|
|
 |
|
| Случилась занятная история. Не с кем-нибудь, со мной. После рецензии на дебютный альбом Steppenwolf, пришла в голову идея продолжить и заняться вторым их LP. Причём, связать их оба темой "Синдром второго альбома". Почему? Объясняю. Мне представлялось, что данный случай просто идеален для воплощения такой идеи: сильный первый альбом и неубедительный на его фоне второй. Вот уж, думалось мне, поглумлюсь-покуражусь! Так уж вышло, что пластинку "The Second" я знаю лет этак уж как сорок, когда она появилась в моей виниловой фонотеке. С неё, собственно, и началось моё знакомство с этой группой. Немногим позже рядом возник ещё один диск Steppenwolf - "For Ladies Only", куда более привлекательная работа этих североамериканцев, как мне всегда представлялось. Теперь уже и не вспомню, как они оба у меня оказались, а главное - зачем? Ведь слушал я тогда как правило Nazareth, Slade, Thin Lizzy и массу молодых ещё в ту пору команд, игравших разудалый hard & heavy. В сравнении с подобной "весёлой" музыкой тот же "The Second" для меня тогдашнего смотрелся аморфным, скучным анахронизмом. И вот здесь необходимо заметить, что то моё неутешительное для этого альбома резюме с тех давних пор практически не изменилось. И даже когда уже лет двадцать спустя я обзавёлся СD с этой неприкаянной программой Steppenwolf, это мало что изменило - слушал я его крайне редко и без глубокого интереса. В общем, с твёрдым убеждением в ущербности этого LP, я продолжал жить все эти долгие годы.
И вот сейчас всё неожиданным образом изменилось. И если не кардинальным образом, то весьма существенно. Буквально за какие-то несколько дней. Пока в поисках информации шарил в Интернете и слушал песни из"The Second". Неоднократно и в разных ситуациях, в основном за рулём в машине. Пока в голове что-то не переклинило и мой изначальный замысел "Синдром второго альбома" полетел по всем известному адресу.
Надо признать, что некоторые факты из И-нета меня удивили. Но дело даже не в том, что музыкальная и околомузыкальная общественности того времени высоко оценили эту работу Steppenwolf, причём почти сразу же после релиза альбома в октябре 1968 года. Словно все дифирамбы и восторженные отзывы были заготовлены заранее и ждали своего часа. Вне зависимости, каким этот альбом в результате окажется. В этой связи не могу не напомнить, что репутация дебютного альбома ковалась и долго и трудно. Группа значительно успешнее проявляла себя на публике, чем продвигалась её первая пластинка. По версии Billboard 200 ещё до окончания 68-го года "The Second" добрался до 3-го места и продержался там несколько недель. А достаточно спорный по своим достоинствам сингл "Magic Carpet Ride" / "Sookie Sookie" был вброшен в продажу ещё в сентябре и оказался на удивление успешным (3 место по версии US Billboard Hot 100; 2 место по версии US Cash Box Top 100; 1 место по версии RPM Top Singles в Канаде).
Что-то необъяснимо притягательное вдруг открылось мне в этой программе, чего ранее не замечал, не слышал, что никак не цепляло. Зацепить, впрочем, там особо-то и нечему, в отличие от первого альбома с его креативными "The Pusher", "Born To Be Wild" или "The Ostrich". Ничего подобного в "The Second" нет, есть ровная, добротная программа, без провалов и изъянов. Тем не менее, восприятие от содержания этой пластинки в целом положительным образом изменилось. Оказалось, что помимо отменного качества звучания, что уже немало, стилистическая палитра в сопоставлении всё с тем же первым LP и ярче, и разнообразнее.
Хотя во "втором" группа несколько и отступила с занятых в "первом" хард-роковых позиций. Здесь в значительной степени преобладает умеренный рок, "разбавленный" доминирующей смесью фанка и психоделии. Казалось бы, между студийными сессиями того и другого альбомов не прошло и полгода (почти по Высоцкому), а стилистические предпочтения у музыкантов и их продюсера Гэбриела Меклера ощутимо изменились. От акустического (со струнными инструментами) ирландского романса "Spiritual Fantasy", до раскатистой хард-роковой с акцентированным гитарным риффом "Don't Step On The Grass, Sam" с навязчивой наркотической тематикой. Отмечу тонкое, расчётливое продюсерское решение увязать эти два столь разные трека в единый тандем - на контрасте эта связка работает безотказно. Или, скажем, биг-битовая композиция с неожиданным названием "28" в духе The Rolling Stones середины 60-х годов с Джерри Эдмонтоном в качестве лидер-вокалиста сменяется тем самым неоднозначным, хотя и титулованным номером "Magic Carpet Ride" c трудно прослеживающейся мелодией из неравномерного коктейля психоделии и хард-рока, которая ближе к концу разрывается продолжительным инструментальным фрагментом с солирующими клавишными от Голди Макджона. Неоспоримый плюс этой композиции - это впечатляющие звуковые эффекты, а минус - туманный текст не пойми о чём. И сразу же следом добротная тягучая блюзовая композиция "Disappointment Number (Unknown)" с по-старчески скрипучим вокалом Джона Кея. Эта плотная череда таких разноплановых, но крепких, высокого исполнительского уровня номеров создаёт надёжный оплот всему альбому. Так мне всё это представляется вот здесь и сейчас.
Этот 1968 год, первый неполный год пребывания группы Steppenwolf в высшей лиге мировой рок-музыки, сложился для неё просто шокирующим, насыщенным и результативным. Два альбома сразу на старте - это была заявка на великое будущее. Эти парни со своим удачливым продюсером буквально вломились на ещё малоосвоенные североамериканские хард-роковые просторы и сразу же застолбили за собой обширную территорию. И даже вдалеке ещё не проглядывалась достойная сила, способная заставить их потесниться.
|
|  |
|
|
|
|
|
| 16 октября 2015 года увидел свет 21-й студийник Биффа и Ко «Battering Ram» («Стенобитное орудие»). Диск был записан в студии Backstage Recording в сельской части британского графства Дербишир под чутким руководством известного продюсера Энди Снипа.
Надо признаться, я ждала выхода этой пластинки с огромным нетерпением, потому что предыдущий «Sacrifice» очень сильно меня порадовал.
По словам самого же Байфорда, «этот альбом – естественное развитие идей «Sacrifice». Здесь чуть меньше рок-н-ролла и чуть больше хэви-метала. Мы хотели сконцентрироваться на одном стиле, а не вилять из стороны в сторону».
После многочисленных заявлений лидера группы об особой "металличности" новой пластинки, честно говоря, я ждала чуть ли не второго «Metalhead» (ну, и обложка, конечно, сыграла свою роль).
Но когда я впервые услышала этот альбом, у меня почему-то сразу возникли ассоциации с «Call to Arms» (2011). И это удивительно, потому что в интервью Бифф неоднократно говорил о том, что «Battering Ram» - более "металический" альбом, чем «Sacrifice». Не сказала бы. Мало того, почему-то, когда я слушаю «Battering Ram» у меня в голове возникает образ Deep Purple, Rainbow, хард-рока 70-х... Мне кажется, что он скорее более хардовый и по звучанию ближе именно к «Call to Arms». Более того - тут получился своего рода эксперимент - Бифф и Ко попытались совместить риффы в духе 70-х с некоторыми современными прогрессивными фишками а-ля The Scintilla. Композиция «Queen of Hearts», кстати, изначально предназначавшаяся для сольного альбома Байфорда, с таким же успехом могла примоститься и на альбоме «The Hybrid» (2014):
«Queen of Hearts» («Дама червей») - это песня, которую я написал для своего сольного проекта, но я решил включить ее в альбом Saxon. Потому что это - важнее, чем мой сольный альбом. Я люблю Льюиса Кэрролла, кроме того, я хотел, чтобы это было немного похоже на King Crimson; это вдохновлено их стилем.
В случае с «Queen of Hearts» я хотел написать текст по мотивам «Алисы в Стране чудес» Льюиса Кэрролла и в итоге написал про шахматную партию, которая есть в этой книге.
Вообще, я большой фанат шахмат, хотя в последнее время нечасто играю. Короче, я написал песню под названием «Queen Of Hearts» или «Red Queen», которая немного в духе «Алисы в стране чудес» и немного в духе шахматной игры. Немного глубокой лирики.
Я хотел, чтобы у песни была проговая атмосфера, чтобы в ней было пространство и настроение. Она очень глубокая, умнее, чем другие песни ... А также на ней я поставил свой личный рекорд - я охватил голосом три октавы. На «Queen of Hearts» мы много экспериментировали с моим голосом, пытались использовать его в качестве инструмента.
Также на альбоме есть такие песни, как «Destroyer» («Разрушитель») и «Hard And Fast» («Жестко и быстро»), которые вдохновлены 80-ми, но с современным уклоном. Я большой поклонник комиксов издательства «Marvel», и я хотел написать песню про их персонажа Разрушителя, а «Hard and Fast» – это, как следует из ее названия, песня о быстрой езде! Мне нравится, когда текст как-то связан с песней, так что если в тексте рассказывается о быстрой езде, то и сама песня должна быть скоростной и тяжелой!"
В заглавном треке, на который был снят видеоклип, поется о кричащих фэнах, бьющихся о заграждения на концертах. По словам Биффа, она «немного напоминает «Heavy Metal Thunder», его новую версию»: «Это про то, как аудитория бушует у барьера».
Тема «The Devil's Footprint» («След Дьявола») основана на старинной легенде о людях, которые просыпаются в разгар зимнего снегопада и видят необъяснимые следы копыт, идут по ним, но так и не находят ответа:
«Этой легенде несколько сотен лет, и она рассказывает о людях, которые однажды проснулись и увидели следы копыт на свежевыпавшем снеге вдоль озера. И они шли по следу много миль. Это необъяснимо.
Когда я пишу тексты, мне нравится переключаться туда и обратно между сложными вещами, реальностью и рок-н-роллом», - говорит Байфорд. – «Мне кажется, что фольклор, который лег в основу «The Devil's Footprint», сделал из нее отличную металлическую песню, одновременно историческую и мифическую».
Несколько пауэрной по духу получилась вещь «Stand Your Ground» («Стой на своем»). В ней, кстати, подпевает сын Биффа Себастьян, а на муговском синтезаторе играет сын гитариста Дага Скэрратта Джейми.
Неплохой номер «To the End» («До конца»), вероятно, звучал бы гораздо интереснее в исполнении Ронни Джеймса Дио, когда тот еще пел в Rainbow, но в исполнении Saxon он звучит по меньшей мере странновато. Знаете, у вездесущего Мэта Синнера, того самого, что играет на басу в Primal Fear, есть проект Voodoo Circle, так вот, творчество этой команды, призванной воскресить традиции хард-рока 70-х, в стилистическом отношении довольно близко этому треку, да и вообще - всему альбому «Battering Ram» в целом.
Как пояснил Байфорд, «это - немного современный «Denim & Leather». Речь в ней идет о том, как мы покидаем свои дома и уезжаем на гастроли. Это - что-то в духе 70-х. Это - отличная песня. Она немного отличается от остальной части альбома».
Вообще, надо сказать, большинство треков на релизе звучат как-то вымученно, и весь материал сыгран «без особой искры». Складывается впечатление, что альбом записали и выпустили не потому, что у ребят было вдохновение, а потому что НАДО было его записать и выпустить. Ну, а потом, естественно, поехать в тур в его поддержку.
