Самое неоднозначное явление в дискографии Мэнсона. С одной стороны, "TPE" - очень качественная работа, скрупулезно проработанная от и до, это касается и вокала, и музыки, и качества звука, да и тексты, в целом, вполне хороши. Ощущается, что альбом создавался с серьезным подходом, а не "по случаю".

Однако, говоря о данном релизе, приходит на ум следующая картина:
Любитель... скажем, фильмов ужасов, ждет продолжения своей любимой франшизы, которая относится к данному жанру, конечно же. И наконец выходит новая часть, только она является уже не фильмом ужасов, а каким-то детективом с парой напряженных моментов. Детективом качественным, с хорошими актерами, сюжетом и бюджетом, но это совсем не то, за что человек любил эту серию фильмов.

Вот так же я ощущаю себя, когда слушаю данный альбом. Качество, во всех отношениях, есть, а в дискографию он не вписывается, и являет собой совсем не то, за что я люблю Мэнсона. Не всегда всё зависит от качества музыки, иногда нужно понимать, что к чему может и не может прилагаться. Видимо, при создании альбома на этот момент был положен болт.

Этот альбом в дискографии Великого и Ужасного выполняет роль эдакого сгорбленного старичка. Именно так - сгорбленного старичка, а не зрелости. Под него хочется заснуть. Если бы такой альбом выпустил какой-нибудь исполнитель, который специализируется на блюзе и меланхоличной музыке в целом, то можно было бы и 10 из 10 поставить. А вот если рассматривать "TPE" именно как очередное явление в карьере Мэрилина Мэнсона, то это худший его альбом.

Двойного М я люблю за то, что в его музыке есть драйв, истерические нотки и секс - это то, чем она пронизана. Так же люблю и за мрачную романтику, не лишенную определенной эпатажной составляющей и завуалированных отсылок в ней к вещам, которые так бесят моралистов (речь преимущественно о "Eat Me, Drink Me" и "The High End of Low"). В каждом его альбоме большинство вышеперечисленных вещей присутствует, отличие лишь в том, что где-то чего-то больше, а чего-то меньше. А вот "TPE" этого лишен. Исключениями можно назвать разве что "Deep Six" и "Warship My Wreck", которые смотрятся совершенно не вяло и занимают почетное место жемчужин в дискографии ММ, к ним все вышеописанные претензии не относятся совершенно. Ну и помимо них, еще "Slave Only Dreams To Be King", которая тоже не вгоняет в сон, но она не шедевр - просто хорошая песня ММ. Про остальные песни я уже написал выше, чем они для меня являются. Кстати, я люблю их послушать и вовсе не считаю плохими. Альбом действительно хорош. Только, когда я его слушаю, создается ощущение, что Мэнсон записал сборник каверов на чьи-то песни. В этом и проблема "TPE", которой нет ни у одного другого альбома исполнителя.

