|
|
 |
|
| Самое неоднозначное явление в дискографии Мэнсона. С одной стороны, "TPE" - очень качественная работа, скрупулезно проработанная от и до, это касается и вокала, и музыки, и качества звука, да и тексты, в целом, вполне хороши. Ощущается, что альбом создавался с серьезным подходом, а не "по случаю".
Однако, говоря о данном релизе, приходит на ум следующая картина:
Любитель... скажем, фильмов ужасов, ждет продолжения своей любимой франшизы, которая относится к данному жанру, конечно же. И наконец выходит новая часть, только она является уже не фильмом ужасов, а каким-то детективом с парой напряженных моментов. Детективом качественным, с хорошими актерами, сюжетом и бюджетом, но это совсем не то, за что человек любил эту серию фильмов.
Вот так же я ощущаю себя, когда слушаю данный альбом. Качество, во всех отношениях, есть, а в дискографию он не вписывается, и являет собой совсем не то, за что я люблю Мэнсона. Не всегда всё зависит от качества музыки, иногда нужно понимать, что к чему может и не может прилагаться. Видимо, при создании альбома на этот момент был положен болт.
Этот альбом в дискографии Великого и Ужасного выполняет роль эдакого сгорбленного старичка. Именно так - сгорбленного старичка, а не зрелости. Под него хочется заснуть. Если бы такой альбом выпустил какой-нибудь исполнитель, который специализируется на блюзе и меланхоличной музыке в целом, то можно было бы и 10 из 10 поставить. А вот если рассматривать "TPE" именно как очередное явление в карьере Мэрилина Мэнсона, то это худший его альбом.
Двойного М я люблю за то, что в его музыке есть драйв, истерические нотки и секс - это то, чем она пронизана. Так же люблю и за мрачную романтику, не лишенную определенной эпатажной составляющей и завуалированных отсылок в ней к вещам, которые так бесят моралистов (речь преимущественно о "Eat Me, Drink Me" и "The High End of Low"). В каждом его альбоме большинство вышеперечисленных вещей присутствует, отличие лишь в том, что где-то чего-то больше, а чего-то меньше. А вот "TPE" этого лишен. Исключениями можно назвать разве что "Deep Six" и "Warship My Wreck", которые смотрятся совершенно не вяло и занимают почетное место жемчужин в дискографии ММ, к ним все вышеописанные претензии не относятся совершенно. Ну и помимо них, еще "Slave Only Dreams To Be King", которая тоже не вгоняет в сон, но она не шедевр - просто хорошая песня ММ. Про остальные песни я уже написал выше, чем они для меня являются. Кстати, я люблю их послушать и вовсе не считаю плохими. Альбом действительно хорош. Только, когда я его слушаю, создается ощущение, что Мэнсон записал сборник каверов на чьи-то песни. В этом и проблема "TPE", которой нет ни у одного другого альбома исполнителя.
|
|  |
|
|
|
|
|
| Угадайте чем можно побаловать свой слух на 8 марта? Ах да, вышел же юбилейно-мартовский альбом так "горячо" любимой фанатами группы Children of Bodom. По правде говоря, в этот раз финские дети не торопились и ждать нам пришлось чуть ли не 3 полных года. Хотя, ждали этого не все, а скорее всего такие же "дети", ведь за столь продолжительное карьеру группы успело вырасти уже целое новое поколение ценителей нео-творчества гитарной возни дорогого Алексия Лайхо и (внезапно!) Данилки Фрейнберга (Norther). По недразумению или счастью оказавшемуся в команде, ведь здоровье у Алекси совсем помутилось, и возраст не тот чтобы выигрывать все адские риффаки и пассажи, помимо вокала. Который, к слову, звучит в миксе так же, как и в "I Worship Chaos" (то есть, совсем не так, как хотелось бы старым фанатам времен "Hatebreeder", которые поставили на CoB крест лет этак 15 назад). Впрочем, Фрейнберг в принципе не так уж и плох. Давайте разбираться насколько хорош этот "долгожданый", словно теплый весенний свет, альбом вместе с новым гитаристом...
Обложка нового опуса интригует воображение старыми зрительными ассоциациями с любимым многими (и мной) "Follow The Reaper", за счет схожих оттенков. Однако, впечатления от нее всё-таки не настолько жуткие. Выглядит стильно, но...
Уважаемые CoB, объясните вы уже людям - на кой хрен там этот замок (?), или что-то другое? Есть большие подозрения, что это не несет никакой смысловой нагрузки, а ведь это не комильфо. Ну ладно, мы же не обложку оцениваем...
Что с музыкой, спросите вы меня? На самом деле, альбом имеет типичный стиль поздних CoB. Возьмите "I Worship Chaos", более мягкий звук, добавьте немного прог штук и разных риффов - вот и будет вам "Hexed". Понравился он мне или нет? Скорее нет, чем да. Риффов хоть стало и больше, но они, как и прежде, нихрена не цепляют. На весь альбом найдется порядка 3-4, которые являются исключением, но это не спасает. Новые клавишные тембры Вирмана может быть и доставляют, но тоже довольно редко, относительно альбома. С припевами и куплетами вообще проблема, почти в каждой песне тягучая муть, к которой подобрался прог, который еще больше запутывает, но всё-таки уместные места есть. Как не странно, наиболее удачно слушается банальное долбилово, оттого лично мне наиболее дельной кажется заглавная композициия "Hexed", которая, наверное, является лучшей на альбоме, и хоть изредка дарит впечатления олдскульных, в некотором роде нео-классических CoB. Однако, также было замечено странно знакомое послевкусие, которое я идентифицировал после прослушивания доброй кипы финских коллег (а-ля Wintersun). Вот, оказывается, где собака зарыта! Переняв стиль Norther и Wintersun (а ведь когда-то всё было наоборот), музыкальная стилистика CoB стала совершенно точно напоминать микс из альбомов Norther, Wintersun, Edenbridge + Warmen, поделенный на стиль полуковерканной стилистики самих CoB. Если бы не последнее, то альбом можно было смело принять за релиз, например, Norther. Помнится мне, это было и раньше (вспомнить, например, "Halo of Blood"). Я уж не знаю виноват ли в этих метаморфозах Фрейнберг, но такой расклад сто пудов подорвет тех, кому это не нравится, а такие, поверьте, есть. Соло довольно слабы. Лишь иногда Вирман дает понять, что команда в этом плане еще не выдохлась.
Ну вот, в принципе, и всё... Говорить долго о "Hexed" не получится, поскольку это очередной опус уже давно опустившийся для многих финской команды, цеплятся за музыкальное содержание тоже (ибо его практически нет). Выдающейся эту работу назвать язык не поварачивается. В сухом остатке имеем достаточно проходной альбом с немного обезличивающей стилистикой, слабыми соло, скучными припевами и куплетами. В целом, диск чуть лучше, чем предыдущий, и тянет разве что на почти 6 баллов в личном рейтинге, а по критериям сайта - 4.9/10. Лучшие композиции, которые хоть как-то можно слушать - это "Hexed", "Relapse (The Nature Of My Crime)", "Glass Houses", "Under Grass and Clover". У меня всё...
|
| |
|
|
|
|
|
| В своё время Guano Apes стали ярчайшими представителями альтернативного рока не только в родной Германии, но и во всём мире. Уникальный по своему звучанию квартет способен выдавать просто потрясающие импровизации, где энергия, агрессия и лиричность заворачиваются в одном порыве вихря. Но речь сегодня пойдёт, на мой взгляд, о знаковой работе Сандры Насич и компании под названием “Walking On A Thin Line”, выпущенной в далёком 2003 году, в одну из лучших эпох рока.
Да, конечно же, до этого был великолепный "Proud Like A God" (1997) и "Don't Give Me Names" (2000), набитые хитами - эти работы, безусловно, были прообразом музыкального веяния, которое группа преобразовывала в своих творениях. Но, на мой взгляд, на альбоме 2003 года композиционное мастерство стало краеугольным, музыка обрела очерченность. Конечно, в рамках альбома стало меньше экспериментов, но при этом появился чёткий баланс между агрессией и изумительной лирикой, в которой, как мне кажется, Сандре Насич нет равных. Это неудержимая энергетика, которая бьёт мощным потоком, а потом просто успокаивает своей мерностью, на которую только способна вокалистка. И нельзя сказать, что Насич имеет безграничные вокальные навыки, но то топливо, которое есть в наличии, заправлено и мощь выжимается на максимум.
Альбом “Walking On A Thin Line” представляет собой отражение всего прекрасного в альтернативном роке середины 2000-х годов. Это качественный материал, но при этом не затёртый за всевозможными нововведениями, которые создаются на волне, и при этом творчество начинает представлять собой всего лишь необходимый фон действительности. Работа германцев была выпущена в своё время, но до сих пор сохраняет свежий музыкальный взгляд, эталонный звук, который строится на рвущей гитарной энергетике, приправленной глубокими бас-партиями и слаженной ритмикой. Ну а вокалом Сандры можно наслаждаться в безбрежном творческом поиске. Альбом, который создавал время, и стал его важной частью.
Продолжая говорить о творчестве германцев, которое они продемонстрировали на альбоме, не могу не отметить яркое желание быть запоминающимися в музыкальном плане, но не посредством бессмысленности, проявляющейся в нынешнем времени и не представляющей какого-либо своего видения. Guano Apes показали каким рок должен быть и оставаться на тот момент. Творцы смогли взять то, что было ранее, и создать свой музыкальный виток, дорога которого и до сих пор остаётся неповторимой, как, собственно, и взор создателей, способных увидеть то, что необходимо сказать этому миру.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бывает ли у вас такое чувство, когда ну прямо всё вокруг достало? Бесит погода, пробки, люди в транспорте, работа, козлы-соседи, растущие цены и общемировая несправедливость. А ещё больше бесит осознание того, что ты, обозлившийся индивид, ничего с этим поделать толком не можешь. И остается только хватать первую попавшуюся под руки палку, камень, мегафон-матюгальник и идти на... Нет, лучше направить весь накопившийся негатив в мирное русло: врубить погромче гитару и просто орать во всё горло, как всё заколебало. Ведь именно так, по легенде, появился хардкор — музыка стремительно-агрессивная, громкая и доверху наполненная социальным протестом.
Billy Graziadei - весьма известная в кругах любителей хардкора личность. В своё время релизы Biohazard были весьма популярны. Да, собственно, подобные темы всегда будут в ходу, покуда в мире продолжает происходить всякое бесящее дерьмо. Тут уж, как говорится, не до драконов.
