|
|
 |
|
| Если вы поищете группы Abaddon в метал-энциклопедиях, вы удивитесь, сколько людей выбрали себе это немудреное название. Преобладает дэт-метал. Далеко не у всех, однако, такой задорный подход к жанру, начинающийся с самого заглавия альбома, как у альбукерцев. Вы правильно подумали, это Юг и тут есть дурманящее тусовочное фанковое влияние. В басе, этого достаточно. И в текстах: "Random murder massive killing-spree / 1970's retro disco fiend / I've fuckin' killed 1,000 innocent lives / I've fuckin' danced 1,000 disco dives / Murder disco / No remorse, just fuckin' grooving". Рубящие гитары (меня удивило, что их 2) грязны, но вполне энергичны, их пируэты посягают на технарские области.
На коллектив можно выйти по видео с совместного выступления как раз в Альбуркерке интересных составов Cephalic Carnage и Wicked Innocence и у ребят определенно есть этот, как его... дай бог нужной семантики русскому языку twist, фишка, эксцентричность, приличествующая компании коллег по сцене. Фанковый, джазовый, электронный, по-любому взбалмошный хит "Serial Night Fever" отдает Atheist-ом да и Slipknot в схожей манере запишет в эти годы свой демоальбом – самая лучшая их попытка. А в самом финале Abaddon все-таки обнаруживают лицо эдакой латиноамериканской рэпкор-группы. Группа тяготеет к бруталу визгливым сталепрокатом, дуэльностью гроула и скрима, все это подается неуныло, но абсолютно не запоминается. Ни тебе внятного и вкусного слэм-пассажа, пыльного брейкдауна, даже бластбит бы спас положение, разноображивая здешний застой с постоянным наваливанием малого барабана на сильную долю и поливанием бас-бочками как героиня труда-стахановец на машинке Зингер. Заявлено, что в группе вокалят все, кроме барабанщика, но на видео отдувается за всех ритм-гитарист Winston Jaramillo, по очереди выдавая то глубокий рык, то варварский крик, то дворовые кличи. Сэмплы у ребят тоже забавные, достаточно культурные, неуклюжим юморком поминающими Сатану.
К сожалению, некоторые альбомы заслужено забыты, хотя вроде бы предвосхищают эпатажными вбросами что-то более знаковое в дальнейшем. Abaddon небрежными мазками отпетых хулиганов намечают направление будущих одиночных работ широко известных в узких кругах Mē āt َus и Dripping, но сами не могут предложить ничего состоявшегося и завершенного. Драйвовый риффчик тут, олдскульный солячок там, "Funkin' Murderers" влетает в одно ухо и влетает в другое, в памяти остается пара фанковых басовых линий и несколько рэп-речевок. Что как бы маловато.
|
|  |
|
|
|
|
|
| В этом случае будем следовать традициям: первым делом семантика. Миазма – ядовитые испарения, газы с дурным запахом, образующиеся от гниения. Каноничное название для группы стиля. Не знаю, правда, что до удушливой атмосферы, но давящие, прессующие техники развиты австрийцами превосходно. Действо, хоть и протекает под знаменами варварства и оголтелости (в текстах и в тремоловой ряби), богато качовыми среднетемповыми сценариями. Мятежная дэтовая молотобойность прилежно полируется лапидарными конструкциями, при этом музыкантов грызет неуемная страсть к рваным ритмическим закидонам, в котором слаженно бомбят мертвецко серьезные, но умеренно мелодичные гитарные фигуры и непоседливые барабаны. Стукач Грегор Шмидт – ключевое звено исполинской австрийской махины, цементирует звучание жирными бочками, терроризирует собственный же бластбит судорожными вкраплениями, постоянно встряхивает дремучую инерцию многочисленными сбивками на пересечении Эдриана Эрландсона времен "The Red in the Sky Is Ours", соотечественника Мартина Месснера времен "Expositionsprophylaxe", чуть позже подобный кайф сотворит Томас Йонсон на шедевре мелодизированной шведятины "Into Eternity". Без сомнения, один из лучших и самых воодушевляющих драм-перформансов эпохи первичного накопления дэт-металической классики. Кроме того, за наваристое ритм-гитарное богатство, не хитровыстраданные, но и не тупые ходы и одержимые соло-выстрелы следует поаплодировать гитаристам, а за последовательную линию ортодоксального рыка с несколькими срывами в скрим. Баса особо не слышно, он оперирует на незримой и неслышимой частоте, но в общий котел жира явно прибавляется.
"Changes" не сказать чтобы крайне авторский продукт и проекция сугубо своего видения жанра группой, но в нем хватает фишек и изюминок, чтобы возвыситься над ремесленниками. Это все еще 92 год, и здесь можно помешать трэш, дум, добавить понюшку средневековой акустики, которая выльется в довольно героически звучащий эпизод. При этом главный эпик, 9-минутная вопрошабельная "Schizophrenia?" и зачинается несколько иронически классической органной цитатой и возносится экспрессией последующего симфонизма, наиболее системное и взрослое творение австрийцев.
Не буду превозносить достижения Миазмы на поприще необузданного дэта наиболее кровавых лет, но и поругать "Changes" не за что, дров в топку своей сатанинской машины они набросали будь здоров и кое-какую диверсификацию продукции устроили. Олдскульный альбом как проводник жестокого и сурового уюта, погружаться в такой приятно, а выныривать не хочется. А группа практически безвыхлопно сделала 2 реюниона в 1995-ом и 2005-ом и ушла в бессмертие.
|
| |
|
|
|
|
|
| Пока эту группу никто не упомянул тут хоть мало мальским текстом, вокалист Эд Джексон заснул вечным сном. Выпушенная под Хэллоуин '92 страшилка "Deceased" вообще не шибко освещается. А смысл делать это есть. Пусть на попадание в 1-й эшелон команде силенок и не хватит, записи присущ вполне уверенный почерк, своеобразная кровавая дэт-думовая харизма, напитанная как минимум деятельностью Генри ли Лукаса.
Музыканты из Висконсина более всего озабочены атмосферой – и она, черт возьми, удалась! Не комико-сатирическая, как у Macabre, но клиническо-подвальная, больная, несущая губительное навязчивое состояние. Ткань альбома формируется из 2-х базовых тропов: дэт-метальное тремоло и с избытком настроганные плавные задумчивые линии. Неплохо справляются гитаристы, их ядовитая скверна и не слишком сентиментальные элегии, скромны бас и ударные, барабанщик даже очень скромен, абсолютно нечего у него слушать, кроме параноидальной работы на тарелках, что естественно совпадает с наиболее выигрышными среднетемповыми эпизодами. С каким медленным дэтом допотопных времен следует сравнить AS? Вариантов, кроме Autopsy, немного. Cianide эта банда проигрывает усредненностью приемов и меньшей харизматичностью, прежде всего ритм-секции. Нет по сути у ребят таких бесхитростных липких, магнетизирующих риффов, как у чикагцев. Иногда суета, стремление чем-то подретушировать композицию идет ей во вред, как это происходит с напряженной "Homicidal Entrails". Главный демиург хоррор-образности, Эд Джексон, с раскатистым гроулом, по сути единственный, который непогрешим в убийственных делах. При вычете общих мест жанра лучшими на "Deceased" выходят номера неспешного саспенса, сгущающие неприютную ауру околодумовыми техниками вроде "Morbid Indulgence".
Единственный диск Accidental Suicide не очень западает в память, не слишком тянет его переслушивать, но настроение он создать способен, это его главное достоинство, но с другой стороны, главная родовая черта почти каждого сколько-то известного дэт-опуса той эпохи, и благоговейно повторять каждый раз "умеет, могете" под классический диск смертельного жанра слишком мало.
|
| |
|
|
|
|
|
| Возможно, именно Zgard является наиболее аутентичным украинским Pagan-black metal проектом. Его музыка уникальна в своей способности передать дух древних Карпат. Вряд ли я погрешу против истины, если скажу, что ни у одной другой украинской группы не услышать столь глубокого понимания этой мистической атмосферы. Основателю и единственному постоянному участнику Zgard Яромыслу удается умело адаптировать к экстремальному металу местный колорит и фольклор.
Для первого альбома “Spirit of Carpathian Sunset” получился весьма убедительной работой. На этом альбоме основной базой для музыки Zgard практически в равных пропорциях послужили норвежский блэк и фолк. Два этих начала умело связаны воедино. Фолк-инструменты присутствуют в песнях не в виде вставок, как это часто бывает, а вполне гармонично вплетены в музыку. И даже когда ведут основную мелодическую линию, воспринимается это вполне естественно, поскольку отдельные фольковые мотивы прослеживаются даже в гитарных риффах. В этом плане очень показательны такие вещи, как “Invocation” и “Destiny of Molphar”, на которых можно услышать практически идеальный баланс двух начал, которые, переплетаясь, еще больше подчеркивают друг друга. Концентрацией же фолкового компонента Zgard является акустический, очень атмосферный инструментал “Stream of Memories”, который наиболее полно раскрывает эту сторону музыки проекта. Несмотря на то, что многие риффы вызывают ностальгию по старым работам Burzum и Emperor, помимо блэка в музыке присутствует достаточное количество традиционных метал-риффов. Присутствие клавиш не разжижает звук, а делают атмосферу глубже. Заслуживают упоминания хорошо продуманные, зрелые песенные структуры и умелые аранжировки. Тексты песен, уже начиная с дебюта, всегда были сильной стороной Zgard. В них нет надуманной патетики и неуклюжей посконности, которой часто грешит пэган. Это не хороводы вокруг идолов. Так что атмосфера альбома и последовательная лирика прекрасно дополняют друг друга. Колдовская мгла лесов, эхо древних сказаний и неистовая пляска бури – все это Zgard.
Конечно, альбом не безупречен. Несмотря на отличный материал и массу интересных идей, в целом “Spirit of Carpathian Sunset” достаточно неровный. Он разнороден по звучанию и, судя по всему, писался с перерывами. Кажется, что некоторые вещи просто не вписываются и нарушают целостность альбома. Например, после атмосферного инструментала “Stream of Memories” следующая вещь “Eruption of Anger” режет ухо и кажется, что попала с другого альбома. Программная композиция “About Rus”, на мой взгляд, получилась излишне пафосной. А заглавный трек, который является одним из самых ярких и удачных, затерялся где-то в конце альбома. Звук тоже далек от идеала и получился «придушенным». Хотя, следует отдать должное, толковое сведение позволяет разобрать все нюансы музыки. Но несмотря на указанные недостатки, альбом получился действительно интересным и насыщенным. Да, он неровен и возможно затянут. Но это хорошее заявление с собственным неповторимым духом. Фактически на этом альбоме в общих чертах заложена модель всей будущей музыки Zgard. Конечно, здесь еще нет такого количества атмосферности, которая появится на следующих работах, но что касается всех иных творческих компонентов, и в особенности фолка – здесь они представлены достаточно полно. И главное, четко обозначен сам подход к музыке. Так что “Spirit of Carpathian Sunset” это очень хороший и интересный дебют.
|
| |
|
|
|
|
|
| Созданный как all-star project, но стремительно растерявший всех реальных звёзд (первыми из которых отметились Roland Grapow и Thomen Stauch), Serious Black за первые три года существования выпустил три альбома, а вот на создание четвёртого по иронии судьбы как раз три года и понадобилось. С момента последнего релиза из состава выбыли вышеупомянутый барабанщик-многостаночник Alex Holzwarth; мультиинструменталист, в основном баловавшийся в данной группе гитарой грек Bob Katsionis, а также один из основателей SB – Jan Vacik (ex-Dreamscape), в этот раз указанный в буклете лишь как «ассистент при микшировании».
