В black metal есть немногочисленная, но совершенно особая категория групп, которые благодаря аутентичности своей музыки и ее корням, глубоко уходящим в определенную традицию, интересны не только в художественном, но и в культурном плане. В творчестве именно этих групп можно услышать отголоски фольклорного наследия, о котором знают лишь немногочисленные этнографы и доживающие свой век представители старших поколений. Как правило, такие музыканты демонстрируют глубокое понимание используемой традиции, интуитивно ощущая ее метафизику. Я вполне допускаю, что лет через 300 примеры подобной музыки могли бы стать ценным приобретением для каких-нибудь ученых антропологов или этнографов. Как это ни парадоксально, но в современном мире именно в творчестве подобных групп находят последний приют культурные традиции, начало которых уже и не разглядеть во мгле былых времен. Zgard можно с полным основанием отнести к числу таких групп. Альбом «Созерцание» убедительное тому доказательство. По своему подходу этот альбом, как и сам проект ближе всего к румынам Negura Bunget. Музыкальные корни Zgard, произрастая из скандинавского блэка начала-середины 90-х, одновременно тянутся и в фольклор Карпат.

Лично я рассматриваю этот альбом как одну из самых показательных работ украинского проекта. На «Созерцании» окончательно сложился художественный язык Zgard. Здесь Яромысл усовершенствовал и расширил палитру художественных средств, собрав воедино все лучшие находки из предыдущих альбомов. На «Созерцании» музыка Zgard фактически продолжилась с того места, где завершился первый альбом “Spirit of Carpathian Sunset”. Справедливым будет утверждение, что проект заметно приблизился к своим корням, в музыку окончательно вернулся фолк. И это не самодеятельность фольклорного кружка при краеведческом музее. Архаика в прочтении Zgard сохраняет свою достоверность и вместе с тем удачно ложится на современный язык, становясь более доступной для слушателя. Вместе с тем в музыке в достаточной мере присутствует аутентичность, чего так не хватает многим группам. Именно данное качество является одной из отличительных черт Zgard. В музыке проекта фолк не просто еще один инструмент или дань традициям, а некий мистический элемент, наполняющий смыслом все содержание и творящий атмосферу – древнюю, мистическую и загадочную атмосферу, которая таится у корней вековых деревьев, в туманах горных склонов, в снегах крутых оврагов…

Кстати, именно в этой части оказался востребован опыт предыдущих двух атмосферик-блэковых альбомов. Да, они были не слишком выразительные, но во многом именно благодаря им «Созерцание» обрел целостность и атмосферную глубину. Если первый альбом был слишком неровным, а следующие два временами были излишне монотонными, то теперь все встало на свои места. Баланс и последовательность соблюдены на всех уровнях. На альбоме в достатке присутствует динамика и разнообразие, но при этом они подчинены единой логике повествования, что придает всей работе стройность, последовательность и завершенность. Блэк-метал, акустика, фолк, грамотно используемые звуковые эффекты – все элементы музыки прекрасно взаимодействуют друг с другом. Каждая композиция обладает своим характером и сюжетом, не теряясь на фоне остальных. В ряде композиций слышны мощные эмоциональные подъемы и вообще в них присутствует достаточно музыкальных событий. Скажем так: идейно жужжать могут многие, стыдливо прикрывая аранжировками дефицит мелодий. У Zgard с мелодиями все в полном порядке. Они наполняют музыку смыслом, связывая в единую картину всю гамму звуковых слоев. Красивейший эмбиентный инструментал “Silence” в этом смысле может послужить прекрасным срезом всего альбома. Преимущественно среднетемповый стафф дает возможность хорошенько расслышать все нюансы. Встречаются и бласт-биты, но они напоминают скорее отдельные водовороты в течении полноводной реки. Нужно отметить, что блэковый элемент стал злее и архаичнее. В холодных гитарных тремоло вновь слышен тот ни с чем не сравнимый надрыв, который отличал звучание ранних работ жанра. Немного хаотичный и в меру сырой микс очень подходит этому материалу.

По всему видно, что перед записью были учтены все прошлые ошибки. За счет сессионных музыкантов был расширен состав, и мы наконец можем услышать живые барабаны, что принесло музыке существенную пользу, добавив звучанию объем. То же касается и вокала, который, сказать по правде, был не самым сильным местом Zgard. Но приглашенный вокалист Dusk проделал отличную работу, выдав мощный и яростный скрим. На альбоме вообще проведена большая работа над вокалом – здесь он очень разнообразный. Многообразие вокальных приемов вообще является одной из отличительных черт «Созерцания» – от яростного скрима, до поэтической декламации, как в заглавной композиции. Начатые на предыдущих альбомах эксперименты с использованием хора нашли здесь наиболее завершенную форму в таких песнях-гимнах, как “Underworld Bells”, где эпичность в припевах буквально пробивает стратосферу. Получилась по-настоящему величественная вещь, но не напыщенная, а скорее торжественная. Именно эта смесь торжественности и пропитанной промозглым сумраком меланхолии придает одну из основных эмоциональных окрасок альбому вообще.

Подводя итог следует признать, что на этом альбоме Zgard окончательно обрел собственное лицо и оригинальность. Конечно, можно было бы придраться к сведению, или к не совсем уместному звучанию бас-гитары, но зачем? Здесь как раз тот самый случай, когда отдельные шероховатости кажутся незначительными на общем масштабном фоне. «Созерцание» получился увлекательной и завершенной работой с собственным настроением и продуманной атмосферой. Альбом можно считать не только одним из лучших у Zgard, но и одной из лучших восточноевропейских работ в жанре pagan-black metal.

Alias  10 май 2020

У Паси Коскинена, фронтмена Ajattara, никогда не получались альбомы, для которых была выбрана красная обложка. А что? Посмотрите на этот диск (группа закончила свое существование после него), "Far from the Sun" у Amorphis (Паси ушел из группы после этого альбома), "Written in My Scars" у Shape Of Despair 2010 (тоже злополучный красный цвет , после которого Коскинен покаинул коллектив). Вот такая незадача. Этот альбом я ждал со страхом и трепетом - после предыдущего шедевра не знал в какую сторону и ждать. А теперь, собственно, к песням...

1. "Kunnes Taivas Meidät Erottaa" - это мощный отрезвляющий удар в челюсть, после акустической "Noitumaa". Это самый злой блэк что я слышал, после прослушивания которого возникает моральный нокаут - хочется взять дубину и крушить всё вокруг. Он настолько необычен и самобытен, что сразу впечатался в мозг и я долго еще напевал припев про себя. Мощный рявкающий вокал с бешеными барабанами, рвуще-режущими гитарами, слегка приправленными атмосферой викингов или скифов, когда они рубят в клочья своих врагов - вот что такое первая песня. Шедевр, бесспорно.
2. "Ihmisen Luku" - композиция намного мягче, чем "открывашка" альбома, где под тягуче-режущие гитары Паси (возможно, в клетке) рявкает на надзирателей. Сама песня незамысловатая, без нотки оригинальности, типичная Ajattara - думал я до времени 2:50. А потом собачий лай. Внезапно. Вот за такие ходы я люблю Ajattara. Просто собачий лай. И красивое гитарное завершение песни. И однозначный зачет.
3 . "H.A.I." - под эту песню я слегка задремал. Вокал где-то вдали, однообразные тягучие риффы, полусонные барабаны - лишь припев (если можно так назвать его) заставляет встрепенуться и подкачивать головой в такт. Гитары мощные, музыка в целом местами неплохая, но в итоге - одна из слабых композиций в альбоме.
4. "Aura" - это шедевр, друзья! Полудэтовый злой танц-блэк-сатаник-метал во всей красе. Песня мгновенно вывела меня из состояния сна и заставила дико отплясывать по комнате замысловатые виражи под среднетемповые ритмы. В ней смешалось сумасшествие, злоба и отчаяние.
5. "Sokea Liha" - мощная вещь до однообразия, примитивная как амёба, но именно её я переслушиваю в плеере чаще всего из этого альбома. Начиная с 2:25 начинается красота - появляется та мрачная атмосфера, вместе с агрессией. Быстрая, мощная, бескомпромиссная бомбежка слушателя эмоциями и мраком.
6. "Routalempi" - я думаю её можно соединить с третьей песней и никто бы не заметил разницы. Меланхоличная депрессия звучит здесь в совокупности с тягучим союзом гитар и барабанов. Мне кажется, Паси не выдержал напора предыдущих песен, употребил неимоверное количество спиртного, потому что объяснить что происходит после 2:30 трудно. Хор мужиков, звуки какого-то шума и резкий конец.
7. "Murheiden Kilta" - вот бывает - лежишь на пляже, загораешь, а тут, откуда не возьмись, налетает рой оводов и начинает жалить тебя. Ты бежишь от них, материшься, а они жалят всё сильней. Такие ощущение от куплетов. А потом добегаешь до моря, окунаешься - и благодать! Это припев. Очень необычные гитары, музыка и вокал на высоте.
8. "Apilas" - злые танцы. Её можно включать на всех дискотеках - ритмичная, складная, простая, почти вирусная композиция. И здесь даже есть рифма (чудно для этого альбома). И именно эта вещь более-менее похожа на песню в традиционном её представлении.
9. "Veljet" - набор клокочущей злобы, когда у тебя не получается забить гвоздь уже второй час и ты отбил все пальцы - вот что иллюстрирует эта песня. Это просто ком мощной агрессии, когда доведенный до отчаяния своей беспомощностью человек лежит лицом в луже и бьется в конвульсиях злобного бессилия. И тут внезапно его лицо облизывает бродячая собака (и снова собачий лай...)

В целом, альбом сумасшедше агрессивный, я бы назвал его самым агрессивным в дискографии Ajattara. После прослушивания хочется всё разнести до основания. Я не знаю, что творилось с Паси в 2009-2012 годах, но даже его внешний вид лысого скинхэда явно говорил, что у него проблемы не только с алкоголем. После двух или трехразового прослушивания просто хочется всё выключить и лечь спать, энергетика у музыки очень сильная. Вообще, эта группа славится злыми альбомами, но злоба злобе рознь. На альбомах 2001-2006 года это мифически-мрачная злоба, которая прячется в кустах, а здесь - это злоба психически неуравновешенного человека, который бьется головой о батарею с пеной у рта. И каждая песня чересчур пропитана этим, это отторгает. Я понимаю почему у этого альбома нет рецензий - не потому что он недостоин внимания, а потому что слишком тяжел, непонятен и безумен. Хотя здесь всё на высоте - и музыка, и подача материала, и вокал. Конечно, нынешний состав уступает по качеству составу 2001-2006, но ребята каждый альбом записывают в новом ключе. И это хорошо.

Михаил.Жеребцов   9 май 2020

С тех пор, как Wardruna застрелились посредством альбома "Scald", на просторах нордического неофолка стало пустовато и грустно. Благо, природа пустоты не терпит, так что датская красавица Амалия Бруун, она же Myrkur, взялась записать альбом сугубо в эстетике и стилистике этого самого нордического неофолка, ну а на её прежнее место пришли австралийцы Suldusk.

Так что да, на этот раз никаких электрогитарных трещёток и скрима, зато много волшебной шведской никельхарпы (звук которой мощен и объёмен настолько, что ни в каких технологических усилителях не нуждается) и кулнинга. Последний - это такие своеобразные скандинавские пастушьи рулады, также звучащие просто потрясающе - даже без какого-либо инструментального сопровождения. Сказочные и потусторонние, создающие ощущение огромного открытого пространства.

А уж какие результаты выдаёт дурашка Гугл по запросу "техники кулнинга", особенно если ввести второе слово с ошибками!

