|
|
 |
|
| Каждый альбом King Diamond – страшная история на языке металлической музыки. Этот жанр назвали хоррор-хеви-метал. То есть, страшилки из тяжёлого металла. Итак…
Когда это пишется, на дворе 2019 год. Что это значит? Самое главное, что Кинг до сих пор выступает, и кому-то посчастливиться увидеть его шоу. Это было первое. Далее, уже очень давно (и мало кто помнит как давно) ожидается концертный DVD. И судя по всему, скоро он появится. Это второе. Наконец, давно ждут и нового альбома. Последний был 12 лет назад. За его выходом и концертами была неприятность – длинная и сложная операция на сердце. Это не всем приходит в голову, но после такого некоторые навсегда засели бы дома, в тепле, в тишине, в безопасности. А когда настал год 2012, Даймонд вернулся на сцену. И пока нового альбома нет, я хочу вспомнить про тот самый, что появился в 2007 году, и на сегодня он последний, двенадцатый по порядку. Чтобы сказать кое-что важное про эту работу.
“Hello reality, goodbye to my sanity” – это строка из одной песни, и переводится она так: “Здравствуй, реальность, прощай, моё душевное здоровье”. Мы существуем в одном мире. Нас много, и все мы разные, а мир такой один. Подыгрывать нам он не будет. Учитывать наши личные запросы и желания он не будет. Кроме того, он становится безумнее и безумнее, широко шагая в будущее. Нельзя оставаться кристально чистым и до предела правильным, если хочешь выжить. Чтобы суметь не сгинуть в ненормальной среде, надо и самому быть чуточку ненормальным. Доходит до того, что само понятие нормы меняется. А некоторые люди теряют голову окончательно, и делают ужасные вещи, будучи под невыносимым давлением. В том числе, родители бросают или вообще убивают своих детей. Кстати, про одну такую историю Кинг рассказывал в интервью. Никто не сочиняет ужастики на пустом месте. Самый страшный кошмар приходит в людские головы из реальной жизни.
Главный герой сюжета с альбома “Give Me Your Soul… Please” проживает один в большом доме на очень высоком холме, у него есть только кошка. Рядом озеро и старый дуб. Вот из таких декораций можно понять, что этот человек изолировал себя от общества, потому что он хочет жить в тишине и в покое, любуясь природой вокруг. Лето, ветер, бабочки, закат над водой. В рамках этой страшной сказки есть двое детей. Это брат и сестра, которых жестоко убил их же отец, а потом и свою жизнь прервал. Душа мальчика предстала перед какими-то судьями, а они ошибочно приняли его за самоубийцу, и приговорили к вечности в аду. Сестра наивно решила, что можно спасти брата, если найти ему другую душу. Она явилась в тот самый дом на холме. Но его владелец ничем не может помочь. Ему жалко и страшно, но его жизнь была полна греха, по его собственным словам. В этом доме ты помощи не получишь. Двигайся дальше. Часы тикают. Именно голоса двух детей доносятся в мрачном и невероятно красивом вступлении к основному потоку песен на диске. “The Dead” – лучшее вступление из всех работ King Diamond.
Кинг не молодеет, и ясно это по голосу. Петь высоко ему тяжелее и тяжелее. Так чувствуется на этом альбоме. Гитаристы и барабанщик работают прекрасно, но уже столько всего было сыграно и переиграно, что удивить публику тяжело. Да и мистические сказки придумывать – тоже не раз плюнуть. Паук сидит на стене, и наблюдает за тенями, мотыль крутится у огонька последней свечи в комнате. Про старый дуб за окном уже сказано. Кто давно следит за этой группой, может увидеть вот эти детали, и упрекнуть автора в топтании на месте, в повторе былого. Но есть одна штука, которая заставляет общую картину работать безотказно. Представьте, что перед глазами снова одни и те же фигуры. Но это не значит, что речь о тупике, если правильно расставить их на поле. Зная свои сильные и слабые места, можно и при знакомом запасе выдать отличный продукт.
Если придираться, то слабые места у альбома есть. Но они скоротечны и малочисленны. Их тут, что называется, кот наплакал. Высокий голос уже не совсем тот, и Кинг пускает его в ход реже, но старается выбрать подходящий момент. Дополнительные партии от Ливии Зиты очень пригодились, чтобы разбавить и хорошо усилить общую музыкальную картину этого альбома. Что до инструментов, то на первый взгляд может показаться, что работа музыкантов здесь проще и бледнее, чем раньше. Отчасти так. Но важны те сочетания, которые получаются из разных элементов, и тогда музыка работает как единое целое. Особенно хочется отметить плавный переход от первой композиции ко второй. Здесь нет шокового эффекта, нет резкости и агрессии, но они и не были нужны в данный момент.
Если пройтись по списку песен, то здесь превосходное начало. Оно сразу поглощает слушателя. А вообще, стоит разбить альбом на две половины. В первой можно заметить парочку неудачных решений. Например, привычные и уже надоевшие «аа – аа – аа» здесь явно не к месту. Кое-где хромает рифма, и структура песен не везде радует интересными поворотами. Но это мелочи. И надо учесть, что по сюжету здесь обстановка только готовится, нагнетается, а вот дальше – вообще красота. Вторая половина разыгралась не на шутку, в соответствии с историей. Щедрее, бодрее, таинственнее и более чувствительно. Энди ЛяРок и Майк Уид по-прежнему мастера гитарного дела, тут даже говорить нечего. Мэтт Томпсон за барабанами, как и на предыдущем альбоме, оказался очень важной находкой. Звук слаженный, плотный, крепкий и богатый.
Это было отлично. Это было интересно, страшно, и с пищей для размышления.
|
|  |
|
|
|
|
|
| "Hypnagogia" - шестой полноформатный и первый концептуальный альбом американской дэт-думовой группы Evoken, которая не только стояла у истоков местной экстремальной дум-метал сцены, но и мастерски обыгрывала в своем творчестве идеи заложенные первопроходцами данного направления: такими коллективами как Thergothon, и знаменитой Британской формации, в лице My Dying Bride, Anathema и Paradise Lost. Балансируя на грани "похоронного" металла и замедленного дэт-метала, музыканты не только выработали собственное и узнаваемое звучание, но и записали пять поистине гениальных альбомов, которые редко кого из слушателей оставляли равнодушными. Новый, шестой по счету полноформатный альбом, пришлось ждать символичные шесть лет, и на этот раз группа решилась на своего рода эксперимент - не только расширить динамику своего творчества, избежать самоповторов, но и подать на суд слушателям концептуальный альбом, базирующийся на выдуманной истории, замешанной на мистификации и оккультизме.
Концепт альбома "Hypnagogia" строится на художественной основе текстов барабанщика коллектива Винса Веркай (Vince Verkay), повествующих о судьбе некоего тяжело раненого в бою солдата, участника первой мировой войны, который истекая кровью и предчувствуя свою скорую смерть, описывает своё психологическое состояние и те ужасы войны, которые творятся вокруг, после чего полностью отчаявшись, заключает сделку с рогатым богом из пантеона "подземных подвидов", передав ему свою душу и дневник. И теперь по заявлению автора текста, к кому в руки попадется этот дневник, не только прочувствует на себе все горечи сего примечательного чтива, полностью погрузив себя в бездну отчаяния и безысходности, но и не выдержав такого адского психологического давления, просто будет обязан совершить суицид, после которого дневник напитается еще одной никчемной душой, тем самым обретя еще большую силу, и разумеется станет сюрпризом для следующего горемыки-читателя, которому в руки попадет такого рода литературка. Короче говоря, сюжет средней руки хоррор-фильма родом из 90-ых, да и где-то явно перевернулся писатель Лавкрафт, но в контексте музыкального творчества, конечно же стоит обращать внимание в первую очередь на то, как вся эта задумка реализована в виде гармоничных звуков.
А с этим у Evoken всё в порядке, утопить слушателя в минорных тонах им успешно удается с лихвой уже как порядка двадцати с лишним лет. Соткать из восьми треков единое полотно - да пожалуйста! Расширить динамику своего творчества - мелочь для такого рода музыкантов с опытом. Конечно, знакомые с творчеством коллектива меломаны обязательно проведут параллели с альбомами "Quietus" и "Atra Mors", но то, что группа зазвучала более разносторонне относительно своих ранних работ, и стала более мелодичной в плане аранжировок, вряд ли будет оспоримо. Отдельно хочется отметить качество записи альбома, за всю историю коллектива это на сегодняшний день лучшая по динамике и сведению работа, лишенная в первую очередь той присущей "фирменной" глуховатой загрязненности. Благодаря чему "Hypnagogia" звучит поистине величественно, монолитно и более разборчиво, что в контексте задумки и реализации весьма под стать. До выхода альбома в свет, барабанщик группы и автор текстов Винс Веркай (Vince Verkay) обещал поклонникам сохранить баланс между традиционным звучанием своего коллектива, и обогатить материал более глубокими аранжировками, с привнесением в звук чего-то более нового и эмоционального. И не соврал! Не впадая в крайности и разного рода эксперименты, коллектив сохранил свое мрачное, тяжелое и узнаваемое звучание, и в то же время существенно подрос в творческом плане, особенно касаемо части синтезаторных партий и подложек, ну и конечно же грамотным вплетением партий виолончели.