Так как без барабанщика, вроде как, никуда, был рекрутирован Ramy Ali (Iron Mask), а вот остальным замену решили не искать, и все гитарные партии исполнил ещё один основатель проекта австриец Dominik Sebastian (который в промежутке между альбомами Serious Black успел записать аж три альбома с тремя разными группами). Вся основная работа по записи и сведению была выполнена в этот раз басистом Mario Lochert, а вот недостающие клавиши были записаны частично вокалистом Urban breed (breed с маленькой буквы – это, если что, его «фишка»), а также другой примечательной личностью, также ответственной за оркестровки – а именно Jonah Weingarten, проявившим себя весьма креативно на последних работах Pyramaze и Teramaze.
В связи с этим роль клавиш скорее даже увеличилась, и хотя в основном они стали более фоновыми, но сделаны они с большим вкусом, что положительно сказалось на звучании альбома, которое, увы, в целом стало хуже благодаря сыроватым гитарам, которые не смог «вытянуть» на мастеринге именитый Mika Jusilla в своей финской студии Finnvox. Несмотря на это, Serious Black записали самый тяжёлый альбом в своей дискографии! Он стал более темповым, риффовым, жёстким, местами даже напоминая Primal Fear. При этом мелодичность сохранилась, но доля роковой, напористой подачи в вокале также возросла, а заигрывание с коммерческим хард-роком, которое группе совсем не шло, сократилось до минимума.
Но, главное, что сами песни очень неплохи, и от начала до конца альбома откровенного балласта в этот раз я не услышал, а половина композиций вполне претендует на хитовость, как и на первом ярком дебютнике группы, после которого, лично на мой взгляд, качество материала с каждым разом становилось всё хуже, а стилистический уклон шёл не совсем туда, куда хотелось. В этот же раз «Suite 226» стал хорошим реабилитирующим релизом и показал, что и без громких имён, которые помогли проекту раскрутиться, музыканты могут создавать вполне конкурентоспособный европейский power-продукт.
Перечислять удачные треки в данном случае не имеет смысла, потому что каждая песня имеет свой «хук» (лично мой фаворит всё же «We Still Stand Tall»), будь то чёткий, жёсткий риффинг, разнообразный и мощный вокал, цепкие припевы или красивые аранжировки, как в последнем заглавном 9-минутном эпике, который может приятно удивить поклонников прогрессивного металла – здесь также имеется и восточная мелодика, и неплохие оркестровки, и приятное пианино, да и вокал звучит максимально уверенно и разнообразно. Также хочу отметить отметить, что «Come Home» стала первой балладой группы, которая мне реально понравилась. Кроме неё, относительно мягкий хард-энд-хэви трек «Fate Of All Humanity» (чем-то напомнившим мне Pretty Maids) также получился весьма задорным и запоминающимся, а не совсем мелодичная «Heaven Shall Burn» всё равно звучит динамично и драйвово и производит приятное впечатление.
В чём же основные минусы Serious Black, которые не смогли приехать в Москву из-за… плохой продажи билетов? Что же мешает группе совершить реальный прорыв, ведь профессионализм музыкантов не вызывает сомнений, а композиторский талант тоже как минимум выше среднего? Лично мне кажется, что всё-таки помпа мега-звёздного проекта оказалась для многих негативным фактором, так как ожидания поклонников, возможно, были завышены, а второго условного Stratovarius’а (лучших времён, естественно) сходу они не получили. Во-вторых, качество записи конкретно данного альбома (особенно гитар) может тоже помешать ряду аудиофилов по достоинству оценить материал.
А в-третьих, увы, это вокалист Urban breed! Широкий набор вокальных манер и приёмов и диапазон, конечно, налицо, но всё же его тембр не позволяет называть его оригинальным певцом, а скорее средним арифметическим ряда известных вокалистов, которых он одновременно-попеременно напоминает на протяжении всего своего творческого пути. Ведь если на секунду представить, что в Serious Black пригласить условного Киске – и песни зазвучат иначе, и интерес публики будет в разы ощутимее. Так или иначе, всё вышеописанное можно назвать гнусными придирками к вполне приличной группе, выпустившей чуть ли не лучший альбом в карьере!
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| В 2007 году канадские качи-бородачи Beneath the Massacre поразили своим дебютным альбомом "Mechanics of Dysfunction". Сложнейшие, лихо закрученные гитарные риффы, рокот бас-гитары, безудержное барабанное мочилово, и всё это, исполненное на высочайшем уровне техничности под лютейший гроулинг, производило эффект звукового оружия массового поражения. Однако, выпустив еще два полноформатных альбома, последний из которых явился миру в 2012 году, а также ЕР, Beneath the Massacre погрузились в полное молчание.
В связи с отсутствием какой-либо информации о деятельности банды возникли опасения насчет ее распада. Но уже где-то в 2016 году Beneath the Massacre возобновили концертную деятельность, а через некоторое время объявили о подготовке нового материала. Громом среди ясного неба в ноябре 2019 года отгремел первый сингл с грядущего полноформатника "Autonomous Mind", далее последовали два новых сингла, на которые также выпущены видео, "Rise of the Fearmonger" и "Treacherous", поспешный предзаказ и вот — свежайший диск Beneath the Massacre "Fearmonger" у меня в руках. Итак, нажимаем на "play"...
О, да! Это они — мастера гитарного струнодерства и барабанной молотьбы (новый барабанщик Anthony Barone, кстати, лупит еще яростнее своего предшественника). Канадцы не разочаровали: как следует отдохнув от студийной работы, Beneath the Massacre разразились альбомом, на котором показывают, что не утратили ни капли техничности и рвения уничтожить всё вокруг, в первую очередь Ваши ушные перепонки и далее мозг. На "Fearmonger" парни поливают слушателя свипово-теппинговыми пассажами и скоростными запилами, металлическим бряцанием баса, пулеметным грохотом бластбитов и гроулинговой читкой (никакого чистого вокала!). Сразу слышны узнаваемые фишки Beneath the Massacre: прерывистые «стоп-старт» риффы, глубокое тремоло («мерцающая гитара»), которые придают звучанию группы подобие звуку работающей машины, а также, как ни странно, отчетливая мелодичность.
Звук на новом альбоме Beneath the Massacre весьма чистый и напоминает звук их EP 2010 года "Maree Noir": вполне отчетливо слышен каждый инструмент, так что не расслышанным не останется ни один гитарный пассаж, а слова не сливаются в сплошной ревущий поток. Звук на альбоме на «пять». В плюс альбому идет и небольшая его продолжительность, которая составляет 30 минут.
Что касается стилистической принадлежности Beneath the Massacre на "Fearmonger", то здесь группа качнулась от дэт-метала в сторону дэт-кора. Так, если на предыдущем опусе "Incongruous" 2012 года группа придерживалась преимущественно ураганной дэт-металической динамики, то на новом диске треки щедро разбавлены брейками. При этом на альбоме отсутствует традиционный инструментальный трек, представляющий из себя сплошной брейк. В целом "Fearmonger" - это все тот же техничный дэт-метал/дэт-кор с приставками "ультра-", "сверх-" и т.д. на выбор.
В плане лирической составляющей Beneath the Massacre себе не изменили. Тематика песен на "Fearmonger" касается разложения современного общества, лжи и лицемерия власть держащих, всеобъемлющей пост-правды. Вполне ясно смысловой посыл нового альбома Beneath the Massacre преподносится сразу в открывашке альбома и соответствующем видео: государство с помощью СМИ и всепроникающей пропаганды оболванивает общество для его полного и безвозвратного порабощения. Голос бодрствующих не слышен. Народам, которые отказываются вступить в молчаливый преступный сговор, импортируется свобода — свобода на крыльях самолетов и со свистом сбрасываемых бомб. Под бурные овации толпы неумолимой поступью кованного сапога раздавлены робкие ростки правды. Надежды на лучшее не предвидится. Все мы уже давно живем в матрице и стали всего лишь батарейками для бездушной машины...
Итог: Beneath the Massacre вернулись, как и прежде, а может, и в большей степени, чем когда бы то ни было, неудержимые в своей ледяной, нечеловеческой ярости. Под грохот пулеметов и гул пожирающих человеческую плоть машин они, такие же холодные и отстраненные, несут свое слово о грядущем закате человечества без какой-либо альтернативы. "Fearmonger" придется по душе ценителям остервенелой мясорубки, не лишенной, между тем, неожиданной красоты и мелодичности. Однако остальные, прослушав полминуты первого трека, зевая пройдут мимо. Нельзя не отметить и некоторую вторичность материала на "Fearmonger". Все-таки группа предлагает слушателю не так уж много нового: снова скоростные свиповые пробежки и тэппинговые трели, те же сводящие с ума бластбиты, монотонный вокал. Вместе с тем заметно развитие музыки группы в плане мелодичности без ущерба брутальности, да и за виртуозность музыкантов похвалить еще разок совсем не грех.
Учитывая изложенное, я ставлю "Fearmonger" оценку не ниже 9/10 за более чем достойное возвращение после столь длительного, почти восьмилетнего перерыва, высочайшее мастерство и холодную, всеуничтожающую бескомпромиссность.
|
| |
|
|
|
|
|
| Несмотря на то, что сегодня Second To Sun является самой смелой и новаторской отечественной бандой, оценивать ее творчество следует без оглядки на то, что это «наше». Потому что предлагаемая этой группой музыка без всяких скидок и условностей является продуктом международного уровня. Second To Sun вполне по силам потягаться на равных со многими зарубежными командами, работающими на сопредельных музыкальных территориях.
