|
|
 |
|
| Они продвигались к этому долго и трудно. Они не собирали мега-залы, как заслуженные тяжеловесы из Black Sabbath или молодые выскочки из AC/DC. Они играли свой аутентичный буги, иногда переключаясь на рок-н-ролл в три-четыре аккорда, крайне редко в пять, за что над ними потешались хард-рокеры и глумились поклонники тех самых рокеров. Но за плечами у них уже скопилось с десяток каких-никаких альбомов, да и на гитарах они научились играть вполне себе прилично. Чтобы наконец-таки сделать уже что-то по-настоящему стоящее. К концу десятилетия 70-х они были к этому готовы.
Это вовсе не значит, что когда вся группа собралась для сессионной работы над очередным альбомом в голландском городке Хилверсун, Фрэнсис Росси заявил коллегам что-то вроде: "Ну вот, парни, мы созрели и пришло время вовсю бабахнуть!" Скорее всего всё было как обычно, без всего этого пафоса, только на этот раз всё сложилось должным образом, звёзды на небесах выстроились правильно, и новый LP "Whatever You Want" в общем и целом удался.
А первая сторона диска удалась просто на славу! Пять в равной степени отменных композиций, первая из которых с титульным названием. И это был естественный и сильный продюсерский ход. Плавные вступительные эйр-гитарные всплески Ф. Росси, на фоне которых зарождается тот самый импульсивный рокот ритм-гитары Рика Парфитта, задающий позитивную тональность не только этому номеру, а программе всего альбома. Далее одна за другой следуют ещё три мажорные композиции, а завершается это великолепие роскошной мелодичной фантазией "Living On An Island"; Ничего сильнее S.Q. до этого ещё не делали, эта часть программы - вершина их пятнадцатилетних исканий.
По второй же половине LP можно было бы ограничиться одной лишь фразой: на фоне яркой стороны №1 вторая как обратная сторона Луны, где темно и холодно. Судите сами; Начало - и сразу удар ниже пояса, да что там - предательство от продюсера, я бы так это назвал. Эта смертоносная связка "Come Rock With Me" & "Rockin On" сводит на нет все достижения первой половины альбома. Не спасают положение и два следующих вполне приемлемых номера, а в завершении как насмешка звучит "Breaking Away". Интересная сама по себе вещь со сменой темпо-ритмов, но она совсем не для этого альбома.
И всё же. 12 октября 1979 года LP "Whatever You Want" поступил в реализацию и уже через неделю (!) в чартах Великобритании взлетел на 3 место.
S.Q. всегда шли своим особым, мало кому понятным путём, и этот альбом несомненно стал важной и заметной вехой, возможно самой важной и самой заметной, на этом их пути. Пока ещё не поворотной вехой, но и такая уже маячила где-то впереди. Только это уже другая история.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Всем привет, с Вами MetalFlesh! Сегодня мы с Вами поговорим о весьма необычном и гениальном релизе, а посему не буду мусолить и начну. Итак!
Что нового можно сказать о жемчужине, об иконе прогрессивного дэт-метала? Об одном из самых недооцененных и одном из самых фантастических релизов 1993 года? Об альбоме, планку которого создавшей его группе Sadist так и не удалось перепрыгнуть? О настоящем шедевре и просто о настоящей музыке?..
Да на самом деле мало что. Зарубежная и, в особенности, итальянская пресса в свое время разобрали альбом от корки до корки, практически не оставив от него в плане последующего анализа камня на камне. Tommy Talamanca, безусловно, казался кем-то вроде бога, в отличие от ударника (и между прочим, основателя группы!) Peso, ныне надолго прописавшегося в Necrodeath. Ну оно, собственно, почти так и было. И, безусловно, невозможно не обойтись без упоминания человека, благодаря которому все это великолепное музыкальное безобразие приобрело свой узнаваемый почерк – Андреа Манчини, чей вокал усилил и без того потрясающую атмосферу альбома.
Ну что ж, участники названы, оценка альбому дана – пожалуй, все!.. На самом деле говорить про этот релиз можно бесконечно долго. Самое главное, что эта работа более чем талантлива, а посему…
"Above The Light" не похож ни на один альбом. Его уникальность выражается в первую очередь, в том, что при его прослушивании теряется ощущение временного пространства. Плавность, ощущение чего-то бесконечно печального, трагичного и в то же время неумолимого, достигается просто фантастическими по своей музыкальной изобретательности партиями Томми. Изумительно гармоничные заигрывания с классическими произведениями (чего стоит одно только ну крайне интересное соло в "Enslaver of Lies"!), воздушные, расслабляющие клавишные переливы – и всё это в одном альбоме!
Партии же Peso не блещут чем-то особенным и выдающимся. Ударные выполняют свою обыденную работу - держат ритм-секцию, пусть иногда и выдавая что-то эдакое. Но и еще раз но – для соблюдения баланса и поддержания атмосферы ударные специально убраны на задний план – на этом альбоме правит балом другой человек, Томми.
Разумеется, стоит обратить внимание и на вокал Манчини. Столь удачно вплетенный в музыку, рвущийся из души скрим кажется, живет своей жизнью – это же голос самой Вселенной, который призван сюда затем, чтобы донести людям нечто особое… Да что я со своей дурацкой патетикой! Самый органично вписывающийся вокалист в экстремальном метале – что, такую премию еще не выдают?..
Ну и, конечно же, саунд релиза. Чуть углубимся в историю и вспомним, что именно тогда начиналось зарождение такого жанра, как техно-дэт, появляющемуся непосредственно из классического смерть-метала. 1993 год, время, когда вовсю рулит та самая музыка, которую ныне принято называть олдскулом. В этом смысле работа группы Sadist – настоящий продукт и дитя своей эпохи. Я думаю, что читатель представляет себе, как вообще звучит экстремальная музыка того времени, и поэтому…
Вердикт: создавать такую необычную и изобретательную музыку – удел немногих. Помните об этом, слушая "Above the Light". Если вдруг Вы услышите что-то подобное или похожее, обязательно напишите нам! Что же касается оценки этого альбома, то лично я не считаю себя вправе вообще как-то судить эту работу. Это больше, чем просто искусство. Собственно, на этом все, с вами был MetalFlesh, пока-пока!
|
| |
|
|
|
|
|
| Не боясь чрезмерного пафоса, ответственно заявлю, что оркестровки на “Agony” – одни из лучших, что я слышал в металле. Вспоминающиеся первыми в этом срезе “Theli” и “Oceanborn”, разумеется, тоже не пальцем деланы, и по многим другим параметрам они сабж ломают через колено, но именно по симфонической части “Agony” раздаёт огня, как в последний раз. А если учесть, что весь массив оркестровок здесь создан всего несколькими людьми, то становится как-то даже обидно за двух маэстро из Швеции и Финляндии, ведь когда они наконец-то смогли развернуться в плане финансовых и, следовательно, технических возможностей, их музыка, приобретя в масштабности и эпичности, потеряла в банальной цепляемости. Вкратце: от “The Imposition”, “The Betrayal”, “The Egoism” и, в особенности, смертоносного шторма “The Violation” я готов закончить всё наглухо. Eargasm в чистом виде.
При выходе альбома сразу нарисовались две заметные проблемы. На первых порах меня реально печалили нулевые гитары от группы, которая на дебюте порой замахивалась чуть ли не на технодэт. Всё-таки, когда слушаешь что-то, что протэгано, как “Symphonic Death Metal”, то хочется услышать именно его, а не оркестр с металлическим подёргиваниям на бэкграунде. С другой стороны, ну оставили бы прежнюю технику, ну вытащили бы гитары из задницы финального микса, кто гарантировал бы, что риффы с оркестровками сольются в гармонии, а не смешаются в продолжительном пердеже? Относительно чистым звуком в этом смысле можно насладиться в основном в медляках, вроде драмы “The Forsaking” и сминающей “The Egoism”, а также в “The Betrayal”, где гитары с боем выцарапали себе место в затишьях между оркестрово-бластовым шквалом.
Негатив по отношению к этой проблеме испарился, я примирился с тем фактом, что группа здесь больше академ, чем дэт. Чего не скажешь об ударных. Барабанщик тут центр вселенной никак не меньше клавишника, но, к сожалению, в отличие от последнего берёт не качеством, а усердием, которого концепт альбома явно не требует. Чрезмерную, но, увы, уже традиционную подзвучку, которая 80% времени неизменно бьёт по ушам, можно погасить эквалайзером или сменой колонок/динамиков/ушей, но с тем, что обильный бластинг напихан сверх всякой меры везде, хотя по-настоящему уместен только в “The Violation”, уже ничего не поделаешь.