Не альбом, а просто какой-то вырисовывается образчик идеальной, профессиональной и слаженной работы, которая не только оправдывает все вложенные в нее силы и затраты, в полной мере отражая концепт, да и попросту начисто лишена каких-либо слабых сторон. Пластинка, которую несмотря на жанровую принадлежность, где кажется уже было сказано всё что можно уже много лет назад, хочется не только прослушать, но и возвращаться снова и снова. А это, как мне кажется, дорогого стоит!
|
| |
|
|
|
|
|
| Трудно сказать, когда человек впервые решил прибегнуть к фальсификации. Быть может, такое решение принял даже ещё не Homo, а какой-нибудь австралопитек — по понятным причинам об этом знать достоверно мы не можем. Зато хорошо известна дата самого крупного надувательства в истории: сегодня её две тысячи девятнадцатую годовщину празднуют двести с гаком миллионов человек. Подходящее время для разговора о человеке, который измыслил ещё более дерзкую аферу: он подделывает грязь. Уже девятый год явление с непостоянным именем как создателя, так и его творения, регулярно отблёвывает в интернет релизы. Впрочем, не надо думать, что Gortaigh (или «Хиазм» — версия для, гм, локального рынка) — исключительно WWW-достояние. Между прочим, проект добился известности и за океаном — известный американский калоед Изедис Апирикубабадазузуканпа (он же — калифорнийский алкоголик Дастин) подцепил его в свой ростер, состоящий из bedroom-гениев. Нет, конечно, в этом списке можно увидеть и относительно приличные имена (и будем благодарны ему за то, что он дал путёвку к славе эсхатологическому акыну Bansheerie), но сам владыка «Запойной винокурни» (Dipsomaniac Distilleries, ex-Dipsomaniac Records) — яркий представитель того, что получается при наличии у бесталанного человека интернета, свободного времени и большого желания реализоваться как музыкант. Да чего далеко ходить — на этом значке тусовался знаменитый Zarach 'Baal' Tharagh, который безо всяких скидок может запросто считаться худшей музыкой (если это вообще можно назвать музыкой) в мире.
Впрочем, не об издателе и его ковене криворучек рассказ. Сосредоточимся на фигуре остиария Вакима, который заведует «Хиазмом». Ещё одна иллюстрация, как вредны общедоступность ЭВМ, всемирной сети и интуитивных интерфейсов музыкальных редакторов. Однажды вдохнув едкий запах нордического сладжа, человек из Краснодара воспылал желанием сделать так же. И на его счастье, на нашу беду, без регистрации и SMS скачал FL Studio, погрузившись в бездны цифровой музыки. Как выяснилось, в этой программе можно накидывать не только биточки для клауд-рэпа — да на тот момент и не было даже такого жанра, никто не мамблил в микрофон про сук и дико например. А вот «Хиазм» уже был и уже демонстрировал навыки подделки мелкодисперсного грунта в виде коллоидной суспензии. Как это? Да очень просто. Что приходит мало-мальски прошаренному в жанрах тяжёлой музыки обывателю на ум, когда он слышит слово «сладж»? Что-то качёвое, но в то же время угрюмое и грязное. Но природу этой грязи надо пояснить отдельно: это и перегруженные гитары и ритм-секция, и зачастую запись на не очень качественные микрофоны, и дешёвые комбари, которые не выдерживают грува. Вот отсюда и растёт специфическое жанровое жужжание и скрежет. «Хиазм» же решил перенять форму, но не содержание: набросав каркас из баса и барабанов, которые не меняют рисунка на протяжении не то что трека, но дискографии, он не стал искать подходящие плагины, а просто навалил побольше эффектов на дефолтный гитарный дисторшн из стартового пакета. И как финальный штрих — сохранил всё это в максимально низком битрейте, думая, что шумы цифрового сжатия смогут повторить тёплый и ламповый fart-звук какого-нибудь финского подвала, в котором пишутся, например, Loinen.
Это был рецепт хиазмового дебюта и он не сильно изменился к на данный момент последнему плюс-минус лонгплею теперь уже Gortaigh, вышедшему на излёте прошлого года. В принципе этим музыка проекта и удобна — рассказывая об одном альбоме/EP, можно сказать, что повествуешь о любом его релизе, благо отличия минимальны. Нет, за восемь лет наш Ваким даже достиг некоторого прогресса: научился мимикрировать не просто под сладж, но ещё и нойз, забивая хронометраж сэмплами, эффектами, визгами, хрюками, бздрюками и прочими включениями, которые должны влиять на атмосферу. Но соответствуя своему церковному званию, он так и остался привратником, подпирающим дверной косяк входа в настоящую музыку. Всё дело в том, что в этом cheap-сладже ощущается не только дешёвка формы, но и фальшь наполнения. Сладж — это образ жизни, но и здесь всё настолько же искусственно и нелепо — под маской реднека-отравителя скрывается типичный средний класс, о котором Лев Николаевич мог бы сказать так же, как о Леониде Андрееве: «По поводу Gortaigh я всегда вспоминаю один из рассказов Гинцбурга, как картавый мальчик рассказывал другому: “Я шой гуйять и вдъюг вижю войк... испугайся?., испугайся?” — Так и Gortaigh все спрашивает меня: “испугайся?” А я нисколько не испугался».
Отдельного упоминания заслуживает лирика. Тут у Gortaigh как в анекдоте — два путя. В первом он просто ворует чужие наработки, во втором же — предлагает авторский текст. «Victims and Martyrs», который и стал формальным поводом наконец-то расставить все точки над «Хиазмом», относится ко второму варианту. И судя по всему, автор очень гордится результатом своих сочинений. Например один трек выстроен не вокруг привычного дребезжания дисторшированной электроники, а посвящён манерной декламации косолапых виршей, в которых явно ощущается проблема, спосбная стать предметом зависти неудачливых любовников: автор долго не может кончить. Он нанизывает одни слова на другие, воздвигает из них конструкции без какого-либо смысла, ритма, рифмы и в принципе того, без чего стихотворение не может считаться поэзией. Такое испытывал пожалуй что каждый, кто пробовал себя на этом поприще в пылающем творчеством пубертате, когда подростку положено сочинять стихи, да пострашней и позлей. В какой-то момент вообще начинает закрадываться подозрение: а может просто автор таким образом пытается издавать аудиокниги, скрывая недостатки себя как чтеца под слоем псевдомузыки? Впрочем, нет — иначе бы зачем таскать лирику у более умелых авторов. Просто эго Вакима требует реализации во всех творческих ипостасях — не забываем, что иллюстратором также выступает он. Впрочем, вот здесь претензий меньше всего, хотя почерк проглядывает и на этом поприще — изображения проходят через грубую тёрку фильтров, превращаясь в искорёженное нечто.
И вот в этом весь Gortaigh — плохое он пытается прикрыть плохим. Но творчество — это не алгебра, здесь минус на минус не дают плюса. Если голос залить неприличным количеством фильтров и искажений, от этого он не превратится в экстрим-вокал, он так и останется обычной речью, записанной на плохой микрофон. Если недостаток фантазии прикрыть тегами лоу-фая и сырого сладжа, от этого каша из примитивно раскиданных сэмплов инструментов не станет музыкой. Если плод работы в секвенсоре пропустить через жернова компрессии и низкого битрейта — он не приобретёт гаражного шарма. Звук останется таким же плоским, как бы максимально не были выкручены низкие частоты. «Хиазм» останется «Хиазмом», как бы он ни хотел стать настоящей музыкой.
|
| |
|
|
|
|
|
| Итальянская группа Elvenking образовалось более 20 лет тому назад, и с тех пор успела стать одними из лидеров Folk Power Metal. Правда, здесь стоит отметить, что коллективу не были чужды и творческие эксперименты, группа то пыталась играть более тяжело и модерново (“The Scythe”), то записывала полностью акустический альбом ( “Two Tragedy Poems”), нередко использовала в музыке симфонические элементы, блэковые забойные вставки или наоборот, неожиданно могли сыграть легко, почти АОРно . Даже элементы что Фолка, что Пауэра тоже присутствовали на релизах в разных соотношениях. Так что однозначно предугадать, что представит группа на своём девятом номерном альбоме “Secrets of the Magick Grimoire” было не самой простой задачей. Предыдущий альбом “The Pagan Manifesto” (2014) характеризовался возвратом к более драйвовому материалу. На рассматриваем же релизе итальянцы всё же несколько сбавили темп в целом, однако сделали больший упор на ярких и выразительных мелодиях. С фолковыми мотивами тоже все в порядке, их даже вроде стало ещё больше. Но обо всё по порядку.
\Альбом начинается с великолепного трека “Invoking the Woodland Spirit”- скоростного и очень выразительного, с прекрасными оркестровыми аранжировками, хоровыми песнопениями и умеренной долей фолка. Необычайно хорош припев – может один их самых цепляющих в творчестве, да и соло замечательное. Отличная песня, едва ли не лучшая у Elvenking вообще. “Draugen’s Maelstrom” – более сдержанная по темпу композиция, но не менее выразительная, с многоголосыми бэк-вокальными партиями (включая гроул). Опять же отмечу добротные симфонические аранжировки, пусть и более задвинутые на задний план, чем в первой песне. Безусловно, очень хороший номер. Однако группа не забывает про фолк, в “The One We Shall Follow” уже активнее используются подобные элементы. Среднетемповая песня, но вполне цепляющая. Понравились также робкие, но уместные фортепианные партии.
“The Horned Ghost and the Sorcerer” – ещё более фолковый номер, с соответствующими партиями скрипки и практически менестрельской вставкой, а вот тяжелых гитар здесь немного. Снова великолепен припев. Хотя я поклонник более тяжёлой ипостаси творчества итальянцев. Весьма разноплановой вышла “A Grain of Truth”, характеризующаяся сменами темпа, спокойным во время куплетов и энергичным в припевах, включая брутальные бэки. Соло неспешное, но красивое, атмосферное, есть и симфонизмы. Cпокойные фольклорные темы со скрипочками чередуются с более активными металлическими элементами в “The Wolves Will BeHowling Your Name”, при довольно сдержанном в целом темпе.
“3 Ways to Magick “– поначалу создаётся впечатление, что это будет скоростная Пауэрная композиция, но дальше идёт в основном среднетемповый Фолк Метал. Правда, соло тут быстрое. Во всех смыслах, к сожалению. Не самая плохая песня, по ощущениям она не была доведена до ума. “Straight Inside Your Winter” – по сути медляк, к счастью, не акустический, а вполне тяжёлый. В общем, звучит очень даже ничего для подобной вещи, достаточно выразительно и душевно.