Несмотря на то, что в основе сольника Билли, естественно, лежит узнаваемый фундамент Biohazard, релиз получился более многогранным, чем ожидалось. Само собой, подавляющее большинство композиций представляют собой качающие хардкоровые кричалки с грувистым ритмом, плотными перекатами томов и хлесткими тарелками, но, местами, заметно влияние тоже весьма популярного поп-панка в духе Sum41. "Generation Z" — главный, пожалуй, хит данного альбома и наиболее radio-friendly. Думается, в начале нулевых её бы крутили повсюду. Встречаются кое-какие элементы рэпкора, местами темп снижается и дело доходит почти до чистопородного дета, перемежают боевые куски небольшие электронные инструментальные зарисовки, напомнившие творчество других соц-активистов — Ministry и NIN.
В целом альбом воспринимается довольно неплохо прежде всего, за счёт небольшого хронометража, весьма качественного полнокровного звука, заразительного горлодерства Билли и классных мясных риффов. Пластинка стремительным шквалом обрушивается на слушателя и следует привычному хардкор-плану: неистовый разгон на несколько секунд и передышка, чтобы перевести дыхание и снова головотрясное молотилово. Подобная форма проверена годами и одинаково хорошо работает как на живых выступлениях, так и в записи. Будь альбом длиннее, он бы, вероятно, утомлял. А так — сорок с лишним кубиков живительной инъекции агрессии и протеста, которая прочищает мозги и поднимает настроение.
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
| |
|
|
|
|
|
| Если бы мне заранее сказали, что Misery Index плюнут на достижения двух последних альбомов и решат, что откат в нулевые является хорошим ходом, я бы, наверно, даже близко не приближался к “Rituals of Power”. Уж простите, но те же “Discordia” и “Traitors” были совсем не в жилу как своим кондовым материалом, так и не менее кондовым, с гиперориентацией на ударные, звуком. Но никто мне такого не сказал. Более того - лечили прямо противоположное.
В итоге, по классической схеме образовались две новости: плохая и хорошая. Начну с плохой: Misery Index, находясь, видимо, не совсем в добром здравии, действительно решили тряхнуть мудями нулевых, практически полностью похерив достижения предшественника. Под удар попала, в первую очередь, техника, на поприще которой в 2014-м группа буквально из штанов выпрыгнула. Да, то был, конечно, не технодэт, но уже само старание заслуживало только добрых слов, а редкие мелодичные всплески так вообще делили на ноль. “Ритуалы” могут порадовать чем угодно, но только не этим: красочный и изобретательный дэт 2014-го тут перетёк обратно в прямолинейно-немногословный дэт 2006-го. И он не тащит совершенно. Исключение – закрывающая альбом колошматня “Naysayer”.
Новость хорошая: единственное, что от “The Killing Gods” сюда всё-таки переползло, это размашистые хардкоровые вылазки. Да чего уж вылазки – ХК тут едва ли не больше, чем метала. Он и ритм задаёт, что хоть в пляс пускайся, и хитовость прививает, тем самым хорошо прикрывая насквозь дырявую и бестолковую дэтовую сторону. О былом грайнде как-то и не вспоминается вовсе, пусть иногда они и позволяют себе прежнюю напалмовщину, вроде “I Disavow”.
Ну и бонусом нельзя не сказать про звук. Вероятно, не лучший образец из того, что у них было, но говорить о нём в положительном тоне позволяет уже один тот факт, что ни один инструмент в процессе сведения не пострадал. Даже ударные звучат по-человечески, а ведь именно они были главным козлом отпущения как в 2006-м, так и в 2014-м.
Итогом всей этой борьбы бобра с ослом стал крепко сбитый образец дэтового хардкора, который, однако, даже не пытается замахнуться на что-то большее. Видимо, на “The Killing Gods” весь энтузиазм и закончился.
|
| |
|
|
|
|
|
| Если человеку случайному, в творчество Wishbone Ash не погружённому, предоставить возможность прослушать этот LP и дать ему оценку, то приговор и для альбома, и для самой группы, скорее всего, будет неутешительный. Работа эта, где нет яростного хард-рока и лихих рок-н-роллов, покажется ему флегматичной, вялой, в общем - скучной. И отчасти этого человека можно будет даже понять. Хотя WA никогда (ну почти никогда) не играли подобную музыку. И призрак лёгкой меланхолии, это надо признать, действительно сопровождает большую часть этой программы. Где-то чуть больше, где-то меньше. А между тем, эта пластинка пройдёт проверку временем, и на сегодняшний день в обойме этой группы будет общепризнанно и заслуженно считаться одной из самых значимых в творческом наследии WA. Без хитов и высоких позиций в рейтингах и чартах. Потому как даже при всех его музыкального плана достоинствах, примечателен этот альбом ещё и событиями, так или иначе с ним связанными.
И главное из того ряда событий - это первая в недолгой истории WA замена одного из музыкантов. По одной из версий гитарист Тед Тёрнер настолько тогда увлёкся эзотерикой и мистикой, что это стало мешать ему в работе с группой. Возможно, работа в группе слишком отвлекала Теда от этого нужного и полезного учения. Как бы там ни было, но после выхода концертного альбома WA "Live Dates" (декабрь 1973 г.) Т. Тёрнер оставил команду, и подался куда-то в Южную Америку совершенствоваться в эзотеризме. Пришедший ему на смену Лори Уайсфилд (Laurie Wisefield) был совсем ещё мальчишка (20 лет). Однако в его активе уже было участие в прог-рок группе Home, три года от звонка до звонка. И это был уже сложившийся гитарист с композиторскими задатками и, что было немаловажно, поющий гитарист.
В начале лета 1974 года группа с британских островов перебралась на жаркий американский полуостров Флорида. На постоянное место жительства. Причина - непомерные английские налоги. И этот аргумент для начавших неплохо зарабатывать музыкантов WA перевесил естественную тоску по родине. Таким образом, пластинка "There's The Rub" стала первой, записанной ими в Америке. Новый продюсер-американец Билл Шимчик (Billy Szymczyk) в своё время работал с B.B. King, Eagles и др. известными людьми, он не стал жёстко навязывать своим новым подопечным что и как играть. Однако новая обстановка так или иначе сказалась на творческом процессе и характере материала для будущей пластинки. Не могла не сказаться. При этом важной задачей для группы было не утратить формулу успеха, достигнутого пятью годами упорного труда. В этом плане необходимо было понять, как быстро обретёт себя в квартете новичок, и каким в результате сложится их гитарный тандем с Эдди Пауэллом.
Альбом получился переходным. Со свойственным всем англичанам прагматичным консерватизмом, музыканты не стали ничего выдумывать и сделали ставку на хорошо ими освоенную стилистическую базу, привнеся в саунд новые штрихи и, даже не краски ещё, а пока лишь оттенки тех красок, что со временем наполнят новое звучание группы. Композиция "Lady Jay", основанная на дартмурской (Dartmoor - это местность в Южном Девоне, Англия) народной легенде, естественным образом исполнена группой в их "фирменном" кентерберийском (средневековом, иначе говоря) звучании с двумя ведущими гитарами теперь уже дуэта A. Powell - L. Wisefield и дуэта вокального M. Turner - L. Wisefield.
Ещё одна баллада, а по сути семиминутная рок-сюита "Persephone", звучит уже несколько иначе, но она показательна в том смысле, что в лице Лори Уайсфилда квартет обрёл достойную замену Теду Тёрнеру. Скажу больше, этот невысокий, тщедушный, больше похожий на подростка гитарист с роскошной "цыганской" шевелюрой станет основным креативщиком в WA в последующие 11 лет. Их тонкую, изящную гитарную вязь в тандеме с Пауэллом в стартовой "Silver Shoes", как, впрочем, и в некоторых других номерах программы, можно считать характерной особенностью всего альбома.
Но вот инструментальная пьеса на девять с половиной минут с загадочным названием "F.U.B.B."... Расшифровка этой аббревиатуры на момент выхода пластинки должно быть повергала в шок отдельных стыдливых эстетствующих почитателей творчества WA. И в самом деле, это словосочетание (Fucked Up Beyond Belief) в своё время вызвала немало шума в среде музыковедов, искавших глубинные причины, что побудили музыкантов назвать эту композицию так, а не иначе.
В чартах категорий Albums США и Великобритании LP "There's The Rub" занимал весьма скромные позиции (скажем, в US Albums Chart лишь 88-е место) и объёмы его продаж были несопоставимы с тиражами двух предыдущих ("Argus" и "Wishbone Four"). А вот авторитетные музыкальные издания, углубляясь в историческое прошлое Wishbone Ash, именно этот альбом называли и называют поворотным, определившим дальнейший ход событий для этой легендарной группы.
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий альбом известной, пожалуй, уже многим фолк-метал группы СатанаКозел из города Петрозаводска, поклонникам пришлось ждать целых 5 лет. Именно столько времени прошло с момента выхода альбома «Солнце мертвых» (2010) – релиз «Север» вышел в 2015 году на Soundage Prod. С момента зарождения группы в 2003 году прошло немало лет, и группа свою аудиторию релизами особо не балует, но три полноформатных альбома оправдывают себя качеством содержания, и музыканты не идут по проторенной дорожке. На альбоме «Север» заметен прогресс группы, например, открывашка «Чужие» в значительной степени показывает что появились весомые аргументы в сторону мелодик-дэта, но с элементами фолка, куда уж без них – эта составляющая никуда не делась. Но это все еще тот СатанаКозел, который запомнился слушателям со времен альбома «Рогатыя». После нескольких прослушиваний пришла мысль, что альбом является концептуальным и посвящен теме мировых войн, послушайте и прочитайте текста таких треков как: "Чужие", "Партизанская", "Враг", "Ураган", "Как поп Сиволдай на войну ходил". Это уже не та разудалая песнь что на первом альбоме, появилась такая печаль и некая мрачность, что создает особую атмосферность. Также у группы стали появляться песни с заявкой на эпик – на прошлом альбоме это была «Солнце мертвых», сейчас же это "Север". Мой фаворит на альбоме именно этот трек, жаль что на такую продолжительную песню такой коротенький текст:
«Призрачный свет утренних звёзд.
Тёплый туман пеленает рассвет.
Слышится эхо минувших веков.
Дышит в тебе.
Видит насквозь всё нутро твоё Север!
Грозная рать дремучих лесов
Морок болот, вечный покой.
Воля и гибель, пламя и лёд.
Стылая кровь.
В кузне снегов закалён тобой, Север.»
Присутствует также на альбоме, наверное, уже по традиции, трек о религиозном деятеле, который попадает в разные нелепые ситуации, зовут его поп Сиволдай - он персонаж старых поморских сказок Степана Писахова. В этот раз его отправляют на войну:
«Громом в тиши вечерней прогремела весть,
Что лютый ворог уже близко.
И в келье своей замшелой Сиволдай решил засесть
Покуда буря не утихнет.
Но, к счастью, прознали бабы, что негодный жирный поп
Не хочет на войну сбираться.
И, вытащив его за рясу, расшибли ему лоб.