Но это всё, на самом деле, ерунда, “Agony” ценен для меня тем, что является одним из немногих примеров, где “оркестр” является не каким-нибудь увесистым декором, у которого эффектность бежит сильно впереди эффективности, а ритмическим и мелодическим стержнем, вокруг которого всё строится. Отсюда и следуют самое полезное качество – запоминаемость. Эти мелодии можно насвистать даже будучи разбуженным среди ночи. Жалко только, что дальше группа включила режим сохранения, и всё ушло в сторону той самой пошлой эффектности, которая в купе с более-менее ожившим металлом превратила преемника “Agony” в кашу.
|
| |
|
|
|
|
|
| Стрёмный в лучшем смысле слова греческий проект This Is Past играет комнатный блэк-метал с глубокой потусторонней атмосферой, точнее будет сказать палатный. Грек, скрывающийся под псевдонимом TIP, на этом диске предпочитает почти полностью обходиться без ударной секции, поэтому очень хочется свести его музыку к дарк-эмбиенту с больными гитарами. Полноценный блэк с тремольными переливами, бластбитом и зловещим вокалом найдем только в "Jesus", без бластов, только с ровным течением упаднической мелодики – в “Dead Mother” и “Leave Me Alone”. Большую же часть времени мы вкушаем звонкие переборы перегруженной гитары с непременным бендом, от которого тускнеют краски жизни. Есть кошмар многослойный, сложноструктурированный (Portal), а есть рассеянный, минималистичный и малособытийный, слушается это неизмеримо сложнее. TIP словно размазывает уныние и вялотекущее безумие по трэкам. Тот же дрон-дум звучит здоровее. Значит творец добился своего. Самое длинное полотно диска “Rabbit Hole” – готическая пустынность, настоянная на эмбиенте и гитарных перекатах. На фоне шизофренических бесцельных странствий выделяется довольно харизматичная ритмичная “Swimming Among Clocks”.
Есть известный сборник «Musics in the Margin», где содержится музыка, созданная пациентами клиник для душевнобольных. Так вот, грек очень искусно примеряет на себя это амплуа. Подход творческий, но слишком кустарный, потакающий своим желаниям.
|
| |
|
|
|
|
|
| Давненько не было повода взяться за перо в отношении псковского металпрома. Что до ортодоксального, имеющего определенного рода культовый статус блэк-метала с глубокими корнями в мрачных 90-х (Black Wood, Teitanfyre), то тут должны были в свое время высказаться другие. Мы же бросим взгляд на современное порождение жанра. Итак, «Песни смерти»: восприятие, анализ, оценка.
Идейно-эмоциональный заряд конца минувшей декады (атмосферный черный метал с поползновениями к пост-блэковым территориям) и далее продолжает греть сердца и пленять разумы музыкантов и столиц, и провинций, доказательством чему дебютный полноформатник псковского коллектива Путь. Команда держится славянского колорита в текстах и в оформлении. На первый план обложки без зазрения совести брошен аккордеон как сильный атрибут всего, что выходит за рамки канона в музыке группы (хотели бы лубочности и стеба – баян бы поместили). Меж тем он обогащает запись своеобразным мелодизмом и без труда расходится в звучании с типичными проводниками черного метала и чернеющего шугейза. Путейцы в целом вырабатывают актуальный атмосферный блэк в традиции скорее его новой американской разновидности навроде Woe, детища Криса Григга, тоже разросшееся из уан-мэн-бэнда до полноценной группы – мелодичного, в меру драйвового, в меру интроспективного. Группа не слишком навязчиво инкрустирует трэки пОстовыми элементами, атмосферные гитары без дисторшена и акустика в этих дозах уместны и не избыточны. К счастью, и в основном деле гитаристов, коих здесь 2, не упрекнешь в однообразии: техники органично взаимодополняют друг друга, тут агрессивное жужжание, тут блэкгейзовый (не я эти термины придумываю) эфирный поток, тут полифоничная воздушная ткань мелодий, и совсем немного дэтового пунктира.
Самым же харизматичным элементом является не дико контрастная ко всему металическому, но умеренно своеобразная ветка аккордеона, успешно заменяющего традиционные клавишные или гитарные текстуры в соло-просветлениях/затемнениях. Наиболее аутентичное (фолковое) использование инструмента – в вещицах “Цветы зла” и “Культ 1: Огни далёких холмов”. Еще экстравагантнее аккордеона женские вокалы, появляющиеся 2-3 раза за альбом (мужским чистым диск небогат, кроме единичной декламации, да и не надо) – тут Путь могут быть наследниками Altar Of Plagues, а точнее медитативно-погребального раздела их каталога. Тексты группы довольно витиеватые, но скрим прекрасно читаем в миксе и без труда ложится на слух. Пусть вас не смущает подаваемая каноничным желчным скримом лирика, Путь не сильно сетует на религиозные темы. Посыл группы куда абстрактнее и выражен куда поэтичнее. Лишние, на мой взгляд, только сэмплы, художественно оправданными и нужными они не кажутся, это скорее дань изобразительной традиции, воссоздание общего колорита.
Ритм-секция довольно активная, бласты умеренные по скорости и пока несколько скованные, сбивки хорошего уровня, но в целом это не очень перкуссионный альбом (вы же знаете, по-разному бывает), и одеяло закономерно тянут на себя струнные. «Песни смерти» ровны и сбалансированы, инерция рубить блэк корректируется более разреженными пассажами и наоборот. Вторая часть альбома поприятнее первой, в первых трэках коллектив еще не развязывается с выпуклыми воздушными влияниями и материал, сделанный в этом направлении, более тривиален. Водоразделом служит прямолинейный и самый трушный экшен-номер “Прометей”. Эта и последующие вещи с меньшим содержанием атмосферных отступлений хорошо держат эмоциональный накал и композиционную интригу, неплохо эволюционируют каждая до своего мелодического катарсиса – например, “Над гробом ветхим” и братающая думовую сосредоточенность и черный порыв “В чертоге белом”. Кульминациями же завоеваний группы на дебютном альбоме, на мой взгляд, стали синкретичная и более дэтовая "Волос твоих пепел, Рахиль", в которой уживается охапка влияний и поочередно высвечиваются то черты модного нынче диссонансного экспериментального блэк/дэта, то пост-хардкор, то пресловутые пост-роковые элементы, и появляется самое внятное за альбом именно гитарное соло, и “Культ 1: Огни далёких холмов”, позволяющая последовательно обозначить свой вклад заметно друг от друга каждому инструменту, наиболее внятно выразить меланхолический посыл аккордеону, а басу и ударным продемонстрировать некий психологизм без пост-рока. В финале ребята, хотели того или нет, пульнули-таки более рок-н-ролльный трэк, содержащий проекцию на заводной депрессив-рок, не без моторных влияний блэка, конечно.
Строго говоря, музыка, которой часто подмигивают музыканты, была в зените еще в лет 8 назад, но и вектор с тех пор не переменился, и они не злоупотребляют излишествами сомнительными, умерены в своих пристрастиях и демонстрируют именно свой, выстраданный индивидуально, синтез приемов. У группы из своего родного города я в идеале хотел бы услышать трэков на альбоме меньше, но дольше развивающихся, но это, во-первых, дело вкуса, во-вторых, все равно такое приходит с опытом и пресыщением песенным форматом. Сейчас же мы можем узреть в Пути эйфорически мелодичный и самобытно атмосферный черный метал, достаточно разносторонний и крепко сбитый. По большому счету избегающей условностей и не нуждающийся в снисхождениях. Посмотрим, что будет дальше. Оценку поставлю как в прогнозе погоды: ощущается как 8, но нужно, чтоб была перспектива, а не сходу потолок.
|
| |
|
|
|
|
|
| Лет 10 уже, наверное, витает в моей голове мысль воздать должное кульминации творчества японцев Sigh, но все было недосуг. Пора. "Imaginary Sonicscape" – лучшее название для одного из лучших альбомов авангардного метала, действительно воплощенная мечта о звуковом изобилии и стилистическом многообразии при непременном соучастии тоски по мироощущению ушедших эпох и ламповому звуку.
Sigh и до и после этого делали ретро-альбомы, но именно здесь им удалось максимально дивертифицировать музыкальные изыскания в пределах старомодного саунда. На примере этого альбома ясно, зачем нужен авангардный метал коллажного типа – быстрые наслаждения (эстетическая манипуляция чувствами), получаемые из разнообразных жанровых источников, причем, на примере Sigh и этого альбома в особенности, в этом нет поверхностности и сиюминутности, диск обладает крепчайшим послевкусием.