Своеобразной вышла композиция “The Voynich Manuscript” – тут есть быстрые Пауэрные партии с короткими фолковыми вставками вкупе с внезапными, но вполне любопытными сменами ритма и мелодий, вплоть до почти блэк металла в концовке. Интересная и довольно удачная песня. “Summon the Dawn Light” – относительной бодрый трек, но всё же не Power’ный, несмотря на все попытки ускорится во второй половине. Но в целом это вполне типичный для группы Melodic Folk Metal, но с неизменно яркой мелодикой.
“At the Court of the Wild Hunt” – достойное продолжение идей первой песни, всё сказанное к ней в целом справедливо и к данному треку, только фолковых моментов больше. Яркая энергичная песня, причем довольно разнообразная, с определёнными реверансом в сторону прога и использованием гроула в вокальных партиях (которые видимо исполнены гостем - Snowу Shaw – мультиинструменталистом и вокалистом, бывшим участником десятков групп, включая King Diamond, Dream Evil, Therion и др.) . Единственный минус - чуть затянуто в конце, с попыткой уже изобразить что-то эпично-симфоничное. А так бесспорное второе место на альбоме. Завершает основной материал фолк-роковая акустическая “A Cloak of Dusk”. Здесь Дамну печально поддерживает гостевая вокалистка, но в целом ничего интересного.
Альбом укомплектован целыми четырьмя бонусами, разными по своему уровню и ценности. “Petalstorm” – неплохая оптимистическая по звучанию вещь, есть и акустика и бодрые гитарные риффы, но ничего слишком уж выдающегося. “The Open Breach” – среднетемповый Folk Metal, правда с мощными гитарными партиями. В общем, неплохо, но не более того. Для любителей редкостей представлена “Jigsaw Puzzle” (2010 version) - бонус к альбому “Red Silent Tide”, первоначально выходивший только на японском издании альбома. Отличная Folk Power песня, видимо специально перезаписанная с Дамнагорсом (напомню, первоначально она была записана на втором альбоме группы, с другим вокалистом). И также еще один бонус – акустическая версия песни Skywards, видимо, перезаписанная для акустик-фолкового альбома 2008 года, но так и не вошедшая тогда в него. Понравится только любителям такой музыки, но я, честно говоря, совсем не понимаю подобные обработки, слишком уж тоскливо по сравнению с оригиналом.
В общем, альбом получился довольно разноплановым, с неоднородным по уровню и самой музыки материалом. К счастью, фактически без неудачных композиций, претензии у меня только к “A Cloak of Dusk”. Несомненный плюс – множество цепляющих припевов и мелодий, иногда откровенно плясовых. Добрых слов заслуживают аранжировки, особенно оркестровые (неспроста для записи альбома были привлечены целых три аранжировщика). Звук на высоте, как и мастерство музыкантов, включая пришедшего в группу нового барабанщика Marco “Lanc” Lanciotti. Фронтмена группы Дамнагораса можно как любить, так и ненавидеть за его своеобразный высокий вокал, в котором иногда проскакивают даже некие модные нотки.
Так что, поклонники коллектива не должны быть разочарованы, всё фирменные удачные моменты на “Secrets of the Magick Grimoire”, есть и пара гениальных номеров. Но стать настоящим откровением этому альбому видимо не суждено. Прошлый диск мне показался более удачным, однако, за счёт свое большей энергетики. Но в целом очень и очень неплохая работа.
Автор: EG Power специально для Darkside.ru
Диск предоставлен компанией Фоно.
|
| |
|
|
|
|
|
| "В тумане загадочного и пугающего..."
Наверное, стоит начать со слов о том, что вторая работа Nargaroth - лучше, что случалось в творчестве музыканта. Идеально проработана и передана вся мрачная и безрадостная суть такого выразительного жанра, как black metal. Несмотря на дату, в которую был выпущен текущий релиз, а именно начало 2000-ых, время, когда блек-метал успевал развиваться во всевозможных направлениях, обретал разнообразные морфемы, данный диск ближе всего по направлению к первоистокам black-метала.
На протяжении всего альбома музыкант задается вопросом: что есть Блек-метал? Ценители творчества Nargaroth по праву выделяют первоклассные композиции с названием "Black Metal Ist Krieg" и "Seven Tears Are Flowing To The River". "BMIC" (песня) являет собой "скудное до святости" послание, порожденное к тому же громким ропотом в неясной форме, тем самым не сразу слышен кругообразный текст, больше похожий на трудно улавливаемый, типичный "блекерский" вопль. Совсем в другой стилистике представлена меланхоличная и минорная "Seven Tears Are Flowing To The River", прекрасный образец монотонной, расчитанной на длительное прослушивание песни, часто встречающихся в творчестве северного соседа из Burzum.
Так что же есть для Nargaroth black metal...?
Война, в общей массе, не являет собой чарующий, пленительный шаг. Принято считать невинной глупостью положение, когда в войне отыскивают место эстетизму. Обратное мнение, в соответствии с первым, уравновешивают друг друга. Война и искусство тесно взаимосвязаны между собой на этом диске. Словно стальная броня, альбом дает защиту слушателю, защиту от современного беспринципного мира. Как сабля и пушка дают силу рукам солдат, переходящих в наступление на оборонительные позиции, которое непременно закончится окружением и смертями, дают ростки силы альбомные треки.
В музыкальной составляющей альбома вы не найдете места так часто соседствующим с пилящим сырым звуком гитар, глухим басом ударных, звуков выстрела артиллерии и оружия разных калибров. Только сырой, местами примитивный, местами мелодичный black fucking metal. Картины и иллюстрации, возникающие в уме при прослушивании, шаблонно серые и безжизненные, однако масштаб полотна огромный, вид на местность открывается с удобной для обзора точки, с большой глубиной обозреваемого пространства.
Работ с таким, как у этого альбома, кредо не так много. К тому же, в новом тысячелетии, когда жанр вылез из мрачных потемок андеграунда. Если с вопросом о том, что есть черный металл всё более-менее понятно, то остается неизвестным одно - нет ли здесь некоторого заимствования у коллег первопроходцев? В любом случае, это дела давно прошедших дней, о которых не стоит усиленно спорить.
|
| |
|
|
|
|
|
| Ошеломительные результаты от реализации пластинки "Not Fragile" побудили менеджмент группы поднажать на музыкантов и буквально запереть их в одной из студий Торонто, чтобы те в максимально сжатые сроки подготовили программу для нового альбома. Уже был свёрстан график предстоящего тура и времени на раскачку не оставалось. Группа уложилась в (внимание!) шесть дней! Шесть дней (подозреваю, что и сколько-то бессонных ночей) на восемь композиций. Никакой, впрочем, мистики с фантастикой в той истории не было. В студию Interchange парни из ВТО явились с уже наработанным материалом. Некоторые песни даже успели пройти обкатку на их выступлениях прошедшей осенью 1974 года, так что музыкантам оставалось лишь что-то подчистив и где-то подправив записать всё набело.
Это был самый скорострельный альбом Bachman-Turner Overdrive и в мае 1975 года "Four Wheel Drive" был подготовлен к релизу. А пока публика неистово разметала новую пластинку группа отправилась в затяжной тур по США и Европе. Компанию им в этом составили ирландцы из Thin Lizzy.
На волне успеха "Not Fragile" музыканты не стали ничего выдумывать и стилистически их новая работа стала естественным продолжением предыдущей. Акцентированная ритм-секция, определяющая тональность, размер и ритм, а гитары и вокал завершали оформление каждого из восьми номеров. Попутно отмечу, что звучание обеих гитар (относительно их же в альбоме "Not Fragile") cтало более искусным, я бы даже сказал изощрённым. И что характерно, никаких примесей в виде клавишных, струнных или духовых секций - кристально чистая гитарная музыка.
Начало, однако, вышло осторожным и отчасти даже озадачило. Первые три песни получились какими-то тяжеловесными в плане восприятия и без ожидаемого блеска. В их числе и рейтинговая "Hey You". Но вот настаёт черёд "Flat Broke Love" Фрэнка Тёрнера и сразу становится веселее. И совсем уже интересной выдалась вторая часть программы. Экспрессивную рок-н-ролльную "Quick Ghage Artist" с орущим в микрофон Тёрнером сменяет занятная "Lowland Fling". Словно менестрели из средневековья забрели на огонёк в студию, где записывались ВТО, и исполнили что-то своё средневековое средствами современной рок-музыки. Получилось совсем недурно. А на десерт Рэнди Бэхман и компания зарядили искромётную, в духе Kiss, композицию с длинным названием, но простым смыслом "Don't Let The Blues Get You Down". Самый сильный номер программы оставляет хорошее послевкусие от всего альбома в целом.
Статуса платинового "Four Wheel Drive" достиг уже по итогам первой недели продаж. И в немалой степени благодаря предыдущему LP группы. Народ набросился на новый диск ВТО скорее по инерции и вряд ли остался разочарован. А Bachman-Turner Overdrive закрепили за собой статус культовой группы и создавалось стойкое ощущение, что это был далеко не предел их возможностей.
|
| |
|
|
|
|
|
| Нытьё. Гундосое мяукающее нытьё. Других слов у меня для описания этого альбома нет. Вроде как, называют это дело депрессив-роком, может это и депрессив, но уж точно не рок. Нет тут никакой роковой энергетики – есть только тоскливое нытьё и подвывания под полуакустику. Непритязательная инструментальная часть из незамысловатых барабанов, булькающего баса и простенькой гитарки просто тонет в омерзительном гундосом мяукающем пении неких существ, чью половую принадлежность зачастую довольно проблематично идентифицировать. И всё это идёт в течение первых четырёх треков настолько ноющё-вялотекуще, что во время прослушивания оных мне захотелось начать пытать музыкантов коллектива, ибо вопли вздёргиваемых на дыбе людей и то поинтереснее будет слушать, нежели музыку Joyless. Но начиная с “Better” есть некоторое оживление: темп ускорился, да и ударник очнулся от своего наркотского трипа и начал хоть что-то пытаться изображать. Музыка, правда, от этого лучше не стала, но, во всяком случае, исключительная занудность немного рассеялась, и воспринимать “Without Support” стало капельку легче. В седьмом треке норвежцы в эту свою звуковую кашу запихнули тренькающее банджо (зачем?). В принципе, можно было бы этого и не делать – банджо тут ровным счётом ничего не меняет. Вообще, к концу альбома музыканты пытаются изобразить какой-то типа рок-н-ролльчик, но опять же, всё портят эти отвратные песнопения, убивая на корню все потуги сделать хоть что-то хорошее.
|
| |
|
|
|
|
|
| Группа-младший брат бравых норвежских лесников Forgotten Woods началась как рок-отдушина для блэк-металистов и поначалу мешала трэки нового поколения с блэком. Последний опус Joyless – чистый меланхолический по звучанию и депрессивный по содержанию рок. Ну а что как не депрессия отличает их самый легкомысленный и беззаботный трэк “Better” с банджо и губной гармошкой: “Everyday is better than the next” – о таком положении дел даже подумать страшно!