Заставили в воины податься!»
"Как поп Сиволдай на войну ходил" - достаточно бодрый трек с запоминающимся
риффом и саркастичным текстом, а вот «Медведь», например, слишком монотонен и однообразен, не хватает ему динамики и напора, но это возможно слишком и предвзято. Когда заиграл «Враг» показалось на секунду что начал слушать трек «Warriors of the world united» группы Manowar, достаточно схожее начало, но такие ходы в структурах и аранжировках у многих групп – это порой замечается во многих жанрах и без того. Кстати, на этом треке отметился в качестве гостя некий финский гитарист Pekka Korhonen, о котором никакой информации я не нашел. Релиз порадовал не только музыкальной и лирической составляющей, но и качеством звука – «мясной» саунд всех инструментов в должной степени хорошо записан и сведен. Надеюсь, как и поклонники группы, думаю что СатанаКозел и дальше будет радовать добротными работами и в будущем.
|
| |
|
|
|
|
|
| К 2016-му году всё у группы, вроде, было хорошо. В 2014-ом выпустили прорывной альбом "The Flesh Prevails", после успеха которого группа подписала контракт с Nuclear Blast и выпустила его логическое продолжение "Dreamless", тоже встреченного довольно тепло, как слушателями, так и критиками. В общем, заявление об уходе вокалиста и одного из основателей группы, Алекса Хофманна, было достаточно неожиданным. Оставшуюся часть тура, в поддержку "Dreamless", группа провела с разного рода сессионными вокалистами, но, а после, когда встал вопрос о записи нового альбома и, соответственно, поиске постоянного вокалиста, новости о группе стали совсем скудными. И только в 2019 году, за два месяца до выхода нового альбома, группа презентовала первый сингл "Ultraviolet" и нового вокалиста Антонио Палермо. Реакция слушателей на этот сингл последовала тут же. И, мягко сказать, была она не сильно положительной. К несчастью для Палермо, в основном, критика касалось его непосредственных обязанностей. Из названия группы принялись лепить всякие The Devil Wears Fallujah или Fallujah Wears Prada, намекая на то, что однотипный скриминг Антонио обезличил группу и поставил её в один ряд с многочисленной, однотипной "коровой" братией. И тут вскрылась ещё одна проблема. На промо-фото к новому альбому и в видеоклипе на свежий сингл не оказалось ритм-гитариста группы, Брайана Джеймса, с появлением которого и связывают "ту самую атмосферу" Fallujah на альбомах 2014 и 2016-ого годов. И с этим трудно спорить, ибо Джеймс стал полноценным членом группы в 2013 году, как раз перед записью "The Flesh Prevails" (до этого, он где-то год-полтора числился туровым ритм-гитаристом). От самого Джеймса последовал ответ, что формально он уже с марта 2018 г. не является членом группы. Причина ухода – творческие разногласия. Возможно, это простая "официальная" причина, но факт, есть факт – теперь Fallujah стали квартетом, а Брайан Джеймс не принимал участия в записи нового материала. А если и принимал, то на начальных этапах. Как всё это отразилось на музыкальной составляющей? Давайте разбираться.
Если честно, меня тоже несколько обескуражил первый сингл. И я до сих пор считаю, что группа неудачно выбрала его в качестве представления вокалиста. Вот "Dopamine", который вышел чуть позже, я думаю, не настроил бы на такую негативную волну, как его предшественник. По-крайней мере, она не такая прямолинейная, как "Ultraviolet", хотя недостатки есть и у неё. В любом случае, понятно было, что нужно слушать полноценный альбом, чтобы понять насколько всё плохо. Оказалось, что всё не совсем печально, как думалось на первый взгляд. Но и особых восторгов новый материал, конечно, не вызывает. Главное обвинение, которое можно, и даже нужно, предъявить этому альбому – однообразие. К сожалению, то из-за чего многие полюбили "The Flesh Prevails" и "Dreamless" на новом альбоме просто нет. Нет здесь выдающихся мелодических звуковых ландшафтов; эмбиентных полотен; непрерывных техничных и воздушных риффов; взрывных барабанов; мерцающей атмосферы и этого, казалось бы, случайного, но такого эффектного использования мужского и женского чистого вокала. А что же тут есть? Монотонность и однообразие. После первого прослушивания я поразился насколько группа изменила подход к своему звучанию. Будто они сознательно уменьшили или совсем удалили из своей музыки всё то, что делало их, в своем роде, уникальными. Будто вся эта воздушная атмосфера была просто одним резким движением сброшена в пропасть. И вокал тут, если честно, дело десятое. К Алексу Хофманну было претензий не меньше, пока он ещё был в составе группы. И вполне вероятно, что те, кто сейчас "льёт слезы" по нему, года три-четыре назад поливали его помоями и радовались потом его уходу. Но не все помнят, что Алекс был не только вокалистом, но и отвечал за музыкальное программирование. По сути, вся эта эмбиентная оболочка и "атмосфера" была на нём. И вполне возможно, он ещё отвечал за "связи с общественностью", ибо никаких женских вокалов, порой просто напрашивающихся (в тех же "Dopamine", "Distant and Cold" или "The Ocean Above") тут и в помине нет. Хотя, вполне может быть, что группа сознательно дистанцировалась от своих прежних работ. Конечно, не стоит думать, что всё совсем так плохо. Гитарист Скотт Карстерс никуда не делся и на прошлых альбомах не просто "рядом стоял - три аккорда перебирал". Благодаря его узнаваемой игре, группа ещё не совсем потеряла лицо. Все знакомые элементы его игры на месте - резкие, ритмичные риффы и запоминающиеся мелодии на альбоме присутствуют, но они не такие яркие, как на предшественниках. Порой они просто теряются в скриме Палермо. Что касается барабанов, то и тут от взрывной энергетики не осталось и следа. Да и звучание у них на альбоме довольно плоское. Вообще, если уж делать какие-то конкретные сравнения, то из всего альбома можно выделить три песни: "Hollow", "Sanctuary" и "Eyes Like The Sun". Они наиболее сильно напоминают своих более взрослых предшественников. "Sanctuary", повествующая о потере себя и готовности пожертвовать собой ради любимого человека, вообще мой главный фаворит на альбоме, во многом, благодаря кульминационному моменту, во время которого Антонио Палермо, внезапно, чистым вокалом поет "Lazarus, Lazarus/ I am falling faster now/ Falling fast from death". Это тот момент, который заставляет раз за разом возвращаться к этой песне, настолько он был хорош. Но, к сожалению, таких вот хороших и приятных неожиданностей на альбоме практически нет. Предпоследняя "Distant And Cold", явно созданная с оглядкой на медитативные композиции "Alone With You" и "Dreamless", не дотягивает до них совершенно. Безликий, не вызывающий интереса рифф; монотонный бред и настроение совсем не то. Ну, а вокал… Тут либо нравится, либо нет. После нескольких прослушиваний я вполне к нему привык. К тому же Палермо в своей группе Underling, исполняющей "post-много чего", тоже не сказать, чтобы отличается разнообразием.
В общем, "Undying Light" безусловно разочарует поклонников группы, которые появились у неё благодаря "The Flesh Prevails" и "Dreamless". Если же вы их ещё не слушали, то новый альбом вам вполне понравится. Он не плохой, он просто совершенно другой, более приземлённый. В некотором смысле "Undying Light" напоминает мне дебютный альбом группы, "The Harvest Wombs". Он тоже был хорош, но он ничем не примечателен, как и альбом этого года. Не знаю, что там будет в плане продаж, но в творческом плане для Fallujah, каками мы их знали, это явный провал. Тем интересней будет услышать их следующий альбом, чтобы посмотреть, в каком направлении они будут двигаться дальше.
|
| |
|
|
|
|
|
| Переливность дебютного сольника Анетт Ользон зарождает внутри изумительное ощущение тишины и спокойствия, которое можно наблюдать довольно внимательным взором. Именно с этим чувством Анетт и передаёт характерный колорит финского фольклора, при этом не углубляясь в доисторичность происходящего, но рисуя яркую картину раннего утра, когда ещё по-зимнему холодное солнце озаряет землю, но при этом уже на пороге весна, торопящаяся поскорее принять в свои объятья и пробудить ото сна - временной промежуток настолько тонкий, но уловимый в музыкальных тональностях и переданный с неповторимым изяществом, это и стало определяющим.
Стоит отметить - при не столь богато выраженной музыкальной составляющей, альбом “Shine” сохраняет мелодику и состояние душевности, это не музыка для мировой сцены, скорее, истинное творчество, независящее от большинства. Анетт удалось отойти от образа фронтвумен известной команды и продемонстрировать собственное виденье.
С музыкальной точки зрения, альбом представляет собой интересный поп-рок, при этом голос Аннет звучит на порядок ярче, нежели в рамках “найтов”, где, собственно, была крепка узда, не дававшая каких-либо вольностей, “Shine” же прекрасный пример того, что и после довольно успешного сотрудничества, возможно создать нечто новое, кардинально отличающееся.
Говоря о творчестве Анетт нельзя не отметить, что певица выгодно отличалась от остальных участниц прославленного симфо-метал коллектива - изначально не столь мощное метал-исполнение здесь приобрело истинный оттенок, с налётом светлой грусти.
Работа “Shine” имеет в себе собственное настроение, которое можно уловить уже с самого начала прослушивания. Это воспоминание об ушедшем, но не как о чём-то безвозвратно утерянном, а скорее о том что было, но уйдя, оставив прекрасное воспоминание, дающее силы продолжать идти дальше, ведь впереди ещё столько неизведанного. Дебютник Анетт Ользон, пускай и ставший на сегодняшний момент единожды проявленным, продемонстрировал, что вокалистка способна на созидание прекрасного, и что путь состоит из множества частей, каждая из которых лишь дополняет тебя и делает эту жизнь многогранной.
|
| |
|
|
|
|
|
| После выхода достаточно сильного и успешного альбом "Shinin' On" (март 1974 г.) прошло совсем немного времени. Слишком немного, чтобы понять насколько тот альбом получился сильным и успешным. Это станет очевидным позже, а между тем менеджмент Grand Funk летом 1974 года получил от компании Capitol Records настоятельные рекомендации уже в текущем году выпустить ещё один LP. И ещё два в 1975-м. И всё это согласно договорным обязательствам. Наперёд замечу - в итоге группа справится со столь суровыми требованиями. Знать бы ей тогда, чем всё потом закончится... Но это, впрочем, уже другая история...
Ситуация для GF сложилась тогда действительно не из простых. Былые слава и популярность начала 70-х мало-помалу оставались в прошлом. Группа постепенно выхолащивалась, творческая мысль притуплялась. Молодые напористые конкуренты (Styx, Eagles, Rush и др.) между тем набирали обороты и обходили ветеранов. А ещё эта усиливающаяся день ото дня экспансия европейских монстров тяжёлой музыки (Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin и т.д.), которым уже стало тесно на их британских островах и континенте... Северо-американский рынок был перенасыщен носителями рок-музыкальной субкультуры. И хотя рядовой её потребитель всё ещё отдавал предпочтение своим, жизнь вынуждала что-то менять и как-то меняться.