Пожалуй, единственным украшением этой, не особо примечательной пластинки, стала действительно буквально берущая за душу экспериментальная меланхоличная композиция, посвященная Первой мировой войне, «Kingdom of the Cross» («Царство Креста Господня»), где в качестве приглашенного музыканта выступил Дэвид Бауэр из банды Hell - ничего подобного Saxon за всю долгую историю существования группы своим слушателям не предлагали. А получилось довольно вкусно - таинственно-мечтательно и весьма необычно.
Лирика этой песни прекрасно передает те чувства и ужасы, которые сопутствовали этому самому жестокому из глобальных конфликтов:
«Я просто хотел заставить людей думать. Это - грустная песня. Это - то, что мы должны знать о той очень-очень странной войне. Это был спор между двоюродными братьями и дядей, и из-за этого миллионы молодых людей умерли. Это очень актуально сегодня. В некоторых городах Англии отцы и деды людей погибли на Первой мировой войне, а они даже не знают об этом. Это - часть истории, и это коснулось очень многих семей во всей Европе».
«У Найджела было музыкальное произведение, которое он пару лет играл нам на синтезаторе, и которое мне очень нравилось. Мы позвали актера Дэвида Бауэра (David Bower) – он также поет в группе HELL – чтобы он прочел стихотворный текст, а я спел припевы. Я не хотел, чтобы из этого получился обычный SAXON, поэтому в песне звучат только клавишные, бас, я и Дэйв».
|
| |
|
|
|
|
|
| "Metalhead" был одним из самых первых альбомов Saxon, которые я услышала, именно с него и началось мое близкое знакомство с творчеством этой группы. Несмотря на то, что многими этот диск был недооценен, он является примечательным во многих отношениях: во-первых, эта пластинка была первой совместной работой Saxon и известного немецкого звукорежиссера Чарли Бауэрфайнда, с которым музыканты сотрудничали долгие 10 лет; во-вторых, на данном альбоме отметился вокалист-гитарист Freedom Call - Крис Бей, который записал для него партии клавишных.
И в-третьих, этот диск стал первым для барабанщика Фрица Рандов, сменившего Найджела Глоклера, который был вынужден покинуть группу из-за полученной травмы. Впрочем, несмотря на такую неприятность, Глоклер принял самое активное участие в написании материала к этому альбому.
Вообще, по-моему, это один из самых лучших дисков группы, наряду с "The Inner Sanctum", "Lionheart" и "Sacrifice". Данная пластинка отличается довольно тяжелым и современным звучанием - чего только стоит один заглавный трек "Metalhead". В этот стальной сплав очень удачно вкраплены клавишные, что добавляет саунду еще большей мелодичности. Яркий тому пример - пауэр-боевик "Conqistador". A завершающая альбом лирическая композиция "Sea Of Life" - так это вообще нечто. Голос Биффа Байфорда просто околдовывает, завораживает... По спине сразу мурашки начинают бегать...
Кстати, мне кажется, можно провести некоторые параллели между этим диском и альбомом Helloween "The Dark Ride" (2000). В частности, в "If I Could Fly" слышатся отдаленные отзвуки "Sea Of Life", а "The Departed" чем-то смахивает на "Metalhead". Может, все объясняется тем, что оба диска записывались под руководством одного и того же продюсера - Чарли Бауэрфайнда?
|
| |
|
|
|
|
|
| Любите ли вы Saxon так, как люблю его я? Честно говоря, сомневаюсь…
Но при всей моей необыкновенной любви к этой группе, я всё же рискну написать рецензию на один из её самых слабых альбомов, опять же – по моему субъективному мнению.
Да и согласитесь: едва ли стоит ждать чего-то шедеврального от диска, записанного в такой непростой для группы период. Как раз сразу после записи данной пластинки Saxon покинул один из отцов-основателей коллектива – гитарист Грэхем Оливер. Уж слишком серьезные у него были на тот момент разногласия с лидером группы Биффом Байфордом. Но давайте всё же отвлечемся от всяких склок и сосредоточимся на самом материале.
И что же перед нами за материал? Открывает данный альбом крепко сколоченный одноименный боевичок «Dogs Of War», посвященный войне в Сараево, но за столь бодрым началом, к сожалению, следует весьма унылое продолжение, потому что следующие номера, как назло, самые что ни на есть минорные. Хотя вроде бы совсем неплоха следующая напористая «Burning Wheels», но кажется что мы все это уже где-то слышали у тех же Saxon. Если вдруг вы решите перемотать «Don't Worry» и «Big Twin Rolling (Coming Home)», то уж точно много не потеряете – ничего особенного эти композиции из себя не представляют. Неплохо на общем сероватом фоне выделяется задорненькая «Hold On», следующая тяжеловесная «The Great White Buffalo» едва ли произведет на вас сильное впечатление, но на концертах она в свое время звучала действительно недурственно. Следующие три композиции смело пропускайте – там все тот же привычный рок-н-ролл в духе AC/DC, а вот заключительная вещица «Yesterday's Gone» меня и правда зацепила – весьма запоминающийся припев сделал свое дело.
Ну, что я могу сказать? Любители напористого хэви-метал в духе Running Wild вряд ли найдут для себя на этом диске что-нибудь интересное, ибо хэви-метала, как такового, здесь нет в принципе – материал представляет из себя нечто среднее между типичным хардом и рок-н-роллом, и абсолютно ничего нового не несет. Есть у Saxon и гораздо более сильные альбомы, взять хотя бы тот же «Unleash the Beast», который увидел свет всего два года спустя после этой, ничем не примечательной работы.
|
| |
|
|
|
|
|
| 20 июня 1988 года увидел свет, пожалуй, самый неоднозначный альбом во всей богатой дискографии Saxon «Destiny» («Судьба»). Он был записан на студии «Hook and Manor», Беркшир, Соединённое Королевство в 1988 году и вышел на лейбле «EMI Records».
Что скрывать, многим данный диск пришелся не по душе, ибо совсем не этого старые фэны ждали от британцев. Тем не менее, мелодичный хард-н-хэви в духе Bon Jovi, Europe и Def Leppard, явленный на суд публики на этой пластинке, по моему скромному мнению, вовсе не так уж плох, как это принято считать. Ну, как говорится, каждый пусть решает для себя сам.
В одном из своих поздних интервью, бессменный лидер Saxon, Бифф Байфорд, так отзывался о том периоде в истории коллектива:
«Когда мы работали над «Destiny» в 1988 году, группа была в довольно плачевном моральном состоянии. Продюсер добавил много клавишных в песни уже после того, как мы их закончили. Честно говоря, мы просто упустили это. Но думаю, что мы извлекли важный урок из этого: не позволяйте другим людям управлять своей машиной».
Не знаю даже почему, но лично я этот альбом очень люблю, несмотря на всю его "попсовость". Какой-то особенный, необычный, он у них получился - явно не в их ключе, но все равно интересный.
И, несмотря на то, что на "Destiny" британцы значительно отдалились от своих бунтарских корней, тем не менее, и в этом новом для них стиле у Биффа и Ко получается писать яркие запоминающиеся номера. Ну, или перепевать старые - на данном студийнике Saxon представили свою версию знаменитого хита Кристофера Кросса «Ride Like the Wind» («Лететь как ветер», 1979), которая, как мне кажется, звучит здесь ничуть не хуже, а, может быть, даже и лучше оригинала:
«Наш продюсер (Стефан Гальфас) спросил нас, не хотим ли мы сделать какой-нибудь кавер, а мне нравится именно эта песня, всё очень просто. На самом деле всё сводилось к выбору между этой песней (песня Кристофера Кросса) или старой песней Animals, я сейчас не помню названия. «Ride Like the Wind» была самой лучшей песней Кросса в Америке; оригинал гораздо более ориентирован на джаз/рок, послушайте альбом, с которого эта песня, может вам понравится. Я не думаю, что есть что-то плохое в том, чтобы делать кавер-версии, раз уж вы хотите отдать должное песне. Суть в том, что мы все просто любим «ездить как ветер»; в песне есть настоящий бунтарский настрой».
«Мне просто понравилась песня. Кристофер Кросс - это неплохой автор песен, и сама композиция отличная, очень оригинальная. Мы просто приспособили ее к рок-музыке. Я думаю, что наша версия, на самом деле, довольно удачная. Вы знаете, когда мы играем в Испании или в странах Латинской Америки, люди всегда просят нас сыграть эту песню» (Бифф Байфорд).
На нее и на чувственную балладу «I Can't Wait Anymore» («Я не могу больше ждать») были сняты клипы.
Лирическую тему "I Can't Wait Anymore" назвать иначе, чем шедевром, у меня язык просто не поворачивается – в этой композиции голос Байфорда звучит столь сладостно и томительно, как он не звучал еще нигде и никогда:
«На самом деле это просто песня о любви. Речь идет о том, что твоя девушка/парень приносит тебе кучу проблем. Больше я ничего не могу вам рассказать».
Все остальные песни – тоже на уровне. В номере «Where The Lightning Strikes» («Куда ударит молния»), по словам Биффа, идет речь о путешествии по жизни:
«Речь идет о движении навстречу своей судьбе, будь вы журналистом или шахтером».
Величественная "For Whom The Bell Tolls" затрагивает проблемы свободы, мира и войны:
«Речь идет о Берлинской стене. Вы когда-нибудь были в Берлине? Это довольно интересное место. Легенда гласит, что когда в Берлинском соборе зазвонят колокола, стена рухнет. Я хотел бы увидеть, как стена исчезнет, я думаю, что большинство людей тоже этого хотят - я думаю, что это не повлияет на меня так сильно, но это было бы хорошо для людей, которые живут там».
Трек «Calm Before The Storm» («Затишье перед бурей») посвящен отцу Биффа Байфорда:
«Эта песня посвящена моему отцу. Речь идет об угольных шахтах в Йоркшире и рыболовецких флотилиях, которые сейчас все ржавеют. Речь идет об экологии. В принципе, больших рыболовецких флотов больше нет, потому что не осталось ни одной рыбы! И многих угольных шахт уже нет, но я не скучаю по ним, я думаю, что это чертовски ужасные места! Я просто скучаю по культуре и традициям, которые сопровождали всё это; вот о чем эта песня».
Мелодичная тема «S.O.S.» повествует о гибели Титаника:
«Это про катастрофу Титаника. По крайней мере, именно с этого начиналась песня, но потом она переросла во что-то более глубокое. Речь идет о вере людей в такие вещи, как, например, "Титаник". Всё дело было в том, что корабль был непотопляем, и люди верили в этот массивный кусок железа и дерева. Смысл в том, что мы не должны принимать вещи как должное, определенно нет!»
В балладе «Song For Emma» («Песня про Эмму»), по словам Биффа, «речь идет о девушке, которую мы знали в Америке, которая покончила с собой - я не знаю, почему она это сделала, но очевидно, что она действительно чувствовала себя чертовски плохо. Я полагаю, что песня не только о ней, но и о ситуации в целом».
Жизнеутверждающий гимн «We Are Strong» призван убедить нас в том, что «Мы сильны»:
«Это – «Denim & Leather» четырёхлетней давности. Жизнь продолжает сбивать тебя с ног, но ты поднимаешься. Ты принимаешь все удары, и встаёшь с земли. Все ищут на кого можно опереться. Верь в себя - вставай и сражайся!».
В номере «Jericho Siren» («Сирены Джерико») «речь идет о бомбардировках Польши во время Второй мировой войны. «Иерихонская сирена» - так на самом деле называлась та штука, которую они подкладывали под бомбардировщики, чтобы люди в городах, которые вот-вот подвергнутся нападению, знали, что их ждет неминуемая смерть. Однако, как бы то ни было, война - это хорошая тема для рока - я, безусловно, заинтересован в ней и в атрибутике, которая ее окружает. Мы всегда поем хорошие военные песни».