Норвежцы не заваливают нас альбомами, между выходом первого и второго 4 года, второго и третьего – 11. Выпуску «Without Support» предшествовало появление 3-х трэков на разнообразных сплитах. Самый известный и значительный – с дуэтом Urfaust, где прозвучала самая прославленная телега голландцев “Unter Töchtern der Wüste”. Трио ответило сновиденческой мрачной “The Adorn Japetus”, которая тоже вполне сгодилась бы на роль живой классики жанра. Оказалось, этот трэк не совсем в духе альбома, подобной тягучей, укуренной, готической атмосферы на нем немного. На диске Joyless представляют все-таки слегка приблэкованный и одновременно более тяготеющий к южному, пустынному звучанию атмосферный хард-рок или точнее протопанк с мечтательным женским вокалом, подкрепленным мужским бормотанием или еле заметными мужскими хоралами. В “The Soft Addiction” есть сразу и лучистое тремоло, заставляющее вспомнить серф, и губная гармошка – это если не Калифорния, то как минимум солнечный и морозный день в Норвегии. Ритм-секция простецка и минималистична, до нелепостей вроде использования двух бочек группа, конечно, не опускается, зато в “De Profundis Domine” есть немного скрэтчей. “Shimmer and Shine” есть самая роскошная, дерзки вальяжная вещь в каталоге группы, а “Velvet Willow” прямо идеал благородного винтажного поп-рока а-ля джэнгл-поп REM, и здесь я почувствовал, что кое-кто поминался во 2-м трэке не зря. В “Puberty and Dreams” содержится прямо-таки объяснение их музыкального курса: “Today my leatherjacket is outgrown / And I can see Hendrix, Reed and pop. / Old man's music, but they where right”. Или вот из “Shadow Spree”: “Without you / I'm a Robert Smith / Without the cure”. Душевный стриптиз, опять же.
Заканчивается «Without Support» самым глубоким трэком с органом. Что же, в некоторой степени такие работы всегда будут освежающими и вдохновляющими, с другой ощущается некая робкость и неловкость подачи. Былые злобари боятся перестараться, посему трэки не могут раскрыться во всей своей рок-н-ролльной силе, хитов-то по-хорошему должно быть больше. Они, конечно, великие лесники в прошлом и дипломированные меланхолики нынче, но в таком случае нельзя усидеть на 2-х стульях (погружаться в мечтания, утопать в неге / делать бойкий рок) сразу. Рубить протопанк под 70-е – дело благодарное, но подобный женский вокал под него не очень-то слушается. Таким образом, альбом у группы бесспорно своеобразный и душевный, но с некоторыми полумерами и недосказанностями, которых не было в ранних Forgotten Woods. Хочется побыстрее услышать новый материал от любого из коллективов, потенциал-то у музыкантов могуч. А пока… с наступающим праздником, хэйтеры!
|
| |
|
|
|
|
|
| Стремление к сужению спектра эмоций и “монолитизации” музыки в целом вполне понятно. Не каждый может вывезти несколько оттенков серого, не потеряв при этом в гармоничности звучания. Другой вопрос, что ровно так же далеко не каждый может оптимизировать свой материал так, чтобы он звучал полноценно и нескучно. Дебют финнов Tomb of Finland звучал действительно несколько сумбурно и как-то даже наивно именно за счёт стилевой и, следовательно, эмоциональной неустойчивости. “Frozen Beneath” же звучит заметно более уверенно. И это всё, чем он может похвастать. При всех своих минусах “Below the Green” делал то, что должен делать альбом подобного рода – выворачивал душу наизнанку. Просто и со вкусом. “Frozen Beneath” честно пытается делать то же самое, но потеря музыкальной гибкости явно встала костью в горле в плане воплощения всех имеющихся идей. Мелодизированный микс из блэка, дума и готик-метала на “End of Green” тут переродился в традиционный для Финляндии невыносимо угрюмый, тормозной мелодэт, где мелодии обязаны быть, но не обязаны ярко светить. В итоге по альбому обильно раскиданы полуфразы, которые нигде не приобретают полноценного воплощения. В связи с этим, хитовость, которая там была на достаточно высоком уровне, тут пала жертвой очевидно несвоевременной смены приоритетов. А это, считай, приговор - на голой атмосфере они пока не способны выезжать.
Безусловно, стало темнее и холоднее. Но при этом не стало ближе и роднее.
|
| |
|
|
|
|
|
| Проблема еще зрелого и позднего Urfaust – в разменивании своего таланта на мелкие форматы. Вот так навыпускали голландцы сплитов, EP и концертников, и первый за долгое время полноформатный альбом с оригинальным материалом неожиданно вышел порожняком, долгоиграющим упражнением в обыденности. Печально было видеть, как 6 лет ожидания закончились заурядным атмосфериком без тени былого уникального голоса группы, дополненным не убедившим лично меня мрачным фолком.
Только ленивый не сыграл на каламбурном названии – воистину имела место медитация на пустом месте.
Не таков «The Constellatory Practice», это не подвальный театральный авангардизм ранних опытов (2004-2005), ни депрессивная эмбиентная героика среднего (2010), но компиляция лучших наработок сразу 2-х выше обозначенных эпох. От 2010 здесь живительный эмбиент, громоподобные удары по томам, сильное и красивое пение, от 2004-2005 некий индустриальный привкус в гитарном гудении, оркестральные элементы, перетекающие в какофонический авангард. Эти трэки снова имеют песенный вектор, уверенно обозначен специфический урфаустовский обветшалый почерк. Обволакивающие гитары и утопленный в полудреме размеренный стук вкупе с примоченным вокалом создают уже более психоделический эффект. С одной стороны, новый материал – еще более заторможенный, с другой – цепкий как никогда атмосферный метал. В «The Constellatory Practice» наиболее пронзительная внеземная атмосфера и самая смелая перкуссионная работа VRDRBR-а (как он лихо лупит по установке в “Behind the Veil of the Trance Sleep”!). И, к счастью, на альбоме есть трэк, равновеликий гордому наследию дуэта. Церемониальная “Trail of the Conscience of the Dead” – квинтэссенция Урфауста: очередная вокальная находка IX получает параллель винтажной соло-гитары и струнной оркестровки, гармония в ряде мест нехарактерно оттеняется тяжелыми чеканными риффами. Гудящий же эмбиент с водоворотом воя и рыка продолжает воскрешать раннюю эстетику группы.
В своем последнем альбоме дуэт работает словно в научно-популярном ключе на излюбленные темы, отсюда отдельные трэки “A Course in Cosmic Meditation”, “False Sensorial Impressions” и “Eradication Through Hypnotic Suggestions” звучат отстраненно-бесстрастно, действительно, словно текущие в чистых лабораторных условиях без человеческого воздействия. Да и названия всех подряд композиций альбома позволяет заподозрить концептуальный подход. Подождем, может голландцы и книжку напишут, методичку какую-нибудь – благо, иллюстративный материал уже готов.
Рад быстрой самореабилитации и сосредоточению команды вокруг правильных материй и полагаю, что это лучшее и наиболее правильное, что они могли сделать в эти дни, если уж не хотят уйти с головой в оркестровый авангард, намеки на что встречались в мелких форматах. Нагрузив запись гнетущей потусторонней атмосферой, но вернув свои надежные сонрайтерские качества и усилив ритмическое воздействие музыки, им удалось снова сделать довольно самобытное заявление на сцене тех самых черных искусств (sic, allcaps).
|
| |
|
|
|
|
|
| Молодые умы не устают вдохновляться идеей масштабных атмосферных полотен и урбанистическими малыми формами. Трио Laster, одержимые в довесок идеей нерасчленимости творческого порыва и культа анонимности, предлагают свои еще и ярко национальные творения – в 2014-м году плавное и скорбное нечто «De verste verte is hier», а в 2017-м году куда более свободно мыслящий и эклектичный «Ons vrije fatum» и начинают определять свою музыку и честно и немного претенциозно в одно и то же время: "obscure dance music”. На этом последнем диске действительно акцент смещается с нависающего мизантропического черного монолита на приблэкованный пост-панк, с разносящегося в пространстве скрима на вполне конкретный задумчивый чистый вокал. Внезапно под меланхолические переборы возникает перкуссия и шепот, но и атмосферное рубилово со светлыми импульсами неподалеку. Так, относительно светлая и абсолютно темная сторона ВИА Laster, не отходите далеко, вы можете понадобиться в любую минуту! Вот, например, движущный и напевный боевичок “Bitterzoet”, начинающийся с многозначительного сэмпла из фильма «Фрида» (“Whoever takes the biggest swig can dance with me!”) – это полифоничный, воистину танцевальный рок с отточенным блэкгэйзовым финалом. Европейские городские ландшафты в противовес природе возникают перед глазами и больше не покинут воображение. Ну а открывающий некоторые трэки холодный женский голос в сэмплах намекает нам на сердечные язвы и горечь отношений полов. Пост-блэк, сказано же.
