычным для подобного рода групп вокалом, больше всего схожим с тем, который можно услышать у Falconer и Pyramaze. Однако уже к середине альбома (а песен на нём, кстати, всего лишь семь) становится ясно, что датчане никого не стараются копировать, они выбрали свой независимый, но извилистый путь между такими стилями как power, folk и progressive metal, и умело балансируют, не отдавая ни одному из них предпочтения. И мне кажется, что у них это отлично получается. Смешение стилей придаёт группе оригинальное звучание, что в свою очередь позволяет прослушать альбом несколько раз и даже написать на него рецензию.

В музыкальном плане "Within" очень разнообразен и насыщен звучанием различных инструментов. Музыканты частенько используют флейту, пытаются гитарой имитировать звуки скрипки, а в середине третьей песни ("Too Great Thy Gift") внезапно появляется клавесин. Да и вообще, на всём альбоме клавишные, хотя и отодвинуты на второй план, но играют немаловажную роль, придавая каждой композиции мелодичность, атмосферность и долю симфонизма. На вступительном и заключительном треке слышны звуки плещущихся волн и завывающего ветра, что, конечно же, не случайно, ибо лирика всего альбома не только концептуальна, но ещё и повествует нам о неком философе-эскаписте, ищущем единения с природой, блуждающем среди зимних природных ландшафтов Дании и мечтающем о приходе весны. Единственное, что настораживает, так это задумка музыкантов растянуть эту тему захватывающих приключений шизофреника на три альбома.
Общее впечатление, оставленное после прослушивания сего творения, можно описать одним словом - "сыровато". И дело даже не в качестве записи: для дебюта оно вполне приемлемое, да и кроме этого, на альбоме можно найти немало интересных и нестандартных ходов, типа резкой смены ритма и акустических гитарных вставок, а также можно насладиться отличными и, самое главное, довольно профессиональными гитарными соло практически в каждой песне, но в то же время, сказать, что какая-то композиция действительно запала в душу, нельзя, как и нельзя выделить ни одного хита. А если выкинуть intro ("Enter the Cave"), outro ("The Wanderer's Farewell") и тринадцатиминутный эпик ("Dreamwalker"), то мы получим четыре трека длиной чуть менее получаса. Но тем не менее, время показало, что Wuthering Heights обладают огромным потенциалом, и следующие четыре альбома вывели их в авангард не только датской метал-сцены, но и всей Европы.

SleepingSun   3 апр 2011

C "Remember Who You Are" Korn наконец-то вернулись к своему классическому саунду первых двух альбомов, когда агрессия, выраженная в минималистической ярости музыки, преобладала над желанием группы повыпендириваться. И вот вам, пожалуйста: возвращение получилось настолько удачным, что теперь трудно выбрать, какой альбом лучше: первый Korn или этот. Но с этим мы разберемся. Главное в том, что на новом диске присутствует все то, за что мы так полюбили этих легендарных ню-металлистов: жесткие, примитивные риффы, ярко выраженный бас, ритмичные ударные. И ничего лишнего, никаких тебе экспериментов с индастриалом и тому подобным. Джонатан Дэвис ревет во всю глотку как в старые добрые времена. Что вам еще нужно?

10 песен проносятся быстро, но затем возникает острое желание повтора. "Korn III" уникален главным образом тем, что не содержит ни одного проходного трека. Тут все, начиная с "Oidale" и заканчивая "Holding All These Lies", слушается на одном дыхании, и ни разу не возникает чувства, что вот здесь группа не дотянула. Скорее, думаешь, что Korn активизировали все свои силы, всю свою агрессию, и с помощью своего таланта воплотили их в десятке безупречных композиций.

В итоге мы имеем чуть ли не самый лучший альбом за всю карьеру группы. И это не преувеличение, не какой-то там эффект от первого прослушивания. Это правда, которая является взвешенным фактом, если обратить внимание на прошлые работы американцев, которые были либо слишком обделены действительно классными хитами, либо начинали заигрывать с синтезаторами и электронщиной. А что касается первых двух альбомов группы, то и тут "Korn III" берет верх: сказывается опыт и профессионализм музыкантов. Считайте, что Korn "перезапустились" в своем самом лучшем и первобытном виде!