Хотя сопредельные территории определить достаточно сложно, и дать точное определение музыке, представленной на “Legacy”, задача не из легких. Здесь прямолинейный подход в композициях идет рука об руку с удивительной изобретательностью. Это, пожалуй, не прог, но сам подход к творчеству в целом очень прогрессивный. Честно говоря, невероятно гремучий коктейль. Если вам необходима более или менее точная привязка, то вот стиль (приблизительно, разумеется) как на ладони: на “Legacy” группе удалось совместить характерную дисгармонию Mayhem 00-х, а также неистовый напор Dark Funeral. Добавьте к этому исполненную в зацикленно-лунатичном ключе финскую этно-мелодику, вкрапления пост-метала, рубленый грув и немного атакующих трэш-риффов. Несмотря на такое обилие ингредиентов, альбом сбалансирован от и до и настроен как тонкий механизм. Уже начиная с погружающего в порочную атмосферу начального трека “Devil” слышно, что группа уделила много внимания деталям и музыка содержит кучу нюансов. Музыканты очень вдумчиво проработали композиции и аранжировки, благодаря чему весь материал звучит цельно, завершенно и при этом разнообразно. Сумасшедшая энергетика не забивает композиции как таковые, каждая из которых звучит последовательно и несет в себе основной мотив, объединяющий песню в единое целое. Самая продолжительная и развернутая вещь альбома “Pages for a Manuscript” максимально полно демонстрирует все сильные стороны “Legacy”, где взрывной, остервенелый напор перемежается эпичностью и болезненной меланхолией. Очень хороша и "Monster" - наверное самая контрастная вещь на альбоме, в которой жесткий грув намертво спаян с ожесточенным блэком и этникой. На идущих друг за другом треках “No Need to Fear Now” и “Once Upon a Time In Russia” нашлось место и для фирменной иронии группы. Прологом к последнему послужила цитата из классической экранизации «Собачьего сердца» Булгакова.
Несмотря на то, что параллельно была выпущена инструментальная версия альбома (традиционная для группы особенность), одной из сильнейших характеристик “Legacy” является вокал Глеба Сысоева (Ultar, Grima). Здесь его экспрессивная манера пения регулярно переходит в какое-то запредельно злобное шипение. И, как ни странно, но именно в рамках Second To Sun Глебу удается максимально показать, на что он на самом деле способен. Очень техничная, разнообразная работа барабанщика также вызывает уважение. Он не играет – он методично и расчетливо выколачивает дерьмо из пластика! В общем, казалось бы, образцовая запись, к которой не придраться. Однако есть всё же и минус. Два заключительных бонус-трека – новые версии уже известных песен “Me Or Him” и “Virgo Mitt” – несмотря на свежий подход, на мой взгляд, выбиваются из концепции альбома и разрушают его целостность. Хотя сами по себе вещи убойные, но всё же перед тем, как перейти к их прослушиванию лучше после “Raida” сделать небольшой перерыв и перевести дыхание.
Подытоживая все вышесказанное, можно говорить о том, что на сегодняшний день “Legacy” стал вершиной всего творчества Second To Sun. На этой записи группа сумела достичь практически идеального баланса между взрывной яростью в духе Impaled Nazarene с эпичностью традиционного скандинавского блэка, которая в избытке присутствовала на предыдущем альбоме “The Walk”. Уровень продакшена также не вызывает никаких нареканий. Слушая этот альбом, ясно понимаешь не только ЧТО нужно играть для создания полноценной, конкурентоспособной музыки, но и КАК это правильно делать. Даже с учетом того, что на каждой новой работе Second To Sun звучат по-разному, я с трудом себе представляю, как нужно будет группе вывернуться в следующий раз, чтобы записать что-то, что будет звучать хотя бы на одном уровне с “Legacy”.
|
| |
|
|
|
|
|
| В ЗОНЕ КОМФОРТА.
В массе долгоиграющих пластинок за 1975 год рок-меломаны со стажем в большинстве своём сходу первым делом назовут "Wish You Were Here" маститых Pink Floyd или гламурный LP "A Night At The Opera" героев того года из Queen. Затем, подумав, наверняка добавят "Sabotage" Black Sabbath, "Hair Of The Dog" Nazareth и, возможно, "Physical Graffiti" от Led Zeppelin. Не исключено, что кто-то вспомнит про Jethro Tull, Genesis и даже Bad Company. И вряд ли кому в голову придёт добавить в этот перечень альбом "How Dare You!" безпретензионной группы 10сс. И тому найдётся ряд причин. Главная из которых - это не рок-команда, что, в принципе, верно. Помимо этого, у этой своеобразной группы слишком короткая история и помнят её как правило те, кто интересовался ею и слушал пластинки или хотя бы записи 10сс тех самых 70-х годов. Примечательно, что по-настоящему большое признание к этой блестящей работе английского квартета пришло не сразу, как это нередко случается даже у выдающихся коллективов.
Предыдущий их диск "The Original Soundtrack" с взволновавшей чопорный британский истеблишмент роскошной новеллой "I'm Not In Love" был справедливо признан успешным, хотя в коммерческом плане, по всей видимости, своё недобрал. Естественно, это была хорошая мотивация для музыкантов продолжить подобным же образом с поправкой на улучшение маркетинговой составляющей. А с учётом вполне приличного рок-музыкального стажа уже с десяток лет на каждого из четверых, включая пятилетку совместной трудовой деятельности, к своим 28-30 не напрасно прожитым годам этот квартет из Манчестера был готов уже удивить мир. В самом деле, в британской музыкальной среде на тот момент времени пожалуй что не наблюдалось другого столь крепкого состава, где вся четвёрка была в равной степени талантлива и изобретательна. Перезаключив контракт с Mercury Rec. на ближайшие пять лет, группа осела в Strawberry Studios городка Стокпорт, что в десяти км. от Манчестера, где и погрузилась в зону комфорта и творческой идиллии.
Поначалу это действительно было коллективное творчество, когда все четверо проникались чьей-то персональной идеей, вкладывая в неё что-то от себя, дополняя и развивая, будь то какой-либо необычной мелодической находкой, или оригинальной строчкой в тексте...
Именно таким образом и родился хит 1976 года "I'm Mandy Fly Me". Затейливая история, в которой так и остаётся неясным - реально ли то, что в ней произошло, или это не более, чем плод воспалённого воображения её героя. Идея истории основана на рекламе некой авиакомпании с участием хорошеньких стюардесс. "Я Мэнди, летай со мной!" - обращается одна из них с плаката, что развешаны по городу. Впечатлённому парню представляется, что во время авиакатастрофы к нему на помощь приходит одна из таких Мэнди с плаката. Фантазия юнца настолько глубока, что воспринимается как реальность, хотя на самом деле это не более, чем воздействие теплового удара посреди солнечной улицы. Или всё же реальность...?
Роскошная симфоническая прог-роковая сюита со сложной дискретной мелодической конструкцией, основа которой удивительно созвучна с мелодическими схемами Пола Маккартни "битловской" поры, с многократным чередованием темпо-ритмов, обилием сольных и просто гитарных пассажей, слаженным бэк-вокалом и насыщенным инструменталом.
Содержание программы альбома подчёркивает своеобразие мышления и особенности тонкого ироничного английского юмора, который в ряде случаев недоступен иному слушателю, если он не урождённый британский подданный. В этом смысле музыкантов 10сс стоит упрекнуть в некотором высокомерии и снобизме, свойственным высокоинтеллектуальным группам из Великобритании, когда содержание текстов их композиций можно трактовать по-разному, и только слушатель с истинной британской (скорее даже английской) ментальностью способен постичь их авторский замысел. При условии, разумеется, что в этих композициях присутствует хотя бы какой-то замысел...
Ещё один подобный пример: "I Wanna Rule The World" - мультитекстурированный номер, словно раздробленный на отдельные разномастные, но искусно сплетённые между собой фрагменты. Более всего это похоже на саундтрек к какой-то театрализованной пьесе, где замысловатая смесь изящных мелодических отрезков разрывается чередой характерных реплик драматического свойства, смутно намекающих на саркастическую фривольность Фрэнка Заппы в его сценических бурлеск-представлениях.
Прослушивание этого альбома требует определённой усидчивости и усилий. За внешней легковесностью ажурных аранжировок кроется немало изощрённых мелодических решений, порой странных и даже вызывающих недоумение, когда казалось бы напрашивается более очевидный и разумный ход. Нельзя, однако, не признать, что те нетривиальные решения настолько оригинально и талантливо воплощены, что уже совершенно неважно, кто, что и как по этому поводу думает.
"Art For Art's Sake" - можно считать это кульминацией программы LP, с глубоким смысловым содержанием о человеческой жадности, подчас губящей в человеке всё человеческое. Композиция с хард-роковой мелодической платформой, которая формируется слаженным гитарным триумвиратом (Стюарт - Гоулдмэн - Крим) от первой минуты до последней. Впечатляющее вступление, наполненное звуковыми (а-ля Pink Floyd) эффектами и бурное окончание с двумя параллельными сольными гитарными партиями (Стюарт-Крим), многослойными вокальными комбинациями двух лидер-вокалистов (всё те же Стюарт с Кримом) с бэк-вокальным многоголосьем. В качестве справки: сингл "Art For Art's..." в 1976 году в чартах Великобритании достигал 5-го пикового места.
Создаётся устойчивое убеждение, что для этого квартета просто не существовало непосильных для него стилистических форматов. Они с видимой лёгкостью справлялись как с мелодиями в стиле, допустим, рэггей, так и с тяжеловесными хард-роковыми темами. Настолько успешно, насколько способна это делать группа тяжёлый рок в принципе не практикующая.
Как иллюстрация к этому тезису - "Iceberg". Туманная ироническая фантазия Грэма Гоулдмэна с размытым сюжетом о серийном насильнике-убийце на основе подзабытых фокстротных вариаций из 50-х годов. Музыканты с блеском скомбинировали старомодные мелодические джазовые и игривые фокстротные темы, что, пожалуй, несколько диссонирует с напряжённостью сюжета, но не исключено что этого они и добивались.
Не стану утверждать наверняка, это не более, чем моё предположение, но на каком-то этапе студийной работы в квартете наметилось расслоение. По вполне объяснимым причинам четвёрка начала распадаться на пары. Это ещё ровным счётом ничего не значило, но очевидные полярные творческие предпочтения уже наметились. Не знай мы, к чему это всё приведёт, вряд ли бы всерьёз придали значение этому наблюдению. Однако, уже на примерах некоторых номеров данного альбома это весьма наглядно выглядит. Очевидно, что пара Стюарт-Гоулдмэн тяготела к стройным мелодическим схемам с поп-роковым развитием ("Rock' n' Roll Lullaby"), в то время как Годли-Крим являлись сторонниками причудливых инноваций предыдущего альбома 10cc "Original...". Заметно, что экспериментальные изыскания в области психоделического прог и арт-рока им ближе и интереснее.