Laster – это акселераты и вундеркинды наших дней, осваивающие образовательную программу в один присест, но я рад, что познакомился с их человечески живой, непосредственной манерой, а то в отсутствии и основных игроков Amesoeurs и Lifelover и в некоторой степени Blutmond мы можем эту манеру уже и не вернуть. А пока Laster живы, нам доступны глубокие меланхолические хиты с обморочной упадочной мелодикой, тщательно проработанной ритм-секцией (очень музыкальным и умным басом и разнообразным драммингом) и красиво поставленной вокальной работой, не исключающей и декламацию, и своеобразно звучащие хоровые выпады. Вкусных деталей, как-то, присоединение к уже джазующей ритм-секции саксофона в “Helemaal naar huis”, коктейль техноидности и блэка в “De tijd vóór”, кайфовая богато звучащая партия баса и перерезающая ее гитара “Er wordt op mij gewacht” – хватает в альбоме голландцев с лихвой. Все приемы Laster ненавязчивы, нарочитая и самоуверенная деликатность их подхода не бесит, но остро ощущается тончайшая несвоевременность этой работы. Выпусти Laster такое в один год с «Amesoeurs», «Sjukdom» или хотя бы «The Revolution Is Dead!», общественность не смогла бы закрыть рот от изумления при прослушивании альбома. Так-то стиль голландцев более разнообразный и отточенный, чем у французов и шведов, в композиционном смысле они тоже едва не самые находчивые. Несомненно, более сильны Laster и в электронном начинении своего блэк-рока, это их мастерство просвечивает и в “De roes na”.
Скажем так, в «Нашей свободной судьбе» (или как еще там перевести заглавие диска) самое органичное взаимопроникновение метала и рока, естественные переходы и сбалансированный результат посреди всей эклектики, что можно услышать в наши дни. В развитии трэков на базе не самых близких стилистических приемов – удивительное чутье и сноровка голландцев: сделать до мозга костей гармоническое целое из таких ингредиентов, как пост-панк, элементы даба, джаз, атмосферный блэк… Голландцы не скрывают сонма влияний, что затрагивают разные нуаристые произведения всех форм искусства, от «Автокатастрофы» Бэлларда до Сэмюэля Беккета, от Lugubrum до Dälek-а.
Всем романтиками и ностальгирующим по стилистическим достижениям 5-8-летней давности посвящается. Здесь, однако, все порою свежее, сложнее и не менее проникновенно. Свое прочтение, свой набор влияний и своя трактовка дерзких начинаний героев былого времени: “Иных уж нет; а те далече”. И хотя именно сейчас пора начислять налог на неметалическую атмосферику (пост-рок и шугейз - ибо перебор), голландцы все это переросли и мелкие признаки эпигонства теряются на фоне их мрачно-танцевального креатива.
|
| |
|
|
|
|
|
| Об очередной творческой сессии аристократов викторианской эпохи с психоделически-оккультистскими тенденциями даже писать боязно. Вдруг где-то обронишь неосторожное слово, попрекнешь непопрекаемое. Так, небеспочвенный хайп, стойко держащийся как минимум полдекады, немного подколол, можно теперь о деле. Может, сам пресловутый ажиотаж ненароком поддержу.
Снова британцы выдержали трехгодичную паузу и отшлифовали нам богатые инструментальные пьесы, где фолк- и симфо- в больших объемах, а благородная, утонченная электроника в медицинской дозировке расцвечивают близкую к идеальному архитектуру атмосферного блэка. Музыканты позволили тому вновь воспрять, отлежавшись в тени других стихий, он поднабрал сил и вновь заразил организм группы, при этом стал интереснее и мощнее, хоть и традиционней – вплоть до черпания техники из норвежской волны.
…Можно провести инвентаризацию, учесть и оценить каждый сюжетный эпизод, но что нам это даст без подчеркивания логики, связи и закономерностей, химии, наконец! Группа, обладая блестящим чутьем, хитро переплетает фолк с металом, скрипичные партии неотступно покрывают жужжащий блэк, музыканты добавляют по всему диску психоделических штрихов, конструируют волнующие нарастания, торжествуют в кульминациях… Неистовые вещи A Forest Of Stars, “Children of the Night Soil” и “Scripturally Transmitted Disease”, сочатся прежней сиреноподобной психоделией, кровоточат скрипичной оркестровкой и туманными хоралами. Смычки в виде то ветхого викторианского фольклорного бита, то подтянутого даунтемпо наших дней, бесподобны сами себе, но еще и блестяще подготавливают дальнейшую арт-оргию. Разросшиеся до объема полноценных конкурентов чернушных полотен фолковые (ароматная пастораль флейты и завораживающие клавишные текстуры Genesis) и психоделические (Pink Floyd с их таинственной клавишной подложкой ‘1975) эскизы бьют по ностальгическому комплексу, лучше всех держат взятые высоты кинематографичности, позволяют слушателю раствориться в грезах и дреме воображения. Самые откровенные ренессансы прог-рока, ближайший к саундтрэкам 70-80-х, и, собственно триумф киношности – это трогательные клавишные секвенции в “Decomposing Deity Dance Hall” или волнующее усиление градуса напряжения теми же клавишами и всполохами гитар в “Premature Invocation”.
AFOS должны сделать, наконец, DVD, чтобы запечатлеть процесс синтеза искусств раз и навсегда. А так мы имеем возможность лишь опираться на редкие их клипы, достраивать впечатление своей эрудицией и воображением. В одном из свежих интервью The Gentleman апеллирует как к Tangerine Dream, космическому проводнику, таки к режиссеру-композитору Джону Карпентеру, проводнику во мрак. Предпочтения участников коллектива разношерстны, неоднородны по видам искусства, но объединяющая сила общего котла велика. Чем перечислять, на кого нынче не похожи британцы в звучании (а похожи они больше на масштабных эклектичных британцев TMOA), легче привести параллель аудиовизуальную. Так, я слышу в «Grave Mounds and Grave Mistakes» что-то, рожденное на пересечении «Поля в Англии» и какого-нибудь фильма Тарковского. Театрально-атмосферный характер блэка заставляет скрестить в воображении природные ландшафты и Cцену.
Альбом, конечно, балует нас контрастностью, AFOS бросают нам то вегетарианскую поэтику фолка, то плотоядное воющее и стучащее рубилово. Так, после “Taken by the Sea” с почти незаметным металическим следом, которая, без сомнения, порадует любителей чистого искусства, фолка и психоделии, несется нам навстречу интенсивная тру-блэковая, почти с ультрачесом и гипербластом, но с непременной оркестровой дымкой “Scripturally Transmitted Disease". Немногим ранее в те же антагонистические отношения вступают “Premature Invocation” и “Children of the Night Soil”. Многие говорят, что в этом альбоме англичане вернулись к звучанию «Opportunistic Thieves of Spring», так вот тамошнего недостатка, а именно искусственных длиннот, «Grave Mounds and Grave Mistakes» лишен: пространство с умом раскроено, излишков производства нет.
Текстов у песен британцев, как и прежде, вагон и маленькая тележка, Mister Curse в поэтической экзальтации выплевывает строфу за строфой, мой эстетический вкус несколько ранит его более наигранная чем прежде болезненность, но страницы декадентской поэзии с несметными могилами, падалью, червями, разлагающимися божествами объясняют и извиняют все. Предположим, вокал – проводник странностей и стремностей викторианской эпохи. AFOS продолжают быть аристократичными и надменными в духовном плане: “The lore of these folks is nought but a long string of syphilitic spit / Scripturally transmitted disease, if you will”. Женский вокал используется экономно и нравы не развращает. Инструментальная картина демократична насколько только можно: никто вроде не рвется верховодить, задавать эталона мощи и скорости, все принципиально равны по чину и сословию.
Выпущенный в год творческого десятилетия группы, «Grave Mounds and Grave Mistakes», в очередной раз доказал, что есть надежная группа людей, которых не оставляет равнодушными витание в воздухе неких импульсов, и они, чуткие приемники и мастера реализации случайных чаяний, предпримут меры к их роскошному декадансному воплощению. Вновь родилось что-то знакомое в частностях, но новое в целом за счет сложного интуитивного сложения творческих энергий, а значит викторианские времена среди экстремалов еще не выйдут из моды. Да, и снова обложка в правильной цветовой гамме, впервые с «Opportunistic Thieves of Spring». Что ж, ждем равно эпичный, пусть и с другим темпераментом, концептуальный ответ от соотечественников The Meads Of Asphodel. А пока наберем в легкие побольше английской психоделической традиции и попробуем продержаться до нового яркого альбома эфемерного стиля.
|
| |
|
|
|
|
|
| Логическая эволюция творчества AFOS приводит их к усложнению аранжировок, разнообразным и более ярким декорациям театрального действа.
Не портят их произведения ни аристократический апломб, ни холодность эстетики, ни трэковая многословность. Англичане не могут использовать плохие ингредиенты, написать плохих песен, они могут лишь неудачно смешать составляющие или не совсем удачно составить из трэков альбом.
Идей в выпущенном всего через 2 года после предыдущего опуса «A Shadowplay for Yesterdays» в разы больше. Это привитая от некоторой оцепенелости былого творчества, цветастая и драйвовая работа, вещества теперь не затуманивают сознание, а во многом заряжают энергией. Бластбит скоростнее, The Resurrectionist усердно потеет над суетными и заковыристыми сбивками. Вследствие этого, например, танец струнных чаще переходит в пляску.
В этом и есть проблема диска для меня. За что я любил «Opportunistic Thieves of Spring», то изрядно изменено на «A Shadowplay for Yesterdays»: слегка дремотная, укуренная джентльменская вальяжность даже в быстрых пассажах, подчеркивало достоинство и поддерживало стиль. Меланхолический голос струнной классики гармоничнее слушался на бласте помедленнее, сейчас все будто бы искусственно ускорено плюс мне не очень импонирует переход от уравновешенных эпизодов к скоростным и обратно, сделано это как-то механически. Непонятно куда торопятся англичане, но ряд волшебных моментов был разрушен или просто не создан. В первой половине диска. Во второй все чинно-благородно, оттуда из контекста вырвано мною большинство любимых песен.