Avant Garde   5 апр 2019

Угадайте чем можно побаловать свой слух на 8 марта? Ах да, вышел же юбилейно-мартовский альбом так "горячо" любимой фанатами группы Children of Bodom. По правде говоря, в этот раз финские дети не торопились и ждать нам пришлось чуть ли не 3 полных года. Хотя, ждали этого не все, а скорее всего такие же "дети", ведь за столь продолжительное карьеру группы успело вырасти уже целое новое поколение ценителей нео-творчества гитарной возни дорогого Алексия Лайхо и (внезапно!) Данилки Фрейнберга (Norther). По недразумению или счастью оказавшемуся в команде, ведь здоровье у Алекси совсем помутилось, и возраст не тот чтобы выигрывать все адские риффаки и пассажи, помимо вокала. Который, к слову, звучит в миксе так же, как и в "I Worship Chaos" (то есть, совсем не так, как хотелось бы старым фанатам времен "Hatebreeder", которые поставили на CoB крест лет этак 15 назад). Впрочем, Фрейнберг в принципе не так уж и плох. Давайте разбираться насколько хорош этот "долгожданый", словно теплый весенний свет, альбом вместе с новым гитаристом...
Обложка нового опуса интригует воображение старыми зрительными ассоциациями с любимым многими (и мной) "Follow The Reaper", за счет схожих оттенков. Однако, впечатления от нее всё-таки не настолько жуткие. Выглядит стильно, но...
Уважаемые CoB, объясните вы уже людям - на кой хрен там этот замок (?), или что-то другое? Есть большие подозрения, что это не несет никакой смысловой нагрузки, а ведь это не комильфо. Ну ладно, мы же не обложку оцениваем...
Что с музыкой, спросите вы меня? На самом деле, альбом имеет типичный стиль поздних CoB. Возьмите "I Worship Chaos", более мягкий звук, добавьте немного прог штук и разных риффов - вот и будет вам "Hexed". Понравился он мне или нет? Скорее нет, чем да. Риффов хоть стало и больше, но они, как и прежде, нихрена не цепляют. На весь альбом найдется порядка 3-4, которые являются исключением, но это не спасает. Новые клавишные тембры Вирмана может быть и доставляют, но тоже довольно редко, относительно альбома. С припевами и куплетами вообще проблема, почти в каждой песне тягучая муть, к которой подобрался прог, который еще больше запутывает, но всё-таки уместные места есть. Как не странно, наиболее удачно слушается банальное долбилово, оттого лично мне наиболее дельной кажется заглавная композициия "Hexed", которая, наверное, является лучшей на альбоме, и хоть изредка дарит впечатления олдскульных, в некотором роде нео-классических CoB. Однако, также было замечено странно знакомое послевкусие, которое я идентифицировал после прослушивания доброй кипы финских коллег (а-ля Wintersun). Вот, оказывается, где собака зарыта! Переняв стиль Norther и Wintersun (а ведь когда-то всё было наоборот), музыкальная стилистика CoB стала совершенно точно напоминать микс из альбомов Norther, Wintersun, Edenbridge + Warmen, поделенный на стиль полуковерканной стилистики самих CoB. Если бы не последнее, то альбом можно было смело принять за релиз, например, Norther. Помнится мне, это было и раньше (вспомнить, например, "Halo of Blood"). Я уж не знаю виноват ли в этих метаморфозах Фрейнберг, но такой расклад сто пудов подорвет тех, кому это не нравится, а такие, поверьте, есть. Соло довольно слабы. Лишь иногда Вирман дает понять, что команда в этом плане еще не выдохлась.
Ну вот, в принципе, и всё... Говорить долго о "Hexed" не получится, поскольку это очередной опус уже давно опустившийся для многих финской команды, цеплятся за музыкальное содержание тоже (ибо его практически нет). Выдающейся эту работу назвать язык не поварачивается. В сухом остатке имеем достаточно проходной альбом с немного обезличивающей стилистикой, слабыми соло, скучными припевами и куплетами. В целом, диск чуть лучше, чем предыдущий, и тянет разве что на почти 6 баллов в личном рейтинге, а по критериям сайта - 4.9/10. Лучшие композиции, которые хоть как-то можно слушать - это "Hexed", "Relapse (The Nature Of My Crime)", "Glass Houses", "Under Grass and Clover". У меня всё...

Nipch   5 апр 2019

В своё время Guano Apes стали ярчайшими представителями альтернативного рока не только в родной Германии, но и во всём мире. Уникальный по своему звучанию квартет способен выдавать просто потрясающие импровизации, где энергия, агрессия и лиричность заворачиваются в одном порыве вихря. Но речь сегодня пойдёт, на мой взгляд, о знаковой работе Сандры Насич и компании под названием “Walking On A Thin Line”, выпущенной в далёком 2003 году, в одну из лучших эпох рока.

Да, конечно же, до этого был великолепный "Proud Like A God" (1997) и "Don't Give Me Names" (2000), набитые хитами - эти работы, безусловно, были прообразом музыкального веяния, которое группа преобразовывала в своих творениях. Но, на мой взгляд, на альбоме 2003 года композиционное мастерство стало краеугольным, музыка обрела очерченность. Конечно, в рамках альбома стало меньше экспериментов, но при этом появился чёткий баланс между агрессией и изумительной лирикой, в которой, как мне кажется, Сандре Насич нет равных. Это неудержимая энергетика, которая бьёт мощным потоком, а потом просто успокаивает своей мерностью, на которую только способна вокалистка. И нельзя сказать, что Насич имеет безграничные вокальные навыки, но то топливо, которое есть в наличии, заправлено и мощь выжимается на максимум.

Альбом “Walking On A Thin Line” представляет собой отражение всего прекрасного в альтернативном роке середины 2000-х годов. Это качественный материал, но при этом не затёртый за всевозможными нововведениями, которые создаются на волне, и при этом творчество начинает представлять собой всего лишь необходимый фон действительности. Работа германцев была выпущена в своё время, но до сих пор сохраняет свежий музыкальный взгляд, эталонный звук, который строится на рвущей гитарной энергетике, приправленной глубокими бас-партиями и слаженной ритмикой. Ну а вокалом Сандры можно наслаждаться в безбрежном творческом поиске. Альбом, который создавал время, и стал его важной частью.