Японцы сваяли свой шедевр на базе разудалого, ортодоксального до мозга костей хэви-метала, в котором взрывной риффинг с непременным вибрато, не отягощенный никакой прогрессивщиной, душевнейшие соляки, дьявольски язвительный скрим, плюющийся прилипчивыми рефренами, нарочито упрошенные плосковатые ударные, сводимые к чередованию рабочего барабана и бочки, и мириады клавишной эксцентрики Мираи: рояль, органы, минимуги, меллотроны. Оставив в стороне рок-нагрузку, следует отметить богатство материала поп-хуками (женскими бэк-вокалами, использованием вокодера) и реминисценциями – классическими оркестровками, музыкой игровых телешоу, ресторанным лаунджем и пр. «Imaginary Sonicscape» – каноничный постмодернистский и космополитичный альбом, где в сонме цитат и влияний стирается изначальная личность творца. Но нет в блэковых и околоблэковых областях музыканта, более одержимого винтажными коллажами клавишных, это и составляет индивидуальность Кавасимы и уникальность Sigh. Ну и обложка... спаривает психоделическую традицию и японскую.
Альбом длинный, но это не ощущается, как не ощущается и перегибов, излишнего крена в сторону клоунады или инфернальной позы, которая Sigh еще меньше присуща. А вот выпуклой хитовости и угара через край: "Scream for love, Scream for hate...", то "I am the Sun, I am the Moon...", то "Tear me apart til I die / Tear me apart, sacrifice..." и еще много чего. Рок-н-олльный драйв разбавлен мрачной и тягучей рефлексией номеров вроде "Nietzschean Conspiracy" или прииндустриаленной первой части ("At Dawn") таинственной и многоликой "Slaughtergarden Suite". Диск закономерно и торжественно заканчивается ратной балладой "Requiem - Nostalgia", где, помимо сильного чистого припева, одного из красивейших гитарных соло альбома, еще и однажды за весь альбом появляются гитарные рудименты блэка.
Итак, альбом содержит в себе все, что нужно энциклопедическому авангард-блэку: злобу, иронию, эрудицию, душу, хитовость... И все по проверенным рецептам олдскула. Никогда больше такого не было.
|
| |
|
|
|
|
|
| Альбом на "H", господа, – а это значит, что еще один цикл закончен, уже 3-й по счету, и количество альбомов в истории коллектива достигло примерно дюжины. Достойные показатели для группы с почти 30-летней историей. Следуя логике взлетов и падений и памятуя, что «Graveward» в их дискографии никак взлетом быть не может, японцы создали еще один удачный альбом, сколь ортодоксально металичный, сколь и экстравагантный и взаправдашне праздничный в своей неуловимо поехавшей традиции. Забавно, что почти все трэки на пресловутую "H".
Улучшилась гитарная составляющая, она вновь бесстыдно заимствует у хэви, зато ни один рифф не упрекнешь в высосанности из пальца и сухости. Вместо этого высококлассный ретро-метал, как это умеют Sigh, и фишка этого диска – арт-роковые ароматы флейты. You Oshima, похоже, нормально так разыгрался, что даже планирует вернуть к жизни свой проект Kadenzza.
В «Heir to Despair», как гласят рекламные проспекты, японские музыканты попытались изобразить восприятие мира сумасшедшим. Благородная цель, только вот цепочкой хэви-трэш-боевиков эта цель достигается малоуспешно. По по-настоящему дикое видение Sigh вы ощутите не на иронических трибьютах наследию хэви с более техническим витком, а в постмодернистской трилогии “Heresy” – тут все самые свежие техники с современных полей, глубокие клавишные риффы, массивную платформу даб, вкусный тяжелый риффинг, неоклассические секвенции. Во второй части Sigh словно ремиксует свой же хоррор! А заключительный эпизод эдакий трогательный фортепианный арт-рок, что я у этой банды просто обожаю. Уже в лице одной этой сборной вещи альбом небесполезен. А заглавная композиция усиливает завоевание ‘Ереси”: в ней тоже увлекательное преображение группы в манере былых лет: бодрый металический взлет и затем во все тяжкие: фолк, сказочные орнаменты, теплые запевы, перкуссия, шред – дары Токио просто!
Итак, альбом новых горизонтов в жанре и в творчестве Кавасимы и Ко не открывает, но демонстрирует, что из тяжметалической ретро-стилистики вытащено еще не все, а экспериментальный гений не дремлет. По меньшей мере просыпается со свежими наработками. Правда характеров у Sigh есть, и она вся во 2-ой части диска. Но без хэви/трэша для разогрева, к сожалению, никуда. И, в целом, Sigh, на мой взгляд, из первого дивизиона авангардной черни больше других соплеменников способны сливать игру своим же ученикам. Ну это так, легкая, потаенная досада...
|
| |
|
|
|
|
|
| Ситуации, когда коллектив в принципе не состоятелен в вопросе написания сколько-нибудь толкового материала композиций, часто присущи еще только бандам начинающим. Вне зависимости от жанра и направления то тут, то там можно встретить группы, которым пока не удается оформлять идеи в некую законченную во всех аспектах работу. Песни таких групп, зачастую, попросту физически тяжело слушать – слишком громоздкой, несуразной кажется их структура; слишком удручающим видится их наполнение.
Pianos Become the Teeth, казалось бы, попросту не должны наступать на подобные грабли – но именно это они и делают на четвертом своем полноформатном альбоме. Непонятно, кому и зачем в принципе нужен этот релиз, полный несуразных мотивов, оформленных в кое-как слепленные треки. Во время прослушивания почти что каждого из оных обязательно возникает ощущение, что именно сейчас (и именно в эту секунду) как раз и должна начаться сама песня; будто бы всё, что было до – лишь прелюдия и некая подготовка к чему-то большему. Но «что-то большее» не наступает, и абсолютно никак не сочетающиеся с музыкой декламации вокалиста продолжаются и продолжаются, чтобы закончиться и после паузы начаться вновь. Каждый участник коллектива на этом альбоме и каждом треке будто бы играет что-то свое, не оглядываясь на товарищей по команде – звукорежиссер же слепил всё сыгранное воедино и соорудил нечто, что композицией-то, по итогу, назвать крайне сложно. Никто не требует заедающих в мозгу поп-мотивов, ведь и без них любое толковое, с сердцем созданное в муках, творение оставляет хоть какой-то след в душе слушателя – но тут подобная ситуация невозможна априори. За исключением звучащей на легком надрыве «Love on Repeat» на LP «Wait For Love» попросту нечего слушать – в нем нет мелодичности жанра post-rock (хотя релиз иногда отчаянно пытается им казаться), в нем нет эксперимента достойных образчиков post-hardcore. Он, словно изначально безвкусная жвачка, становится невыносимо тягостным для потребителя с первых своих секунд – и это особенно печально на фоне того же «The Lack Long After» 2011 года выпуска. Данный релиз переслушивать совсем не хочется, да и весьма тяжко его одолевать от начала до конца хотя бы раз – ввиду данного факта даже большим фанатам Pianos Become the Teeth его попросту стоит обходить стороной.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сколько написано негативного про этот альбом, про группу, но сколько строк написано честно? Я говорю про то, что у нас в стране народ уже давно стал относиться предвзято к отечественным командам, ровняя под одну планку "говно" все подряд команды. И не важно, будь то потрясающие The Suicider и Arida Vortex, или действительно тухлые Catharsis и Эпидемия.
Сложно сказать кто из отечественных команд действительно ответственен за подобное отношение, и как давно эта репутация была заработана. Возможно сразу после "Мания величия". Юмор в том, что когда в 2007-ом году диск "Слава России" попал мне в руки, продавец в магазине посоветовал мне использовать альбом как сюрикен. Оговорюсь, что в магазин была завезена партия из 20-30 дисков, которые раздавались абсолютно бесплатно. И я диск не выбросил, потому что мне нужен был чистенький джевел, но я был одним среди множества, потому что урна рядом с магазином была полна Пилигримом доверху.
Слушать альбом, конечно, я не стал, но буквально на этой же неделе уже по нескольким каналам, включая A-One, крутили 2-3 клипа с данного шедевра. Спустя пару месяцев про Пилигрим говорили уже везде: звали на телепередачи, писали про "Пилик" в журналах. Спустя год был создан целый фестиваль, печатался журнал - всё на деньги Ковалёва.
И на этом моменте я заканчиваю историческую справку. Я просто хочу, чтобы вы задумались сколько было вложено в развитие Пилигрима, и кто этим занимался. И на что можно было действительно потратить эти деньги.