Джимми Йеннер уже был достаточно известным и авторитетным продюсером, но среди его былых подопечных не значились музыканты, причастные к хард-року. Осенью квартет Grand Funk уединился в собственной студии гитариста Марка Фарнера на его ранчо в окрестностях городка Паршолвилл (штат Мичиган) и включился в работу над новым альбомом. А в декабре пластинка с броским конвертом и интригующим названием вышла в релиз. Первое и главное условие Capitol Records было выполнено.
Дж. Йеннер выполнил и другие: облегчил саунд группы и приблизил его к стандартам почти популярной музыки, которая значительно проще укладывалась в формат радио-ротаций. Чего и желали боссы из Capitol Records.
Программа "All The Girls In The World..." получилась настолько разномастной и неоднородной, что производит впечатление скорее компиляции, собранной из разбросанных по времени композиций лет этак за десять. В ней уложились образцы самых разных стилистических векторов и комбинаций из этих стилей. Влияние продюсера в этом было несомненное. Главным же образом Йеннер внедрил в звучание GF близкие и понятные ему самому джазовые интонации, и даже с использованием мощной духовой секции ("Runnin'", "Look At Granny Run Run", "Wild"), как он это практиковал в гр. Three Dog Night. И если гитара М. Фарнера в былые времена являлась основным инструментом, определяющим наполняемость привычного саунда группы, то в этой пластинке ощутимый крен был сделан в пользу клавишных, в большей степени электрооргана Крейга Фроста.
Есть, однако, одна композиция, самая примечательная, пожалуй, в программе, где и гитара и орган звучат в унисон от первой и до последней секунды. Все семь с половиной минут. Это "Good & Evil" c темой, что красной линией проходит через всё творчество GF. Главной особенностью этого номера, впрочем, является не гитара и даже не орган, а специфический голос Дональда Брюэра. И это не вокал в привычном его понимании, а зловещий демонический шёпот, на излёте строк переходящий в экзальтированный scream. Совсем другими приёмами сработана титульная песня пластинки. "All The Girls In The World Beware!!!" - сумбурно-энергичный трек с фанк-джем мелодической структурой в духе Santana, с быстрыми риффами и обильной перкуссией.
Приглашение Джимми Йеннера следовало понимать и как "маховик" для раскручивания маркетинговой составляющей альбома. Для этого он, собственно, и переориентировал устоявшееся звучание коллектива в поп-рок-мейстрим с претензиями на хитовость отдельных номеров. И в этом Йеннер преуспел: два сингла достаточно высоко поднимались в своей категории по версии Billboard Hot 100 (первая пятёрка). Мягкая лирическая "Bad Time" своим мелодизмом перекликается с несравненной харрисоновской "My Sweet Lord". Одна из самых красивых композиций Марка Фарнера особенно привлекательна на фоне удушающей "Good & Evil". И, наконец, своеобразная кавер-версия темнокожего североамериканца Джона Эллисона "Some Kind Of Wonderful" - типичная рок-н-ролльная тема из 60-х годов с М. Фарнером на вокале, в сопровождении "голой" ритм-секции, прочерчивающей пресловутый "квадрат" на протяжении всей этой песни, где лишь в самой концовке вступает электроорган. Это была финальная вещь альбома.
Уже 2 января 1975 года Grand Funk отправились в полугодовой кругосветный концертный тур. Возможно, это были самые безмятежные полгода в истории группы. Потому как дальше их ожидали реальные Bad Times...
|
| |
|
|
|
|
|
| Ещё несколько дней назад о существовании этой группы я даже не догадывался. И думать не думал, что когда-либо возьмусь за написание заметок о новообразованном коллективе. Но вот случилось, и причина этому всего-то одна песня, которая в пять минут выбила меня из привычно-стабильного психо-эмоционального состояния. Кто-то скажет - это синдром первого прослушивания. Пожалуй, что так. Такое уже бывало и не раз. Но, как правило, через какое-то недолгое время ощущения эйфории улетучивались, эмоции остывали, и жизнь продолжала идти своим чередом, как и до. И вот теперь, зная наперёд, что так оно и будет, посчитал, что на этот раз стоит поделиться впечатлениями и о самой группе, и о той самой песне, пока, что называется, не отпустило.
Так вот. Когда-то подобные формации называли супергруппами (Сream, к примеру, или Bad Company). Это когда бывалые и известные уже персонажи, в силу разных обстоятельств, объединялись в некий конгломерат и подчас производили фурор. В нашем случае в 2017 году очень хороший гитарист Джордж Линч, который ещё в 80-х годах определял всю музыку в группе Дона Доккена, задумался над новым проектом. Для чего пригласил колоритного ударника Криса Мура, с которым уже ранее пересекался в одном из мимолётных образований (N-fideliAh), и который имел опыт работы в металлических составах Cry Wolf и Damage. В качестве басиста был ангажирован Панчо Томаселли (фанк-группа War и экспериментальное метал-трио Philm с Дэйвом Ломбардо из Slayer). С вокалистом получилось не сразу, пока с восточного побережья, из прохладного Нью-Йорка к ним, в тёплый Лос-Анджелес, ни прилетел темнокожий человек по имени Кори Гловер. Впервые Гловер заявил о себе в составе Living Colour в 1988 году, когда эта интересная группа выпустила свой дебютный "Vivid" (там, кстати, отметился тогда сам Мик Джаггер). Однако с 1995 года, когда эта команда распалась, скитался по разным проектам и даже работал в мюзик-холле, время от времени вновь воссоединяясь с коллегами по Living Colour. Прослушав некоторые "заготовки" трио Д. Линча, К. Гловер вернулся к себе в Нью-Йорк и добавил к ним свои вокальные партии на собственные тексты.
Так, собственно, и образовался квартет Ultraphonix, а в августе 2018 года их альбом "Original Human Music" вышел в релиз.
Спектр мелодических схем, применённых музыкантами в этой программе, обширен - от схоластических, расплывчатых в духе Muse ("Wasteland" и "Ain*t Too Late"), до строгих concrete-stoner, как у ветеранов hard&heavy T. Iommi & G. Hughes ("Baptism" и "Take A Stand"). Здесь же ещё в плюс и то обстоятельство, что тембры голосов Гленна Хьюза и Кори Гловера из одного диапазона.
Но вот "Another Day", тот самый номер, что привёл меня в смятение. Простая, казалось бы, мелодия (запев - в два аккорда!), но насколько действенно густой бархатный голос Гловера вместе с волшебной гитарой Линча и раскатистой ритм-секцией проникают в тебя, отсекая от реальности, что в продолжении этих пяти минут создаётся ощущение, ты себе уже как бы и не принадлежишь. Выражусь образно: ты, словно тот тетерев на весеннем току, забываешься от восторга настолько, что бери тебя в эти мгновения голыми руками и делай с тобой всё, что вздумается. А первое из чувств, что возникают и возвращают тебя в суровую действительность, это сожаление, что это чудо закончилось. Невероятно душевная песня! Единственная в своём роде в этой программе. Для меня она сейчас как мостик, что Ultraphonix перебросили во времена ранних Uriah Heep с их нетленными "The Park" и "Lady In Black" Кена Хенсли. Ценители старого классического рока со стажем (надеюсь, что таковые на этом сайте есть) наверное поймут, о чём это я.
Впрочем, "Another Day" - это всего лишь вершина большого айсберга, которым на данный момент представляется альбом "Original...". Понять и принять его с ходу, в одночасье, не получится, не тот случай. Поработать придётся основательно. Но уже по первым беглым впечатлениям, эта дебютная работа Ultraphonix видится мне одной из самых заметных в 2018 году. По меньшей мере.
|
| |
|
|
|
|
|
| «Beautiful» - четвертый альбом команды The Crossed, основателя и гитариста (а также единственного оставшегося из оригинального состава участника) которого, кажется, просто невозможно не уважать. История тяжелой музыки в современной России знает, прямо скажем, совсем немного имен, которые продолжали, продолжают и будут продолжать поддерживать затухающую сцену. Времена запроса на разного рода metal прошли уже давно, и у слушателя, вкусы которого аки флюгер меняются по пришествию моды на очередное направление, сегодня совсем другие интересы. Конечно, некая часть аудитории остается верна и сформированным ранее предпочтениям, и до сих пор существующим командам. The Crossed, в этом смысле, как раз и являются свидетельством того, что некое пламя жизни тяжелой музыки в РФ и СНГ все еще имеет место быть.
Можно ли при этом восторгаться альбомом «Beautiful»? Слушать его с удовольствием, с интересом погружаться в его атмосферу? К огромнейшему сожалению - нет! Ситуация с данным релизом неизбежно порождает некий внутренний конфликт, когда априори хочется положительно оценить и поддержать отечественный продукт, который, вместе с тем, ну просто не выдерживает мало-мальски суровой критики. Действительно, команд с таким же творческим багажом, как у The Crossed, на ниве нашего math/death core сегодня попросту нет, и выискивать отрицательные моменты рассматриваемой пластинки автору этих строк совсем не хочется. Но оные моменты торчат отовсюду, и мифический лейбл «наше» их едва ли сглаживает.
С момента рассмотренного ранее релиза «Философия смерти» до сегодняшнего «Beautiful» нас отделяет еще один лонгплей и пара синглов – конечно же, за столь внушительный срок в 5 лет определенная работа над исправлением ошибок проведена была, и это чувствуется. Заметна разница в звуке, качество которого сегодня позволяет лучше слышать и инструменты, и вокал – техническая составляющая альбома едва ли уступает релизам подопечных того же Century Media. Обходит на несколько позиций «Beautiful» и работы ранее основополагающего для The Crossed коллектива The Tony Danza Tapdance Extravaganza, на принципах творчества которых рассматриваемая пластинка тоже зиждется. Однако, если The Tony Danza Tapdance Extravaganza, несмотря на всю свою экстремальность и математичность, находили некий баланс между хаотикой и стандартными размерами, то The Crossed именно этого баланса отчаянно не хватает. Музыканты всячески стараются проявлять свой высокий уровень мастерства, вместе с этим отчаянно не умея оформить профессионализм в законченные произведения, которых тут должно быть 12 штук. Практически каждый трек альбома – это нагромождение слабо сочетаемых между собой эпизодов-кусков, в слепленном виде которых нет начала и конца, что во время прослушивания неизбежно вызывает недоумение и вопросы к группе, участники которой до сих пор не умеют создавать композиции. Дело не в отсутствии каких-то припевов или простейших мелодий по принципу «два притопа, три прихлопа», дело в неумении подавать собственные идеи. Нельзя не вспомнить тех же Ion Dissonance, которым на протяжении карьеры удавалось и удается создавать треки, именно врезающиеся в память, сколь бы одиозный math и death канадцы при этом не играли. После «Beautiful» в голове едва ли что задерживается, и за исключением хоть чуть толковых (но тоже слабо запоминающихся) «Devil», «Ziggurat» и «Worm», остальной материал релиза выглядит совсем уж печально. Умение сочинять осознанные произведения приходит не сразу, приходит с годами – но ведь и речь сегодня идет далеко не о первой работе группы, когда на «блин комом» можно было бы списать все огрехи и грехи.