А закрывающая альбом композиция «Red Alert» («Красная тревога») посвящена аварии на Чернобыльской АЭС, случившейся 26 апреля 1986 года:
«Знаете, когда Чернобыль взорвался, мы были в Польше, где-то рядом с российской границей, и песня посвящена всему этому инциденту. Мы поехали в Венгрию, и это было там, потом мы поехали в Вену, и там тоже было облако радиации. Это действительно страшно, атомная энергетика. Как и СПИД, она не имеет никаких границ, никаких классовых барьеров, она просто сносит всё, что мешает. Самое странное в Чернобыле то, что мы были так близки к этому инциденту, но нам не сказали об этом, пока мы не вернулись в Великобританию, потому что в коммунистических странах они скрывали подобную информацию».
На самом деле мне кажется не вполне справедливым, что в среде поклонников Saxon принято принижать значение альбома "Destiny", при этом неимоверно возвеличивая диск "Solid Ball of Rock" (1990), но, по сути, "Solid Ball of Rock" - прямое, я бы даже сказала, вполне логичное продолжение "Destiny", как всегда, сыгранное вкусно, живо, свежо, с рок-н-ролльным задором.
|
| |
|
|
|
|
|
| В общем-то, музыка подобного плана меня никогда особенно не интересовала, но поскольку я с огромным уважением отношусь к творчеству Saxon и к ее бессменному лидеру Биффу Байфорду, я посчитала своим долгом ознакомиться с данной работой.
Когда я только услышала этот диск, первые впечатления у меня были примерно такие: довольно приятная музыка, естественно, без претензий на шедевральность. Хотя, думаю, шедевра никто из нас и не ждал. Вокал Байфорда, как всегда, звучит мощно и убедительно. Из всех композиций особенно хочется выделить "Pariah", которая, пожалуй, вполне может даже претендовать на звание хита, очень атмосферную и расслабляющую "Some Nightmare" и "Beware The Children" (на нее, кстати, был снят клип), а вот что касается последнего трека - его аранжировка мне не понравилась совершенно, по-моему на альбоме "Call To Arms" он звучал значительно интереснее.
В целом диск весьма неплохой, и поклонникам жанра может даже понравиться, но все-таки это как-то не мое. Может быть, тут еще сказалась такая вещь, что я в принципе не люблю любую музыку с приставкой "симфо-" и обилием клавишных, но, по-моему, альбом звучит несколько модерново и излишне современно, начало той же "Pariah" у меня сначала грешным делом вызвало странные ассоциации с "St. Anger" Металлики, но, к счастью, мои опасения не оправдались - хорошая песня в итоге получилась.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не устаю поражаться, как много у нас недооцененных групп. И одна из них – австралийская команда Eyefear. Честно сказать, я никогда особо не любила прог, и если бы не один счастливый случай, вряд ли бы я вообще когда-нибудь обратила свое внимание на эту группу.
Мое знакомство с творчеством Eyefear началось с альбома «The Unseen», пожалуй, именно эта пластинка и является самой лучшей в их дискографии.
Открывает диск короткое интро «Hypnosis», за которым следует просто завораживающая своей красотой композиция «Illusions». Без сомнения, это одна из самых лучших вещей за всю историю существования коллектива. Помимо нее, на альбоме присутствуют еще несколько бесспорных шедевров: размеренная и величественная композиция «Always Reasons» и, конечно же, «Confessions». Весь альбом слушается буквально на одном дыхании, одна композиция плавно перетекает в другую. Сама структура песен довольно сложная и интересная, но, тем не менее, все воспринимается достаточно легко, не возникает ощущения излишней перегруженности и «заумности». Кроме того, музыке этой группы присущи какая-то своя мелодичность, узнаваемая буквально с первых нот, и определенная доля мрачночности, позволяющая классифицировать ее как прогрессив-пауэр-дарк метал.
Я думаю этот диск вполне может прийтись по душе и любителям старого-доброго хард-рока в духе ранних Rainbow. Тем более, что манера пения вокалиста Дэнни Чекати порой напоминает великого Ронни Джеймса Дио. Вообще про вокал здесь нужно сказать отдельно: то он удивительно душевный и лиричный, нежный и проникновенный; то он драматичный, страстный, неистовый и напористый. Вокальный диапазон Чекати необычайно широк, Дэнни вполне может петь и как Дио, и как Роб Хэлфорд (что он доказал еще во времена своего пребывания в Pegazus), но при всем при этом он достаточно самобытен.
|
| |
|
|
|
|
|
| Надо сказать, что в богатой истории Yes наряду с несомненной классикой присутствует и достаточное количество спорных альбомов, получивших неоднозначную оценку. Альбом “Drama” один из них. Несмотря на то, что альбом в целом пошел хорошо, особенно в США, все же среди части фанатов он вызвал противоречивые эмоции. Дело в том, что на тот момент в группе произошел ряд серьезнейших изменений, связанный с уходом сразу двух ключевых участников – вокалиста Джона Андерсона и клавишника-виртуоза Рика Уэйкмана. Предыдущий альбом “Tormato” был принят публикой не очень хорошо, что пошатнуло уверенность группы в собственных силах. К тому же, на заре была новая музыкальная эпоха, и классики арт-рока не имели четкого видения, куда им двигаться дальше. Все это накладывалось на общую эмоциональную усталость музыкантов, было утрачено ощущение единства.
После ухода Андерсона и Уэйкмана оставшиеся участники приуныли, решив пока что забросить дела группы и просто поиграть в свое удовольствие. Однажды они репетировали в небольшой лондонской студии, и в соседнем помещении оказались Тревор Хорн и Джефф Даунс из The Buggles – модного new wave/synthpop дуэта, который как раз выпустил тогда очень успешный сингл. Тревор и Джефф были большими поклонниками Yes, и естественно вскоре все музыканты оказались в одном помещении. Решили вместе поджемовать, тут же появились интересные идеи… В итоге Тревора и Джеффа пригласили присоединиться к группе. Злые языки тут же прозвали обновленных Yes The Yeggles. Хотя, как вспоминал впоследствии Крис Сквайр, ему потребовалось приложить усилия для того, чтобы уговорить Тревора стать фронтменом Yes. Будучи поклонником группы и оригинального вокалиста Джона Андерсона, Тревор Хорн понимал, какую ответственность ему предлагают взвалить на свои плечи.
Однако, так или иначе, непринужденность первой встречи передалась и всему процессу работы над новым альбомом, который был сочинен и записан достаточно быстро. Что не удивительно, учитывая высокий профессионализм всех музыкантов и продюсерский опыт Тревора Хорна. Следует сказать, что “Drama” совершенно не заслуживает той несправедливой критики, которую время от времени получает и сегодня. По сути, смысл критики по большей части сводится к тому, что Тревор Хорн не Джон Андерсон. Вот и все. Конечно, ему было тяжело. Несмотря на великолепную музыку, представленную на альбоме, Хорна приняли не все, что особенно ощущалось во время британской части турне. Но необходимо отметить, что Тревор все же прекрасный вокалист и оказался очень близок по диапазону к Джону Андерсону. Он отлично справлялся не только с собственными вокальными партиями, но и с большинством партий своего предшественника.
Что касается содержания альбома в целом, он получился очень насыщенным. На нем группа нашла идеальный баланс между классическим арт-роком и музыкой новой волны, на которую Yes до этого поглядывали одним глазом, но не могли найти верный подход. Конечно, по сравнению с предыдущими записями в музыке поубавилось симфоничности и стало больше атмосферности, прежде всего за счет звучания клавиш. Стиль игры Джеффа Даунса заметно отличается от предшественников и был более современным на тот момент. Постоянное присутствие клавишных партий в музыке отнюдь не навязчиво и прекрасно вписывается в общую звуковую картину, идеально сочетаясь с остальными инструментами. Также композиции обрели выраженный песенный формат, более прямолинейную подачу и акцент на ритм. Но присущее группе изящество никуда не делось. Это все тот же проговый Yes, только с осовремененным звучанием и новыми правильно расставленными акцентами. Если до этого группа временами грешила излишней затянутостью, то здесь даже продолжительные композиции звучат более сфокусировано и лаконично. “Drama” вообще производит весьма целостное впечатление. Несмотря на комплексность материала, альбом отлично ложится на слух и поэтому выделить отдельные темы достаточно сложно. Хотя моим личным фаворитом является “Into the Lens” – великолепная, эмоциональная вещь, которую можно смело занести в золотой фонд Yes. Именно на этой композиции, как мне кажется, группе удалось идеально соблюсти упомянутый баланс между классическим арт-роком и звучанием, более соответствующим духу того времени. Также я бы выделил вступительный эпик “Machine Messiah”, который отличает непривычно тяжелый основной думовый рифф в духе Black Sabbath (!) и весьма жесткое солирование Стива Хау на фоне арт-роковых аранжировок. Но, опять же, это только личные предпочтения и остальные вещи ничуть не хуже. Отдельно следует отметить четкий микс и очень классные аранжировки. В них присутствует… некая «целесообразность», по-другому даже не могу выразиться.
В завершение можно с уверенностью сказать, что “Drama” – это отличный, очень интересный, эмоционально богатый и сбалансированный альбом, обозначивший то направление, в котором группа могла бы двигаться и дальше. На нем действительно много хорошей игры и музыки. Новые люди оказались не только состоявшимися музыкантами, но и прекрасными авторами. Во многом благодаря их приходу Yes удалось удачно вписаться в новое звучание. При этом, в отличие от большинства музыки того времени, “Drama” и сегодня звучит интересно. К сожалению, этому составу не удалось долго продержаться вместе. Отчасти из-за того, что сами музыканты не до конца чувствовали себя на своем месте. Да и Тревор Хорн был все же больше продюсером, чем фронтменом. К счастью, в будущем именно в этой роли он продолжит сотрудничество с Yes. А однажды в группу вернется и Джефф Даунс…
|
| |
|
|
|
|
|
| Есть знаменитые группы, которые уже своим ранним творчеством совершают прорывы в музыкальной индустрии и затем постоянно пользуются старым багажом наработанных идей и приемов. Мы знаем много таких команд. Есть известные коллективы, получившие популярность в ходе развития какого-либо музыкального стиля, но в дальнейшем пытающиеся экспериментировать, идти в ногу со временем и кардинально меняющие стиль, манеру подачи своих музыкальных творений. Таких команд тоже немало. Ну есть еще и музыкальные «троечники», в начале своей карьеры не имевшие шансов ворваться на вершину пропагандируемого стиля из-за тотальной вторичности, но лет через двадцать пять начавшие выпускать приличные альбомы, достойные исполнителей высшего эшелона трэша. Это про EXUMER.
Мне помнятся многочисленные лого EXUMER-а на обложках специализированных металлических изданий середины-конца 80-х, но при этом я точно помню, что уровень популярности был на умеренно локальном уровне. Альбомы EXUMER-а не обсуждались бурно среди тогдашних металлистов и не являлись предметом зависти, в отличие от свежевыпущенных дисков METALLICA, MEGADETH или SLAYER, KREATOR, SODOM или DESTRUCTION, а позднее SEPULTURA или SARCOFAGO. Первые два LP группы продемонстрировали глобальное влияние на их стилистику американских пионеров трэш-метала (первый альбом - METALLICA, второй – SLAYER). Хотя материал сугубо вторичный, но сыгран весьма бодро и напористо. Можно послушать, а можно и не послушать (ИМХО).