Большая часть материала "Folkesange" - переосмысление старых народных песен или стихов, чаще всего скандинавских, хотя одна из двух англоязычных композиций на диске, "House Carpenter", родом из собственно Великобритании. Так что, если буквоедствовать, это уже даже не "нео", а просто фолк, где из инструментов вне духа времени - только фортепиано. Разнообразие материала, при кажущейся минималистичности наполнения, конечно, выдающееся. Эпичные - как иначе, родная мифология обязывает - "Leaves of Yggdrasil" и "Tor I Helheim" и почти по-домашнему уютные "Vinter" с "Reiar". “Fager en som ros” полна разнородных инструментальных линий, а в "Harpers Kraft" вообще далеко не сразу замечаешь, что у голоса Амалии есть какой-то аккомпанемент. По настроению "Folkesange" и без того далек от мрака и отчаяния, ближе к светлой грусти, но прорываются в нём и вполне оптимистичные нотки - та же "House Carpenter", в оригинале бывшая нравоучительной балладой о демоническом любовнике, тут едва не превратилась в танцевальный номер.

Сказать по правде, слыхал я трактовки северных народных мотивов ещё более потрясающие - у Eivør Pálsdóttir, например, чей новый альбом выходит в сентябре и обещает подвинуть Myrkur с нордического трона. Но настолько разнообразных релизов, без " лишних" песен, с плотнейше подогнанным в единую, всеобъемлющую по составу красок, палитру материалом даже у неё случалось не больше пары штук... Отличная, исполненная жизни музыка для не самого жизнерадостного времени.

Jotun   9 май 2020

Это невероятно смешно, но Devourment в последние годы испытывали давление общественности по причине - вы не поверите - мизогинистической лирики. Чёрт возьми, какие времена! Узкопрофильная упоротая банда, торгующая высококачественным жиром, за текстуальными откровениями которой нужно обращаться строго к буклету альбома, ибо этот поток звуков из кишечника чаще всего не дифференцируем в принципе, столкнулась с серьёзной атакой сайтов вроде Vice из-за "женоненавистнической" позиции. (Там не только их песочили, но остальные группы были из ещё более обскурных пластов андеграунда.) Это настолько извращённое проявление пресловутой толерантности, что с лёгкостью уделывает по этому параметру любые экзерсисы извращенцев музыкальных. Представьте, если и дальше погружаться в эту казуистику, каких глубин маразма можно достичь! Например, если текст основан на реальных событиях - не попахивает ли здесь цензурой с целью сокрытия правды от общественности? Хотя ведь на обложке того же "Molesting the Decapitated" (тошнотворный, но будто бы достоверный сюжет из криминальной хроники) красуется безголовый мужик - а их пока, видимо, мочить можно. Как и младенцев мужеска полу. Без ограничений по расе, религии и национальности... пока что. Но да, уже "Obscene Majesty" демонстрирует относительно более сдержанные визуал в оформлении и смысловую начинку, нежели в былые годы. А недавно Devourment публично заявили, что таки раскаиваются в былой позиции и оставляют любые проявления мизогинии за бортом своего корабля из гниющей плоти. Интересно, как теперь цензуре проверить, что там на самом деле будет булькать в микрофон Рубен Розас?

Ах, да, Рубен. После крайне неудачной попытки отойти от слэма в сторону "просто" брутального дэта на "Conceived in Sewage", в составе группы произошло несколько весьма специфичных изменений. Розас, гуттураливший на первом альбоме Devourment, а после короткой отсидки вернувшийся на правах уже гитариста, вновь перешёл к микрофонной стойке. Рубивший на басу Крис Эндрюс переключился на гитару, его сменил Дейв Спенсер, а за барабанную установку вновь уселся самый первый ударник банды Брэд Финчер. Таким образом, "Пожирание" стало, возможно, единственным ансамблем в истории, у которого сменились все исполнители по позициям в течение одного года, но при этом половина прежнего состава уцелела, а принципиально новый участник пришёл всего один на весь квартет. На продуктивность, традиционно низкую для Devourment, это всё никак не повлияло. Лишь осенью прошлого года группа пришла-таки к пятому студийнику в четвертьвековой своей истории (если не считать дважды "Butcher the Weak"), и производит "Obscene Majesty" впечатление двоякое.

С одной стороны, это действительно монолитище на поле экстремальной жести. Предельно суровый и убойный слэм-дэт с невероятно объёмным звуком, сочнейшими ударными (хотя кто-нибудь из фанатов олдскульных "кастрюль" "Обезглавленного" всё равно будет недоволен) и восьмиструнной гитарой, долбящей, будто пульсации нейтронной звезды. Опыт для многих оказался настолько крышесносящим, что релиз нынче имеет, кажется, максимально высокие пользовательские оценки среди подобного, кхм, продукта. За все 47 минут - сам по себе хронометраж беспощадный - альбом не даёт ни единого послабления: ударные ввинчивают всё новые и новые ритмические конструкции, инструментальные партии принципиально далеки от любых мелодических изысков, а вокал... Ну, кишечный посвист Рубена уже не тот, что двадцать лет назад, но того же Майка Маевски уделывает влёгкую.

С другой стороны, гитара тут ещё не возводит стену саунда, в которой принципиально неразличимы какие-то там риффы и ноты (как было, например, у Last Days of Humanity), и вот эти самые риффы - даже по узкопрофильным рамкам - однообразны, невыразительны и шаблонны. У меня вообще в определённый момент возникло подозрение, что их мастерил один армавирский умелец из Gortaigh в своём инфернальном фрутилупсе. Если бы не магия (не Дэвида) Финчера - альбом смертельно надоедал бы уже за две минуты. Но не сказать, чтобы и с его помощью дослушать оставшиеся 45 было просто - хотя именно в конце дисочка гнездится наиболее технически замороченная и крышесносная вещица "Truculent Antipathy".

В общем, в рамках общепринятых оценок "Obscene Majesty" сложно описать. "Вокал" заточен под специфические рамки субжанра, риффинг халтурный, ударные, саунд и оформление - фантастические. Фанатов должно порадовать, но старые кровожадные релизы-исполины остались в недосягаемости. Всем, кто надеется на проявления гуманности от принципиально гротескного и уродливого мутанта, лучше всё так же держаться подальше. Революции не произошло, но на фоне монотонных поделок коллег по сцене эта работа действительно выделяется, что для настолько отмороженного музла, в общем-то, уже немалое достижение.

Jotun   9 май 2020

Verkligheten в переводе со шведского - "реальность". В этой реальности Soilwork зачем-то выдали альбом со шведским тайтлом, но без единой строчки на родном языке. Заглавный трек - инструментал-интерлюдия, "Stålfågel" - "Стальная птица" - видимо, окрещена так ради красоты написания и звучности имени, исполняясь на английском, как и весь остальной материал.

Изначально "Verkligheten" показался мне не более чем четвертым разделом в тянущемся, не де-юре, так де-факто, ещё с 2013-го года эпике "The Living Infinite". Причём в отличие от "Ride Majestic", где композиционные структуры заметно усложнились, этот, напротив, оказался куда более прямолинейным. Чуть упали скорости: новому ударнику, Бастиану Тусгаарду, сходу в "Arrival" дали продемонстрировать, что (в целом) в напоре и техничности он ушедшему в Megadeth Вербюрену не уступает, но уже начиная с третьего трека общий темп снизили, оставив лишь эпизодические разгоны. При этом заявленных суперэпичности и ультрамрачности обнаружено не было (последней - в особенности), явно выделяющихся хитов - поначалу тоже. Как- то отличались в этом плане в лучшую сторону только потрясающая "Full Moon Shoals" и наиболее спокойная, прямолинейная и атмосферная песня здесь - уже упоминавшаяся "Stålfågel" с изумительными бэк-вокальными линиями от Алиссы из Arch Enemy.

В некоторой степени переосмыслил я своё отношение альбому, познакомившись с дискографией набирающего обороты проекта Бьорна Стрида и гитариста Soilwork Давида Андерссона The Night Flight Orchestra. Последний отличается музыкой в духе хард-рока/AOR, с элементами синтипопа и ретровейва, насчитывает уже пять (хороших) релизов в активе и, кажется, потихоньку превращается для мужчин в основную группу, судя по студийной активности и промо-кампаниям. Более того, NFO потихоньку начинает влиять на материал "Землекопов", и с этой точки зрения, в реальности (ха!) мы имеем дело не с обезжиренным и слегка размякшим Soilwork, а с разжившейся стальными мышцами версией "Ночного полёта". С напористыми гитарами, эпизодическими бластбитами и весомой долей экстрим-вокала, замешанной в партиях, но сохраняющей в общих чертах и рок-н-ролльное лицо, и фирменную мелодику. Будет ли граница между бандами размываться и дальше - вопрос сложный (думаю, всё же нет), но нынешний результат в виде микса солидного зрелого рокешника и фирменного "сойлворковского" пост-мелодик-дэта (иначе подобрать определение для их звучания в прошедшем - или заканчивающемся, кому как угодно - десятилетии мне не удаётся) получился весьма интересным. И, кстати, субъективно действительно лучшие композиции здесь раскрывают красоту не сразу - как "The Ageless Whisper" или отмеченная отличным гостевым вступлением Томи Йоутсена из Amorphis "Needles and Kin". Терпеть не могу подсчеты на тему того, сколько прослушиваний нужно уделить для Понимания (с) релиза, но этот альбом точно достоин более чем одной попытки.

Jotun   8 май 2020

Каждую работу Паси Коскинена я жду с опаской и такой приятной дрожью в груди, что сейчас будет шедевр, который я сразу не оценю, но спустя месяцы он до меня "дойдет". Ajattara - это моя любимая группа, я переслушиваю ее песни в день по нескольку раз, начиная с шедеврального "Itse" и заканчивая агрессивным "Murhat". Вы не найдете тут красивой музыки, вы найдете тут атмосферу и состояние души. После распада группы в 2011 я весьма опечалился, но в глубине души верил, что Паси так или иначе вернется. И вот, в 2016 году стала появляться информация на страничке Ajattara, и я, написав сообщение по поводу дальнейших планов, получил четкий ответ - скоро новый альбом. Потянулись дни мучительных ожиданий... И вот он лежит передо мной, я выделил для его прослушивания целый день. Включаю первую песню...

1. "Saatanan sinetti" - мощная блэковая композиция. Знакомый вокал Паси, грохот барабанов, гитары. Явный уклон и намек на первую композицию предыдущего альбома - "Kunnes Taivas Meidät Erotta". Сумасшедший блэк. Пусто. Как поезд проехал. Абсолютно никаких эмоций не вызвала - хотя всё сделано мощно и вроде как должно пронять. Но нет. Существует масса групп которые играет блэк и мощнее, и круче.

2. "Ristinkirot". Ну наконец-то пахнуло среднетемповой и размеренной Ajattara. Я прослушал эту композицию три раза и наконец-то уловил немного той Ajattara, которая цепляла до 2007 года. Атмосфера и немного пафосно-возвышенные риффы. Но это лишь доля. Осталось ощущение недосказанности - как будто сыграли хорошее начало и бросили. Чистый вокал в конце песни подготовил к следующей композиции...

3. "Suru". Начну с музыки. Она просто никакущая. Даже не так - её тут просто нет. Есть брякание на гитарах, такое ленивое и непринужденное. Как похмельное перебирание струн гитары у костра. Немного хора. И всё это, перемежаясь, идет всю песню. Но вокал превосходный. За что я люблю эту группу - примитивные гитары вместе с вокалом дают просто невообразимую атмосферу и ощущения. Припев просто шикарен. Видно, что Паси аж из кожи вон лез, чтобы выдавить из себя эти дикие вопли. Но отсутствие элементарной мелодии убивают этот почти шедевр.

4. "S.I.N.Ä." Считаю эту песню одной из экспериментальных - под танцевальные ритмы барабанов и басов, Паси зачитывает сатанинский рэп. И традиционные мрачно-пафосные риффы с каким-то чужим вокалом (явно не Паси его исполняет) добивают слушателя. Хорошая песня, необычная и со своей энергетикой.

