Случилась занятная история. Не с кем-нибудь, со мной. После рецензии на дебютный альбом Steppenwolf, пришла в голову идея продолжить и заняться вторым их LP. Причём, связать их оба темой "Синдром второго альбома". Почему? Объясняю. Мне представлялось, что данный случай просто идеален для воплощения такой идеи: сильный первый альбом и неубедительный на его фоне второй. Вот уж, думалось мне, поглумлюсь-покуражусь! Так уж вышло, что пластинку "The Second" я знаю лет этак уж как сорок, когда она появилась в моей виниловой фонотеке. С неё, собственно, и началось моё знакомство с этой группой. Немногим позже рядом возник ещё один диск Steppenwolf - "For Ladies Only", куда более привлекательная работа этих североамериканцев, как мне всегда представлялось. Теперь уже и не вспомню, как они оба у меня оказались, а главное - зачем? Ведь слушал я тогда как правило Nazareth, Slade, Thin Lizzy и массу молодых ещё в ту пору команд, игравших разудалый hard & heavy. В сравнении с подобной "весёлой" музыкой тот же "The Second" для меня тогдашнего смотрелся аморфным, скучным анахронизмом. И вот здесь необходимо заметить, что то моё неутешительное для этого альбома резюме с тех давних пор практически не изменилось. И даже когда уже лет двадцать спустя я обзавёлся СD с этой неприкаянной программой Steppenwolf, это мало что изменило - слушал я его крайне редко и без глубокого интереса. В общем, с твёрдым убеждением в ущербности этого LP, я продолжал жить все эти долгие годы.
И вот сейчас всё неожиданным образом изменилось. И если не кардинальным образом, то весьма существенно. Буквально за какие-то несколько дней. Пока в поисках информации шарил в Интернете и слушал песни из"The Second". Неоднократно и в разных ситуациях, в основном за рулём в машине. Пока в голове что-то не переклинило и мой изначальный замысел "Синдром второго альбома" полетел по всем известному адресу.
Надо признать, что некоторые факты из И-нета меня удивили. Но дело даже не в том, что музыкальная и околомузыкальная общественности того времени высоко оценили эту работу Steppenwolf, причём почти сразу же после релиза альбома в октябре 1968 года. Словно все дифирамбы и восторженные отзывы были заготовлены заранее и ждали своего часа. Вне зависимости, каким этот альбом в результате окажется. В этой связи не могу не напомнить, что репутация дебютного альбома ковалась и долго и трудно. Группа значительно успешнее проявляла себя на публике, чем продвигалась её первая пластинка. По версии Billboard 200 ещё до окончания 68-го года "The Second" добрался до 3-го места и продержался там несколько недель. А достаточно спорный по своим достоинствам сингл "Magic Carpet Ride" / "Sookie Sookie" был вброшен в продажу ещё в сентябре и оказался на удивление успешным (3 место по версии US Billboard Hot 100; 2 место по версии US Cash Box Top 100; 1 место по версии RPM Top Singles в Канаде).
Что-то необъяснимо притягательное вдруг открылось мне в этой программе, чего ранее не замечал, не слышал, что никак не цепляло. Зацепить, впрочем, там особо-то и нечему, в отличие от первого альбома с его креативными "The Pusher", "Born To Be Wild" или "The Ostrich". Ничего подобного в "The Second" нет, есть ровная, добротная программа, без провалов и изъянов. Тем не менее, восприятие от содержания этой пластинки в целом положительным образом изменилось. Оказалось, что помимо отменного качества звучания, что уже немало, стилистическая палитра в сопоставлении всё с тем же первым LP и ярче, и разнообразнее.
Хотя во "втором" группа несколько и отступила с занятых в "первом" хард-роковых позиций. Здесь в значительной степени преобладает умеренный рок, "разбавленный" доминирующей смесью фанка и психоделии. Казалось бы, между студийными сессиями того и другого альбомов не прошло и полгода (почти по Высоцкому), а стилистические предпочтения у музыкантов и их продюсера Гэбриела Меклера ощутимо изменились. От акустического (со струнными инструментами) ирландского романса "Spiritual Fantasy", до раскатистой хард-роковой с акцентированным гитарным риффом "Don't Step On The Grass, Sam" с навязчивой наркотической тематикой. Отмечу тонкое, расчётливое продюсерское решение увязать эти два столь разные трека в единый тандем - на контрасте эта связка работает безотказно. Или, скажем, биг-битовая композиция с неожиданным названием "28" в духе The Rolling Stones середины 60-х годов с Джерри Эдмонтоном в качестве лидер-вокалиста сменяется тем самым неоднозначным, хотя и титулованным номером "Magic Carpet Ride" c трудно прослеживающейся мелодией из неравномерного коктейля психоделии и хард-рока, которая ближе к концу разрывается продолжительным инструментальным фрагментом с солирующими клавишными от Голди Макджона. Неоспоримый плюс этой композиции - это впечатляющие звуковые эффекты, а минус - туманный текст не пойми о чём. И сразу же следом добротная тягучая блюзовая композиция "Disappointment Number (Unknown)" с по-старчески скрипучим вокалом Джона Кея. Эта плотная череда таких разноплановых, но крепких, высокого исполнительского уровня номеров создаёт надёжный оплот всему альбому. Так мне всё это представляется вот здесь и сейчас.