"Слава России", на самом деле, отличный альбом, если расценивать исключительно инструментальную и композиционную составляющие. Помимо типичного Heavy Metal, на диске можно было встретить и Power, и даже Modern Metal. "Крылья гнева" вообще звучат как саундтрек к Doom. Но вокал... вот всё что есть на альбоме, всё испорчено вокалом и текстами.
Чтобы было понятно: Андрей Ковалёв поёт так, будто у него вместо лёгких два бумажных пакетика, рассчитанных на 60 секунд лёгкого шёпота. Тексты для альбома звучат так, будто их писал рэппер Фэйс. На некоторых песнях Ковалёв еще и пытается играть с собственным голосом, чем делает себе только хуже, как мужик, пытающийся сесть на стеклянную банку в том известном видео.
И вот мне непонятно - имея такое количество средств, не мог Ковалёв быть просто папиком? Понятно, что хотелось обозначить себя центральной фигурой на сцене, но есть же в индустрии люди, заработавшие себе славу не исполняя музыку, вроде Саши Пэта или работников Finnvox. Можно было вкладывать эти деньги в талантливых исполнителей, подписывая их на свой лейбл, загоняя их на свой фестиваль, печатать про них в журналах. И вот сейчас бы все говорили: "Ковалёв - мужик! Батя!"
Но увы, время показало, что Аркадич был просто более богатой версией Анатолия Журавлёва из группы Анальная Жопа (АнЖ). И со своим Пилигримом, Ковалёв лишь добавил говна на вентилятор отечественной metal-сцены, а сам ушёл петь песни в духе Стаса Михайлова, и вроде как даже преуспел.
|
| |
|
|
|
|
|
| Границы любых (!) стилей рано или поздно становятся тесны для музыкантов. Spazz за свои 8 лет жизни на панк-сцене выпустили всего 3 полноценных альбома, но усердно тренировались, постигали верхний тезис на сплитах. Их юмористический стиль, по словам басиста и одного из вокалистов группы Криса Доджа, появился вследствие скуки от исполнения такого обезличенного материала, который закономерно ожидать от формы экстремализации панка. Идеальная группа для безумных вечеринок, Spazz мало того, что играют энергичный, задорный и разнообразный за счет собственных средств пауэр-вайоленс, так еще радушно раскрывают объятия для массовой культуры: непрестанно аллюзируют на что-то, подключают инструментарий кантри (банджо и губную гармошку), джаза (саксофон) и даже хип-хоп-биты от самого Kool Keith-а, наверченные им в пору работы над своим эпохальным «Dr. Octagonecologyst». Spazz, кстати, упоминаются, наряду Gorefest и Autopsy в прометалической песне “I’m Destructive” c этого диска: “We all hang with tickets for Van Halen / Gorefest, Autopsy, Def Leppard, and Spazz / C'mon, drop the jazz Grateful Dead, rock with it”.
Spazz – канонический пример предательской изменчивости темпов в жанре: совершенно безответственно троица то гонит скоростной хардкор, то ломает ритмы на медленных отрезках. Лимит постоянства составляет секунд 5-10. На записи нередко гостит бластбит, но в основном разбитные и неряшливые колотушки группы, которой играть альбом с 10 трэками на 30 минут кажется таким себе развлечением. Они запросто возьмут на себя повышенные обязательства и уложат 26 позиций в 23 минуты. Однако при обилии трэков по несколько десяток секунд, на «Реванше» есть и протяженные для пауэр-вайоленса номера. “Sweet Home Alabama”, единственная 2-х-минутная композиция альбома, просто-таки экспериментальный шедевр со своей эксцентричной эволюцией от панковского забоя к атональным джазовым проигрышам и инструментальному хип-хопу в финале. Щеголяют саксофонными ужимками на фоне хардкоровых прыжков и “Turnbuckle Treachery” и “Dewey Decimal Stitchcore”. Скажете, невидаль, что мы Naked City или Painkiller не слыхали в начале 90-х? Дело в том, что исповедуемый трио стиль по умолчанию еще более глух к влияниям. Качать ребятки тоже умеют, эти таланты отражены в “Daljeet's Detonation” и в пафосной альтернативно-металической “Backpack Bonfire” и некоторых других композициях. Вот из-за внешней шутовской атрибутики в их звучании на первых порах можно пропустить мимо ушей крутость в равной мере и скоростного, и кряжистого стаффа, брейкдаунов.
Единственный диссонанс записи (как и в случае с Gasp) – это эскапизм, уход от основополагающей проблематики стиля. Spazz если за что и борются, так это за расширение контекста, веселье и оригинальность. Отсюда сэмплы из фильмов, скейтбордистских видюшек и прочие грешки затянувшего детства. Юмор и самоирония важны везде. Усиление собственно музыкальной части, риффов, ритмических решений, происходит вследствие собственной нескучности.
|
| |
|
|
|
|
|
| Dropdead есть наиклассичнейший пример бронебойного экстремистского хардкора, который звучит как краст вперемешку с грайндом и зовется пауэр-вайоленсом. В меня полетят гнилые помидоры, а то и еще чего похуже, но для 1993 года здесь уже нет ничего революционного. Кроме энергетики и безукоризненной спаянности элементов звучания. У Dropdead просто фабрика адресной ярости, где ни на секунду не умолкает конвейер идеологических всплесков с призывами собраться. Один из самых характерных пассажей следующий:
Take your stand to save the future,
make your presence felt today.
Your conviction is your strength.
От трэка к трэку Dropdead покрывают тематический спектр, состоящий из идей антиконформизма, антигеноцида, антифашизма, их волнует не оправданное ничем убийство животных и загрязнение окружающей среды и наших мозгов.
Бластинг сыплется как из рога изобилия. Пауэр-вайоленсовой акробатики, смен темпов и сладжевых заигрываний стиль ребят из Провиденса по большому счету лишен, сильнее слышен крастовый прямолинейный напор. Поэтому, когда в моем плеере заиграл следующий по списку исполнитель (Man Is the Bastard), это не прошло незаметным. Порою ребята все же обманчиво не торопятся с самых первых секунд или сразу берут неподходящий им смехотворно медлительный темп хардкора, но это легкий флирт суровых мужиков и невсерьез. Трэки почти единодушно начинаются с наэлектризованного рычания баса. Кое-где неутомимый вокалист Боб Отис изменяет всегдашнему ору страстной захлебывающейся декламацией. Это, безусловно, добавляет драматизма и как следствие разнообразия. Поместить пару-тройку, а учитывая наполнение альбома – и десятку более степенных вещей, восприятие бы чуть разгружалось, а диск вышел бы более гармоничным. Но компромиссы созданы не для таких парней, как эти. Из серии: срочно в номер, с пылу с жара, нет времени объяснять – давай слэмиться. Не о чем больше и писать. В золотую коллекцию реактивной и идейной музыки без музыкальных красот.
|
| |
|
|
|
|
|
| В серии выпусков «Весь этот пауэр-вайоленс» Man Is The Bastard, конечно, стоят неслабым таким особняком, несмотря на то, что сами и придумали этот термин. Прежде всего потому, что доминанта их скоростного режима – сладжеобразные загущения, а звучание куда более разреженное, чем у среднего оголтелого представителя жанра. Скоростных загонов у них до обидного мало, в основном ребята глушат аудиторию настороженным, угрожающе звучащим неспешным хардкором, не забывая про нойзовые вкрапления. MItB cловно перенимают привычку раздражать общественность медленными и вязкими дозами панка у культового Flipper-а.
«Sum of the Men "The Brutality Continues...."» – компиляция старейших записей группы, включая первый альбом 1991 года с аналогичным названием, ипишки, синглы – в общем всего, чем так богато наследие типичного андерграундно-панкового коллектива. Сдвоенный жир бас-гитар, изысканные, но приглушенно мелодичные запилы гитары, разнообразный и очень естественный стук барабанщика, ор Эрика Вуда и Аарона Кеньона: песен в таком стиле порядка 10, неплохо запоминаются из них две – таинственная “Kai Lai” и равномерно кидающая мелодические фразы “Man is the Bastard”. И еще моя самая любимая теперь наряду с некоторыми номерами со второго альбома Напалмов мини-песня “She Boar” продолжительностью 7 секунд. Саунд группы растерянный, осторожный, затрудненный, непоступательный, как в 9-минутной “Bloated Subhumans” – все не как у коллег по жанру! Вторая часть диска – тоже power, но уже electronics. Из таковых опытов привлекает внимание воспроизводящая щебетание птиц грубыми электронными средствами вещица “Infibulation”. В целом и на фоне шероховатых, скрежещущих текстур группу лихорадит желание поорать в микрофон, выходит довольно контрастно, нескончаемая политическая трибуна на злободневные темы и с волнующим и тревожным аккомпанементом. Апокалиптично и действительно навевает мысли о гибели цивилизации в кратком изложении.