5. "Amen". Одна из лучших песен в альбоме. Бьет в лоб с первых секунд под гитары с вокалом, и, всё убыстряя темп, уносит слушателя бороться со всем что попадется под руку. Здесь ни минуты отдыха. После рубилова и мяса - мощный припев и второй куплет! А потом припев, чуть-чуть атмосферы, и совсем несвойственный для Ajattara хор. Это убивает наповал.

6. "Ave Satana". Самая бодрая и, наверное, единственно позитивно звучащая композиция у группы. Звучит свежо и необычно (особенно с клипом). Мне понравилась эта композиция, снова полутанцы-полупризывы темных сил. Припев абсолютно не сочетается с песней, он как будто из другого трека. Наверное, из первого. Припев "ave satana" полуистеричным голосом сюда вообще ни в какие ворота. А всё остальное на высоте.

7. "Uhrilahja". Я дико поржал когда прослушал это - Паси во всей красе! Какой альбом Ajattara без диких воплей, частушек и лая собаки? Из альбома она не выбывается, а лишь разбавляет его черным юмором мрачного леса, который смеется над истощенным путником.

8. "Lupaus". Заглавная песня в альбоме. И первые ноты дают об этом знать. Тут вам и гитары, и атмосфера, и даже нотки Испании. Вот так-то. Звучит очень необычно, разнообразно. И видимо из-за того, что слишком много тут всего и вся, композиция утомляет. Растянутая, с бесконечными "ааааааа" и "яяяяяяяяя". Припев никакой. А музыка шикарна.

9. "Machete". Спокойная песня, оставляющая слушателя в холодной задумчивости и растерянности. Однообразная до раздражения. Фирменные риффы присутствуют, правда немного.

После прослушивания альбома у меня осталось ощущение, что Ajattara находится в творческом кризисе, состоянии беспомощности каком-то - в частности, Паси. Альбом в целом выполнен в некоем танцевальном стиле, но с резкими скатываниями то в истерично-припадочное состояние ("Uhrilahja"), то в бездушный и вымученный блэк в первой композиции, что говорит о попытках угодить всем слушателям сразу. И это напрочь лишает творение его энергетики и атмосферы - а ведь именно за это я так люблю Ajattara. Новое прилизанное до тошноты звучание тоже не подходит для альбома - нет тягучих риффов первых альбомов, нет шикарной жирности "Putoan", нет самобытного зубодробильного комбината "Murhat". Экспериментов и самобытности минимум. Зато есть посредственное звучание, что и у всех остальных третьесортных треш-блек групп. Местами звучат какие-то свежие проблески некогда мрачной и заставлящей трепетать Ajattara, но они скорее напоминают осколки разбитого стекла...

Михаил.Жеребцов   8 май 2020

Это может прозвучать достаточно безумно, однако моё поначалу сдержанно-одобрительное отношение к "Fear Inoculum" начало меняться, пускай и постепенно, после скандала с Джастином Бибером и тем, как по-хамски Мейнард Кинан отреагировал на известие о том, что Бибер является поклонником и музыки Tool, и собственно лирики Кинана. То есть господин винодел дошёл до той степени ощущения собственной невероятной важности, что уже пытается решать, кому можно быть его фанатом, а кому - нет. Дальнейшие пояснения мистера о том, что раздражает его не сам Джастин, а окружение оного, вырыло яму лишь ещё большей глубины. То есть Кинан нынче, как ваша мамаша, контролирует, с кем и как вам следует дружить. Чёрт возьми, да у мальца есть музыкальный вкус - он начинал с джаза, и поёт он объективно лучше очень узкопрофильного Мейнарда. Ну и даже если в нём только проклюнулся правильный кругозор, наверняка не очень здорово сходу осознавать, что один из твоих кумиров и потенциальных примеров для подражания - зазнавшийся... кхм, какое бы слово тут подобрать литературное... кальнюк, да - зазнавшийся кальнюк? Может, лучше тогда тусить с туповатыми, но позитивными мамбл-рэперами?

Ну да ладно, для себя я давно условился: музыку оценивать без привязки к исполнителю, особенно когда речь идёт не о ван-мен-бэнде. Так что же там сочинили великие осмыслители ряда Фибоначчи, изобразители блюющих чёрной жижей грушеголовых человечков и бесчисленных разноцветных ГЛАЗ, сочинители скрытых треков, по городской легенде, имеющихся внутри "10000 Days", очистители кармы и открыватели чакр, за 13, господи прости, лет? Шесть полноценных композиций. Ага, редкие звучки гитары, щепотка клавишных для эмбиент-фона и перкуссия в начале. Приятные, расслабляющие звуки. Но где, собственно, сама песня? Вокал возникает на излёте второй-третьей минуты. Может, даже пятой. Ведь интро может зайти ещё дальше, прямо к воспроизведению шума океанических волн, как в "Descending". Кстати, и само по себе вступление Мейнарда ничего не значит: даже "подгруженная" текстом, композиция остаётся невероятно вальяжной и малособытийной. Долгая раскачка. Половина трека уходит на вступительную часть. Ложная кульминация. Возвращение к незамысловатой мелодии. Раскачиваемся. Раскачивааааааааемся... И вот реальная громкая кульминация аж на две минуты! И нет, я не хочу сказать, что подобный подход к построению композиций не имеет места быть. Но когда после тринадцатилетнего перерыва пять новых песен из шести подчинены, за мелкими отступлениями, одинаковой формуле, и каждая из них при этом норовит улететь за десятиминутный хронометраж, это вызывает нехорошие подозрения: что группа не слишком-то напрягалась, и что слушателя держат за дурака. Особенно когда "Pneuma" начинает ненавязчиво копировать "Schizm" - да и ритмическую структуру Isis'овской "Dulcinea", если уж на то пошло. Впрочем, слишком сильно цеплять тему вторичности идей "Fear Inoculum" я даже не хочу: достаточно сказать, что здесь просто берут типичный "туловский" эпик, вырезают 60% начинки, а оставшуюся оболочку растягивают раза в два. Для сравнения, вылуплявшийся столь же мучительно "Chinese Democracy" от Guns'n'Roses несёт на себе все шрамы производственного ада, сквозь который он прошёл. Особенно это заметно по чудовищному оверпродакшену с попыткой заполнить сразу весь доступный спектр акустических частот: масса бэк-вокальных линий, гитарные партии во множество "слоёв", скрипочки-клавиши-духовые, всего побольше! "Fear Inoculum" же зияет прямо-таки чудовищными акустическими пустотами. Ну а если вы, музыканты, превратились в фанатов минималистичных решений, то зачем пытаетесь всё-таки придать песням некое развитие, организуете какие-то там билд-апы и кульминации?

Всё вышесказанное в наименьшей степени относится к "7empest". Там и привычное скучное интро быстро сворачивается, и темп разгоняется, и риффов с мелодиями насыпана щедрая горсть. Вот это - да, стоило всех тринадцати лет. Всё прочее - пятикратно размноженная довольно средняя по замыслу идея. Про инструментальные дополнения, которых, в зависимости от версии альбома, может быть от одного до пяти, не скажешь и этого. Уже на "10000 Days" электронные и нойзово-индустриальные интерлюдии превратились в бесполезный довесок, здесь же их даже не попытались интегрировать в контекст альбома, за вычетом "Legion Inoculant".

При этом к собственно исполнению у меня никаких вопросов нет. Круто, особенно в контексте ударных и синтезатора Дэнни Кэри. Меньше всех выложился как раз-таки Мейнард - его партиям и места мало оставлено, и вокал воображение не поражает. Услышавшим тут какие-то исключительные эмоции предлагаю обратиться к дилогии "Parabol/Parabola", туда же отошлю и в контексте лучшей его лирики, от которой тут остались сравнительные крохи.

Если честно, "Fear Inoculum" мог провалиться только в том случае, если бы Tool взялись исполнять рэп на клингонском. Феномен завышенных ожиданий - он ведь, на самом деле, в обе стороны работает. И ожидания что обломали одних, другим ни за что не позволят признаться даже мысленно, даже самим себе, что надежды оказались напрасными и их надули. Плюс практически безгрешное доселе портфолио - зачётка, работающая теперь на "студента". Плюс репутация музыки для интеллектуалов: аргумент про "ты быдло, не вникшее в Концепцию и не разглядевшее Смысл", работает на полную помощь. Но я смотрел в самые потаённые глубины этого разума, смотрел так, что мой третий глаз заслезился и покраснел - и тогда из глубин "Fear Inoculum" выплыла мириада червей, вместо голов у которых были ногти. На кончике одного из них вылупился пластилиновый человечек... и скрутил мне две огромные фиги.

Jotun   8 май 2020

Mare Cognitum и Spectral Lore - два атмосферик-блэк акта, за каждым из которых стоит энтузиаст-одиночка: американец и грек соответственно. "Wanderers: Astrology of the Nine" - это уже вторая их совместная работа. Первая, "Sol", была посвящена согревающей нас звезде, нынче же мужики решили пройтись по планетарной тематике, причём в астрологическом, а не астрономическом аспекте. И это первый на моей памяти случай, когда лженаука уделала науку: тут-то планетарный статус Плутона никто не оспаривает.

Очевидно, что на творческий замысел радикально повлияла симфоническая сюита Густава Холста "Планеты". Тут даже характеристики небесных тел (опять же, с точки зрения их мнимого влияния на человеческую судьбу и характер) схожи. Почему планеты расположены не в правильном порядке - загадка. У Холста, по крайней мере, было два оправдания. Во-первых, если знаки зодиака перечислены вместе с их управляющими планетами в традиционном порядке, начиная с Овна, игнорируя дублирования и светила (Солнце и Луну), то порядок частей им соответствовал. Во-вторых, если Юпитер — центральная точка сюиты, то остальные части по обе его стороны — зеркальные отражения. «Марс» содержит в себе стремительное движение, но «Нептун» — статичен; «Венера» возвышенна (величественна), в то время как «Уран» — вульгарен; и так далее. Скорее всего, и в "Wanderers: Astrology of the Nine" важна была центральная роль "Юпитера" как наиболее монструозной композиции и в музыкальном, и в смысловом плане, хотя в любом случае уделение Плутону сразу двух разноплановых опусов разрушает любую симметрию.

С точки зрения сугубо музыкальной это, как упоминалось в начале, атмосферный блэк. Безо всяческого "зефира" в виде пост-роковых и шугейзовых веяний, с одним треком - "Pluto part 1..." - выделенным под эмбиентные изыски. У Mare Cognitum атмоблэк более сочный, мелодичный и красивый, со внушительным количеством клавишных и легко дифференцируемыми инструментальными партиями, вплоть до различимого баса, что круто уже само по себе. У Spectral Lore - дикий, агрессивный, хищный и тяжелый, с большим грузом бластбитов, но и сравнительно бОльшим разнообразием риффов и их количеством - всё равно, правда, незначительным - выделяемым на одну конкретную композицию. Понятное дело, что все жанровые клише в виде левиафанских, неспешно раскачивающихся интро, обязательной монументальной инструментальной резни в момент кульминации и общего стремления растянуть каждую песню на максимааааа-альный хронометраж присутствуют. С другой стороны, идейно дружественный Midnight Odyssey смотрит на такие опусы (кроме "Юпитера", конечно) как на лаконичные интерлюдии, а на первом своем сплите наши герои умудрились натянуть сову из трёх композиций на семидесятиминутный глобус; так что тут всё еще весьма гуманно. В любом случае, здесь нет одинаковых песен, каждая "планета" наделена яркой индивидуальностью, атмосфера чудовищна по своей подавляющей глубине, мелодии имеют красоту воистину холодную и космическую, а написанный совместно финальный акт о "Плутоне" во второй своей части - "The Astral Bridge" - превращается в лучшее произведение в блэк-металле, что я слышал за несколько последних лет.