Проект, существующий 10 лет, сегодня просто не может быть таким – но он именно такой и есть, и в этом кроется некая уникальность The Crossed. По крайней мере, иные подобные примеры автору рецензии на ум просто не приходят.
|
| |
|
|
|
|
|
| "...Эммм, у меня есть куча песен, но чтобы их записать, мне нужен еще один человек", - сказал Игги своему тогда просто приятелю Боуи, и представителям звукозаписывающей компании после нескольких экспериментов с другими музыкантами. "Ээээээ, нет. Мне нужен еще один, нет - два музыканта, без них не получится всё-таки". Так, вслед за Роном, в Лондон прибыли Скотт Эштон и Джэймс Уильямсон, и вот The Stooges собрались для записи альбома, чтобы после очень надолго замолчать.
Конечно, теперь новаторские идеи Дэйва Александра с этно-раггами Индии и психоделикой остались позади, зато тут на передний план вышла звероподобная манера исполнения И.Попа и жесткая игра Уильямсона. На момент записи альбома Игги уже более года был системным героиновым наркоманом, быть может это и послужило причиной гениальности материала. Как не вспомнить цитату сказанную Дэйву Мастэйну Гаром Самуэльсоном (Megadeth) - "Хочешь стать знаменитым, садись на героин".
Уж если говорить какая именно запись послужила дебютом в прото-панке, то это именно "Raw Power". Конечно, можно считать отправной точкой и "Funhouse", но именно конкретные композиции с третьего альбома The Stooges послужили началом того, что усердно начнут развивать Sex Pistols и Motorhead.
Тогда еще влияние Боуи на Игги не было столь великим, как это будет впоследствии. Но его непосредственное участие в создании звука альбома тоже нельзя недооценивать. Возможно, именно поэтому материал отходит от рок-корней и более свеж, полон интересных идей, несвойственных данному периоду времени. Немаловажную роль сыграла рокировка состава - Эштон-гитарист за басом, вместо гения Д.Александра, и новичок Дмимми Уильямсон со своей ураганной, грубой гитарой. Как и в случае с дебютником, где по признанию самих музыкантов композиция "We Will Fall" вывела группу из общей массы, тут абсолютно весь материал представляет принципиально новый формат звука и исполнения. Ставка сделана в первую очередь на грубейшую, исковерканную, нервно-звучащую по тем временам гитару, и конечно вокал, поражающий своей психопатичностью. Коктейль сработал, правда был не особо понят, не в последнюю очередь из-за последующих чудовищных выступлений группы, что, собственно, и послужило скорому разладу.
Тут нет ярко выраженных хитов и на первый взгляд кажется, что альбом крепкий рок-середнячок своей эры. Однако, если сопоставить его с мэтрами рок-сцены того момента, и альтернативными новичками подающими надежды, этот безусловный шедевр смотрится (хотя, скорее, слышится) как отщепенец, который знает, что он круче всех и без лишнего пиара.
P.S. В одном из интервью на вопрос о новых музыкальных веяниях и, в частности о The Stooges, Джим Моррисон ответил: "Что ж, если люди это слушают, значит это имеет право на существование".
|
| |
|
|
|
|
|
| Про эту неплохую трэшевую формацию вспоминают нечасто, и то в контексте того, что за ударной установкой у них находится Барт Эйтхун, более известный в народе как “Фауст”. Да, тот самый, который в олимпийском Лиллихаммере в 92-м проделал в одном норвежском педерасте множество незапланированных анатомией отверстий. Впрочем, вернёмся к нашим баранам, то есть к группе Blood Tsunami и альбому “For Faen!”. На нём мы имеем честь услышать оголтелый европейский ортодоксальный трэш без какой-либо поправки на современность. Чтоб было понятно, откуда в музыкальном плане растут ноги у этих обитателей Скандинавского полуострова, можно сказать, что главным источником вдохновения послужило творчество многоуважемого герра Петроццы. “For Faen!” горстями черпает из классического наследия Kreator 80-х гг., и я не могу сказать, что у норвежцев получилось сплошное и безмозглое эпигонство, скорее творческое осмысление и попытка воздать должное отцам-основателям стиля. Так что особых музыкальных сюрпризов на диске не ждите. А вот часть лирическая гораздо любопытней, и повествует она о вещах близких и понятных каждому добропорядочному гражданину. Blood Tsunami голосом своего вокалиста Пита “Злого” знакомят нас с особенностями творческого пути Андрея Романовича Чикатило (“The Butcher Of Rostov”), Николая Есполовича Джумагалиева (“Metal Fang”), с буднями норвежской блэк-тусовки первой половины 90-х (“Unholy Nights”), прелестями внутривенного употребления дизоморфина (“Krokodil”) и не менее увлекательных вещами. Короче, трэш, угар, Норвегия!
|
| |
|
|
|
|
|
| Два года в рядах Thin Lizzy тлел конфликт, то затухая, то разгораясь вновь. Всё началось ещё в 1976 году, когда во время пьяной драки гитарист Брайан Робертсон поранил руку осколком битой бутылки, чем привёл в ярость Фила Лайнотта. Тогда пришлось отменить ряд выступлений группы. Наконец, в июле 1978-го после очередных закидонов горячему шотландскому парню было указано на дверь, Робертсон этой дверью с готовностью хлопнул и отправился подбирать музыкантов для своей собственной группы. А Фил Лайнот был вынужден решать проблему со вторым гитаристом (к слову, эта проблема будет преследовать Лайнотта все последующие годы). Впрочем, тогда это не заняло у него много времени - Гэри Мур был не обременён какими-либо контрактными обязательствами и откликнулся на предложение старого приятеля.
Надо заметить, что тот период времени для Ф. Лайнотта выдался напряжённым. TL записывали синглы и планировали приступить к работе над новой пластинкой. Параллельно с этим Лайнотт собрал банду под названием The Greedy Bastards ("Жадные ублюдки") с участием Стива Джонса и Пола Кука (гитарист и барабанщик Sex Pistols), с которой выступал в лондонских клубах. А ещё у него родилась дочь Сара.
Только в декабре 1978 года продюсер Тони Висконти собрал-таки весь состав TL в одну известную парижскую студию подальше от всех и всего, что отвлекало бы его подопечных. Те два месяца студийной работы покрыты завесой тайны. Имеются свидетельства, что Лайнотт и гитарист Скотт Горэм всерьёз подсели тогда на наркотики, и Висконти был даже вынужден привлечь к работе над альбомом универсала Миджа Ури (гитарист и клавишник). Что там тогда вообще происходило? Почему мы почти на всех номерах программы альбома слышим по большому счёту лишь гитару Гэри Мура? Это Мур авторитарно узурпировал власть в студии или таково было продюсерское решение? И что там делал Скотт Горэм?
В альбом включены едва ли не все синглы TL (а это почти половина программы), что были уже давно запущены в релиз. Основное же внимание и большая часть времени были уделены стержневой композиции будущего альбома - "Black Rose - A Rock Legend". Такого формата вещи группа никогда не делала, но идея её создания слишком захватила Фила Лайнотта. Что это вообще такое - "Black Rose"? По-сути - это попурри из четырёх мелодически близких инструментальных отрезков (первый и четвёртый с вокалом), в основу которых легли мотивы кельтского эпоса. Достаточно сложное произведение с обилием затейливых гитарных тем. И трудно сейчас даже представить эту композицию без участия в ней Гэри Мура. Он вообще хорош на этом альбоме, во всех песнях его гитара звучит убедительно и конструктивно. И только в "Black Rose" столь ожидаемый гитарный тандем Мур-Горэм наконец-то проявил себя в полной мере.
Альбом вышел в апреле 1979 года и в считанные дни по объёмам продаж по обе стороны Атлантики обрёл статус "золотого". Его ждали, к его появлению готовились. И факторов его столь стремительной успешности было несколько. Прежде всего - это невероятно горячо принятый концертный 2LP "Live And Dangerous", вышедший у группы годом ранее, благодаря ему популярность TL выросла многократно. Плюс - целая серия синглов, предшествовавших большому альбому, три из которых попали в первую тридцатку UK Singles Chart. Ну и, разумеется, возвращение в состав самого Гэри Мура, уже достаточно известного на тот момент в Англии музыканта. И, наконец, интригующее название пластинки с подзаголовком - "A Rock Legend" подогревало интерес у публики.
В британском UK Albums Chart "Black Rosе" достиг второго места и продержался в чарте почти целый год. Журнал "Billboard" в своём рейтинге Billboard 200 поднял его на 81 место. В США для британской группы это был почти успех.
Но так ли всё радужно с этим альбомом? Первые три композиции - бодрые, добротные номера, но и не более того. Мелодии их не из разряда запоминающихся. Наконец рейтинговая "Waiting For An Alibi" (9-е место в UK Singles Chart) - первая, которая по-настоящему цепляет. Затем "Sarah" - необычная для репертуара TL песня в несвойственном для этой группы стилистическом формате - коктейль-джаз-баллада с нежной гитарной импровизацией и занятными клавишными. Другое дело - вторая сторона пластинки. Сразу же боевая с глубоким смысловым наполнением "Got To Give It Up" и, конечно же, размашистая, проникновенная, с пронзительной гитарной партией "With Love" - безусловный первый номер программы всего альбома.
Ажиотаж вокруг "Black Rose" cхлынул так же скоро, как и возник. Скорее всего потому, что ожидания от него оказались чрезмерно завышенными. И хотя пластинка ещё достаточно высоко котировалась в разного рода рейтингах и массово переиздавалась по всему миру, интерес к группе поостыл, заполняемость концертных залов была не столь плотной, и не всегда уже Thin Lizzy выступали хедлайнерами.
А в июле 1979 года Гэри Мур внезапно покинул группу. И это было похоже на предательство.
|
| |
|
|
|
|
|
| Наверное, любомоу здравомыслящему человеку должно быть понятно, что оценивать последние годы творчества шведского коллектива In Flames нужно исключительно через призму их нового направления, а именно – альтернативного метала/рока. Что, собственно, я всегда делал, но на последней работе скандинавов всё оказалось не так однозначно. Откровенно говоря, я совершенно не ждал новый релиз шведов - тут свои лепты внесли два последних альбома группы, которые были, мягко говоря, безликими и абсолютно неинтересными. Каким же было моё удивление, когда я, услышав содержимое «I, The Mask», обнаружил там совершенно не то, что предполагал.