Можно сказать о невыразимой важности группы для хардкор-тусовки 90-х и их уникального музыкального вклада в концептосферу политизированного андерграунда и о том, что басист Spazz-а назвал их самой уникальной группой своего времени. Культовость, аромат жанровой независимости и эстетического нонконформизма у MItB не отнять, но полюбить их – практически нереальная склонность и невыполнимая миссия для простого смертного, а не идейного контркультурщика до гроба. Мне даже нравится подчас. Но груз электронного хлама в таких объемах тянет компиляцию вниз.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Occult Rock» – многочастная инструментальная сюита, более амбициозная, чем прежде, попытка французских психодельщиков реализовать свои темные космические видения. Попытка успешная: разнообразие в рамках альбома, цепкие ритмические формулы из 70-х, впечатляющий калейдоскоп гитарных вибраций, Транс, Харизма. Начинается альбом наиболее понятным с точки зрения культурного бэкграунда коллектива номером, с неутихающим бластингом и воздушными странствиями гитары, конечно, приправленной множеством эффектов. Постепенно ловишь себя на мысли, что самый космический рок в своей жизни слышишь от бывших (да и нынешних) металистов. Искушенные музыкальными тактиками и стратегиями французы в пределах классически затяжных трэков создают картины музыкального оцепенения и гипноза в движении, показывая тем самым, что поваренная книга краут-рока до сих пор интересна и способна дать много откровений. Но и блэк-метал не забыт. Не бластбитом единым, но и психоделический чес по струнам порою слишком тремолен, мрачен и ядовит, чтобы не признать в нем блэк. Так что, на мой взгляд, излишний пуризм и попытки бескомпромиссной классификации в отношении Aluk Todolo неуместны: они не играют один только психоделик-рок, блэк присутствует не только в умах музыкантов, но и контролирует значительные музыкальные территории и прошлых, и этого альбома. Гитары очень аскетичны, но пронзительны в плавных упадочных мелодиях, гармонии воссоздают в сознании исключительно монохромные нуаровые картины. Бас отлично слышен и задает великолепную динамику, местами принимающую какой-то авантюрно-детективный вектор а-ля экшен 70-х. Antoine Hadjioannou мастерки точит и отмороженные оккультные пульсации, и игриво-танцевальные пассажи в русле маэстро Яки Либецайта, а также более дружелюбных космических арт-рокеров эпохи. Из-под его рук выходят одни из самых фееричных колотушек, которые вы можете слышать за пределами джаза.
После I, где вовсю в имперских изломах скоростного риффинга cверкают клыки черного метала, в II французы то разгоняют, то остепеняют буксующий рок, застревающий в минимализме, приходя даже к заводным танцевально-панковым ритмам. В III вниманию слушателей предлагается гудящий дум-рок, сжижающий сознание. В V, не сказать иначе, умопомрачительный басовый рифф, открывает дорогу очередному буйству гитарной круговерти. Мои персональные фавориты – VI и VII. Первый трэк демонстрирует цепкость и слаженность всех инструментальных механизмов и ту безжалостную гипнотичность, которую, кажется, не создать никакими другими средствами, кроме как угрюмыми переборами гитары, мерным шествием баса и многоликим грувом ударной секции. В VII удивительно легкий и задорный перестук барабанщика, не меняющего затейливый ритмический рисунок целый трэк, оттеняет фирменную эволюцию саунда AT – от осторожных штрихов к экспансии Космоса. Особенная заслуга коллектива – сделать музыку поразительно бесстрастной и в то же время очень интригующей и цепляющей. На протяжении диска много всяких вкусностей в стильной цветовой гамме.
«Occult Rock» – то, что вы всегда хотели знать о ритуальной наркомании на фоне пентаграмм, но боялись спросить. Более сокрушительного свидетельства симбиоза блэк-метала (да, он тут есть!) и космического рока невозможно себе и представить. Браво!
|
| |
|
|
|
|
|
| Таких роскошных триумфальных мелодий я не слышал почти нигде, не только в блэк-метале, но и за его пределами. Столько величия, вырастающего из сора, шума и разболтанности музыкального механизма. Такого высокого класса, прорывающегося сквозь отвратительный подвальный звук.
Крайнее пока что полноформатное отродье коллектива – почти что концептуальный альбом «Crossroad», и идея его без малого возвышенна, оригинальна, а главное – выходит за пределы узкого мирка среднестатического богохульника. Почтение к музыкальной истории или нет, альбом об этом с большей вероятностью мог появиться в Штатах, но уж как есть. Один из наиболее знаменитых блюзменов XX века Роберт Лерой Джонсон рассказывал байку о том, что есть некий магический перекрёсток, на котором он заключил сделку с дьяволом в обмен на умение играть блюз. Остроумная параллель, но это только толчок к созданию альбома, какие-то блюзовые влияния в тру-эстетике французов услышать очень непросто.
Композиции представляют самые разные инкарнации черного метала: от реактивных мракобесных боевиков до ритуальных проявлений черного метала. Хлестки и лаконичны стильные заголовки: “Terror & Welfare”, “Calvaire”, “Blackrot”. Анархо-терроризм звучания уравновешивает гнилостная заторможенность. Нужно сказать, что Diamatregon играют блэк, который мы уже забыли: звучит не то как шабаш, не то как попойка злобарей. В любом случае это бессмертная пощечина общественному вкусу и в форме, и в содержании. Вокалят все три участника группы, дьяволический скрим дополняют беспорядочные вопли одержимых. 3 черные души с созданием сторонней психоделической бригады сделали ее основным местом приложения сил, поэтому Aluk Todolo больше влияет на Diamatregon, чем наоборот. Так, заглавная пьеса скорее существует за счет медитативного омута дисторшена и фидбэка, чем за счет черно-металического гитарного гноя. Бас и ударные в таких эпизодах тяготеют к индустриальному ожесточению. Вполне может статься, что мой любимый французский барабанщик играет нечто джазовое, в грохоте прочитывается насыщенность и нелинейность движения, а не потеряться позволяют сухие всплески тарелок.
Совсем небольшой альбом, он успевает обыграть и динамический потенциал жанра, и предсмертные агонии его выразительных средств, не вылезая за рамки тлетворного канона, но и не стагнируя. А та органичность и пластичность, с которыми он сделан, позволяет мне без зазрения совести рекомендовать его даже скептикам.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если техно-дэт как более четко организованный и структурированно звучащий стиль требует хорошего звука, в случае с интересным блэком все может быть как раз наоборот. По меньшей мере, нередки случаи своеобразного, высокооригинального творчества в рамках т.н. raw black metal. Так и в случае с французским дуэтом S.V.E.S.T., единственный полноформатный альбом которого вышел в 2003 году и отличается крайним зашумлением двойственной природы. Качество записи, похоже, несет на себе отпечаток и лютого андерграунда и некоей наркоманской призмы зрения. И из этого они выжимают все, что можно. Будет преувеличением сказать, что французы играют нам оккультный трип, но их длинные сочинения довольно хорошо вгоняют в транс, будучи, однако, сами по себе наполнены не сонной субстанцией, а сюжетно-острым сплетением музыкальных событий. Воинственные ритмы и бьющий пульс кошмарной вакханалии а-ля Portal доминируют на записи, характерный пример их – лихорадочно повторяющийся, сводящий с ума риффовый мотив в “Nuit de Walpurgis”. Логика авантюр музыкантов заключается в движении от водоворота кощунственных ритуалов на Земле к высшему, космическому исступлению (и обратно), примеров которого много в первом трэке альбома “Putréfiance Rédemptrice” – и особенно психоделический взрыв агрессивных красок в его середине. При этом подобные ходы звучат абсолютно органично и не позволяют упрекнуть группу в экспериментальном произволе.
Забавно иметь дело с музыкой, настолько гармонической цельной, что доходит до неразличения выразительных средств, а инструменты продолжают друг друга. Так, например, не всегда понятно, или это завис в воздухе продолжительный скрим или уже полетели триповать гитары. Вдруг ты ловишь себя на мысли, что из хаоса родилась осязаемая нехарактерно веселая блэкарская мелодическая тема, а в следующий момент музыка срывается в лихорадочное психоделическое поливалово, вот в ритмической организации взял верх галопирующий ритм, а вот уже все замешивается в шумном бластбите. Смены темпа проходят безболезненно, но вот слушатель замечает, что его захватил новый виток композиционной мысли музыкантов, эмоциональная сфера поражена новым всплеском какофонического звукоизвлечения S.V.E.S.T., а разум пытается обуздать плохо оформленный материал, очертить контуры шквала звука, нащупать ритм и, возможно, мелодию. Психоделична не столько аудиофактура, сколько мышление музыкантов, которым недостаточно Канона. И не так много подходов нужно, чтобы понять – их материал вкупе с отстроенным или пущенным на самотек звуком – это некое волшебство. Дихотомия экстрима и easy listening-а.