Artur Schadrin   2 апр 2011

Дебютный альбом ливерпульцев Carcass большинство любителей тяжелой музыки либо люто ненавидит, либо превозносит до небес. Не правы, надо признать, ни те, ни другие. Тем более, мало кто из них в здравом уме переслушивает этот "сгусток тошнотворного гниения". Самым большим минусом этого альбома, бесспорно, является катастрофически провальное сведение, на фоне которого многие демо-записи смотрятся будто записанными в Morrisound. Не брать в расчет этот жирный, липкий и пахучий минус - это, как минимум, заискивание перед культовостью группы. "Reek of Putrefaction" же во многом обязан своей культовостью, шокирующей (по тем девственным в плане брутальности оформления временам) обложке. Поначалу вообще разобрать на ней ничего нельзя, но вот если приглядеться, можно обнаружить много чего "вкусного, ароматного и приятного". После этого коллажа из фотографий трупов людей и ампутированных частей тел, "маньяки-оформители" будто с цепи сорвались, пытаясь перещеголять друг друга в жестокости, кровавости и упоротости. Во многом им это удалось.

Касаясь музыкальной стороны дела, вновь нужно помянуть "хорошим словом" инженера звукозаписи, благодаря которому сведение дорожки ударных не выдерживает никакой критики. А принимая во внимание, сколько еще группа микшировала этот альбом, чтобы нам было слышно хоть что-нибудь, то можно предположить, что части тела этого "звукача" можно увидеть на обложке альбома. Больше всего все огрехи неудачного сведения заметны на "Fermenting Innards", "Suppuration", глухой барабанный стук на заднем плане "Foeticide" заставляет усомниться в умственном здоровье звукоинженера, которого вы вспомните еще не раз во время прослушивания "Reek of Putrefaction". Но не надо думать, что негативные моменты преобладают на этом альбоме. Нет! Будущее величие уже отчетливо обозначается благодаря таким трекам как "Pyosisified (Rotten to the Gore)", "Frenzied Detruncation" и "Psychopathologist", в которых при общей кашеобразности можно выделить нестандартные ходы как в вокальных партиях (нечто вроде собачьего кашля на бэк-вокале), так и в музыкальных, так сказать, пассажах. Слышно, что музыканты еще недостаточно опытные, но и достаточно талантливые.

В общем, определенную долю счастья при прослушивании альбома можно получить. Но говорить о его гениальности или, наоборот, о бездарности - нет уж, увольте! Культ - культом, goregrind - goregrind'ом, но здравый смысл и наличие слуховых рецепторов должны охладить пыл любого заблуждающегося при выставлении оценки. А памятник ставить звукорежиссеру можно только после его умерщвления вашими же собственными руками.