Да что там рассусоливать - меня "накрыло", и довольно крепко. Желаю и вам того же.

Jotun   7 май 2020

Пятнадцатый альбом Sepultura. Девятый без Кавалеры-старшего, пятый без Кавалеры-младшего. Эпоха безраздельного владычества Андреаса Киссера в качестве композитора дорого обошлась группе: под его началом банда, имея объективно более мощного и более разнопланового вокалиста, чем ранее, а с некоторых пор (2011 год, если точнее) ещё и одного из лучших барабанщиков всея металл-сцены, откатилась на позиции середины восьмидесятых, вернувшись в состояние преимущественно внутрибразильского музыкального феномена. Перевес португалоязычных комментариев под видео на ЮТьюбе тому надёжное доказательство - как и ничтожные цифры продаж релизов. Это цена смелости, цена, которую величайший металл-колосс Латинской Америки платит за замороченные концептуальные релизы и частые, плюс весьма радикальные, стилистические пертурбации. Даже подход к саунду нестабилен: для примера, чисто жанровый микс панка/трэша/грува "Dante XXI" кому-то может зайти куда успешнее, чем опирающийся на альтернативные рок- и металл-течения "Roorback", но как быть с тем, что сочный, отчетливый и объёмный микс последнего сменился сухим и весьма плоским звучком с "гаражными" барабанами?

А когда все звёзды сошлись на небе, и группа выдала альбом, который я свято чту в качестве лучшего, что Sepultura записала после 1993-го года, при наличии в портфолио крутых "Against", "Dante" и "Mediator...", мир закрылся на карантин. Это рок. Рок, рок, рооооооо... кгм, простите.

"Quadra" вертится вокруг достаточно мутного нумерологического аспекта, связанного с трактованием символического значения числа "четыре". Ну что ж, в Китае вы этот релиз не продадите - там из-за схожести произношения с китайским словом "смерть" — 死亡 (Sǐwáng) репутация у двойки в квадрате - хуже некуда. Ну а воплощение 4 в западной нумерологии - символ равновесия. Какого же равновесия Sepultura достигла в своей музыке?

Альбом разделён на четыре главы, по три композиции в каждой. "Isolation", "Means to an End" и "Last Time" - сочнейшие и убойные хитищи на стыке грува, трэша и дэта, со щепоткой ультрамодных, "размытых", слегка нестроящих, психоделичных гитарных пассажей. Киссер даёт рифф- и соло-мастер-классы, Дэррик Грин отлично орёт, местами переходя на полноценный гроулинг, в то, что творит с ритмом Элой Касагранде, мозг и вовсе верить отказывается. Трое седых мужиков (Дэррик лыс, но борода-то выдаёт!) и один тридцатилетний на-их-фоне-пацан рубят столь неистово, что я начал подозревать,
будто Бразилия что-то там придумала с омоложением при помощи стволовых клеток, но скрывает это от мира.

Следующие три песни заявлялись группой как отсылающие к знаковому "Roots", но вы им не верьте. (В конце концов, меньше всего в музыке разбираются именно те, кто её сочинил и сыграл.) На деле это "глава 1, послесловие." Больше грува, подключения трайбала, чуть более замороченные структуры песен. Это сравнительно слабейший раздел диска, но звучит достойно.

Три следующих трека - "осепультуренный" материал "Machine Messiah". Масса партий "посторонних" инструментов, почти прогрессивное по духу музицирование, но риффы, вокал и ритмика вполне аутентичны. Лучшая вещица здесь - инструментал, посвященный петаграмме.

Последний раздел, испорченный ненужной, и что самое смешное, ещё и заглавной песенкой-безделицей, идеологически продолжает третью главу, допуская ещё больше мелодических вольностей и позволяя Дэррику задействовать чистый вокал (а в "Fear, Pain, Chaos, Suffering" ему ещё и девушка из Far From Alaska отменно аккомпанирует). Сердца многих упёртых металхэдов здесь будут разбиты, ну а я накину альбому ещё полбалла за оправданную смелость.

Мне бы очень хотелось, чтобы этот релиз нашёл своих слушателей. "Quadra" - наглядный пример жизнеспособности и "вечнозелёности" давно списанного со счетов восьмидесятнического трэша. Живая, сочная музыка, которая должна пристыдить активно прячущуюся в дебрях электроники молодёжь. Уровень, который на данный момент стопроцентно выдерживают, видимо, только Testament - но я теперь никого не тороплюсь списывать со счетов; преподанный урок достаточно нагляднен.

Jotun   7 май 2020

Очередной отчет о работе по патологической анатомии и психиатрии от французских представителей альтернативной медицины с дэт-грайндовым уклоном. Несколько новых мамаш залюблено свои непутёвыми детишками, не менее сотни черепов брутально вскрыто, эпидемии тошнотворных болезней и пандемия деградации человеческого общества освещены под достойными углами, приятно знакомыми фанатам разнообразных слэшеров и постапокалиптического арта.

К сожалению, по уровню упоротой бодрости и парадоксальной хитовости материала "Obscene Repressed" несколько уступает тому же "Necrobreed". Чуть менее дифференцируемыми одна от другой стали композиции, отличающиеся нынче разве что отдельными штрихами, будь то акустическое интро и франкоязычная лирика в "Brutus", активный клавишный фон в духе поздних Cattle Decapitation в "Casual Piece of Meat" или мелодические изыски "Mom, I Love You the Wrong Way" (призрак дедушки Фрейда утёр эктоплазмическую слезу, вытекшую из глазницы). Переходы с риффа на рифф чуть более хаотичны, повысилось и количество бластодолбы во имя... во имя ничего, на самом деле. Быть может, чуть меньше сочности стало в слэмовых и грувовых кусках.

Благо, старичок Жюльен не теряет бодрости духа, вываливая вокальные партии за пятерых, от бодрого хардкорового крикуна, минуя скримера и пару - насколько это возможно - разноплановых рыкунов к истовому любителю жизнерадостных поросячьих визгов. "Ого, он даже под Джейми Джасту может косить", - подумал я, слушая "Implore the Negative". Но вот ничего подобного - в этой песне таки засветился сам Джейми, наверняка по количеству фитов вырвавшийся на уверенное первое место на хардкор- и металл-сценах что твой "Ливерпуль" в Английской премьер-лиге. Кстати, сама песня, на поверку, едва ли не наименее типичная для Benighted изо всей подборки - уж на больно серьёзных щах записана.

Кстати, на альбоме есть ещё парочка гостей чуть меньшей звёздности: Гримо из помешанных на чернобыльской тематике Cytotoxin да Карстен Ягер, вокалист Disbelief и - некогда - Morgoth, но эффект от их участия сравнительно ничтожный.

Итоговый вердикт - хорошо, но недостаточно хорошо. Наши герои удержались от падения в невнятную жанровую серость (привет, Aborted), но по собственным же меркам отметились далеко не самым сочным релизом. Даже после нескольких прослушиваний далеко не все местные композиции удержались в памяти - при том, что "Necrobreed" въедался в мозг с одного-двух раз. Ну и многовато стало абсолютно взаимозаменяемых кусков в разных треках...

Jotun   7 май 2020

Paysage d'Hiver - проект родом из Швейцарии, причём за него отвечает Wintherr, космонавт из экипажа имперского звездолёта Darkspace. Несмотря на то, что формально запущен ванменбэнд аж 23 года назад, это его первая полноценная полноформатная работа; доселе под этим лого выпускались исключительно демо-работы и сплиты с другими андеграундными блэкарями. Релиз "Im Wald" - вообще отдельная история. Он распространялся на эксклюзивных флэш-картах памяти исключительно среди участников закрытого фейсбук-ивента, состоявшегося 25 января сего года. Так что приобрести его в любом случае будет максимально непросто - тот случай, когда даже отличный альбом не стыдно просто скачать с торрентов.

Стилистически "Im Wald" - это двухчасовой монолит на стыке атмосферного блэка, эмбиента и "полевых" - точнее, в данном случае, "лесных" - записей. Песни спокойно растягиваются до двадцатиминутного хронометража, риффов на каждую выделяется не больше пары штук, плачуще-кричащий вокал порою едва различим в общем потоке. Это красивая, местами и откровенно жуткая вместе с тем, музыка, причём подчеркнуто монотонная. Создано исключительно для погружения с головой: фоном не пойдёт - заболит голова, банальное проматывание-перещёлкивание треков не даст материалу времени для того, чтобы вас зацепить. Впрочем, тех, кого не "накроет" даже при внимательном ознакомлении, могу успокоить тем, что, во всяком случае, ничего революционного и новаторского они не упустят. Дебютник Paysage d'Hiver - прилежное повторение написанного ранее столпами от Burzum до собственно Darkspace.

Хотя в зимний лес мне теперь идти было бы страшновато - уже хотя бы поэтому 7,5 из 10 релиз заслужил.

Jotun   6 май 2020

Слушать недавний альбом Nightwish - это как смотреть бои Хабиба Нурмагомедова в UFC. Технически - ну, или исполнительски, если хотите - практически не придраться, но до чего же скучно! Правда, бои Хабиба не длятся 80 минут. И он, до полусмерти заборов противника и закатав его в канвас, ещё может выдать экшен с выпрыгиванием из октагона и выяснением отношений с недругами. Главный экшен-момент "Human. :||: Nature." - опасность вывихнуть челюсть, зевая во время прослушивания очередной из малоотличимых глав "All the Works of Nature...".

"Satisfaction is the Death of Desire" - так назывался дебютник спортсменов из Hatebreed, по иронии, вышедший в том же году, что и "Angels Fall First". А ещё в бородатых восьмидесятых Twisted Sister заклинали: "Stay hungry!". Вряд ли нынешний Туомас Холопайнен остаётся голодным - в творческом плане - и очень может статься, что свои основные музыкальные желания он уже удовлетворил. Спокойная семейная жизнь, идеальная обстановка в группе, где подобран состав из пяти изумительных соисполнителей без особых творческих амбиций (те, что и были, реализованы в сольных проектах, запущенных после завершения тура "Endless Forms Most Beautiful"). Возможность выбора сразу из трёх разноплановых вокалистов - а ведь большинство групп и одним-то хорошо поющим человеком похвастать не могут. Ни одного свежего опасного конкурента среди female fronted metal-групп (теоретически разве только союз Анетт Ользон и Яни Лииматайнена в The Dark Element, да и тот под вопросом из-за перманентной занятости финна теперь ещё и в составе Insomnium). Потому и в лирике нынче никаких личных конфликтов и эмоциональных потрясений - сплошь нравоучительные рассуждения о природе человечества и человеческого искусства, а также пасторальные пейзажи, воплощённые в нотной форме.

Оттого и музыка уж слишком плоская, нединамичная, бесконфликтная, что даже для мейнстримного металла подобно катастрофе. Причем природа динамики и конфликта необязательно должна выражаться в кастрюльных барабанах и громыхающих гитарах; для сравнения, в недавнем полном метре от Rammstein даже попсовая "Auslander" по энергетике уделает любую здешнюю песню, кроме "Tribal" и "Pan". А ведь "Human. :||: Nature." - это вам не дум-металл, прямо скажем; собственно, наиболее близкая к оному жанру "Endlessness" прямо демонстрирует, почему Nightwish туда заказано соваться: ни мощи условных Saint Vitus, ни атмосферности The 3rd and the Mortal у них сейчас нет. На смену мириадам эмоций, что могла вызвать пронзительная баллада уровня "Angels Fall First", "Dead Boy's Poem", "Eva"... "Our Decades at the Sun", в конце концов, пришли ровно столь же удалённые от тяжелой музыки, но совершенно плоские, ведущие из ниоткуда в никуда "How's the Heart" и "Procession". "Music" с её бесконечными интро всё же приходит к интересным мелодическим решениям... чтобы сразу же оборваться на самом любопытном месте, отдав половину хронометража на откровенную нудятину и обламывающий ожидания трайбал-отрезок. "Shoemaker", простенькую, милую вещицу о легендарном геологе и астрономе, спасает фантастический финал, явно подслушанный в "лакримозе" из "Древа жизни", в свою очередь, подслушанной в "Реквиеме" Берлиоза.