Что меня сразу удивило, так это звучание. С самого старта чувствуется та самая «пламенная» мелодия, услышать которую мы имели возможность в расцвет модернового периода группы. Одноименную «I, The Mask» так и вовсе можно было бы органично интегрировать в какой-нибудь «Come Clarity». Ещё хочется выделить ядрёную «I Am Above» с запоминающимся зубодробительным риффом и великолепной скриминговой партией Андерса; быстротемповою «Burn», напоминающую «Disconnected» и «I’m the Highway»; и энергичную «открывашку» «Voices», которая задаёт темп первой половине альбома, которые, без доли всяких сомнений, надолго улетят в мой плеер. Также, там есть пара-тройка лирических полуотступлений в виде «Follow Me», «Stay With Me» и «All The Pain». И если первые две интересны, максимум, своими акустическими вставками, то последняя имеет ряд очень красивых темповых переходов и не менее красивое соло, которое хочется прослушивать снова и снова.
Также, Геллоте, видимо, вспомнил что он, в первую очередь, гитарист и композитор, а не ди-джей, и запредельное количество электроники исчезло. Да, она есть, но её либо незаметно, либо она исполняет функцию интро. Касательно вокала Фридена тоже можно сказать пару приятных слов. Скриминга теперь реально больше, он стал разнообразнее и глубже, и перестал походить на искусственное «утяжеление» голоса для того, чтобы всё ещё казаться метал-группой.
Хочется упомянуть о минусах которые, безусловно, здесь в достаточном количестве. Этот альбом получился довольно неровным – такое чувство, что Бьёрн и Андерс сами до конца не поняли каким он должен быть. Первая половина вполне себе в духе модернового металла, а вторая – альтернативного. Как оно должно было клеиться вместе, я не очень понимаю. Во-вторых, присутствует тот самый альтернативный филлер, наподобие «Call My Name» и «(This Is Our) House», которому попросту не место на этом альбоме. Не то чтобы они были плохими композициями, вовсе нет; «I, The Mask», наверное, первая работа после «Sounds of a Playground Fading» где видно старания шведов создать нормальный материал, просто это выглядит так, если впихнуть «Jotun» или «Bullet Ride» посреди «Reroute to Remain».
Если подытожить, то «I, The Mask» получился гораздо лучше двух предыдущих работ In Flames. Мне, как минимум, захотелось прослушать его несколько раз и даже сейчас, после многократных прослушиваний, он играет на фоне. Очень порадовало «старое» звучание, которое придало некой надежды на будущее, в котором шведы избавились от альтернативной опухоли и снова начали играть свою, самобытную музыку!!!
|
| |
|
|
|
|
|
| Как-то раз в одной из групп в ВК, посвященной новостям прогрессивного рока, произошла небольшая дискуссия по поводу того, какую музыку следует считать прогрессивным роком и вообще в принципе прогрессивной. Отправной точкой обсуждения послужило высказывание Тииса ван Леера, основная мысль которого в общих чертах заключается в следующем: прогрессивный рок начался Фрэнком Заппой и с ним же и почил, а то, что сочиняется сейчас – лишь вариации на тему. И это крайне интересная тема для обсуждения, так как вряд ли кто-то воспринимает определение понятия «прогрессивный рок», данное в википедии, как неоспоримую истину. Многие, кстати, согласились с этим утверждением, добавив несколько достойных по их мнению имен.
Я же считаю, что прогрессивность рока и музыки в целом заключается в экспериментировании с формами и содержанием. Прогрессивность как характеристика музыки, подстать своему содержанию, уже давно вышла за рамки поджанра «прогрессивный рок». Этот термин спокойно используют для характеристики не только рок-музыки, но музыки других направлений. К чему я все это? К тому, что считаю дебютный лонгплей one-man проекта с планеты Земля, как автор написал о себе в bandcamp’е, прогрессивной музыкой.
Альбом представляет собой смешение таких стилей как blackgaze и synthwave. Оба жанра имеют довольно обширный список представителей, многие из которых комбинировали свой основной стиль с чем-то другим. Синтвэйв знает множество примеров сочетания с рок-музыкой, а блэк-метал в меньшей степени, но также успешно сочетался с электроникой. Однако такого микса, как у Abstract Void, я еще не встречал.
Автор взял лучшее, что есть в блэкгейзе и синтвэйве, и получил из этого потрясающе вкусную конфетку. Что касается атмоблэковой стороны, здесь в наличии и отдаленно звучащий эмоциональный скриминг, достойных лучших представителей этого жанра, и зефирные тремоло на электрогитарах, и напористые бласт-биты. Можно сказать, что блэковая составляющая в данной работе взяла на себя роль аккомпанемента. Даже вокал - и тот лишь играет роль одного из инструментов, дополняя космическо-величественную атмосферу. Музыкант позже даже выпустил инструментальную версию альбома. Синтвэйв-составляющая же здесь играет роль по большей части солирующую, заполняя сознание изящными обволакивающими мелодиями, отправляя слушателя в путешествие по космическому Майами с видом на какую-нибудь красивую звезду. Местами, кстати, присутствует и электронная ритм-секция, что, однако, никак не конфликтует с металлическими ударными.
Думаю, две эти составляющие хорошо слушались бы и по отдельности, но из их слияния получилось нечто такое, что не хочется разделять. Беспрецедентная работа на моей памяти, кроме, разве что, Mesarthim, но это все-таки не то. С нетерпением жду следующих работ Abstract Void и надеюсь, что он продолжит движение в том же направлении.
P.S. Если кто-то знает что-то подобное, то буду рад послушать.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вторая половина 79-го года сложилась для Фила Лайнотта непредвиденно трудно. Всё началось в июле с необъяснимого бегства Гэри Мура из рядов группы прямо в разгар североамериканского тура Thin Lizzy. Это был удар ниже пояса. Мало того, что место за барабанами вместо занемогшего Брайана Дауни занимала его временная альтернатива, так ещё команда осталась с одним гитаристом. Замену отыскали неоднозначную - клавишник Джеймс "Мидж" Ури был личностью известной, но никак не рок-музыкант. Кое-как ту часть тура отыграли, однако на японские острова в сентябре с группой отправился уже гитарист Дэйв Флетт (экс-Manfred Mann's Earth Band);
Пока после всех этих передряг группа приходила в себя и готовилась к студийной работе над следующим альбомом, подбирая нового гитариста, Фил Лайнотт закончил-таки свой первый сольный LP "Solo In Soho" (вышел в апреле 1980 г.). Дэйв Флетт надеялся из статуса "временного" гитариста переквалифицироваться в штатного, но Лайнотт намеревался внести в саунд TL что-то новое, для чего в состав необходимо было добавить горячей свежей крови.
Сноуи Уайт (Snowy White) был на тот момент малоизвестным гитаристом с неясным функционалом. В его пользу было участие в масштабном мировом туре Pink Floyd, но даже это обстоятельство не являлось показателем его готовности составить достойный дуэт со Скоттом Горэмом в составе TL. Нужно было доказывать свою состоятельность. Окончательный вердикт за С. Уайта внёс новый продюсер Кит Вулвен (Kit Woolven), который работал с Филом Лайноттом над его "Solo In Soho".
Поклонники Thin Lizzy напряглись в тревожном ожидании.
В октябре 1980 года "Chinatown" вышел в релиз.
Современное восприятие этой пластинки TL никак не сопоставимо с тем, с каким этот альбом был принят без малого сорок лет тому назад. Тогда в беспокойном море мировой рок-музыки всё ещё свирепствовал панк-рок, подгоняемый набирающей силу "новой волной".
Немало казалось бы устойчивых рок-команд под воздействием этой буйной стихии сменило курс или вовсе "сошло на берег". В числе уцелевших, являвших собой островки стабильности, были Thin Lizzy с этим своим альбомом. Группа не только не изменила себе, она в ещё большей степени обозначила свои приоритеты в рок-музыкальном пространстве, утвердила своё присутствие в этой среде и даже проявила признаки определённого влияния. Многие увязывали эти тенденции с приходом Сноуи Уайта. И это было справедливо. Сноуи не просто органично вписался в состав, обретя необходимую "химию" со Скоттом Горэмом, он придал звучанию команды остроты, брутальности и драйва, чего TL в последнее время определённо недоставало. Саунд группы ощутимо окреп. Возможно он стал более прямолинейным и даже аскетичным, но приблизившимся к определению hard & heavy, в чём ранее заподозрить эту группу было никак нельзя;
Семь композиций из восьми - отменные образцы гитарного харда; шесть из семи - треки, насыщенные яростной энергетикой; пять из шести - номера, исполненные в неистово-агрессивной манере сдвоенным гитарным тандемом; четыре из пяти - в ураганном темпо-ритме, задаваемом динамичной ритм-секцией. Так TL не играли ещё никогда, даже фрагментарно. Здесь ещё надо заметить, что вокал Фила Лайнотта по большому счёту нельзя называть пением. Он скорее декламирует текст, вкладывая при этом в свои интонации целую гамму чувств и эмоций. И это, надо признать, впечатляет.
Два номера следует отметить особо. Стартовая "We Will Be Strong" - это программная композиция группы, вобравшая в себя всю суть и смысловую нагрузку, что Ф. Лайнотт в той или иной форме выражал своей песенной поэзией на протяжении десяти лет существования коллектива. Своего рода гимн мужской доблести и чести, нерушимого братства парней, выходцев с суровых улиц рабочих окраин.
И, конечно же, никак нельзя обойти вниманием единственную песню, которая, казалось бы, совсем не вписывается в концепцию альбома. "Didn't I" - для людей, глубоко погружённых в творчество TL, это ностальгический экскурс в доброе, не столь ещё далёкое, но такое притягательное прошлое группы. Словно Фил этой своей трогательной ритм-блюзовой балладой с мягким, едва уловимым оттенком disco-style, даёт всем понять - с прошлым покончено, друзья мои!
Тогда он и сам не предполагал, насколько окажется прав.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бокс-сеты с подборкой альбомов — дело, безусловно, нужное и полезное. Фанаты со стажем покупают подобные издания дабы воздать должное любимой команде, а для неофитов это возможность получить все и сразу в одной коробке. Сборник "Manic Depression I-IV" как раз такое универсальное издание. Четыре диска (три полноформата, плюс один EP) в стильном, лаконично оформленном диджибуке придутся по вкусу обеим категориям фанатов MD. Компиляция отражает уже ставший классическим период в истории команды, эпоху Макса "с болтом" Лайко за микрофонной стойкой московской группы. Сборник позволяет проследить творческую эволюцию команды - от прорывного дебютника "Who Deals the Pain" с ортодоксальным Thrash, через более зрелый и самобытный "Planned Spiritual Decay", экспериментальный миник "You'll Be with Us Again", и до последнего студийника с Максом, "Impending Collapse", на котором уже вовсю заметны типичные Modern Thrash приемы с заходом на территорию Death Metal.