Этот 1968 год, первый неполный год пребывания группы Steppenwolf в высшей лиге мировой рок-музыки, сложился для неё просто шокирующим, насыщенным и результативным. Два альбома сразу на старте - это была заявка на великое будущее. Эти парни со своим удачливым продюсером буквально вломились на ещё малоосвоенные североамериканские хард-роковые просторы и сразу же застолбили за собой обширную территорию. И даже вдалеке ещё не проглядывалась достойная сила, способная заставить их потесниться.

МихаилБогданов   5 июл 2019

16 октября 2015 года увидел свет 21-й студийник Биффа и Ко «Battering Ram» («Стенобитное орудие»). Диск был записан в студии Backstage Recording в сельской части британского графства Дербишир под чутким руководством известного продюсера Энди Снипа.

Надо признаться, я ждала выхода этой пластинки с огромным нетерпением, потому что предыдущий «Sacrifice» очень сильно меня порадовал.

По словам самого же Байфорда, «этот альбом – естественное развитие идей «Sacrifice». Здесь чуть меньше рок-н-ролла и чуть больше хэви-метала. Мы хотели сконцентрироваться на одном стиле, а не вилять из стороны в сторону».

После многочисленных заявлений лидера группы об особой "металличности" новой пластинки, честно говоря, я ждала чуть ли не второго «Metalhead» (ну, и обложка, конечно, сыграла свою роль).

Но когда я впервые услышала этот альбом, у меня почему-то сразу возникли ассоциации с «Call to Arms» (2011). И это удивительно, потому что в интервью Бифф неоднократно говорил о том, что «Battering Ram» - более "металический" альбом, чем «Sacrifice». Не сказала бы. Мало того, почему-то, когда я слушаю «Battering Ram» у меня в голове возникает образ Deep Purple, Rainbow, хард-рока 70-х... Мне кажется, что он скорее более хардовый и по звучанию ближе именно к «Call to Arms». Более того - тут получился своего рода эксперимент - Бифф и Ко попытались совместить риффы в духе 70-х с некоторыми современными прогрессивными фишками а-ля The Scintilla. Композиция «Queen of Hearts», кстати, изначально предназначавшаяся для сольного альбома Байфорда, с таким же успехом могла примоститься и на альбоме «The Hybrid» (2014):

«Queen of Hearts» («Дама червей») - это песня, которую я написал для своего сольного проекта, но я решил включить ее в альбом Saxon. Потому что это - важнее, чем мой сольный альбом. Я люблю Льюиса Кэрролла, кроме того, я хотел, чтобы это было немного похоже на King Crimson; это вдохновлено их стилем.

В случае с «Queen of Hearts» я хотел написать текст по мотивам «Алисы в Стране чудес» Льюиса Кэрролла и в итоге написал про шахматную партию, которая есть в этой книге.
Вообще, я большой фанат шахмат, хотя в последнее время нечасто играю. Короче, я написал песню под названием «Queen Of Hearts» или «Red Queen», которая немного в духе «Алисы в стране чудес» и немного в духе шахматной игры. Немного глубокой лирики.

Я хотел, чтобы у песни была проговая атмосфера, чтобы в ней было пространство и настроение. Она очень глубокая, умнее, чем другие песни ... А также на ней я поставил свой личный рекорд - я охватил голосом три октавы. На «Queen of Hearts» мы много экспериментировали с моим голосом, пытались использовать его в качестве инструмента.

Также на альбоме есть такие песни, как «Destroyer» («Разрушитель») и «Hard And Fast» («Жестко и быстро»), которые вдохновлены 80-ми, но с современным уклоном. Я большой поклонник комиксов издательства «Marvel», и я хотел написать песню про их персонажа Разрушителя, а «Hard and Fast» – это, как следует из ее названия, песня о быстрой езде! Мне нравится, когда текст как-то связан с песней, так что если в тексте рассказывается о быстрой езде, то и сама песня должна быть скоростной и тяжелой!"