Продолжая говорить о творчестве германцев, которое они продемонстрировали на альбоме, не могу не отметить яркое желание быть запоминающимися в музыкальном плане, но не посредством бессмысленности, проявляющейся в нынешнем времени и не представляющей какого-либо своего видения. Guano Apes показали каким рок должен быть и оставаться на тот момент. Творцы смогли взять то, что было ранее, и создать свой музыкальный виток, дорога которого и до сих пор остаётся неповторимой, как, собственно, и взор создателей, способных увидеть то, что необходимо сказать этому миру.

Антон Пеганов   3 апр 2019

Бывает ли у вас такое чувство, когда ну прямо всё вокруг достало? Бесит погода, пробки, люди в транспорте, работа, козлы-соседи, растущие цены и общемировая несправедливость. А ещё больше бесит осознание того, что ты, обозлившийся индивид, ничего с этим поделать толком не можешь. И остается только хватать первую попавшуюся под руки палку, камень, мегафон-матюгальник и идти на... Нет, лучше направить весь накопившийся негатив в мирное русло: врубить погромче гитару и просто орать во всё горло, как всё заколебало. Ведь именно так, по легенде, появился хардкор — музыка стремительно-агрессивная, громкая и доверху наполненная социальным протестом.

Billy Graziadei - весьма известная в кругах любителей хардкора личность. В своё время релизы Biohazard были весьма популярны. Да, собственно, подобные темы всегда будут в ходу, покуда в мире продолжает происходить всякое бесящее дерьмо. Тут уж, как говорится, не до драконов.

Несмотря на то, что в основе сольника Билли, естественно, лежит узнаваемый фундамент Biohazard, релиз получился более многогранным, чем ожидалось. Само собой, подавляющее большинство композиций представляют собой качающие хардкоровые кричалки с грувистым ритмом, плотными перекатами томов и хлесткими тарелками, но, местами, заметно влияние тоже весьма популярного поп-панка в духе Sum41. "Generation Z" — главный, пожалуй, хит данного альбома и наиболее radio-friendly. Думается, в начале нулевых её бы крутили повсюду. Встречаются кое-какие элементы рэпкора, местами темп снижается и дело доходит почти до чистопородного дета, перемежают боевые куски небольшие электронные инструментальные зарисовки, напомнившие творчество других соц-активистов — Ministry и NIN.

В целом альбом воспринимается довольно неплохо прежде всего, за счёт небольшого хронометража, весьма качественного полнокровного звука, заразительного горлодерства Билли и классных мясных риффов. Пластинка стремительным шквалом обрушивается на слушателя и следует привычному хардкор-плану: неистовый разгон на несколько секунд и передышка, чтобы перевести дыхание и снова головотрясное молотилово. Подобная форма проверена годами и одинаково хорошо работает как на живых выступлениях, так и в записи. Будь альбом длиннее, он бы, вероятно, утомлял. А так — сорок с лишним кубиков живительной инъекции агрессии и протеста, которая прочищает мозги и поднимает настроение.

(Диск предоставлен компанией FONO).

Nerferoth Drake   2 апр 2019

Если бы мне заранее сказали, что Misery Index плюнут на достижения двух последних альбомов и решат, что откат в нулевые является хорошим ходом, я бы, наверно, даже близко не приближался к “Rituals of Power”. Уж простите, но те же “Discordia” и “Traitors” были совсем не в жилу как своим кондовым материалом, так и не менее кондовым, с гиперориентацией на ударные, звуком. Но никто мне такого не сказал. Более того - лечили прямо противоположное.

В итоге, по классической схеме образовались две новости: плохая и хорошая. Начну с плохой: Misery Index, находясь, видимо, не совсем в добром здравии, действительно решили тряхнуть мудями нулевых, практически полностью похерив достижения предшественника. Под удар попала, в первую очередь, техника, на поприще которой в 2014-м группа буквально из штанов выпрыгнула. Да, то был, конечно, не технодэт, но уже само старание заслуживало только добрых слов, а редкие мелодичные всплески так вообще делили на ноль. “Ритуалы” могут порадовать чем угодно, но только не этим: красочный и изобретательный дэт 2014-го тут перетёк обратно в прямолинейно-немногословный дэт 2006-го. И он не тащит совершенно. Исключение – закрывающая альбом колошматня “Naysayer”.
Новость хорошая: единственное, что от “The Killing Gods” сюда всё-таки переползло, это размашистые хардкоровые вылазки. Да чего уж вылазки – ХК тут едва ли не больше, чем метала. Он и ритм задаёт, что хоть в пляс пускайся, и хитовость прививает, тем самым хорошо прикрывая насквозь дырявую и бестолковую дэтовую сторону. О былом грайнде как-то и не вспоминается вовсе, пусть иногда они и позволяют себе прежнюю напалмовщину, вроде “I Disavow”.
Ну и бонусом нельзя не сказать про звук. Вероятно, не лучший образец из того, что у них было, но говорить о нём в положительном тоне позволяет уже один тот факт, что ни один инструмент в процессе сведения не пострадал. Даже ударные звучат по-человечески, а ведь именно они были главным козлом отпущения как в 2006-м, так и в 2014-м.