YNWA   2 апр 2011

Трон королей урбанизма от блэка пуст не бывает. Когда это шугейз с пост-роком и Франция, а когда и более дерзкие коллажи и страна, откуда есть пошел европейский авангард-метал в лице одной группы. Blutmond – группа новой формации, поэтому коллизии природы и цивилизации как таковой не возникает. При этом стыдиться такого модерна не приходится. Blutmond умеют играть мощный и экспрессивный блэк на хороших скоростях, и демонстрируют это уже в первом трэке после интро. Но не исключено, что больше их интересуют неспешные музыкальные сюжеты, где легко использовать электронику, джаз и прочие вкусности, не ассоциирующиеся у нормального человека с голой природой. В мире, рисуемом швейцарцами, явно нет места утопиям Руссо, он порождение XX-XXI веков. Пост-блэк дышит ароматами города, вбирает в себя его шумовой фон и контрасты: шаги, шум двигателей, обрывки уютной музыки из ресторанов и уличную ярость. Последнее как раз сопровождается особого рода параноидальностью: когда сознание уже не выдерживает потоки ощущений, кровь приливает к горлу и острота риффов вкупе со стелющимися поверх мелодиями достигает предела. Недаром с самого первого трэка Blutmond предостерегают, дескать, надо бы беречь голову, а во втором прямо противопоставляют человека и коллективное безумие. «Thirteen Urban Ways 4 Groovy Bohemian Days» в технике, похожей на поток сознания, рисует картину городских занятий и развлечений, дум и настроений (ведь жителю города должна быть свойственна интенсивная рефлексия), перечисляя весь набор реалий, составляющих содержание города. Названия трэков свидетельствуют о том, что охват проблемы комплексный: проблема квалифицированного/неквалифицированного труда (“Working Poor, Yuppie Yeah! (A/A 3000)”), городских транспортных систем (“Metro Aesthetix”), места пригородов в социальной структуре (“Suburbs – A Lamentation or a Social Frustration!?”) и др. Как видно, музыканты доходят в своем творчестве до социологических комментариев, что никак нельзя отнести к минусу, благо здесь интеллектуальный компонент углубляет работу, не иссушая ее. Экспериментальная составляющая поставлена безупречно, но необходимо похвалить музыкантов не только за фантазию, но и за здравый смысл, отпечатавшийся во множестве органических мелодий, приводящих истерзанную душу слушателя-жителя города по преимуществу к пусть и тревожной, но гармонии. Blutmond заигрывают с меланхоличным роком, так что многие (особенно вступительные) гитарные мотивы да и некоторые трэки целиком являют некий сплав волнующего пост-панка Amesoeurs с экстрим-риффами без послаблений (“Friday – Trapped in Mental Disorder”, где звучит еще и очаровательная труба), с блюз-роком (“Rebellion”), с пост-роком (“Metro Aesthetix”) и с электроникой (IDM-даунтемпо в “The Party Is Over...”), а также используют отдельные техники, далекие от тру-эстетики (скрэтчи в “Cry.sys”). Последняя указанная композиция – вообще шедевр слаженности исполнения и эмоций: простая мелодия на фоне психоделически чарующего гитарного полотна и бурчания баса, уверенные и стильные ударные, совмещение скрима, чистого мужского вокала и женского спокен-ворда – все это складывается в экзистенциальный гимн в лучших традициях той образности и мироощущения. И даже еще раньше – век прошел, а «Ночь, улица, фонарь, аптека» все так же актуально. Помимо здоровой эклектичности материала, гарантирующей точное попадание и концептуальное раскрытие темы города, Blutmond могут предложить уверенное владение инструментом. Гитаристы ваяют без революционности, но в душу, крепка и ритм-секция, особенно в плане бластбита и щепетильного использования тарелок, злоупотребления различными эффектами не замечено – эффекты лишь усиливают значение метала, никогда не подменяя его собой. Что ж, «Thirteen Urban Ways 4 Groovy Bohemian Days» стал отличным духовным преемником полноформатника Amesoeurs, зафиксировавшим еще больший разрыв городского с гармонией, где в то же время швейцарцы попытались исцелить мир прекрасным.

Blackknot   2 апр 2011

Спустя 4 года Meshuggah стряхивает с себя морально устаревшие трэшевые формы и подается в математику от грува, естественно с более медленными темпами, вязкими гудящими гитарами и тяжеловесной ритм-секцией. Грувовые тенденции поспособствовали гармонии между прежней т.н. рваниной и солидной плавностью движений, приметой чего является и повысившаяся роль и сама по себе читаемость баса. Рассматриваемый альбом уже даже исходя из своего названия подразумевает большую внятность (как будто и на пустом месте) в сравнении с полноформатным предшественником. Так и есть – и риффинг, и работа барабанщика имеют схематично-наглядный характер. Другое дело, что и гитарные линии обрастают жирком, а Хааке безмятежно спокоен и сложен одновременно. Почва для хэдбэнга окончательно переквалифицировывается в почву для методичных конвульсий. «Nothing» – инструмент рационального познания Вселенной, тяжкий багаж разрушений оставлен в «Chaosphere», и лучше всего это отражается в названии открывающего концерты группы трека – “Rational Gaze”. Рационально, но в рамках другой парадигмы мышления – в рамках радикального техно-тоталитаризма. Meshuggah возводит строго умозрительные конструкции, спроецируйте общие подходы и частные схемы "Мешугги" на свою повседневную жизнь – и вы достигнете высочайшего уровня самоорганизации. Проблема только в том, что повторить или переложить это не так-то просто. Как и осилить наукообразную лирику, насыщенную абстрактной лексикой, в частности, отглагольными существительными и причастиями, по ходу звучания альбома. «Nothing» стал этапом на пути к более гибкому, разнообразному и живому в пределах механического оцепенения материалу. То, наверное, и является зрелостью в избранной "Мешуггой" манере творить. Альбом же 2002 года – несогласуемый с 1-й сотней Биллборда артхаус.