"Don't Hang Up" - тематический трек LP "How Dare You!", минорная баллада о безвозвратно распадающейся любви. По сути это телефонный разговор, скорее даже монолог. Рассудительные, но жалкие доводы мужа в попытках образумить свою безрассудную женщину, смятение нетрезвой отчаявшейся леди с остывшими чувствами чудесным образом сочетаются с идеально продуманной последовательностью сентиментальных мелодических фрагментов, кабаре-хоралом, яркой интерлюдией в духе фламенко-фьюжн и атмосферой романтической мелодрамы, вплоть до внезапного взрыва телефонного звонка... Одно из лучших творений классического состава 10cc.
Однако, ощущение некой недосказанности, нарастающей обречённости в предчувствии близкой потери, не покидает тебя всё то время, пока снимаешь пластинку с вертушки или вынимаешь CD из дисковода...
|
| |
|
|
|
|
|
| Переиздание второго релиза распавшихся в 2017-м году нидерландцев Textures – хорошая возможность ознакомиться с одной из самых сильных работ весьма интересного коллектива. Выпущенный в 2006-м году, «Drawing Circles» стал последователем смелого дебютника «Polars», который сразу определил чёткий вектор музыкального развития, которому голландцы под шефством гитариста Jochem Jacobs следовали всю свою карьеру – «умный» концептуальный модерновый прогрессив. А если быть точнее, то скорее наоборот – прогрессивный modern metal, представляющий собой грувово-металкоровые «ломаные» риффы, типичный прихардкоренный вокал с эпизодическим переходом на «чистый», атмосферные пост-металлические гитарные наслоения и небольшие вкрапления клавишных.
Хотя продакшн лежит на плечах музыкантов, звучание альбома не вызывает никаких нареканий – всё записано и аранжировано на высочайшем уровне. С техникой у музыкантов тоже всё в порядке, хотя обилием гитарных соло они не блещут, в основном радуют свободной, произвольной структурой композиции и преимущественно креативными ритмическими решениями. Если сказать грубо, то мы имеем дело с гибридом Meshuggah и Devin Townsend – от первых Textures взяли «математическую» составляющую музыки, от второго – атмосферность гитарного звучания и эпизодическую мелодику.
«Drawing Circles» более монолитный и ровный, чем предшественник – здесь меньше скоростных взрывов и совсем нет экспериментов с эмбиентом и 18-минутных эпиков, как на «Polars». Но в связи с этим первые несколько композиций звучат весьма монотонно, а вокал только пришедшего в группу (всего, кстати, на два альбома) вокалиста по имени Eric Kalsbeek – речитативно-напористо и совсем не оригинально. Зато уже на 7-минутке «Stream Of Consciousness» наступает разнообразие в виде неожиданной бодрой трэш-дэтовой разгонки, которая сменяется конкретно «таунсендовским» настроением и красивой «чистой» вокальной линией на великолепной балладе «Upwards». Её главная тема, кстати, возвращается в виде традиционно проговой репризы на самом «главном» трэке альбома – 8-минутной «Touching The Absolute», которая начинается с интересного вступления, где можно услышать влияние как исполнителей jazz fusion, так и Rush или же их последователей Sieges Even (!), чем, согласитесь, нас почти не балуют представители современной металлической сцены.
Вся проговая составляющая музыки Textures особенно подчёркнута в яркой концовке альбома – на вышеупомянутой «Touching The Absolute» и простеньком, но изящном инструментальном аутро «Surreal State Of Enlightenment». На этих двух композициях мы слышим и неплохие гитарные соло, и запоминающиеся вокальные партии, и интересные стилистические вкрапления, и грамотные аранжировки, в том числе разнообразные гитарные эффекты, неброские клавишные фоны и оркестровки. И хотя большинство любителей классического прогрессивного металла явно предпочтут что-то помелодичнее, а любители металкора – попроще, но фанаты хорошей умной музыки, не заморачивающиеся на принадлежности к той или иной «школе», должны оценить этот весьма интересный релиз.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Третий альбом стимпанк-трилогии от Pyogenesis, получивший название «A Silent Soul Screams Loud», в общем и целом оказался столь же интересным, как и его два предшественника, хотя лично на мой вкус немного уступил им по качеству материала. Это всё та же супер-эклектичная музыка, стиль которой варьируется от попсы до дэта. Она способна вызвать как недоумение неподготовленного слушателя, так и восторг прошаренного музыкального критика, который не без головной боли будет пытаться каталогизировать всю жанровую широту группы, сочетающую, казалось бы, порой абсолютно несовместимые приёмы.
Начинается альбом достаточно брутально – слушателя сразу оглушают перегруженные гитары в духе раннего (не мелодичного!) шведского дэта начала 90-х типа Entombed и ряда других культовых коллективов и на первых двух композициях, по сути, мы слышим сочетание дэта и панка. И если «Survival Of The Fittest» можно назвать весьма бодрым и удачным трэком, то в «Mother Bohemia» сочетание довольно вялой долбы и чистых «эпичных» вокальных партий звучит довольно фриково… Но от Фло Шварца можно ожидать чего угодно, и «A Silent Soul Screams Loud» ещё раз доказал это.
Альбом, кстати, весьма лаконичен по нынешним меркам (40 минут), что связано с тем, что в последний момент шеф решил не включать в него одну песню, сочтя её недоделанной. Но за это короткое время Pyogenesis успели блеснуть во всех своих музыкальных ипостасях и уже ставших традиционными странностях типа двулогии «I Can’t Breathe» (разделённой на пролог и монолог), повествующей о беседе Наполеона с принцессой Луизой Прусской, попытавшейся убедить его остановить свой марш-бросок по Европе. Карл Маркс, Чарльз Дарвин, Зигмунд Фрейд, Мэри Шелли (автор «Франкенштейна») – вот ещё ряд деятелей 19-го века, вдохновивший Фло на создание музыкальных произведений.
Довольно «мягкая» середина альбома продолжается ещё двумя причудливыми трэками – «High old Times», отдающей хард-роком 80-х и своеобразной полу-балладой «Modern Prometheus», спетой дуэтом с Крисом Хармсом из Lord Of The Lost. Нельзя назвать их ни выдающимися, ни супер-оригинальными, а контраст с первыми трэками альбома даже как-то сбивает с толку при первом прослушивании, но самое интересное в очередной раз ждёт в конце – бойкая, хитовая «Will I Ever Feel The Same» (снова, по сути, смесь панка и дэта) с гроулом в куплетах и цепляющим надрывным «чистым» припевом, который хорошо лёг на сдвоенные басовые бочки.
Последний же трек «The Capital (A Silent Soul Screams Loud)» продолжает уже в третий раз серию 14-минутных эпиков, завершающих каждый альбом трилогии. Здесь, как и в предыдущих двух очень удачных композициях, можно услышать doom-овые корни Pyogenesis. Хотя данная песня тоже немного уступает предшественникам «Everlasting Pain» и «A Century In The Curse of Time» и звучит намного более «мажорнее» их, но всё же она также очень сильная и разнообразная. Это, как говорится, «альбом в альбоме» - здесь можно услышать все вокальные приёмы Фло – от «лиричного» до гроула, а в плане музыки - от акустических атмосферных фрагментов до жёстких перегруженных гитарных риффов, игру с темпами и скромные, но неплохие аранжировки (в том числе хоры).
Со сменой гитариста, конечно, соло стали гораздо менее интересны, а гитарный звук на мой вкус слишком грязноват (но всё же не настолько, как на «A Kingdom To Disappear», уж и на том спасибо), но основная проблема – это как раз некая неровность материала, как по качеству, так и по стилистике, которая может отпугнуть целевую аудиторию. Да и вообще, как её определить, если Фло предпочитает смешивать стили так произвольно, хотя и грамотно? Тем не менее, в этом минусе и есть главный плюс Pyogenesis – оригинальность, которой могут похвастаться немногие в нашу эпоху шаблонности и модных трендов. Музыка Фло непростая для понимания и очень личная, поэтому на широкий успех надеяться не стоит, но фэнам группы и просто меломанам широкого профиля альбом доставит много удовольствия.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Выпустив два удачных альбома, российский блэк-метал расчет Navjarmaahr, к сожалению, надолго пропал из виду. Для того чтобы выпустить следующий полноформатный альбом группе понадобилось восемь лет. “Navje” стал именно что приятной неожиданностью, поскольку информации о группе было крайне мало. Даже те, кто интересовался ее творчеством, в большинстве своем решили, что Navjarmaahr приказали долго жить. Но зло всегда возвращается, ведь так?
На новом альбоме Navjarmaahr сохранили свою приверженность прямолинейному, яростному блэку. Но хотя группа (а по сути оставшийся в одиночестве Kolosveth) осталась верна себе, нельзя сказать, что новый альбом стал повторением предыдущих работ. “Navje” сумел обрести собственное измерение. Альбом получился зрелым и достаточно увлекательным. Думаю, во всей скромной дискографии Navjarmaahr этот альбом получился самым целостным – лаконичным, хлестким и яростным. На этой непродолжительной записи мы слышим саму оголенную суть жанра, вязкий сгусток тьмы, обдающий жаром тлеющих в ее недрах углей. Альбом не балует эстетствующего слушателя прихотливыми изгибами творчества и картинными позами. Но диктуемая рамками ортодоксального блэка скудность изобразительных средств компенсируется эмоциональностью и глубоким пониманием сути предмета. Минуя вступления и прелюдии, музыка сразу обрушивается на слушателя хаотичным потоком. В первые секунды такой подход даже несколько ошеломляет, не сразу замечаешь, что цепкие аскетичные риффы скрывают в себе скупые мелодии. И странное дело, но несмотря на прямолинейность и традиционность, окончательно проникаешься альбомом только к концу второго, а то и к третьему прослушиванию. И если раньше в музыке Navjarmaahr можно было ощутить колючий мороз, то теперь слушателя накрывает волна яростного мрака, истрепанные края которого сеют заразу, пытаясь дотянуться до всего живого. Временами в этом нечестивом потоке можно услышать элементы трэша, которые очень удачно вписались в ожесточенную картину. В меру грязный, но четкий звук видится мне одной из главных удач этого альбома. И я никак не могу отделаться от ощущения, что в этой темной круговерти то и дело мелькают образы, навеянные темными шаманами Суоми. Не скажу о прямых заимствованиях, но при прослушивании “Navje” прежде всего ощущается влияние финской блэковой школы. А вот что я отнес бы к главному недостатку альбома, так это некоторое однообразие аранжировок – обратная сторона упомянутой цельности…
Напоследок хотелось бы отметить вот еще что. Называть Navjarmaahr pagan black я бы не стал. Если на первых записях это и было, то там же оно и осталось. Теперь этот черный шквал крайне трудно притянуть за уши к «пэган». Сама порочная суть “Navje” обратит в пепел любые попытки по старой привычке навесить этот ярлык. И да, мне нравится, что здесь нет дурашливого рок-н-ролла и заигрываний с панком, как и с прото-блэком, к которым столь часто прибегает новая формация «ценителей традиций». В общем и целом альбом хорош ровно настолько, насколько может быть хорошим классический блэк. Если вы не в теме – проходите мимо.
|
| |
|
|
|
|
|
| Не думал я когда-то, что посвятить актам массового, но по преимуществу постепенного истребления отдельными индивидами людей можно не только замогильный сладж, но и заводной стоунер, хотя эти японцы и ненавидят это определение, предпочитая горделивое и лаконичное "ДУМ". Church Of Misery на «Втором Пришествии» выбирают путь изуверского рок-н-ролла, оживляющего страницы истории и бодрящего ныне живущих. Недлинный альбом у японцев, что свидетельствует о том, что им некогда уходить в затяжные джемы и безудержную психоделию, напротив – нужно быть максимально собранными и энергичными. Музыканты посвятили ряд песен не последним людям в индустрии, таким как Тед Банди, наш Андрей Романыч, заморская стерва Эйлин Уорнос… Начинают ребята с сокрушительных семимильных аккордов под фидбэк и документалистику, и скоро уже вовсю наворачивают знакомые мелодичные петли на грувовом фундаменте. Истеричный чистый вокал на грани скрима вносит оттенки веселого возбуждения, и «The Second Coming» совсем удаляется от думового эталона похоронной процессии.