С последним номерным альбомом «Hostile Defiance» ознакомился почти случайно и получил громаднейшее удовольствие к своему удивлению, т.к. ждал чего-то второсортного в духе работ 80-х. Нет, здесь все совершенно по-другому. Такое ощущение, что музыканты все эти годы упорно тренировались и работали, чтобы наконец-то выдавать высококачественный трэш мирового уровня. Если главные ветераны стиля зачастую в последние годы производят продукт сомнительного качества, то EXUMER, никогда не блиставший в годы расцвета трэша, здесь отменно подготовлен, свеж и грамотно рубит свои убойные композиции. Мне слышится: великолепная ритмичная риффовка, методичный паровой каток ударных, вменяемый трэшевый вокал, качественный жирный звук, чуть-чуть грува в отдельных композициях. Создается ощущение, что нынешнему составу просто очень нравится исполнять актуальный материал.
После неоднократных прослушиваний альбома прекрасно видно отсутствие каких-либо неожиданных или оригинальных музыкальных решений, иногда фрагменты композиций навевают ассоциации с чем-то многократно слышанным, но при этом не вызывают отторжения, а скорее наоборот - есть желание слушать и наслаждаться дальше. Господа Von Stein и Ray Mensh (оригинальные участники группы) с относительно новыми членами коллектива (первый номерной нынешнего состава вышел в 2012 году и с тех пор менялся лишь второй гитарист) не стали пытаться выдумывать чего-то сверхновое или скрещивать нескрещиваемое, чтобы как-то выделиться в сонме старых и новых трэш-коллективов. Музыканты просто навсего грамотно переиграли общеизвестные стилевые клише, но как говорится с чувством, с толком и расстановкой. А на выходе случился актуальный немецкий трэш уровня высшего эшелона и неизвестный в широких кругах металлической общественности, увы…
Да, еще, предыдущие номерные альбомы «Fire & Damnation» (2012) и «The Raging Tides» (2016) мне тоже пришлись по душе, где-то на близком уроне с «Hostile Defiance», с той лишь разницей что где-то чуть больше элементов грува, где-то звук более резкий и звонкий, где-то продюсер другой. Обе работы хороши.
|
| |
|
|
|
|
|
| Новый альбом Bloodbound продолжает линию прошлого диска "War of Dragons": обычный, ничем не выдающийся, но хорошо записанный и грамотно сыгранный европавер с хрестоматийными текстами и не менее стандартными песнями; из разряда альбомов, которые не вызывают раздражения при прослушивании, и могут даже понравиться, но забываются уже через несколько часов. Сложно было ожидать от шведов чего-то нового, ведь всю свою оригинальность они уже лет десять как растеряли после действительно сильного альбома "Tabula Rasa".
Очередной диск шведской команды можно было бы запросто заклеймить грифом "для фанатов предыдущей части" и оставить в покое, но несмотря на весь скепсис, местами диск приятно удивил. Возможно, все дело в классной хитовой открывашке, которая создаёт какое-то мечтательное, сказочное настроение, сродни саундтреку кинохита девяностых "Neverending Story". Яркое вступление обращает на себя внимание и заставляет более пристально прислушиваться к остальному материалу. Благо, вслушиваться есть во что. Неплохой высокий вокал, запоминающиеся припевы, местами довольно интересные и талантливые соло и достойное качество записи добавляют пластинке положительных баллов, особенно если вам по душе материал представляющий из себя смесь Stratovarius, Sabaton и Blind Guardian в одном флаконе. От первых шведы взяли достаточно скоростную павер-основу, от вторых пафосные хоровые припевы, а от третьих фолково-фентезийное настроение. И, какую бы песню с альбома вы не взяли, все три компонента будут в ней присутствовать, разве что в разных пропорциях. Если внимательнее присмотреться к текстам, станет ясно, что музыканты вдохновлялись невероятно популярной ныне, хоть и подрастерявшей очки на фоне спорной концовки сериала, вселенной "Песни Льда и Пламени", но можно и не присматриваться, там все то же: драконы, пламя и мужики с большими мечами.
Опять же, не буду утверждать, что это выдающаяся работа и новое слово в жанре (это вообще возможно?), но своего фаната альбом, вероятно, найдет благодаря удачным и хитовым мелодиям, которые запоминаются и приносят удовольствие от прослушивания. Это забавно, ведь при знакомстве с диском умом понимаешь, что вся это пустое и неоригинальное, обычный хеппи-павер с наивными текстами и заезженными ходами, который не может соперничать даже с их собственным творчеством прошлых лет, но сердцем в то же время чувствуешь, что звучит диск приятно. "Rise of the Dragon Empire" это, безусловно, фоновая музыка, но в этом качестве она работает на удивление неплохо.
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
| |
|
|
|
|
|
| В мае 2018 года Power Tale объявили о краудфандинговом сборе на запись нового альбома. Жанровая принадлежность, как и литературная основа оставались прежними – метал-опера «Огненный Бог Марранов» по мотивам одноимённой сказки Волкова. Сбор средств был успешно завершён уже в октябре 2018 и группа приступила к записи одного из самых длинных альбомов в истории тяжёлой музыки на просторах СНГ.
Театр, как известно, начинается с вешалки. Ну а знакомство с оперой – с изучения либретто, устанавливающего законы мира произведения и дающего основное понимание сюжетных ходов. И вот здесь кроется показательный момент, указывающий насколько Станислав Осычнюк и его друзья скрупулёзно подошли к своему творению. Есть обычное краткое либретто, присутствующее в каждой опере – кто, куда, зачем пошёл и что наделал. Всё, что глубже – через музыкальный материал и возможности воображения слушателя. Power Tale поступили уникально – вместе с музыкальным диском идёт повесть Сергея Непокупного «Огненный Бог Марранов». Это не краткое переложение сказки Волкова, тем более что по объёму они ещё могут поспорить друг с другом. Нет, это именно литературное произведение, с законами мира Power Tale, раскрывающего характеры героев и сюжетные перипетии. И я настоятельное рекомендую каждому слушателю сначала прочитать повесть – она написана хорошим языком, читается легко. Ну и главное, она даёт ответы на многие вопросы, делает всех персонажей более яркими, многогранными. Наконец, кульминационный момент оперы, итоговую битву всех против всех. На мой взгляд, причина этой битвы, почему не только марраны, но мигуны с жевунами ринулись убивать друг друга, является одним из основных посылов авторов оперы. И раскрывается он только в полной версии либретто ОБМ Power Tale.
С чего же стартует метал-опера? Разумеется, с симфонического инструментала. Конечно, сейчас самые захудалые команды подписывают людей, которые пишут им оркестровки-открывашки, правда, дальнейшее качество материала сразу чётко проводит границу между призванными варягами-профессионалами и слабыми членами групп. В случае Power Tale всё в порядке: «Увертюра» сразу настраивает на сказочно-волшебный мир, тревожными нотами дарит ощущение, что предстоит наинтереснейшее полуторачасовое путешествие.
«…судьба так редко даёт второй шанс.
Возьми что можешь, сегодня, сейчас!
Открой ей двери, и ты на коне –
Пусть мир услышит опять обо мне!..»
Сюжет удачно даёт возможность вступить в игру первыми одним из лучших героев прошлых частей – дуэт Урфина Джюса в исполнении Анатолия Щедрова и Карфакса в исполнении Дмитрия Ленковского. И дальнейший постепенный ввод персонажей, вплоть до Железного Дровосека в последней трети оперы, позволяет гармонично наслаждаться ролью каждого из них. Нет таких, кто исполнил несколько строчек в одной из песен, и далее не появляется в сюжете. Каждый из героев получил своё яркое воплощение усилиями вокалистов. Кстати, отмечу – не знаю, читали ли Power Tale отзывы на свою прошлую оперу, где одной из основных претензий (и моей в том числе) была схожесть голосов персонажей, но в любом случае этой проблемы больше нет. Несмотря на то, что персонажей больше десяти, и лишь один из них женский (хорошо, с учётом Танжери, два), в этот раз каждый обладает достаточно уникальным тембром, поэтому за весь час сорок прослушивания мне не понадобилось либретто, чтобы определить кто из персонажей исполняет свою роль.
Структурно опера построена очень комфортно для слушателя – как сюжетно, так и музыкально. Темп периодически меняется, мощные боевики сменяются среднетемповыми кусками, героические запевы – лирическими отступлениями. Никакого однообразия. В УДиЕДС мне практически не запомнилась гитарная работа – нет, исполнено было профессионально, но каких-то ярких моментов, «вау-эффектов» не хватало. В ОБМ с этим всё в порядке, начиная от ритм-секции, и заканчивая красивыми соло в каждой песне. Как водится, кульминация наступает тринадцатиминутном эпике «Сталь и Кровь». Как сюжетная, так и музыкальная. Очень редко, когда первым в душу среди всех треков западает столь длинная и сложная композиция, но именно так и происходит в ОБМ. Соло Щедрова «Памяти» - как шестиминутная пауза для осмысления произошедшего, а лирический «Гимн Свободы» в исполнении Побужанской – как мост, по которому с переполненной сумкой впечатлений можно вернутся в наш реальный мир.
Я бы мог остановится и выразить восхищение подробно каждой песне – но тогда размер моего отзыва вырастит до размеров либретто Непокупного :)
Наконец, звучание – ещё на EP «Семь Подземных Королей» было слышно, что Power Tale идёт к утяжелению звука. Конечный результат на ОБМ восхитителен. «Жирненько», «сочно» никакой «плоскости звука», «забиванию» одних дорожек других. Идеальный звук для жанра.
Подводя итог, чаще всего музыкальным шедевром признаётся какой-нибудь альбом, открывший новые течения, привнёсший новые веяния в музыку, изменивший жанр. Однако, на мой взгляд, шедевром может стать и творение, выполненное по всем канонам. Талант музыкантов, помноженный на скрупулёзную, профессиональную работу – и вот мы имеем прекрасный альбом, ювелирности которого позавидуют корифеи жанра.
Поэтому моя оценка – 10/10. Уверен, творение Power Tale будем переслушивать с огромным удовольствием спустя многие годы и мы, и следующие поколения слушателей.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Apocalipsis» в каком-то смысле - переходный альбом – на нем нашлось место как тяжелым хэви-металлическим боевикам, так и чисто хардовым вещам, но, тем не менее, почти в каждой композиции есть что-то цепляющее.
Очень жаль, что после этой студийной работы Анхель и Ко решили изменить курс и стали двигаться в направлении облегчения звучания. Собственно, и на рассматриваемом диске уже слышны отзвуки поздних Tierra Santa, но здесь все выглядит достаточно органично.
По словам cамого лидера группы, Анхеля Сан Хуана, название пластинки «Апокалипсис» - это призыв к совести людей, которые причиняют зло Земле (голод, войны и т.п.), что в итоге может привести нас к апокалипсису.
Из лучших песен на альбоме хочется отметить крепкий хард-роковый номер «Nerón» с запоминающимся припевом, посвященный древнеримскому императору-злодею, буквально крышесносящий, ураганный боевик «Apocalipsis» и размеренную тему «Rumbo a las estrellas» («Путь к звездам») – своего рода гимн свободе.
Весьма приятное впечатление оставляют хардовые темы «Nací siendo libre» («Рожденный свободным») и «Soñar con ella» («Мечтать о ней»), посвященная любовной тематике, а также задорные вещицы «Kamikaze», в которой идет речь о японских летчиках-смертниках, «El grito de la tierra» («Крик земли»), повествующая о конце света, и «Esta tierra es mía» («Это моя земля»).