Blackknot   2 апр 2011

В отношении этого альбома заманчиво начать с отрицательных сравнений. И я начну… «Chaosphere» – это не яхта «Беда». Как назвали этот, скорее, межпланетный космобомбардировщик, так он и поплыл, круша на своем пути и созидая. Космос огромен и бесприютен, и чтобы выжить в этом первозданном хаосе нужно… уметь вертеться, правильно. Гарантом жизни является надежность и скорость работы механизма, отфутболивающего космический мусор. Гитаристы работают в 2-х манерах – как быстрых выстрелоподобных поливах металлом, так и роняют вязкие грувовые фразы. Постоянные смещения гитарных рисунков, доведение и недоведение их до логического завершения составляет основной массив конструктивной деятельности, правда, агрессивная нагрузка этих манипуляций намекает на то, что ничто не проходит безболезненно. Безумные атональные соло неожиданно выбивающейся из ритмической колеи гитары Тордендаля
только подтверждают пугающие изменения в реальности, незнакомость уже виденных ландшафтов и страх перед неизвестным. Царство космической пустоты давит на слушателя еще больше, чем на предыдущем полноформатнике, щедро разливавшем джазовые нектары. «Chaosphere» в разы мощнее и прозаичнее. Ритм-секция впервые так ощутимо начала жестокие опыты с полиритмическими компромиссами – Томас Хааке мастерски нагнетает напряжение комбинацией статичных ударов по рабочему и тарелкам и порывистых очередей на бочках. Хотя "Мешугга" – боги инструментальности, недостатка в тексте от Йенса Кидмана нет: экстремально преподносимой лирикой можно захлебнуться, получая ее в таких количествах и с такой скоростью. В “Sane”, например, чрезвычайно быстро происходит возведение культа личности лирического героя-манипулятора. На диске всего 2 выбивающихся из массы более спокойных, упорядоченных и качевых композиции – “Neurotica” и “The Exquisite Machinery of Torture”, во время которой нас психологически терроризирует вкрадчивый спокен-уорд от ударника. И, конечно, “Elastic”, где средняя часть своим дроуном заставляет вспомнить цитату из Холмса «Я думал, это кошка застряла в трубе, или с кем-то плохо» и подумать, как же изменились реалии и что теперь служит эталоном странной музыки для дум – сейчас это скорее словно компьютер завис. Но здесь это не самоцель, а передаточное звено к последнему залпу дисгармонии. «Если долго смотреть в Бездну, Бездна начинает смотреть на тебя» – примерно такова идейная нагрузка этого фидбэка. Да, «Chaosphere» был пиком скоростной техничности и плевков в слепой ярости, насколько может позволить себе такие импульсивные выходки новоиспеченная стилистика мат-метала.

Blackknot   2 апр 2011

Из всех думовых групп Старого и Нового Света Electric Wizard всегда были самыми оригинальными. Не своими риффами – о нет, это вряд ли, но тем, как эти риффы звучали. «Британский саунд» одноименника, сверх-перегруженный фузз на "Come My Fanatics…", присладжеванный "Dopethrone", мрачнейший дум "Let Us Prey", психоделика и тяжесть "We Live". При записи данного альбома квартет из Борнмута решил удивить мир еще раз и для этого отправился в лондонскую студию Toe Rag, которая использует только аналоговые способы записи. В дело пошла старая добрая магнитная лента и "Визард" окунулись в свои горячо любимые 70-е, с классическими фильмами ужасов и лавкрафтовскими историями.