Итогом всей этой борьбы бобра с ослом стал крепко сбитый образец дэтового хардкора, который, однако, даже не пытается замахнуться на что-то большее. Видимо, на “The Killing Gods” весь энтузиазм и закончился.

MAX DE SADE   1 апр 2019

Если человеку случайному, в творчество Wishbone Ash не погружённому, предоставить возможность прослушать этот LP и дать ему оценку, то приговор и для альбома, и для самой группы, скорее всего, будет неутешительный. Работа эта, где нет яростного хард-рока и лихих рок-н-роллов, покажется ему флегматичной, вялой, в общем - скучной. И отчасти этого человека можно будет даже понять. Хотя WA никогда (ну почти никогда) не играли подобную музыку. И призрак лёгкой меланхолии, это надо признать, действительно сопровождает большую часть этой программы. Где-то чуть больше, где-то меньше. А между тем, эта пластинка пройдёт проверку временем, и на сегодняшний день в обойме этой группы будет общепризнанно и заслуженно считаться одной из самых значимых в творческом наследии WA. Без хитов и высоких позиций в рейтингах и чартах. Потому как даже при всех его музыкального плана достоинствах, примечателен этот альбом ещё и событиями, так или иначе с ним связанными.
И главное из того ряда событий - это первая в недолгой истории WA замена одного из музыкантов. По одной из версий гитарист Тед Тёрнер настолько тогда увлёкся эзотерикой и мистикой, что это стало мешать ему в работе с группой. Возможно, работа в группе слишком отвлекала Теда от этого нужного и полезного учения. Как бы там ни было, но после выхода концертного альбома WA "Live Dates" (декабрь 1973 г.) Т. Тёрнер оставил команду, и подался куда-то в Южную Америку совершенствоваться в эзотеризме. Пришедший ему на смену Лори Уайсфилд (Laurie Wisefield) был совсем ещё мальчишка (20 лет). Однако в его активе уже было участие в прог-рок группе Home, три года от звонка до звонка. И это был уже сложившийся гитарист с композиторскими задатками и, что было немаловажно, поющий гитарист.
В начале лета 1974 года группа с британских островов перебралась на жаркий американский полуостров Флорида. На постоянное место жительства. Причина - непомерные английские налоги. И этот аргумент для начавших неплохо зарабатывать музыкантов WA перевесил естественную тоску по родине. Таким образом, пластинка "There's The Rub" стала первой, записанной ими в Америке. Новый продюсер-американец Билл Шимчик (Billy Szymczyk) в своё время работал с B.B. King, Eagles и др. известными людьми, он не стал жёстко навязывать своим новым подопечным что и как играть. Однако новая обстановка так или иначе сказалась на творческом процессе и характере материала для будущей пластинки. Не могла не сказаться. При этом важной задачей для группы было не утратить формулу успеха, достигнутого пятью годами упорного труда. В этом плане необходимо было понять, как быстро обретёт себя в квартете новичок, и каким в результате сложится их гитарный тандем с Эдди Пауэллом.
Альбом получился переходным. Со свойственным всем англичанам прагматичным консерватизмом, музыканты не стали ничего выдумывать и сделали ставку на хорошо ими освоенную стилистическую базу, привнеся в саунд новые штрихи и, даже не краски ещё, а пока лишь оттенки тех красок, что со временем наполнят новое звучание группы. Композиция "Lady Jay", основанная на дартмурской (Dartmoor - это местность в Южном Девоне, Англия) народной легенде, естественным образом исполнена группой в их "фирменном" кентерберийском (средневековом, иначе говоря) звучании с двумя ведущими гитарами теперь уже дуэта A. Powell - L. Wisefield и дуэта вокального M. Turner - L. Wisefield.
Ещё одна баллада, а по сути семиминутная рок-сюита "Persephone", звучит уже несколько иначе, но она показательна в том смысле, что в лице Лори Уайсфилда квартет обрёл достойную замену Теду Тёрнеру. Скажу больше, этот невысокий, тщедушный, больше похожий на подростка гитарист с роскошной "цыганской" шевелюрой станет основным креативщиком в WA в последующие 11 лет. Их тонкую, изящную гитарную вязь в тандеме с Пауэллом в стартовой "Silver Shoes", как, впрочем, и в некоторых других номерах программы, можно считать характерной особенностью всего альбома.
Но вот инструментальная пьеса на девять с половиной минут с загадочным названием "F.U.B.B."... Расшифровка этой аббревиатуры на момент выхода пластинки должно быть повергала в шок отдельных стыдливых эстетствующих почитателей творчества WA. И в самом деле, это словосочетание (Fucked Up Beyond Belief) в своё время вызвала немало шума в среде музыковедов, искавших глубинные причины, что побудили музыкантов назвать эту композицию так, а не иначе.