Может быть, эта пластинка в чем-то немного и уступает предыдущим, но, в целом, диск очень хорош. Поэтому всем поклонникам стиля рекомендую с ним ознакомиться.
От себя могу сказать, что лично мне «Апокалипсис» понравился не с первого прослушивания, но потом я на него так подсела, что буквально заслушала до дыр.
Кстати, в качестве бонуса к альбому прилагается еще DVD, на котором представлено интервью с группой, документальные материалы, а также несколько композиций с фестиваля Lorca Rock, которые были записаны 15 августа 2003 года и не вошли в DVD «Las mil y una noches».
Так что, если вы приобретете этот студийник, вам повезет вдвойне.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пожалуй, опущу очень длинную историю о том, каким образом данный диск оказался в моей коллекции… Да и не в этом, собственно, дело...
Весь смысл в том, что если вы живете и дышите хэви-металом, то вы совершенно точно пришли по адресу. Самые лучшие хиты в живом и эмоциональном исполнении испанской команды Tierra Santa, преимущественно с дисков «Tierras de leyenda» (2000) и «Sangre de reyes» (2001), вам гарантированы. Анхель Сан Хуан еще, что называется, в самом соку, другие музыканты тоже не лажают… Так что, приготовьтесь…
Фронтмен и по совместительству гитарист группы - Анхель – очень эффектный, харизматичный брюнет с волосами до бедер, произвел на меня - хрупкую и ранимую девушку необычайное впечатление… В него просто невозможно не влюбиться.
Признаюсь, я в своей жизни слышала и гораздо более сильные голоса, то этот почему-то наиболее близок мне, и, что называется, цепляет за живое. Его голос обладает какой-то необъяснимой притягательностью, вроде бы и не гениально, но ранит прямо в самое сердце…
Далеко не все металлические команды способны выдавать столь яркое шоу, но Tierra Santa зажигают, что называется, еще будь здоров. Чувствуется, что музыканты получают удовольствие от того, что они делают.
В свое время данный лайв я засмотрела буквально до дыр. Он у меня вызвал просто шквал эмоций и нереальное восхищение.
Поэтому если вдруг вы где-то увидите этот концертник, то покупайте сразу безо всяких колебаний. Все-таки положительные эмоции – это то, ради чего мы с вами, по сути, живем.))
|
| |
|
|
|
|
|
| Перед нами последний альбом Tierra Santa, выпущенный перед роспуском группы. Собственно, и неудивительно, что после его выхода парни решили разойтись каждый по своим делам.
Потому что это - самый слабый диск из всего творчества коллектива до распада, самый легкий и самый «мягкий». Честно говоря, назвать эту музыку хэви-металом и тем более пауэром у меня просто язык не поворачивается. Просто коммерческий хард-рок, местами довольно приятный, но, в целом, материал, представленный на данной пластинке, не демонстрирует никаких новых интересных идей и имеет крайне мало общего с ранними работами команды. Вы не найдете здесь привычных напористых боевиков – им уступили место среднетемповые и размеренные композиции. В каком-то смысле можно сказать, что именно с этого альбома закончился первый и начался второй этап развития группы (если, конечно, это можно назвать развитием), и уже после своего воссоединения в 2010 году испанцы стали играть примерно такую же музыку.
Позднее Анхель Сан Хуан рассказывал в интервью, что этот полноформатник они выпустили только потому, что должны были это сделать согласно контракту с их тогдашним лейблом Locomotive Records, а взять перерыв в студийной и гастрольной деятельности ребята планировали еще в 2007 году.
Из самых лучших вещей на диске хочется отметить открывающий заглавный номер «Mejor morir en pie» («Лучше умереть стоя») с довольно нестандартным началом и следующий трек «Un grito en el aire» («Крик в воздухе») с запоминающимся хитовым припевом и танцевальным ритмом.
Неплоха песня «La impureza de la amistad» («Примесь дружбы»), но чего-то в ней не хватает. Немного попсовая баллада «Hoy vivo por ti» («Сегодня я живу для тебя») очень хорошо слушается под настроение, но лично для меня она звучит как своеобразный реквием по старым Tierra Santa, которые, наверное, уже не вернутся никогда…
Если анализировать тексты песен, то необходимо отметить, что это – самый лиричный альбом Tierra Santa, самый интимный. Лирика, написанная для этой пластинки лидером группы – Анхелем Сан Хуаном, очень глубокая и серьезная - она посвящена таким вечным философским понятиям, как любовь, дружба, свобода…
Я не знаю, какие на тот момент у него в жизни происходили события, но можно предположить, что для Анхеля это был период некоего переосмысления жизненных ценностей, поисков себя…
Но философия - философией, а музыка - музыкой… А интересных музыкальных идей на этом альбоме, к сожалению, не наблюдается…
В общем, унылый и скучный альбом во всех смыслах... Не советую с него начинать знакомиться с творчеством Анхеля и Ко, ибо, боюсь, что это грозит вам серьезным разочарованием…
|
| |
|
|
|
|
|
| Это поистине удивительная история. Достойная художественного воплощения. Пусть и не в формате романа-бестселлера или фильма-блокбастера. Просто фильма и просто романа. Ничего при этом не придумывая. Вот краткое содержание для желающих заняться тем или другим.
12 апреля 1944 года в городке Тильзит, Восточная Пруссия (Германия), ныне г. Советск, Калининградская обл. (Россия), родился мальчик, в свидетельстве о рождении которого было записано: Joachim Fritz Klauledat. Его отец погиб на восточном фронте за месяц до его рождения. В начале 1945 года его мать с маленьким Йоахимом на руках бежала от наступающей Советской Армии из Восточной Пруссии. Их поезд застрял возле Арнштадта, который на тот момент занимали американцы, но под натиском Советских войск американцы убрались западнее Берлина и эта территория оказалась частью восточногерманской зоны Советского влияния. В 1949 году женщина с маленьким черноволосым мальчиком в числе группы удачливых беженцев сумела пересечь границу ГДР и ФРГ и перебраться в г. Ганновер (об этом песня "Renegade" Джона Кея из альбома "Steppenwolf 7"). Уже будучи подростком, Йоахим часто слушал радио Вооружённых сил США, базирующихся на территории Западной Германии в составе НАТО. Его глубоко затронула и увлекла популярная в те годы (середина 50-х годов) музыка на английском языке, в особенности рок-н-ролл. Он не знал ещё тогда английского, но первобытная энергетика той музыки проникла в его душу и сознание, прививая и притягательный образ личной свободы, о чём пели англо-американские музыканты, и всё более и более растущий интерес к американской культуре. В 1958 году семья Йоахима Фритца переехала в Канаду.
Минуло семь лет, мальчик вырос, окончил школу в г. Торонто (канадская провинция Онтарио), освоил гитару и английский язык. В 1965 году, в год своего совершеннолетия, Йоахим Фритц Клауледат становится Джоном Кейем и присоединяется к одной из местных музыкальных групп The Sparrows ("Воробьи"), игравшей примитивный фолк и блюз-рок. Однако, в 1966 году на одной из местных студий "Воробьи" записали несколько песен (в частности, "Tomorrow's Ship" и "Isn't It Strange").
Летом 1967 года группа Jack London & The Sparrows (под Джеком Лондоном следует понимать присутствие в составе Джона Кея) в поисках работы через Сан-Франциско добрались до Лос-Анджелеса. Где-то в одном из пригородов Л.А. они устроились играть в какой-то кофейне, постепенно отходя от традиционных рок-н-роллов и медляков, что пользовались стабильным спросом на калифорнийском побережье, и всё более увлекаясь утяжелением своего саунда, ориентируясь на британский рок. Именно там их впервые и услышал ещё совсем молодой продюсер Гэбриел Меклер, которому группа и доверила своё будущее.
Г. Меклер взялся продюсировать перспективную команду, однако, чтобы уверенно двигаться вперёд и дальше, пришлось произвести перестройку состава и сменить заурядное название. Таким образом, к трём из пяти оставшихся "канадцев" (Джон Кей, вокал и гитара; Джерри Эдмонтон, ударные; Голди Макджон, клавишные) присоединились "американцы" Раштон Морев, бас-гитара, и юное 17-летнее дарование Майкл Монарх, гитара, занявший место Денниса Эдмонтона, ушедшего строить сольную карьеру под псевдонимом Mars Bonfire. Новое же название группе предложил сам Меклер, на которого произвёл впечатление не так давно прочитанный им роман "Степной волк" швейцарского прозаика первой половины текущего столетия Германа Гессе. Никто из музыкантов об этой книге ничего не знал, потому и возражений не последовало.
Так, собственно, и сформировалась группа Steppenwolf, а их первый контракт Г. Меклер согласовал с компанией ABC Dunhill Rec. Первым делом был записан сигнальный сингл "A Girl I Knew", а в конце 1967 года и большой LP. За несколько дней студийной работы. По тем временам - обычное дело.
На этом, в общем-то, художественная часть обзора завершена. Далее - непосредственно о самой дебютной пластинке "Steppenwolf".
"Я люблю дым и молнии, гром тяжёлого металла, гоняющегося с ветром..." - строка из песни "Born To Be Wild". Когда-то на обложке одного из номеров журнала "Billboard" в качестве рекламного постера был изображён мотоцикл в полёте, словно бы прорывающий обложку. Бывший "воробей" Деннис Эдмонтон и надумал, впечатлившись от этой картинки, себе свой псевдоним Mars Bonfire, под которым и написал этот свой супер-шлягер для Steppenwolf. Позднее под этим же нимом он придумает ещё несколько расхожих композиций, но именно "Born To Be Wild" останется и самой первой и самой известной в том ряду. Она же станет стержневой, программной песней всей пластинки и исторически будет знаменательна ещё и тем (по крайней мере, так принято считать), что даст "путёвку в жизнь" термину "хэви-метал" (heavy-metal), хотя в песне это словосочетание содержит иной контекст. Так герой этой композиции любовно и трепетно называет свой байк. И только то.
В 2004 году журнал "Rolling Stone" в "500 лучших песен всех времён" включил "Born To Be Wild" в этот почётный перечень хитов, расположив её на 129 месте, а в 2018 году композиция введена в символический "Зал славы рок-н-ролла". В течение 50-ти лет эту песню включали в свои репертуары такие известные и даже легендарные рок-исполнители, как Slade и The Cult, Ozzy Osbourne и Status Quo, Bruce Springsteen и Krokus, Slayer и ещё с десяток достойных людей и целых коллективов.
Альбом "Steppenwolf" вышел на ABC Dunhill в январе 1968 года и стал событием на всём тихоокеанском побережье Соединённых Штатов, но справедливости ради стоит отметить, что более широкое признание этот LP приобрёл лишь с выходом ряда синглов в течении 1968 года. По версии Billboard 200 в Chart Album (US), он поднимался до 6-го места, а сингл "Born To Be Wild" / "Everybody's Next One" (выходил в мае 1968 г.) достиг 2-го места в своей категории и продержался там около трёх недель.
Очков альбому добавило и то обстоятельство, что сразу две композиции из него в качестве саундтрека прозвучали в культовом голливудском боевике "Easy Rider" (1969 г.). Помимо "Born...", это ещё и суровый блюз "The Pusher" Хойта Экстона.