И ведь досадно, что с формальной точки зрения Nightwish действительно постарались сделать нечто новое и свежее для себя, экспериментируя и с песенной структурой, и с аранжировками (минимум симфонических партий на первом диске), и с вокальными партиями. Но само по себе это ничего не даст. Песня без припева как такового может быть как убойным хитом ("Tribal"), так и никчёмным филлером (всё та же "Procession"). В противовес, наиболее вторичная здесь, абсолютно беззастенчиво дерущая у "Storytime" и "Endless Forms Most Beautiful" (которая сама по себе тоже передирала у "Storytime", в свою очередь вдохновлённой "Bye Bye, Beautiful", на которую повлияла ещё "I Wish I Had an Angel") композиция "Noise" на поверку оказывается едва ли не самым запоминающимся, цепким и ярким номером в подборке.

Да-да, я уже слышу это ваше "Nightwish отошли от симфонического металла". Отошли в причудливую сторону, я вам скажу. Существенно урезали и металл, и симфонику, ничего практически не дав взамен (заметные ошмётки фолка и нью-эйджа в музыке группы присутствуют аж с самого первого демо, когда ещё даже о гитарном дисторшене речи не было, просто впоследствии длительное время на записях они ретушировались). Симфонический рок и уж тем более classical crossover работают совсем по-другому - спросите у Сары Брайтман хотя бы.

Диск номер один - это, если честно, не провал в полном (переносном) смысле слова, особенно благодаря очаровательной философской "Harvest", с изумительной мелодикой и идеально подобранными вокальными партиями Троя Донокли, сумасбродной "Pan" и ещё более сумасшедшей "Tribal". Но порой ловишь себя на мысли, что интереснее смотреть, как краска сохнет на заборе, чем как все эти ровные нотки укладываются в заготовленные пазы.

О втором же диске, оркестровом саундтреке к несуществующему фильму или же идиллической фэнтезийной RPG, я и говорить не хочу. Это не то что не Говард Шор - это даже не Nox Arcana. Цитируя самого себя, даже мой друг (находится на soundcloud по запросу "Broojacker") пишет треки для игр преизрядно круче Холопайнена, а ведь при этом последний мечтает о сотрудничестве с Бесездой. Иронично.

Jotun   6 май 2020

Творчество французского проекта Igorrr в целом - это как если бы альбому "Disco Volante" от Mr. Bungle кто-нибудь взялся прочитать курс лекций по этике и гуманизму. В смысле, от стилистической мешанины и непредсказуемых поворотов сюжета в рамках отдельной композиции ровно так же едёт крыша. Но едет, знаете ли, по-доброму, обходительно, со вменяемой скоростью. Готье Серре нужны живые слушатели. Не совсем психически здоровые, но хотя бы сохранившие подвижность и эмоциональную восприимчивость.

Конкретно "Savage Sinusoid" важен исторически тем, что здесь Igorrr впервые доукомплектовался до формата полноценной музыкальной группы с самостоятельными вокалистом, гитаристом и ударником. Вообще, надерганных из многочисленных интернет-библиотек сэмплов здесь по минимуму. "Живые" саксофон, аккордеон, испанская гитара; честный оперный женский вокал, отдельный специалист для "восьмибитных" вставок. Петушиные крики - и те с натуры! И если Готье покажется, что лучшие ударные инструменты получаются из старых газовых баллонов - он пойдёт и вырежет их из, кхм, натурального сырья. Олдовые краутрокеры, узрев такой подход, наверняка утёрли бы украдкой ностальгическую слезу. Вообще, видео Igorrr из серии "making of" - отдельный вид искусства (легко находимый на YouTube, хвала богам).

Идеальной композицией для погружения в "Savage Sinusoid" я бы назвал "Houmous". Солнечная и тёплая песня, в которой темпераментная, сексуальная мелодия льётся под вопли явно истязаемого; возможно, даже страдающего в аду человека. Улетный и угарный хитяра, при создании которого были использованы элементы брейккора, блэк-металла, шансона, джаз-фьюжена, еврейской народной музыки, оперы, 8-bit... и живая курица. Это даже скучно, в определённой степени: в других композициях можно и хип-хоп биты услышать, и металкор, и транс, и электро-хардкор, и хардкор-панк, и бог весть что ещё. В общем, вопрос не в том, в каком стиле играет Готье, а в каком стиле он НЕ играет. Улётное чувство юмора и не до конца отказавшее чувство меры помогают этому материалу найти отклик в сердцах даже тех слушателей, что не помешались на всяком там авангарде. Что уж говорить о ценителях отборной эклектики.

Не знаю, отпугнёт ли кого-нибудь преимущественно франкоязычная лирика... Правда в том, что при здешней манере исполнения ценность самих по себе текстов всё равно стремится к нулю. Вокалист страдает, мы смеёмся - всё по канонам классической комедии!

Вопрос о том, можно ли считать "Savage Sinusoid" наркотическим средством, предлагаю считать открытым. Отдельные индивидуумы утверждали, что эффект от многократного прослушивания сравним с приходом от употребления salvia divinorum, при том что в плане доступности и цены этот релиз уделает даже чертов мускатный орех. Надеюсь, куратор из Госнарконтроля не читает эти строки...

Кстати, следующий (и совсем свежий) альбом Igorrr оказался даже ещё разнообразнее, мощнее и задорнее, но о нем поговорим в следующий раз.

Jotun   6 май 2020

Rotting Christ категорически не хватает грамотного пиарщика. Прямо-таки адски недостает. Именно в нашу эпоху всепобеждающего экоактивизма греческий дарк-блэк-металл акт должен продвигаться в качестве самой экологически чистой музыкальной группы в мире, абсолютно безвредной для окружающей среды. Остальные - позёры. Cattle Decapitation, переключившиеся с animal rights-вакханалии на климатические проблемы, вопросы научной этики и коллективной безответственности человечества в отношении воздействия на окружающую среду. Nightwish, нравоучительно вещающие об излишней увлеченности социума технологиями, отрывающими человека от восхитительной первозданной природы и ей же вредящими. Даже Coldplay, отменившие (точнее, отложившие) тур в поддержку своего свежего альбома из опасений навредить биосфере и атмосфере. Но! Разве хоть кто-нибудь из этих показушников может похвастать полностью безотходным производством? Вот прям так, чтобы ни единый рифф, мелодия, соляк... ни одна чертова нота не выбрасывалась на свалку, а пускалась в повторную переработку? Я в принципе сомневаюсь, что за три года, разделившие "Ритуалы" и "Еретиков", RC хоть что-нибудь сочинили, извлекли какую-либо свежую идею. Разве что в текстах.

Ну да вы видели эти тексты? На просторах Интернета предлагают игру "бухаем с Rotting Christ". Каждый раз, когда Сакис Толис берет рифму из следующих слов - fire, pyre, empire, desire, messiah - предлагается хлопнуть рюмашку. Самые слабые свалятся под стол ещё на "Ветрах злых", могучие пропойцы, теоретически, дойдут почти до конца, но, боюсь, первый куплет "The Raven" доконает и их. Спасибо хоть Эдгар Аллан По с этим самым "вороном" помог. А так-то у Толиса даже словарный запас для выбора названий песен уже на исходе.

Впрочем, на относительную свежесть претендуют явно подслушанные у польских "батюшек" церковные хоралы. Правда, у тех литургические запевы были элегантно инегрированы в полотно композиций, порою играя роль, схожую с приставучим припевом в поп-хите. Здесь же... ну, они просто есть, и благодаря им становится труднее отличать местные песни одну от другой.

Кстати, альбом заявлялся в качестве концептуального - и не по поводу блевотных рифм, если что. В деле раскрытия концепции "Heretics" Толис категорически облажался - и, видимо, не один я ничего не понял в этом сумбуре. Так что по буклету лихорадочно растыканы вольнодумческие, скептические, антиклерикальные и антирелигиозные цитаты Достоевского, Шекспира, Вольтера, Марка Твена и других авторов. Твен, кстати, не то что Бога - реальность того же Шекспира подвергал сомнению, называя гениальнейшим из никогда не существовавших людей. Исходя из этого, на месте Иисуса Иегововича Христа я бы не обижался на эту концептуальную подборочку.

Что до музыки... Право слово, я терпел. Терпел мучительных семь песен, пока "The Voice of the Universe" не вторглась в мои нежные ушки риффом из шестилетней давности "Ахура Мазды". Не "похожим". Не "идентичным" даже. Это банально тот же рифф. Наверное, такова концепция, да. Регионально-тематически ведь всё схоже, правда? Персы, арабы, зороастрийцы, мусульмане - ну кто их отличит?

А подавать "Devadevam", которая по сути и так была вариацией на тему интерлюдии к "In Yumen - Xibalba", под видом абсолютно новой песни "Hallowed Be Thy Name" - тоже концепция? Тогда я концептуально пойду лучше переслушаю "Grandis Spritus Diavolos” вместо паразитирующей на её идеях "Fire, God and Fear".

Впрочем, я ведь уже сам всё объяснил. Безотходное производство. Повторное многократное использование. Грета Тунберг кричит в экстазе и просится на бэк-вокал вместо умницы Ирины Зыбиной, вдохнувшей жизнь в главный здешний "хит" (вторая позиция в трек-листе). Другие группы подслушивают что-то у самих себя же, ну а Rotting Christ просто используют команды copy/paste.

Кроме умопомрачительной вторичности-третичности-четвертичности материала и саунда, "The Heretics" бесит абсолютной ровностью и плоскостью, как динамической, так и эмоциональной. Билд-апы и кульминации? Нет, не слышали. Идеально игравшая с нарастающей/спадающей интенсивностью недавняя "Elthe Kyrie" уже кажется неким мифическим даром из эпохи богов и героев.

Забавная штука. В отрыве от общего контекста этот материал всё равно неплох. Как-никак, многие ходы обкатаны уже десятилетиями, что уж говорить о прямых заимствованиях. Но вот собственно творческое начало здесь мизерное. Соразмерна ему и моя оценка

Jotun   5 май 2020

Не за горами 12 мая. А это значит, что самое время вспомнить о том, как 53 года назад в тот ничем не примечательный день в английской столице в продаже появилась новая пластинка с никому неизвестными лицами на обложке. И вряд ли кто из покупателей мог тогда предположить, что он приобретает альбом, которому будет суждено в какой-то степени стать революционным, навсегда изменившим природу рок-музыки.

Здесь сразу стоит уточнить, что та пластинка была с другой обложкой, не с той, что мы видим сейчас перед собой. Та была в чёрно-бело-зелёных тонах и с другим рисунком, хотя и с тем же самым названием.

1967 год выдался годом особым. Помимо Джими Хендрикса, дебютными альбомами тогда отметились Grateful Dead, The Doors, Pink Floyd, Procol Harum, Velvet Underground... Определившие музыкальную стратегию ближайших лет "битловский" "Sgt. Pepper's..." и "роллинговский" "Their Satanic Majesties...", а ещё "Something Else..." у The Kinks вышли всё в том же 67-м году. Тогда же образовались The Nice, Genesis, T. Rex, Fleetwood Mac, King Crimson...