В чартах категорий Albums США и Великобритании LP "There's The Rub" занимал весьма скромные позиции (скажем, в US Albums Chart лишь 88-е место) и объёмы его продаж были несопоставимы с тиражами двух предыдущих ("Argus" и "Wishbone Four"). А вот авторитетные музыкальные издания, углубляясь в историческое прошлое Wishbone Ash, именно этот альбом называли и называют поворотным, определившим дальнейший ход событий для этой легендарной группы.

МихаилБогданов  30 мар 2019

Третий альбом известной, пожалуй, уже многим фолк-метал группы СатанаКозел из города Петрозаводска, поклонникам пришлось ждать целых 5 лет. Именно столько времени прошло с момента выхода альбома «Солнце мертвых» (2010) – релиз «Север» вышел в 2015 году на Soundage Prod. С момента зарождения группы в 2003 году прошло немало лет, и группа свою аудиторию релизами особо не балует, но три полноформатных альбома оправдывают себя качеством содержания, и музыканты не идут по проторенной дорожке. На альбоме «Север» заметен прогресс группы, например, открывашка «Чужие» в значительной степени показывает что появились весомые аргументы в сторону мелодик-дэта, но с элементами фолка, куда уж без них – эта составляющая никуда не делась. Но это все еще тот СатанаКозел, который запомнился слушателям со времен альбома «Рогатыя». После нескольких прослушиваний пришла мысль, что альбом является концептуальным и посвящен теме мировых войн, послушайте и прочитайте текста таких треков как: "Чужие", "Партизанская", "Враг", "Ураган", "Как поп Сиволдай на войну ходил". Это уже не та разудалая песнь что на первом альбоме, появилась такая печаль и некая мрачность, что создает особую атмосферность. Также у группы стали появляться песни с заявкой на эпик – на прошлом альбоме это была «Солнце мертвых», сейчас же это "Север". Мой фаворит на альбоме именно этот трек, жаль что на такую продолжительную песню такой коротенький текст:

«Призрачный свет утренних звёзд.
Тёплый туман пеленает рассвет.
Слышится эхо минувших веков.
Дышит в тебе.
Видит насквозь всё нутро твоё Север!
Грозная рать дремучих лесов
Морок болот, вечный покой.
Воля и гибель, пламя и лёд.
Стылая кровь.
В кузне снегов закалён тобой, Север.»

Присутствует также на альбоме, наверное, уже по традиции, трек о религиозном деятеле, который попадает в разные нелепые ситуации, зовут его поп Сиволдай - он персонаж старых поморских сказок Степана Писахова. В этот раз его отправляют на войну:

«Громом в тиши вечерней прогремела весть,
Что лютый ворог уже близко.
И в келье своей замшелой Сиволдай решил засесть
Покуда буря не утихнет.
Но, к счастью, прознали бабы, что негодный жирный поп
Не хочет на войну сбираться.
И, вытащив его за рясу, расшибли ему лоб.
Заставили в воины податься!»

"Как поп Сиволдай на войну ходил" - достаточно бодрый трек с запоминающимся
риффом и саркастичным текстом, а вот «Медведь», например, слишком монотонен и однообразен, не хватает ему динамики и напора, но это возможно слишком и предвзято. Когда заиграл «Враг» показалось на секунду что начал слушать трек «Warriors of the world united» группы Manowar, достаточно схожее начало, но такие ходы в структурах и аранжировках у многих групп – это порой замечается во многих жанрах и без того. Кстати, на этом треке отметился в качестве гостя некий финский гитарист Pekka Korhonen, о котором никакой информации я не нашел. Релиз порадовал не только музыкальной и лирической составляющей, но и качеством звука – «мясной» саунд всех инструментов в должной степени хорошо записан и сведен. Надеюсь, как и поклонники группы, думаю что СатанаКозел и дальше будет радовать добротными работами и в будущем.