Своим свежим и смелым звучанием Steppenwolf "задали старт" формированию новому фан-движению. Подобный саунд пришёлся как раз ко времени, публика, в основе своей молодёжная, на просторах West Coast уже созрела для чего-то подобного. А на подходе к похожему звучанию уже были Creedence Clearwater Revival и некоторые другие, но их время ещё не пришло. Таким образом Steppenwolf оказались пионерами эйсид-рока с жёсткой ритмичной основой и небывалой интенсивностью. Их "The Ostrich" ("Страус") - самая показательная в этом плане композиция с двумя убедительными гитарами, в одном из фрагментов звучащими слаженным дуэтом с раздельными сольными дорожками. В то время это было нечто неслыханное. Подобный саунд уже с полным основанием можно было считать проявлением раннего хард-рока.
И этот вокал Джона Кея. Этот удивительно-особенный, колючий, с брутальной хрипотцой, без заметного акцента, необычный в своём роде вокал этнического немца. Менее чем за десять лет жизни в Канаде, Джон добротно освоил английский язык, чего Клаус Майне так и не смог за сорок пять. Тут, безусловно, сказалась "среда обитания", где Дж. Кей вынужден был применять инородный для себя язык на, что называется, постоянной основе, тогда как старина Клаус лишь "по работе".
Особая тема - тексты песен Steppenwolf. Тут не стоит понимать всё, что в них озвучивается Джоном Кейем, буквально. И если в этих песнях звучал некий протест против военщины, поносились власти всех мастей или призывалось бороться с разгулом преступности и наркотиками, то это ещё не значило, что музыканты группы являлись убеждёнными пацифистами, борцами за разного рода свободы и яростными противниками правительства. Обо всём таком говорили и пели тогда многие. Таковы были веяния времени и Steppenwolf в этом смысле не были оригиналами. Так же, как и обойти извечную любовную тему они не смогли ("Desperation", "A Girl I Knew"). Куда же без неё?
Неожиданный успех дебютного альбома стремительно вывел безызвестную группу в число самых востребованных. Однако, гастрольные поездки, заманчивые участия в разного рода акциях и праздничных мероприятиях, масштабных и скромных фестивалях, не смогли отвлечь музыкантов от главного для них дела. И уже во второй половине 1968 года всё тем же составом Steppenwolf с головой ушли в работу над своим вторым альбомом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Финская металлическая сцена была далека от мирового уровня, пока один молодой талант не создал культовых ныне Stratovarius. Фактически, только после альбома "Dreamspace" весь мир ощутил интерес к финскому Heavy Metal, а альбомы вроде "Episode" и "Visions" вдохновили на создание музыки другие известные Power Metal команды. Это при уже существующих на тот момент Tarot и Waltari.
Можно долго рассуждать о причинах неудач Тимо Толкки со времён его ухода из Stratovarius, но лучше вспомнить про один из самых амбициозных его проектов, который мог стать чем-то новым для его участников, так и для слушателей. Речь, конечно, о Symfonia - группе, в состав которой входили не то сливки Power Metal сцены, не то отчаявшиеся музыканты, мечтающие заскочить в последний вагон уходящего успеха.
"In Paradisum" разочаровывает с первых секунд, вводя не то в заблуждение, не то в удивление. Дело в том, что трек "Fields Of Avalon" мало чем отличается от одних из самых сильных хитов Stratovarius "Will the Sun Rise?". И ладно бы речь была просто в стилистическом сходстве, но нет, трек является абсолютным самоплагиатом. Неужели группа, в составе которой есть осколки от лучших составов Angra, Helloween и Sonata Arctica, не может предложить ничего лучше, чем кавер? Честно говоря, будь этот трек кавером - было бы даже интересно и провокационно.
Забавно, но в 2011-ом году, после прослушивания "In Paradisum", я не стал слушать остальные песни на альбоме. Только после объявления о роспуске Symfonia я решил послушать альбом снова, игнорируя на этот раз открывающий трек.
Очевидной ошибкой для Толкки стала погоня за аудиторией Stratovarius. Во многих песнях проскальзывают не то отсылки к прошлым хитам, не то скопированные куски. В середине "Santiago", например, ни с того ни с сего врывается концовка "Destiny", что совсем не идет на пользу этому треку, который, сам по себе, обладает мощным потенциалом. И таких аляповатостей очень много, но, дабы не разбирать каждый трек, лучше задаться вопросом: а что в этом альбоме получилось сделать правильно?
В первую очередь, стоит сказать про состав Symfonia. То, что Толкки даст прикурить даже Мальмстину - знает каждый. Но угнаться за ним, используя клавишные, смогли бы только единицы, а потому мне очень импонирует выбор Харкина в роли клавишника. Кайнулайнен и раньше составлял для Тимо компанию, а вот Ули Кюш...
Не поймите превратно, Кюш - отличный ударник, но вот человек он тяжелый. Если верить Толкки, который, к слову, страдает маниакально-депрессивным психозом, Ули Кюш очень быстро решил покинуть Symfonia, потому что был не удовлетворён прибылью, которую подобного рода проект не мог приносить сразу же. Более того, последующие махинации германца вызывают исключительно испанский стыд.
К Матосу, наоборот, вопросов нет. Да, он сорвал голос во время записи альбома, поэтому и звучит грубее обычного, но с другой стороны, все вокальные партии исполнены отлично, с максимальными высотами и артистизмом, на которые не способны множество других вокалистов. Беда в том, что, вероятно, к Андре не было проявлено должное внимание с профессиональной точки зрения. Бедный бразилец мотался для записи в Швецию, общался с организаторами турне и фестивалей, а в итоге Толкки решил, что всё это не нужно.
И тут у меня появляется главный вопрос: кто так работает? Зачем было привлекать к работе столько пусть и талантливых, но разнохарактерных людей? Потому что в Revolution Renaissance были малоизвестные музыканты? Разве это было главной проблемой группы? Нужно понимать, не бывает всего и сразу. Любой коллектив должен сначала заработать репутацию, даже если в его составе столько известных имен.
"In Paradisum" не лишен хороших моментов, но целиком самодостаточных песен на диске нет. Главная беда проекта заключалась в желании получить моментальный успех за счет имен, а не благодаря музыке. Что любопытно, почти все проекты Толкки страдают этим недугом. Гитарист пытается заинтересовать слушателя только околомузыкальной мишурой. В итоге, "In Paradisum" запоминается совсем не песнями. Повторюсь, уху есть за что зацепиться, но только для ознакомления. Альбом запомнился исключительно скандалами, что может привести в восторг только аудиторию федеральных каналов.
В 2011-ом году я воспринимал новости про Symfonia с воодушевлением. Я надеялся на возвращение Толкки в седло, на рождение нового музыкального коллектива. Однако сейчас, в 2019-ом году, я могу лишь фантазировать о том как бы всё сложилось, будь подход финского гения более профессиональным. Каждый новый проект Тимо Толкки вызывает интерес, но интерес связан лишь с вопросом: неужели он вновь встанет на те же самые грабли?
|
| |
|
|
|
|
|
| Было бы неплохо ради эксперимента включить эту запись кому-то незнакомому с музыкой этой группы, а потом спросить его, насколько они давно заняты своим делом. Так вот, на слух, наугад. Вероятно, уровень качества альбома, качества во всех смыслах и на всех уровнях, начиная от сочинения и композиции, и заканчивая звучанием, удивит многоуважаемого подопытного, ведь эту взрывоопасную смесь изготовили старики. Надо понимать, у них это уже и не второе, а какое-нибудь третье дыхание.
Роб Халфорд почти не использует экстремальный вокал, лишь иногда кричит, а львиную долю своих партий он исполняет чистым голосом. Ясно и ярко декларирует стихи. Только это альбому ничуть не мешает. Сейчас будет сказано банальное, но важно не только и не столько, что у тебя есть, сколько то, как ты эти ресурсы используешь. Возраст накладывает на человека свой отпечаток. Только он двоякий. С одной стороны, голосовые связки в силе не прибавляют. Если найти свежие записи живых выступлений, и послушать, как Халфорд исполняет старые хиты, то ясно что высоким голосом орать былые припевы ему очень тяжело. А с другой стороны, опыт позволяет видеть устройство песни, лучше понимать механизмы, и при написании новых вещей получается подстроить их под нынешние способности. И когда одно с другим сочетается, общая картина производит крепкое впечатление. Даже очень.
Название диска соответствует его содержанию. Все песни разные, они отличаются и по настрою, и по темпу, и по длительности. После прослушивания, глядя на хронометраж каждой из них, можно приятно удивиться. Правда, что ли, вот эта красота пронеслась так быстро? А такая богатая и живая. “No Surrender” короче всех остальных, но песня яркая и в богатстве упрекнуть нельзя, ни по поводу инструментов, ни по поводу пения. Блестяще, и гитарные соло интересные. “Guardians” есть мостик меж двумя половинами альбома. Это коротенькая инструментальная композиция, но в красоте и размахе ей ни у кого не занимать, а как прелюдия к самой эпичной песне она работает вообще идеально. Кстати, про так называемую эпичность - альбом начинается на ударной ноте, и первую свою половину держит отбойный ритм, а подбираясь к экватору, успокаивается, готовясь к тому, чтобы восстать из руин после дерзкой бомбардировки. “Sea of Red” со своим неспешным настроем и ростом по мере игры, отлично альбом подытоживает.
«Огневая мощь» атакует мигом, и не отпускает час. Иногда сбавляет обороты, чтобы перевести дух и сделать упор не на дикую энергетику, а на красоту. Слаженный звук стал оформлением для щедрого набора проверенных временем способов увлечь и взбодрить. Тут даже думать и ковыряться нет никакого желания. Хочется только слушать и наслаждаться мастерством авторов. Чего здесь нет, так это попыток забить гвоздь при помощи надувного шарика. И правильно, ибо для этой цели умные люди давно придумали и в огромном количестве изготовили молотки. Judas Priest о таких простых вещах, конечно же, известно. Они лучше многих других знают, что делают.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вашему вниманию представляется еще один замечательный альбом из дискографии знаменитых испанцев, который записывался уже с новым клавишником – Микелем Отаменди.
Название данной пластинки в переводе на русский означает «Неукротимый». И воистину на тот момент Анхеля удержать было просто невозможно – чуть ли не каждый год группа выпускала на свет божий очередной шедевр.
Открывает диск бодрая вещица «Alas de fuego» («Огненные крылья»), повествующая о фантастической птице Феникс. От задорного одноименного номера «Indomable» ноги сами, кажется, рвутся в пляс – попробуй останови! Тяжелые, скачущие риффы мчатся подобно колеснице, запряженной тройкой гнедых, и сметают все на своем пути. Вот он - самый настоящий спид-метал во всей красе, вдохновленный наследием Лемми и Ко. Данная композиция посвящена Спартаку - предводителю восстания рабов и гладиаторов в Древнем Риме.
Продолжает гнуть танцевальную линию и следующая среднетемповая качевая тема «Quién llora hoy por ti» («Кто сегодня оплакивает тебя») с красивым гитарным соло и запоминающимся припевом, в мелодике которой явственно ощущается влияние испанской народной музыки. Недаром сам Анхель как-то говорил в интервью, что на альбомах группы можно найти все - от классического хэви-метала до вальса.
Забойный боевик «Hamlet», сюжет которого основан на знаменитой трагедии Шекспира, точно придется по душе любителям потрясти башкой на концертах, а под задумчивую, меланхоличную, ( и что скрывать?)) немножко попсовую и коммерческую «El canto de las sirenas» («Пение сирен») с достаточно интересной аранжировкой очень хорошо мечтается.
Кстати, на эту песню был снят весьма живописный клип.