S.V.E.S.T. дали нам ошеломляющий глоток космоса между пьянящими шотами подземелья. Запись требует времени, но старания (страдания) будут вознаграждены. «Urfaust» – один из самых неявных альбомов с неисчерпаемым звуковым потенциалом – статус, который в принципе не чужд французским чернушным опусам. Ну а с этим произведением S.V.E.S.T. стали полноправными идейными продолжателями LLN и то, что их творчество несколько более воздушно, чем принято, не играет особой роли в их репутации.
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй альбом швейцарской олдскульной и полностью женской метал-группы “Пылающие ведьмы”.
В 2018 году в составе группы произошли изменения. Alea Wyss вынуждена была уйти по личным обстоятельствам, и в группу пришла новая гитаристка Sonia «Anubis» Nusselder (Соня «Анубис» Нюсселдер) из Нидерландов. Соня очень молода (1998 года рождения), является гитаристом-самоучкой. Кроме работы в "Пылающих ведьмах", Соня играет на басу в нидерландской дэт-метал группе Sepiroth. Лично мне очень импонирует то, что во время исполнения Соня часто улыбается. Видимо, она получает большое удовольствие от игры на гитаре.
Альбом можно разделить на 4 части:
1) песня “Hexenhammer”;
2) кавер на Dio “Holy Diver”;
3) акустическая версия песни “Don't Cry My Tears”;
4) всё остальное.
1) Песня “Hexenhammer” - действительно шедевр; маленький; или почти шедевр. Считаю, что это и есть собственный стиль группы, о котором я писал в рецензии на первый альбом.
Хорошо, что эта песня не первая на альбоме, потому что у слушателей есть возможность как бы подготовиться к ней.
Как говорят сами участницы, главной темой “Hexenhammer” является книга «Malleus Maleficarum» ("Молот ведьм"), «…книга, легализовавшая уничтожение так называемых “ведьм” в Средневековье. Оправдание убийства слабых до сих пор является насущной и печальной темой. Поэтому мы хотим вспомнить эту печальную главу и почтить память», - заявляет группа.
Звучат хорошие риффы, присутствуют элементы прогрессива, динамичное и “переливистое” соло на гитаре, и, конечно, сильнейший вокал Серейны. В припеве есть мелодия, которую Серейна отлично доносит до слушателя; сила, энергия, усиливающие впечатления от куплета.
На эту песню снят очень хороший клип, рекомендую вам его посмотреть
2) Кавер на Dio - обычный... Многие критики писали, что девушки сыграли старательно и аккуратно, но ничего нового не привнесли. А в этом случае оригинал всегда будет лучше..
Каким же должен быть интересный кавер? Видимо, приносящий в исходную композицию что-то новое, или исполненный в ином стиле. Ярким примером такого интересного кавера является кавер группы Venom на песню "Speed King" от Deep Purple.
Резюме: девчонки могли улучшить/модифицировать “Holy Diver”, но не сделали этого.
3) Акустическая версия песни “Don't Cry My Tears”. Получился мини-шедеврик. Голос Серейны не заглушается гитарами, бас-гитарой и ударными. Она в полной мере им пользуется, играет, показывает красоту тембра и свои вокальные возможности. Акустическая гитара Романы звучит, как отличное сопровождение.
Возможно, Романе и Серейне следует подумать: может быть, такие песни - их фишка?
4) Всё остальное весьма посредственно... Два примера.
Песня “Executed” - вроде бы ничего: риффы, вокал, соло, но речетатив “E-Xe-Cu-Ted” ломает всю энергию. Прямо как речитатив “По-здрав-ля-ем!” на юбилее :(
“Don't Cry My Tears” - очень милая баллада. Всё, вроде бы, хорошо - и красиво, и аккуратно, но... таких баллад очень много, от разных исполнителей. Я считаю, что если писать балладу, то она должна быть запоминающейся, как, например, баллады Scorpions, баллады Rainbow, и другие известные баллады, которыми мы восхищаемся. В рок-балладе должна быть яркая запоминающаяся мелодия, а иначе это будет просто красивая песня.
Музыкальные составляющие.
Вокал: Серейна поёт хорошо, и хрипит, и визжит (гроулинг, скриминг) как надо, и когда надо. Но иногда не использует всю силу своего вокала. А у Серейны эта сила есть. Многие сравнивают вокал Серейны с вокалом Роба Хэлфорда из Judas Priest. Однако не следует брать недостатки исполнения Хэлфорда, в частности склонность к речитативам, проговариваниею слов, а не пению.
Соло на гитаре: красивые, аккуратные. Не очень затянутые. Но... незапоминающиеся. Полагаю, что Романе пора задуматься о том, чтобы написать соло с запоминающейся мелодией; такое, например, как соло Ричи Блэкмора в песне “Highway Star”.
Риффы: добротные, забойные, но тоже незапоминающиеся.
Достоинства альбома:
- вокал;
- хит “Hexenhammer”;
- очень интересная акустическая песня "Don't Cry My Tears";
- продолжение выработки собственного стиля: Heavy с элементами Power и Prog.
Недостатки альбома:
- композиции не отточены, не доведены до совершенства;
- только один явный хит;
- незапоминающиеся баллада, риффы и соло на гитаре;
- злоупотребление речетативами.
Общий вывод: есть развитие по сравнению с первым альбомом, но недостаточное.
|
| |
|
|
|
|
|
| Лучшая швейцарская команда своего времени и одна из самых заметных в континентальной Европе. Всё удачно сложилось для Krorus, они появились как нельзя кстати и вовремя, их буйный хард-рок оказался невероятно востребованным на стыке 70-х - 80-х годов. Группа достаточно успешно конкурировала с многочисленными западно-германскими подобного рода коллективами, при том что запрограммировано следовала в мэйнстриме немцев, и по большому счёту мало чем от них отличалась.
Возможно по некоторым номерам этого сборника с его составителями можно было бы и поспорить, но это уже вкусовщина и нам остаётся лишь слушать и обсуждать то, что есть. Более того - это вторая официальная компиляция Krokus (а в 2004-м будет ещё и третья). Так вот, во всех этих сборниках присутствуют 8-9 одних и тех же песен. Что говорит о достаточно ограниченном спектре по-настоящему достойного материала у этой группы и весьма узких стилистических рамках, в которых она работала.
Разброс по времени в шесть лет никак не отразился на качественно-конструктивных характеристиках 15 композиций данного сборника. Если вслушаться в треки из двух крайних альбомов, которые делегировали свои номера для этой программы (к примеру, "Heatstrokes" из LP "Metal Rendez-Vous" 1980 года, и "School's Out" из альбома "Change Of Address" 1986 года), то, согласитесь, существенных различий мы вряд ли обнаружим. Всё тот же неистовый хард-рок. Что в сущности характерно тому времени для континентальных европейских (читай - немецких) групп подобного плана, которые десятилетиями делали одну и ту же музыку. Стабильно и прагматично. И всё же объективности ради следует признать - эта компиляция действительно показательно и наглядно характеризует группу Krokus. Если кто мало знаком с творчеством их раннего периода - этого пособия лучше и быть не может. А для истовых поклонников брутального харда, пограничного с хард & хэви - это своего рода "настольная книга", как томик Пушкина для закоренелого библиофила.
|
| |
|
|
|
|
|
| 10 лет назад казалось, что Power Metal сцена переполнена, но достаточно крепка, чтобы считаться самой популярной. Но это было уже давно, а сейчас жанр находится в упадке по банальной причине: репутация стиля испорчена огромным количеством проходняка, который хоть и рассосался постепенно, но при этом забрал с собой и знатную часть популярности. Более того, многие команды сменили стилистику, как, например, некогда гремевшие Edguy или амбициозные Dark Moor.
Но Нeavy Metal не так прост, и большинство его стилистик находятся в постоянной динамике, то резко теряя в популярности, то вдруг набирая высоту. Так было с Thrash Metal, Death Metal, надеюсь то же самое случится и с Power Metal, что, собственно, и приводит нас к обсуждению молодой крови на сцене - Brothers of Metal.