DimasRocker  30 мар 2019

К 2016-му году всё у группы, вроде, было хорошо. В 2014-ом выпустили прорывной альбом "The Flesh Prevails", после успеха которого группа подписала контракт с Nuclear Blast и выпустила его логическое продолжение "Dreamless", тоже встреченного довольно тепло, как слушателями, так и критиками. В общем, заявление об уходе вокалиста и одного из основателей группы, Алекса Хофманна, было достаточно неожиданным. Оставшуюся часть тура, в поддержку "Dreamless", группа провела с разного рода сессионными вокалистами, но, а после, когда встал вопрос о записи нового альбома и, соответственно, поиске постоянного вокалиста, новости о группе стали совсем скудными. И только в 2019 году, за два месяца до выхода нового альбома, группа презентовала первый сингл "Ultraviolet" и нового вокалиста Антонио Палермо. Реакция слушателей на этот сингл последовала тут же. И, мягко сказать, была она не сильно положительной. К несчастью для Палермо, в основном, критика касалось его непосредственных обязанностей. Из названия группы принялись лепить всякие The Devil Wears Fallujah или Fallujah Wears Prada, намекая на то, что однотипный скриминг Антонио обезличил группу и поставил её в один ряд с многочисленной, однотипной "коровой" братией. И тут вскрылась ещё одна проблема. На промо-фото к новому альбому и в видеоклипе на свежий сингл не оказалось ритм-гитариста группы, Брайана Джеймса, с появлением которого и связывают "ту самую атмосферу" Fallujah на альбомах 2014 и 2016-ого годов. И с этим трудно спорить, ибо Джеймс стал полноценным членом группы в 2013 году, как раз перед записью "The Flesh Prevails" (до этого, он где-то год-полтора числился туровым ритм-гитаристом). От самого Джеймса последовал ответ, что формально он уже с марта 2018 г. не является членом группы. Причина ухода – творческие разногласия. Возможно, это простая "официальная" причина, но факт, есть факт – теперь Fallujah стали квартетом, а Брайан Джеймс не принимал участия в записи нового материала. А если и принимал, то на начальных этапах. Как всё это отразилось на музыкальной составляющей? Давайте разбираться.
Если честно, меня тоже несколько обескуражил первый сингл. И я до сих пор считаю, что группа неудачно выбрала его в качестве представления вокалиста. Вот "Dopamine", который вышел чуть позже, я думаю, не настроил бы на такую негативную волну, как его предшественник. По-крайней мере, она не такая прямолинейная, как "Ultraviolet", хотя недостатки есть и у неё. В любом случае, понятно было, что нужно слушать полноценный альбом, чтобы понять насколько всё плохо. Оказалось, что всё не совсем печально, как думалось на первый взгляд. Но и особых восторгов новый материал, конечно, не вызывает. Главное обвинение, которое можно, и даже нужно, предъявить этому альбому – однообразие. К сожалению, то из-за чего многие полюбили "The Flesh Prevails" и "Dreamless" на новом альбоме просто нет. Нет здесь выдающихся мелодических звуковых ландшафтов; эмбиентных полотен; непрерывных техничных и воздушных риффов; взрывных барабанов; мерцающей атмосферы и этого, казалось бы, случайного, но такого эффектного использования мужского и женского чистого вокала. А что же тут есть? Монотонность и однообразие. После первого прослушивания я поразился насколько группа изменила подход к своему звучанию. Будто они сознательно уменьшили или совсем удалили из своей музыки всё то, что делало их, в своем роде, уникальными. Будто вся эта воздушная атмосфера была просто одним резким движением сброшена в пропасть. И вокал тут, если честно, дело десятое. К Алексу Хофманну было претензий не меньше, пока он ещё был в составе группы. И вполне вероятно, что те, кто сейчас "льёт слезы" по нему, года три-четыре назад поливали его помоями и радовались потом его уходу. Но не все помнят, что Алекс был не только вокалистом, но и отвечал за музыкальное программирование. По сути, вся эта эмбиентная оболочка и "атмосфера" была на нём. И вполне возможно, он ещё отвечал за "связи с общественностью", ибо никаких женских вокалов, порой просто напрашивающихся (в тех же "Dopamine", "Distant and Cold" или "The Ocean Above") тут и в помине нет. Хотя, вполне может быть, что группа сознательно дистанцировалась от своих прежних работ. Конечно, не стоит думать, что всё совсем так плохо. Гитарист Скотт Карстерс никуда не делся и на прошлых альбомах не просто "рядом стоял - три аккорда перебирал". Благодаря его узнаваемой игре, группа ещё не совсем потеряла лицо. Все знакомые элементы его игры на месте - резкие, ритмичные риффы и запоминающиеся мелодии на альбоме присутствуют, но они не такие яркие, как на предшественниках. Порой они просто теряются в скриме Палермо. Что касается барабанов, то и тут от взрывной энергетики не осталось и следа. Да и звучание у них на альбоме довольно плоское. Вообще, если уж делать какие-то конкретные сравнения, то из всего альбома можно выделить три песни: "Hollow", "Sanctuary" и "Eyes Like The Sun". Они наиболее сильно напоминают своих более взрослых предшественников. "Sanctuary", повествующая о потере себя и готовности пожертвовать собой ради любимого человека, вообще мой главный фаворит на альбоме, во многом, благодаря кульминационному моменту, во время которого Антонио Палермо, внезапно, чистым вокалом поет "Lazarus, Lazarus/ I am falling faster now/ Falling fast from death". Это тот момент, который заставляет раз за разом возвращаться к этой песне, настолько он был хорош. Но, к сожалению, таких вот хороших и приятных неожиданностей на альбоме практически нет. Предпоследняя "Distant And Cold", явно созданная с оглядкой на медитативные композиции "Alone With You" и "Dreamless", не дотягивает до них совершенно. Безликий, не вызывающий интереса рифф; монотонный бред и настроение совсем не то. Ну, а вокал… Тут либо нравится, либо нет. После нескольких прослушиваний я вполне к нему привык. К тому же Палермо в своей группе Underling, исполняющей "post-много чего", тоже не сказать, чтобы отличается разнообразием.
В общем, "Undying Light" безусловно разочарует поклонников группы, которые появились у неё благодаря "The Flesh Prevails" и "Dreamless". Если же вы их ещё не слушали, то новый альбом вам вполне понравится. Он не плохой, он просто совершенно другой, более приземлённый. В некотором смысле "Undying Light" напоминает мне дебютный альбом группы, "The Harvest Wombs". Он тоже был хорош, но он ничем не примечателен, как и альбом этого года. Не знаю, что там будет в плане продаж, но в творческом плане для Fallujah, каками мы их знали, это явный провал. Тем интересней будет услышать их следующий альбом, чтобы посмотреть, в каком направлении они будут двигаться дальше.