Прекрасный молодой человек, который был пленен пением сладкоголосых сирен и поддался их чарам, сидит на берегу синего моря и пристально смотрит в воду. Кажется, всего мгновение отделяет его от рокового поступка…
Каждый раз, когда я пересматриваю это видео, мне почему-то вспоминается старинная немецкая легенда о красавице Лорелии, рыбацкой дочери, которая на закате дня появлялась на высокой скале, убранная речными жемчугами и расчесывала золотым гребнем свои длинные золотистые волосы и пела песни, а ее манящий голос толкал на погибель всех рыбаков и пловцов.
После короткого интро «Coro de guerreros» нас ждет хитовый номер на мифологическую тематику «Las walkirias» («Валкирии»). Следующий за ним трек «El corazón del guerrero» («Сердце воина») тоже не должен вас разочаровать, по крайней мере, у меня в памяти он отложился после первого же прослушивания.
Грустная и величественная баллада «Azote de Dios» («Бич Божий»), повествующая об Аттиле, правителе гуннов, - еще одна жемчужина этого альбома. При исполнении таких проникновенных композиций голос Анхеля начинает играть новыми красками. С одной стороны, он невероятно сильный, звонкий и выразительный, с другой – нежный, теплый и необычайно чувственный. Честно говоря, иного слова как «оригинальный» к его вокалу, наверное, и не подобрать… По крайней мере, я лично не знаю, с кем из известных музыкантов его можно сравнить…
В одном из интервью лидер Tierra Santa сказал, что эту песню он написал для одних своих друзей, чья дочь родилась неполноценной.
Завершает диск рок-н-ролльчик «Las puertas del infierno» («Врата ада»), который на живых выступлениях в свое время шел просто на ура.
В общем, советую поклонникам хэви/пауэра/спида не проходить мимо этой работы. Возможно, вы найдете здесь то, что вас обязательно зацепит и никогда уже не отпустит.
|
| |
|
|
|
|
|
| СИНДРОМ ПЕРВОГО АЛЬБОМА.
В музыке любого жанра, будь то диско, джаз или блатняк, существует такое понятие как "синдром второго альбома". Это когда второй диск (или пластинка) того или иного исполнителя вопреки ожиданиям получается хуже его же первого (или первой). По самым разным причинам. Одно дело, когда первый альбом был чудо как хорош, когда к своему дебютнику исполнитель готовился серьёзно и тщательно, когда налицо талант и незаурядное исполнительское мастерство. Когда этой работе были отданы души, сердца, в конце концов были вбуханы немалые деньги, тогда переплюнуть такой первый альбом вторым мало у кого получалось. Хотя порой и случалось.
Куда чаще бывало, что вложив в свой первый альбом всего себя без остатка, ко второму исполнитель оказывался не готов, не было ни сил, ни идей, ни должных мотиваций. И как правило результаты получались соответствующие. За крайне редкими исключениями. А мерилом успешности второго альбома всегда выступал первый альбом, если, конечно же, он не становился и последним. Что тоже бывало.
В случае с группой Mott The Hoople это правило не работает. Потому как трудно считать мерилом столь неоднозначный, разномастный и противоречивый дебютник, как у этой уважаемой команды. Настолько же неоднозначной и противоречивой. И действительно, первая пластинка этих валлийцев, что во вселенском, скажем так, масштабе, что в нашем местечковом "сообществе братьев по разуму", имела полярно противоположные оценки. От восторженных до уничижительных. Здесь, впрочем, необходимо следующее пояснение. Вердикт по одноимённой пластинке группы Mott The Hoople в мировом рок-пространстве формировался в течении каких-нибудь двух-трёх месяцев после её выхода поздней осенью 1969 года, в то время как мнение в среде советско-российских меломанов вызревало в целом по этому коллективу мучительно долго по мере того, как нам выпадала удача послушать (или услышать) тот или иной их случайный альбом. Это тянулось годами и, даю голову на отсечение, данный LP этой группы был далеко не первым в списке прослушанных каждым из нас. Опять же, за крайне редким исключением. В моём же случае он вообще стал последним из тех, что я у MTH слышал. Так уж вышло...
Итоговый же электоральный диагноз по этому альбому окажется совершенно непредсказуемым и, как это принято рассматривать у футбольных болельщиков, будет распадаться на три результата. Истина же, как водится, окажется где-то посередине. С вероятным креном как в плюсовую, так и в минусовую сторону.
Между тем, по версии журнала "Billboard" в его рейтинге Billboards 200 в 1970 году альбом "Mott The Hoople" занимал второе место, а в официальном Charts Albums (UK) даже первое! И в целом, надо признать, пресса в Великобритании по нему была скорее благоприятная, однако продажи LP не слишком радовали компанию-производителя Island Rec.
В отношении группы MTH вполне применимо определение "случайнo". Ещё достаточно молодой продюсер с сомнительной репутацией Гай Стивенс, только что освободившийся после годичной отсидки за незаконные проделки с наркотиками, где-то случайно услышал едва сводившую концы с концами бригаду под названием Silence. На Island Rec. Стивенсу во многом случайно предоставили шанс попытаться с этой группой что-то сделать. Это был шанс и для самого Стивенса вернуться к работе. Но в составе квинтета было слабое звено в лице вокалиста Стэна Типпинса, так посчитал Г. Стивенс. И опять же, случайно на замену неудачнику Типпинсу летом 1969 года в достаточно молодой ещё тогда состав (басисту Уотту было немногим больше 20 лет, а барабанщику Гриффину вообще двадцать, на три-четыре года были старше гитарист и тогдашний лидер группы Мик Ральфс и клавишник Верден Аллен) по объявлению пришёл уже достаточно бывалый, но так и не нашедший себя к своим тридцати годам вокалист Иэн Хантер (Ian Hanter). Это был уже взрослый (в сравнении даже с самим Гаем Стивенсом, который был ровесником музыкантов) дядька, обременённый семьёй и потому нуждавшийся в постоянной работе.
По настоянию боссов из Island Rec. группа сменила название на Mott The Hoople (так звали героя популярного тогда романа Уилларда Мануса, который Стивенс прочитал будучи в местах не столь отдалённых. История, почти как у Uriah Heep). Дебютная пластинка была записана (внимание!) за одну неделю. И здесь я задаюсь первым безответным вопросом: чем была вызвана такая спешка, какая в ней была необходимость? Ощущение, что программа альбома создавалась наспех, что в ней явно недоставало наработанного материала, зародилось уже после первого прослушивания. Более того, чтобы уложиться во временной формат LP, буквально на бегу была дописана финальная инструменталка "Wrath And Wroll", придуманная и под запись почти экспромтом наигранная самим Г. Стивенсом на студийном пианино в спонтанном сопровождении остальных музыкантов.
И ведь что примечательно, продюсером изначально была определена и обнародована концепция будущего альбома. Суть её состояла в том, что звучание группы задумывалось как некий сплав Боба Дилана с его вкрадчивым душевным вокалом и крамольной поэзией с ритм-блюзовой мелодикой The Rolling Stones. Под эту концепцию, собственно, и подбирался ведущий вокалист. Но в полной мере этому замыслу так и не суждено было воплотиться. Хантер, сразу же ощутив себя примой, к которому прислушивался сам продюсер, а остальные музыканты учтиво поглядывали снизу вверх, начал перетягивать одеяло на себя. Достаточно посредственный вокалист с ограниченными одной октавой голосовыми возможностями и ничуть не лучший композитор и пианист, вот что следует констатировать из услышанного в его исполнении. И, если опережая события чуть заглянуть вперёд на один-два следующих альбома MTH, то этот диагноз утвердится безоговорочно. Группа будет играть совсем не ту музыку, что Г. Стивенс намеревался культивировать в этой команде. Получилось, однако то, что получилось, и это предопределило направление развития дальнейших событий.
Номера программы (все восемь) с лёгкостью делятся на две группы. Жёсткий динамичный хард-рок основного состава без Хантера на вокале (кроме "Rock And Roll Queen") с лидирующей гитарой Мика Ральфса, и глубокомысленные блюзовые баллады под простые мелодии в три-четыре звучащие рефреном аккорда в исполнении клавишных. Аскетичное инструментальное сопровождение под унылый вокал, звучащий подчёркнутым диссонансом к мелодической линии в каждой из четырёх композиций. И даже две кавер-версии ("At The Crossroads" Дуга Сэйма из репертуара техасской группы из Сан-Антонио Sir Douglas Quintet, а также известная баллада "Laugh At Me" Сонни Боно, того самого американского певца и композитора, актёра и политика, который составлял легендарный дуэт с роскошной певицей Шер Sonny & Cher) преобразовались в подобие сольных номеров Иэна Хантера. Но именно это звучание и станет для MTH основополагающим на несколько ближайших лет, приобретёт большую разрушительную силу, приведшую к отставке продюсера и творческому тупику.
Впрочем, не стоит понимать всё так однозначно, как оно складывалось на том этапе истории группы. Эта пластинка всего лишь первая её страница, в чём-то, правда, определившая вектор развития этой истории. И вот я задаюсь следующим вопросом: А могло всё сложиться как-то иначе? Вполне, отвечаю я сам себе. Ведь если бы не Иэн Хантер занял место фронтмена у микрофонной стойки в своих неизменных солнцезащитных очках и с гитарой наперевес, не склонись он тогда над чёрно-белыми клавишами студийного пианино в лондонской Morgan Studios, чтобы выдавить из себя три скупых аккорда для эпической "Half Moon Bay", всё могло пойти по-другому. И тогда ведь могло и не быть у MTH знаменательного альбома-ренессанса "All The Young Dudes" в 1972 году, а в 1973-м Мик Ральфс не покинул бы свою команду и вместе с Полом Роджерсом не сформировал бы супергруппу Bad Company. А ещё годом позже мог не состояться тот самый исторический американский совместный вояж MTH с совсем ещё недавно начавшими свой творческий путь парнями из Queen, впоследствии связавший тех и других многолетней братской дружбой. И как знать, как бы тогда сложилось у этого легендарного квартета, а мир мог никогда не услышать ни "A Night At The Opera", ни "We Are The Champions", ни всего остального. Это могли быть совсем другие Queen.
Так что обсуждая здесь и сейчас альбом "Mott The Hoople" cо всеми его непонятками, не будем его осуждать. В конце концов, всё это было полсотни лет тому назад и уже никто не в силах что-то изменить.
|
| |
|
|
|
|
|
| В 1991-ом году Хаим Сабан, производитель мультфильмов и прокатчик аниме, заинтересовался японским сериалом "Super Sentai Show", и, купив права, создал уже культовых ныне "Power Rangers". Для написания музыки была привлечена группа The Mighty Raw, которая, в том числе, записала известную большинству песню из титров сериала. В 2014-ом году, спустя практически четверть века после создания бренда "Power Rangers", норвежский самородок Per Fredrik Åsly, знакомый обитателям интернета не столько своими полноценными альбомами под вывеской PelleK, сколько перепевками известных сериальных (и не только) песен, решил записать попурри из всех опенингов, которые когда-либо писались для "Могучих Морфинов".
Проблема в том, что различных Metal-каверов на самые неочевидные композиции вполне предостаточно. Не всем коллективам хватает креатива, как, например, Iced Earth, которые записали песни для "Tribute to the Gods" максимально близко к оригинальным версиям. Однако, нередки ситуации когда группа способна вдохнуть в какой-либо трек новую жизнь, как это сделали Enslaved с "What Else Is There?".