В целом же многие элементы саунда группы сделаны острее, а детали поданы тоньше. Англичане щеголяют лапидарными риффовыми конструкциями, украшают их сверкающими чернушными воздушными гармониями, на подхвате легкая и увлекающая за собой флейта или нагоняющая драматического напряжения скрипка. К лучшим и безусловным победам коллектива следует отнести психоделический концентрат “Man's Laughter”, текстуально перекликающийся позже с ним степенный харизматичный инструментал “Left Behind as Static”, стойко навевающая Peste Noire вступлением “Gatherer of the Pure”, заключительную дилогию “Corvus Corona” с хрупким элегическим рефреном.
Тексты исполнены величественной мрачной образности, отвлеченные до предела. Горы перифразов и метафор оправдывают и любой гротеск в музыке: “Slave religion of the pitiful, lost, choking songs of sorrow and loss”, “He, a leacher of colour. He, a void in sanity/ A poisoner of the well, instiller of winter's gray flavor /A spasmed spatter of the obvious, a-soiling gleaming uncertainty”. Кульминация эмоциональности лирики англичан – крики-проклинания: You that seek to encode reality, to defraud sanity – Be damned! AFOS очень старомодны, в отсутствии антуража на любом из уровней их не упрекнешь.
Мне больше по душе их более «современные» вылазки в карпентеровскую хоррор-эстетику, арт-роковые исторические параллели, большая доля электронной психоделии, но и с «A Shadowplay for Yesterdays» они, конечно, убирают большинство конкурентов и более-менее однозначно становятся ведущей единицей художественного экстрим-метала.
|
| |
|
|
|
|
|
| Похоже, ночными кошмарами блондинистой девчушки дело не ограничилось. «Time Does Not Heal» — это погружение в безумие! Кто бы мог подумать, что за светлым челом приветливого и улыбчивого Джина Хоглана — виртуозного барабанщика-кофемашины, автора риффов и текстов Dark Angel, и в прошлом, администратора элегантного маникюрного салона, таится сумеречный мир невыносимых кошмаров, психологических травм и морального разложения! В любом случае, последний альбом Dark Angel достоин пристального внимания. Хороший (наконец-то!) звук, продолжительные композиции с эпическими вступлениями, огромным количеством разнообразных риффов, внятными соло-партиями и трёхэтажной перкуссией. Сверхзвуковые скорости принесены в жертву большей осмысленности, однако, играть медленно и деградировать в Groove мужики не захотели — на альбоме превалирует всё тот же Thrash Metal, но уже без приставки Brutal и уж тем более, Progressive — ломаными размерами и техническим самолюбованием и без того непростая музыкальная конституция Dark Angel никогда не грешила. Кроме того, на «Time Does Not Heal» появилась мелодика — благодаря ей композиционные линии Dark Angel приобрели необходимую стройность. Ну и в качестве полного привета — тёмная психологическая лирика Хоглана с препарированием незаживающих душевных ран, комплексов, осмыслению сложной природы сексуальности, а также взглядом на различные аспекты сексуального насилия с точки зрения жертвы. Конечно, с таким непростым материалом Dark Angel остались в тени своих именитых коллег из «большой четвёрки». Но следует помнить, что «второй эшелон» — это сразу после Metallica и Slayer. Круто!
|
| |
|
|
|
|
|
| На «Leave Scars» калифорнийские молотильщики продолжают линию супертяжёлого Thrash. К концу восьмидесятых творческое начало Dark Angel приобрело прогрессивные очертания, сохраняя прежние скорости и интенсивность. К жалящим риффам, исполненным в припадочном темпе, добавились усложнённые структуры с продолжительными инструментальными партиями и всякими фишечками, а новому вокалисту Рону Райнхарту приходится спешно выплёвывать самые длинные в Thrash Metal тексты, которые в этот раз посвящены тёмной стороне подсознания, психологическим травмам, мировоззрению серийных убийц и прочим извращениям — так ведь с беглого взгляда на яркую обложку, где заплаканный блондинистый малыш просыпается от ночного кошмара, а гигантских размеров плюшевый заяц смотрит на всё это и офигевает, понятно, что на «Leave Scars» легко не отделаешься. При большей вариативности звукоряда, выдерживать хаотический натиск третьего альбома «Ангелов» на порядок сложнее, чем прямолинейный забой «Darkness Descends», к тому же, звучание инструментов снова утоплено в кашеобразном миксе. Уже во второй раз потенциальные шедевры Dark Angel хоронит некачественное продюсирование. Конечно, даже присутствие нечеловеческого кавера на Led Zeppelin не гарантировало коммерческий успех альбому с длинными, исполненными на сверхзвуковых скоростях, песнями, да ещё с непростой лирической подоплёкой. Однако технического мастерства и умения сочинять многослойные композиции Dark Angel не занимать. Классика брутального Thrash Metal, сохранившего «мозги» в исступлении хэдбэнгинга.
|
| |
|
|
|
|
|
| Сверхтяжёлый, сверхбыстрый, сверхинтенсивный и све-све-сверх во всём, что касается «трэша и угара» альбом американских кофеин-металлистов даже в сравнении с «Pleasure to Kill», «Illusions» и «Reign in Blood» выглядит самым экстремальным и бескомпромиссным. К тому же, этот дикарь не страдает недостатком мозгов. Не в последнюю очередь, благодаря талантам виртуозного барабанщика Джина Хоглана, написавшего кровожадные, но при этом, неглупые тексты и энное количество смертоносных риффов для большинства «телег». Интересно, что при зашкаливающей интенсивности звукоряда нет ни единой ассоциации с дэт-металом или не дай господи, хардкором — иначе, как Brutal Thrash Metal, звучание Dark Angel не назовёшь. Конечно, на «Darkness Descends» не найти витиеватых и хорошо структирурованных партий а-ля Megadeth, Metallica и других представителей высшей лиги Thrash Metal, к тому же, из-за плохой записи и сведения в стиле «все инструменты в кучу!» загублено множество риффов и нюансов ритм-секции, почувствовать которые удаётся благодаря пробегающим по спине мурашкам. Но композиционной целостности «Darkness Descends» не занимать, разве что совсем поехавшая «The Burning of Sodom» и хитовая «Merciless Death» сверкают чуть ярче. Впрочем, околопрогрессивная «Black Prophecies» с простынёй текста о предсказаниях Нострадамуса или «Death Is Certain (Life Is Not)», словно из репертуара Slayer, ничуть не хуже. А ещё эти убийственные барабаны Хоглана..«Darkness Descends» однозначно заслуживает внимание интересующихся Thrash Metal. Культ!
|
| |
|
|
|
|
|
| Калифорнийская команда с неудачным названием "Драгоценная смерть" - одни из лучших представителей жанра "христианский метал". Вообще, слушая группы данного направления и читая о нем в Сети, складывается впечатление, что христианским метал-командам совсем не обязательно искать собственное лицо или хотя бы пытаться писать запоминающиеся песни. Играют они в основном для "своих", а "свои" будут их любить уже за то, что они славят Христа, а не Сотону и всевозможный разврат, как "мирские" группы. Так что можно смело копировать наиболее известные в миру коллективы, и ничего не бояться.
Precious Death, по крайней мере на этом альбоме - скорее исключение из правил. Их музыку сложно отнести к какому-то конкретному направлению, но группу точно не упрекнуть в отсутствии оригинальности. По той скудной информации, которую я нашел о них в Сети, выходит, что образовалась группа еще в конце 80-х, долго существовала в андеграунде без контракта, в 1991 году выпустила свое первое и единственное "вонючее" демо (да, оно так и называлось - "Our Stinkin' Demo"), и только к 1993-му добралась до записи дебютного альбома. Возможно, те перемены в тяжелой музыке, которые произошли за это время, повлияли на них, но в результате на этом альбоме мы имеем ни на что не похожую смесь из тяжелых стилей 80-х и 90-х годов. Риффы и соло, которые играет гитарист Дэвид Бишоп, достойны трэшеров Bay Area - точнее, наиболее медленных частей их песен, потому что скоростью группа не увлекается - 90-е же на дворе! Металлический звук и риффинг говорят о том, что корни Precious Death - в метале 80-х. Но при этом они, а особенно басист Энди Кёйлер и барабанщик (по совместительству лидер группы) Роджер Сэмпсон, явно тяготеют к экспериментам с жанрами, характерным для 90-х годов. Особенно им нравится фанк: такие запоминающиеся вещи, как "Shine" и "Strange to Me" вполне можно сравнить с творчеством пионеров смешения фанка и харда Fishbone или Living Colour, только вот у Precious Death все звучит куда жестче. Распевный вокал Кристофера Скотта, которому трудно подобрать аналоги, все же вызывает ассоциации скорее с альтернативной музыкой 90-х и более поздних периодов, чем с вокалистами предыдущего десятилетия.