Нет, японцы очень тепло и легкомысленно преподносят чьи-то великие дела, об этом и вопли “I, Motherfucker” в первом трэке, и качовое ускорение в “Red Ripper Blues (Andrei Chikatilo)”, и не имеющий никакого отношения к позитивному тематическому вектору альбома кавер на Cactus. Пика изобразительная мощь ретро-рока Church of Misery достигает в балладе о Дине Кориле, это уже положительно убийственная вечеринка. "Церковники" играют в одну гитару, зато она без труда достигает нужных космических интонаций, у них очень импозантный, когда надо вертлявый, а по случаю и просто громкий бас, вкусный, звонкий драмминг, уверенно инкорпорирующий и коубелл. Мне, увы, только не нравится сухой и костлявый, тяготеющий к гаражному, саунд. Зато какова работа японцев по приданию аутентичности своим полотнам: записи со следственных экспериментов, допросов – погружают туда куда нужно, а особенно когда, например, в трэке с нашим рОдным параллельно документалистике еще и космически завывает гитара... интересный опыт, запоминается. Да, японцы не растягивают трэк по хронометражу психоделикой, но плотно нашпиговывают его травяным благоуханием, это сразу и хит, и вещества. Последний опус "El Topo" явно предназначен быть иллюстрацией к кислотному вестерну Ходоровски, и здесь, пожалуй, в основном вещества, хиты только на последней минуте, да и то это цитаты первого номера "I, Motherfucker". Альбом благообразно закольцовывается и уходит в фейд-аут.
Винтажная обложка ни капли не раскрывает лирическую начинку, за исключением физиономии милашки Банди, она трад-думова до блюзовых оснований, но уже явно кокетничает с психоделией. Одного Macabre и их жанровых сородичей, подражателей и продолжателей, явно не хватало, и Церковь вовремя подогнало альтернативную, ветеранскую музыкальную форму для хрестоматийного содержания.
|
| |
|
|
|
|
|
| Второй и последний полноформатный альбом Acrimony – манифест величавой обкуренности. Это его естественная сквозная идея, обусловливающая также форму. Всё окутано дымкой, музыкальные события происходят плавно, и слушатель постоянно находится в полудреме. Гитарные риффы довольно прямолинейны и предсказуемы, ритм-секция тоже работает в традициях знакомой по истории рока харизмы. Вокал, конечно, чистый, без малейших посягательств на экстремальные области. Переизбыток эмоций от объекта воспевания приводит к частым рефренам типа “Yeah!”, но это мотивировано природой музыки, настаивающей на расслаблении, можно понять и простить злоупотребления. Но все же это редкий для меня случай, когда однообразный вокальный подход вносит некий негатив в восприятии целого. Музыканты особо не выходят за пределы излюбленных обдолбанно-думовых и психоделических влияний (пасторальная акустическая инструменталка “Turn the Page” не в счет, Acrimony не может обойтись без своего “Orchid”) и упрямо проводят через весь альбом микологическую линию. Вопрос выбора между дождиком земляничным и грибным уверенно решается в пользу последнего.
С “Hymns to the Stone” по “Firedance” британцы утверждают, что традиционная энергетика второстепенна, главное – психоделический гипноз. Это отражается в структуре композиций, часто заключающих в себе эволюцию в статическом движении, посредством которого происходит закаливание тела и духа. Кульминация последнего – “Motherslug (The Mother of All Slugs)”, от которой явно тянет краут-роковой моторикой, а уши закладывает плотный гитарный гул и обилие эффектов. Еще более умиротворенное и неспешное развитие отличает “Firedance” – классический закрывающий трэк, в смысле, что протяженный, с музыкальными таинствами и медитациями. Альбом действительно держится на 10-минутных вещах, в 5-минутных музыканты попросту не успевают развернуться, наступают на горло собственной песне. Зато какие бездны у ребят в эпиках! В мелких трэках это невозможно, это будни, работа на бегу. 10-минутки – это праздник, психоделический карнавал, микровселенная, окутывающая вас своими щупальцами и оставляющая опустошенно-бездумно-счастливым. В 1-ом, 7-ом и 9-ом композициях Acrimony есть ураган эффектов, статичный (практически диско-) бит, ориентальные мантры, иными словами погружение с головой. И «Tumuli Shroomaroom» здесь в лучшем смысле один из самых наркоманских альбомов винтажного направления, эталон уюта для тех, кто понимает. Сделать из него монолит эпичности, разнообразить вокалы – цены бы ему не было, ручаюсь!
|
| |
|
|
|
|
|
| У исландских групп всегда был особенный взгляд на творчество и ни на кого не похожее, зачастую специфическое звучание. В плане оригинальности и «непохожести» Carpe Noctem можно считать ярким примером исландской экстремальной сцены. Думаю, эта группа не оставит равнодушными ценителей необычной музыки. Тем более что музыканты здесь подобрались достаточно опытные и успели засветиться в ряде исландских команд, наиболее заметными из которых являются Misþyrming и Svartidauði.
“In Terra Profugus” стал первым полноформатным альбомом Carpe Noctem и достаточно громким заявлением. Альбом является концептуальным, и это сразу видно даже из порядка нумерации треков. Насколько я понял, это привычная эзотерическая история о самопознании. В своем повествовании исландцы причудливым образом переплели ветхозаветное предание об изгнании Каина в землю Нод с аллюзиями на скандинавскую мифологию. Причудливый порядок песен призван символизировать нисхождение в загробный мир с последующей духовной трансформацией и возрождением.
Как видите, музыканты сразу решили гулять по полной, явив миру монструозное творение. При первых минутах прослушивания возникает впечатление вроде: «Что там у них вообще на хрен происходит?!» На слушателя обрушивается пугающий поток густо замешанного на думе блэка с налетом болезненной психоделии и привкусом авангарда. Звучание альбома порой весьма хаотичное. Атональные гитарные риффы, с редкими заездами в дэт-метал, катятся как булыжники. Интересно, что диссонирующие риффы и чуждые привычным (анти)мелодии на удивление хорошо ложатся на слух. Скупые эффекты расставляют жирные акценты в композициях, и от прослушивания возникает какое-то потустороннее ощущение. Замечу, что альбом нужно прослушать не один раз, чтобы разобраться в циклопических нагромождениях враждебных всему живому музыкальных ландшафтов. Сокрушительный звук просто рвет в клочья, погружая в катарсис. К миксу не прикопаться, он именно такой, какой нужен этой музыке. Слышно, что музыканты технически подкованы и не обделены мышлением. По артистической смелости, а где-то и музыкой, Carpe Noctem могут напомнить Emperor, Abigor, Deathspell Omega и Lychgate.
Следует отметить, что в этой довольно экспериментальной музыке блэк-метал порой играет условную роль. Я не зря здесь упомянул дум. Помимо того, что едкие звенящие тремоло обильно сдобрены угрюмым думовым качем, в целом основой для музыки служит массивное думовое звучание, который буквально творит пространство. Сочный вокал также близок именно к этому жанру.
Однако при более вдумчивом прослушивании начинаешь замечать в музыке явные нестыковки. Становится очевидным, что на “In Terra Profugus” Carpe Noctem пока что поражают больше неординарным подходом, чем композиционно и присутствие условных мелодий всё же не помешало бы. Явным минусом является и то, что зачастую при прослушивании ты забываешь с чего, собственно, началась тема. К концу альбома нить повествования совсем теряется, растворяясь в титанических столкновениях хтонических стихий. Хотя в этом всё же есть и своя прелесть – ведь это музыка, несущая в себе мрак древних архетипов, которую ты ощущаешь, а не только слушаешь…
|
| |
|
|
|
|
|
| Сегодня можно говорить о том, что Blaze of Perdition являются одной из самых интересных польских блэк-метал групп. Но так было не всегда. Начав с традиционного блэка, на своих первых альбомах Blaze of Perdition принесли своего рода оммаж шведской сцене. И, что греха таить, несмотря на высокое качество музыки и продакшена, группе явно не хватало оригинальности, чего-то своего. Первые, пока еще достаточно робкие, изменения в подходе стали заметны на третьем альбоме “Near Death Revelations”, на котором поляки предприняли шаги к тому, чтобы разнообразить свое звучание, сделав его более узнаваемым. На последовавшем за ним “Conscious Darkness”, который вышел в 2017 году, уже можно было смело говорить о том, что Blaze of Perdition обрели собственное лицо и достаточно оригинальное звучание. Становилось действительно интересно. На “The Harrowing of Hearts” музыканты не подвели и продолжили путь музыкальной эволюции, продвинувшись еще дальше в творческих изысканиях.
Начнем с того, что новая работа уже как бы и не совсем блэк. Безусловно, все присущие жанру черты на месте, но помимо них появилось многое другое. Из размеренных тремоло отчасти ушли былые накал и ярость. В музыке воцарился стойкий привкус пост-блэка, а также стали отчетливо заметны элементы готик-рока 80-х, которые выразились в структуре песен и местами даже в звучании. Появившийся благодаря этому рок-драйв пришелся очень ко двору, добавив в музыку разнообразие и динамику. Страшно сказать, но в отдельных случаях появилась «хитовость»! Немалую роль в этом сыграло то, что некоторые композиции приблизились к песенному формату как по времени звучания, так и по своей структуре. Да, группа до сих пор играет продолжительные вещи, но здесь вы уже не найдете чудовищных 15-минутных эпиков, как это было еще на предыдущем полноформатнике. Хотя в целом упомянутая эпичность все же осталась. Но если раньше она была какая-то слепящая своей запредельностью, то на новом альбоме стала более доступной и понятной, «человечной» что ли... Конечно, все это субъективно, но общее настроение передает чувство горькой ярости. Это ощущение усиливается выразительным вокалом, который, как и в былые годы, все так же суров, но при этом прекрасно ложится на обновленную музыку. Я бы сказал, что харизматичный вокал Sonneillon’а является вообще одной из сильнейших сторон Blaze of Perdition. И пожалуй именно на этом альбоме он максимально раскрыл свои возможности, следуя за музыкальным разнообразием. Это не просто какие-то хриплые вопли, а именно хорошо поставленная манера пения, пусть и крайне экстремальная.