За пару лет до этого, у себя на родине в Штатах, 22-летний темнокожий гитарист Джими Хендрикс из кожи лез, чтобы как-то заработать себе на жизнь - снимался в массовках в кино и играл на ритм-гитаре всюду, куда приглашали. В 1965-м его позвали к себе братья Айли и он это приглашение принял, хотя это было определённо не то предложение, от которого не отказываются. Затем какое-то время он состоял в группе своего кумира Литтл Ричарда, гастролировал с Айком и Тиной Тёрнер и, в конце концов, прибился к бэнду Кёртиса Найта, одного из проводников северо-американского ритм-энд-блюза. Вот здесь Джими в полной мере познал казуистику договорных отношений и издержки работы на доверии.

Именно тогда его, обозлённым на весь мир, и привлекли к себе Майкл Джеффри (Michael Jeffry), экс-менеджер английской группы The Animals, и Чез Чендлер (Chas Chandler), недавно покинувший эту же команду бас-гитарист, намеревавшийся сменить амплуа музыканта на продюсера.

Это Чендлер увлёк Хендрикса идеей сделать "предельно жёсткую" версию всё ещё популярной в Америке песни "Hey Joe" известного музыканта и композитора Билли Робертса.

В сентябре 1966 г. Дж. Хендрикс и его новые менеджеры перебрались из Америки в английскую столицу. Единственным приятным воспоминанием о родине, по признанию самого Джими, было знакомство с Фрэнком Заппой. Тот был едва ли ни первым, кто разглядел в этом неопрятном афро-американце невероятный потенциал и в знак признательности презентовал будущей рок-звезде "квакер" (или вау-вау-бокс), только начавшее применяться приспособление для модуляции звука и голоса.

Без промедлений Ч. Чендлер устроил просмотр музыкантов в будущую группу. Ноэл Реддинг (Noel Redding) был принят басистом, хотя по факту являлся достаточно своеобразным гитаристом и бас-гитару в руках никогда не держал. Последними группами, в которых Ноэл участвовал, были The Burnettes и The Loving Kind. То, что этот парень чертами лица весьма заметно смахивал на Боба Дилана, пожалуй, и определило выбор Хендрикса главным образом. Из множества кандидатов-барабанщиков Джими выбрал Митча Митчелла (Mitch Mitchell), до этого поигравшего в нескольких разномастных коллективах (последний из них The Blue Flame пианиста Джорджа Фэйма) и имевшего солидный опыт сейшнмена. Об уникальной технике владения гитарой, мастерстве и несомненном таланте самого Дж. Хендрикса всё давно уже сказано, однако не отдать должное Хендриксу-композитору и одному из основоположников психоделического хард-рока никак невозможно. "Сан-францисский саунд" - этот термин возник и закрепился с выходом дебютного альбома трио Джими.

Студийная работа над LP "Are You Experienced" растянулась более, чем на пять месяцев - с октября 1966-го до апреля 1967 года, и состояла из 16 (!) коротких сессий в трёх лондонских студиях. Поначалу, впрочем, была неудачная попытка заключить контракт с Decca Records, одной из ведущих на британских о-вах компаний того времени, но с Track Records менеджменту Хендрикса удалось найти взаимопонимание.

Предваряли большой диск, однако, три сингла-разведчика: "Hey Joe" / "Stone Free" (декабрь 1966 г.); "Purple Haze" / "51 Anniversary" (март 1967 г.); "The Wind Cries Mary" / "Highway Chile" (май 1967 г.). Все они пробивались в Top 10 британских рейтингов, но, как это было принято в те годы в консервативной Англии, в программу дебютного альбома они не были включены.

Другое дело в США, где пластинку издали на Reprise Rec. только в конце августа 67-го с существенно изменённым трек-листом. И это тоже было делом обычным - американцы прежде всего ориентировались на своего потребителя. Но что примечательно, именно в Великобритании альбом поначалу произвёл больший фурор (33 недели в чартах и 2-е наивысшее место сразу после "Sgt. Pepper's..." The Beatles). В Штатах "Are You Experienced" согласно рейтингам Billboard Top 200 не поднимался выше 5 места, в списках Top 40 продержался 27 недель, а в Top 200 целых 106 (!) недель, то есть целых два года.

В почётном пантеоне журнала "Rolling Stone" "500 величайших альбомов всех времён" эта дебютная работа Джими Хендрикса и его группы на сегодняшний день занимает 15 место (сразу следом за "Abbey Road" The Beatles). Там же, кстати говоря, и два других студийных LP, что успели записать и распространить The Jimi Hendrix Experience при жизни своего лидера. Второй их диск "Axis: Bold As Love" (1967 г.) расположился на 33 позиции, а последний "Electric Ladyland" (1968 г.) - на 55-й.

Я осознанно не намерен касаться непосредственно музыки этой знаменательной пластинки, потому как: а) считаю, что не вправе рассуждать и, возможно, у кого-то формировать искажённое представление о музыке, поклонником которой сам не являюсь. И б) если перефразировать одно известное выражение - лучше самому один раз услышать, чем много раз об этом прочитать.

И даже принимая в расчёт, что для подавляющего большинства нынешних почитателей суровой тяжёлой музыки это даже не олдскульная история, а нечто запредельное, из другой эпохи, пройти, образно говоря, мимо и не вспомнить об этом значимом событии, столь радикально повлиявшем на дальнейший ход развития рок-музыкального движения и мировой музыкальной культуры, было бы неправильно.
Ведь если не сейчас, то когда ещё?...

МихаилБогданов   4 май 2020

Первый альбом Second To Sun является самым странным во всей дискографии группы, не имеющий практически ничего общего с ее последующим творчеством. Если взять для сравнения любой более поздний альбом Second To Sun, то создается впечатление, что “Gal Agnostiske Drømmer” записан совершенно другой группой. Хотя отчасти именно так и было. На тот момент еще не сложился рабочий дуэт, который впоследствии и определил звучание проекта.

На этом же альбоме мы слышим сырой, местами сбивчивый блэк с горохом бласт-битов. По звуку запись скорее напоминает демо, чем полноценный альбом. Все штампы тру-блэка словно намеренно выпячиваются: это и пропесоченные, скребущие, словно «перегретые» гитары, плоский и шершавый звук, скрипящий скрим (!). На этом альбоме Second To Sun еще не был инструментальным проектом. О чем тексты понять сложно, так как написаны они на вымышленном языке – смеси норвежского, исландского и финского. Однако если верить группе, то концепция весьма эксцентричная и граничит с абсурдом. Сатана здесь выступает коммивояжером, который побирается на других планетах, чтобы прокормить своих последователей. Одна половина человечества порабощена инопланетянами для строительства пирамид, а другая половина поклоняется оборотню Фенриру, вылизывающему свою задницу с членом. Короче, полный хаос. Так что даже и не ясно, всё это всерьез или музыканты просто прикалываются над слушателем. Подобный гротеск я встречал лишь у Samsas Traum.

Возвращаясь к музыке, в целом “Gal Agnostiske Drømmer” представляет из себя вполне традиционный среднестатистический блэк, временами напоминающий старых Immortal, но без откровений. Вроде бы и есть интересные моменты, но их недостаточно, или же им не хватает развития и большей выразительности. Так что, несмотря на небольшую продолжительность, альбом трудновато дослушать до конца. Удивительно, что самый годный трек оказался упрятан в самый конец альбома, и то в качестве бонуса. “Jomfru Maria fodte Dr. House etter dodsfallet av serien” – это ад и сотона! Психопатический, гротескный блэк, который в занимательной форме как нельзя лучше отражает всё вышеперечисленное безумие. В общем, с оглядкой на последующее, зачастую новаторское творчество Second To Sun, данный альбом оставляет крайне противоречивое впечатление. Спишем его на эксцентризм авторов.

Alias   4 май 2020

Хороший готик-рок – далеко не редкость: группы, играющие в этом жанре, верны традициям 80-х, отчего звучат в меру сдержанно, но очень эмоционально. The Guests – отечественный проект, славящийся олдскульным звучанием в духе Joy Division и Sisters Of Mercy, добавляя к этому немного пост-панковских ноток. Сингл ‘Fever’ благодаря этому приобрел удивительную винтажность – не хватает только магнитофонных шумов на фоне, чтобы обмануться окончательно: это не современное поделие от групп типа The 69 Eyes, а утерянная запись каких-нибудь культовых классиков готик-рока!

Нашлось место и чисто готическому лоску, и легкой вампирской меланхолии – теперь даже скептики смогут признать, что готика живее всех живых, а пылью покрылась – так это специально, для антуража.

Будем ожидать от The Guests в скором времени и полноформатника – очень уж хороша получилась “перебивка” в виде ‘Fever’ с ее недосказанностью и обещанием скорейшего продолжения темного празднества.

Aleksei Rokk  30 апр 2020

Я долгое время не подозревал, что к одному из самых удачных альбомов авангардного блэк-метала, наиболее точно и крепко мешающего черный метал и джаз (речь об "Albino de Congo"), Lugubrum подошли с самым мощным составом и могучими идеями. На самом-то деле "De ware hond" наилучшим образом делает то, что гораздо робче выходит у релизов поздней реинкарнации группы – Lugubrum trio. Рецепт прост: дохрена музыкантов, длинные (не искусственно) трэки, свободно-текучий импровизационный подход и обязательно Бардитус на основном вокале. На выходе глубоко своеобразный камерный альбом, уютный как попойка у друга на даче, как и положено, с перегибами и несуразностями, но богатый музыкально как никакое другое андерграундное творение. Интересно, что "движения" диска в кол-ве 4-х записаны напополам сначала на цифровом оборудовании, а затем аналоговом. Записано всё, конечно, живьем и без склеек, а то какой смысл? На сладкое приготовлены некоторые лейтмотивы, вариации одного гитарного риффа во 2-м и 3-м трэках, мотивы мелодики в 3-м и 4-м номерах.

"De ware hond" – даже не перформансы, а хэппенинги, словно ожившая в современности идея хиппи-сквота, основанного по обыкновению на культе пива. Музыку, грубо говоря, можно разделить на экспериментальный психодел и нетривиальный, начиненный блюзовыми влияниями, блэк-метал. Главное, что всё это чрезвычайно лампово, мало на что похоже в совокупности, и с длительным послевкусием. Блэк-метал-коллектив, едва ли в шутку принявший на себя личину джаз-бэнда. Группа на данную дату – аж дважды трио, сектет! Обогащающий звучание 2-ой гитарист, недолго прощипавший толстые струны рельефно звучащий Master Stain и альт-саксофонист Bhodidharma интенсифицируют креативный жар группы. Вклад каждого полноценен, это уже не блэк-метал с экзотикой, это экзотический блэк-метал. Бардитус в самом маргинальном зените, выворачивает себя наизнанку, порою доходит до китчевого чуть ли не мяукания. Ритм-секция на альбоме ослепительна, бас эффективно заполняет пустоты рефлексии, ударные сильны органическим грувом под 70-е, лапидарной джентльменской поступью, дают большой простор блюзующим гитарам музицированию и фри-джазу.

Посредством таинственных мелодики, фаталистического органа, перкуссии и саксофона группа творит совсем оторванный дикий фьюжен для блэка, вполне себе отражающий, однако, гнетущую сельскую меланхолию, но и он усмиряется более форматным для группы металом, фирменно неряшливо-технарским. Насколько бельгийцы того хотят. Впрочем, и под бластбит они ухищряются делать не по-черному психоделичный флоу ("Movement II: The Dog in the Doorway").

На диске 2008 года было найдено решение наиболее взаимовыгодного существования блэка и сторонних примесей, но нам полезен и этот любопытный этап на пути, с перегибами и чрезмерным уходом на панель экспериментов. Движение диска – от одного "дома" к "другому", от уютного черного изоляционизма к концепции извечного звучания "когда хорошему человеку плохо".