Изначально я отнёсся к коллективу с большой долей скепсиса из-за их названия. Более того, при изучении трек-листа в голову закрадывается подозрение, будто названия для песен придумывали Мanowar в содружестве с Tyr. Однако, общего с этими командами у Brothers of Metal не так и много. Стилистика коллектива, несмотря на тематику, ближе к шведским Power Metal командам, с некоторым привкусом итальянской и финской школ. Звук по-шведски тяжелый, но при этом мелодика и помпезность были созданы под явным влиянием Rhapsody и Stratovarius.
Вокальная часть, являющаяся чуть ли не самой важной в Power Metal, представлена аж тремя голосами. Приятный женский тембр, без какого-либо намёка на набившую оскомину оперу, такой же мягкий мужской, и неожиданно сочный харш. Причем последний звучит очень близко к Dark At Dawn, когда человек не просто орёт в микрофон, а по-настоящему поёт рычанием.
Естественно, главным хитом альбома является заглавная "Prophecy of Ragnarok". Эта песня характеризует весь альбом, словно паспорт: быстрая, цепкая, демонстрирующая все основные фишки коллектива. Благо, на альбоме припасена не одна такая бомба, но не обошлось и без баллад. "Yggdrasil" благоразумно спета по большей части девушкой, что придало песне изящества и чувственности, но без соплей.
После прослушивания альбом создает ощущение, будто это не молодой коллектив талантливых музыкантов, а четко продуманный проект. Настолько всё выглядит качественно и крепко, но при этом с изрядной долей клише. Конечно, это маловероятно, ведь группа изначально записывала и продвигала "Prophecy of Ragnarok" своими силами. Но в любом случае я рад, что этих чудесных шведов заметили, и не постеснялись вложиться в их развитие.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось бы, огненный LP "Not Fragile" определил раз и навсегда стилистические рамки, в которых группа предполагала продолжать дальнейший творческий путь. И если следующий за ним альбом "Four Wheel Drive" этому направлению почти в точности соответствовал, то в "Head On" обозначился некий дестабилизирующий крен. Два ведущих генератора творческих идей - Рэнди Бэхман и Фред Тёрнер, до того олицетворяющие собой единение и согласие, на этот раз в этих самых творческих подходах разошлись. Но если Тёрнер в общем-то продолжил следовать обозначенному альбомом "Not Fragile" вектору, то с Рэнди всё было сложнее. Нет, он не потерял, что называется, хватку и генерировать хуже не стал. И в целом, вроде как не сбился с пути. Рэнди всего лишь чуть свернул в сторону. И сделал это, судя по всему, осознанно. В результате звучание ВТО стало не столь жёстким, в каких-то треках даже мягким и лёгким. И, пожалуй, прагматичным, на широкую публику. Но вместе с тем заметно более разнообразным, межжанровым, я бы так это назвал. И уж точно никак не хуже. Пусть даже пара песен и вызывает определённые сомнения на предмет их необходимости в программе этой пластинки. Скажу вот так аккуратно и назову эти номера: "Average Man" и "Woncha Take Me For A While". Впрочем, этот мой упрёк музыканты с лёгкостью компенсируют уже одной лишь необычной композицией "Lookin' Out For #1". В несвойственной для хард-роковой группы стилистической форме - коктейль-джаз-баллада. Что это ещё такое, возможно кто-то задастся вопросом? Это просто надо слушать и вам понравится. Должно, думается мне, понравиться. Там одна только эстафета двух гитар, которую они устроили на сольной дорожке, многого стоит. Кстати говоря, подобный приём Рэнди и Блэйр Торнтон на этой пластинке применили ещё дважды. В стартовой "Find Out About Love" (со временем войдёт в золотой фонд наследия ВТО), что являет собой классический образец умеренного хард-рока. И в композиции Фреда Тёрнера "Away From Home", одной из сильнейших, если не самой сильной вещи всего альбома. С особым трепетом перехожу к номеру под названием "Stay Alive". Чистейший буги на зависть Status Quo (те тогда ещё так не играли), а сольная гитарная тема в исполнении Рэнди Бэхмана звучит настолько убедительно, насколько Фрэнсису Росси ещё даже не снилось. Подобный boogie-style у ВТО мне больше слышать не приходилось. К сожалению.
Остальные песни на этом альбоме - это работа дуэта Ф.Тёрнер - Б.Торнтон. Крепкие, надёжные хард-роковые номера. И эта неожиданная история, когда Тёрнер в творческом плане сблизился с Торнтоном, намекала на то, что между лидерами группы возникли определённые напряжения. Для людей понимающих это был недобрый знак.
|
| |
|
|
|
|
|
| По своей сути, данный альбом является логическим продолжением успешного "Wake the Sleeper", выпущенного в 2008 году. Конечно, по многим параметрам диск уступает предыдущему, но всё же ряд положительных моментов здесь присутствует. Во-первых, наблюдается значительное утяжеление звука в сторону хард-н-хеви. Во-вторых, присутствует та самая атмосфера 70-х, какая была на прошлом альбоме. И наконец - на альбоме находится одна, но полноценная баллада. Если сравнивать с предыдущими работами, выпущенными с 1995 по 2008 годы, пластинка кажется немного бледноватой, но если включить объективность "на максимум"- получим хороший, слушабельный материал. Обложка альбома, как и прошлом случае, имеет отсыл на природу, небо и т.д. Не знаю, что это в конечном итоге означает, но всё очень даже в тему.
Каждая песня по-своему хороша. Как и на прошлом альбоме, вся ставка делается на мелодии, нет никаких замысловатых моментов - звучит всё тот же старый-добрый прогрессив-хард. Гитарные партии более расслабленные, почти нет скоростных соло, но этот момент нисколько ни омрачает обстановку. Как и на всех классических работах группы, важную роль здесь также играет орган Хаммонда. Есть пара-тройка песен, которые хочется слушать раз за разом, стоит только начать. Это мелодичная, но тяжёлая "Into The Wild". Отличная баллада "Kiss Of Freedom", подобно лёгкому и воздушному покрывалу, накрывает вас с головой, создавая тёплую обстановку, невзирая на время года. "Southern Star"- моя любимая песня из альбома, имеет статус почти баллады, очень приятная вещь, особенно добавляет блеска главный рифф, уносящий нас в те времена, когда группа только начала своё шествие (начало 70-х). "Believe"- задорный, веселый боевик с грустным клавишным проигрышем.
Слушая подобные пластинки напрочь забываешь, что некоторым участникам группы уже давно за 60. Жаль, что для ветерана группы Trevor'а Bolder'а это последняя работа. Ввиду вышеуказанных причин, ставлю альбому положительную оценку.
|
| |
|
|
|
|
|
| После долгих и продолжительных турне и практически бездействия в студийной сфере, группа Uriah Heep решила таки выпустить достойнейший по всем параметрам материал. И пришлось это как раз кстати, поскольку UH уже стали потихоньку забывать и "накинули" им ярлык концертной группы. Повторюсь ещё раз - это, пожалуй, самый лучший альбом из всего позднего периода творчества группы, с момента ухода легендарного барабанщика Ли Керслейка.
Основная особенность альбома - это его целостность, поэтому лучше всего он воспринимается при полном его прослушивании, от начала до конца. Ощущается наличие в нём атмосферы 70-х, когда группа играла бескомпромиссный, всеми знакомый прогрессив-, арт-, хард-рок. Музыка в меру мелодична и тяжела. Иногда даже складывается ощущение, что на клавишах все ещё играет Кен Хенсли, и как бы это не было обидно, но это не так. Я нисколько ни хочу принизить какого-либо музыканта из этой группы, просто такие имена как Кен Хенсли и Дэвид Байрон ассоциируются с эпохой 70-х, когда группа "купалась в лучах славы" и делала ту самую всеми полюбившуюся музыку группы UH.
Альбом запоминается при первом его прослушивании. Нет даже и намека на слабую композицию, каждая песня наполнена особым настроем, и как раз той самой неповторимой атмосферой. Мои любимые из них - это мелодичные боевики "Overload", "Tears Of the World" и "Shadow", дающие ощущения "винтажных" времен. Отлично смотрится прог-роковая "What Kind Of God", хотелось бы выделить проникновенное исполнение Шоу. Ярко "сияет" композиция "War Child", несмотря на серьёзные тексты, чувствуется позитивный настрой. Все остальные песни по-своему хороши и нисколько не монотонны - всё очень драйвово и энергично. Обидно что нет баллад, но это уже на вкус и цвет. Отлично справились музыканты - выделяется каждый инструмент, начиная от гитары, заканчивая барабанами, присутствует фирменная техника игры (эффекты "вау-вау" и т.д.). Качество записи безукоризненное.