В заглавном треке, на который был снят видеоклип, поется о кричащих фэнах, бьющихся о заграждения на концертах. По словам Биффа, она «немного напоминает «Heavy Metal Thunder», его новую версию»: «Это про то, как аудитория бушует у барьера».

Тема «The Devil's Footprint» («След Дьявола») основана на старинной легенде о людях, которые просыпаются в разгар зимнего снегопада и видят необъяснимые следы копыт, идут по ним, но так и не находят ответа:

«Этой легенде несколько сотен лет, и она рассказывает о людях, которые однажды проснулись и увидели следы копыт на свежевыпавшем снеге вдоль озера. И они шли по следу много миль. Это необъяснимо.

Когда я пишу тексты, мне нравится переключаться туда и обратно между сложными вещами, реальностью и рок-н-роллом», - говорит Байфорд. – «Мне кажется, что фольклор, который лег в основу «The Devil's Footprint», сделал из нее отличную металлическую песню, одновременно историческую и мифическую».

Несколько пауэрной по духу получилась вещь «Stand Your Ground» («Стой на своем»). В ней, кстати, подпевает сын Биффа Себастьян, а на муговском синтезаторе играет сын гитариста Дага Скэрратта Джейми.

Неплохой номер «To the End» («До конца»), вероятно, звучал бы гораздо интереснее в исполнении Ронни Джеймса Дио, когда тот еще пел в Rainbow, но в исполнении Saxon он звучит по меньшей мере странновато. Знаете, у вездесущего Мэта Синнера, того самого, что играет на басу в Primal Fear, есть проект Voodoo Circle, так вот, творчество этой команды, призванной воскресить традиции хард-рока 70-х, в стилистическом отношении довольно близко этому треку, да и вообще - всему альбому «Battering Ram» в целом.

Как пояснил Байфорд, «это - немного современный «Denim & Leather». Речь в ней идет о том, как мы покидаем свои дома и уезжаем на гастроли. Это - что-то в духе 70-х. Это - отличная песня. Она немного отличается от остальной части альбома».

Вообще, надо сказать, большинство треков на релизе звучат как-то вымученно, и весь материал сыгран «без особой искры». Складывается впечатление, что альбом записали и выпустили не потому, что у ребят было вдохновение, а потому что НАДО было его записать и выпустить. Ну, а потом, естественно, поехать в тур в его поддержку.

Пожалуй, единственным украшением этой, не особо примечательной пластинки, стала действительно буквально берущая за душу экспериментальная меланхоличная композиция, посвященная Первой мировой войне, «Kingdom of the Cross» («Царство Креста Господня»), где в качестве приглашенного музыканта выступил Дэвид Бауэр из банды Hell - ничего подобного Saxon за всю долгую историю существования группы своим слушателям не предлагали. А получилось довольно вкусно - таинственно-мечтательно и весьма необычно.

Лирика этой песни прекрасно передает те чувства и ужасы, которые сопутствовали этому самому жестокому из глобальных конфликтов:

«Я просто хотел заставить людей думать. Это - грустная песня. Это - то, что мы должны знать о той очень-очень странной войне. Это был спор между двоюродными братьями и дядей, и из-за этого миллионы молодых людей умерли. Это очень актуально сегодня. В некоторых городах Англии отцы и деды людей погибли на Первой мировой войне, а они даже не знают об этом. Это - часть истории, и это коснулось очень многих семей во всей Европе».

«У Найджела было музыкальное произведение, которое он пару лет играл нам на синтезаторе, и которое мне очень нравилось. Мы позвали актера Дэвида Бауэра (David Bower) – он также поет в группе HELL – чтобы он прочел стихотворный текст, а я спел припевы. Я не хотел, чтобы из этого получился обычный SAXON, поэтому в песне звучат только клавишные, бас, я и Дэйв».

Elena_Kalistka   4 июл 2019

"Metalhead" был одним из самых первых альбомов Saxon, которые я услышала, именно с него и началось мое близкое знакомство с творчеством этой группы. Несмотря на то, что многими этот диск был недооценен, он является примечательным во многих отношениях: во-первых, эта пластинка была первой совместной работой Saxon и известного немецкого звукорежиссера Чарли Бауэрфайнда, с которым музыканты сотрудничали долгие 10 лет; во-вторых, на данном альбоме отметился вокалист-гитарист Freedom Call - Крис Бей, который записал для него партии клавишных.

И в-третьих, этот диск стал первым для барабанщика Фрица Рандов, сменившего Найджела Глоклера, который был вынужден покинуть группу из-за полученной травмы. Впрочем, несмотря на такую неприятность, Глоклер принял самое активное участие в написании материала к этому альбому.