YNWA  28 мар 2019

Переливность дебютного сольника Анетт Ользон зарождает внутри изумительное ощущение тишины и спокойствия, которое можно наблюдать довольно внимательным взором. Именно с этим чувством Анетт и передаёт характерный колорит финского фольклора, при этом не углубляясь в доисторичность происходящего, но рисуя яркую картину раннего утра, когда ещё по-зимнему холодное солнце озаряет землю, но при этом уже на пороге весна, торопящаяся поскорее принять в свои объятья и пробудить ото сна - временной промежуток настолько тонкий, но уловимый в музыкальных тональностях и переданный с неповторимым изяществом, это и стало определяющим.

Стоит отметить - при не столь богато выраженной музыкальной составляющей, альбом “Shine” сохраняет мелодику и состояние душевности, это не музыка для мировой сцены, скорее, истинное творчество, независящее от большинства. Анетт удалось отойти от образа фронтвумен известной команды и продемонстрировать собственное виденье.

С музыкальной точки зрения, альбом представляет собой интересный поп-рок, при этом голос Аннет звучит на порядок ярче, нежели в рамках “найтов”, где, собственно, была крепка узда, не дававшая каких-либо вольностей, “Shine” же прекрасный пример того, что и после довольно успешного сотрудничества, возможно создать нечто новое, кардинально отличающееся.

Говоря о творчестве Анетт нельзя не отметить, что певица выгодно отличалась от остальных участниц прославленного симфо-метал коллектива - изначально не столь мощное метал-исполнение здесь приобрело истинный оттенок, с налётом светлой грусти.

Работа “Shine” имеет в себе собственное настроение, которое можно уловить уже с самого начала прослушивания. Это воспоминание об ушедшем, но не как о чём-то безвозвратно утерянном, а скорее о том что было, но уйдя, оставив прекрасное воспоминание, дающее силы продолжать идти дальше, ведь впереди ещё столько неизведанного. Дебютник Анетт Ользон, пускай и ставший на сегодняшний момент единожды проявленным, продемонстрировал, что вокалистка способна на созидание прекрасного, и что путь состоит из множества частей, каждая из которых лишь дополняет тебя и делает эту жизнь многогранной.