Все альбомы Blaze of Perdition отличала последовательная концепция. Также и в этот раз. Концепция “The Harrowing of Hearts” представляет собой идею сошествия Христа в ад в период времени между его распятием и воскрешением. Это метафора внутреннего самопознания и эволюции человека, вдохновленная некоторыми работами Карла Густава Юнга.
Подробно говорить об уровне продакшена не вижу необходимости. Достаточно сказать, что альбом записан очень грамотно и может похвастаться практически идеальным густым звуком, который словно обволакивает слушателя. Все инструменты гармонично дополняют друг друга, рождая ощущение целостности звучания. Если разбирать альбом по трекам, то я бы выделил “Transmutation of Sins” - возможно она и не самая лучшая, но весьма удачно передает творческий замысел всего альбома. Именно поэтому на нее было снято яркое видео. Из своих личных фаворитов я бы назвал “With Madman’s Faith” и “Królestwo Niebieskie” – они интересны своим разнообразием и тем, что раскрывают новые творческие возможности Blaze of Perdition. Заключительный трек “Moonchild” – кавер на классиков готик-рока Fields of the Nephilim – более чем доходчиво объясняет «готичность» нового материала. Ну и, конечно же, я хочу отметить самую продолжительную, насыщенную событиями вещь “The Great Seducer”. Но главная ее особенность в замечательном соло, которое выдает гитарист ближе к концу трека. Побольше бы таких моментов в будущем! Вы не подумайте ненароком, что мне хотелось бы превратить чудесную блэковую группу в обычный хард-рок. Просто у этих поляков очень классно получается находить баланс между атмосферным экстремальным металом и более традиционным для рока/метала форматом. Этим они и хороши. Благодаря такому подходу группе удалось привнести в свою музыку разнообразие, интересные гармонии, придать динамику. Здесь музыканты играют, прежде всего, музыку, а не шаблоны, далеко уйдя от скроенных по каноничным лекалам альбомов.
Что ж, с точки зрения творческого подхода и реализации новый альбом обоснованно претендует на лучший в дискографии Blaze of Perdition. Конечно, есть еще над чем работать. Несмотря на все обозначенные качества, порой ловишь себя на мысли, что отдельные моменты в композициях словно провисают и кажется, что музыкантам стоит навести резкость. Группе еще предстоит найти тот самый неуловимый «бозон Хиггса», благодаря которому просто очень качественные и интересные альбомы становятся если не классикой, то как минимум знаковыми для жанра. Но мне кажется, что у Blaze of Perdition для этого есть все необходимое.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первые подозрения появились у меня, когда рано утром я увидел воткнутый в мой почтовый ящик пластмассовый обоюдоострый топор. Так как пробить металл ящика сей предмет был неспособен, неизвестный доброжелатель старательно засунул его в щель для писем. На вопрос, кто это так развлекается, дрожащая как осиновый лист консьержка, нетвердой рукой опорожнила пузырёк валокордина и процедила сквозь зубы: "Шпана какая-то". Любопытство пересилило опасения, и я полез в ящик, чтобы наконец узнать, в чем был смысл данного акта подъездного вандализма. Внутри лежал сногсшибательно пахнувший несвежей козлиной шкурой и прогорклым пивом свёрток, из которого на свет божий явились замусоленное письмо и завернутый в листья лопуха компакт. Письмо, если так можно было назвать данные хаотичные каракули, сочиненные, похоже, не менее чем десятком человек младшего школьного возраста, или как минимум одним помешенным, было написано рунами. Из своей бурной молодости я какие-то навыки чтения подобных знаков вынес, поэтому вооружившись справочником и гугл-переводчиком, я принялся разбирать заляпанный неопознанными субстанциями текст. Дело было нелёгкое, потому что определить, на каком языке было составлено послание, мне так и не удалось, но, среди вороха витиеватых и красочных проклятий отчётливо выделялись фразы про неких "братьев", "рагнарек" и, почему-то "второй шанс". Ба! да это же Братья Металла, осенило вдруг меня. Они как раз не так давно выпустили новый альбом. К промо-компании с душой, как говорится, подходят. Ну что же, глянем, тем более, что скоро уже посевной сезон, а диски на огороде очень хорошо служат для отпугивания надоедливых птиц. Развернув лопухи, я достал компакт и приготовился глумиться.
Но, знаете ли, то ли настроение не то, то ли запал прошёл, но глумиться особенно не захотелось. Первый альбом братьев меня, скажу честно, взбесил; сколько я его не слушал, ничего положительного не смог о нем сказать, кроме, разве что, отметить качественное звучание. Здесь же сложилось впечатление, что проект немного повзрослел, остепенился и, подавив желание вывалить на головы слушателей всё и сразу, заиграл немного более зрелую и цельную музыку. Это, конечно, всё тот же мегапафосный и вторичный симфопавер, вобравший в себя, словно губка, все достижения смежных жанров за последние тридцать лет, но теперь его куда приятнее слушать, вплоть до того, что некоторые моменты диво как хороши, так что их даже хочется переслушивать отдельно. Например, песня "Theft of the Hammer": где-то со второй минуты такой мощный распев идёт, что любо дорого. Будь весь альбом такой, я бы первый в очереди фанатов стоял. Но, к сожалению, это пока что лишь отдельные моменты, крупицы гениальности в море плагиата. С другой стороны, общая смена палитры с разухабистого хеппи-павера в сторону чего-то более мрачного и эпичного в отдельных композициях, например, Hel, пошло материалу только на пользу. Другой недостаток предыдущего опуса отчасти исправленный на новом — сказочник дед-Щукарь стал появляться пореже, его заменил больший уклон в эпичные пассажи вокалистки. Это однозначный плюс, потому что хорошая лирика всегда лучше натужного нарратива. Тем более, что и вокалистка и рыкающий аки горный тролль вокалист действительно молодцы. Мадемуазель качественно имитирует гортанные северные напевы, а добр молодец раскатисто и сочно рычит, так что на долю секунды всему этому даже веришь. Это — ключевое отличие от предыдущего диска. Пусть это и балаган, но в этом балагане по крайней мере приятно находиться. Собственно, ключом к правильному восприятию творчества данной команды может стать здоровое чувство юмора, которое помогает воспринимать присущий группе пафос сквозь призму иронии, без того, чтобы не впадать в состояние культурного шока, увидев название песни типа Powersnake. Тогда уже альбом не захочется сравнивать с другими работами более серьёзных коллективов, и музыка будет восприниматься так, как и было задумано — как грамотно записанный, приятно звучащий и, что уж там, запоминающийся поп-power metal.
Злые языки могут предположить, что моё мнение переменила экстравагантная посылка, угрозы или же несколько бочек медовухи, каким-то чудом оказавшиеся в моём гараже, но всё-таки я готов признать, что второй альбом Братьев довольно-таки неплох и как минимум ознакомления заслуживает. Правда, кто теперь ворон на огороде пугать будет, а?
(Диск предоставлен компанией FONO).
|
| |
|
|
|
|
|
| Время от времени натыкаешься на альбомы, которые заставляют разбирать свое представление о тяжелой музыке до элементарных основ. Сегодня это будет грув, нойз и немного тяги к хитовости. Творчество американцев Karp (Kill All Redneck Pricks) было непрерывным сабантуем на дебютном альбоме, тяготеющем к пост-хардкору и нойз-року, на «Suplex» же было взят более тяжеловесный курс на двуединство сладжа и, скажем, альтернативного метала. Всего лишь добавили бонг к алкогольной вечеринке. Показателем этого является появление на диске целых двух 9-минутных композиций. “Lorch-Miller” служит синтезом традиционного сладжевого кача в окружении скулящих нойзовых гитар и бравого группового вокалирования. “Meet Me in Lacey” более зафуззированная с угашенными же альтернативными вокалами, снова с навязчивым фидбэком.
В сладжевых номерах Karp не пытаются особо имитировать соответствующую эстетику, вокалы остаются школьными и простодушными, как и в пост-хардкор-ориентированных трэках. Суплекс – это бросок в спортивной борьбе, а точнее бросок с прогибом, и атмосфера диска и его обложка тоже шутейно-спортивная. Участники группы, субтильные панки тянут на чемпионов если только в очень легком весе. 90-е и их легкий альтернативный шлейф так легко прочитываются в их игривых трэках для чирлидерш с постоянными повторениями-скандированиями. Но саунд везде рельефно-мускулистый, с юркими барабанными перебежками, стабильно мелькают занятные места, и с каждым трэком все больше проникаешься симпатией к этой команде, засчитываешь ей всё больше очков. Отличная группа для вечеринок, попросту незаменимая. Вместе с тем на альбоме есть место и для тревожности и инструментального напряжения аварийного нойз-рока ("Absolutely Fabulous"), и не забудьте также о груженых задумчивых эпиках. По интенсивности звучания, свежести идей, энергии и заразительности мне, однако, больше нравится их self-titled LP. Здесь же попахивает альтернативно-метальными штампами и гранджевостью.
|
| |
|
|
|
|
|
| Nightstick – примечательная антиправительственная группа, основанная барабанщиком легендарных трэшкорщиков и пионеров пауэр-вайоленса Siege Робом Уильмсом. Визуальный компонент уже привлекает внимание: появление на концертах клоуна, фотографии с пятачками... И то, что в группе какое-то время вокалил великий и ужасный, ныне покойный тов. Путнэм тоже о чем-то говорит. Говорит, наверное о том, что авторитетов для группы по меньшей мере в американской политике точно нет. Лирика политически незатейлива, но подкупает неполиткорректностью. Так, в “4 More Years” авторы используют любимый еще Роджером Уотерсом метод списка при написании текста и перечисляет что еще в следующие 4 года ждет электорат (естественно, всякая параша), и что еще может принести американская демократия. Заглавный трэк цитатами из Саймона Кауэлла, переговоров пилотов и кавер на Discharge во 2-ой половине альбома проводят жирную антивоенную линию. Названия трэков типа "United Snakes", призывы сжечь Пентагон и Белый Дом... думаю, понятно. С музыкальной стороны никакой панкухи нет, разве только в кричащем вокале, второй вид вокала - декламация, выдержки из речей политических деятелей. Nightstick играют дум с нойзом и космической психоделией. Почти самый длинный трэк в самом начале альбома – “Ultimatum: 'Cut It Off, Then Kill It'” – степенные дум-риффы, много пространства от галлюцинирующей гитары и фри-джазовые стоны альт-саксофона. Еще в первом трэке есть что-то навроде аутентичного американского фолка. Стиль Nightstick соткан из кусочков сладжа, стоунера, классического хард-рока, психоделии, дрона и нойза. Рок-хиты с хитовыми запевами, эпатажными риффами, многословным классическим солированием разбавляют многочастные сюиты. Но именно эпики составляют чокнутую душу альбома. Почти везде есть космический чес по струнам а-ля нынешний пост-блэк, Cotie Cowgill-а нужно просто кодировать от использования этих техник. Инструменталы Nighstick плохо оформленные: “August 6, 1945: A. Flight B. Fright” – это триединство шума, гудения и эмбиента.