Альбом воспринимается далеко не сразу - понимать эту музыку начинаешь только после нескольких прослушиваний. Но, на мой взгляд, она стоит того, чтобы слушать много раз и пытаться понять. Среди лучших моментов "Southpaw" я бы назвал уже упомянутые "Shine" и "Strange to Me", а также вторую половину диска: монументальную "Talk About the Weather", которая начинается со вступления в джазовом (!!) стиле и переходит в энергичный и эмоциональный среднетемповый номер; "King of Siam", которая, пожалуй, ближе всего к "классическому" трэш-металу и прог-фанк-трэш "Force Fed". Ну а для тех, кто дослушает альбом до конца, наградой станет завершающая его красивая баллада "One Day to Live". Остается только пожалеть, что все дальнейшее творчество Precious Death не дотягивает до уровня этого альбома, поскольку баланс у них все больше и больше смещался в сторону альтернативного рока, а музыка, соответственно, упрощалась, не становясь при этом более цепляющей. В конце 90-х группа прекратила свое существование, не добившись, кажется, особого успеха даже среди поклонников христианского метала.
|
| |
|
|
|
|
|
| Наметившийся на «Mental Vortex» уклон Coroner в сторону экспериментального материала и большей интроспективности в лирике, на «Grin» стал прямо-таки очевидным. Склонность к новаторству у Coroner присутствовала всегда: творческий поиск группы, начавшись с лихо закрученного Technical Thrash Metal на «R.I.P.», и совершенной трактовкой стиля на «Punishment for Decadence», к началу девяностых эволюционировал в атмосферный «Mental Vortex», как итог наметившихся психоделических настроений «No More Color». Чего в творчестве Coroner не было, так это нарочитой «сложности» — заумной «математике» мужики предпочитали полёт фантазии и бьющее через край вдохновение — при таком уровне энтузиазма и понимании творческой сути, которые позволяли Coroner выпускать образцовые в Technical Thrash Metal альбомы с полным отсутствием «проходняка», притягивать за уши путаные структуры попросту незачем. Такая осознанность позволяла непростой музыке Coroner оставаться доступной разным категориям слушателей и интересной настолько, что альбомы группы можно крутить по нескольку раз при отсутствии побочных эффектов техно-загруза. Из всех альбомов Coroner, «Grin» остаётся самым смелым и интересным экспериментом, который пришёлся не по вкусу ортодоксальным поклонникам Thrash Metal и не принёс популярности группе. Конечно, музыканты не увлеклись гранжем, но с атмосферой хмурых девяностых «Ухмылка» гармонирует получше многих представителей альтернативной сцены тех времён. Coroner сбросили «трэшевое» напряжение, — материал по-змеиному пластичен, риффы сохраняют прежнюю динамику, но уже неторопливы и поигрывают мускулистыми грувами, на смену хитроумным структурам и привычным элементам Thrash пришли психоделические гармонии, тревожные сэмплы, звуковые эффекты и эмбиентные вставки, придающие звучанию альбома «индустриальное» чувство. На альбоме царит сумрачная, расслабленная атмосфера, которая, благодаря типичной для Coroner безупречной композиционной целостности, затягивает слушателя — хотя бы потому, что «Grin» попросту интересно слушать из-за необычного материала и композиторского таланта музыкантов. В завершение приведу цитату барабанщика Coroner Marquis Marky: «Ухмылка — это не просто хорошее настроение. Ухмылка — это нечто больше и таинственней».
В 2018 году «Grin» ремастирован и снова доступен на CD и виниле!
|
| |
|
|
|
|
|
| Начало девяностых − интересное время для Thrash Metal. В окончательно сформированном жанре было куда экспериментировать: как в плане ухода от «молотилова» к мэйнстримовому звучанию (Metallica, Megadeth, Xentrix, Testament), так и к утяжелению и усложнению композиций (Dark Angel, Sacrosanct, Sadus, Intruder), а то и в пользу симбиоза с далекими от металла жанрами (Voivod, Wrathchild America, Fear of God). Эти и другие команды представляли индивидуальную трактовку Thrash Metal, расширяя границы стиля. В этом отношении «Mental Vortex» является одним из лучших экспериментальных альбомов − не в ущерб типичным для Coroner неординарным композиторским решениям и вдохновенным мелодическим хитросплетениям, элитные швейцарские технари представляют более «модный» звук и новаторский подход к аранжировкам.
Слушать Coroner по-прежнему интересно − искусственной заумью команда никогда не страдала (как впрочем, и хардкоровой придурью), предпочитая вымучиванию запутанных структур вдохновенный творческий поиск и сдержанную эмоциональность. После развития до совершенства идей Technical Thrash Metal на предыдущих альбомах «Punishment for Decadence» и «No More Color», размеренный, атмосферный материал «Mental Vortex» уместен, и в какой-то степени, очевиден − в плане усложнения Thrash мужикам доказывать уже нечего. Материал на альбоме всё еще удается идентифицировать, как Thrash, хотя на «Mental Vortex» этот стиль группа переросла, оставив лишь ритмическую основу, по-прежнему колючие и тревожные риффы обрели грувовую упругость. Альбом звучит необычно благодаря разреженным мелодическим вставкам − чего стоит медленная гитарная партия в середине «Divine Step (Conspectu Mortis)», механистическим ударным, а также уместно встроенным сэмплам из фильмов и новостных сводок, придающих «Mental Vortex» сумрачную, «урбанистическую» атмосферу. Инструментальная часть всё так же впечатляет сменой размеров и техничными выкрутасами − Coroner всегда были виртуозами.
Альбом слушается на одном дыхании благодаря первоклассному материалу и композиционной целостности, адекватному продюсированию, и не в последнюю очередь, умным текстам на экзистенциальную тематику, пропущенную через интроспективный опыт. Элитная работа от грандов Technical Thrash Metal, переосмысливших типичное звучание стиля. Высший класс, музыка для людей с интеллектом выше среднего :-з
|
| |
|
|
|
|
|
| Достойное уважения самоуничижение назвать компиляцию всего творчества «Complete Discocrappy», но при наличии в дискографии полноценного студийного альбома, а в вышеназванной компиляции 2-х дисков и суммарно 117 трэков что-то заставляет выбрать простой путь.
Конечно, в серьезности творчества чуваков, назвавшихся именем культового актера и при этом нарезающих субтильную визгливую хаотику, стоит также серьезно усомниться. Название и было выбрано из-за противоречий самой кинофигуры Бронсона: стандартного крутого парня и в то же время подчас неубедительного героя. Как бы то ни было, американцы очень удружили на своем полноформатнике «Youth Attack!», сыграв нам 20 трэков за 12 с половиной минут. Путем нетрудных расчетов, выходит, что за час альбом можно прогнать почти 5 раз. У грайндкоровых LP серьезный конкурент, чей подход, однако, хоть не цирковой, но как минимум мультяшный. Название альбома говорящее – музыка не что иное как атака, причем очень фрагментарная, и приступы очень мимолетные. Юность в названии тоже не случайно – и тут можно то ли подтверждать стереотипы, то или идти вразрез с ними, но такое, сыгранное однажды, больше не повторяется: реюнион 50-летних дядек из ЧБ, которые бы исполняли вот этот вот материал – да бросьте!
Металичность Charles Bronson колеблется около нуля, но это усиленно бластующий панк. Группа начиналась в 1994 году как реакция на тлетворный феномен поп-панка и она была, конечно, убедительна в своей эстетической конфронтации. Правильная рецептура пауэр-вайоленса, которому и следуют ЧБ – музыкальные, хардкор- и грайндовые влияния Infest и мировоззренческие, темпераментные – Spazz-а. Ребята умудряются ловко вворачивать сэмплы, когда песни и так длятся порядка 2-х десятков секунд. По работе ударника: брэйков между кусками бластбита, кажется, больше, чем его самого, в более медленной ипостаси Эбро Винумбралес вворачивает ломаные колотушки. Вокал – истеричный, многословный и неразборчивый, но заходит хорошо, безболезненно. Кое-где мелькают и быстро скрываются от слуха внятные риффы, но структура музыки, конечно, противодействует их запоминаемости. Самый классный трэк – самый длинный, с длиннейшим сочным сэмплом о конфронтации с законом в финале. Очень в кассу. И немного очевидных параллелей. Грубо, наверное, сравнивать, но почему бы и нет: и по высоте скрима Марка МакКоя, и по хаотичности вокала и аккомпанемента, и особенно по названиям трэков Charles Bronson – почти Anal Cunt в плане личных выпадов: “Phil Anselmo's Pain Burns in the Heart of My Little Brother”, “I Can Never Write Too Many Songs About Morons Like You”, “Craig Ferris Sucks a Mean Cock”, “They Should Legalize Drugs So You Can Hurry up and Fucking Die” и т.д. и – что еще острее – подколок касательно стилей и субкультур: “Your Average Generic Run of the Mill Straight Edge Song”, “Drunk Punks Is Hippies”, хоть я и назвал все песни не с альбома. Ребята стебут хардкор и метал. «Социальный комментарий», по-научному.
Итак, для человека, привыкшего к развитым формам хаоса, в творчестве Charles Bronson, возможно, более, чем в других отражается яростная непокорность ожиданиям и своенравное отторжение стандартов. Кажется, что ребята между песнями отдыхают не меньше времени, чем играют каждую из них. Тем не менее, их порыв не канул в лету. И если вам хочется компактных форм обличительного хаоса и иронического самоопределения, лучшей группы не сыскать. Вечно молодые, вечно трезвые. Как минимум наполовину.
|
| |
|
|
|
|
|
| Помимо кратковременности существования в пиковые годы жанрообразования, Crossed Out справедливо могут уважаться за честный подход, позволяющий случиться равновесию быстрых хаотических выстрелов и груженых суровых проходов в одном трэке. То, что недооценивали Dropdead (целиком отдаваясь скорости), чем злоупотребляли Man Is The Bastard (не считавшими разгоны альфой и омегой хардкора), калифорнийцы сполна реализовали в своих синглах и сплитах. Дискография ребят, состоящая из 0 альбомов, 1 демки, 1 ипишки, 1 сплита, звучит довольно грязно, глухо, неряшливо и несакрально, учитывая, что почти каждый трэк будет продублирован своим концертным вариантом. Ребята знают толк в дребезжащем риффе пониженного строя и размашистых проходах барабанщика с акцентированными бочкой и тарелками, поэтому толку из их бунтарской позы неизмеримо больше, но не все темпы одинаково полезны и не все телеги различимы. Что прострелы, что деловитые похаживания из стороны в сторону – все повторяется нота в ноту из трэка в трэк. Нечастые, но яркие сэмплы только и запоминаются, но их так мало… Небыстрые куски сносны, но хаос в исполнении Crossed Out мне совсем не по вкусу, суматохи много, а мощи мало, да и перекличка вокалов меня как-то тоже не вдохновляет. Тот случай, как и в случае со Spazz, когда грайндкором и не пахнет, чистый панковский суетливый угар. Из всей дискографии мое многострадальное ухо зацепилось только за песенку “Suicide of the Species”, напоминающую почерком MItB, там отчетлива большая проработанность темы и создается даже определенное настроение. Но это микроскопический островок маломальской экзотики в океане казенного андерграундного музицирования.