Для тех, кто все ещё думает что Uriah Heep потеряли себя ещё в 70-х, послушайте повнимательнее этот альбом, если, конечно, это поможет. Лично я ставлю его в ряд с классическими работами группы. Оценка 9 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Удивительно, но до сих пор, в 2018-ом году, известные испанские Metal'ические коллективы можно пересчитать по пальцам одной руки, и увы, на один палец в итоге стало меньше. К счастью или сожалению, но речь идет не о распаде Dark Moor, а наоборот, о смене курса команды на более лёгкую и фолковую музыку.
После прослушивания "Project X", я думал что потеряю к Dark Moor всяческий интерес, если их следующий альбом не будет исполнен в жанре Metal. Более того, юбилейный тур, во время которого были приглашены бывшие участники для исполнения раннего материала, давал надежду на возвращения к корням. Спойлер: возврата не случилось.
Но, как оказалось, Dark Moor действительно провели работу над ошибками, сгладив все шероховатости "Project X", подправив звук, и сделали упор на хитовость. И действительно, песни запоминаются, и недостающая, казалось бы, тяжесть становится незаметна. Соло звучат звонко, ритм иной раз достигает характерных для Power Metal скоростей. Вокал кристально чист, время от времени перекрывая гул инструментов, словно глашатай перед толпой.
Всё вышесказанное звучит неплохо, если подумать, но магия рушится, когда в памяти всплывают уже ставшие классическими "Maid of Orleans", "From Hell" или даже "Love from the Stone". "Origins" может быть сколь угодно сладкозвучным, но это уже не Dark Moor. Это уже скорее танцы у костра, нежели скрежет стальных доспехов под грохот артиллерии. И речь идет не о том, что "раньше было лучше". "Origins" сам по себе Power Metal альбом, лишенный при этом своей Metal'ической составляющей. Этот альбом как тигр без зубов и когтей - может и выживет, но точно не станет лучшим среди своих сородичей, являясь неполноценным.
Фанатам коллектива ознакомиться рекомендую, если "Project X" не заставлял вас прожигать стул от негодования, но рядовому слушателю, который знает про Dark Moor лишь понаслышке, советую пройти мимо. "Origins" точно не заставит вас сношать мебель своим просто-таки олимпийским энтузиазмом, тем более не подойдет для знакомства с коллективом.
|
| |
|
|
|
|
|
| Конечно же группа Uriah Heep оказала большое влияние на любителей рок-музыки, проживающих в России и ранее в СССР. Начнём с того, что "хипы"- это поистине первая хард-рок группа, давшая концерт в СССР, а не Scorpions, как это принято считать. Разумеется, заслуга последних в этом вопросе нисколько ни меньше, но всё же вернёмся к "хипам". Как раз первые концерты группа давала именно во времена выпуска и подготовки этого альбома (1987-1989 годы), песни с которого пришлись по вкусу нашему слушателю. Вообще всё творчество группы эпохи 80-х очень востребовано у нас, отчасти этот момент помог им вернуть хотя бы часть былой славы.
Альбом сам по себе неоднозначен - это точно. Его звучание представляет собой некий симбиоз творчества "слащавого" периода и временам возврата группы к своим корням (90-е годы). И скажу сразу - мне это понравилось! Очень свежий и местами непохожий на старых "хипов" звук воспринимается довольно интересно. Однако же, проскальзывает и намёк на "фирменный" почерк. Плюс ко всему присутствуют задор и драйв, которые не дадут заскучать на протяжении всего прослушивания. Если "Abominog" - это альбом, который не позволил забыть группу, как таковую, то "Raging Silence" - это громкое напоминание о том, что Uriah Heep живы, здравствуют и делают песни почти как раньше. Диск является первым для вокалиста Bernie Shaw и клавишника Phil'а Lanzon'а, которые так и останутся в группе по сей день.
Каждая песня по-своему хороша и разбавляет общую картину своей красотой и изюминкой. "Hold Your Head Up", "Blood Red Roses", "Voice On My TV" и "More Fool You" - тяжёлые AOR-боевики, пропитанные тем самым "духом 80-х", заставляющие напевать припев вместе с группой, больше всего понравилась последняя. "Lifeline" - очень эффектная композиция, местами напомнившая творчество UH времен Джона Лоутона. "Cry Freedom" - первый шаг возврата ансамбля к своим корням, бросаются в глаза мелодичные партии "Хаммонда", а также громкий припев "Cry Freedom - Sweet Freedom!" (надеюсь, намек понятен). "Rich Kid", "Bad Bad Man" - рок-н-рольные боевички, также добавляют ностальгии по старым-добрым временам. "When The War Is Over", "Rough Justice" - сильно мелодизированы, временами даже утомительны, но общую картину не портят. Отлично справились музыканты, чувствуется слаженность, доброе содружество всех участников группы, которые позволили выдать качественный и неоднотипный материал.
Однозначно диск является первым удачным моментом группы, после нелегкого периода начала и середины 80-х. Это первый шаг возврата Uriah Heep к своим корням, во всех смыслах этого слова. Ставлю не меньше 9-ки.
|
| |
|
|
|
|
|
| А вот это самый благородный, просчитанный, песенный и нескучный альбом проекта! «Geometria» правильна и приятна уху, насколько приятен взору сдержанный технический кавер-арт. На сей раз единственный и неповторимый мультиинструменталист решил резко усилить песенную составляющую, в основном посредством повышения роли женских вокалов. Нет на этом диске блэк-метала, но есть многие другие порождения гитарной мысли. Валит Тамаш Катай эпические формы и чувствует, что уперся в потолок, значит пора копнуть в другую сторону.
Новый альбом, в котором венгр взял на вооружение принцип малых форм, есть парад небольших шедевров, где от трэка к трэку то статный дэтовый базис, то изворотливый дэт, переходящий в мат-метал (“Szamojéd freskó”), то мелодичный дэт-дум/сладж (“Lágyrész”), а когда еще и мотивы пост-панка (“Balra a Nap”), но все сводится к мудрому руководству прогрессивной электроники, которая то просвечивает частностями, то создает целые трэки. Незаметно, чтобы Катай в чем-то повторил себя или залез в чужой карман за идеями, отовсюду взято лучшее, но ни к кому в особенности не апеллирующее. Все до одного композиции могут быть названы интригующими, не созерцательными (как часто случается у проекта), а деятельно взаимодействующими с миром вокруг пускай и в очень хрупкой, утонченной манере. В «Геометрии» достигнуто равновесие в любых плоскостях: старины и модерна, легкой и тяжелой музыки, умеренной неформатности и абсолютной доступности.
Логика развития инструментальной мысли не вызывает никаких нареканий – мелодии легки, естественны, как в лучших откровениях авангардной мысли 90-х. Гитарный саунд отражает все грани спектра, безладовый бас обеспечивает живой, дышащий ритм, наконец, ударные не заостряют на себе внимание искусственностью, вполне себе такие человеческие, обыденные. В нужном месте подключающийся саксофон или (чаще) скрипка расцвечивают и без того содержательные трэки, но круче всех сегодня DJ Катай в номерах “Töltés” (с женским вокалом), “Hajó” (c мужским) или во втором отделении “Balra a Nap” – интеллигентность его ретро-электроники восхищает, в эти моменты Thy Catafalque абсолютно самодостаточная формация с охватом сразу нескольких сцен. Открывающий опус “Hajnali csillag” начинается с космического эмбиента с джазовой ритм-секцией и в дальнейшем расхолаживается до украшенного скрипкой метала – просто чума, насколько органично и плавно развивается этот трэк, пожалуй, самый лучший на альбоме. Дальше –больше. “Töltés” с мягкими вокалами и упругой электронной пульсацией, неоклассический синтипоп “Hajó”, “Balra a Nap” – пост-панк, мутирующий в IDM...
Катай, кажется, поровну разделил сферы влияния между своим чистым голосом и женскими вокалами, для остроты добавив в один трэк скрима. Композиции, как я уже отмечал, крайне короткие по меркам коллектива, самые длинные составляют ½ от нормы ТЕХ эпиков.
Напоследок маэстро поддал тягучего стоунер-дума, который звучит противовесом всему пестрому эклектичному неметалу, звучащему прежде. Возможно, альбому не хватает эклектичного эпоса типа “Molekuláris gépezetek”, но нельзя иметь все. И незачем.
Итак, «Geometria» приглушила эпические амбиции автора, предложив вместо этого рафинированные маленькие удовольствия. И они раз за разом зажигают в сердце слушателя вроде меня огонь и веру в неистощимость вдохновения избранных. Гармоничная калейдоскопичность без тени скуки.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.