Антон Пеганов  27 мар 2019

После выхода достаточно сильного и успешного альбом "Shinin' On" (март 1974 г.) прошло совсем немного времени. Слишком немного, чтобы понять насколько тот альбом получился сильным и успешным. Это станет очевидным позже, а между тем менеджмент Grand Funk летом 1974 года получил от компании Capitol Records настоятельные рекомендации уже в текущем году выпустить ещё один LP. И ещё два в 1975-м. И всё это согласно договорным обязательствам. Наперёд замечу - в итоге группа справится со столь суровыми требованиями. Знать бы ей тогда, чем всё потом закончится... Но это, впрочем, уже другая история...
Ситуация для GF сложилась тогда действительно не из простых. Былые слава и популярность начала 70-х мало-помалу оставались в прошлом. Группа постепенно выхолащивалась, творческая мысль притуплялась. Молодые напористые конкуренты (Styx, Eagles, Rush и др.) между тем набирали обороты и обходили ветеранов. А ещё эта усиливающаяся день ото дня экспансия европейских монстров тяжёлой музыки (Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin и т.д.), которым уже стало тесно на их британских островах и континенте... Северо-американский рынок был перенасыщен носителями рок-музыкальной субкультуры. И хотя рядовой её потребитель всё ещё отдавал предпочтение своим, жизнь вынуждала что-то менять и как-то меняться.
Джимми Йеннер уже был достаточно известным и авторитетным продюсером, но среди его былых подопечных не значились музыканты, причастные к хард-року. Осенью квартет Grand Funk уединился в собственной студии гитариста Марка Фарнера на его ранчо в окрестностях городка Паршолвилл (штат Мичиган) и включился в работу над новым альбомом. А в декабре пластинка с броским конвертом и интригующим названием вышла в релиз. Первое и главное условие Capitol Records было выполнено.
Дж. Йеннер выполнил и другие: облегчил саунд группы и приблизил его к стандартам почти популярной музыки, которая значительно проще укладывалась в формат радио-ротаций. Чего и желали боссы из Capitol Records.
Программа "All The Girls In The World..." получилась настолько разномастной и неоднородной, что производит впечатление скорее компиляции, собранной из разбросанных по времени композиций лет этак за десять. В ней уложились образцы самых разных стилистических векторов и комбинаций из этих стилей. Влияние продюсера в этом было несомненное. Главным же образом Йеннер внедрил в звучание GF близкие и понятные ему самому джазовые интонации, и даже с использованием мощной духовой секции ("Runnin'", "Look At Granny Run Run", "Wild"), как он это практиковал в гр. Three Dog Night. И если гитара М. Фарнера в былые времена являлась основным инструментом, определяющим наполняемость привычного саунда группы, то в этой пластинке ощутимый крен был сделан в пользу клавишных, в большей степени электрооргана Крейга Фроста.
Есть, однако, одна композиция, самая примечательная, пожалуй, в программе, где и гитара и орган звучат в унисон от первой и до последней секунды. Все семь с половиной минут. Это "Good & Evil" c темой, что красной линией проходит через всё творчество GF. Главной особенностью этого номера, впрочем, является не гитара и даже не орган, а специфический голос Дональда Брюэра. И это не вокал в привычном его понимании, а зловещий демонический шёпот, на излёте строк переходящий в экзальтированный scream. Совсем другими приёмами сработана титульная песня пластинки. "All The Girls In The World Beware!!!" - сумбурно-энергичный трек с фанк-джем мелодической структурой в духе Santana, с быстрыми риффами и обильной перкуссией.
Приглашение Джимми Йеннера следовало понимать и как "маховик" для раскручивания маркетинговой составляющей альбома. Для этого он, собственно, и переориентировал устоявшееся звучание коллектива в поп-рок-мейстрим с претензиями на хитовость отдельных номеров. И в этом Йеннер преуспел: два сингла достаточно высоко поднимались в своей категории по версии Billboard Hot 100 (первая пятёрка). Мягкая лирическая "Bad Time" своим мелодизмом перекликается с несравненной харрисоновской "My Sweet Lord". Одна из самых красивых композиций Марка Фарнера особенно привлекательна на фоне удушающей "Good & Evil". И, наконец, своеобразная кавер-версия темнокожего североамериканца Джона Эллисона "Some Kind Of Wonderful" - типичная рок-н-ролльная тема из 60-х годов с М. Фарнером на вокале, в сопровождении "голой" ритм-секции, прочерчивающей пресловутый "квадрат" на протяжении всей этой песни, где лишь в самой концовке вступает электроорган. Это была финальная вещь альбома.

Уже 2 января 1975 года Grand Funk отправились в полугодовой кругосветный концертный тур. Возможно, это были самые безмятежные полгода в истории группы. Потому как дальше их ожидали реальные Bad Times...

МихаилБогданов  22 мар 2019