Crossed Out – типическая и классическая группа стиля, но для меня – абсолютно неинтересная. Крепкий середняк, зато не осложненный ни эксперименталом, ни сладжем, ни грайндом, ни крастом… Пуристы и ортодоксалы будут довольны: чистая эссенция пацанской ярости в грязном звуке. На обложке, конечно, Альберт Гамильтон Фиш, человеколюбец и гурман. Блюдо же, которое готовят яростные американцы, не слишком аппетитно, хоть убейте меня всем набором колюще-режущих столовых приборов. Идейно, но форма никакущая.
|
| |
|
|
|
|
|
| Infest считается многими первой пауэр-вайоленсовой бригадой, не предвосхищающими, а непосредственно изобретшими и практикующими. Именно гитарист коллектива Мэтт Домино на пару с Эриком Вудом из MitB, оба вкладывающие душу также в группу Neanderthal, придумали этот звучный и многозначительный термин.
Альбомчик «Slave» крепко берет за душу, ибо гитарный натиск и головокружительные темпы подкрепляются необычайно эмоциональными, сопереживающими речитативами Джо Денунзио. Звериные выкрики и сдавленные вопли, исторгающиеся из грудины вокалиста вне куплетов, сообщают записи дополнительное очарование концертного исполнения. Тем, кто вдруг незнаком со сценическим поведением Джо, советую скорейше познакомиться. Невероятная мимика, жестикуляции – все для полной, качественной коммуникации с публикой. Уши трэш-метала неплохо так торчат в хардкоровой рубке Infest, а вот бластбита в здешнем блюде агрессивного правдоискательства не сыщете, Крис Клифт бомбит ультрабыстрые партии в привычных техниках.
Это уже настоящий пауэр-вайоленс, а потому здесь лихо меняются темпы и, если трэк короткий, это происходит один раз, а в длинных 2-х минутных, “Skcrewed” и “Sick-O”, например, – несколько. Утяжеленный неспешный хардкор сначала радует мощью и объемом, а потом уже пугает реактивными скоростями. Яркими пятнами на теле записи остаются метализированный инструментал “Fetch the Pliers” с небольшими кивками в сторону джаза от ударных. Почти 3,5 минуты! Да, в “Skcrewed” даже есть короткое гитарное соло. А так мне скоростной чес по струнам басиста и ламповые ударные запомнились не меньше. Возможны ли хиты на таком диске? Определенной харизмой и запоминаемостью отличаются вопросительные “Which Side?” и “Where's the Unity”.
Infest остается в памяти экстремальным хардкором с человеческим лицом. Лирика, честно сказать, очень давит дидактизмом и резиденствующими sXe-идеями, что немудрено, поскольку группа вышла из Youth Crew, который озлобила и интенсифицировала трэшкором.
К счастью, с 2013-го года коллектив включился в серьезную концертную деятельность, и призывы стали оживать на сцене в довольно художественной форме.
|
| |
|
|
|
|
|
| Проект NEO был создан вокалистом широко известной в Германии группы Down Below Нео, когда сама группа решила взять творческий отпуск на неопределённый срок.
Нео давно известен как талантливый певец и композитор, его авторству принадлежат не только песни Down Below, но и композиции других групп и исполнителей (за последнее время из наиболее ярких работ – музыка для нескольких композиций для Stahlmann и клавишные аранжировки для Herren).
Свой сольный альбом Нео больше относил к сочетанию электроники и поп-музыки, что сначала приводило в лёгкое недоумение: музыкант всегда работал в таких жанрах, как NDH, рок и метал, и представить себе его потрясающий композиторский талант в более “ограниченных”, на мой взгляд, жанрах было очень сложно. Оказалось, что Нео, мягко говоря, и не думал ограничиваться.
В “Lebenslinien” очень сильна составляющая именно сольного альбома: все создано одним человеком, мы слышим живой голос (в некоторых композициях обработка вокала присутствует, но не доминирует и не искажает индивидуальные особенностей голоса вокалиста).
Трек-лист составлен так, что создаётся впечатление прочтения полноценной истории целой жизни. Это не зависит от языка, на котором написаны песни: немецкого можно не знать, но концепция, музыка и манера исполнения создают непередаваемую атмосферу, лишённую излишней фантазийности и «обезличенности», так свойственной современной «компьютерной» музыке.
Первым синглом с “Lebenslinien” стала композиция ”Wölfe”. Она настолько космическая и лёгкая, что хочется переслушивать её снова и снова. Аранжировка песни многослойна, в ней превалирует эффект ”эха”, за счёт чего и достигается такой “полётный” звук.
“L(i)eben” “по-летнему” динамична, у неё интересное евро-поп звучание. Мне очень нравится её заводная ритм-секция, от которой моментально поднимается настроение.
“Wenn wir fallen” и “Kaltes Paradies” родом из NDH. Согласно жанру, основную роль в этой песне играют тяжелые гитары и клавишные, а манера исполнения Нео больше похожа на речитатив. Эта песня выделяется на общем фоне, звучит жёстче и холоднее. “Wenn wir fallen” не такая “холодная”, однако имеет такую же “поступательно закольцованную” структуру.
Я была удивлена, услышав “Sie weint wenn sie lacht” – яркий пример лёгкого немецкого поп-рока. В этой композиции много места отведено электронике: голос Нео обработан, а “плотность” музыки достигается не инструментами, а наслоением различных эффектов, что ни в коем случае не противоречит звучанию альбома в целом.
Особое внимание хочется уделить “Blutrot auf weiß”, “Niemand bleibt zurück” и “Lebenslinien”, которые, на самом деле, являются “костяком”, “душой” альбома. Это те композиции, в которых и есть весь Нео: они тяжёлые, мощные, с по-настоящему сильными мелодиями и эмоционально расставленными акцентами.
“Neue Weg” подводит альбом к логическому завершению. Именно в этой композиции я слышу больше всего сходства со звучанием Down Below. Очень трогательно и эпично звучит текст, начитываемый вторым голосом на протяжении всей композиции.
”Lebenslinien” поражает. Серьёзно - ни одной “проходной” песни. Сильная лирика, интимная подача и прекрасные комплексные мелодии делают альбом настоящей находкой из-за искусного совмещения современного электро-попа, NDH и альтернативы. Это абсолютно новаторский подход к музыке в принципе. Изначально скромно заявленный как поп, альбом тем не менее полностью построен на новом NDH - он прогрессивен, композиционно и инструментально многогранен и монолитен. В отличие от многих групп “тяжелого спектра”, которые друг за другом устремляются в сторону более лёгкого звучания, Нео одному удалось создать чуть ли не новый пограничный жанр. С достоинством и не потеряв свои корни, чутко ощущая современные тенденции в музыке, Нео не подстраивается под новые веяния - он подстраивает их под себя.
|
| |
|
|
|
|
|
| Встречают по одежке, а провожают по уму. Все мы знаем эту пословицу. Как вы можете заметить, "одеваться" группа, видимо, не хотела вовсе. На дворе 2018 год, а на обложке сингла мы видим нелепый коллаж, будто созданный где-то в середине 2000-ых из скриншотов какой-то видеоигры для ПК. С одной стороны, это же сингл, какой с них вообще спрос? А вот с другой, если уж самопровозглашаешь себя "группой, не имеющей аналогов на русской тяжелой сцене, воплощающей в жизнь требования времени, несущей в массы новаторский жанр, новое понимание звучания и ярко выраженное мировоззрение, дарящей своей музыкой глоток свежего воздуха слушателям", то уж изволь соответствовать. Это касается оформления не только данного сингла, но и других релизов группы, где более-менее сносно оформлен студийник "Мета-Кома", да и то, когда его близко не рассматриваешь.
Ну, так вот. С одеждой разобрались, переходим к уму. Как бы не пыталась группа, а точнее ее лидер, выдать свой продукт, как какой-то новаторский, при прослушивании этой песни глотнул я далеко не свежий воздух. Можно, конечно, переварить весь этот псевдофилосовский и "много о себе понимающий" поток слов, но вокал Николая Карпушина был и остается довольно посредственным и, как бы сказать, чтобы не обидеть… В общем, очень плохой вокал, просто очень плохой вокал, который прямо-таки больно слушать. Я сразу вспомнил, как в студенческую пору с друзьями пел в караоке "Проклятый старый дом" Короля и Шута, настолько это плохо. Что касается "переварки" текстов. В случае, если бы вокалист был хороший, на многое можно было "закрыть уши", но когда Николай "грозно" не выдавливает из себя слова (которые, порой разобрать невозможно), то становится похож на Сергея Мазаева, что, безусловно, может понравиться поклонникам Морального Кодекса. Лирика, как вы можете убедиться (от слова "беда"), ничем не отличается от сочинений в дневничке у студентки филологического факультета с её богатым внутренним миром. А уж рифмы, вроде «тебя/меня» и «тепла/сердца», а порой их полное отсутствие, ещё лучше дополняют картину.
Ну, да ладно, а что же музыка? Это же "яркая и запоминающаяся команда со своим неповторимым звучанием и узнаваемым подчерком". Тут тоже все… не очень. Стандартный, пресненький готик-индастриал, паршиво записанный и халтурно сведенный/смикшированный. Что бы вы думали? За сведение и мастеринг отвечает - Николай Карпушин! В общем, звучание барабанов совершенно завалено, бас-гитары (да их две, что активно преподносится группой, как нечто экстраординарное), конечно, "попердывают", но я так и не понял, зачем их две. Единственное объяснение – один бас-гитарист очень плох и ему нужна помощь, ибо группе данного жанра должно хватать одного хорошего бас-гитариста, знающего свое дело. Бас-гитара это не тот инструмент, из-за увеличения количества которого, можно сделать аккомпанемент интереснее. С таким же успехом можно использовать две ударные установки. Хотя создатели и единственные представители инфра-метала могут не согласиться. В конце песни звучит ещё саксофон, что, наверное, должно добавить ещё больше пафоса в высказывания Карпушина о его "инфраметале". Чтобы как-то более-менее сориентировать вас по звучанию, представьте себе унылый и беспощадный русскоязычный кавер на какую-нибудь демо-запись Type O Negative и примерно будете понимать, что такое "Гниет Ноябрь". По ощущениям: если бы я стоял один в комнате и слушал данную песню, а в это время кто-нибудь зашёл, я бы немедленно это выключил.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.