Альбом длится больше часа, но если учесть, что у нас 3 версии одного "Ультиматума", в некоторых трэках нас гипнотизируют космосом, музыки не то чтоб завались.
Штатный клоун группы (Padoinka the Clown) - важный элемент сценического действа, а музыканты, трио, умеют атаковать политическую гниль. Живьем, судя по всему, группа просто огонь – барабанщик неистово налегает на установку, а клоуна трясет в героиновых конвульсиях. Группа неистово наваливает идейности, но музыкальная составляющая их агиток довольно однобока и, честно сказать, в своих экспериментальных частях очень абстрактна, не это ли смерть для политического альбома. Неужели Роба Уильямса нужно учить?
|
| |
|
|
|
|
|
| «Dopesmoker» – альбом беззастенчиво императивный, инструкция к действию: через какие средства и куда идти и чем упиваться. Исходное для всего и жизнестроительное – конечно же, Дым, далее пустыни, караван, библейская образность…. Музыка же – его величество стоунер-дум, сочный, неповоротливый и до боли тяжеловесный. Прогорклые груженые сцепления раскатистых аккордов Мэтта Пайка, заканчивающиеся винтажным вибрато (Блэк Сэббэт как гитарный экстракт не придет на ум только ленивому), утробное копошение баса Эла Сиснероса, теплая ламповая стучалка Криса Хакиуса с мягкими сбивками и методичным плеском тарелок, а также исполинский вой, цементирующий все составляющие в идейно-тематическом отношении – таков альбом, как сумма значимых элементов. Передать же эволюцию и душу музыки намного сложнее. Вязкая музыкальная ткань в своем неспешном развертывании концентрирует состояния сознания. Парадоксальным является тот факт, что укуренное оцепенение и – выше по интеллектуальной лестнице – медитация – проглядывают в чрезвычайно массивных формах низкочастотной агрессии, но вокал опять же примиряет крайности. Не столь уж и многочисленные, учитывая хронометраж диска, хрипловатые восклицания Сиснероса подобны словам пастора, организующего паломничество (“Proceeds the Weedian, Nazareth” и т.д.). Посреди вала болезненно плотного травяного дума Мэтт Пайк уходит в дебри солирования, манеры и техники отличны, но всё выдержано в едином «дымном» стиле и не выходит за рамки эстетически верных музыкальных эпох: 1-ое классическое блюзово-хендриксовское, 2-ое очень размытое, атмосферное, с тремоло и легато-техниками. Далее коллектив берет психоделическую паузу без дисторшена, прежде чем грянуть с новой силой.
Как всякое цельное и близкое к шедевральности произведение, «Dopesmoker» может похвастаться предельно возможным разнообразием при полной монолитности, несгибаемый грохочущий грув музыки доказывает нам, что такого эффекта могли добиться только тотально преданные стилю и всецело поглощенные идеей люди. Единственная оценка программным документам вроде этого.
|
| |
|
|
|
|
|
| Известная и невероятно популярная лет 40 тому назад группировка Electric Light Orchestra из той категории британских коллективов, которым не свойственны были такие понятия, как стабильность и постоянство. И прежде всего в том, что всё десятилетие 70-х Джефф Линн и его многочисленная команда как неприкаянные дрейфовали в беспокойном рок-музыкальном пространстве в поисках приемлемой для себя стилистической гавани.
Принято было считать, что на ранней стадии своей истории ELO исповедовали интеллектуальный прог-рок, хотя в одну шеренгу к таким "твёрдым" представителям этого направления, как, допустим, Barclay James Harvest или The Moody Blues, их пристраивать было бы несправедливо. В первой половине 70-х годов эта группа нашла и комфортно заняла свою отдельную нишу, условно придерживаясь некоего подобия прога и софт-рока с естественным включением в свой репертуар симфо-рока в силу своей специализации. Как свидетельство этому непреложному факту - четыре первых их студийных альбома, включая и концептуальный "Eldorado" (1974 г.). Всё это время команду лихорадило от кадровой нестабильности, чему вряд ли стоило удивляться - чем больше состав, тем больше в нём вероятных перемен.
Последние две такие случились в январе 75-го, когда вместо Майка Эдвардса был принят виолончелист с классическим образованием Мелвин Гейл (Melvyn Gale), а заполнить в составе брешь, образовавшуюся ещё на завершающем этапе студийной работы над "Eldorado" (группу внезапно покинул затосковавший по дому басист Майк де Альбукерке), был призван Келли Грукатт (Kelly Groucutt). Исполнять партии бас-гитары тогда вместо покинувшего поле боя Альбукерке вынужден был сам Джефф Линн. К. Грукатт оказался для ELO настоящей находкой. Качественный бас-гитарист, да ещё и поющий - это было несомненное усиление группы. Весенняя часть европейского тура в этом всех убедила, а сложившийся таким образом состав "оркестра" из семи музыкантов обрёл стабильность на (удивительное дело!) ближайшие пять лет.
Далее ELO ожидал Мюнхен, где в студии Musicland группа приступила к работе над новой пластинкой. Впервые за пределами королевства Великобритания. Этот опыт, кстати говоря, команда Дж. Линна продолжит и в будущем. Ввиду того, что местный звукорежиссёр Mack (он же Рейнхольд Мак) очень удачно, по мнению Дж. Линна, "поставил" группе звук на "Face The Music". То самое новое звучание было достигнуто и привлечением к записи программы целого ряда бэк-вокалисток, а ещё солидного хора и струнного оркестра для более "сочного" и объёмного вокально-инструментального наполнения. Лидирующие же вокальные партии исполнял уже не только одинокий Линн, как это бывало прежде, а и К. Грукатт ("Poker" и вместе с Дж. Линном в "Nightrider", самых динамичных номерах LP).
Примечательная особенность пластинки - каждый её номер начинается с короткого интро (оркестрового, как правило), ими заполнены паузы между треками. И как следствие создаётся иллюзия некой целостности программы, на самом же деле её песни между собой идеологически никак не связаны.
Сюрреалистическое вступление с мистическим флёром к "Fire On High" скорее всего введёт в заблуждение слушателя, который услышит это впервые. Потому как никакого логического развития эта слегка напрягающая заставка в дальнейшем иметь не будет. Она сама в себе, между тем своя история у неё есть. По сути - это своего рода реверс Джеффа Линна на обвинения в его адрес некой религиозной общины Christian fundamentalic group в том, что по мнению этих одиозных радикалов текст одной из композиций LP "Eldorado" содержал сатанинское изречение в открытой форме. И вот этой интерлюдией в самом начале альбома Дж. Линн вроде бы троллит фундаменталистов. Технически это достигнуто путём записи в обратном порядке партии пианиста Ричарда Тэнди на синтезаторе и тирады барабанщика Бива Бивэна, на выходе звучащей действительно зловеще. Впрочем, вскоре это звукоизвержение из преисподней накрывает хор с оркестром, звучит Аллилуйя и на этом, собственно, шутливая "ответка" религиозным фанатикам от Дж. Линна заканчивается - в дело резво вступает ритм-секция и гитара Джеффа в сопровождении струнной секции ELO.
Было дело, в давние виниловые времена столь неординарное для этой пластинки вступление я, признаюсь, как-то пытался увязать с картинкой на лицевой стороне конверта LP, на которой изображён допотопный электрический стул в полной боевой готовности... Всё оказалось не совсем так.
Альбом "Face The Music" уже не содержит продолжения (или повторения) того масштабного оркестрового наката, как это было в "Eldorado", в своё время признанного самым "продвинутым" диском в творчестве ELO. Он выдержан в строгом песенном формате, что приветствовалось радиостанциями того времени, да и нынешнего тоже. Присутствие струнных инструментов, впрочем, ещё достаточно ощутимо, как и обилие бэк-вокала в самых разных его проявлениях. В общем и целом программа сохранила ещё доминирующее прог-звучание, однако с очевидным креном в поп-рок, где уже подспудно проскальзывают диско-мотивы. И подобная диско-танцевальная тенденция просматривается в большинстве треков.
Своя история есть и у "Evil Woman", ещё одной примечательной песни альбома. К концу сессионной работы, когда пришло время покидать студию в Мюнхене, освобождая её для следующих клиентов Musicland, спохватились что наработанного материала-то для LP, оказывается, недостаточно. И тогда Дж. Линн буквально в течении получаса сходу подобрал мелодию и к ней слова для ещё одной песни, которая рассматривалась как дешёвый довесок для более-менее приличного объёма программы. Однако, именно ей уготовано было стать первым хитом лонг-плея. Причём, настолько успешным, что спустя всего лишь месяц после начала продаж "Face..." в Сев. Америке (то есть в октябре 1975 г.), было решено "Evil Woman" (с "10538 Overture" на обратной стороне) выпустить ещё и отдельным синглом. В начале 76-го сингл входил уже в первую десятку соответствующих рейтингов США, Канады, Новой Зеландии и некоторых стран Европы.
Ничего, казалось бы, особенного - незамысловатая мелодия в три гитарных аккорда, раскачивающийся танцевальный ритм с ведущими клавишными, акцентированной ритм-секцией, скромной ритм-гитарой, но с обилием женского бэк-вокала и струнной секцией, придающей мелодии дискотечные мотивы. Содержание текста "Evil..." перекликается с "битловской" "Fixing A Hole" Пола Маккартни. Более того, изначально песня была длиннее на целый куплет, но при окончательном сведении всех партий номер сделали короче (лишний куплет искажал динамику программы и песня не вписывалась в американские стандарты радио-ротаций).
Ещё одна ключевая композиция "One Summer Dream" опять же некоторым образом связана с "битлами", точнее с одним из них. Не секрет, что The Beatles являлись кумирами для Джеффа Линна, а Джордж Харрисон - объектом подражания и со временем одним из близких друзей и соратников.