Вообще, по-моему, это один из самых лучших дисков группы, наряду с "The Inner Sanctum", "Lionheart" и "Sacrifice". Данная пластинка отличается довольно тяжелым и современным звучанием - чего только стоит один заглавный трек "Metalhead". В этот стальной сплав очень удачно вкраплены клавишные, что добавляет саунду еще большей мелодичности. Яркий тому пример - пауэр-боевик "Conqistador". A завершающая альбом лирическая композиция "Sea Of Life" - так это вообще нечто. Голос Биффа Байфорда просто околдовывает, завораживает... По спине сразу мурашки начинают бегать...

Кстати, мне кажется, можно провести некоторые параллели между этим диском и альбомом Helloween "The Dark Ride" (2000). В частности, в "If I Could Fly" слышатся отдаленные отзвуки "Sea Of Life", а "The Departed" чем-то смахивает на "Metalhead". Может, все объясняется тем, что оба диска записывались под руководством одного и того же продюсера - Чарли Бауэрфайнда?

Elena_Kalistka   4 июл 2019

Любите ли вы Saxon так, как люблю его я? Честно говоря, сомневаюсь…
Но при всей моей необыкновенной любви к этой группе, я всё же рискну написать рецензию на один из её самых слабых альбомов, опять же – по моему субъективному мнению.

Да и согласитесь: едва ли стоит ждать чего-то шедеврального от диска, записанного в такой непростой для группы период. Как раз сразу после записи данной пластинки Saxon покинул один из отцов-основателей коллектива – гитарист Грэхем Оливер. Уж слишком серьезные у него были на тот момент разногласия с лидером группы Биффом Байфордом. Но давайте всё же отвлечемся от всяких склок и сосредоточимся на самом материале.

И что же перед нами за материал? Открывает данный альбом крепко сколоченный одноименный боевичок «Dogs Of War», посвященный войне в Сараево, но за столь бодрым началом, к сожалению, следует весьма унылое продолжение, потому что следующие номера, как назло, самые что ни на есть минорные. Хотя вроде бы совсем неплоха следующая напористая «Burning Wheels», но кажется что мы все это уже где-то слышали у тех же Saxon. Если вдруг вы решите перемотать «Don't Worry» и «Big Twin Rolling (Coming Home)», то уж точно много не потеряете – ничего особенного эти композиции из себя не представляют. Неплохо на общем сероватом фоне выделяется задорненькая «Hold On», следующая тяжеловесная «The Great White Buffalo» едва ли произведет на вас сильное впечатление, но на концертах она в свое время звучала действительно недурственно. Следующие три композиции смело пропускайте – там все тот же привычный рок-н-ролл в духе AC/DC, а вот заключительная вещица «Yesterday's Gone» меня и правда зацепила – весьма запоминающийся припев сделал свое дело.

Ну, что я могу сказать? Любители напористого хэви-метал в духе Running Wild вряд ли найдут для себя на этом диске что-нибудь интересное, ибо хэви-метала, как такового, здесь нет в принципе – материал представляет из себя нечто среднее между типичным хардом и рок-н-роллом, и абсолютно ничего нового не несет. Есть у Saxon и гораздо более сильные альбомы, взять хотя бы тот же «Unleash the Beast», который увидел свет всего два года спустя после этой, ничем не примечательной работы.

Elena_Kalistka   4 июл 2019

20 июня 1988 года увидел свет, пожалуй, самый неоднозначный альбом во всей богатой дискографии Saxon «Destiny» («Судьба»). Он был записан на студии «Hook and Manor», Беркшир, Соединённое Королевство в 1988 году и вышел на лейбле «EMI Records».

Что скрывать, многим данный диск пришелся не по душе, ибо совсем не этого старые фэны ждали от британцев. Тем не менее, мелодичный хард-н-хэви в духе Bon Jovi, Europe и Def Leppard, явленный на суд публики на этой пластинке, по моему скромному мнению, вовсе не так уж плох, как это принято считать. Ну, как говорится, каждый пусть решает для себя сам.

В одном из своих поздних интервью, бессменный лидер Saxon, Бифф Байфорд, так отзывался о том периоде в истории коллектива:

«Когда мы работали над «Destiny» в 1988 году, группа была в довольно плачевном моральном состоянии. Продюсер добавил много клавишных в песни уже после того, как мы их закончили. Честно говоря, мы просто упустили это. Но думаю, что мы извлекли важный урок из этого: не позволяйте другим людям управлять своей машиной».

Не знаю даже почему, но лично я этот альбом очень люблю, несмотря на всю его "попсовость". Какой-то особенный, необычный, он у них получился - явно не в их ключе, но все равно интересный.