Диджибук отличается качественным оформлением: плотная обложка, отдельные конверты для каждого диска. Для любителей истории толстый буклет в 28 страниц с большим количеством фотографий, текстами и комментариями к каждой песне. Опять же, для поклонника группы вещь незаменимая. Стоит еще упомянуть подтянутый ремастерингом звук, который усиливает крайне положительные впечатления от компиляции. Вишенкой на торте станут редкие бонусы, добавленные к вышеназванным альбомам.
Оценивать каждый диск в отдельности не имеет смысла, так как подобные издания рассчитаны преимущественно на фанатов, а поклонники группы уже имеют представление о материале, и суть данного издания именно в удобной и приятной глазу форме. Исходя из подобных соображений, компиляции можно поставить довольно высокую оценку.
Если вы поклонник группы, и особенно ее классического периода, и по какой-то причине у вас еще нет заветной коробочки, всячески рекомендуем ее приобрести, так как небольшой тираж всего в триста копий делает издание весьма желанным раритетом.
(Диск предоставлен компанией MeatSound Productions).
|
| |
|
|
|
|
|
| Маленький Анбу с детства любил смотреть на звезды. Загадочно мерцающие небесные огни манили его несметным количеством удивительных тайн. Эта звезда приветливо подмигивает как добрый знак благосклонных богов, а вот та отсвечивает кроваво-красным, словно гневное око безжалостного бога войны, а третья появляется и исчезает, будто бы по собственному желанию, не как все прочие звезды, совершающие ежедневное путешествие по бездонному океану небес и уходящие утром в глубины подземного мира. Анбу пристально следил за небесными домами богов и прилежно записывал движения их причудливого танца на глиняные таблички.
Много лет спустя маленький Захария тоже часто вглядывался в манящие глубины космоса. А еще его весьма увлекали занимательные книги по древней мифологии. В результате его многолетних пытливых изысканий появилась псевдонаучная теория, которая уже не один десяток лет волнует умы людей, любящих смотреть на звезды.
В наши дни, некий житель солнечной Австралии, скрывающийся под псевдонимом Rakshasa, конспиролог, исследователь таинственного и неопознанного и по совместительству музыкант, записывает альбом, посвященный все той же древне-шумерской астрономии. Своеобразный Дэн Браун от Black/Death метала обращался уже к секретам масонов и иллюминатов, путешествовал на облюбованный нацистами Тибет в поисках Шамбалы; в этот же раз он решил обратить свой взор в сторону неуловимой Нибиру.
Музыкально альбом представляет собой не хватающий звезд с неба (каламбур-с), но, тем не менее, приятно слушающийся приблэкованный Death metal, или наоборот, сильно сдобренный Death'oм Black. Выделяют работу на фоне прочих альбомов подобного стиля собственно атмосферные отголоски шумерского прошлого, довольно органично вписанные в общую музыкальную канву. Если вам знакомы и, тем более, любы Nile и Melechesh, вы примерно знаете, чего здесь ожидать. Без этих моментов пластинка могла бы звучать довольно однообразно, а с ними — имеет шанс приглянуться любителям подобной тематики, вроде меня, особенно если брать открывающую после интро и завершающую альбом композиции. Другим безусловным плюсом "The 12th Planet" является весьма достойное для андеграундного проекта качество записи: что металлическая основа, что этнические мотивы звучат хорошо и полнокровно, не отдавая дешевым синтезатором. В некоторых композициях, например, в "The First to Land in Tiamat" и "The Rise of Ra" пробиваются мимолётные, но неплохие соло.
Подводя итог: альбом получился неплохой, но для выдающейся Black/Death работы немного не хватило разнообразия, а для атмосферика чуть не достает густоты этой самой атмосферы. Прям самую малость. В любом случае, отклик в сердцах любителей неопознанного новый диск Brahmastra определенно найдет.
|
| |
|
|
|
|
|
| Бывают альбомы, которые достаточно послушать всего лишь раз, чтобы оценить их по достоинству.
Бывают альбомы, которые, как хорошее вино, нужно долго смаковать, чтобы почувствовать их вкус.
В данном случае мы имеем дело с первым типом альбомов. О таких обычно говорят сразу: да или нет. Их не нужно гонять по кругу, чтобы разобраться в их достоинствах или недостатках.
Сказать, что очередной релиз проекта Avantasia был с нетерпением ожидаем многими – значит ничего не сказать. О нем писали, говорили, обсуждали еще задолго до выхода, по крупицам собирали малейшую информацию… Что же получилось в итоге?
Первый вышедший сингл "The Raven Child" породил неоднозначные мнения среди слушателей. Многие назвали песню путанной, смазанной, поговаривали о самоплагиате, о кальке с "The Scarecrow". Единственным светлым пятном было участие вокалиста Blind Guardian Ханси Кюрша… Другие же восхищались данной композицией и считали ее предвестницей чего-то эпического и грандиозного.
Со вторым синглом "Moonglow" ситуация была не лучше. Пошли сравнения с Nightwish, поговаривали, что Заммет совсем ушел в коммерцию. И только удачно подобранный вокал Кэндис Найт был признан главным достоинством песни.
Пока фанаты судили да рядили, Тобиас Заммет, хитро посмеиваясь, вовсю нахваливал свой будущий релиз и делал внушительные заявления, способные убедить самых отъявленных скептиков, что, дескать, альбом является чуть ли не лучшим за всю историю существования проекта.
15 февраля состоялся официальный релиз альбома, и фанаты могли проверить, насколько Заммет был правдив в своих заверениях.
Заглавный трек "Ghost In The Moon" отсылает нас к началу предыдущего альбома "Ghostlights", который, к слову, был удивительно хорош. Трек перекликается с уже знакомой слушателю композицией "Mystery Of A Blood Red Rose" не только повторением этой фразы в куплете песни, но и самим мотивом и аранжировкой. И нужно сказать, что здесь Тобиас прыгнул выше своего предыдущего творения. Аранжировки в треке более разнообразны и заставляют нас вспомнить произведения Уэббера и Вагнера. Cмены ритма и замечательные хоровые вставки делают песню похожей на настоящий праздник.
Идущая следом "Book Of Shallows" не дает перевести дух и бросает буквально из огня да в полымя. К Заммету присоединяются лучшие из лучших: Ханси Кюрш, Милле Петроцца и Йорн Ланде. Песня обречена на успех. А зажигательный припев, смена ритма и речитатив Милле являются главной изюминкой этого шедевра.
"Moonglow". Песня, достоинства которой, помимо вокала Кендис Найт, очень трудно выявить. На хит не тянет, но и для «средней» композиции достаточно хороша. Композиция, вызвавшая довольно смешанные чувства во время выхода сингла, в контексте альбома зазвучала небывало свежо и интересно. Но не более.
"The Raven Child". Это тот случай, когда лучшее враг хорошего. Были все предпосылки к тому, чтобы данная композиция стала жемчужиной альбома. Наличие Ханси Кюрша и Йорна Ланде в тандеме является главным достоинством песни. Еще один плюс – очень хитовый и запоминающийся припев. К сожалению, многочисленные аранжировки и смены ритма убили песню. Композиция напоминает лоскутное одеяло, сшитое наспех, пусть достаточно качественно и с любовью. Второй "The Scarecrow" не случилось. А жаль.
"Starlight" заставляет вспомнить еще об одном проекте Заммета под названием Edguy. Бодрое вступление, запоминающийся припев, под который ноги сами идут в пляс. Наличие Ронни Аткинса из Pretty Maids убеждает в том, что перед нами все же не Edguy, а Avantasia, причем в самом лучшем своем проявлении. Замечательная композиция, которую обязательно стоит исполнять вживую.
"Invincible". Настал черед еще одного звездного гостя. Джефф Тейт из Queensrÿche открывает чарующую и таинственную композицию, которая отсылает нас к лучшим временам Avantasia, к таким жемчужинам, как "Anywhere" и "In Quest For". Потрясающе красивая баллада, но при этом непростительно короткая. Не хватает еще одного куплета, как минимум, из-за чего песня получилась нераскрытой, но хорошего, как водится, понемногу, и композиция плавно перетекает в следующий трек.
"Alchemy". Складывается ощущение, что песня была написана во времена записи альбома "Ghostlights". Трек, перекликающийся по настроению с такими композициями, как "Master Of The Pendulum" и "Seduction Of Decay". Таинственное начало, качающий рифф, такой же шикарный, как 20 лет назад, вокал Тейта... Еще одна потрясающая композиция в лучших традициях Avantasia. И еще один замечательный претендент на живое исполнение. Однозначно, один из главных хитов альбома!
"The Piper At The Gates Of Dawn". Модернизированное бодрое начало снова отсылает нас к Edguy, но Ронни Аткинс, Йорн Ланде и, присоединяющийся чуть позже Эрик Мартин из Mr. Big, развеивают эти заблуждения. Отличный запоминающийся припев, интересные аранжировки. Бодрый боевичок, гораздо более приятный слуху топорно-паверных "Ghostlights" и "Babylon Vampyres" с предыдущего альбома. Заммет как-то говорил, что играть павер ему уже неинтересно. Слушая данную композицию, лишний раз убеждаешься в этом. Трек богат аранжировками и сменами ритма, совсем нетипичными для стандартного павера.
"Lavender". Одна из тех композиций, слушая которую ты понимаешь, за что ты любишь Avantasia. Легко, непринужденно и стильно. Вокал Боба Кэтли отсылает нас к лучшим творениям проекта, таким как "The Story Ain’t Over" и "Runaway Train". Слушая такие композиции, счастливо улыбаешься и начинаешь смотреть на этот мир чуточку добрее. Сердечное спасибо Тоби за эту легкую, жизнеутверждающую музыку!
"Requiem For A Dream" - звездный час неподражаемого Михаэля Киске. Грандиозное начало сразу воскрешает в уме имя классика Моцарта. Потрясающий хор, минорный переход настраивают на возвышенный лад, но потом звучит бодрый рифф, и мы понимаем, что слушаем не Моцарта, но его современного последователя. Очень крепкая песня, замечательно спетая и сыгранная. Самая интересная композиция из всех, написанных Тобиасом для Киске со времен выхода альбома "The Scarecrow".
"Maniac". Хитовый кавер в исполнении тандема Заммет/Эрик Мартин. Тот случай, когда кавер звучит лучше оригинала. Однозначный плюс.