Красивая мягкая баллада в духе "Something" Джорджа, однако ей явно недостаёт столь же тонкого гитарного харрисоновского изящества. Дж. Линн был неплохим композитором, но весьма посредственным гитаристом и вытянуть "One Summer..." до уровня "Something" ему было не по силам. Потому вновь много струнного звучания и бэк-вокала, добротная аранжировка, достойная для ELO композиция, но без блеска. Но даже на таком фоне как-то потерялись такие номера программы, как "Strange Magic" и "Down Home Town", которые хотя и вносят некое разнообразие в стилистические схемы группы применительно к данной их работе, но и не более того. Этой пластинке ELO определённо не хватает ещё одной хитовой композиции. Как, собственно, и любой композиции, чтобы достичь стандартного 40-минутного звучания LP.
Все эти издержки, впрочем, видятся мне, что называется, здесь и сейчас. А тогда, 45 лет назад, американский рынок, на который главным образом этот альбом и был заряжен, весьма благосклонно принял "Face The Music". И это было по меньшей мере неожиданно, так как в Англии пластинка совсем не котировалась. По версии Billboard 200 этот LP добрался до 8-го места, что было несомненным достижением для европейской группы, а итоговый годовой рейтинг Billboard Year-End (1975) вывел альбом на 11 место! "Face ..." стала первой для группы пластинкой, удостоенной "золотого", а позднее и "платинового" статуса.
Популярность ELO на американском континенте была необъяснимо ошеломляющей. С 3 февраля по 13 апреля 1976 года они провели 68 выступлений за 76 (!) дней гастрольного тура, устраивая зажигательные красочные шоу на сценах мега-залов и аренах стадионов.
Во многом альбом стал поворотным в творчестве этой группы. Но мало кто в том благополучном для ELO 1976 году мог себе предположить (если таковые вообще были), что когда-то в 1971 году по инициативе Роя Вуда погрязшая в попсе неплохая команда The Move, преобразованная в Electric Light Orchestra с миссией расширить возможности арт и прог-рока с переводом в русло оркестрового рока, у которой предвиделось большое будущее, ближе к концу 70-х окажется в плену диско-наваждения.
С "Face The Music" всё тогда как раз-таки и началось.
|
| |
|
|
|
|
|
| С момента выхода неожиданно удачного "Lighting Strikes Again" минуло 4 года. Возникла и стремительно рухнула надежда на воссоединение старого, легендарного состава группы, и вот подошло время записывать очередной альбом - так уж вышло, что ему суждено было стать последним на очень долгое время. Это в последние месяцы стало известно, что Доккен-соучастники планируют записать еще один альбом (по-прежнему без человека и парохода Линча), а тогда, в теперь уже далёком 2012-м, "Broken Bones" звучал как настоящая лебединая песня - но обо всём по порядку.
Названию альбом обязан второму треку - "Broken Bones" - в тон ему, очевидно, сделали и обложку которая, с одной стороны, задорная и веселая, но с другой - откровенно аляповатая. А еще она обманчива: здесь нет разухабистого и отвязного драйва 80-х, которых можно было бы ожидать от улыбающегося Роджера. Напротив: даже быстрые треки (вроде открывашки "Empire") несут на себе печать тревоги и мрачных предчувствий, а если этого нет, то в дело и вовсе вступает старая добрая меланхолия. Отдалённо похожая на классическую "Unchain The Night", тягучая заглавная вещица являет собой апогей этого безрадостного мироощущения - и потому приятно, что после неё идет более мелодичная и светлая (но не в плане лирики) "Best of Me".
На альбоме нашлось место и для реликтов гранжевого звука 90-х. Всего их здесь 3 (но это смотря как считать), и если первый ("Blind") лишен особой ценности, то следующие два ("Waterfall", "Victim of the Crime") обладают красивой арабской мелодикой и уже хотя бы этим интересны.
А дальше альбом вдруг становится несколько более светлым и в оставшихся песнях проступают контуры того самого, старого звучания, которое присутствовало на "Back for the Attack" и "Up from the Ashes". Отдельно хотелось бы выделить балладу "Today", напоминающую чуть ли не Dire Straits времен "Brothers in Arms".
В общем и целом, материал альбома несколько уступает яркому содержимому предыдущей пластинки, но намного превосходит ту невнятицу, что была на "Long Way Home" и "Hell to Pay". Лучше бы Дон в Lynch Mob вступил, ей-богу - и поэтическая справедливость была бы восстановлена, и музыку вдвоем записали бы явно поинтереснее. Ну да ладно, не о том сейчас речь.
Что можно сказать о самих музыкантах? Вокал Доккена на тот момент уже был заметно просевшим, но сказался и большой опыт вокалиста - он не лезет на рожон и грамотно пользуется своим инструментом, так что даже лишенные былой мощи вокальные пассажи звучат без особых нареканий. В остальном всё штатно - барабаны стучат, бас басит, Джон Левин старается играть, как Джордж Линч - ничего из ряда вон выходящего, всё на уровне, на своих местах, и в рамках замысла того, кто собственно всё и затеял.
Именно так выглядит последний на данный момент альбом великой в прошлом группы. Диск получился далеко не шедевральным, но честным и не лишенным своего очарования.
Фанатам - рекомендую, остальным всё же лучше сначала ознакомиться с классикой 80-х.
|
| |
|
|
|
|
|
| Как я отношусь к ветеранам испанской пауэр-метал сцены Avalanch? Уважаю, но большой поклонницей их творчества не являюсь - нравится мне у этой банды несколько песен, и на этом всё.
18 мая 2018 года группа выпустила концертник «Hacia la luz - Directo desde Madrid», в состав которого вошли DVD и CD.
Данное выступление состоялось 17 июня 2017 года в Ла Ривьера - грандиозном концертном зале, расположенном в парке Мадрид-Рио.
Первый диск лично для меня интерес представляет в первую очередь потому, что на нем засветились многие именитые гости.
В частности, было интересно посмотреть, как парни из Débler и Гонсало из Amadeüs исполнили композицию «Mil Motivos» («Тысяча причин») - одну из моих самых любимых вещей у Avalanch. Сладкоголосый эльф Рубен Кельсен, как ни странно, вполне справился со своей задачей. Всё-таки голос у парнишки есть, как бы его не хаяли. Оригинал, конечно, звучит явно лучше, но новая версия тоже вполне доставляет.
Второй приятный сюрприз – появление Анхеля Сан Хуана из Tierra Santa, который спел песню «Alas de Cristal» («Хрустальные крылья») дуэтом с вокалистом группы Исраэлем Рамосом и сыграл на гитаре.
На этом видео Анхель более чем брутален – прямо самый настоящий мачо.
Также на лайве отметились музыканты из таких команд, как Saratoga (Тете Новоа, Нико дель Йерро), Лео Хименес, Almah (Эду Фаласки), Mago de Oz, Zenobia, Warcry, Amenti, Oker и Escuela de Odio.
Про качество съемки и звука говорить не приходится – всё сделано на самом высшем уровне. Поэтому данный концертник станет отличным подарком для всех фанатов Avalanch и не только…
|
| |
|
|
|
|
|
| Продолжаем ревизию исландского черного и около- подъема. Saint Vitus Bar просто окно в экстремальный мир для третьих миров, для тех, кто не может услышать живьем все эти передовые бригады сегодняшнего дня. Оказалось, разогревающей группой для уже титанов дэтового прогресса Ulcerate был именно исландский квартет Zhrine, разделяющий любовь новозеландцев к океанической пустотной атмоферике. И, кстати, там они слабали весь "Unortheta" от начала до конца. Это я к тому, что рецензию +- можно писать и по видеозаписи на youtube, опустив лишь визуальный компонент.
Своя фишка у группы – как минимум редкое в метальной среде использование вертикального баса – дополняется отказом от всяческой бутафории, а для сотворения медитативных интерлюдий лидером и гитаристом используется смычок, что сдает ребят с потрохами. Философия альбома зиждется на антиутопии в единственно возможном для нее ракурсе – тленном, и пОстовые лакуны для него уместны. Гитары гибки и фактурны, естественно особого дэтового жира ожидать не приходится. Но музыканты цепким коллективным наваливанием создают такую тягу, словно и нет тут расхолаживающего влияния пост-рока, метала и т.д... Последнее присутствует в виде тихоходных пассажей с джазовым душком.
Альбом вышел на Season of Mist, что подтверждает, что делать сейчас подобный атмосферный блэк-дэт актуальное и благодарное занятие. "Unortheta" вызывает закономерное сочувствие, так как ее провисания незначительны и ничто не уходит в переразреженность, как, например, у A Million Dead Birds Laughing, случавшиеся позже, в 2019-ом году. Хотя в финалах многих вещей есть 1-2 минуты эмбиентных раздумий.
Не скажу, что Zhrine чем-то очень уж удивляют, разгадать их музыкальное поведение несложно, но стиль их неглуп, чувство меры не подводит, подход уже зрелый и стремится к перфекционизму. Но вот следующий альбом дастся посложнее, придется что-то изобретать.
|
| |
|
|
|
|
|
| Skáphe, как я понимаю, популярный ныне формат интернационального сотрудничества. В том плане, что это очередное порождение неканоничного зверя USBM, но мигрировавшее в новые столицы европейского нордического (а какой он еще бывает) блэка. Дуэт, состоящий из штатовского мультиинструменталиста Алекса Пула и не лишенного таких же талантов D.G. из Misþyrming, играет психоделически прокачанный, преимущественно неспешный черный метал, космический, но правильный, не дружелюбный космический, а хладный и неприютный его вариант. Много погружающего мрачного эмбиента, гудения баса, гитарных импульсов, посылаемых в небо и ли оттуда же прилетающих. Раздумчивая, сосредоточенная и красивая в этой созерцательной самодисциплине музыка, но в следующие же минуты деструктивная, хаотическая и наркомански-раскрепощенная.
По всем фронтам американо-исландцы заставляют нас чувствовать пространство, от ударных канонад до завывающего вокала, иногда уходящего в дсбм-области. Реверберация есть бог-творец этого релиза. Разливающиеся реки угрюмого черного жужжания, отодвинутые на задний план басом и эмбиентом, бодрят как надо, но звонкие трели примоченных гитар выгодно отличают эту работу заявкой на психоделическую инаковость. Эмбиентовое оцепенение заполоняет подвальный эфир, но по законам жанра, музыка ответит поехавшими переливами и хтоническим наплывом порталовского хаоса.
Skáphe² есть замах на новое химическое соединение в цепочке кошмарных музыкальных реакций, относящееся более к небесным ужасам. Возможно, дуэт погодозависим, и переводит климатические метаморфозы в блэк-метал посредством нужных веществ, обильно заливаемых в звуковую ткань. По сравнению с Misþyrming это полностью нерок-н-ролльное, не запятнанное мейнстримом явление, опыты в лаборатории на стыке химии (BrBad) и астрономии.
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.