И, несмотря на то, что на "Destiny" британцы значительно отдалились от своих бунтарских корней, тем не менее, и в этом новом для них стиле у Биффа и Ко получается писать яркие запоминающиеся номера. Ну, или перепевать старые - на данном студийнике Saxon представили свою версию знаменитого хита Кристофера Кросса «Ride Like the Wind» («Лететь как ветер», 1979), которая, как мне кажется, звучит здесь ничуть не хуже, а, может быть, даже и лучше оригинала:

«Наш продюсер (Стефан Гальфас) спросил нас, не хотим ли мы сделать какой-нибудь кавер, а мне нравится именно эта песня, всё очень просто. На самом деле всё сводилось к выбору между этой песней (песня Кристофера Кросса) или старой песней Animals, я сейчас не помню названия. «Ride Like the Wind» была самой лучшей песней Кросса в Америке; оригинал гораздо более ориентирован на джаз/рок, послушайте альбом, с которого эта песня, может вам понравится. Я не думаю, что есть что-то плохое в том, чтобы делать кавер-версии, раз уж вы хотите отдать должное песне. Суть в том, что мы все просто любим «ездить как ветер»; в песне есть настоящий бунтарский настрой».

«Мне просто понравилась песня. Кристофер Кросс - это неплохой автор песен, и сама композиция отличная, очень оригинальная. Мы просто приспособили ее к рок-музыке. Я думаю, что наша версия, на самом деле, довольно удачная. Вы знаете, когда мы играем в Испании или в странах Латинской Америки, люди всегда просят нас сыграть эту песню» (Бифф Байфорд).

На нее и на чувственную балладу «I Can't Wait Anymore» («Я не могу больше ждать») были сняты клипы.

Лирическую тему "I Can't Wait Anymore" назвать иначе, чем шедевром, у меня язык просто не поворачивается – в этой композиции голос Байфорда звучит столь сладостно и томительно, как он не звучал еще нигде и никогда:

«На самом деле это просто песня о любви. Речь идет о том, что твоя девушка/парень приносит тебе кучу проблем. Больше я ничего не могу вам рассказать».

Все остальные песни – тоже на уровне. В номере «Where The Lightning Strikes» («Куда ударит молния»), по словам Биффа, идет речь о путешествии по жизни:

«Речь идет о движении навстречу своей судьбе, будь вы журналистом или шахтером».

Величественная "For Whom The Bell Tolls" затрагивает проблемы свободы, мира и войны:

«Речь идет о Берлинской стене. Вы когда-нибудь были в Берлине? Это довольно интересное место. Легенда гласит, что когда в Берлинском соборе зазвонят колокола, стена рухнет. Я хотел бы увидеть, как стена исчезнет, я думаю, что большинство людей тоже этого хотят - я думаю, что это не повлияет на меня так сильно, но это было бы хорошо для людей, которые живут там».

Трек «Calm Before The Storm» («Затишье перед бурей») посвящен отцу Биффа Байфорда:

«Эта песня посвящена моему отцу. Речь идет об угольных шахтах в Йоркшире и рыболовецких флотилиях, которые сейчас все ржавеют. Речь идет об экологии. В принципе, больших рыболовецких флотов больше нет, потому что не осталось ни одной рыбы! И многих угольных шахт уже нет, но я не скучаю по ним, я думаю, что это чертовски ужасные места! Я просто скучаю по культуре и традициям, которые сопровождали всё это; вот о чем эта песня».

Мелодичная тема «S.O.S.» повествует о гибели Титаника:

«Это про катастрофу Титаника. По крайней мере, именно с этого начиналась песня, но потом она переросла во что-то более глубокое. Речь идет о вере людей в такие вещи, как, например, "Титаник". Всё дело было в том, что корабль был непотопляем, и люди верили в этот массивный кусок железа и дерева. Смысл в том, что мы не должны принимать вещи как должное, определенно нет!»

В балладе «Song For Emma» («Песня про Эмму»), по словам Биффа, «речь идет о девушке, которую мы знали в Америке, которая покончила с собой - я не знаю, почему она это сделала, но очевидно, что она действительно чувствовала себя чертовски плохо. Я полагаю, что песня не только о ней, но и о ситуации в целом».

Жизнеутверждающий гимн «We Are Strong» призван убедить нас в том, что «Мы сильны»:

«Это – «Denim & Leather» четырёхлетней давности. Жизнь продолжает сбивать тебя с ног, но ты поднимаешься. Ты принимаешь все удары, и встаёшь с земли. Все ищут на кого можно опереться. Верь в себя - вставай и сражайся!».

В номере «Jericho Siren» («Сирены Джерико») «речь идет о бомбардировках Польши во время Второй мировой войны. «Иерихонская сирена» - так на самом деле называлась та штука, которую они подкладывали под бомбардировщики, чтобы люди в городах, которые вот-вот подвергнутся нападению, знали, что их ждет неминуемая смерть. Однако, как бы то ни было, война - это хорошая тема для рока - я, безусловно, заинтересован в ней и в атрибутике, которая ее окружает. Мы всегда поем хорошие военные песни».