"Heart" - бонусный трек, которому в бонусах и оставаться. Ничего интересного. Все было слышано и спето ранее.
В итоге, альбом не шокировал, но и не разочаровал. Те, кто хотели услышать хорошую музыку, услышали ее. Те, кто хотел откровения от очередного коммерчески успешного проекта, возможно, уйдут ни с чем. Причем с первого прослушивания. Второго шанса альбом своим слушателям, увы, не дает.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не пришлось ждать и одного года, как в 2001 Heavy/Power формация из Колорадо-Спрингс, США, под названием Jag Panzer, в который раз выпустила очередную «сочную» публикацию под названием «Mechanized Warfare», что в переводе на русский язык означает – «Механизированная война».
Общий тон студийной работы придерживается «линейки» последних трёх релизов команды (период 1997-2000 годов).
Состав тот же: John Tetley – бас, Rikard Stjernquist – ударные, Mark Briody и Chris Broderick – гитара, клавишные, ну и конечно Harry "The Tyrant" Conklin – на вокале.
Говоря о технике исполнения, то наиболее интересным на альбоме является мастерский стиль игры гитариста Криса Бродерика, в частности его инструментальные соло-партии. Единственный недостаток этих соло-партий заключается в том, что они практически все одинаковы по структуре. Очень сильно запоминаются структурированные ударные Рикарда Стернквиста и, конечно же, высокий хеви-металлический голос Гари Конклина. Если сравнивать пение Конклина на предыдущем альбоме, то на «Mechanized Warfare» оно не так разнообразно, а скорее прямолинейно, но красиво. В чем-то он местами напоминает пение Blaze Bayley на альбоме Iron Maiden «The X Factor» 1995 года.
Качество записи сделано на высшем уровне: звук плотный, чистый, без единых искажений. Все инструменты хорошо слышны в миксе. А как иначе, если альбом выпускался под брендом рекорд-лейбла Century Media Records, который входит в состав второй по величине звукозаписывающей компании в мире – Sony Music Entertainment, а продюсировал его никто иной, как Jim Morris – специалист, работающий с такими формациями как Agent Steel, Death, Crimson Glory, Iced Earth, Savatage и многими другими.
Данный диск, в отличие от его предшественника «Thane to the Throne», не является концептуальным. Композиции, в принципе, хороши, но простоваты по исполнению: рифф – припев, рифф – соло. Нет единой атмосферы, чего-то задушевного, таинственного, неповторимого; нет эмоций, что в результате мешает сказать о материале, как об особенном. Есть качественный мясистый Heavy/Power Metal. Единственное, что объединяет треки на «Mechanized Warfare», так это мелодичные хоровые припевы, которые уже давно стали своего рода визитной карточкой группы.
Наиболее интересными и запоминающимися треками на релизе можно назвать вступительную "Take to the Sky" (на нее снят первый официальный клип группы), которая отличается прогрессивной составляющей, мрачную "The Silent", концептуальную "The Scarlet Letter" (написанную по мотивам произведения американского писателя Натаниэля Готорна «Алая Буква» 1850 года), и военизированную "Cold Is the Blade (And the Heart That Wields It)".
Практически весь представленный материал исполнен в среднем темпе, исключением можно назвать лишь "Frozen in Fear" и "Power Surge" (на последней Конклин уместно поет высоким фальцетом). Радует то, что общая длительность песен в среднем составляет около шести минут, а издание в целом длится 54:18 мин.
Кстати, такие песни как "Take to the Sky", "The Silent" и "Cold Is the Blade (And the Heart That Wields It)" составили 60% видеозаписей на первом и единственном на данный момент официальном DVD группы «The Era of Kings and Conflict», который выйдет годом позже.
Что касается обложки "Mechanized Warfare", то она ничем особенным не отличается. Я даже сказал бы, что её общий антураж не отвечает самой тематике альбома. Призрачный робот с оружием на фоне военных танков, это при том, что материал в целом как бы совсем не рассказывает про войну, а наоборот поднимает такие темы как: нравственность, страх, прелюбодеяние, соблазн…
Если подводить итог, то в целом альбом получился очень качественным и интересным по исполнению. Недостатком назвал бы отсутствие новых идей, которых коллективу не особо хватило в тот момент. Но если Вам нравится поздний Savatage и Fates Warning в период 90-ых – то этот музыкальный продукт непременно будет составлять Ваш плей-лист в ближайшее время.
Оценка 7 из 10 – за отсутствие новых идей, быстрых вещей и нелепую обложку.
|
| |
|
|
|
|
|
| Казалось бы, прошло меньше года с выхода последнего альбома, как Kruger, прям в самом начале 2019-ого, выпускают новый альбом. Хотя чему удивляться, Александр Хамер всегда был плодовитым композитором. Но про музыку позже, вначале хотелось бы поговорить про текстовую составляющую.
Главной моей претензией к большинству отечественных исполнителей всегда является лирика. Зачастую, это либо очень смешные тексты, как у какой-нибудь Арктиды или, прости г-ди, Пилигрим, так и совсем бессмысленные, убогие и шизофреничные, как у Catharsis. К группе Kruger у меня претензий никогда не было. Да, возможно не всегда тематика песен мне импонирует, но слова абсолютно не режут слух, идут друг за другом слаженно и органично, не только по смыслу, но и по вокальным линиям.
Дорожная романтика, некогда воспеваемая Арией (в их славные времена), послужила стержнем для всего альбома. Казалось бы, не самая актуальная тема, да и мода на косухи, вроде, уже ушла. Но, честно говоря, лучше слушать про рёв мотора и шипящий асфальт, чем подвергать свой мозг в очередной раз насилию от псевдо-патриотических текстов Кипелова, Арии и других. И так из всех щелей орут про национальное самосознание, так еще и любимый Heavy Metal начинает вызывать отторжение.
А теперь о музыке. Я уже не раз писал, что Kruger создают жирный и плотный звук, Хамер исправно сочиняет скоростные и мелодичные соло. В этом отношении ничего не меняется со времен альбома "Вера и религия". Основной проблемой для слушателя может стать вокал. Я уже приводил пример, что голоса в группе как сигареты - сначала тошнит, потом привыкаешь. Но для тех, кто такого рода пение не переносит вообще, тоже найдется что послушать.
"Страсть и огонь" является полностью инструментальным треком, демонстрирующим всё музыкальное мастерство коллектива. Ни одна группа из наших старичков, типа Арии или Кипелова (которых я мочалю на протяжении всего текста), такое в жизни не то что не сочинят - вряд ли сыграют.
Лично для меня такое начало года кажется весьма перспективным. Я человек не суеверный, но когда одни из любимцев уже в первой половине года сочиняют материал, который я буду с удовольствием слушать еще множество раз, то по крайней мере сегодня мой настрой будет позитивным!
|
| |
|
|
|
|
|
| Из десяти альбомов The Rolling Stones, включённых журналом "Rolling Stone" в свой исторический список "500 величайших альбомов всех времён", наивысшее место занимает 2LP 1972 года "Exile On Main St.". Седьмое. И в большинстве своём из этого десятка пластинки группы из далёких 60-70-х годов. Но "It's Only Rock*n*Roll" среди них вы не найдёте. Даже не пытайтесь. Принято считать, что этим своим альбомом RS чересчур отдалились от привычных ритм-блюзовых берегов. Скорее да, чем нет. И тому было немало причин.
Надо заметить, что к началу работы над "It's Only..." группа подошла в полуразобранном состоянии. Как отмечали тогда очевидцы, в составе не было должного единства. Вокал записывался отдельно от всех, чего раньше никогда не было. Кит Ричард время от времени под воздействием сильнодействующих дрегов впадал в нирвану, выпадая при этом из рабочего процесса. И чтобы совсем не завалить работу в студии менеджмент RS привлекал массу сейшн-музыкантов с именем. Однако основные усилия по вытягиванию программы были приложены самым молодым "роллингом", Миком Тэйлором.
И ведь он её вытянул! И хотя почти весь материал альбома (кроме одной песни негритянского состава The Temptation) был наработан привычным тандемом Джаггер-Ричард, саунд его, благодаря как раз-таки Тэйлору, кардинальным образом изменился. После уныло-однообразного "Exile On Main St.", идея внести в звучание что-то новое захватила всю команду. Однако работа над "It's Only..." растянулась почти на два года. И стала последней студийной работой для М. Тэйлора в составе RS.
Программа без раскачки начинается с серии номеров в жёстком роковом ключе. Представляю себе, как тяжёлые риффы ритм-гитары Ричарда в связке с бас-гитарой Билла Уаймэна, на пару создавшие невероятно плотный, почти хардовый саунд в титульной композиции, повергли в смятение приверженцев традиционной музыки RS. И сразу становилось заметным, как не вписывается в этот замес, словно сам был шокирован происходящим, Чарли Уотс за барабанами. Но вот небольшое затишье в виде "Till The Next Goodbye" в куда более свойственном для группы соул-звучании. Допускаю, что такой расклад треков был выбран преднамеренно. Чтобы в большей степени выделить следующий номер, который представляется настоящим шедевром. "Time Waits For On One" - украшение всего альбома, удивительная даже в рамках этой программы рок-поэма с роскошными гитарными пассажами Мика Тэйлора, в которые грамотно и органично вписались клавишные Ника Хопкинса. Без малого семь минут завораживающей гитарной фантазии.
Уже позже Джаггер скажет следующее: "Нам жаль, что Мик уходит. Но люди должны быть свободными и делать то, что они хотят. Он много дал нашей группе, особенно хорошо он играет на гитаре в песне "Time Waits For On One"". Хорошо Мик Тэйлор отыграл всю программу. Как технарь, он был сильнее Кита Ричарда (сказывалась качественная школа Джона Мейола). Это было для всех очевидно. И не его вина, что лидеры RS за почти пять лет его пребывания в группе так и не предоставили Тэйлору шанса реализовать свой авторский потенциал. По большому счёту, мы так и не знаем, каков был тот потенциал. Это, кстати, и стало одной из причин его ухода из легендарной группы.
В "Dance Little Sister" мы слышим уже несколько иного М. Тэйлора. Этот убойный номер - своего рода квинтэссенция всей программы, её ядро с убедительной ритм-секцией и акцентированными риффами гитарного дуэта, разорванными роскошной сольной гитарной дорожкой Мика, как это принято у истинных рокеров.
В своей пугающе затянувшейся истории "роллинги" переживали разные времена. Период первой половины 70-х годов выдался для них весьма непростым. Что не помешало группе всё-таки сделать один из своих самых ярких и впечатляющих альбомов. Пусть даже консервативная часть музыкальной общественности и приняла в своё время эту пластинку настороженно и прохладно. Но именно эта часть общественности и формировала общественное мнение или как-то влияла на него. В том числе и на мнение такого авторитетного издания, как журнал "Rolling Stone".
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.