PelleK решили рискнуть, и взяли за основу и без того хорошо сыгранные хитовые мелодии в оригинале. Так как речь идет о попурри, то первой же проблемой, очевидно, стала склейка всех треков воедино. И вроде у группы начала складываться вполне себе целостная композиция, но после "Lost Galaxy" переходы между песнями стали очень грубыми, местами превращаясь в паузы, а в случае с "S.P.D." создалось невнятное провисание. Отчасти, это можно объяснить стилистическими различиями оригиналов, но лично мне представляется, что PelleK попросту не хватило усидчивости, чтобы как следует продумать новые аранжировки.
Некоторый брак наблюдается и в вокальных линиях. Уже на второй минуте слушателю надоест бесконечное повторение слов "Power Rangers", которое можно было лишний раз перекрыть, например, гитарным проигрышем или соло, но данное неудобство можно списать на оригинальные незамысловатые тексты. А вот многочисленные вокальные огрехи, которые просто необходимо было записать заново, не заметить невозможно. Создается ощущение, будто весь вокал был записан одним дублем.
И всё же, магия оригинальных композиций сделала своё дело. Да, как я уже сказал, качество в определенных пунктах хромает на обе ноги, однако стоит признать, что эксперимент получился пусть не самым удачным, но до одури любопытным. Композиции, сочиненные для “Power Rangers”, обрели новую жизнь под тяжестью электрогитары, напором высокого вокала и фантастической игры на клавишных. Пусть у PelleK не получилось сделать всё идеально, но подобных экспериментов хочется больше, ведь знакомые с детства мелодии дарят радость даже спустя четверть века. И уж не знаю как для вас, а мне такая музыка нравится в разы сильнее, если переосмыслена в стиле Heavy Metal.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вторая половина 90-х, время доминирования симфо- и мелодик блэка. Время, когда Emperor, Dimmu Borgir, Cradle Of Filth, Covenant, Old Man’s Child, Limbonic Art и прочие расширяли композиционные рамки, казалось бы, навсегда задубевшего в своей антимузыкальной мизантропичности, заскорузлого стиля, всколыхнувшего хмурые норвежские фьорды несколькими годами ранее. Но речь сейчас не о норвежцах, и не об австрияках Summoning, и уж тем более не о греках Rotting Christ, которым всегда была не чужда южная мелодика и мечтательность. На фоне фундаментальных работ вышеупомянутых корифеев жанра дебютный альбом поляков Darzamat немного потерялся, но это никак не означает, что “In The Flames Of Black Art” не заслуживает внимания. Вся музыка сочинена и исполнена основателем коллектива мультиинструменталистом Дарзаматом. С первых секунд прослушивания в голове сразу же всплывают вполне определённые ассоциации с Summoning, Limbonic Art и первым альбомом Covenant. Короче говоря, Darzamat угощают слушателей порцией клавишноориентированного блэка с драм-машинкой и размытыми гитарами. Но блэк поляков имеет принципиально иную мелодику и приправлен звонким сопрано Катажины Банажак, которое не имеет ничего общего с мощным низким и откровенно-эротичным вокалом сменившей её позднее Неры, в наличии имеется и стандартный блэковый скрим Флауроса. Конечно, по прошествии многих лет “In The Flames Of Black Art” звучит сейчас несколько наивно и откровенно по-дилетантски, но в этом и заключается всё его очарование. А уж “Secret Garden”, “Seven Golden Fires” и особенно “Theatre Of Rapture” являются его настоящими изюминками. Единственное, что немного портит впечатление – это последний трек, просто он своей маршевой ритмикой и тупостью в вокальной части совсем не вписывается в общее настроение альбома.
|
| |
|
|
|
|
|
| Финская тяжелая сцена вскормила немало команд, которые за очень короткий срок сумели стать культовыми. Однако сейчас можно наблюдать обратную ситуацию, ведь если даже H.I.M. пришлось прекратить существование, то что можно говорить про команды меньшего калибра популярности?
Lordi, которые умудрились выиграть конкурс “Евровидение” настоящим гимном тяжелой музыки, были весьма близки к распаду в 2012-ом году. Этому периоду посвящен даже документальный фильм "Monsterman", поэтому вдаваться в подробности я особо не буду. Скажу лишь, что "To Beast or Not to Beast" был едва ли не последним шансом монстров продолжить своё существование.
Первым шагом в преодолении кризиса стал поиск продюсера, коим был выбран Michael Wagener, ответственный за звучание многих альбомов известнейших исполнителей: Accept, Metallica, Ozzy Osbourne и мн. др. И, на мой взгляд, выбор был весьма целесообразен, потому что настолько олдскульного Heavy Metal звучания у Lordi еще не было. Безусловно, "To Beast or Not to Beast" не получился самым тяжелым, но и группа никогда не стремилась к покорению экстремальных вершин. Альбом не вызывает утомление, а, наоборот, заряжает энергией и позитивом.
Мелодика также подверглась изменениям. В данном контексте уместно сравнить "To Beast or Not to Beast" с "Welcome to the Other Side" Rage, когда последние "накушались" симфонизма и захотели записать что-то более простое, но при этом зажигательное. Так и Lordi уступили помпезности, которая ранее сопровождала каждый их хит, и написали 10 Heavy Metal боевиков. Даже начало альбома в кои-то веки лишено интро в виде очередного SCG, зато сопровождено криком в духе ранних Slayer или Destruction.
Любопытно, но со сменой мелодики в музыке Lordi прибавилось техничности. Конечно, у группы и раньше не было совсем уж простых для исполнения песен, но те же "I Luv Ugly" и "The Riff" точно заставили Amen-a попотеть сильнее обычного. И для меня, на самом деле, это очень важная деталь, потому что всегда приятно наблюдать прогресс и развитие музыкантов, а не упрощение (как в случае с Nightwish).
Лирика Lordi вновь насыщена хоррор-историями про ночные кошмары, монстров и прочие ужасы, а обложку всё так же создал Mr. Lordi - эти составляющие остались без изменения, благо, что и так работает - чинить не нужно.
Завершает альбом "SCG6" - дань уважения и памяти барабанщику группы Otus-у, который скоропостижно скончался в 2012-ом году. По сути, именно смерть Otus-a послужила основой для мотивации Lordi продолжать своё существование. Но даже если не знать всех событий тех лет, а я при первом прослушивании был не осведомлен, "To Beast or Not to Beast" всё равно выделяется на общем фоне современной финской тяжелой сцены. Этот альбом можно назвать своеобразным эталоном Heavy Metal или даже пособием для изучения жанра. С одной стороны, ничего нового в музыкальном плане эта запись не предлагает. С другой стороны, диск не является пресным или вымученным, не является самоповтором, но старается перенять лучшие идеи Twisted Sister или Iron Maiden.
В итоге, именно данная запись вытянула финских металлистов из долговой ямы, из пучины уныния и отчаяния. И это очень приятно, потому что сказочники, в лице Mr. Lordi, и каноничные Heavy Metal группы, типа Lordi, позволяют также и нам, фанатам жанра, оставаться всё такими же заряженными и голодными до музыки монстрами.
|
| |
|
|
|
|
|
| Фред Дёрст, будучи одним из самых явных, простите за честность, говнюков в истории рок-музыки, всё же заслуживает «котёл похолоднее» именно за то самое желание вытянуть из андеграунда одну-другую талантливую группу. Оставим на усмотрение высших сил искренность его намерений, но факт остаётся фактом. Впрочем, иногда, даже на этом поприще Федин характер доводил ситуацию до скандальной комичности. Взять тех же Taproot, которые вместо «земли обетованной» в виде Interscope, указанной Дёрстом, в 1999 году соблазнились на «золотого тельца» от Atlantic Records при активном участии одного известного армяно-американского ВИА. В результате, список личных врагов Фреда пополнился на несколько фамилий, а №1 из них стал вокалист Стефен Ричардс, который получил на свой телефонный автоответчик насыщенный сочными нецензурными оборотами voice-mail от уже-сами-догадались-кого. Кстати, запись с монологом расстроенного Дёрста доступна на том же YouTube.
С нашими героями Sinisstar подобных проблем, к счастью, не возникло. Вообще, сам факт, что группа из Сиэттла в конце 90-х заиграла что-то, кроме сами-знаете-чего (ладно, завязываю) уже вызывает любопытство. Дополнительного интереса добавлял тот факт, что вокалист Edgy до этого горланил в другой сиэттлской банде – Burning Witch. Видимо, пресытившись дум-металом, парня потянуло к более заметным для большой публики берегам… И пристать к ним надолго у молодого и малоопытного корабля были все шансы: звёздный продюсер – Брендан О’Брайен, лэйбл – Geffen, и что самое главное – весьма «жилистый» и конкурентоспособный материал, которым «Future Shock» утрамбован на все, дабы не соврать, 95 процентов. Альбом настолько напичкан столь нужными для своей стихии «хуками» и хитовыми песнями, что я, буквально, недоумеваю от осознания, что его известность обратно пропорциональна его же потенциалу. Как, имея на вооружении такие обильно сочащиеся липкими мелодиями коммерческие «пушки», как «White Noise», «Freak of Nature», «Do It», «Drug Related» (и далее по треклисту альбома…), можно было остаться невостребованными – вопрос на засыпку. Можно сослаться на закат стиля, на рост «новой волны американского хэви-метала», на… самого чёрта, в конце концов, но результат уже вряд ли изменится. К небесам можно возопить за несправедливость сущего, но можно поблагодарить за дарованную благодать в виде этого альбома. Аминь.
|
| |
|
|
|
|
|
| На минуточку - My Sister’s Machine не что иное, как «кровный родственник» самих Alice in Chains. В славные 80-е, Ник Поллок и Лэйн Стэйли вместе числились в составе сиэтлской глэм-формации Alice N’Chains, прежде, чем их пути разошлись. Встретиться же вновь им удалось спустя 5 лет – правда, заочно и весьма символически. То ли Поллок банально взял на вооружение ранние наработки своих земляков, то ли показали свою силу общие гены, но имеем то, что имеем – дебютный альбом «Diva» мало того, что не скрывает источника своего начала, но и демонстрирует очень занимательное развитие идей «Facelift». Тот самый хард-роковый стержень первенца Alice in Chains здесь «зацвёл» настолько резво и благоухающе, что невольно ловишь и почти гламурные развязные флюиды незабвенных Mother Love Bone. Раскрылась ритм-секция, с одной стороны, благодаря солидному заимствованию у тех же Soundgarden, но заиграло и забурлило всё это варево благодаря чуть ли «ганзнроузовскому» блюз-панковому разгильдяйству. Да что уж говорить - сам же Поллок за микрофоном хоть и старается держаться в хриплой вокальной ипостаси своего друга Стэйли, но, заигравшись, уходит в поля и Эксла Роуза (ненадолго, но очень качественно). В общем, если «Алиска» перед кончиной забилась в угол и рассказывает печальные истории, то её «сестра», хоть и осознает свою обречённость, но светится пьяненькой ухмылкой и даже немного буянит. Дивная работа!
Впрочем, как ни печально, но группа так и осталась в положении «бедных родственников» - ни известное «родство», ни тур с Pantera не дали MSM больше, чем те самые «15 минут славы». Но статус одного из самых занятных образцов гранжа у этого альбома вряд ли что-то отнимет... Однако, будучи в Сиэттле, выказывайте своё восхищение этим диском весьма осторожно - иначе услышавший вас небрежного вида немолодой мужчина с сильным алкогольным амбре зачитает вам о лекцию о Настоящем гранже, Mudhoney и альбоме «My War».
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.