А закрывающая альбом композиция «Red Alert» («Красная тревога») посвящена аварии на Чернобыльской АЭС, случившейся 26 апреля 1986 года:

«Знаете, когда Чернобыль взорвался, мы были в Польше, где-то рядом с российской границей, и песня посвящена всему этому инциденту. Мы поехали в Венгрию, и это было там, потом мы поехали в Вену, и там тоже было облако радиации. Это действительно страшно, атомная энергетика. Как и СПИД, она не имеет никаких границ, никаких классовых барьеров, она просто сносит всё, что мешает. Самое странное в Чернобыле то, что мы были так близки к этому инциденту, но нам не сказали об этом, пока мы не вернулись в Великобританию, потому что в коммунистических странах они скрывали подобную информацию».

На самом деле мне кажется не вполне справедливым, что в среде поклонников Saxon принято принижать значение альбома "Destiny", при этом неимоверно возвеличивая диск "Solid Ball of Rock" (1990), но, по сути, "Solid Ball of Rock" - прямое, я бы даже сказала, вполне логичное продолжение "Destiny", как всегда, сыгранное вкусно, живо, свежо, с рок-н-ролльным задором.

Elena_Kalistka   4 июл 2019

В общем-то, музыка подобного плана меня никогда особенно не интересовала, но поскольку я с огромным уважением отношусь к творчеству Saxon и к ее бессменному лидеру Биффу Байфорду, я посчитала своим долгом ознакомиться с данной работой.

Когда я только услышала этот диск, первые впечатления у меня были примерно такие: довольно приятная музыка, естественно, без претензий на шедевральность. Хотя, думаю, шедевра никто из нас и не ждал. Вокал Байфорда, как всегда, звучит мощно и убедительно. Из всех композиций особенно хочется выделить "Pariah", которая, пожалуй, вполне может даже претендовать на звание хита, очень атмосферную и расслабляющую "Some Nightmare" и "Beware The Children" (на нее, кстати, был снят клип), а вот что касается последнего трека - его аранжировка мне не понравилась совершенно, по-моему на альбоме "Call To Arms" он звучал значительно интереснее.

В целом диск весьма неплохой, и поклонникам жанра может даже понравиться, но все-таки это как-то не мое. Может быть, тут еще сказалась такая вещь, что я в принципе не люблю любую музыку с приставкой "симфо-" и обилием клавишных, но, по-моему, альбом звучит несколько модерново и излишне современно, начало той же "Pariah" у меня сначала грешным делом вызвало странные ассоциации с "St. Anger" Металлики, но, к счастью, мои опасения не оправдались - хорошая песня в итоге получилась.

Elena_Kalistka   4 июл 2019

Не устаю поражаться, как много у нас недооцененных групп. И одна из них – австралийская команда Eyefear. Честно сказать, я никогда особо не любила прог, и если бы не один счастливый случай, вряд ли бы я вообще когда-нибудь обратила свое внимание на эту группу.

Мое знакомство с творчеством Eyefear началось с альбома «The Unseen», пожалуй, именно эта пластинка и является самой лучшей в их дискографии.

Открывает диск короткое интро «Hypnosis», за которым следует просто завораживающая своей красотой композиция «Illusions». Без сомнения, это одна из самых лучших вещей за всю историю существования коллектива. Помимо нее, на альбоме присутствуют еще несколько бесспорных шедевров: размеренная и величественная композиция «Always Reasons» и, конечно же, «Confessions». Весь альбом слушается буквально на одном дыхании, одна композиция плавно перетекает в другую. Сама структура песен довольно сложная и интересная, но, тем не менее, все воспринимается достаточно легко, не возникает ощущения излишней перегруженности и «заумности». Кроме того, музыке этой группы присущи какая-то своя мелодичность, узнаваемая буквально с первых нот, и определенная доля мрачночности, позволяющая классифицировать ее как прогрессив-пауэр-дарк метал.

Я думаю этот диск вполне может прийтись по душе и любителям старого-доброго хард-рока в духе ранних Rainbow. Тем более, что манера пения вокалиста Дэнни Чекати порой напоминает великого Ронни Джеймса Дио. Вообще про вокал здесь нужно сказать отдельно: то он удивительно душевный и лиричный, нежный и проникновенный; то он драматичный, страстный, неистовый и напористый. Вокальный диапазон Чекати необычайно широк, Дэнни вполне может петь и как Дио, и как Роб Хэлфорд (что он доказал еще во времена своего пребывания в Pegazus), но при всем при этом он достаточно самобытен.