Итак, очередной таинственный опус бельгийских чудаков на вновь мутную тему (что-то о собаке в разных ракурсах) порадует нас ламповой формой, экстравагантными выходками, хрупкой, но вдохновенной гармонией, создающейся деталями, частицами, коллективным творческим экстазом. Пик раскрепощения блэк-метала и одновременно свободы от блэк-метала.

Blackknot  27 апр 2020

Negative Plane – это группа, заинтересованная в музыке, не в засвечивании своих личностей как творцов, не в формальной стороне своего существования как группы, поэтому всё, что важно для них, отражается именно в музыке. Наверное, поэтому релизов за их почти 20-летнюю историю не столь много, всё тщательно оценивается, взвешивается, прежде чем альбом увидит свет.

Negative Plane – это античный мрак, монументальность, надежные бесхитростные мелодии с правом затрагивать космические сферы, то бишь не только очаровывать тьмой, но и расширять границы сознания. Рецептуры старинные, проверенные временем и могут гарантировать статус современной классики в умелых руках. Некоторые считают, что они приблэкованный хэви, смысл есть. В любом случае чувствуется строгое присутствие 80-х в былинно-эпическом протоблэковом движении, всплывают трэшевые запилы, повсеместны крепкие, полнокровные и незатасканные мелодии родом из NWOBHM, засасывающая гитарная психоделия и вкрапления органа.

Американцы свежи черпанием вдохновения из самих истоков тяжмета, полноценным интегрированием в творческий процесс артефактов старины, со знанием дела перемежают рудименты пыльного и вычурного олдскула с блэковыми приемами 2-й и позднее волны. Запись грязна и нафталинова. От этого в ней еще проще спрятать разнообразную структуру, оккультный калейдоскоп от 70-х до наших дней, от дум-рока 70-х через хэви-метал и трэш-блэк к блэку сегодняшнему. Нафталиново-хорроровая хэви-перебивка в середине "A Chuch in Ruin" – кульминация самодостаточной старомодности и отхода от трендов.

В качестве вокала победоносные оклики а-ля Томас Фишер, затем глубокие заливистые соло, срывающиеся в безумные легато, теплый драмминг с выпуклой медью. Невзирая на атмосферные и церемониальные увертюры к трэкам и наличие интерлюдий в самих композициях, Negative Plane не собираются погружать слушателя в транс, считают, что метал должен быть металом, значит качать, мол это вам не опера. Балладное начало единственно было намечено в "Unhallowed Ground", там уже начал проглядывать готик-рок, но американцы позволили себе тремоловые прострелы и подобные им всплески энергии...

Что по факту. Дуэт слов на ветер не бросает, всё у них функционально, художественно правдоподобно. Блэковые куски отлично роднятся с хэви-закидонами, создают цельный непротиворечивый продукт, альбом плотно напичкан идеями и густой винтажной атмосферой не до точки пресыщения и безвкусицы, но разумно и гармонично. Никогда современный блэк-метал не звучал так, как взаправдашние хэммеровские ужасы, подстегнутые некоторыми ритмами и вайбами современности.

Blackknot  27 апр 2020

"Не плыви по течению. Не плыви против течения. Плыви туда, куда тебе нужно".

Маловероятно, что музыкантам группы Foghat было знакомо это изречение, которое приписывается Козьме Пруткову, что не факт. И что-то мне подсказывает, что кто таков Козьма Прутков им тоже не было известно. Однако, все действия этого уже почти не английского, но ещё и не американского квартета на старте своей достаточно бурной творческой деятельности удивительным образом соответствовали этому пожеланию. К 1973 году в активе группы была одна-единственная пластинка, а сами музыканты должным образом оценивали свои способности и даже не помышляли тягаться с сильными того музыкального мира, частью которого они меж тем уже являлись. Foghat самозабвенно играли свой отвязный рок-н-ролл, ту музыку, которая была им близка и укладывалась в рамки их жизненной философии.

В том году Foghat ещё не являлись королями рок-н-ролла (столь пафосный титул они обретут года через два-три), однако своим вторым альбомом парни сделали уверенный шаг в этом направлении.

Забегая вперёд подчеркну, что этим LP группа выверила свой дальнейший курс и согласно ему отправилась в долгое плавание по бурному рок-музыкальному пространству, уверенно лавируя в этой неспокойной стихии до самого конца 70-х годов.

Строго говоря, та музыка, что ими записана на пластинке 1973 года, не совсем рок-н-ролл в его привычном понимании. Тем более она далека от наивных канонических образцов времён Билла Хейли, Рэя Чарльза и Бадди Холли. Это скорее жёсткий гитарный рок-буги в разных вариациях, есть, впрочем, в программе альбома несколько номеров, что к заданной теме имеют ещё более отдалённое отношение. И всё же вторая пластинка гр. Foghat обрела обобщающее лаконичное название "Rock' n' Roll", под которым с тех давних пор и значится в её официальной дискографии.

Кстати, о названии. Вероятно у кого-то возникали вопросы по оформлению лицевой стороны конверта, где действительно мало что показано. Кроме скромного названия самой группы на картинке изображены камень и не слишком свежая на вид плюшка. И никакого прямого названия самой пластинки. В этом, впрочем, нет ничего необычного. Подобного рода фокусы со своими альбомами проделывали многие как знаменитые, так и не самые известные исполнители. В данном случае всё достаточно очевидно. Именно в этом несложном ребусе от издательской компании Bearsville Rec. и зашифровано название LP. И для англоязычных приобретателей этой пластинки здесь вовсе не было никаких загадок. Камень - это своего рода осколок скалы (rock), а плюшка (или булка), она, собственно, и есть булка (roll). Не хватает связующего звена, но и без него всё понятно.

И если, отталкиваясь от названия, рассуждать о рок-н-ролле, как об исполняемой гр. Foghat музыке, то стоит заметить, что подобная их манера исполнения была свойственна очень немногим, хотя в первой половине 70-х рок-н-ролл играли или пытались это делать едва ли ни все.

У Foghat рок-н-ролл крепок, породист и дерзок. Это уже не аутентично-бунтарские поделки ранних Troggs или The Rolling Stones, не нарочито жизнерадостные номера Little Richard или The Beatles из 60-х годов. И уж тем более не отполированный утончённый рок-н-ролл середины и второй половины 70-х от, скажем, Rainbow или Ted Nugent. Здесь, пожалуй, следует пояснить, что уже к середине тех самых 70-х само понятие rock' n' roll начало утрачивать свою изначальную сущность. К рок-н-роллу, как к обобщающему термину, начали причислять всякую музыку, в основе которой в какой-либо степени содержался рок-н-ролл, или, проще говоря, рок. В том числе и хард-рок и даже хард-энд-хэви. А исполнителей рок-н-ролла в его исконном виде остались считанные единицы. Foghat со свойственными лишь им приёмами исполнения были одними из последних.

Ту музыку, что мы привычно называем рок-н-роллом, эта группа нарастила мускулатурой, вдохнула в неё суровой уверенности и стойкой жизненной силы. Возможно, композициям этого их альбома не хватает изобретательных аранжировок и поэтического разнообразия, да и приёмы исполнения в целом типовые для большинства номеров, будь то буги, будь то блюз. Однако, в этой кажущейся простоте кроется некая необъяснимая притягательность и особое своеобразие.

Начали они с козырей - "Ride, Ride, Ride". Мощный, напористый буги-рок с обильным гитарным наполнением, с ведущей слайд-гитарой Рода Прайса и неистовым женским бэк-вокалом. Что касается текста, то первым делом сама собой напрашивается аналогия с "Машиной времени", только вместо коней у Foghat поезда.

В "Feel So Bad" квартет чуть сбавляет обороты, чтобы не пресытить слушателя раньше времени. Это единственный в программе кавер на старый шлягер 1954 года американского блюзмена Чака Уиллиса. В начале 60-х эта песня входила в репертуар Элвиса Пресли, а в 1971-м суровые рокеры из Cactus переиграли "Feel So Bad" на свой манер и включили эту композицию в сильнейший свой альбом "One Way ... Or Another". Foghat сделали свою интерпретацию этого известного в Америке хита с банальным, прямо скажем, содержанием текста. Достаточно жёсткое блюзовое рок/буги-звучание и, пожалуй, излишне бодрый вокал Дэйва Певеретта, не в тему для столь печальной истории парня, потерявшего свою малышку. Стоит отметить фрагмент с тремя одновременно звучащими гитарными соло.

Для компоновки программы музыканты и продюсер Tom Dawes применили самый оптимальный из вариантов - попеременное чередование динамичных и относительно спокойных номеров.

"Long Way To Go" один из таких динамичных. Очередная горячая буги-рок композиция, вновь много гитарного звучания, но на сей раз без любимой Р. Прайсом слайд-гитары. Тексты же, замечу, приобретают всё более грустный оттенок. На этот раз тоскливая исповедь путника, прошагавшего по многим пыльным дорогам, которым не видно конца...

Блюзовая баллада "It's Too Late" с едва уловимым "битловским" мотивом - самая продолжительная песня в программе, где много чего намешано, но более всего впечатляет концовка, где Р. Прайс от души разряжается мощнейшей сольной партией двумя параллельными гитарами. Длинный, но малоинформативный текст - очередная личная трагедия человека потерявшего свою любовь, о чём непросто, впрочем, догадаться, если не знать содержание текста, а принимать во внимание лишь интонации Д. Певеретта.

Ритм-блюзовая "What A Shame" - авторская работа Рода Прайса с жёсткими, но узнаваемыми стилистическими штрихами "роллингов", да ещё и усиленными духовой секцией, до предела насытившей саунд этого номера. "Какой позор! Синяя птица покинула Город Ветров". Эта фраза рефреном наполнила текст, в котором сложно отыскать какую-либо конкретику. Зато невероятно хороша сольная гитарная партия Прайса. Да и могло ли быть иначе.

Образец группового творческого подхода - "Helping Hand". Ещё одна ритм-блюзовая тема с активной слайд-гитарой и дружной концовкой с акцентированной ритм-секцией. "Мне нужна рука помощи!" Вновь герой песни умоляет спасти его от одиночества.

Разухабистая композиция "Road Fever" в доминирующем для этого альбома формате буги-рок уравновешивает программу, делая её расчётливо-сбалансированной и привлекательной. И вновь целая россыпь гитарных партий с ведущей слайд-гитарой, духовая секция ощутимо добавляет креатива. Это гимн вечных скитальцев: "Я снова на дороге и не собираюсь останавливаться. Буду гонять, пока не состарюсь. Буду раскачиваться, пока не упаду..."

Самая "незаметная", пожалуй, вещь в программе - "She's Gone", притаилась в концовке пластинки. Любопытно содержание этой песни: "Она забрала все мои деньги, она не оставила мне даже цента. У меня одна задача - быть всегда при деньгах, чтобы она не уходила. Но она ушла, она ушла..." Ещё одна жизненная трагедия, озвученная Дэйвом Певереттом под ритм-блюзовый "роллинговский" мотив.

А уже в самом конце короткая блюзовая фантазия "Couldn't Make Her Stay". Странно, что в таком виде. Эту романтическую зарисовку Певеретта следовало бы развернуть и сделать из неё полномасштабный хит. И это был бы что надо хит! При условии, что текст был бы должным образом откорректирован, потому, как и здесь очередные причитания оставшегося не у дел влюблённого страдальца.
Невероятный диссонанс между музыкой альбома и содержанием его текстов.

И всё же звёзды для Foghat сошлись нужным образом. И уже достаточно приличный профессиональный и жизненный опыт самих музыкантов (как-никак, школа Savoy Brown за плечами!), и природная чуйка продюсера тонко ощущать потребности необъятного американского рынка, всё это способствовало становлению группы как серьёзной боевой единицы, способной заполнить собой опустевшую рок-н-ролльную нишу. Лучшего кандидата для этой миссии на тот момент времени просто не было.