Пусть звук и стал менее плотным и абразивным, фирменная атмосфера потеряна не была - все такой же музыкальный полумрак. В целом, тут заметен больший, чем обычно для EW уклон в традовые степи. Однако любителям каноничного звука "Электрического Волшебника" не стоит переживать – вживую эти риффы так же крышесносящи как раньше и так же вводят в коматозное состояние. Словно портал в другое измерение. Как говорит фронтмен коллектива Джастин Оборн, он тратит кучу времени, чтобы «эти три аккорда звучали идеально». В вокальной линии также произошли изменения – глас товарища Оборна теперь выехал на передний план и стал гораздо лучше различим. Кратко о вокале: если надо петь о космосе, траве и графе Дракуле – надо петь именно так, как это делает Джас. И никак иначе.

Выделить на альбоме главные хиты не совсем просто. Не потому что их нет – потому что хитовы практически все песни! В лоб нам сразу же заряжается драйвовая тройка - "Witchcult Today", "Dunwich" и "Satanic Rites of Drugula". После отдыха за двухминутным аутро "Raptus", продолжаем погружаться в пучину колдовства, психоделии и гудящих риффов под второй блок думовых боевиков – в бой вступают "The Chosen Few" и "Torquemada ’71". На этом «рок», что называется, снова прерывается, и нас приглашают посетить шаманский ритуал в треке под вывеской, собственно, "Black Magic Rituals & Perversions". Perversions я вот не почуял, а rituals тут очень много: там-тамы, фидбэки и голоса, читающие заклинания на латыни – добро пожаловать в оккультный дум, друзья. Завершается же все одиннадцатиминутным номером "Saturnine", отсылающим нас во времена "Come My Fanatics…", с монотонным главным риффом, тяжелым звуком и "космическими" соляками. Немного крутануть ручки усилителя вправо и получим "Визард" 1997 года! Пожалуй, самая тяжелая и монументальная вещь на альбоме.

Подводя общий итог, можно сказать, что на данный момент "Witchcult Today" является сильнейшим альбомом британского квартета. Идеальный сплав классических решений и собственных наработок с минимумом радикальных экспериментов, а также плюс небольшое облегчение и «подсушивание» звучания дает нам в итоге практически хрестоматийный альбом жанра стоунер-дум, рекомендуемый к прослушиванию всем неофитам. Of doom!

Khanate   1 апр 2011

Мелодичный рок, созданный на Туманном Альбионе - явление само по себе значительное. Уже этого факта достаточно, чтобы не пропустить очередную пластинку, выпущенную британскими кудесниками. А если в процесс ее записи были вовлечены такие звезды как братья Мартины или Ник Уоркман, то альбом необходимо прослушать во что бы то ни стало.
Братья Том и Джеймс Мартины за последние 5-6 лет превратились в самых востребованных хитмейкеров в мелодичном жанре. Их авторскими талантами уже воспользовались такие звезды, как House of Lords, Khymera, Sunstorm, WET и многие другие. В данном конкретном проекте Том и Джеймс выступили не только как авторы всех песен, но и в качестве музыкантов – гитары и клавишные. Вокальные обязанности на пластинке взял на себя Ник Уоркман (Kix).

Зная послужной список авторства братьев Мартинов, не перестаешь удивляться, откуда у людей столько таланта. При том, что Мартины сочинили для целого ряда групп и исполнителей бесчисленное множество хитов, им хватило сил подготовить для своего детища Vega лучшие песни в их карьере.

Современное звучание в стиле WET или Eclipse и классический дух AOR от FM или Strangeways слились воедино на данном альбоме и давно не звучали так гармонично и изящно. Стартовые «Into the Wild» или «Kiss of Life», как и положено, звучат как бодрые и заводные боевики. «Headlights» или «Heart of Glass» своими масштабами напоминают скорее U2 или Simple Minds, чем традиционную радиоформатную рок-группу. Главный хит альбома «Staring at the Sun» способен соперничать с последними хитами Journey или Foreigner.

Отличный материал великолепно записан и издан. “Kiss of Life” Vega на сегодняшний день является одним из лучших и самых запоминающихся альбомов жанра. Поклоннику мелодик-рока данный альбом игнорировать совершенно недопустимо.

TRASH81   1 апр 2011