Elena_Kalistka   4 июл 2019

Надо сказать, что в богатой истории Yes наряду с несомненной классикой присутствует и достаточное количество спорных альбомов, получивших неоднозначную оценку. Альбом “Drama” один из них. Несмотря на то, что альбом в целом пошел хорошо, особенно в США, все же среди части фанатов он вызвал противоречивые эмоции. Дело в том, что на тот момент в группе произошел ряд серьезнейших изменений, связанный с уходом сразу двух ключевых участников – вокалиста Джона Андерсона и клавишника-виртуоза Рика Уэйкмана. Предыдущий альбом “Tormato” был принят публикой не очень хорошо, что пошатнуло уверенность группы в собственных силах. К тому же, на заре была новая музыкальная эпоха, и классики арт-рока не имели четкого видения, куда им двигаться дальше. Все это накладывалось на общую эмоциональную усталость музыкантов, было утрачено ощущение единства.

После ухода Андерсона и Уэйкмана оставшиеся участники приуныли, решив пока что забросить дела группы и просто поиграть в свое удовольствие. Однажды они репетировали в небольшой лондонской студии, и в соседнем помещении оказались Тревор Хорн и Джефф Даунс из The Buggles – модного new wave/synthpop дуэта, который как раз выпустил тогда очень успешный сингл. Тревор и Джефф были большими поклонниками Yes, и естественно вскоре все музыканты оказались в одном помещении. Решили вместе поджемовать, тут же появились интересные идеи… В итоге Тревора и Джеффа пригласили присоединиться к группе. Злые языки тут же прозвали обновленных Yes The Yeggles. Хотя, как вспоминал впоследствии Крис Сквайр, ему потребовалось приложить усилия для того, чтобы уговорить Тревора стать фронтменом Yes. Будучи поклонником группы и оригинального вокалиста Джона Андерсона, Тревор Хорн понимал, какую ответственность ему предлагают взвалить на свои плечи.

Однако, так или иначе, непринужденность первой встречи передалась и всему процессу работы над новым альбомом, который был сочинен и записан достаточно быстро. Что не удивительно, учитывая высокий профессионализм всех музыкантов и продюсерский опыт Тревора Хорна. Следует сказать, что “Drama” совершенно не заслуживает той несправедливой критики, которую время от времени получает и сегодня. По сути, смысл критики по большей части сводится к тому, что Тревор Хорн не Джон Андерсон. Вот и все. Конечно, ему было тяжело. Несмотря на великолепную музыку, представленную на альбоме, Хорна приняли не все, что особенно ощущалось во время британской части турне. Но необходимо отметить, что Тревор все же прекрасный вокалист и оказался очень близок по диапазону к Джону Андерсону. Он отлично справлялся не только с собственными вокальными партиями, но и с большинством партий своего предшественника.

Что касается содержания альбома в целом, он получился очень насыщенным. На нем группа нашла идеальный баланс между классическим арт-роком и музыкой новой волны, на которую Yes до этого поглядывали одним глазом, но не могли найти верный подход. Конечно, по сравнению с предыдущими записями в музыке поубавилось симфоничности и стало больше атмосферности, прежде всего за счет звучания клавиш. Стиль игры Джеффа Даунса заметно отличается от предшественников и был более современным на тот момент. Постоянное присутствие клавишных партий в музыке отнюдь не навязчиво и прекрасно вписывается в общую звуковую картину, идеально сочетаясь с остальными инструментами. Также композиции обрели выраженный песенный формат, более прямолинейную подачу и акцент на ритм. Но присущее группе изящество никуда не делось. Это все тот же проговый Yes, только с осовремененным звучанием и новыми правильно расставленными акцентами. Если до этого группа временами грешила излишней затянутостью, то здесь даже продолжительные композиции звучат более сфокусировано и лаконично. “Drama” вообще производит весьма целостное впечатление. Несмотря на комплексность материала, альбом отлично ложится на слух и поэтому выделить отдельные темы достаточно сложно. Хотя моим личным фаворитом является “Into the Lens” – великолепная, эмоциональная вещь, которую можно смело занести в золотой фонд Yes. Именно на этой композиции, как мне кажется, группе удалось идеально соблюсти упомянутый баланс между классическим арт-роком и звучанием, более соответствующим духу того времени. Также я бы выделил вступительный эпик “Machine Messiah”, который отличает непривычно тяжелый основной думовый рифф в духе Black Sabbath (!) и весьма жесткое солирование Стива Хау на фоне арт-роковых аранжировок. Но, опять же, это только личные предпочтения и остальные вещи ничуть не хуже. Отдельно следует отметить четкий микс и очень классные аранжировки. В них присутствует… некая «целесообразность», по-другому даже не могу выразиться.