Органичная стилистическая смесь блюз-рока, хард-рока, буги и рок-н-ролла в 70-х годах принесла Foghat признание и популярность на северо-американском континенте. Именно в первой половине и середине того десятилетия группа грамотно воспользовалась сложившейся конъюнктурой и создала свои лучшие альбомы с той музыкой, которую она умела делать лучше всего и лучше всех.

МихаилБогданов  27 апр 2020

Давайте сразу определимся: я всеми фибрами своей мелкой душонки терпеть не могу всяческие “коры”, за исключением старого злого хардкора, который сподвигает организм на трудовые свершения и самую разнообразную активную двигательную деятельность. По этой причине предыдущее творчество Trivium мне было малоинтересно, если не сказать больше. Я особо не следил за развитием группы, зная, что играет она металкор, хотя и с cерьёзным креном в сторону классического трэша и хэви в виду большой любви лидера группы Мэтью Хифи к наследию Хэтфилда сотоварищи. Но, как показало впоследствии прослушивание “Silence In The Snow”, ларчик открывался просто. Достаточно было коллективу в своём творчестве выкинуть на свалку все эти дебильные элементы металкора в виде чахоточно-кастрированного недогроула в вокальных партиях, дегенератских брейкдаунов и общую истеричную атмосферу, что характерна для металкора как стиля. И ситуация коренным образом изменилась, всё встало на свои места. После этой нехитрой манипуляции музыка Trivium заиграла яркими красками и превратилась просто в до неприличия хитовый хэви-трэш, каковой я не слыхал аж со времён “Black Album” и “Youthanasia” сами знаете кого. Огромное количество мелодичных гитарных зарисовок и полноценных соло в духе классического хэви, причём далеко не всегда розово-слащавых, в каждой композиции демонстрирует мастерство дуэта Мэтью Хифи-Кори Больё. Их гитарную работу просто приятно слушать. Большое внимание на “Silence In The Snow” уделено именно вокальным партиям – Хифи наконец-то распелся, он не хрипит, не верещит, не захлёбывается ором у микрофона, он именно поёт. Особенно заметно это в хуковых припевах, как, например, в “Under The World Goes Cold”. Остальные члены коллектива помогают периодическими хоровым распевками. Нет, конечно, альбом не лишен недостатков, есть и проходные композиции типа “Pull Me From The Void”, которая даже при своём хронометраже в четыре минуты кажется затянутой и успевает надоесть. Но при всём этом “Silence In The Snow” для Trivium оказался вполне удачным шагом в сторону от основной стилистики и стал глотком свежего воздуха в таком, казалось бы, намертво застывшем болоте старого MTV-шного хэви-трэша. Жаль только, что уже на следующем альбоме группа вернулась на проторенную дорожку...

rassol  25 апр 2020

Как призрачный образ достигает плотности в агонии воплощения, или же растрачивает последние черты перед свиданием с бездной на обложке шестого полноформатного альбома этих новозеландских музыкантов, так звуковые дефиниции Ulcerate определяют границы познаваемого атонального мира и задают уровни погружения в этот музыкальный вертеп для адептов хладного препарирования дэтового нестандарта.

Сложно отринуть ту потрясающую органичность, с которой каждый новый опус группы совмещает в себе лучшие наработки жанра, и в то же время остается вещью в себе, без различимых реверансов в ту или иную сторону. Кристаллизация обособленного подхода происходит в Ulcerate постоянно, и здесь в ход идут все накопленные навыки и умения. Давно и прочно джазовая ритм-секция брошена на нужды сталелитейной промышленности, но в подобном музицировании акценты не задавлены тяжелым дэтовым оставом, а сосуществуют равновесно с фазами шквала, дополняя буйство музыкальных красок размеренным штилем отдохновения. Баланс подчас очень тонок и размыт, но наше трио как опытный канатоходец балансирует над пропастью с железной выдержкой. Не все оценят эти легкие скрупулезные ритмические шажки и виртуозные диссонансные перевороты на месте, сопряженные с накаленными докрасна паузами, но нельзя не заметить контуры творческой фигуры Ulcerate в вышине на всевременном стилевом канате, который протянулся от авангардного дэта прошлого к воплощениям будущего через дымку настоящего. Сила новозеландцев также в том, что они не позволяют себе лишней пестроты, оставаясь верны пусть и эклектичной, но выдержанной в темных переливах форме выражения.

Обозреваемый «Stare into Death and Be Still» олицетворяет собой очередной виток спирали развития, обогащая наследие группы еще большим концентратом тонких переходов и лиричных настроений без потери внутреннего буйственного пульса. Это внутренний мир диалектической борьбы, где идея приводит в движение мысли, которые, роясь и сталкиваясь, открывают путь для понимания бесконечного поиска истины.

CORONEROUS  24 апр 2020

Украинская блэк-метал сцена уже давно и прочно заняла особую нишу если и не в мировом, то в европейском андеграунде уж точно. Многим ценителям блэка хорошо знакомы те же Nokturnal Mortum, Drudkh или Khors. К сожалению, имя Zgard не часто упоминается в данном контексте. Возможно, причина кроется в обособленности этого проекта. Может создаться впечатление, что основатель проекта Яромысл пишет альбомы больше для самого себя. Хотя думаю, что отчасти так и есть. А возможно всё дело в том, что в сравнении с интересным и оригинальным дебютом следующие два альбома Zgard звучали не столь выразительно и просто затерялись среди релизов более именитых групп, заявивших о себе ранее. Третий альбом “Astral Glow” не стал прорывом. Он последовательно продолжает линию предыдущей работы “Reclusion”, исследуя холодные просторы атмосферик-блэка. Эти два альбома весьма схожи и очень легко воспринимать их, как единое целое.

Тем не менее, “Astral Glow” хоть и исполнен в той же манере, но звучит на порядок бодрее и интереснее благодаря большему композиционному и мелодическому разнообразию. Хотя в музыке по-прежнему доминирует размеренный атмосферный блэк, постепенно стал возвращаться фолк, столь убедительно интерпретированный двумя альбомами ранее. Вместе с тем, идентифицировать музыку как “pagan” по-прежнему можно лишь с натяжкой, в большей степени следуя ее концептуальному содержанию. Эта часть Zgard всегда заслуживала особого внимания, благодаря осмысленной и красивой, образной лирике. На “Astral Glow” концепция вновь строится на философски-созерцательном, космогоническом подходе к язычеству. В музыкальном же плане альбом примечателен появлением элементов дума и эпизодическими вкраплениями мело-дэта, а также использованием хоровых распевов. На фоне беспросветной мглы атмо-блэка всё это придало музыке новые оттенки и динамику, которых так не хватало на “Reclusion”. Композиции стали заметно интереснее и разнообразнее. Среди них однозначно можно выделить “Lethargy Dream”, в которой сошлись воедино леденящие блэк-метал риффы, холодные клавиши, фолк, взрывы бласт-битов и даже… гитарные переборы родом словно из классического рока (!). Всё вместе создает масштабную картину со множеством оттенков и деталей. Очень хороша и трансовая “Stars In The Night Sky”, которая звучит на стыке депрессива и дума. Титульный трек “Astral Glow” вполне возможно претендует на роль центральной композиции альбома. Я бы вообще сказал, что это без пяти минут «хит», благодаря запоминающемуся основному риффу. Он атмосферен и мелодичен, но при этом не слащав. Если бы еще немного поработать с ритмом... Но нет, тогда вещь уже слишком явно бы выделялась, нарушая целостность альбома. И что мне здесь однозначно по душе, я имею ввиду альбом в целом, так это умение создавать атмосферу без перенасыщения музыки клавишными, ненавязчивые переливы которых являются хотя и важной ее частью, но не доминируют в звучании. Слушая "Astral Glow" можно действительно уловить пограничное состояние, ведущее в зыбкие просторы астральных далей. Продакшен остался на прежнем уровне – вполне четкий и прозрачный, чтобы соответствовать атмосфере альбома.

Что касается замечаний, то по-прежнему вызывает нарекания слишком сухой вокал. Запрограммированные ударные – также не самое удачное решение. Они хоть особо и не режут ухо, но… вы же понимаете, какими должны быть барабаны. Я уверен, что живые драмсы добавили бы музыке объем. Чрезмерную продолжительность альбома я бы тоже отнес к необязательным излишествам. На мой взгляд, кое-что можно было и сократить, придав аранжировкам лаконичность и большую выразительность. Ну а в остальном мы имеем последовательную и достаточно интересную работу. Альбом хоть и не потрясает основ жанра, но предлагает его увлекательную и честную интерпретацию.

Alias  23 апр 2020

Несмотря на то, что на российской метал и рок-сцене всегда можно было отыскать действительно интересные и разнообразные группы и исполнителей, мы продолжали обходить их своим вниманием, отдавая предпочтения иностранным музыкантам. В большинстве случаев такой выбор понятен, однако за последние несколько лет ситуация сильно изменилась. Мы больше не можем отрицать, что, даже оставаясь в тени более «потребляемых» жанров, отечественная метал и рок-музыка переживает свой новый этап в развитии. DIVIDED ISLΛND – это представители как раз того нового поколения, благодаря которому выход на новый этап стал возможен. Их дебютный альбом «Shades of Purple» выходит 25 апреля 2020, а они уже зарекомендовали себя как команда со свежим взглядом, нестандартными решениями и действительно целостной концепцией.

Хотя слушатели уже знакомы с несколькими песнями с релиза, не стоит доверять первому впечатлению. Удивлять – это, похоже, вообще про этих ребят, и я не ожидала услышать то, что услышала.

Начнём с того, что релиз продуман до мелочей. Заглавный трек «Фиолетово» более чем достойно открывает альбом и задаёт настроение всего релиза. Это вообще одна из самых сильных композиций на «Shades of Purple», с комплексной структурой и свежей аранжировкой. Мне нравится, что он лирически перекликается с концепцией не только этого альбома, но и группы в целом.

У ребят явно хорошо развита интуиция, позволяющая им создавать такие мощные и хитовые вещи, как «Disposable Love» и «Арктика». DIVIDED ISLΛND – молодая группа, и всё же им удалось «усидеть на двух стульях»: это очень выверенные композиции с точки зрения мелодий, но от этого они не теряют своей эмоциональности.

Помимо неоспоримого композиторского таланта, у группы есть ещё одно преимущество – вокальные способности и подача UltraViolet. У неё очень характерная и живая манера исполнения, а особенно акцентирования.

На «Shades of Purple» присутствуют и два дуэта: «Граффити» (feat. Евгений Колчин) и «I Breathe Freedom» (feat. Mikhail Sidorenko). Неизвестно, задумывалось ли так изначально, но оба трека явно тяготеют к звучанию американской альтернативы в её лучшем проявлении. «Сырые» гитары, «рваный» ритм и сочетание голосов вокалистов наталкивают на мысли о молодых Skillet и Flyleaf. Поступательные и, в то же время, цикличные «Forbidden» и «Escape» выполняют роль своеобразной связки между первой и второй частями альбома.
Так вот, о сюрпризах: «Shades of Purple» не звучит как дебютный альбом. Он действительно качественный и тяжёлый от начала и до конца, что, однако, не делает его монолитным и клишированным. Если вам кажется, что группа балансирует в своём звучании, то вам не кажется: это ощущение создаётся благодаря мощному груву, который ребята считают одной из своих характерных черт. Прогрессивное, многослойное и «плотное» звучание грамотно разбавлено электронными аранжировками. Единственное, что может усложнить восприятие материала, это небольшая перегруженность композиций различными элементами, которая вместе с эмоциональной составляющей временами может слегка утомлять, особенно при прослушивании альбома целиком и сразу. Тем не менее, группу можно понять, ведь создавая и презентуя свой собственный поджанр, хочется использовать все его грани. Уверена, что этих самобытных и талантливых музыкантов ждёт большое будущее.

JaneSad  21 апр 2020