В завершение можно с уверенностью сказать, что “Drama” – это отличный, очень интересный, эмоционально богатый и сбалансированный альбом, обозначивший то направление, в котором группа могла бы двигаться и дальше. На нем действительно много хорошей игры и музыки. Новые люди оказались не только состоявшимися музыкантами, но и прекрасными авторами. Во многом благодаря их приходу Yes удалось удачно вписаться в новое звучание. При этом, в отличие от большинства музыки того времени, “Drama” и сегодня звучит интересно. К сожалению, этому составу не удалось долго продержаться вместе. Отчасти из-за того, что сами музыканты не до конца чувствовали себя на своем месте. Да и Тревор Хорн был все же больше продюсером, чем фронтменом. К счастью, в будущем именно в этой роли он продолжит сотрудничество с Yes. А однажды в группу вернется и Джефф Даунс…

Alias   4 июл 2019

Есть знаменитые группы, которые уже своим ранним творчеством совершают прорывы в музыкальной индустрии и затем постоянно пользуются старым багажом наработанных идей и приемов. Мы знаем много таких команд. Есть известные коллективы, получившие популярность в ходе развития какого-либо музыкального стиля, но в дальнейшем пытающиеся экспериментировать, идти в ногу со временем и кардинально меняющие стиль, манеру подачи своих музыкальных творений. Таких команд тоже немало. Ну есть еще и музыкальные «троечники», в начале своей карьеры не имевшие шансов ворваться на вершину пропагандируемого стиля из-за тотальной вторичности, но лет через двадцать пять начавшие выпускать приличные альбомы, достойные исполнителей высшего эшелона трэша. Это про EXUMER.
Мне помнятся многочисленные лого EXUMER-а на обложках специализированных металлических изданий середины-конца 80-х, но при этом я точно помню, что уровень популярности был на умеренно локальном уровне. Альбомы EXUMER-а не обсуждались бурно среди тогдашних металлистов и не являлись предметом зависти, в отличие от свежевыпущенных дисков METALLICA, MEGADETH или SLAYER, KREATOR, SODOM или DESTRUCTION, а позднее SEPULTURA или SARCOFAGO. Первые два LP группы продемонстрировали глобальное влияние на их стилистику американских пионеров трэш-метала (первый альбом - METALLICA, второй – SLAYER). Хотя материал сугубо вторичный, но сыгран весьма бодро и напористо. Можно послушать, а можно и не послушать (ИМХО).
С последним номерным альбомом «Hostile Defiance» ознакомился почти случайно и получил громаднейшее удовольствие к своему удивлению, т.к. ждал чего-то второсортного в духе работ 80-х. Нет, здесь все совершенно по-другому. Такое ощущение, что музыканты все эти годы упорно тренировались и работали, чтобы наконец-то выдавать высококачественный трэш мирового уровня. Если главные ветераны стиля зачастую в последние годы производят продукт сомнительного качества, то EXUMER, никогда не блиставший в годы расцвета трэша, здесь отменно подготовлен, свеж и грамотно рубит свои убойные композиции. Мне слышится: великолепная ритмичная риффовка, методичный паровой каток ударных, вменяемый трэшевый вокал, качественный жирный звук, чуть-чуть грува в отдельных композициях. Создается ощущение, что нынешнему составу просто очень нравится исполнять актуальный материал.
После неоднократных прослушиваний альбома прекрасно видно отсутствие каких-либо неожиданных или оригинальных музыкальных решений, иногда фрагменты композиций навевают ассоциации с чем-то многократно слышанным, но при этом не вызывают отторжения, а скорее наоборот - есть желание слушать и наслаждаться дальше. Господа Von Stein и Ray Mensh (оригинальные участники группы) с относительно новыми членами коллектива (первый номерной нынешнего состава вышел в 2012 году и с тех пор менялся лишь второй гитарист) не стали пытаться выдумывать чего-то сверхновое или скрещивать нескрещиваемое, чтобы как-то выделиться в сонме старых и новых трэш-коллективов. Музыканты просто навсего грамотно переиграли общеизвестные стилевые клише, но как говорится с чувством, с толком и расстановкой. А на выходе случился актуальный немецкий трэш уровня высшего эшелона и неизвестный в широких кругах металлической общественности, увы…
Да, еще, предыдущие номерные альбомы «Fire & Damnation» (2012) и «The Raging Tides» (2016) мне тоже пришлись по душе, где-то на близком уроне с «Hostile Defiance», с той лишь разницей что где-то чуть больше элементов грува, где-то звук более резкий и звонкий, где-то продюсер другой. Обе работы хороши.

Volot   4 июл 2019